La Venus del Rokeby ( / ˈr oʊ k b i / ROHK -abeja ; también conocida como El Retrete de Venus , Venus en su Espejo , Venus y Cupido ; cuyo título original era "La Venus del Espejo" español : La Venus del espejo ) es un cuadro de Diego Velázquez , el principal artista del Siglo de Oro español . Completada entre 1647 y 1651, [3] y probablemente pintada durante la visita del artista a Italia , la obra representa a la diosa Venus en una pose sensual, acostada en una cama de espaldas al espectador y mirándose en un espejo sostenido por el romano. dios del amor físico, su hijo Cupido . La pintura se encuentra en la National Gallery de Londres.
Numerosas obras, desde las antiguas hasta las barrocas , han sido citadas como fuentes de inspiración para Velázquez. Las Venus desnudas de los pintores italianos, como la Venus durmiente de Giorgione ( c. 1510 ) y la Venus de Urbino de Tiziano (1538), fueron los principales precedentes. En esta obra, Velázquez combinó dos poses ya establecidas para Venus: recostada en un sofá o cama y contemplando un espejo. A menudo se la describe mirándose a sí misma en el espejo, aunque esto es físicamente imposible ya que los espectadores pueden ver su rostro reflejado en su dirección. Este fenómeno se conoce como efecto Venus . [4] En varios sentidos, la pintura representa una salida pictórica, a través del uso central de un espejo, y porque muestra el cuerpo de Venus de espaldas al observador de la pintura. [5]
La Venus del Rokeby es el único desnudo femenino de Velázquez que se conserva. Los desnudos eran extremadamente raros en el arte español del siglo XVII, [6] que estaba vigilado activamente por miembros de la Inquisición española . A pesar de esto, los desnudos de artistas extranjeros fueron coleccionados con entusiasmo por el círculo de la corte, y esta pintura estuvo colgada en las casas de los cortesanos españoles hasta 1813, cuando fue llevada a Inglaterra para colgarse en Rokeby Park , Yorkshire . En 1906, la pintura fue comprada por el Fondo Nacional de Colecciones de Arte para la Galería Nacional de Londres. Aunque fue atacado y gravemente dañado en 1914 por la sufragista canadiense Mary Richardson , pronto fue completamente restaurado y volvió a exhibirse. Fue atacado nuevamente y su vidrio protector fue roto por Just Stop Oil en 2023.
La Venus de Rokeby representa a la diosa romana del amor, la belleza y la fertilidad reclinada lánguidamente en su cama, de espaldas al espectador (en la Antigüedad , la representación de Venus desde atrás era un motivo erótico visual y literario común [8]) , y sus rodillas escondido. Se la muestra sin la parafernalia mitológica que normalmente se incluye en las representaciones de la escena; joyas, rosas y mirtos están ausentes. A diferencia de la mayoría de las representaciones anteriores de la diosa, que la muestran con cabello rubio, la Venus de Velázquez es morena. [7] La figura femenina puede identificarse como Venus debido a la presencia de su hijo, Cupido.
Venus se mira en un espejo sostenido por Cupido, que no tiene su arco ni sus flechas habituales. Cuando la obra fue inventariada por primera vez, se describió como "una mujer desnuda", probablemente debido a su carácter controvertido. Venus mira al espectador de la pintura [9] a través de su imagen reflejada en el espejo. Sin embargo, la imagen es borrosa y revela sólo un vago reflejo de sus características faciales; la imagen reflejada de la cabeza es mucho más grande de lo que sería en realidad. [10] La crítica Natasha Wallace ha especulado que el rostro confuso de Venus puede ser la clave del significado subyacente de la pintura, en el sentido de que "no pretende ser un desnudo femenino específico, ni siquiera un retrato de Venus, sino una imagen". de belleza ensimismada." [11] Según Wallace, "No hay nada espiritual en el rostro o la imagen. El escenario clásico es una excusa para una sexualidad estética muy material: no el sexo como tal, sino una apreciación de la belleza que acompaña a la atracción". [12]
Cintas de seda rosa entrelazadas cubren el espejo y se enrollan sobre su marco. La función de la cinta ha sido objeto de mucho debate por parte de los historiadores del arte; las sugerencias incluyen una alusión a los grilletes usados por Cupido para atar a los amantes, que se usaron para colgar el espejo y que se usaron para vendar los ojos de Venus momentos antes. [7] El crítico Julián Gallego encontró la expresión facial de Cupido tan melancólica que interpreta las cintas como grilletes que unen al dios a la imagen de la Belleza, y le dio al cuadro el título "Amor conquistado por la Belleza". [13]
Los pliegues de las sábanas hacen eco de la forma física de la diosa y están representados para enfatizar las amplias curvas de su cuerpo. [5] La composición utiliza principalmente tonos de rojo, blanco y gris, que se utilizan incluso en la piel de Venus; Aunque el efecto de este sencillo esquema de color ha sido muy elogiado, un análisis técnico reciente ha demostrado que la hoja gris era originalmente un "malva intenso", que ahora se ha descolorido. [14] Los colores luminiscentes utilizados en la piel de Venus, aplicados con "manejo suave, cremoso y combinado", [15] contrastan con los grises oscuros y el negro de la seda sobre la que está acostada, y con el marrón de la pared detrás de su cara. .
La Venus de Rokeby es el único desnudo de Velázquez que se conserva, pero otros tres del artista están registrados en inventarios españoles del siglo XVII. Dos de ellos estaban mencionados en la colección Real, pero es posible que se hayan perdido en el incendio de 1734 que destruyó el principal Palacio Real de Madrid . Otro más quedó registrado en la colección de Domingo Guerra Coronel. [17] Estos registros mencionan "una Venus reclinada", Venus y Adonis , y una Psique y Cupido . [18]
Aunque se cree que la obra fue pintada del natural, la identidad del modelo está sujeta a mucha especulación. En la España contemporánea era aceptable que los artistas emplearan modelos masculinos desnudos para sus estudios; sin embargo, el uso de modelos femeninas desnudas estaba mal visto. [19] Se cree que la pintura fue ejecutada durante una de las visitas de Velázquez a Roma, y Prater ha observado que en Roma el artista "de hecho llevó una vida de considerable libertad personal que habría sido consistente con la noción de usar una vida modelo femenino desnudo". [19] Se ha afirmado que la pintura representa a una amante que se sabe que Velázquez tuvo mientras estuvo en Italia, quien se supone que dio a luz a su hijo. [12] Otros han afirmado que el modelo es el mismo que en La Coronación de la Virgen y Las Hilanderas , ambas del Museo del Prado , y otras obras. [dieciséis]
Las figuras de Venus y Cupido fueron alteradas significativamente durante el proceso de pintura, como resultado de las correcciones del artista en los contornos tal como fueron pintados inicialmente. [20] Pentimenti se puede ver en el brazo levantado de Venus, en la posición de su hombro izquierdo y en su cabeza. El infrarrojo revela que originalmente se la mostraba más erguida y con la cabeza girada hacia la izquierda. [14] Un área a la izquierda de la pintura, que se extiende desde el pie izquierdo de Venus hasta la pierna izquierda y el pie de Cupido, aparentemente está inacabada, pero esta característica se ve en muchas otras obras de Velázquez y probablemente fue deliberada. [21] La pintura fue limpiada y restaurada a fondo en 1965-66, lo que demostró que estaba en buenas condiciones y con muy poca pintura agregada posteriormente por otros artistas, contrariamente a lo que habían afirmado algunos escritores anteriores. [22]
Las pinturas de desnudos y de Venus de artistas italianos, y especialmente venecianos, fueron influencias en Velázquez. Sin embargo, la versión de Velázquez es, según el historiador del arte Andreas Prater, "un concepto visual muy independiente que tiene muchos precursores, pero ningún modelo directo; los estudiosos los han buscado en vano". [23] Los precursores incluyen diversas representaciones de Venus de Tiziano, como Venus y Cupido con una perdiz , Venus y Cupido con un organista y, en particular, la Venus de Urbino ; Desnudo reclinado de Palma il Vecchio ; y Venus durmiente de Giorgione , [24] todos los cuales muestran a la deidad reclinada sobre lujosos textiles, aunque en escenarios paisajísticos en las dos últimas obras. [23] El uso de un espejo colocado en el centro se inspiró en los pintores del Alto Renacimiento italiano, incluidos Tiziano, Girolamo Savoldo y Lorenzo Lotto , quienes utilizaron los espejos como protagonistas activos, en lugar de algo más que un simple accesorio o utilería en el espacio pictórico. [23] Tanto Tiziano como Peter Paul Rubens ya habían pintado a Venus mirándose en un espejo y, como ambos habían tenido estrechos vínculos con la corte española, sus ejemplos le habrían resultado familiares a Velázquez. Sin embargo, "esta chica, de cintura pequeña y cadera prominente, no se parece a los desnudos italianos más completos y redondeados inspirados en esculturas antiguas". [25]
Una innovación de Rokeby Venus , en comparación con otras grandes pinturas de desnudos individuales, radica en el hecho de que Velázquez representa una vista posterior del sujeto, de espaldas al espectador. [23] Existieron precedentes de esto en grabados de Giulio Campagnola , [26] Agostino Veneziano , Hans Sebald Beham y Theodor de Bry , [27] así como en esculturas clásicas conocidas por Velázquez, de las cuales se hicieron moldes para Madrid. Se trataba de la Ariadna durmiente que ahora se encuentra en el Palacio Pitti , pero luego en Roma, de la cual Velázquez encargó un molde para la colección real en 1650-1651, y el Hermafrodito de Borghese , un hermafrodita dormido (imagen arriba a la derecha), ahora en el Palacio Pitti. Louvre , del que se envió un yeso a Madrid, [28] y que también enfatiza la curva desde la cadera hasta la cintura. Sin embargo, la combinación de elementos en la composición de Velázquez fue original.
La Venus Rokeby puede haber sido pensada como un colgante de una pintura veneciana del siglo XVI de una Venus yacente (que parece haber comenzado su vida como una Dánae ) en un paisaje, en la misma pose, pero vista de frente. Sin duda, los dos estuvieron colgados juntos durante muchos años en España cuando en la colección de Gaspar Méndez de Haro, séptimo marqués del Carpio (1629-1687); No se sabe en qué momento se emparejaron inicialmente. [29]
La representación de desnudos fue oficialmente desaconsejada en la España del siglo XVII. Las obras podían ser confiscadas o la Inquisición exigía que se las repintara, y los artistas que pintaban obras licenciosas o inmorales a menudo eran excomulgados, multados o desterrados de España durante un año. [30] Sin embargo, dentro de los círculos intelectuales y aristocráticos, se creía que los objetivos del arte reemplazaban las cuestiones de moralidad, y había muchos desnudos, generalmente mitológicos, en colecciones privadas. [5]
El mecenas de Velázquez, el rey Felipe IV, amante del arte, tenía varios desnudos de Tiziano y Rubens, y Velázquez, como pintor del rey, no tenía por qué temer pintar un cuadro así. [14] Los principales coleccionistas, incluido el Rey, tendían a mantener desnudos, muchos de ellos mitológicos, en habitaciones relativamente privadas; [31] en el caso de Felipe "la habitación donde Su Majestad se retira después de comer", que contenía las poesías de Tiziano que había heredado de Felipe II , y las de Rubens que él mismo había encargado. [32] La Venus estaría en una habitación así mientras se encontraba en las colecciones de Haro y Godoy. La corte de Felipe IV "apreciaba mucho la pintura en general, y el desnudo en particular, pero... al mismo tiempo, ejerció una presión sin precedentes sobre los artistas para que evitaran la representación del cuerpo humano desnudo". [18]
La actitud española contemporánea hacia las pinturas de desnudos fue única en Europa. Aunque estas obras fueron apreciadas por algunos conocedores e intelectuales dentro de España, en general fueron tratadas con sospecha. Las mujeres solían usar escotes bajos durante la época, pero según la historiadora del arte Zahira Veliz, "los códigos del decoro pictórico no permitirían fácilmente que una dama conocida fuera pintada de esta manera". [33] Para los españoles del siglo XVII, la cuestión del desnudo en el arte estaba ligada a conceptos de moralidad, poder y estética. Esta actitud se refleja en la literatura del Siglo de Oro español , en obras como la obra de Lope de Vega La quinta de Florencia , que presenta a un aristócrata que comete una violación después de ver una figura con poca ropa en un cuadro mitológico de Miguel Ángel . [32]
En 1632, [36] se publicó un panfleto con el título "Copia de las opiniones y censuras de los más venerados padres, maestros y catedráticos de las distinguidas universidades de Salamanca y Alcalá , y otros estudiosos sobre el abuso de las cosas lascivas e indecentes". figuras y pinturas, que es pecado mortal pintarlas, tallarlas y exponerlas donde puedan ser vistas". Precediendo a las opiniones de teólogos como Juan de Santo Tomás , Pedro Tapia y Gaspar Hurtado hubo un ensayo anónimo, más tarde atribuido al portugués Francisco de Braganza. [37] [38]
El tribunal logró ejercer contrapresión y nunca se publicó un artículo del célebre poeta y predicador Fray Hortensio Félix Paravicino , que proponía la destrucción de todas las pinturas de desnudos y que estaba escrito para ser incluido en el panfleto. Paravicino era un conocedor de la pintura y, por tanto, creía en su poder: "los cuadros más bellos son la mayor amenaza: quemar los mejores". Como muestra su título, Braganza simplemente argumentó que tales obras debían mantenerse fuera de la vista de un público más amplio, como de hecho era la práctica mayoritaria en España. [39]
Por el contrario, el arte francés de la época representaba a menudo a mujeres con escotes pronunciados y corsés esbeltos; [41] Sin embargo, la mutilación por parte de la familia real francesa de la representación Correggio de Leda y el Cisne y su aparente destrucción de las famosas pinturas de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel del mismo tema, muestran que la desnudez también podría ser controvertida en Francia. [42] En el norte de Europa se consideraba aceptable retratar desnudos artísticamente cubiertos. Los ejemplos incluyen Minerva Victrix de Rubens , de 1622-1625, que muestra a María de Medici con el pecho descubierto, y la pintura de Anthony van Dyck de 1620, El duque y la duquesa de Buckingham como Venus y Adonis .
En el arte español del siglo XVII, incluso en la representación de sibilas , ninfas y diosas, la forma femenina siempre estuvo castamente cubierta. Ninguna pintura de las décadas de 1630 o 1640, ya sea en formato de género , retrato o historia , muestra a una mujer española con los pechos expuestos; incluso las armas descubiertas rara vez se mostraban. [33] En 1997, el historiador de arte Peter Cherry sugirió que Velázquez buscaba superar el requisito contemporáneo de modestia retratando a Venus de espaldas. [43] Incluso a mediados del siglo XVIII, un artista inglés que hizo un dibujo de Venus cuando estaba en la colección de los duques de Alba notó que "no estaba colgado, debido al tema". [44]
Morritt mostró otra actitud ante el tema, quien escribió a Sir Walter Scott sobre su "excelente cuadro del trasero de Venus", que colgó encima de su chimenea principal, para que "las damas pudieran desviar sus ojos bajos sin dificultad y los conocedores robaran". una mirada sin atraer dicho trasero hacia la compañía". [45]
Durante mucho tiempo se consideró que Rokeby Venus era una de las últimas obras de Velázquez. [46] En 1951 se encontró registrado en un inventario del 1 de junio de 1651 de la colección de Gaspar Méndez de Haro, VII marqués del Carpio , [47] estrecho colaborador de Felipe IV de España . Haro era sobrino nieto del primer mecenas de Velázquez, el conde-duque de Olivares , y un notorio libertino . Según el historiador de arte Dawson Carr, Haro "amaba la pintura casi tanto como amaba a las mujeres", [14] e "incluso sus panegiristas lamentaban su excesivo gusto por las mujeres de clase baja durante su juventud". Por estas razones parecía probable que hubiera encargado el cuadro. [48] Sin embargo, en 2001 el historiador de arte Ángel Aterido descubrió que la pintura había pertenecido primero al marchante y pintor madrileño Domingo Guerra Coronel, y fue vendida a Haro en 1652 tras la muerte de Coronel el año anterior. [49] La propiedad de la pintura por parte de Coronel plantea una serie de preguntas: cómo y cuándo llegó a manos de Coronel, y por qué se omitió el nombre de Velázquez del inventario de Coronel. El crítico de arte Javier Portús ha sugerido que la omisión podría deberse a la representación en el cuadro de un desnudo femenino, "un tipo de obra que estaba cuidadosamente supervisada y cuya difusión se consideraba problemática". [50]
Estas revelaciones hacen que la pintura sea difícil de fechar. La técnica pictórica de Velázquez no ofrece ninguna ayuda, aunque su fuerte énfasis en el color y el tono sugiere que la obra data de su período de madurez. Las mejores estimaciones de su origen sitúan su finalización a finales de la década de 1640 o principios de la de 1650, ya sea en España o durante la última visita de Velázquez a Italia. [14] Si este es el caso, entonces se puede considerar que la amplitud del manejo y la disolución de la forma marcan el comienzo del período final del artista. El modelado concienzudo y los fuertes contrastes tonales de su obra anterior son reemplazados aquí por una moderación y sutileza que culminarían en su última obra maestra, Las Meninas . [51]
El cuadro pasó de Haro a la colección de su hija Catalina de Haro y Guzmán, octava marquesa del Carpio, y de su marido, Francisco Álvarez de Toledo, décimo duque de Alba . [52] En 1802, Carlos IV de España ordenó a la familia vender la pintura (junto con otras obras) a Manuel de Godoy , su favorito y primer ministro. [53] Lo colgó junto a dos obras maestras de Francisco Goya que él mismo pudo haber encargado, La maja desnuda y La maja vestida . Estos tienen obvias similitudes compositivas con la Venus de Velázquez , aunque a diferencia de Velázquez, Goya claramente pintó su desnudo en un intento calculado de provocar vergüenza y disgusto en el clima relativamente ignorante de la España del siglo XVIII. [54]
Durante la Guerra de la Independencia , se produjeron saqueos de obras de arte por parte del ejército napoleónico , y los compradores británicos aprovecharon para adquirir obras de propietarios españoles deseosos de vender. La Venus pasó por manos de George Augustus Wallis , un pintor británico que trabajó en España como agente de William Buchanan, un importante marchante de arte. [55] [56] En octubre de 1813, Buchanan había ofrecido acciones de un paquete de 24 pinturas importantes, incluida la Venus , de colecciones españolas a coleccionistas ingleses adinerados, que podrían comprarlas ellos mismos o compartir las ganancias de las ventas. a otros en Londres. [57] Este arreglo era similar al mediante el cual la flor y nata de la Colección Orleans había sido llevada a Londres algunos años antes.
En Inglaterra fue comprado por John Morritt [58] por £500 (£41.000 en 2024), y por consejo de su amigo Sir Thomas Lawrence . Morritt lo colgó en su casa de Rokeby Park , Yorkshire, de ahí el nombre popular de la pintura. En 1906, la pintura fue adquirida para la Galería Nacional por el recién creado Fondo Nacional de Colecciones de Arte , su primer triunfo de campaña. [59] El rey Eduardo VII admiraba mucho la pintura, aportó de forma anónima £ 8.000 (£ 1.090.000 en 2024) para su compra, [60] y posteriormente se convirtió en patrocinador del Fondo. [61]
En parte porque fue ignorado hasta mediados del siglo XIX, Velázquez no encontró seguidores y no fue ampliamente imitado. En particular, sus innovaciones visuales y estructurales en esta representación de Venus no fueron desarrolladas por otros artistas hasta hace poco, en gran parte debido a la censura de la obra. [62] La pintura permaneció en una serie de salas privadas en colecciones privadas hasta que fue exhibida en 1857 en la Exposición de Tesoros de Arte de Manchester , junto con otras 25 pinturas que al menos se afirma que eran de Velázquez; Fue aquí donde pasó a ser conocida como la Venus del Rokeby . No parece haber sido copiado por otros artistas, grabado o reproducido de otro modo, hasta este período. En 1890 se exhibió en la Royal Academy de Londres y en 1905 en casa de los señores Agnews, los comerciantes que se lo habían comprado a Morritt. A partir de 1906 fue muy visible en la Galería Nacional y se hizo mundialmente conocido gracias a sus reproducciones. Por lo tanto, la influencia general de la pintura se retrasó mucho, aunque los artistas individuales habrían podido verla en ocasiones a lo largo de su historia. [63]
La pintura no fue universalmente aceptada como obra de Velázquez en su reintroducción al público. El artista William Blake Richmond , en una conferencia en la Royal Academy en 1910 afirmó que "dos pigmentos utilizados en el cuadro no existían en la época de Velásquez". El crítico James Grieg planteó la hipótesis de que se trataba de Anton Raphael Mengs —aunque encontró poco apoyo a su idea— y hubo una discusión más seria sobre la posibilidad de que el artista fuera el yerno y alumno de Velázquez, Juan del Mazo . [64]
El retrato de Velázquez es una puesta en escena de un momento privado de intimidad y un alejamiento dramático de las representaciones clásicas del sueño y la intimidad que se encuentran en las obras de la antigüedad y el arte veneciano que retratan a Venus. Sin embargo, la sencillez con la que Velázquez muestra el desnudo femenino, sin joyas ni ninguno de los accesorios habituales de la diosa, tuvo eco en estudios de desnudos posteriores de Ingres , Manet y Baudry , entre otros. [62] Además, la representación de Velázquez de Venus como un desnudo reclinado visto desde atrás era una rareza antes de esa época, aunque la pose ha sido pintada por muchos artistas posteriores. [65] Manet, en su cruda interpretación femenina de Olimpia , parafraseó a la Venus de Rokeby en su pose y sugiriendo la personalidad de una mujer real en lugar de una diosa etérea. Olympia conmocionó al mundo del arte parisino cuando se exhibió por primera vez en 1863. [66]
El 10 de marzo de 1914, la sufragista Mary Richardson entró en la Galería Nacional y atacó el lienzo de Velázquez con un cuchillo de carnicero. Su acción fue aparentemente provocada por el arresto de su colega sufragista Emmeline Pankhurst el día anterior, [68] aunque anteriormente había habido advertencias de un ataque sufragista planeado a la colección. Richardson dejó siete cortes en la pintura, causando daños particularmente en el área entre los hombros de la figura. [17] [69] Sin embargo, todos fueron reparados con éxito por el restaurador jefe de la Galería Nacional, Helmut Ruhemann . [12]
Richardson fue condenado a seis meses de prisión, el máximo permitido por la destrucción de una obra de arte. [70] En una declaración a la Unión Política y Social de Mujeres poco después, Richardson explicó: "He tratado de destruir la imagen de la mujer más bella de la historia mitológica como protesta contra el Gobierno por destruir a la Sra. Pankhurst, quien es la El personaje más bello de la historia moderna." [69] [71] Añadió en una entrevista de 1952 que no le gustaba "la forma en que los visitantes masculinos se quedaban boquiabiertos durante todo el día". [72]
La escritora feminista Lynda Nead observó: "El incidente ha llegado a simbolizar una percepción particular de las actitudes feministas hacia el desnudo femenino; en cierto sentido, ha llegado a representar una imagen estereotipada específica del feminismo en general". [73] Los informes contemporáneos sobre el incidente revelan que la imagen no fue vista en general como una mera obra de arte. Los periodistas tendieron a evaluar el ataque en términos de un asesinato (Richardson fue apodado "Slasher Mary") y usaron palabras que evocaban heridas infligidas a un cuerpo femenino real, en lugar de una representación pictórica de un cuerpo femenino. [70] El Times describió una "herida cruel en el cuello", así como incisiones en los hombros y la espalda. [74]
La pintura fue atacada nuevamente el 6 de noviembre de 2023 por dos activistas de Just Stop Oil que rompieron su vidrio protector con martillos exigiendo el fin de las nuevas licencias de petróleo y gas en el Reino Unido. [75] [76]
