Georges Pierre Seurat ( Reino Unido : / ˈ s ɜːr ɑː , - ə / SUR -ah, -ə , EE. UU. : / s ʊ ˈ r ɑː / suu- RAH , [1] [2] [3] [4] [5 ] Francés: [ʒɔʁʒ pjɛʁ sœʁa] ; [6] 2 de diciembre de 1859 – 29 de marzo de 1891) fue un artista postimpresionista francés. Ideó las técnicas pictóricas conocidas como cromoluminarismo y puntillismo y utilizó crayón conté para dibujos sobre papel con una superficie rugosa.
La personalidad artística de Seurat combinaba cualidades que habitualmente se consideran opuestas e incompatibles: por un lado, su extrema y delicada sensibilidad, por el otro, una pasión por la abstracción lógica y una precisión mental casi matemática. [7] Su obra de gran escala Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) alteró la dirección del arte moderno al iniciar el neoimpresionismo , y es uno de los íconos de la pintura de finales del siglo XIX . [8]
Seurat nació el 2 de diciembre de 1859 en París, en el número 60 de la rue de Bondy (ahora rue René Boulanger). La familia Seurat se mudó al 136 boulevard de Magenta (ahora 110 boulevard de Magenta) en 1862 o 1863. [9] Su padre, Antoine Chrysostome Seurat, originario de Champaña , era un ex funcionario legal que se había enriquecido especulando con propiedades, y su madre, Ernestine Faivre, era de París. [10] Georges tenía un hermano, Émile Augustin, y una hermana, Marie-Berthe, ambos mayores. Su padre vivía en Le Raincy y visitaba a su esposa e hijos una vez por semana en el bulevar de Magenta. [11]
Georges Seurat estudió arte por primera vez en la École Municipale de Sculpture et Dessin, cerca de la casa de su familia en el bulevar Magenta, dirigida por el escultor Justin Lequien. [12] [13] En 1878, se trasladó a la École des Beaux-Arts , donde fue enseñado por Henri Lehmann , y siguió una formación académica convencional, dibujando a partir de moldes de esculturas antiguas y copiando dibujos de antiguos maestros. [12] Los estudios de Seurat dieron como resultado una teoría de los contrastes bien meditada y fértil: teoría a la que a partir de entonces estuvo sujeta toda su obra. [14] Su educación artística formal llegó a su fin en noviembre de 1879, cuando dejó la École des Beaux-Arts para realizar un año de servicio militar. [13]
Después de un año en la Academia Militar de Brest , regresó a París donde compartió estudio con su amigo Aman-Jean , al mismo tiempo que alquilaba un pequeño apartamento en el número 16 de la rue de Chabrol. [10] Durante los dos años siguientes, trabajó para dominar el arte del dibujo monocromático. Su primera obra expuesta, en el Salón de 1883, fue un dibujo a lápiz de Conté de Aman-Jean. [15] También estudió detenidamente las obras de Eugène Delacroix , tomando notas sobre su uso del color. [12]
Pasó 1883 trabajando en su primera pintura importante: un gran lienzo titulado Bañistas en Asnières , [16] una obra monumental que muestra a hombres jóvenes relajándose junto al Sena en un suburbio de clase trabajadora de París. [17] Aunque influenciado en su uso del color y el tono claro por el impresionismo, la pintura con sus texturas suaves y simplificadas y sus figuras más bien escultóricas, cuidadosamente delineadas, muestra el impacto continuo de su formación neoclásica; el crítico Paul Alexis lo describió como un "falso Puvis de Chavannes ". [18] Seurat también se apartó del ideal impresionista preparándose para la obra con una serie de dibujos y bocetos al óleo antes de comenzar con el lienzo en su estudio. [18]
Bañistas de Asnières fue rechazado por el Salón de París y, en cambio, lo mostró en el Groupe des Artistes Indépendants en mayo de 1884. Sin embargo, pronto, desilusionado por la mala organización de los Indépendants, Seurat y algunos otros artistas que había conocido a través del grupo – entre ellos Charles Angrand , Henri-Edmond Cross , Albert Dubois-Pillet y Paul Signac- crearon una nueva organización, la Société des Artistes Indépendants . [16] Las nuevas ideas de Seurat sobre el puntillismo iban a tener una influencia especialmente fuerte en Signac, quien posteriormente pintó en el mismo idioma.
En el verano de 1884, Seurat inició las obras de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte .
La pintura muestra a miembros de cada una de las clases sociales participando en diversas actividades del parque. Los pequeños puntos yuxtapuestos de pintura multicolor permiten que el ojo del espectador mezcle los colores ópticamente, en lugar de mezclarlos físicamente en el lienzo. Seurat tardó dos años en completar esta pintura de 3,0 m (10 pies) de ancho, gran parte del cual pasó en el parque dibujando en preparación para el trabajo. Hay alrededor de 60 estudios para la pintura de gran tamaño, incluida una versión más pequeña, Estudio para una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1885), que ahora se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago . La obra completa también forma parte de la colección permanente del Art Institute of Chicago. [19]
La pintura fue la inspiración para el musical Sunday in the Park with George de James Lapine y Stephen Sondheim [20] [21] [22] y jugó un papel simbólico importante en Ferris Bueller's Day Off de John Hughes . [23]
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Seurat ocultó su relación con Madeleine Knobloch (o Madeleine Knoblock, 1868-1903), modelo de artista a quien retrató en su cuadro Jeune femme se poudrant . En 1889 se instaló con Seurat en su estudio del séptimo piso del 128 bis del Boulevard de Clichy . [24]
Cuando Madeleine quedó embarazada, la pareja se mudó a un estudio en el 39 del pasaje de l'Élysée-des-Beaux-Arts (actualmente rue André Antoine). Allí dio a luz a su hijo, que se llamó Pierre-Georges, el 16 de febrero de 1890. [24]
Seurat pasó el verano de 1890 en la costa de Gravelines , donde pintó cuatro lienzos, entre ellos El canal de Gravelines, Petit Fort Philippe , así como ocho paneles al óleo, y realizó algunos dibujos. [25]
Seurat murió en París en casa de sus padres el 29 de marzo de 1891 a la edad de 31 años. [9] La causa de su muerte es incierta y se ha atribuido a una forma de meningitis , neumonía , angina infecciosa y difteria . Su hijo murió dos semanas después por la misma enfermedad. [26] Su última obra ambiciosa, El circo , quedó inacabada en el momento de su muerte.
El 30 de marzo de 1891 se celebró un servicio conmemorativo en la iglesia de Saint-Vincent-de-Paul . [9] Seurat fue enterrado el 31 de marzo de 1891 en el Cementerio del Père-Lachaise . [11]
En el momento de la muerte de Seurat, Madeleine estaba embarazada de un segundo hijo que murió durante el parto o poco después. [27]
Durante el siglo XIX, científicos-escritores como Michel Eugène Chevreul , Ogden Rood y David Sutter escribieron tratados sobre el color, los efectos ópticos y la percepción . Adaptaron la investigación científica de Hermann von Helmholtz e Isaac Newton a una forma accesible a los profanos. [28] Los artistas siguieron con gran interés los nuevos descubrimientos en el ámbito de la percepción. [28]
Chevreul fue quizás la influencia más importante para los artistas de la época; su gran contribución fue producir un círculo cromático de tonalidades primarias e intermedias. Chevreul fue un químico francés que restauró tapices . Durante sus restauraciones se dio cuenta de que la única manera de restaurar adecuadamente una sección era tener en cuenta la influencia de los colores alrededor de la lana faltante ; no podía producir el tono correcto a menos que reconociera los tintes circundantes . Chevreul descubrió que dos colores yuxtapuestos, ligeramente superpuestos o muy juntos, tendrían el efecto de otro color vistos desde lejos. El descubrimiento de este fenómeno se convirtió en la base de la técnica puntillista de los pintores neoimpresionistas. [28]
Chevreul también se dio cuenta de que el "halo" que se ve después de mirar un color es el color opuesto (también conocido como color complementario ). Por ejemplo: después de mirar un objeto rojo, es posible ver un eco/halo cian del objeto original. Este color complementario (por ejemplo, cian por rojo) se debe a la persistencia retiniana . Los pintores neoimpresionistas interesados en la interacción de colores hicieron un uso extensivo de colores complementarios en sus pinturas. En sus obras, Chevreul aconsejaba a los artistas pensar y pintar no sólo el color del objeto central, sino añadir colores y hacer los ajustes adecuados para lograr una armonía entre los colores. Parece que la armonía sobre la que escribió Chevreul es lo que Seurat llegó a llamar "emoción". [28]
No está claro si Seurat leyó todo el libro de Chevreul sobre contraste de color, publicado en 1859, pero copió varios párrafos del capítulo sobre pintura y había leído Grammaire des arts du dessin (1867) de Charles Blanc . 12] que cita el trabajo de Chevreul. El libro de Blanc estaba dirigido a artistas y conocedores del arte. Debido al significado emocional del color para él, hizo recomendaciones explícitas que se acercaban a las teorías adoptadas más tarde por los neoimpresionistas. Dijo que el color no debe basarse en el "juicio del gusto", sino que debe acercarse a lo que experimentamos en la realidad. Blanc no quería que los artistas utilizaran intensidades iguales de color, sino que planificaran y comprendieran conscientemente el papel de cada tono en la creación de un todo. [28]
Mientras Chevreul basó sus teorías en los pensamientos de Newton sobre la mezcla de luz, Ogden Rood basó sus escritos en el trabajo de Helmholtz. Analizó los efectos de mezclar y yuxtaponer pigmentos materiales. Rood valora como colores primarios el rojo, el verde y el azul violeta. Al igual que Chevreul, dijo que si dos colores se colocan uno al lado del otro, desde lejos parecen un tercer color distintivo. También señaló que la yuxtaposición de tonos primarios uno al lado del otro crearía un color mucho más intenso y agradable, cuando lo perciben el ojo y la mente, que el color correspondiente obtenido simplemente mezclando pintura. Rood aconsejó a los artistas que fueran conscientes de la diferencia entre las cualidades del color aditivas y sustractivas, ya que los pigmentos materiales y los pigmentos ópticos (luz) no se mezclan de la misma manera:
Seurat también fue influenciado por Phenomena of Vision (1880) de Sutter, en el que escribió que "las leyes de la armonía se pueden aprender como se aprenden las leyes de la armonía y la música". [29] Escuchó conferencias en la década de 1880 del matemático Charles Henry en la Sorbona , quien discutió las propiedades emocionales y el significado simbólico de las líneas y el color. Sigue existiendo controversia sobre hasta qué punto Seurat adoptó las ideas de Henry. [28]
Seurat se tomó muy en serio la noción de los teóricos del color de un enfoque científico de la pintura. Creía que un pintor podía utilizar el color para crear armonía y emoción en el arte de la misma manera que un músico utiliza el contrapunto y la variación para crear armonía en la música. Teorizó que la aplicación científica del color era como cualquier otra ley natural y se vio obligado a probar esta conjetura. Pensó que el conocimiento de la percepción y las leyes ópticas podría usarse para crear un nuevo lenguaje artístico basado en su propio conjunto de heurísticas y se propuso mostrar este lenguaje usando líneas, intensidad de color y esquemas de color. Seurat llamó a esta lengua cromoluminarismo . [28]
En una carta al escritor Maurice Beaubourg en 1890 escribió: "El arte es armonía. La armonía es la analogía del contrario y de elementos similares de tono, de color y de línea. En tono, más claro contra más oscuro. En color, lo complementario , rojo-verde, naranja-azul, amarillo-violeta. En línea, los que forman un ángulo recto. El marco está en una armonía que se opone a las de los tonos, colores y líneas del cuadro, estos aspectos se consideran según su dominio y bajo la influencia de la luz, en combinaciones alegres, tranquilas o tristes". [30] [31]
Las teorías de Seurat se pueden resumir de la siguiente manera: La emoción de alegría puede lograrse mediante el predominio de tonos luminosos, mediante el predominio de colores cálidos y mediante el uso de líneas dirigidas hacia arriba. La calma se logra a través de una equivalencia/equilibrio del uso de la luz y la oscuridad, por el equilibrio de colores cálidos y fríos, y por líneas horizontales. La tristeza se consigue mediante el uso de colores oscuros y fríos y mediante líneas que apuntan hacia abajo. [28]
Mientras que la naturaleza dialéctica de la obra de Paul Cézanne había tenido una gran influencia durante la fase altamente expresionista del protocubismo , entre 1908 y 1910, la obra de Seurat, con sus estructuras más planas y lineales, captaría la atención de los cubistas desde 1911. [32] Seurat, en sus pocos años de actividad, supo, con sus observaciones sobre la irradiación y los efectos de contraste, crear de nuevo sin ninguna tradición que lo guiara, completar un sistema estético con un nuevo método técnico perfectamente adaptado a su expresión. . [33]
"Con la llegada del cubismo monocromático en 1910-1911", escribe el historiador de arte Robert Herbert, "las cuestiones de forma desplazaron la atención de los artistas sobre el color, y para ellos Seurat fue más relevante. Gracias a varias exposiciones, sus pinturas y dibujos fueron fácilmente visto en París, y las reproducciones de sus principales composiciones circularon ampliamente entre los cubistas. El Chahut [Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo] fue llamado por André Salmon "uno de los grandes iconos de la nueva devoción", y tanto él como el Cirque ( Circus) , Museo de Orsay, París, según Guillaume Apollinaire , "casi pertenecen al cubismo sintético". [28]
Entre los artistas franceses estaba bien establecido el concepto de que la pintura podía expresarse matemáticamente, tanto en términos de color como de forma; y esta expresión matemática resultó en una "verdad objetiva" independiente y convincente, quizás más que la verdad objetiva del objeto representado. [32]
En efecto, los neoimpresionistas habían conseguido establecer una base científica objetiva en el ámbito del color (Seurat aborda ambos problemas en Circo y Bailarines ). Pronto, los cubistas lo harían tanto en el ámbito de la forma como en el de la dinámica; El orfismo también lo haría con el color. [32]
El 2 de diciembre de 2021, Google honró a Seurat con un Google Doodle en su 162 cumpleaños. [34] [35] [36]
Desde 1883 hasta su muerte, Seurat expuso su obra en el Salón , el Salón de los Independientes , Les XX de Bruselas, la octava exposición impresionista y otras exposiciones en Francia y en el extranjero. [37]
Exposiciones póstumas:
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