Una película , también llamada película , película cinematográfica , imagen en movimiento , fotografía , fotoplay o película (en jerga) , es una obra de arte visual que simula experiencias y comunica ideas, historias, percepciones, sentimientos, belleza o atmósfera mediante el uso. de imágenes en movimiento. Estas imágenes generalmente van acompañadas de sonido y, más raramente, de otros estímulos sensoriales. [1] La palabra " cine ", abreviatura de cinematografía , se utiliza a menudo para referirse a la realización de películas y a la industria cinematográfica , y a la forma de arte que es resultado de ella.
Las imágenes en movimiento de una película se crean fotografiando escenas reales con una cámara cinematográfica , fotografiando dibujos o modelos en miniatura utilizando técnicas de animación tradicionales , mediante CGI y animación por ordenador , o mediante una combinación de algunas o todas estas técnicas. y otros efectos visuales .
Antes de la introducción de la producción digital, se grababan una serie de imágenes fijas en una tira de celuloide (película fotográfica) sensibilizada químicamente , normalmente a una velocidad de 24 fotogramas por segundo. Las imágenes se transmiten a través de un proyector de películas a la misma velocidad en la que fueron grabadas, con un motor de Ginebra que garantiza que cada cuadro permanezca quieto durante su corto tiempo de proyección. Un obturador giratorio provoca intervalos estroboscópicos de oscuridad, pero el espectador no nota las interrupciones debidas a la fusión de parpadeos . El movimiento aparente en la pantalla es el resultado del hecho de que el sentido visual no puede distinguir las imágenes individuales a altas velocidades, por lo que las impresiones de las imágenes se mezclan con los intervalos oscuros y así se unen entre sí para producir la ilusión de una imagen en movimiento. Una banda sonora óptica análoga (una grabación gráfica de las palabras habladas, la música y otros sonidos ) recorre una parte de la película reservada exclusivamente a ella y que no fue proyectada.
Las películas contemporáneas suelen ser totalmente digitales durante todo el proceso de producción, distribución y exhibición.
El nombre "película" originalmente se refería a la fina capa de emulsión fotoquímica [2] sobre la tira de celuloide que solía ser el medio real para grabar y mostrar películas.
Existen muchos otros términos para una película individual, incluidos "imagen", "presentación de imágenes", "imagen en movimiento", "reproducción de fotografías" y "película". El término más común en Estados Unidos es "película", mientras que en Europa se prefiere "película". Los términos arcaicos incluyen "imágenes animadas" y "fotografía animada".
"Flick" es, en general, un término de jerga, registrado por primera vez en 1926. Tiene su origen en el verbo flicker, debido a la apariencia parpadeante de las primeras películas. [3]
Los términos comunes para este campo, en general, incluyen "la pantalla grande", "la pantalla grande", "las películas" y "cine"; el último de ellos se utiliza comúnmente, como término general, en textos académicos y ensayos críticos. En los primeros años, a veces se utilizaba la palabra "hoja" en lugar de "pantalla".
El arte del cine se ha basado en varias tradiciones anteriores en campos como la narración oral , la literatura , el teatro y las artes visuales . Las formas de arte y entretenimiento que ya presentaban imágenes en movimiento o proyectadas incluyen:
El principio de animación estroboscópica se introdujo en 1833 con el disco estroboscópico (más conocido como fenaquisticope ) y posteriormente se aplicó en el zoótropo (desde 1866), el libro animado (desde 1868) y el praxinoscopio (desde 1877), antes de convertirse en el Principio básico de la cinematografía.
Los experimentos con los primeros proyectores de animación basados en fénakisticopos se realizaron al menos ya en 1843 y se proyectaron públicamente en 1847. Jules Duboscq comercializó sistemas de proyección de fénakisticopos en Francia desde c. 1853 hasta la década de 1890.
La fotografía se introdujo en 1839, pero inicialmente las emulsiones fotográficas necesitaban exposiciones tan largas que la grabación de sujetos en movimiento parecía imposible. Al menos ya en 1844, se crearon series fotográficas de sujetos posados en diferentes posiciones para sugerir una secuencia de movimiento o documentar una variedad de ángulos de visión diferentes. La llegada de la fotografía estereoscópica, con los primeros experimentos en la década de 1840 y el éxito comercial desde principios de la década de 1850, despertó el interés en completar el medio fotográfico con la adición de medios para capturar el color y el movimiento. En 1849, Joseph Plateau publicó sobre la idea de combinar su invención del fenaquisticope con el estereoscopio, como le sugirió el inventor del estereoscopio Charles Wheatstone , y utilizar fotografías de esculturas de yeso en diferentes posiciones para animarlas en el dispositivo combinado. En 1852, Jules Duboscq patentó un instrumento llamado "Stéréoscope-fantascope, ou Bïoscope", pero lo comercializó muy brevemente y sin éxito. Un disco Bïoscope con fotografías estereoscópicas de una máquina se encuentra en la colección Plateau de la Universidad de Gante, pero aún no se han encontrado instrumentos ni otros discos.
A finales de la década de 1850 surgieron los primeros ejemplos de fotografía instantánea y brindaron la esperanza de que pronto sería posible la fotografía en movimiento, pero pasaron algunas décadas antes de que se combinara con éxito con un método para registrar series de imágenes secuenciales en tiempo real. En 1878, Eadweard Muybridge finalmente logró tomar una serie de fotografías de un caballo corriendo con una batería de cámaras en línea a lo largo de la pista y publicó los resultados como The Horse in Motion en tarjetas de gabinete . Muybridge, así como Étienne-Jules Marey , Ottomar Anschütz y muchos otros, crearían muchos más estudios de cronofotografía . Muybridge hizo trazar los contornos de decenas de sus series cronofotográficas en discos de vidrio y los proyectó con su zoopraxiscopio en sus conferencias de 1880 a 1895.
Anschütz hizo sus primeras fotografías instantáneas en 1881. Desarrolló una cámara portátil que permitía velocidades de obturación tan cortas como 1/1000 de segundo en 1882. En general, se consideraba que la calidad de sus fotografías era mucho mayor que la de las obras de cronofotografía de Muybridge y Étienne-Jules Marey . [4] En 1886, Anschütz desarrolló el electrotaquiscopio , uno de los primeros dispositivos que mostraba bucles cortos de imágenes en movimiento con 24 fotografías en placa de vidrio en una rueda giratoria de 1,5 metros de ancho que se accionaba manualmente a una velocidad de aproximadamente 30 fotogramas por segundo. Se mostraron diferentes versiones en muchas exposiciones, ferias, convenciones y salas de juegos internacionales desde 1887 hasta al menos 1894. A partir de 1891, Siemens & Halske fabricó en Berlín unos 152 ejemplares de un modelo de electrotaquiscopio que funciona con monedas y se vendió internacionalmente. [5] [4] Casi 34.000 personas pagaron para verlo en el Parque de Exposiciones de Berlín en el verano de 1892. Otros lo vieron en Londres o en la Feria Mundial de Chicago de 1893. El 25 de noviembre de 1894, Anschütz presentó un proyector de electrotaquiscopio con una proyección de 6x8 metros. en Berlín. Entre el 22 de febrero y el 30 de marzo de 1895, un total de alrededor de 7.000 clientes de pago vinieron a ver un espectáculo de una hora y media con unas 40 escenas en una sala de 300 asientos en el antiguo edificio del Reichstag en Berlín. [6]
Émile Reynaud ya mencionó la posibilidad de proyectar las imágenes del Praxinoscopio en su solicitud de patente de 1877. Presentó un dispositivo de proyección de praxinoscopio en la Société française de photographie el 4 de junio de 1880, pero no comercializó su praxinoscopio como proyección antes de 1882. Luego desarrolló aún más el dispositivo en el Théâtre Optique , que podía proyectar secuencias más largas con fondos separados, patentado en 1888. Creó varias películas para la máquina pintando imágenes en cientos de placas de gelatina montadas en marcos de cartón y unidas a una banda de tela. Desde el 28 de octubre de 1892 hasta marzo de 1900, Reynaud ofreció más de 12.800 espectáculos ante un total de más de 500.000 visitantes en el Museo Grévin de París.
A finales de la década de 1880, la introducción de largos de película fotográfica de celuloide y la invención de las cámaras cinematográficas , que podían fotografiar una secuencia rápida de imágenes usando una sola lente, permitieron capturar y almacenar la acción en un solo carrete compacto de película. .
Inicialmente, las películas se mostraban públicamente a una persona a la vez a través de dispositivos de "peep show" como el electrotaquiscopio , el kinetoscopio y el mutoscopio . Poco después, los exhibidores lograron proyectar películas en pantallas gigantes para el público de las salas de cine.
Las primeras proyecciones públicas de películas con entrada de pago fueron realizadas en 1895 por el estadounidense Woodville Latham y sus hijos, utilizando películas producidas por su empresa Eidoloscope , [7] por los hermanos Skladanowsky y por los hermanos franceses, probablemente más conocidos, Auguste . y Louis Lumière con diez producciones propias. [ cita necesaria ] Las proyecciones privadas las habían precedido varios meses, y la de Latham fue ligeramente anterior a la de los demás. [ cita necesaria ]
Las primeras películas eran simplemente una toma estática que mostraba un evento o acción sin edición ni otras técnicas cinematográficas . Las películas típicas mostraban a los empleados saliendo de la puerta de una fábrica, a la gente caminando por la calle y la vista desde la parte delantera de un tranvía mientras recorría la calle principal de una ciudad. Según la leyenda, cuando una película mostraba una locomotora acercándose a gran velocidad al público, el público entró en pánico y salió corriendo del teatro. A principios del siglo XX, las películas comenzaron a unir varias escenas para contar una historia. (Los cineastas que primero pusieron varias tomas o escenas descubrieron que, cuando una toma sigue a otra, ese acto establece una relación entre el contenido de las tomas separadas en la mente del espectador. Es esta relación la que hace posible toda narración cinematográfica. En (un ejemplo simple, si se muestra a una persona mirando por una ventana, lo que sea que muestre la siguiente toma, se considerará como la vista que la persona estaba viendo). Cada escena era una sola toma estacionaria con la acción que ocurría antes. Posteriormente, las escenas se dividieron en múltiples tomas fotografiadas desde diferentes distancias y ángulos. Otras técnicas, como el movimiento de la cámara, se desarrollaron como formas efectivas de contar una historia con una película. Hasta que el cine sonoro se volvió comercialmente práctico a finales de la década de 1920, las películas eran un arte puramente visual , pero estas innovadoras películas mudas se habían arraigado en la imaginación del público. En lugar de dejar al público sólo con el ruido del proyector como acompañamiento, los propietarios de los cines contrataron a un pianista u organista o, en los grandes teatros urbanos, a una orquesta completa para tocar música que se adaptara al ambiente de la película en un momento dado. A principios de la década de 1920, la mayoría de las películas venían con una lista preparada de partituras para usar con este propósito, y se componían partituras completas para las principales producciones.
El auge del cine europeo fue interrumpido por el estallido de la Primera Guerra Mundial , mientras que la industria cinematográfica en los Estados Unidos floreció con el auge de Hollywood , ejemplificado de manera destacada por el trabajo innovador de DW Griffith en El nacimiento de una nación (1915) y Intolerancia (1916). Sin embargo, en la década de 1920, cineastas europeos como Eisenstein , FW Murnau y Fritz Lang , inspirados en muchos aspectos por el meteórico progreso del cine en tiempos de guerra a través de Griffith, junto con las contribuciones de Charles Chaplin , Buster Keaton y otros, rápidamente alcanzaron a los cineastas estadounidenses. realización de películas y continuó avanzando en el medio.
En la década de 1920, el desarrollo de las tecnologías de grabación de sonido electrónico hizo práctico incorporar una banda sonora de voz, música y efectos de sonido sincronizados con la acción en la pantalla. [ cita necesaria ] Las películas sonoras resultantes se distinguieron inicialmente de las habituales "imágenes en movimiento" o "películas" mudas llamándolas "imágenes sonoras" o "películas sonoras". [ cita necesaria ] La revolución que forjaron fue rápida. En 1930, el cine mudo estaba prácticamente extinto en Estados Unidos y ya se lo conocía como "el viejo medio". [ cita necesaria ]
La evolución del sonido en el cine comenzó con la idea de combinar imágenes en movimiento con la tecnología de sonido fonográfica existente . Los primeros sistemas de cine sonoro, como el kinetoscopio de Thomas Edison y el Vitaphone utilizado por Warner Bros. , sentaron las bases para el sonido sincronizado en el cine. El sistema Vitaphone, producido junto con Bell Telephone Company y Western Electric , enfrentó una resistencia inicial debido a los elevados costos de equipamiento, pero el sonido en el cine ganó aceptación con películas como Don Juan (1926) y The Jazz Singer (1927). [8]
Los estudios cinematográficos estadounidenses, mientras que Europa estandarizó los sistemas Tobis-Klangfilm y Tri-Ergon. Esta nueva tecnología permitió una mayor fluidez en el cine, dando lugar a películas más complejas y épicas como King Kong (1933). [9]
Cuando surgió la amenaza televisiva en las décadas de 1940 y 1950, la industria cinematográfica necesitó innovar para atraer audiencias. En términos de tecnología de sonido, esto significó el desarrollo del sonido envolvente y sistemas de audio más sofisticados, como el sistema de siete canales de Cinerama . Sin embargo, estos avances requirieron una gran cantidad de personal para operar el equipo y mantener la experiencia de sonido en las salas. [9]
En 1966, Dolby Laboratories introdujo el sistema de reducción de ruido Dolby A, que se convirtió en un estándar en la industria discográfica y eliminó el silbido asociado con esfuerzos de estandarización anteriores. Dolby Stereo , un revolucionario sistema de sonido envolvente, siguió y permitió a los diseñadores de cine tener en cuenta la acústica al diseñar salas. Esta innovación permitió que el público de lugares más pequeños disfrutara de experiencias de audio comparables a las de los cines de ciudades más grandes. [10]
Hoy en día, el futuro del sonido en el cine sigue siendo incierto, y las posibles influencias de la inteligencia artificial , el audio remasterizado y las experiencias de visualización personales están dando forma a su desarrollo. [11] [12] Sin embargo, está claro que la evolución del sonido en el cine ha estado marcada por la innovación continua y el deseo de crear experiencias más inmersivas y atractivas para el público.
Un avance tecnológico significativo en el cine fue la introducción del "color natural", donde el color se capturaba directamente de la naturaleza a través de la fotografía, en lugar de agregarlo manualmente a las impresiones en blanco y negro utilizando técnicas como colorear a mano o colorear con plantillas. [13] [14] Los primeros procesos de color a menudo producían colores que parecían lejos de ser "naturales". [15] A diferencia de la rápida transición del cine mudo al sonoro, la sustitución del blanco y negro por el color se produjo de forma más gradual. [dieciséis]
La innovación crucial fue la versión de tres tiras del proceso Technicolor, utilizado por primera vez en dibujos animados en 1932. [17] [18] El proceso se aplicó más tarde a cortometrajes de acción real, secuencias específicas en largometrajes y, finalmente, para un largometraje completo, Becky Sharp, en 1935. [19] Aunque el proceso fue costoso, la respuesta positiva del público, como lo demuestran los mayores ingresos de taquilla, en general justificó el costo adicional. [13] En consecuencia, el número de películas realizadas en color aumentó gradualmente año tras año. [20] [21]
A principios de la década de 1950, la proliferación de la televisión en blanco y negro comenzó a deprimir seriamente la asistencia al teatro norteamericano. [ cita necesaria ] En un intento de atraer al público a los cines, se instalaron pantallas más grandes, procesos de pantalla panorámica , proyección 3D polarizada y sonido estereofónico , y se hicieron más películas en color, lo que pronto se convirtió en la regla y no en la excepción. Algunas películas importantes de Hollywood todavía se hacían en blanco y negro a mediados de la década de 1960, pero marcaron el final de una era. Los receptores de televisión en color habían estado disponibles en los EE. UU. desde mediados de la década de 1950, pero al principio eran muy caros y pocas transmisiones eran en color. Durante la década de 1960, los precios bajaron gradualmente, las transmisiones en color se hicieron comunes y las ventas aumentaron. El abrumador veredicto público a favor del color fue claro. Después de que se estrenara la última oleada de películas en blanco y negro a mediados de la década, todas las producciones de los estudios de Hollywood se filmaron en color, con las excepciones habituales hechas sólo ante la insistencia de cineastas "estrella" como Peter Bogdanovich y Martin Scorsese . [ cita necesaria ]
Las décadas que siguieron al declive del sistema de estudios en la década de 1960 vieron cambios en la producción y el estilo del cine. Varios movimientos de la Nueva Ola (incluida la Nueva Ola Francesa , la Nueva Ola del Cine Alemán , la Nueva Ola India , la Nueva Ola Japonesa , el Nuevo Hollywood y la Nueva Ola Egipcia ) y el surgimiento de cineastas independientes educados en escuelas de cine contribuyeron a los cambios que experimentó el medio. en la segunda mitad del siglo XX. La tecnología digital ha sido la fuerza impulsora del cambio durante los años 1990 y 2000. La proyección digital 3D reemplazó en gran medida a los anteriores sistemas de películas 3D propensos a problemas y se hizo popular a principios de la década de 2010. [ cita necesaria ]
La " teoría del cine " busca desarrollar conceptos concisos y sistemáticos que se apliquen al estudio del cine como arte . El concepto de cine como forma de arte comenzó en 1911 con el manifiesto de Ricciotto Canudo El nacimiento del sexto arte . La Escuela de Cine de Moscú , la escuela de cine más antigua del mundo, fue fundada en 1919 con el fin de enseñar e investigar la teoría cinematográfica. La teoría cinematográfica formalista , liderada por Rudolf Arnheim , Béla Balázs y Siegfried Kracauer , enfatizaba cómo el cine difería de la realidad y, por lo tanto, podía considerarse una bella arte válida . André Bazin reaccionó contra esta teoría argumentando que la esencia artística del cine residía en su capacidad de reproducir mecánicamente la realidad, no en sus diferencias con la realidad, y esto dio origen a la teoría realista . Un análisis más reciente impulsado por el psicoanálisis de Jacques Lacan y la semiótica de Ferdinand de Saussure, entre otras cosas, ha dado lugar a la teoría del cine psicoanalítico , la teoría del cine estructuralista , la teoría del cine feminista y otras. Por otro lado, los críticos de la tradición de la filosofía analítica , influenciados por Wittgenstein , intentan aclarar conceptos erróneos utilizados en los estudios teóricos y producir análisis del vocabulario de una película y su vínculo con una forma de vida .
Se considera que el cine tiene un lenguaje propio . James Monaco escribió un texto clásico sobre teoría cinematográfica, titulado "Cómo leer una película", que aborda este tema. El director Ingmar Bergman dijo la famosa frase: " Para mí , Andrei Tarkovsky es el mejor director , el que inventó un nuevo lenguaje , fiel a la naturaleza del cine, ya que captura la vida como un reflejo, la vida como un sueño". Un ejemplo del lenguaje es una secuencia de imágenes de ida y vuelta del perfil izquierdo de un actor que habla, seguida del perfil derecho de otro actor que habla, y luego una repetición de esto, que es un lenguaje que la audiencia entiende para indicar una conversación. Esto describe otra teoría del cine, la regla de los 180 grados , como un dispositivo visual de narración de historias con la capacidad de colocar al espectador en un contexto de estar psicológicamente presente mediante el uso de composición y edición visual. El " estilo Hollywood " incluye esta teoría narrativa, debido a la abrumadora práctica de la regla por parte de los estudios cinematográficos con sede en Hollywood, California, durante la era clásica del cine. Otro ejemplo de lenguaje cinematográfico es una toma que se acerca a la frente de un actor con una expresión de reflexión silenciosa que corta a una toma de un actor más joven que se parece vagamente al primer actor, lo que indica que la primera persona está recordando un yo pasado. , una edición de composiciones que provoca una transición temporal.
El montaje es una técnica de edición de películas en la que se seleccionan, editan y ensamblan piezas separadas de la película para crear una nueva sección o secuencia dentro de una película. Esta técnica se puede utilizar para transmitir una narrativa o crear un efecto emocional o intelectual yuxtaponiendo diferentes tomas, a menudo con el fin de condensar el tiempo, el espacio o la información. El montaje puede implicar flashbacks , acciones paralelas o la interacción de varios elementos visuales para mejorar la narración o crear un significado simbólico . [22]
El concepto de montaje surgió en la década de 1920, cuando cineastas soviéticos pioneros como Sergei Eisenstein y Lev Kuleshov desarrollaron la teoría del montaje. La película de Eisenstein El acorazado Potemkin (1925) es un excelente ejemplo del uso innovador del montaje, donde empleó yuxtaposiciones complejas de imágenes para crear un impacto visceral en la audiencia. [23]
A medida que evolucionó el arte del montaje, los cineastas comenzaron a incorporar contrapuntos musicales y visuales para crear una experiencia más dinámica y atractiva para el espectador. El desarrollo de la construcción de escenas a través de la puesta en escena , la edición y los efectos especiales condujo a técnicas más sofisticadas que pueden compararse con las utilizadas en la ópera y el ballet. [24]
El movimiento francés de la Nueva Ola de finales de los años cincuenta y sesenta también adoptó la técnica del montaje, y cineastas como Jean-Luc Godard y François Truffaut utilizaron el montaje para crear películas distintivas e innovadoras. Este enfoque sigue siendo influyente en el cine contemporáneo, donde los directores emplean el montaje para crear secuencias memorables en sus películas. [25]
En el cine contemporáneo, el montaje sigue desempeñando un papel esencial a la hora de dar forma a las narrativas y crear resonancia emocional. Los cineastas han adaptado la técnica de montaje tradicional para adaptarla a la estética y los estilos de narración en evolución del cine moderno.
A medida que el medio cinematográfico continúa evolucionando, el montaje sigue siendo un aspecto integral de la narración visual, y los cineastas encuentran formas nuevas e innovadoras de emplear esta poderosa técnica.
Si una película puede iluminar las vidas de otras personas que comparten este planeta con nosotros y mostrarnos no sólo lo diferentes que son sino que, aun así, comparten los mismos sueños y dolores, entonces merece ser considerada grandiosa.
—Roger Ebert (1986) [30]
La crítica cinematográfica es el análisis y la evaluación de las películas. En general, estos trabajos se pueden dividir en dos categorías: crítica académica realizada por estudiosos del cine y crítica cinematográfica periodística que aparece periódicamente en periódicos y otros medios. Los críticos de cine que trabajan para periódicos, revistas y medios de difusión revisan principalmente los nuevos estrenos. Normalmente sólo ven una película determinada una vez y sólo tienen uno o dos días para formular sus opiniones. Pese a ello, la crítica tiene un impacto importante en la respuesta del público y la asistencia a las películas, especialmente las de determinados géneros . Las películas de acción , terror y comedia comercializadas en masa tienden a no verse muy afectadas por el juicio general que un crítico hace sobre una película. El resumen de la trama y la descripción de una película y la evaluación del trabajo del director y guionista que constituye la mayoría de las críticas cinematográficas aún pueden tener un impacto importante en la decisión de las personas de ver una película. Para películas de prestigio, como la mayoría de los dramas y películas artísticas , la influencia de las críticas es importante. Las malas críticas de los principales críticos de los principales periódicos y revistas a menudo reducirán el interés y la asistencia de la audiencia.
El impacto de un crítico en el desempeño de taquilla de una película determinada es un tema de debate. Algunos observadores afirman que el marketing cinematográfico en la década de 2000 es tan intenso, bien coordinado y bien financiado que los críticos no pueden evitar que una superproducción mal escrita o filmada alcance el éxito en el mercado. Sin embargo, el fracaso catastrófico de algunas películas muy promocionadas que recibieron duras críticas, así como el éxito inesperado de películas independientes elogiadas por la crítica, indican que las reacciones críticas extremas pueden tener una influencia considerable. Otros observadores señalan que se ha demostrado que las críticas positivas sobre películas despiertan el interés por películas poco conocidas. Por el contrario, ha habido varias películas en las que las compañías cinematográficas tienen tan poca confianza que se niegan a ofrecer a los críticos un visionado avanzado para evitar una crítica generalizada de la película. Sin embargo, esto suele resultar contraproducente, ya que los críticos son prudentes con la táctica y advierten al público que puede que no valga la pena ver la película y, como resultado, las películas a menudo obtienen malos resultados. A los críticos de cine periodistas a veces se les llama críticos de cine. Los críticos que adoptan un enfoque más académico de las películas, mediante publicaciones en revistas cinematográficas y libros sobre películas utilizando enfoques de teoría cinematográfica o estudios cinematográficos , estudian cómo funcionan el cine y las técnicas de filmación, y qué efecto tienen en las personas. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o aparecer en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o revistas de alto nivel. También tienden a estar afiliados a colegios o universidades como profesores o instructores.
La realización y exhibición de películas se convirtió en una fuente de ganancias casi tan pronto como se inventó el proceso. Al ver el éxito de su nuevo invento y su producto en su Francia natal, los Lumière rápidamente se pusieron a viajar por el continente para exhibir las primeras películas de forma privada ante la realeza y públicamente ante las masas. En cada país, normalmente agregaban nuevas escenas locales a su catálogo y, rápidamente, encontraban empresarios locales en los distintos países de Europa para comprar sus equipos y fotografiar, exportar, importar y proyectar productos adicionales comercialmente. La Pasión de Oberammergau de 1898 [31] fue la primera película comercial jamás producida. Pronto siguieron otras películas, y las películas se convirtieron en una industria separada que eclipsó el mundo del vodevil. Se formaron teatros y compañías dedicadas específicamente a producir y distribuir películas, mientras que los actores cinematográficos se convirtieron en grandes celebridades y cobraron enormes honorarios por sus actuaciones. En 1917, Charlie Chaplin tenía un contrato que pedía un salario anual de un millón de dólares. De 1931 a 1956, la película fue también el único sistema de almacenamiento y reproducción de imágenes para la programación televisiva hasta la introducción de las grabadoras de vídeo .
En Estados Unidos, gran parte de la industria cinematográfica se centra en Hollywood, California . Existen otros centros regionales en muchas partes del mundo, como Bollywood , con sede en Mumbai , el cine hindi de la industria cinematográfica india que produce el mayor número de películas del mundo. [32] Aunque el gasto involucrado en la realización de películas ha llevado a que la producción cinematográfica se concentre bajo los auspicios de los estudios cinematográficos , los avances recientes en equipos de producción cinematográfica asequibles han permitido que florezcan las producciones cinematográficas independientes.
Las ganancias son una fuerza clave en la industria, debido a la naturaleza costosa y arriesgada de la realización cinematográfica; muchas películas tienen grandes sobrecostos , un ejemplo es Waterworld , de Kevin Costner . Sin embargo, muchos cineastas se esfuerzan por crear obras de importancia social duradera. Los Premios de la Academia (también conocidos como "los Oscar") son los premios cinematográficos más destacados de los Estados Unidos y otorgan reconocimiento cada año a las películas en función de sus méritos artísticos. También existe una gran industria de películas educativas e instructivas realizadas en lugar de conferencias y textos o además de ellos. Los ingresos en la industria son a veces volátiles debido a la dependencia de películas taquilleras estrenadas en salas de cine . El auge del entretenimiento doméstico alternativo ha planteado interrogantes sobre el futuro de la industria cinematográfica, y el empleo en Hollywood se ha vuelto menos confiable, particularmente para películas de mediano y bajo presupuesto. [33]
Los campos de estudio académicos derivados pueden interactuar con la realización cinematográfica y desarrollarse independientemente de ella, como en la teoría y el análisis cinematográfico . Se han creado campos de estudio académico que son derivados o dependientes de la existencia del cine, como la crítica cinematográfica , la historia del cine , las divisiones de la propaganda cinematográfica en gobiernos autoritarios o los efectos psicológicos o subliminales (por ejemplo, de una lata de refresco parpadeante durante una proyección). ). Estos campos pueden crear campos derivados, como una sección de reseñas de películas en un periódico o una guía de televisión. Del cine pueden derivarse subindustrias, como los fabricantes de palomitas de maíz y los juguetes relacionados con el cine (por ejemplo, las figuras de Star Wars ). Las subindustrias de industrias preexistentes pueden ocuparse específicamente del cine, como la colocación de productos y otros tipos de publicidad dentro de las películas.
La terminología utilizada para describir películas varía considerablemente entre el inglés británico y el americano . En el uso británico, el nombre del medio es película . La palabra película se entiende pero rara vez se usa. [34] [35] Además, los cuadros (plural) se utilizan con cierta frecuencia para referirse al lugar donde se exhiben las películas; En inglés americano esto puede llamarse películas , pero ese término se está volviendo obsoleto. En otros países, el lugar donde se exhiben las películas puede denominarse cine o sala de cine .
Por el contrario, en Estados Unidos, película es el término predominante para este medio. Aunque las palabras película y película a veces se usan indistintamente, película se usa más a menudo cuando se consideran aspectos artísticos , teóricos o técnicos . El término películas se refiere más a menudo a aspectos comerciales o de entretenimiento , como dónde ir para pasar una noche divertida en una cita. Por ejemplo, un libro titulado Cómo entender una película probablemente trataría sobre la estética o la teoría del cine, mientras que un libro titulado Vamos al cine probablemente trataría sobre la historia de las películas de entretenimiento y los éxitos de taquilla .
Se utiliza más terminología para distinguir diversas formas y medios utilizados en la industria cinematográfica. Imágenes en movimiento e imágenes en movimiento son términos utilizados con frecuencia para películas y producciones cinematográficas destinadas específicamente a exhibición teatral, como Star Wars . DVD , Blu-ray Disc y cintas de vídeo son formatos de vídeo que pueden reproducir una película fotoquímica. Una reproducción basada en los mismos se llama transferencia . Después de la llegada del cine teatral como industria, la industria de la televisión comenzó a utilizar cintas de vídeo como medio de grabación. Durante muchas décadas, la cinta fue únicamente un medio analógico en el que se podían grabar o transferir imágenes en movimiento. Película y filmación se refieren al medio fotoquímico que registra químicamente una imagen visual y el acto de grabar, respectivamente. Sin embargo, el acto de tomar imágenes con otros medios visuales, como con una cámara digital, todavía se llama filmación , y las obras resultantes a menudo se denominan películas como intercambiables con películas , a pesar de no haber sido filmadas en película. Las películas mudas no tienen por qué ser completamente mudas, sino que son películas y películas sin diálogo audible, incluidas aquellas que tienen acompañamiento musical. La palabra cine sonoro se refiere a las primeras películas sonoras creadas para tener diálogos audibles grabados para su reproducción junto con la película, independientemente del acompañamiento musical. El cine abarca ampliamente tanto películas como películas, o es aproximadamente sinónimo de cine y exhibición teatral, y ambos se escriben con mayúscula cuando se hace referencia a una categoría de arte. La pantalla plateada hace referencia a la pantalla de proyección utilizada para exhibir películas y, por extensión, también se utiliza como metónimo de toda la industria cinematográfica.
La pantalla panorámica se refiere a una mayor anchura y altura en el marco , en comparación con las relaciones de aspecto históricas anteriores . [36] Un largometraje , o largometraje , es de duración convencional, generalmente de 60 minutos o más, y puede mantenerse comercialmente por sí solo sin otras películas en una proyección con entrada. [37] Un corto es una película que no es tan larga como un largometraje, a menudo se proyecta junto con otros cortometrajes o precede a un largometraje. Una independiente es una película realizada fuera de la industria cinematográfica convencional.
En el uso estadounidense, se habla de una proyección o proyección de una película o vídeo en una pantalla en un teatro público o privado . En inglés británico, la proyección de una película se realiza en un cine (nunca en un teatro , que es un medio y un lugar completamente diferente). [35] El cine generalmente se refiere a un escenario diseñado específicamente para exhibir películas, donde la pantalla está fijada a una pared, mientras que el teatro generalmente se refiere a un lugar donde la acción en vivo, no grabada o una combinación de las mismas ocurre desde un podio u otro tipo de escenario. , incluido el anfiteatro. Los cines aún pueden proyectar películas en ellos, aunque se modernizarán para hacerlo. Se podría proponer ir al cine al referirse a la actividad, o a veces a las películas en inglés británico, mientras que la expresión estadounidense suele ser ir al cine . Un cine suele proyectar una película de gran consumo mediante un proceso de pantalla de proyección frontal con un proyector de películas o, más recientemente, con un proyector digital. Sin embargo, los cines también pueden mostrar películas desde sus transferencias de video domésticas que incluyen Blu-ray Disc, DVD y videocasetes cuando poseen suficiente calidad de proyección o según la necesidad, como películas que existen solo en su estado transferido, lo que puede deberse a la pérdida o deterioro del master de la película y las copias de las que existió originalmente la película. Debido a la llegada de la producción y distribución de películas digitales , es posible que las películas físicas estén completamente ausentes.
Un largometraje doble es la proyección de dos largometrajes independientes comercializados de forma independiente. Un visionado es mirar una película. Las ventas y en taquilla se refieren a las entradas vendidas en un teatro o, más actualmente, a los derechos vendidos para funciones individuales. Un estreno es la distribución y, a menudo, la proyección simultánea de una película. Una vista previa es una proyección antes del lanzamiento principal.
Cualquier película también puede tener una secuela , que retrata eventos posteriores a los de la película. La novia de Frankenstein es un ejemplo temprano. Cuando hay más películas de una con los mismos personajes, arcos argumentales o temas temáticos, estas películas se convierten en una serie , como la serie de James Bond . Existir fuera de una línea temporal de una historia específica generalmente no excluye que una película forme parte de una serie. Una película que retrata eventos que ocurren antes en una línea de tiempo con los de otra película, pero que se estrena después de esa película, a veces se llama precuela , un ejemplo es Butch and Sundance: The Early Days .
Los créditos , o créditos finales , son una lista que da crédito a las personas involucradas en la producción de una película. Las películas anteriores a la década de 1970 generalmente comienzan con créditos y a menudo terminan solo con una tarjeta de título que dice "El fin" o algo equivalente, a menudo un equivalente que depende del idioma de la producción. [ cita necesaria ] A partir de ese momento, los créditos de una película suelen aparecer al final de la mayoría de las películas. Sin embargo, las películas con créditos que terminan una película a menudo repiten algunos créditos al comienzo o cerca del comienzo de una película y, por lo tanto, aparecen dos veces, como los protagonistas de esa película, mientras que con menos frecuencia algunos que aparecen cerca o al principio solo aparecen allí, no al final. final, lo que a menudo sucede en crédito del director. Los créditos que aparecen al comienzo o cerca del comienzo de una película generalmente se denominan títulos o títulos iniciales . Una escena post-créditos es una escena que se muestra después del final de los créditos. Ferris Bueller's Day Off tiene una escena post-créditos en la que Ferris le dice al público que la película ha terminado y que deben irse a casa.
El elenco de una película se refiere a una colección de actores y actrices que aparecen o protagonizan una película. Una estrella es un actor o actriz, a menudo popular y, en muchos casos, una celebridad que interpreta a un personaje central en una película. Ocasionalmente la palabra también puede usarse para referirse a la fama de otros miembros del equipo, como un director u otra personalidad, como Martin Scorsese . Un equipo generalmente se interpreta como las personas involucradas en la construcción física de una película fuera de la participación del elenco, y podría incluir directores, editores de películas, fotógrafos, encargados, decoradores de escenarios, maestros de utilería y diseñadores de vestuario. Una persona puede ser parte del elenco y del equipo de una película, como Woody Allen , quien dirigió y protagonizó Take the Money and Run .
Un cinéfilo , cinéfilo o cinéfilo es una persona a la que le gustan o asiste con frecuencia películas y cine, y cualquiera de estos, aunque más a menudo este último, también podría verse como un estudiante de cine y cine o del proceso fílmico. El intenso interés por el cine, la teoría cinematográfica y la crítica cinematográfica se conoce como cinefilia . A un entusiasta del cine se le conoce como cinéfilo o cineasta .
La presentación previa se refiere a la proyección de una película ante una audiencia selecta, generalmente con fines de promoción corporativa, antes del estreno público de la película. Las vistas previas a veces se utilizan para juzgar la reacción de la audiencia, que si es inesperadamente negativa, puede resultar en volver a editar o incluso volver a filmar ciertas secciones en función de la respuesta de la audiencia . Un ejemplo de una película que fue modificada después de una respuesta negativa en la proyección de prueba es First Blood de 1982 . Después de que el público de prueba respondiera muy negativamente a la muerte del protagonista John Rambo , un veterano de Vietnam , al final de la película, la compañía escribió y volvió a filmar un nuevo final en el que el personaje sobrevive. [38]
Los trailers o avances son anuncios de películas que se proyectarán dentro de 1 a 3 meses en un cine. En los inicios del cine, con salas que sólo tenían una o dos pantallas, solo se proyectaban ciertos avances de las películas que se iban a proyectar allí. Más tarde, cuando los cines agregaron más pantallas o se construyeron nuevos cines con muchas pantallas, se mostraron todos los avances diferentes incluso si no iban a proyectar esa película en ese cine. Los estudios de cine se dieron cuenta de que cuantos más avances se proyectaran (incluso si no se proyectaran en ese cine en particular), más espectadores irían a un cine diferente para ver la película cuando se estrenara. El término tráiler proviene de haber sido mostrado originalmente al final de un programa cinematográfico. Esa práctica no duró mucho porque los clientes tendían a abandonar el cine después de que terminaban las películas, pero el nombre se mantuvo. Los avances ahora se muestran antes de que comience la película (o la "película A" en un programa doble). Los avances de películas también son comunes en DVD y discos Blu-ray, así como en Internet y dispositivos móviles. Los avances se crean para ser atractivos e interesantes para los espectadores. Como resultado, en la era de Internet, los espectadores suelen buscar avances para verlos. De los diez mil millones de vídeos vistos online anualmente en 2008, los avances de películas ocuparon el tercer lugar, después de las noticias y los vídeos creados por los usuarios. [39] Un adelanto es una vista previa o un anuncio mucho más corto que dura sólo de 10 a 30 segundos. Los avances se utilizan para entusiasmar a los clientes sobre una película que se estrenará en los próximos seis a doce meses. Los avances pueden producirse incluso antes de que se complete la producción de la película.
Las películas son artefactos culturales creados por culturas específicas , que facilitan el diálogo intercultural. Se considera una forma de arte importante que proporciona entretenimiento y valor histórico, y a menudo documenta visualmente un período de tiempo. La base visual del medio le confiere un poder universal de comunicación, que a menudo se amplía aún más mediante el uso de doblaje o subtítulos para traducir el diálogo a otros idiomas. [42] El simple hecho de ver un lugar en una película está vinculado a un mayor turismo hacia ese lugar, lo que demuestra cuán poderosa puede ser la naturaleza sugerente del medio. [43]
El cine se utiliza para una variedad de objetivos, incluida la educación y la propaganda, debido a su capacidad para promover un diálogo intercultural eficaz. Cuando el propósito es principalmente educativo, una película se denomina " película educativa ". Algunos ejemplos son grabaciones de conferencias y experimentos académicos, o una película basada en una novela clásica. Las películas pueden ser propaganda , total o parcialmente, como las películas realizadas por Leni Riefenstahl en la Alemania nazi, los avances de películas bélicas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial o las películas artísticas realizadas bajo Stalin por Sergei Eisenstein . También pueden ser obras de protesta política, como en las películas de Andrzej Wajda , o más sutilmente, las películas de Andrei Tarkovsky . La misma película puede ser considerada educativa por algunos, y propaganda por otros, ya que la categorización de una película puede ser subjetiva.
En esencia, los medios para producir una película dependen del contenido que el cineasta desea mostrar y del aparato para mostrarlo: el zoótropo simplemente requiere una serie de imágenes en una tira de papel. Por lo tanto, la producción cinematográfica puede requerir tan solo una persona con una cámara (o incluso sin cámara, como en la película Mothlight de Stan Brakhage de 1963 ), o miles de actores, extras y miembros del equipo para una película de acción real. -duración épica. Los pasos necesarios para casi cualquier película se pueden resumir en concepción, planificación, ejecución, revisión y distribución. Cuanto más involucrada es la producción, más significativo se vuelve cada uno de los pasos. En un ciclo de producción típico de una película al estilo Hollywood, estas etapas principales se definen como desarrollo , preproducción , producción , postproducción y distribución .
Este ciclo de producción suele tomar tres años. El primer año se dedica al desarrollo . El segundo año comprende la preproducción y la producción . El tercer año, postproducción y distribución . Cuanto mayor es la producción, más recursos se necesitan y más importante se vuelve la financiación ; la mayoría de los largometrajes son obras artísticas desde la perspectiva de los creadores (por ejemplo, director de cine , director de fotografía , guionista ) y entidades comerciales con fines de lucro para las productoras.
Un equipo de filmación es un grupo de personas contratadas por una compañía cinematográfica, empleadas durante la fase de "producción" o "fotografía", con el fin de producir una película o una película. Crew se distingue del elenco , que son los actores que aparecen frente a la cámara o dan voz a los personajes de la película. El equipo interactúa con el personal de producción , pero también se diferencia de él, compuesto por productores, gerentes, representantes de la empresa, sus asistentes y aquellos cuya responsabilidad principal recae en las fases de preproducción o posproducción, como guionistas y editores de películas . La comunicación entre la producción y el equipo generalmente pasa a través del director y su equipo de asistentes. Los equipos medianos y grandes generalmente se dividen en departamentos con jerarquías y estándares bien definidos para la interacción y cooperación entre los departamentos. Además de actuar, el equipo se encarga de todo en la fase de fotografía: utilería y vestuario, rodaje, sonido, electricidad (es decir, luces), decorados y efectos especiales de producción. Los proveedores de catering (conocidos en la industria cinematográfica como "servicios artesanales") no suelen considerarse parte del equipo.
La película consta de una base transparente de celuloide , acetato o poliéster recubierta con una emulsión que contiene productos químicos sensibles a la luz. El nitrato de celulosa fue el primer tipo de base cinematográfica utilizada para grabar películas, pero debido a su inflamabilidad finalmente fue reemplazado por materiales más seguros. Los anchos de material y el formato de película para las imágenes en carrete han tenido una rica historia, aunque la mayoría de las películas comerciales grandes todavía se filman (y se distribuyen en cines) en copias de 35 mm . Originalmente, las películas cinematográficas se filmaban y proyectaban a diversas velocidades utilizando cámaras y proyectores de manivela ; aunque 1000 fotogramas por minuto (162/3fotograma/s) se cita generalmente como una velocidad silenciosa estándar, las investigaciones indican que la mayoría de las películas se filmaron entre 16 fotogramas y 23 fotogramas y se proyectaron desde 18 fotogramas en adelante (a menudo los carretes incluían instrucciones sobre qué tan rápido debía ser cada escena). mostrado). [44] Cuando se introdujo la película sonora sincronizada a finales de la década de 1920, se requería una velocidad constante para el cabezal sonoro. Se eligieron 24 fotogramas por segundo porque era la velocidad más lenta (y por tanto más barata) que permitía una calidad de sonido suficiente. [45] El estándar se estableció con The Jazz Singer de Warner Bros. y su sistema Vitaphone en 1927. [46] [47] Las mejoras desde finales del siglo XIX incluyen la mecanización de las cámaras, lo que les permite grabar a una velocidad constante, diseño de cámara silenciosa: que permite utilizar el sonido grabado en el set sin necesidad de grandes "dirigibles" para encerrar la cámara, la invención de lentes y películas más sofisticadas , que permite a los directores filmar en condiciones cada vez más oscuras, y el desarrollo del sonido sincronizado, que permite que el sonido se grabe exactamente a la misma velocidad que su acción correspondiente. La banda sonora se puede grabar por separado del rodaje de la película, pero para las imágenes de acción en vivo, muchas partes de la banda sonora generalmente se graban simultáneamente.
Como medio, el cine no se limita a las películas, ya que la tecnología se desarrolló como base de la fotografía . Se puede utilizar para presentar una secuencia progresiva de imágenes fijas en forma de presentación de diapositivas. Las películas también se han incorporado a las presentaciones multimedia y, a menudo, tienen importancia como documentación histórica primaria. Sin embargo, las películas históricas tienen problemas en términos de preservación y almacenamiento, y la industria cinematográfica está explorando muchas alternativas. La mayoría de las películas a base de nitrato de celulosa se han copiado en películas de seguridad modernas. Algunos estudios guardan películas en color mediante el uso de maestros de separación : tres negativos en blanco y negro, cada uno expuesto a través de filtros rojos, verdes o azules (esencialmente un proceso inverso al proceso Technicolor ). También se han utilizado métodos digitales para restaurar películas, aunque su continuo ciclo de obsolescencia las convierte (a partir de 2006) en una mala opción para la conservación a largo plazo. La preservación de películas en descomposición es motivo de preocupación tanto para los historiadores y archiveros del cine como para las empresas interesadas en preservar sus productos existentes para ponerlos a disposición de las generaciones futuras (y así aumentar los ingresos). La preservación es generalmente una preocupación mayor para las películas de nitrato y de color de una sola tira, debido a sus altas tasas de descomposición; Las películas en blanco y negro sobre bases de seguridad y las películas en color conservadas en impresiones de imbibición en Technicolor tienden a mantenerse mucho mejor, suponiendo un manejo y almacenamiento adecuados.
Algunas películas de las últimas décadas se han grabado utilizando tecnología de vídeo analógico similar a la utilizada en la producción televisiva . Las modernas cámaras de vídeo y proyectores digitales también están ganando terreno. Algunos cineastas prefieren estos enfoques, especialmente porque el metraje filmado con cine digital se puede evaluar y editar con sistemas de edición no lineal (NLE) sin esperar a que se procese la película. La migración fue gradual y, en 2005, la mayoría de las películas importantes todavía se filmaban en película. [ necesita actualización ]
El cine independiente a menudo se realiza fuera de Hollywood u otros sistemas de estudios importantes . Una película independiente (o película independiente) es una película producida inicialmente sin financiación ni distribución por parte de un importante estudio cinematográfico . Razones creativas, comerciales y tecnológicas han contribuido al crecimiento de la escena del cine independiente a finales del siglo XX y principios del XXI. Desde el punto de vista comercial, los costos de las películas de estudio de gran presupuesto también conducen a decisiones conservadoras en cuanto al reparto y al equipo técnico. En Hollywood existe una tendencia a la cofinanciación (más de dos tercios de las películas producidas por Warner Bros. en 2000 fueron empresas conjuntas, frente al 10% en 1987). [48] Un director esperanzado casi nunca tiene la oportunidad de conseguir un trabajo en una película de estudio de gran presupuesto a menos que tenga una experiencia significativa en la industria del cine o la televisión. Además, los estudios rara vez producen películas con actores desconocidos, especialmente en papeles principales.
Antes de la llegada de las alternativas digitales , el costo del material y del equipo cinematográfico profesional también era un obstáculo para poder producir, dirigir o protagonizar una película de estudio tradicional. Pero la llegada de las videocámaras de consumo en 1985 y, más importante aún, la llegada del vídeo digital de alta resolución a principios de los años 1990, han reducido significativamente la barrera tecnológica a la producción cinematográfica. Tanto los costes de producción como los de postproducción se han reducido significativamente; En la década de 2000, el hardware y el software para la posproducción se pueden instalar en una computadora personal básica . Tecnologías como DVD , conexiones FireWire y una amplia variedad de software de edición de vídeo profesional y de consumo hacen que la realización de películas sea relativamente asequible.
Desde la introducción de la tecnología de vídeo digital DV , los medios de producción se han democratizado más. Es posible que los cineastas puedan filmar una película con una cámara de video digital y editarla, crear y editar el sonido y la música, y mezclar el montaje final en una computadora doméstica de alta gama. Sin embargo, si bien los medios de producción pueden democratizarse, la financiación, la distribución y la comercialización siguen siendo difíciles de lograr fuera del sistema tradicional. La mayoría de los cineastas independientes dependen de los festivales de cine para que sus películas se den a conocer y se vendan para su distribución. La llegada de sitios web de vídeos basados en Internet, como YouTube y Veoh , ha cambiado aún más el panorama cinematográfico, permitiendo a los cineastas independientes poner sus películas a disposición del público.
Una película de contenido abierto es muy parecida a una película independiente, pero se produce a través de colaboraciones abiertas; su material fuente está disponible bajo una licencia que es lo suficientemente permisiva como para permitir a otras partes crear fan fiction u obras derivadas en lugar de un derecho de autor tradicional. Al igual que el cine independiente, el cine de código abierto se lleva a cabo fuera de Hollywood y otros sistemas de estudios importantes . Por ejemplo, la película Globo se basó en un hecho real durante la Guerra Fría . [49]
Una película de fans es una película o vídeo inspirado en una película, programa de televisión , cómic o una fuente similar, creado por fans y no por los creadores o titulares de los derechos de autor de la fuente. Los cineastas aficionados han sido tradicionalmente aficionados , pero algunas de las películas más notables en realidad han sido producidas por cineastas profesionales como proyectos de clases de escuelas de cine o como carretes de demostración. Las películas de fans varían enormemente en duración, desde cortos avances falsos de películas inexistentes hasta películas de larga duración más raras.
La distribución cinematográfica es el proceso mediante el cual una película se pone a disposición del público para que la vea . Esta es normalmente tarea de un distribuidor de películas profesional , quien determinará la estrategia de marketing de la película, los medios a través de los cuales se exhibirá o pondrá a disposición para su visualización, y podrá fijar la fecha de estreno y otros asuntos. La película se puede exhibir directamente al público ya sea a través de una sala de cine (históricamente, la principal forma en que se distribuían las películas) o de televisión para verla personalmente en el hogar (incluso en DVD-Video o Blu-ray Disc , video a pedido , descarga en línea , programas de televisión mediante sindicación, etc.). Otras formas de distribuir una película incluyen el alquiler o la compra personal de la película en una variedad de medios y formatos, como cinta VHS o DVD , o descarga de Internet o transmisión por secuencias usando una computadora.
La animación es una técnica en la que cada fotograma de una película se produce individualmente, ya sea generado como un gráfico por computadora, fotografiando una imagen dibujada o haciendo pequeños cambios repetidamente en una unidad modelo (ver animación con plastilina y stop motion ), y luego fotografiando. el resultado con una cámara de animación especial . Cuando los fotogramas se encadenan y la película resultante se ve a una velocidad de 16 o más fotogramas por segundo, se produce una ilusión de movimiento continuo (debido al fenómeno phi ). Generar una película de este tipo requiere mucha mano de obra y es tedioso, aunque el desarrollo de la animación por computadora ha acelerado enormemente el proceso. Debido a que la animación requiere mucho tiempo y, a menudo, es muy costosa de producir, la mayor parte de la animación para televisión y películas proviene de estudios de animación profesionales. Sin embargo, el campo de la animación independiente existe al menos desde la década de 1950, y la animación es producida por estudios independientes (y a veces por una sola persona). Varios productores de animación independientes han ingresado a la industria de la animación profesional.
La animación limitada es una forma de aumentar la producción y disminuir los costos de animación mediante el uso de "atajos" en el proceso de animación. Este método fue iniciado por UPA y popularizado por Hanna-Barbera en los Estados Unidos y por Osamu Tezuka en Japón, y adaptado por otros estudios a medida que los dibujos animados pasaban de las salas de cine a la televisión . [50] Aunque la mayoría de los estudios de animación ahora utilizan tecnologías digitales en sus producciones, existe un estilo específico de animación que depende de la película. La animación sin cámara, que se hizo famosa gracias a cineastas como Norman McLaren , Len Lye y Stan Brakhage , se pinta y dibuja directamente sobre piezas de película y luego se proyecta a través de un proyector.
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