En las artes visuales , el modernismo tardío abarca la producción general del arte más reciente realizado entre las secuelas de la Segunda Guerra Mundial y los primeros años del siglo XXI. La terminología a menudo señala similitudes entre el modernismo tardío y el posmodernismo , aunque existen diferencias. El término predominante para el arte producido desde la década de 1950 es arte contemporáneo . No todo el arte etiquetado como arte contemporáneo es modernista o posmoderno, y el término más amplio abarca tanto a los artistas que continúan trabajando en las tradiciones modernas y modernistas tardías, como a los artistas que rechazan el modernismo por posmodernismo u otras razones. Arthur Danto argumenta explícitamente en Después del fin del arte que la contemporaneidad era el término más amplio y que los objetos posmodernos representan un subsector del movimiento contemporáneo que reemplazó a la modernidad y al modernismo, mientras que otros críticos notables: Hilton Kramer , [1] Robert C. Morgan , Kirk Varnedoe , [2] Jean-François Lyotard y otros han argumentado que los objetos posmodernos son, en el mejor de los casos, relativos a las obras modernistas.
La jerga que engloba los términos modernismo tardío y arte posmoderno se utiliza para designar lo que puede considerarse como la fase última del arte moderno , como el arte del final del modernismo o como ciertas tendencias del arte contemporáneo.
Hay quienes se oponen a la división entre períodos modernos y posmodernos. No todos los críticos están de acuerdo en que la etapa llamada modernismo haya terminado o esté cerca de terminar. No hay acuerdo en que todo el arte posterior al modernismo sea posmoderno. El término arte contemporáneo es el más utilizado para designar las obras desde aproximadamente 1960, aunque también tiene muchos otros usos. El arte posmoderno tampoco está universalmente separado del modernismo, ya que muchos críticos lo ven simplemente como otra fase del arte moderno o como otra forma de modernismo tardío.
Como ocurre con todos los usos del término posmoderno, existen críticos de su aplicación; sin embargo, en este momento, estos críticos son una minoría. [1] Esto no quiere decir que se acepte la fase del arte denotada por el posmodernismo, sino simplemente que está bien establecida la necesidad de un término para describir los movimientos en el arte posteriores al auge del expresionismo abstracto . [3] Sin embargo, aunque el concepto de cambio ha llegado a un consenso, y no se ha determinado si se trata de un cambio posmodernista o de un período modernista tardío, el consenso es que se ha producido un cambio profundo en la percepción de las obras de arte y que ha estado surgiendo una nueva era en el escenario mundial al menos desde la década de 1960.
En literatura, el término modernismo tardío se refiere a obras literarias producidas después de la Segunda Guerra Mundial. [4] Sin embargo, existen varias definiciones diferentes de literatura modernista tardía. La más común se refiere a obras publicadas entre 1930 y 1939, o 1945. [5] Sin embargo, hay modernistas, como Basil Bunting (1900-1985) y TS Eliot (1888-1965), que escribieron después de 1945, y Samuel Beckett , que murió en 1989, ha sido descrito como un "modernista tardío". [6] El autor afroamericano James Baldwin también ha sido llamado un "modernista tardío", al igual que los poetas de la Generación Beat . Eliot publicó dos obras de teatro en la década de 1950 y el largo poema modernista de Bunting " Briggflatts " se publicó en 1965. Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (nacido en 1936) son, entre otros escritos de la segunda mitad del siglo XX, quienes han sido descritos como modernistas tardíos. [7] Existe la pregunta adicional de si la literatura modernista tardía difiere de alguna manera importante de las obras modernistas producidas antes de 1930. Para confundir las cosas, más recientemente el término modernismo tardío ha sido redefinido por al menos un crítico y utilizado para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue reconfigurada significativamente por los eventos de la Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y el lanzamiento de la bomba atómica . [8]
El modernismo tardío describe movimientos que surgen de las tendencias del modernismo y reaccionan contra ellas, y rechazan algún aspecto del modernismo, al tiempo que desarrollan plenamente la potencialidad conceptual de la empresa modernista. [9] En algunas descripciones, el posmodernismo como período en el arte ha concluido, mientras que en otras es un movimiento continuo en el arte contemporáneo . En el arte, los rasgos específicos del modernismo que se citan generalmente son la pureza formal, la especificidad del medio , el arte por el arte , la posibilidad de autenticidad en el arte , la importancia o incluso la posibilidad de una verdad universal en el arte y la importancia de una vanguardia y la originalidad. Este último punto es de particular controversia en el arte, donde muchas instituciones argumentan que ser visionario, mirar hacia el futuro, ser vanguardista y progresista son cruciales para la misión del arte en el presente y que, por lo tanto, el posmodernismo representa una contradicción del valor del "arte de nuestros tiempos".
Una definición compacta que se ofrece es que, si bien el posmodernismo actúa en rechazo de las grandes narrativas modernistas sobre la dirección artística y para erradicar los límites entre las formas de arte elevadas y bajas, para alterar el género y sus convenciones con la colisión, el collage y la fragmentación, el arte posmoderno se considera que cree que todas las posturas son inestables e insinceras y, por lo tanto, la ironía, la parodia y el humor son las únicas posiciones que no pueden ser derribadas por la crítica o los acontecimientos posteriores.
Muchos de estos rasgos están presentes en los movimientos modernos en el arte, en particular el rechazo a la separación entre las formas de arte elevadas y las formas inferiores. Sin embargo, estos rasgos se consideran fundamentales para el arte posmoderno, en lugar de estar simplemente presentes en un grado u otro. Sin embargo, uno de los puntos de diferencia más importantes entre el posmodernismo y el modernismo como movimientos en el arte es la postura, en última instancia progresista, del modernismo de que las nuevas obras deben ser más "progresistas" y avanzadas, mientras que los movimientos posmodernos generalmente rechazan la noción de que puede haber avance o progreso en el arte per se, y por lo tanto uno de los proyectos del arte debe ser el derrocamiento del "mito de la vanguardia ". Esto se relaciona con la negación de lo que los filósofos posestructuralistas llaman " metanarrativas ".
Rosalind Krauss fue una de las importantes precursoras de la idea de que el vanguardismo había terminado y que la nueva era artística existía en una normalidad posliberal y posprogresista. [10] Un ejemplo de este punto de vista lo explica Robert Hughes en The Shock of the New [11] en su capítulo "El futuro que fue":
¿Dónde empezó esta nueva academia? En sus orígenes, el mito de la vanguardia había considerado al artista como precursor; la obra significativa es la que prepara el futuro. El culto al precursor terminó por atiborrar el paisaje de absurdas afirmaciones proféticas. La idea de una vanguardia cultural era inimaginable antes de 1800. Fue fomentada por el auge del liberalismo . Allí donde el gusto de las cortes religiosas o seculares determinaba el mecenazgo, la innovación "subversiva" no se estimaba como signo de calidad artística. Tampoco la autonomía del artista, que llegaría con los románticos .
— Robert Hughes , El shock de lo nuevo [12]
Como ocurre con todos los usos del término posmoderno, existen críticos de su aplicación. Kirk Varnedoe , por ejemplo, afirmó que no existe tal cosa como el posmodernismo y que las posibilidades del modernismo aún no se han agotado. [13] Estos críticos son actualmente una minoría. [1]
Hilton Kramer describe el posmodernismo como "una creación del modernismo al límite de sus fuerzas". [14] Jean-François Lyotard , en el análisis de Frederic Jameson , no sostiene que exista una etapa posmoderna radicalmente diferente del período del alto modernismo ; en cambio, el descontento posmoderno con este o aquel estilo del alto modernismo es parte de la experimentación del alto modernismo, dando origen a nuevos modernismos. [15]
Los movimientos radicales en el modernismo, el arte moderno y las tendencias radicales consideradas influyentes y potencialmente precursoras del modernismo tardío y el posmodernismo surgieron alrededor de la Primera Guerra Mundial y particularmente después de ella. Con la introducción del uso de artefactos industriales en el arte, movimientos como el cubismo , el dadaísmo y el surrealismo , así como técnicas como el collage y formas de arte como el cine y el auge de la reproducción como medio para crear obras de arte. Tanto Pablo Picasso, el modernista, como Marcel Duchamp, el rebelde, crearon obras importantes e influyentes a partir de objetos encontrados .
A principios del siglo XX, tras el impacto de Henri Matisse y André Derain como pintores fauvistas y las innovaciones monumentales de Pablo Picasso y Georges Braque y el éxito mundial del cubismo y el envalentonamiento de la vanguardia , Marcel Duchamp exhibió un urinario como escultura. Su objetivo era que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte, porque él decía que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como " Readymades ". La Fuente , era un urinario firmado con el seudónimo R. Mutt, que conmocionó al mundo del arte en 1917. Esta y otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como Dada .
El dadaísmo puede ser visto como parte de la propensión modernista a desafiar los estilos y formas establecidos, junto con el surrealismo , el futurismo y el expresionismo abstracto . [16] Desde un punto de vista cronológico, el dadaísmo se ubica sólidamente dentro del modernismo, sin embargo, varios críticos han sostenido que anticipa el posmodernismo, mientras que otros, como Ihab Hassan y Steven Connor , lo consideran un posible punto de cambio entre el modernismo y el posmodernismo. [17]
El fauvismo y , en particular, Henri Matisse se convirtieron en una importante influencia tanto en el expresionismo abstracto como en la pintura de campos de color , hitos importantes del modernismo tardío. La danza se reconoce comúnmente como "un punto clave de la carrera de Matisse y en el desarrollo de la pintura moderna". [18] Con su gran extensión de azul, la simplicidad del diseño y el énfasis en el sentimiento puro, la pintura fue enormemente influyente para los artistas estadounidenses que la vieron en el MoMA de la ciudad de Nueva York.
El punto de ignición para la definición del modernismo como movimiento fue el rechazo austero de la cultura popular como kitsch por parte de importantes artistas y creadores de tendencias de la posguerra, en particular Clement Greenberg con su ensayo Avant-Garde and Kitsch , publicado por primera vez en Partisan Review en 1939. [19] Durante las décadas de 1940 y 1950, Greenberg demostró ser un crítico de arte articulado y poderoso. En particular, sus escritos sobre el expresionismo abstracto estadounidense y el modernismo europeo del siglo XX defendieron de manera persuasiva el arte y la cultura elevados. En 1961, Art and Culture , Beacon Press, una colección muy influyente de ensayos de Clement Greenberg , considerado principalmente un crítico de arte formalista y muchos de sus ensayos más importantes son cruciales para la comprensión de la historia del arte moderno y la historia del modernismo y el modernismo tardío. [20]
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de Pollock para la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte en sí. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a finales del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma en que se hace arte a mediados de siglo. El cambio de Pollock, que se alejó de la pintura de caballete y el convencionalismo, fue una señal liberadora para sus artistas contemporáneos y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock (trabajar en el suelo, sobre un lienzo crudo sin estirar, desde los cuatro lados, utilizando materiales de artista, materiales industriales, imágenes, no imágenes, arrojando madejas lineales de pintura, goteando, dibujando, tiñendo, aplicando con brocha) esencialmente hizo estallar la creación artística más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que les siguió.
En relación con el expresionismo abstracto, surgió la combinación de objetos manufacturados (con materiales de artistas), alejándose de las convenciones previas de la pintura y la escultura. Esta tendencia en el arte se ejemplifica con el trabajo de Robert Rauschenberg , cuyos "combinados" en la década de 1950 fueron precursores del arte pop y el arte de instalación , y hacían uso del ensamblaje de objetos físicos de gran tamaño, incluidos animales disecados, pájaros y fotografías comerciales .
Leo Steinberg utiliza el término posmodernismo en 1969 para describir el plano pictórico "plano" de Rauschenberg, que contiene una gama de imágenes y artefactos culturales que no habían sido compatibles con el campo pictórico de la pintura premodernista y modernista. [21] Craig Owens va más allá, identificando la importancia de la obra de Rauschenberg no como una representación de, en la visión de Steinberg, "el cambio de la naturaleza a la cultura", sino como una demostración de la imposibilidad de aceptar su oposición. [22]
Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Marcel Duchamp , entre el modernismo y el posmodernismo. Ambos utilizaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su obra, al tiempo que conservaban la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo. [23]
En la pintura y la escultura abstractas de los años 1950 y 1960, la abstracción geométrica surgió como una dirección importante en las obras de muchos escultores y pintores. En la pintura, la pintura de campos de color , el minimalismo , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica [24] constituyeron nuevas direcciones radicales. [25] [26]
Helen Frankenthaler , Morris Louis , Frank Stella , Ellsworth Kelly , Richard Diebenkorn [27] David Smith , Sir Anthony Caro , Mark di Suvero , Gene Davis , Kenneth Noland , Jules Olitski , Isaac Witkin , Anne Truitt , Kenneth Snelson , Al Held , Ronald Davis , [28] Howard Hodgkin , Larry Poons , Brice Marden , Robert Mangold , Walter Darby Bannard , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Charles Hinman , Sam Gilliam , Peter Reginato , fueron algunos de los artistas cuyas obras caracterizaron la pintura y la escultura abstractas en la década de 1960. [29] La abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campos de color y el expresionismo abstracto, especialmente en el uso libre de la pintura: textura y superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura aplicada con pincel, salpicada, teñida, escurrida, vertida y salpicada se parecen superficialmente a los efectos que se ven en el expresionismo abstracto y la pintura de campos de color . Sin embargo, los estilos son marcadamente diferentes. Lo que lo distingue del expresionismo abstracto y la pintura de acción de los años 1940 y 1950 es el enfoque de la composición y el drama. Como se ve en la pintura de acción, hay un énfasis en las pinceladas, un gran drama compositivo, una tensión compositiva dinámica. Mientras que en la abstracción lírica hay una sensación de aleatoriedad compositiva, una composición general, un drama compositivo discreto y relajado y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad general. Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan poderosos e influyentes como Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Phillip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Josef Albers , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Al Held , Sam Francis , Ellsworth Kelly ,Morris Louis , Helen Frankenthaler , Gene Davis , Frank Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell , Friedel Dzubas y artistas más jóvenes como Brice Marden , Robert Mangold , Sam Gilliam , John Hoyland , Sean Scully , Elizabeth Murray , Larry Poons , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Joan Snyder , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile , Mino Argento [30] y docenas de otros continuaron produciendo pinturas vitales e influyentes.
A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica a través de Malevich , la Bauhaus y Mondrian ). Entre los artistas importantes que surgieron como pioneros del minimalismo se incluyen Frank Stella , Larry Bell , Ad Reinhardt , Agnes Martin , Barnett Newman , Donald Judd , Tony Smith , Carl Andre , Robert Smithson , Sol LeWitt , Dan Flavin , Robert Mangold , Robert Morris y Ronald Bladen, entre otros. Estos artistas también emplearon con frecuencia lienzos con formas , como en el ejemplo de Richard Tuttle . El arte minimalista rechazó la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el espíritu de la época emocional y las polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo argumentó que la simplicidad extrema podría capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. Asociado con pintores como Frank Stella , el minimalismo en pintura y escultura, a diferencia de otras áreas, es un movimiento modernista tardío y, dependiendo del contexto, puede interpretarse como un precursor del movimiento posmoderno.
Hal Foster , en su ensayo The Crux of Minimalism , examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas del minimalismo. [31] Sostiene que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan elaborándose hoy en día". [32]
A finales de la década de 1960, Robert Pincus-Witten acuñó el término posminimalismo para describir el arte derivado del minimalismo que tenía contenido y matices contextuales que el minimalismo rechazaba, y se aplicó al trabajo de Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra y al nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros. [33]
Rosalind Krauss sostiene que en 1968 artistas como Morris, LeWitt, Smithson y Serra habían "entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas". [34] La expansión de la categoría de escultura para incluir el land art y la arquitectura "provocó el cambio hacia el posmodernismo". [35]
Minimalistas como Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken y otros continuaron produciendo sus pinturas y esculturas modernistas tardías durante el resto de sus carreras.
Sin embargo, a finales de la década de 1960, el arte procesual surgió como un concepto y movimiento revolucionario que abarcó la pintura y la escultura, pasando por la abstracción lírica y el movimiento posminimalista , y en el arte conceptual temprano . Eva Hesse , Robert Smithson , Walter De Maria , Keith Sonnier , Richard Serra , Nancy Graves , Jannis Kounellis , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Mel Bochner , Hannah Wilke , Lynda Benglis , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va , Michael Heizer , Lawrence Weiner , Joseph Kosuth y Alan Saret fueron algunos de los artistas procesuales que surgieron durante la década de 1960. El arte procesual inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo, escala, tamaño y espacio plástico y real. [36]
El término "pop art" fue utilizado por Lawrence Alloway para describir las pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. [37] Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor del arte que representaba, y a menudo celebraba, la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton , John McHale y Eduardo Paolozzi se consideraron ejemplos seminales en el movimiento. Mientras que los ejemplos estadounidenses posteriores incluyen la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de puntos Benday , una técnica utilizada en la reproducción comercial. Existe una clara conexión entre las obras radicales de Duchamp , el dadaísta rebelde —con sentido del humor— y artistas pop como Claes Oldenburg , Andy Warhol , Roy Lichtenstein y otros.
En general, el arte pop y el minimalismo comenzaron como movimientos modernistas, un cambio de paradigma y una división filosófica entre el formalismo y el antiformalismo a principios de la década de 1970 hicieron que algunos consideraran esos movimientos como precursores o como una transición hacia el arte posmoderno. Otros movimientos modernos citados como influyentes para el arte posmoderno son el arte conceptual , el dadaísmo y el surrealismo y el uso de técnicas como el ensamblaje , el montaje , el collage , el bricolaje y formas de arte que utilizaban la grabación o la reproducción como base para las obras de arte.
Existen diferentes opiniones sobre si el arte pop es un movimiento modernista tardío o es posmoderno . Thomas McEvilly , de acuerdo con Dave Hickey , dice que el posmodernismo en las artes visuales comenzó con las primeras exposiciones de arte pop en 1962, "aunque pasaron unos veinte años antes de que el posmodernismo se convirtiera en una actitud dominante en las artes visuales". [38] Frederic Jameson también considera que el arte pop es posmoderno. [39]
Una de las formas en que el arte pop es posmoderno es que rompe lo que Andreas Huyssen llama la "Gran División" entre el arte elevado y la cultura popular. [40] El posmodernismo surge de un "rechazo generacional de las certezas categóricas del alto modernismo". [41] Aunque presuponer que el modernismo representa sólo el "arte elevado" y que está de algún modo seguro de lo que constituye el "arte elevado" es malentender profunda y básicamente el modernismo.
A finales de los años 1950 y 1960, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a ampliar los límites del arte contemporáneo . Yves Klein en Francia y Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York fueron pioneros de las obras de arte basadas en la performance. Grupos como The Living Theater con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando entornos; cambiando radicalmente la relación entre el público y el intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now . El Judson Dance Theater ubicado en la Judson Memorial Church , Nueva York , y los bailarines de Judson, en particular Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton y otros colaboraron con los artistas Robert Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver . Estas actuaciones solían estar pensadas para ser la creación de una nueva forma de arte, combinando escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Las obras se caracterizaban por las filosofías reduccionistas del minimalismo y la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto .
Durante el mismo período (finales de la década de 1950 y mediados de la de 1960), varios artistas de vanguardia crearon Happenings . Los Happenings eran reuniones misteriosas y a menudo espontáneas e imprevisibles de artistas y sus amigos y familiares en diversos lugares específicos. A menudo incorporaban ejercicios de absurdo, ejercicio físico, disfraces, desnudez espontánea y varios actos aleatorios y aparentemente desconectados. Allan Kaprow , Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms y Robert Whitman , entre otros, fueron notables creadores de Happenings.
Fluxus fue bautizada y organizada de forma vaga en 1962 por George Maciunas (1931-78), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus inicios a las clases de Composición experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research de la ciudad de Nueva York. Muchos de sus estudiantes eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna formación musical. Entre los estudiantes de Cage se encontraban los miembros fundadores de Fluxus Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht y Dick Higgins .
Fluxus promovía una estética del "hazlo tú mismo" y valoraba la simplicidad por encima de la complejidad. Al igual que el dadaísmo , Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad antiarte , menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus preferían trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y creaban su propia obra o colaboraban en el proceso de creación con sus colegas.
Andreas Huyssen critica los intentos de reivindicar Fluxus como «el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable, por así decirlo, lo sublime del posmodernismo». [43] En cambio, ve a Fluxus como un fenómeno neodadaísta importante dentro de la tradición de vanguardia. No representó un avance importante en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra «la cultura administrada de los años 50, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió como apoyo ideológico a la Guerra Fría ». [44]
Como una especie de respuesta a Avant-Garde and Kitsch [45] de Clement Greenberg en 1990, Kirk Varnedoe y Adam Gopnik curaron High and Low: Modern Art and Popular Culture , en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . La exposición intentó dilucidar hasta qué punto los artistas y la alta cultura se basaban en la cultura popular. Aunque en su momento fue criticada universalmente como el único evento que podía unir a Douglas Crimp y Hilton Kramer en un coro de desprecio. [46] La exposición se recuerda hoy como un punto de referencia del conflicto entre el modernismo tardío y el posmodernismo.
El arte conceptual se convirtió en un desarrollo importante en el arte contemporáneo a fines de la década de 1960, y brindó una crítica influyente al status quo. El modernismo tardío se expandió y se contrajo durante la década de 1960 y, para algunos, el arte conceptual rompió por completo con el modernismo. A veces se lo etiqueta como posmoderno porque está expresamente involucrado en la deconstrucción de lo que hace que una obra de arte sea "arte". El arte conceptual, porque a menudo está diseñado para confrontar, ofender o atacar las nociones sostenidas por muchas de las personas que lo ven, es considerado con particular controversia. Duchamp puede verse como un precursor del arte conceptual. Por lo tanto, debido a que Fountain se exhibió, era una escultura. Marcel Duchamp renunció famosamente al "arte" a favor del ajedrez . [47] El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunion (1968), escrita conjuntamente con Lowell Cross que presenta una partida de ajedrez, donde cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. En el estreno, la partida se jugó entre John Cage y Marcel Duchamp . [48] Otros ejemplos famosos son 4' 33" de John Cage , que son cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg . Muchas obras conceptuales adoptan la postura de que el arte se crea cuando el espectador ve un objeto o acto como arte, no a partir de las cualidades intrínsecas de la obra en sí.
Una serie importante de movimientos artísticos que se han descrito constantemente como posmodernos involucraron el arte de instalación y la creación de artefactos de naturaleza conceptual. Un ejemplo son los carteles de Jenny Holtzer que utilizan los recursos del arte para transmitir mensajes específicos, como "Protégeme de lo que quiero". El arte de instalación ha sido importante para determinar los espacios seleccionados para los museos de arte contemporáneo con el fin de poder albergar las grandes obras que se componen de grandes collages de objetos fabricados y encontrados. Estas instalaciones y collages a menudo están electrificados, con partes móviles y luces.
A menudo están diseñados para crear efectos ambientales, como la Cortina de Hierro de Christo y Jeanne-Claude , que era una hilera de barriles destinada a crear un atasco de tráfico .
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia , un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte en la línea de Fluxus , poesía concreta , objetos encontrados , arte de performance y arte informático . Higgins fue el editor de Something Else Press , un poeta concreto , casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp . Ihab Hassan incluye, "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos", en su lista de características del arte posmoderno. [49] Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de cintas de vídeo y monitores CRT, denominado videoarte . Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el arte de performance , donde se elimina el subtexto dramático y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en cuestión o la declaración conceptual de su acción.
En su ensayo de 1980 The Allegorical Impulse: Toward a Theory of Postmodernism (El impulso alegórico: hacia una teoría del posmodernismo) , Craig Owens identifica el resurgimiento de un impulso alegórico como característico del arte posmoderno. Este impulso se puede ver en el arte de apropiación de artistas como Sherrie Levine y Robert Longo porque “la imaginería alegórica es imaginería apropiada”. [50] El arte de apropiación desacredita las nociones modernistas de genio y originalidad artística y es más ambivalente y contradictorio que el arte moderno, al mismo tiempo que instala y subvierte ideologías, “siendo a la vez crítico y cómplice”. [51]
El retorno a las formas tradicionales de arte de la escultura y la pintura a finales de los años 1970 y principios de los años 1980, que se vio en la obra de artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel , ha sido descrito como una tendencia posmoderna [52] y uno de los primeros movimientos coherentes que surgieron en la era posmoderna [53] . Sin embargo, sus fuertes vínculos con el mercado comercial del arte han planteado preguntas, tanto sobre su condición de movimiento posmoderno como sobre la definición del posmodernismo en sí. Hal Foster afirma que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora de la era Reagan-Bush en los EE. UU. [32] Félix Guattari hace caso omiso de las "grandes operaciones promocionales denominadas 'neoexpresionismo' en Alemania" (un ejemplo de una "moda que se mantiene por medio de la publicidad") como una forma demasiado fácil para él "de demostrar que el posmodernismo no es más que el último suspiro del modernismo". Estas críticas al neoexpresionismo revelan que el dinero y las relaciones públicas realmente sostuvieron la credibilidad del mundo del arte contemporáneo en Estados Unidos durante el mismo período en que las prácticas artísticas conceptuales y feministas reevaluaban sistemáticamente el arte moderno. [54]
En la obra de Marcel Broodthaers , Daniel Buren y Hans Haacke se hacen críticas sobre las instituciones de arte (principalmente museos y galerías) .
A principios del siglo XXI, la pintura contemporánea, la escultura contemporánea y el arte contemporáneo en general continúan en varios modos contiguos, caracterizados por la idea del pluralismo . La "crisis" en la pintura, la escultura y el arte actual y la crítica de arte actual hoy en día es provocada por el pluralismo . No hay consenso, ni es necesario que lo haya, en cuanto a un estilo representativo de la época. Existe una actitud de todo vale que prevalece; un síndrome de "todo pasa" y, en consecuencia, de "no pasa nada"; esto crea un atasco estético sin una dirección firme y clara y con todos los carriles de la superautopista artística llenos hasta el tope. En consecuencia, se siguen realizando obras de arte magníficas e importantes, aunque en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos, y se deja al mercado que juzgue el mérito. La ciencia de la pereza de Frank Stella , de 1984, es un ejemplo de la transición de Stella de la bidimensionalidad a la tridimensionalidad y un excelente ejemplo de modernismo tardío.
Pintura de bordes duros , abstracción geométrica , apropiación , hiperrealismo , fotorrealismo , expresionismo , minimalismo , abstracción lírica , arte pop , arte óptico , expresionismo abstracto , pintura de campos de color , pintura monocromática , neoexpresionismo , collage , pintura intermedia , pintura de ensamblaje , pintura digital , pintura posmoderna , pintura neo-Dada , pintura de lienzo con formas , pintura mural ambiental , pintura de figuras tradicionales , pintura de paisajes , pintura de retratos , son algunas de las direcciones continuas y actuales en la pintura a principios del siglo XXI. La Nueva Pintura Europea de la década de 1990 y principios del siglo XXI, con pintores como Gerhard Richter , Bracha Ettinger y Luc Tuymans , ha abierto un diálogo complejo e interesante con el legado del campo de color estadounidense y la abstracción lírica por un lado y la figuralidad por el otro.
