La Galería Nacional es un museo de arte en Trafalgar Square en la ciudad de Westminster , en el centro de Londres , Inglaterra. Fundada en 1824, alberga una colección de más de 2.300 pinturas que datan desde mediados del siglo XIII hasta 1900. [nota 1] El actual director de la Galería Nacional es Gabriele Finaldi .
La Galería Nacional es una organización benéfica exenta y un organismo público no departamental del Departamento de Cultura, Medios y Deportes . [2] Su colección pertenece al gobierno en nombre del público británico, y la entrada a la colección principal es gratuita.
A diferencia de museos comparables en Europa continental, la Galería Nacional no se formó nacionalizando una colección de arte real o principesca existente. Nació cuando el gobierno británico compró 38 pinturas de los herederos de John Julius Angerstein en 1824. Después de esa compra inicial, la galería fue moldeada principalmente por sus primeros directores, especialmente Charles Lock Eastlake , y por donaciones privadas, que ahora representan dos tercios de la colección. [3] La colección es más pequeña que la de muchas galerías nacionales europeas, pero de alcance enciclopédico; La mayoría de las grandes novedades de la pintura occidental "de Giotto a Cézanne " [4] están representadas con obras importantes. Solía decirse que ésta era una de las pocas galerías nacionales que tenía todas sus obras en exposición permanente, [5] pero ya no es así.
El edificio actual, el tercer sitio que alberga la Galería Nacional, fue diseñado por William Wilkins . La construcción comenzó en 1832 y se abrió al público en 1838. Sólo la fachada que da a Trafalgar Square permanece esencialmente sin cambios desde esa época, ya que el edificio se ha ido ampliando poco a poco a lo largo de su historia. El edificio de Wilkins fue criticado a menudo por las debilidades percibidas de su diseño y por su falta de espacio; este último problema llevó al establecimiento de la Tate Gallery de arte británico en 1897. El ala Sainsbury, una ampliación hacia el oeste de 1991 realizada por Robert Venturi y Denise Scott Brown , es un ejemplo significativo de la arquitectura posmodernista en Gran Bretaña.
A finales del siglo XVIII se produjo la nacionalización de las colecciones de arte reales o principescas en toda Europa continental. La colección real bávara (ahora en la Alte Pinakothek de Munich) se abrió al público en 1779, la de los Medici en Florencia alrededor de 1789 (como Galería de los Uffizi ), y el Museo Francés del Louvre se formó a partir de la antigua colección real francesa. colección en 1793. [6] Gran Bretaña , sin embargo, no siguió a otros países europeos, y la Colección Real Británica aún permanece en posesión del soberano. En 1777, el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de arte de talla internacional, cuando los descendientes de Sir Robert Walpole pusieron a la venta su colección . El diputado John Wilkes abogó por que el gobierno comprara este "tesoro inestimable" y sugirió que se alojara en "una galería noble... que se construiría en el espacioso jardín del Museo Británico". [7] El atractivo de Wilkes no resultó nada y 20 años más tarde la colección fue comprada en su totalidad por Catalina la Grande ; ahora se encuentra en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo .
Un plan para adquirir 150 pinturas de la colección de Orleans , que habían sido llevadas a Londres para su venta en 1798, también fracasó, a pesar del interés tanto del rey como del primer ministro, Pitt el Joven . [8] Las veinticinco pinturas de esa colección que ahora se encuentran en la galería, incluido "NG1", llegaron más tarde por diversas rutas. En 1799, el marchante Noël Desenfans ofreció al gobierno británico una colección nacional ya preparada; él y su socio Sir Francis Bourgeois lo habían ensamblado para el rey de Polonia , antes de que la Tercera Partición en 1795 aboliera la independencia polaca. [6] Esta oferta fue rechazada y Bourgeois legó la colección a su antigua escuela, Dulwich College , a su muerte. La colección se inauguró en 1814 en la primera galería pública construida expresamente en Gran Bretaña, la Dulwich Picture Gallery . El comerciante escocés William Buchanan y el coleccionista Joseph Count Truchsess formaron colecciones de arte expresamente como base para una futura colección nacional, pero sus respectivas ofertas (ambas hechas en 1803) también fueron rechazadas. [6]
Después de la venta de Walpole, muchos artistas, incluidos James Barry y John Flaxman , habían renovado sus llamamientos para el establecimiento de una Galería Nacional, argumentando que una escuela de pintura británica sólo podría florecer si tuviera acceso al canon de la pintura europea. La Institución Británica , fundada en 1805 por un grupo de conocedores aristocráticos, intentó abordar esta situación. Los miembros prestaron obras para exposiciones que cambiaban anualmente, mientras que en los meses de verano se celebraba una escuela de arte. Sin embargo, como las pinturas que se prestaban eran a menudo mediocres, [9] algunos artistas estaban resentidos por la Institución y la vieron como un fraude para que la nobleza aumentara los precios de venta de sus pinturas de viejos maestros . [10] Uno de los miembros fundadores de la institución, Sir George Beaumont, Bt , eventualmente jugaría un papel importante en la fundación de la Galería Nacional al ofrecer una donación de 16 pinturas.
En 1823 salió al mercado otra importante colección de arte, que había sido reunida por el recientemente fallecido John Julius Angerstein . Angerstein era un banquero emigrado nacido en Rusia y radicado en Londres; su colección constaba de 38 pinturas, incluidas obras de la serie Marriage A-la-Mode de Raphael y Hogarth . El 1 de julio de 1823, George Agar Ellis , político Whig , propuso a la Cámara de los Comunes que comprara la colección. [11] El llamamiento recibió un impulso adicional con la oferta de Beaumont, que incluía dos condiciones: que el gobierno comprara la colección Angerstein y que se encontrara un edificio adecuado. El inesperado pago de una deuda de guerra por parte de Austria finalmente impulsó al gobierno a comprar la colección de Angerstein por 57.000 libras esterlinas.
La Galería Nacional se inauguró en 1824 en la antigua casa de Angerstein en el número 100 de Pall Mall . [nota 2] A las pinturas de Angerstein se unieron en 1826 las de la colección de Beaumont, y en 1831 el legado de 35 pinturas del reverendo William Holwell Carr . [12] Inicialmente, el encargado de las pinturas, William Seguier , llevaba la carga de administrar la galería, pero en julio de 1824 parte de esta responsabilidad recayó en el consejo de administración recién formado.
La Galería Nacional de Pall Mall frecuentemente estaba abarrotada y hacía calor, y su diminuto tamaño en comparación con el Louvre de París era motivo de vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, para entonces administrador de la galería, evaluó el sitio por estar "en la misma pasarela de Londres"; esto se consideró necesario para que la galería cumpliera su propósito social. [13] El hundimiento en el número 100 hizo que la galería se trasladara brevemente al número 105 de Pall Mall, que el novelista Anthony Trollope describió como una "casa estrecha, aburrida y sucia, mal adaptada para la exhibición de los tesoros que contenía". [13] Este a su vez tuvo que ser demolido para la apertura de una carretera hacia Carlton House Terrace . [14]
En 1832, William Wilkins comenzó la construcción de un nuevo edificio en la mitad norte del sitio de las antiguas Royal Mews en Charing Cross , después de la transformación de su mitad sur en Trafalgar Square a finales de la década de 1820. La ubicación era importante, entre el rico West End y las zonas más pobres del este. [15] El argumento de que personas de todas las clases sociales podían acceder a la colección superó otras preocupaciones, como la contaminación del centro de Londres o los fallos del edificio de Wilkins, cuando se planteó la perspectiva de un traslado a South Kensington en la década de 1850. Según la Comisión Parlamentaria de 1857, "La existencia de los cuadros no es el objetivo final de la colección, sino sólo el medio para dar al pueblo un disfrute ennoblecedor". [dieciséis]
Las pinturas italianas de los siglos XV y XVI fueron el núcleo de la Galería Nacional y durante los primeros 30 años de su existencia las adquisiciones independientes de los fideicomisarios se limitaron principalmente a obras de maestros del Alto Renacimiento . Sus gustos conservadores dieron como resultado varias oportunidades perdidas y la administración de la galería cayó más tarde en completo desorden, sin que se realizaran adquisiciones entre 1847 y 1850. [17] Un informe crítico de la Cámara de los Comunes en 1851 pedía el nombramiento de un director, cuyo autoridad superaría a la de los fideicomisarios. Muchos pensaron que el puesto recaería en el historiador de arte alemán Gustav Friedrich Waagen , a quien la galería había consultado en ocasiones anteriores sobre la iluminación y exhibición de las colecciones. Sin embargo, el hombre preferido para el puesto por la Reina Victoria , el Príncipe Alberto y el Primer Ministro, Lord Russell , fue el Guardián de Pinturas de la galería, Sir Charles Lock Eastlake . Eastlake, que fue presidente de la Royal Academy, desempeñó un papel esencial en la fundación de la Sociedad Arundel y conoció a la mayoría de los principales expertos en arte de Londres.
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El gusto del nuevo director era por los maestros o "primitivos" del Renacimiento italiano temprano y del norte, que habían sido desatendidos por la política de adquisiciones de la galería pero que poco a poco estaban ganando el reconocimiento de los conocedores. Realizó giras anuales por el continente y, en particular, por Italia, en busca de cuadros apropiados para comprar para la galería. En total, compró 148 cuadros en el extranjero y 46 en Gran Bretaña, [18] entre las primeras obras fundamentales como La batalla de San Romano de Paolo Uccello . Eastlake también acumuló una colección de arte privada durante este período, compuesta por pinturas que sabía que no interesaban a los fideicomisarios. Su objetivo final, sin embargo, era que entraran en la Galería Nacional; esto fue debidamente arreglado tras su muerte por su amigo y sucesor como director, William Boxall , y su viuda Lady Eastlake .
Una de las críticas más persistentes a la Galería Nacional, además de las insuficiencias percibidas del edificio, ha sido su política de conservación. Los detractores de la galería la han acusado de haber actuado con demasiado entusiasmo en la restauración. La primera operación de limpieza en la National Gallery comenzó en 1844 tras el nombramiento de Eastlake como Guardián, y fue objeto de ataques en la prensa después de que los tres primeros cuadros en recibir el tratamiento –un Rubens , un Cuyp y un Velázquez– fueran desvelados al público. en 1846. [19] El crítico más virulento de la galería fue J. Morris Moore, quien escribió una serie de cartas a The Times bajo el seudónimo de "Verax" atacando duramente las limpiezas de la institución. Si bien un comité selecto parlamentario creado en 1853 para investigar el asunto absolvió a la galería de cualquier irregularidad, desde entonces han surgido críticas esporádicas a sus métodos por parte de algunos miembros del establishment del arte.
La falta de espacio de la galería siguió siendo aguda en este período. En 1845, Robert Vernon dejó un gran legado de pinturas británicas ; no había suficiente espacio en el edificio Wilkins, por lo que se exhibieron primero en la casa de Vernon en el número 50 de Pall Mall y luego en Marlborough House . [20] La galería estaba aún peor equipada para su siguiente legado importante, ya que JMW Turner legó todo el contenido de su estudio, excepto las obras inacabadas, a la nación tras su muerte en 1851. Los primeros 20 de ellos se exhibieron. -sitio en Marlborough House en 1856. [21] Ralph Nicholson Wornum , encargado y secretario de la galería, trabajó con John Ruskin para reunir el legado. La estipulación del testamento de Turner de que dos de sus pinturas se exhiban junto con obras de Claude [22] todavía se cumple en 2024, pero su legado nunca se ha exhibido adecuadamente en su totalidad; hoy las obras están divididas entre Trafalgar Square y la Clore Gallery, una pequeña extensión de la Tate Britain construida expresamente y terminada en 1985.
El tercer director, Sir Frederick William Burton , sentó las bases de la colección de arte del siglo XVIII y realizó varias compras destacadas en colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio de Blenheim , la Madonna Ansidei de Rafael y el Retrato ecuestre de Carlos I de Van Dyck , con una subvención récord de 87.500 libras esterlinas del Tesoro , puso fin a la "edad de oro del coleccionismo" de la galería, como su subvención anual para compras quedó suspendida durante varios años después. [23] Cuando la galería compró los Embajadores de Holbein al conde de Radnor en 1890, lo hizo con la ayuda de particulares por primera vez en su historia. [24] En 1897, la formación de la Galería Nacional de Arte Británico, conocida extraoficialmente desde el principio de su historia como Tate Gallery , permitió que algunas obras británicas fueran trasladadas fuera del sitio, siguiendo el precedente sentado por la colección Vernon y Turner. Legado. Las obras de artistas nacidos después de 1790 se trasladaron a la nueva galería de Millbank , lo que permitió a Hogarth , Turner y Constable permanecer en Trafalgar Square.
La crisis agrícola de principios del siglo XX hizo que muchas familias aristocráticas vendieran sus pinturas, pero los plutócratas estadounidenses dejaron fuera del mercado las colecciones nacionales británicas. [25] Esto impulsó la fundación del Fondo Nacional de Colecciones de Arte , una sociedad de suscriptores dedicada a detener el flujo de obras de arte a los Estados Unidos. Su primera adquisición para la Galería Nacional fue Rokeby Venus de Velázquez en 1906, seguida del Retrato de Cristina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar de la crisis de las fortunas aristocráticas, la década siguiente fue uno de varios grandes legados de coleccionistas privados. En 1909, el industrial Ludwig Mond donó a la galería 42 pinturas del Renacimiento italiano, incluida la Crucifixión de Mond de Rafael. [26] Otros legados destacados fueron los de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en 1917.
La recepción inicial del arte impresionista en la galería fue excepcionalmente controvertida. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, entre ellas Los paraguas de Renoir , a la Galería Nacional a su muerte, a menos que se pudiera construir un edificio adecuado en Dublín . Aunque aceptados con entusiasmo por el director Charles Holroyd , fueron recibidos con extrema hostilidad por los fideicomisarios; Lord Redesdale escribió que "lo mismo esperaría oír hablar de un servicio mormón en la catedral de San Pablo que ver la exposición de las obras de los rebeldes del arte francés moderno en los recintos sagrados de Trafalgar Square". [27] Quizás como resultado de tales actitudes, Lane enmendó su testamento con un codicilo de que las obras solo deberían ir a Irlanda, pero esto nunca fue presenciado. [28] Lane murió a bordo del RMS Lusitania en 1915, y comenzó una disputa que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección está ahora en préstamo permanente a la Dublin City Gallery ("The Hugh Lane") y otras obras rotan entre Londres. y Dublín cada pocos años.
Un fondo para la compra de pinturas modernas creado por Samuel Courtauld en 1923 compró Las bañistas de Asnières de Seurat y otras obras modernas para la nación; [29] en 1934, muchos de ellos fueron trasladados a la Galería Nacional desde la Tate.
La decisión del director Kenneth Clark en 1939 de etiquetar un grupo de pinturas venecianas, Escenas de las Églogas de Tebaldeo , como obras de Giorgione fue controvertida en ese momento, y los paneles pronto fueron identificados como obras de Andrea Previtali por un curador junior que Clark había designado. . [30]
Poco antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas fueron evacuadas a lugares de Gales , incluido el castillo de Penrhyn y las facultades universitarias de Bangor y Aberystwyth . [31] En 1940, durante la Batalla de Francia , se buscó un hogar más seguro y hubo discusiones sobre trasladar las pinturas a Canadá. Esta idea fue firmemente rechazada por Winston Churchill , que escribió en un telegrama a Kenneth Clark: "Enterrarlos en cuevas o en sótanos, pero ningún cuadro saldrá de estas islas". [32] En cambio , se requisó una cantera de pizarra en Manod , cerca de Blaenau Ffestiniog en el norte de Gales, para el uso de la galería. [33] En el aislamiento que brindaba la nueva ubicación de las pinturas, el guardián (y futuro director) Martin Davies comenzó a compilar catálogos académicos sobre la colección, con la ayuda de la biblioteca de la galería, que también estaba almacenada en la cantera. El traslado a Manod confirmó la importancia de almacenar las pinturas a una temperatura y humedad constantes, algo que los conservadores de la galería habían sospechado durante mucho tiempo pero que hasta ahora no habían podido demostrar. [34] Esto finalmente resultó en la apertura de la primera galería con aire acondicionado en 1949. [20]
Durante el transcurso de la guerra, Myra Hess y otros músicos, como Moura Lympany , ofrecieron recitales diarios a la hora del almuerzo en el edificio vacío de Trafalgar Square, para elevar la moral del público, ya que todas las salas de conciertos de Londres estaban cerradas. [35] [36] Se realizaron exposiciones de arte en la galería como complemento a los recitales. El primero de ellos fue Pintura británica desde Whistler en 1940, organizado por Lillian Browse , [37] quien también organizó la importante exposición retrospectiva conjunta de pinturas de Sir William Nicholson y Jack B. Yeats celebrada del 1 de enero al 15 de marzo de 1942, que fue visto por 10.518 visitantes. [38] [39] También se llevaron a cabo exposiciones de obras de artistas de guerra, incluidos Paul Nash , Henry Moore y Stanley Spencer ; Clark había creado el Comité Asesor de Artistas de Guerra para "mantener a los artistas trabajando bajo cualquier pretexto". [40] En 1941, una solicitud de un artista para ver el Retrato de Margaretha de Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) dio como resultado el esquema "Imagen del mes", en el que se extrajo una sola pintura de Manod y se exhibió al público en general en la Galería Nacional cada mes. El crítico de arte Herbert Read , escribiendo ese año, llamó a la Galería Nacional "un puesto de avanzada cultural desafiante en medio de una metrópolis bombardeada y destrozada". [41] Las pinturas regresaron a Trafalgar Square en 1945.
La última gran protesta contra el uso de técnicas de conservación radicales en la Galería Nacional se produjo en los años inmediatos de la posguerra, tras una campaña de restauración realizada por el restaurador jefe de la galería, Helmut Ruhemann , mientras las pinturas estaban en Manod Quarry. Cuando los cuadros limpios se exhibieron al público en 1946, se produjo un furor paralelo al del siglo anterior. La principal crítica fue que la eliminación extensa del barniz , que se utilizaba en el siglo XIX para proteger la superficie de las pinturas pero que se oscurecía y decoloraba con el tiempo, puede haber resultado en la pérdida de los esmaltes "armonizantes" añadidos a las pinturas por los artistas. ellos mismos. La oposición a las técnicas de Ruhemann fue encabezada por Ernst Gombrich , un profesor del Instituto Warburg quien en correspondencia posterior con un restaurador describió haber sido tratado con "ofensiva arrogancia" por parte de la Galería Nacional. [42] Una comisión de 1947 concluyó que no se habían producido daños en las limpiezas recientes.
En los años de la posguerra, las adquisiciones se han vuelto cada vez más difíciles para la National Gallery a medida que los precios de los viejos maestros (y aún más de los impresionistas y postimpresionistas ) han aumentado más allá de sus posibilidades. Algunas de las compras más importantes de la galería en este período habrían sido imposibles sin el respaldo del gran público, incluida la caricatura de Leonardo da Vinci de La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista (comprada en 1962) y Tiziano . s Muerte de Acteón (comprada en 1972). La subvención para la compra de la galería por parte del gobierno se congeló en 1985, pero ese mismo año recibió una donación de 50 millones de libras esterlinas de Sir Paul Getty , lo que permitió realizar muchas compras importantes. [20] En abril de 1985, Lord Sainsbury de Preston Candover y sus hermanos, el Excmo. Simon Sainsbury y Sir Timothy Sainsbury habían hecho una donación que permitiría la construcción del ala Sainsbury. [43]
La dirección de Neil MacGregor vio una importante renovación en la galería, prescindiendo de la clasificación de pinturas por escuela nacional que había introducido Eastlake. La nueva tendencia cronológica buscó enfatizar la interacción entre culturas en lugar de las características nacionales fijas, reflejando el cambio en los valores histórico-artísticos desde el siglo XIX. [44] En otros aspectos, sin embargo, se rehabilitaron los gustos victorianos: los interiores del edificio ya no se consideraban una vergüenza y fueron restaurados, y en 1999 la galería aceptó un legado de 26 pinturas barrocas italianas de Sir Denis Mahon . A principios del siglo XX, muchos consideraban que el barroco estaba fuera de lo común: en 1945, los administradores de la galería se negaron a comprar un Guercino de la colección de Mahón por 200 libras. La misma pintura fue valorada en £4 millones en 2003. [45] El legado de Mahon se hizo con la condición de que la galería nunca retirara ninguna de sus pinturas ni cobrara por la entrada. [46]
Jock McFadyen fue el primer artista residente en 1981. [47] Desde 1989, la galería ha ejecutado un programa de artista asociado que brinda un estudio a artistas contemporáneos para crear obras basadas en la colección permanente. Por lo general, ocupan el puesto de artista asociado durante dos años y al final de su mandato se les ofrece una exposición en la Galería Nacional.
Las competencias respectivas de las Galerías Nacional y Tate, que durante mucho tiempo habían sido cuestionadas por las dos instituciones, se definieron más claramente en 1996. Se estableció 1900 como el límite para las pinturas en la Galería Nacional, y en 1997 más de 60 post -1900 pinturas de la colección fueron entregadas a la Tate en préstamo a largo plazo, a cambio de obras de Gauguin y otros. Sin embargo, es posible que una futura ampliación de la Galería Nacional suponga el regreso de pinturas del siglo XX a sus paredes. [48]
En el siglo XXI ha habido tres grandes campañas de recaudación de fondos en la galería: en 2004, para comprar la Virgen de los Rosas de Rafael ; en 2008, por Diana y Acteón de Tiziano ; y en 2012, Diana y Calisto de Tiziano . Ambos Tizianos fueron comprados junto con la Galería Nacional de Escocia por 95 millones de libras esterlinas. Ambas obras importantes se vendieron de la colección del duque de Sutherland . La Galería Nacional ahora está en gran medida fuera del mercado de pinturas de viejos maestros y sólo puede realizar tales adquisiciones con el respaldo de importantes llamamientos públicos; el director saliente Charles Saumarez Smith expresó su frustración por esta situación en 2007. [49]
La Galería Nacional fue patrocinada por el fabricante de armas italiano Finmeccanica entre octubre de 2011 y octubre de 2012. El acuerdo de patrocinio permitió a la empresa utilizar los espacios de la galería para reuniones, y la galería se utilizó para albergar a los delegados durante la feria de armas DSEI y el Salón Aeronáutico de Farnborough . El acuerdo de patrocinio finalizó un año antes de las protestas. [50]
En 2014, la Galería Nacional fue objeto de un documental de Frederick Wiseman . La película muestra a la administración y al personal de la galería trabajando, el laboratorio de conservación, las visitas guiadas y el montaje de exposiciones sobre Leonardo da Vinci, JMW Turner y Tiziano en 2011-2012. [51]
En febrero de 2014, la galería compró Men of the Docks del artista estadounidense George Bellows por 25,5 millones de dólares (15,6 millones de libras esterlinas). Fue la primera pintura estadounidense importante que compró la galería. El director Nicholas Penny calificó el cuadro como una nueva dirección para la galería: un cuadro no europeo de estilo europeo. Su venta fue controvertida en Estados Unidos. [52]
En 2018, la National Gallery fue una de las primeras galerías públicas de Londres en cobrar más de £20 por la entrada a una exposición especial, siendo la exposición en cuestión de obras de Claude Monet . [53]
En febrero de 2019, un tribunal laboral dictaminó que la galería había clasificado incorrectamente a su equipo de educadores como contratistas autónomos. [54] A los educadores se les concedió el estatus de "trabajadores" tras una acción legal interpuesta por 27 demandantes. El caso recibió una considerable cobertura de prensa y medios de comunicación. [55] [56] [57]
La primera sugerencia para una Galería Nacional en Trafalgar Square vino de John Nash , quien la imaginó en el sitio de King's Mews , mientras que un edificio similar al Partenón para la Real Academia ocuparía el centro de la plaza. [59] La recesión económica impidió que se construyera este plan, pero finalmente se celebró un concurso para el sitio de Mews en 1831, para el cual Nash presentó un diseño con CR Cockerell como su coarquitecto. Sin embargo, la popularidad de Nash estaba decayendo en ese momento y el encargo fue otorgado a William Wilkins , quien participó en la selección del lugar y presentó algunos dibujos en el último momento. [60] Wilkins había esperado construir un "Templo de las Artes, alimentando el arte contemporáneo a través del ejemplo histórico", [61] pero el encargo se vio arruinado por la parsimonia y el compromiso, y el edificio resultante, que se abrió al público el 9 de abril de 1838. , [62] se consideró un fracaso en casi todos los aspectos.
El sitio sólo permitía que el edificio tuviera una habitación de profundidad, ya que inmediatamente detrás había un asilo y un cuartel. [nota 3] Para agravar las cosas, había un derecho de paso público a través del sitio hacia estos edificios, lo que representa los pórticos de acceso en los lados este y oeste de la fachada. Estos tuvieron que incorporar columnas de la demolida Carlton House , y su relativa brevedad resultó en una elevación que se consideró excesivamente baja, por lo que no logró proporcionar a Trafalgar Square el deseado punto focal hacia el norte. También se reciclan las esculturas de la fachada, originalmente destinadas a Nash's Marble Arch pero abandonadas debido a sus problemas económicos. [nota 4] La mitad oriental del edificio albergó la Real Academia hasta 1868, lo que disminuyó aún más el espacio destinado a la Galería Nacional.
El edificio fue objeto de burla pública incluso antes de que estuviera terminado, ya que una versión del diseño se había filtrado a la Gaceta Literaria en 1833. [63] Dos años antes de su finalización, su infame elevación "pimentero" apareció en el frontispicio de Contrastes (1836), un influyente tratado del gótico A. WN Pugin , como ejemplo de la degeneración del estilo clásico. [64] Incluso Guillermo IV (en su última declaración registrada) pensó que el edificio era un "pequeño y desagradable agujero", [65] mientras que William Makepeace Thackeray lo llamó "una pequeña tienda de ginebra como edificio". [65] El historiador de la arquitectura del siglo XX, Sir John Summerson, se hizo eco de estas primeras críticas cuando comparó la disposición de una cúpula y dos diminutas torretas en la línea del techo con "el reloj y los jarrones sobre una repisa de la chimenea, sólo que menos útiles". [60] [nota 5] El paisajismo de Trafalgar Square de Sir Charles Barry , de 1840, incluía una terraza norte para que el edificio pareciera elevado, abordando así uno de los puntos de queja. [14] La opinión sobre el edificio se había suavizado considerablemente en 1984, cuando el príncipe Carlos llamó a la fachada de Wilkins un "amigo muy querido y elegante", en contraste con una ampliación propuesta. ( Vea abajo )
La primera modificación significativa realizada en el edificio fue la única y larga galería agregada por Sir James Pennethorne en 1860-1861. Profundamente decorada en comparación con las habitaciones de Wilkins, empeoró las condiciones de hacinamiento dentro del edificio, ya que fue construido sobre el vestíbulo de entrada original. [66] Como era de esperar, se hicieron varios intentos para remodelar completamente la Galería Nacional (como sugirió Sir Charles Barry en 1853) o para trasladarla a locales más espaciosos en Kensington , donde el aire también era más limpio. En 1867, el hijo de Barry, Edward Middleton Barry, propuso reemplazar el edificio Wilkins por un enorme edificio clásico con cuatro cúpulas. El plan fue un fracaso y los críticos contemporáneos denunciaron el exterior como "un fuerte plagio de la Catedral de San Pablo". [67]
Sin embargo, con la demolición del asilo, Barry pudo construir la primera secuencia de grandes espacios arquitectónicos de la galería, de 1872 a 1876. Construidas con un diseño neorrenacentista policromado , las habitaciones Barry estaban dispuestas en planta de cruz griega alrededor de un enorme octógono central. Aunque compensaba la decepcionante arquitectura del edificio Wilkins, la nueva ala de Barry no fue del agrado del personal de la Galería, que consideraba que su aspecto monumental estaba en conflicto con su función como espacio de exposición. Además, el programa decorativo de las habitaciones no tuvo en cuenta el contenido previsto; el techo de la galería italiana de los siglos XV y XVI, por ejemplo, tenía inscritos los nombres de artistas británicos del siglo XIX. [68] Sin embargo, a pesar de estos fracasos, las Salas Barry proporcionaron a la galería una sólida planta axial; A esto le siguieron todas las adiciones posteriores a la galería durante un siglo, lo que dio como resultado un edificio de clara simetría.
La galería de Pennethorne fue demolida para la siguiente fase de construcción, un plan de Sir John Taylor que se extiende hacia el norte de la entrada principal. El vestíbulo de entrada con cúpula de cristal tenía decoraciones en el techo pintadas por la empresa de la familia Crace , que también había trabajado en Barry Rooms. Nunca se realizó un fresco destinado a la pared sur. [69]
Las adiciones posteriores al oeste se produjeron de manera más constante, pero mantuvieron la coherencia del edificio al reflejar el plan de eje transversal de Barry hacia el este. También se continuó utilizando mármol oscuro para las puertas, dando a las ampliaciones un grado de coherencia interna con las habitaciones más antiguas. El estilo clásico todavía estaba en uso en la Galería Nacional en 1929, cuando se construyó una galería de estilo Beaux-Arts , financiada por el marchante de arte y administrador Lord Duveen . Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que la reacción del siglo XX contra las actitudes victorianas se hiciera manifiesta en la galería. De 1928 a 1952, los pisos del rellano del vestíbulo de entrada de Taylor fueron renovados con una nueva serie de mosaicos de Boris Anrep , quien era amigo del Grupo Bloomsbury . Estos mosaicos pueden leerse como una sátira de las convenciones del siglo XIX para la decoración de edificios públicos, como lo ejemplifica el Friso de Parnaso del Albert Memorial . [70] El mosaico central que representa El despertar de las musas incluye retratos de Virginia Woolf y Greta Garbo , subvirtiendo el alto tono moral de sus antepasados victorianos. En lugar de las siete virtudes del cristianismo , Anrep ofreció su propio conjunto de virtudes modernas , entre ellas "Humor" y "Mente abierta"; las figuras alegóricas son nuevamente retratos de sus contemporáneos, incluidos Winston Churchill, Bertrand Russell y TS Eliot . [71]
En el siglo XX, los interiores victorianos tardíos de la galería pasaron de moda. [72] Las decoraciones del techo de Crace en el vestíbulo de entrada no eran del gusto del director Charles Holmes y fueron borradas por pintura blanca. [73] Las Galerías Norte, que se abrieron al público en 1975, marcaron la llegada de la arquitectura modernista a la Galería Nacional. En las habitaciones más antiguas, los detalles clásicos originales fueron borrados por tabiques, tarimas y techos suspendidos, con el objetivo de crear ambientes neutros que no distrajeran la contemplación de las pinturas. Pero el compromiso de la galería con el modernismo duró poco: en la década de 1980 el estilo victoriano ya no se consideraba anatema y se inició un programa de restauración para restaurar los interiores del siglo XIX y principios del XX a su supuesta apariencia original. Esto comenzó con la remodelación de Barry Rooms en 1985-1986. De 1996 a 1999, incluso las Galerías Norte, consideradas entonces como "carecidas de un carácter arquitectónico positivo", fueron remodeladas en un estilo clásico, aunque simplificado. [46]
La incorporación más importante al edificio a finales del siglo XX fue el ala Sainsbury, diseñada por los arquitectos posmodernistas Robert Venturi y Denise Scott Brown para albergar la colección de pinturas renacentistas y construida en 1991. El edificio ocupa el "sitio de Hampton" al al oeste del edificio principal, donde se encontraban los grandes almacenes del mismo nombre hasta su destrucción en el Blitz . La galería había buscado durante mucho tiempo expandirse a este espacio [ cita necesaria ] y en 1982 se llevó a cabo un concurso para encontrar un arquitecto adecuado; la lista corta incluía una propuesta radical de alta tecnología de Richard Rogers , entre otros. El diseño que obtuvo más votos fue el de la firma Ahrends, Burton y Koralek , quienes luego modificaron su propuesta para incluir una torre, similar a la del esquema de Rogers. La propuesta fue abandonada después de que el Príncipe de Gales comparara el diseño con un " ántrax monstruoso en el rostro de un amigo elegante y muy querido". [75] El término "ántrax monstruoso", para un edificio moderno que choca con su entorno, se ha convertido desde entonces en algo común. [76] [77]
Una de las condiciones del concurso de 1982 fue que la nueva ala debía incluir oficinas comerciales además de espacio para galerías públicas. Sin embargo, en 1985 fue posible dedicar la ampliación enteramente a los usos de la galería, gracias a una donación de casi 50 millones de libras esterlinas de Lord Sainsbury y sus hermanos Simon y Sir Tim Sainsbury . Se celebró un concurso cerrado y los proyectos presentados fueron notablemente más comedidos que en el concurso anterior.
En contraste con la rica ornamentación del edificio principal, las galerías del ala Sainsbury son minimalistas e íntimas, para adaptarse a la escala más pequeña de muchas de las pinturas. [ cita requerida ] Las principales inspiraciones para estas salas son las galerías iluminadas de Sir John Soane para la Dulwich Picture Gallery y los interiores de las iglesias de Filippo Brunelleschi . (El revestimiento de piedra es de pietra serena , la piedra gris local de Florencia). [78] Las galerías más al norte se alinean con el eje central de Barry, de modo que hay una sola vista a lo largo de toda la galería. Este eje se exagera mediante el uso de falsa perspectiva , ya que las columnas que flanquean cada abertura disminuyen gradualmente de tamaño hasta que el visitante llega al punto focal (a partir de 2009), un retablo de Cima de La Incredulidad de Santo Tomás . [ necesita actualización ] El enfoque posmodernista de la arquitectura de Venturi es plenamente evidente en el ala Sainsbury, con sus citas estilísticas de edificios tan dispares como las casas club de Pall Mall, la Scala Regia en el Vaticano, los almacenes victorianos y los templos del antiguo Egipto.
Tras la peatonalización de Trafalgar Square, la galería se encuentra actualmente [ ¿cuándo? ] participó en un plan maestro para convertir el espacio de oficinas desocupado en la planta baja en espacio público. El plan también rellenará patios en desuso y hará uso de terrenos adquiridos de la contigua Galería Nacional de Retratos en St Martin's Place, que entregó a la Galería Nacional a cambio de terrenos para su ampliación en 2000. La primera fase, el Proyecto del Ala Este diseñado por Jeremy Dixon y Edward Jones , se abrió al público en 2004. Esto proporcionó una nueva entrada a nivel del suelo desde Trafalgar Square, nombrada en honor a Sir Paul Getty . La entrada principal también fue renovada y reabierta en septiembre de 2005. Los posibles proyectos futuros incluyen un "Proyecto del ala oeste" aproximadamente simétrico con el Proyecto del ala este, que proporcionaría una futura entrada a nivel del suelo, y la apertura al público de algunas habitaciones pequeñas en el extremo oriental del edificio adquirido como parte del intercambio con la Galería Nacional de Retratos. Esto podría incluir una nueva escalera pública en la proa de la fachada este. No se ha anunciado ningún calendario para estos proyectos adicionales. [ necesita actualización ]
En abril de 2021, un jurado seleccionó a seis estudios de arquitectos ( Caruso St John , David Chipperfield Architects , Asif Kahn, David Kohn Architects , Selldorf Architects y Witherford Watson Mann Architects) en un concurso de propuestas de diseño para mejorar el ala Sainsbury. [79]
En 2024, las excavaciones para la ampliación del ala Sainsbury en Jubilee Walk descubrieron evidencia de que el asentamiento anglosajón de Lundenwic se extendía más hacia el oeste de lo que se suponía anteriormente. [80]
En la Galería Nacional, el 10 de marzo de 1914, la Rokeby Venus de Velázquez fue dañada por Mary Richardson , una activista por el sufragio femenino , en protesta contra el arresto de Emmeline Pankhurst el día anterior. Más tarde ese mes, otra sufragista atacó a cinco Bellini , lo que provocó el cierre de la galería hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial , cuando la Unión Social y Política de Mujeres pidió el fin de los actos violentos llamando la atención sobre su difícil situación. [81]
En agosto de 1961, un conductor de autobús desempleado, Kempton Bunton , robó el Retrato del duque de Wellington de Goya , en lo que sigue siendo el único robo exitoso de la galería. [82] Cuatro años más tarde, Bunton devolvió la pintura voluntariamente. Después de un juicio de alto perfil, fue declarado no culpable de robar la pintura, pero sí culpable de robar el marco. [83]
En julio de 1987, un hombre entró en la galería armado con una escopeta escondida bajo su abrigo y disparó el cartón de Leonardo de La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista . El hombre, Robert Cambridge, dijo a la policía que su intención había sido expresar su disgusto por las "condiciones políticas, sociales y económicas en Gran Bretaña". Aunque los perdigones no penetraron la caricatura, ésta tuvo que someterse a una restauración exhaustiva; se volvió a exhibir al año siguiente. [84]
Los Girasoles de Vincent van Gogh fueron atacados en la galería el 14 de octubre de 2022 por activistas medioambientales de la campaña Just Stop Oil , que le arrojaron sopa de tomate . [85] Debido a la protección del plexiglás , la pintura no resultó dañada, pero hubo algunos daños menores en el marco, según un portavoz de la galería. [85]
El 6 de noviembre de 2023, el Rokeby Venus fue nuevamente atacado por dos activistas de Just Stop Oil que rompieron su cristal protector con martillos. [86] [87]
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