Richard Dean Tuttle (nacido el 12 de julio de 1941) es un artista posminimalista estadounidense conocido por sus obras pequeñas, informales , sutiles e íntimas. Su arte hace uso de la escala y la línea. Sus obras abarcan una variedad de formatos, desde esculturas, pinturas, dibujos, grabados y libros de artista hasta instalaciones y muebles. [1] [2] Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York , Abiquiú, Nuevo México , [3] y Mount Desert, Maine . [4]
Tuttle nació en Rahway, Nueva Jersey y se crió en la cercana Roselle . [5] Estudió arte, filosofía y literatura en el Trinity College de Hartford, Connecticut, de 1959 a 1963. [5] Después de recibir su licenciatura en 1963, se mudó a Nueva York, donde pasó un semestre en la Cooper Union y tuvo una breve temporada en la Fuerza Aérea de los EE . UU . [5] Luego comenzó a trabajar en la Betty Parsons Gallery . Un año después de aceptar un trabajo como asistente de Betty Parsons, ella le dio su primera exhibición en 1965.
La reputación de Tuttle como maestro se afianzó en Europa, ya que rápidamente adoptó el arte minimalista de Tuttle. Sin embargo, en Estados Unidos, la aceptación de su trabajo fue más lenta. Sus obras en papel se consideran obras seminales en el arte estadounidense. Sus primeras obras, pequeños relieves monocromáticos, [6] fueron seguidas por la realización de cubos de papel del tamaño de la palma de la mano con diseños recortados y relieves de madera con formas que parecían una variación de la abstracción geométrica. [7] A partir de mediados de la década de 1960, comenzó a crear relieves de madera pintados con formas excéntricas, seguidos de ideogramas hechos de hojalata galvanizada y lienzos sin estirar y con formas teñidas en colores poco convencionales. [8] Tuttle tuvo una exposición de encuesta en 1975 en el Museo Whitney de Arte Estadounidense . La exhibición fue controvertida y la curadora de la muestra, Marcia Tucker, perdió su trabajo como resultado, después de una crítica mordaz de Hilton Kramer . [9] Kramer, entonces crítico de arte de The New York Times , escribió, refiriéndose al dicho de Ludwig Mies van der Rohe " menos es más ", "en la obra de Tuttle, menos es inequívocamente menos... Uno se siente tentado a decir, en lo que respecta al arte, que menos nunca ha sido menos que esto". Según el crítico de arte Christopher Knight de Los Angeles Times , las piezas Wire de Tuttle , que el artista realizó en 1971 y 1972, "se clasifican colectivamente como su contribución más distintiva a la historia del arte". [10] En 1983, Tuttle realizó Monkey's Recovery for a Darkened Room (Bluebird) , un relieve de pared de ramas, alambre, tela, cuerda y trozos de madera, que dice se relaciona formalmente con el díptico Crucifixión y Juicio Final de Jan van Eyck . [7]
A principios de los años 1980, Tuttle se embarcó en una extensa serie de suites de acuarelas, The Loose Leaf Notebook Drawings . Cada hoja consta de unos pocos trazos en papel de hojas sueltas de baja calidad. Las pinturas sangran y se acumulan, lo que hace que el papel se doble, lo que le da a las obras tridimensionalidad. [11] La ilustración de la suite 5 Loose Leaf Notebook Drawings de 1980 a 1982, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , demuestra cómo las suites desafían a los espectadores a contemplar la distinción entre bellas artes y basura. Sus obras en la década de 1990 consistieron principalmente en trabajos de menor tamaño, seguidos de cuerpos de piezas encuadernadas en la pared en bajorrelieve que integran pintura, escultura y dibujo. [8]
En 2004, Tuttle instaló Splash , su primer proyecto de arte público, un mural de 90 por 150 pies con alrededor de 140.000 piezas de vidrio de colores y azulejos de cerámica blanca. Se extiende por el costado de un edificio de condominios de lujo diseñado por Walter Chatham para una comunidad isleña privada y vigilada en Miami Beach llamada Aqua. [12] Tuttle siempre ha "privilegiado la novedad, no los elementos encontrados o desgastados que hacen referencia a vidas y experiencias pasadas", escribió Sharon Butler en una reseña de Two Coats of Paint de "Days, Muses and Stars", su expansiva exposición de varias galerías de 2019 en Pace. "La característica distintiva de su esfuerzo estético es su reverencia por el presente. Sus objetos, aunque pueden transmitir una sensación de precariedad wabi-sabi , están hechos invariablemente de materiales prístinos que reflejan la experiencia próxima de hacer". El trabajo de Tuttle ha sido extremadamente influyente en una generación más joven que ha adoptado el casualismo del que él fue pionero. [13]
Durante una residencia en The Fabric Workshop and Museum en 1978, Tuttle adoptó el proceso de serigrafía y la idea de la tela para hacer una serie de prendas: Shirts en 1978 y Pants en 1979. I Don't Know, Or The Weave of Textile Language , en exhibición en la Tate Modern en 2014, [14] fue realizada para la sala de turbinas del museo y es la más grande de Tuttle hasta la fecha, con casi 40 pies de largo. Presentando los textiles que diseñó y fabricó, la obra está suspendida del techo en contraste con la arquitectura industrial de la sala. [4]
La primera gran exposición de Tuttle en un museo en 1975 abarcó sus primeros diez años de trabajo, organizada por el Museo Whitney de Nueva York. Desde entonces, Tuttle ha sido objeto de exposiciones en museos de todo el mundo, y se incluyó en la Bienal de Venecia (1976, 1997, 2001), tres documenta (1972, 1977 y 1987) [15] y tres exposiciones de la Bienal del Whitney (1977, 1987, 2000). [3] En 2005, el Museo de Arte Moderno de San Francisco organizó una gran retrospectiva de los 40 años de carrera de Tuttle. La exposición viajó a museos de todo Estados Unidos, incluido el Museo Whitney de Arte Americano en noviembre de 2005. Tuttle continúa una relación de 20 años con la Kunsthaus Zug en Zug , Suiza, de la que han surgido cinco exposiciones y muchas publicaciones, desde catálogos hasta carteles y material efímero.
Una exposición de sus nuevas esculturas de tela, Richard Tuttle: Walking on Air , estuvo abierta hasta el 25 de abril de 2009 en la galería The Pace Gallery , ubicada en 534 West 25th Street. Una serie de sus aguatintas en color estuvo en exhibición en la galería Dubner Moderne en Lausana , Suiza, del 11 de febrero al 15 de marzo de 2010.
El Centro Georges Pompidou , el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , el Museo de Arte de Honolulu , el Kunsthaus Zug (Zug, Suiza), el Kunstmuseum Winterthur (Winterthur, Suiza), el Museo Metropolitano de Arte , la Galería Nacional de Arte (Washington, DC), Serralves (Oporto, Portugal), el Museo Stedelijk de Ámsterdam , la Tate Modern y el Museo Whitney de Arte Americano (Nueva York) se encuentran entre las colecciones públicas que albergan obras de Richard Tuttle [4]
Tuttle ha recibido numerosos premios por su trabajo, entre ellos la 74.ª Exposición Americana, el Premio Bienal del Instituto de Arte de Chicago , la Medalla Skowhegan de Escultura en 1998 y el Premio de Arte de Aquisgrán en 1998 del Ludwig Forum für Internationale Kunst . [16] En 2012, fue elegido miembro de la Academia Nacional y en 2013 fue invitado a convertirse en miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras . [4] Tuttle fue artista residente en el Getty Research Institute desde septiembre de 2012 hasta junio de 2013. [17]
Presentó una conferencia en colaboración con su esposa, la poeta Mei-Mei Berssenbrugge , a través del Programa de Artistas Visitantes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en abril de 2009.
Tuttle está representada por la galería Pace de Nueva York, la Galerie Schmela de Düsseldorf , la Galerie Greta Meert de Bruselas y la Annemarie Verna Galerie de Zúrich . En 2002, una pieza de hojalata para pared llamada Letters (The 26 Series) (1966) [18] se vendió en una subasta por un millón de dólares. [12] [19]
Tuttle está casado con la poeta Mei-mei Berssenbrugge . Para su residencia en Abiquiú, Nuevo México , encargaron al arquitecto Steven Holl el diseño de una casa de huéspedes de 121 metros cuadrados, construida entre 2001 y 2005. [20]
