Paul Jackson Pollock ( 28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un pintor estadounidense . Figura importante del movimiento expresionista abstracto , Pollock fue ampliamente conocido por su " técnica de goteo " de verter o salpicar pintura líquida de uso doméstico sobre una superficie horizontal, lo que le permitía ver y pintar sus lienzos desde todos los ángulos. Se llamaba pintura integral y pintura de acción , ya que cubría todo el lienzo y usaba la fuerza de todo su cuerpo para pintar, a menudo en un estilo de baile frenético. Esta forma extrema de abstracción dividió a los críticos: algunos elogiaron la inmediatez de la creación, mientras que otros ridiculizaron los efectos aleatorios.
Pollock, un hombre solitario y volátil, luchó contra el alcoholismo durante la mayor parte de su vida. En 1945 se casó con la artista Lee Krasner , quien se convirtió en una importante influencia en su carrera y en su legado. Pollock murió a los 44 años en una colisión de un solo vehículo relacionada con el alcohol mientras conducía. En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York. En 1967 se realizó allí una exposición más grande y completa de su obra. En 1998 y 1999, su obra fue honrada con exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y la Tate Gallery de Londres. [1] [2]
Paul Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming , el 28 de enero de 1912, [3] el más joven de cinco hermanos. Sus padres, Stella May (née McClure) y LeRoy Pollock, nacieron y crecieron en Tingley, Iowa , y fueron educados en la escuela secundaria de Tingley. La madre de Pollock está enterrada en el cementerio de Tingley, condado de Ringgold, Iowa . Su padre había nacido con el apellido McCoy, pero tomó el apellido de sus padres adoptivos. Stella y LeRoy Pollock eran presbiterianos ; eran de ascendencia irlandesa y escocesa-irlandesa , respectivamente. [4] LeRoy Pollock era un granjero y más tarde un agrimensor para el gobierno, mudándose por diferentes trabajos. [3] Stella, orgullosa de la herencia de su familia como tejedores, hizo y vendió vestidos cuando era adolescente. [5] En noviembre de 1912, Stella llevó a sus hijos a San Diego; Jackson tenía solo 10 meses y nunca regresaría a Cody. [5] Posteriormente creció en Arizona y Chico, California .
Mientras vivía en el barrio de Vermont Square en Los Ángeles, se matriculó en la Manual Arts High School , [6] de la que fue expulsado. Ya había sido expulsado en 1928 de otra escuela secundaria. Durante su juventud, Pollock exploró la cultura nativa americana mientras realizaba viajes de reconocimiento con su padre. [3] [7] También estuvo muy influenciado por los muralistas mexicanos , en particular José Clemente Orozco , [8] [9] cuyo fresco Prometeo llamaría más tarde "la pintura más grande de América del Norte". [10]
En 1930, siguiendo a su hermano mayor Charles Pollock , se mudó a la ciudad de Nueva York, donde ambos estudiaron con Thomas Hart Benton en la Art Students League . La temática rural estadounidense de Benton tuvo poca influencia en la obra de Pollock, pero su uso rítmico de la pintura y su feroz independencia fueron más duraderos. [3] A principios de la década de 1930, Pollock pasó un verano de gira por el oeste de los Estados Unidos junto con Glen Rounds , un compañero de estudios de arte, y Benton, su maestro. [11] [12]
Pollock se familiarizó con el uso de la pintura líquida en 1936 en un taller experimental en la ciudad de Nueva York a cargo del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros . En el verano, fue al Dartmouth College para estudiar el mural de 3200 pies cuadrados de José Clemente Orozco , “ La epopeya de la civilización estadounidense ”. [13] Más tarde utilizó el vertido de pintura como una de varias técnicas en lienzos de principios de la década de 1940, como Masculino y femenino y Composición con vertido I. Después de mudarse a Springs, Nueva York , comenzó a pintar con sus lienzos dispuestos en el suelo del estudio y desarrolló lo que más tarde se llamó su técnica de " goteo ".
De 1938 a 1942 Pollock trabajó para el Proyecto de Arte Federal de la WPA . [14] Durante este tiempo Pollock estaba tratando de lidiar con su alcoholismo establecido; de 1938 a 1941 se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson y más tarde con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941-42. Henderson lo involucró a través de su arte, alentando a Pollock a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos junguianos se expresaron en sus pinturas. [15] [16] Algunos psiquiatras han planteado la hipótesis de que Pollock podría haber tenido trastorno bipolar . [17] Pollock firmó un contrato de galería con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Recibió el encargo de crear el Mural (1943) de 8 por 20 pies (2,4 por 6,1 m) [18] para la entrada de su nueva casa adosada. Por sugerencia de su amigo y consejero Marcel Duchamp , Pollock pintó la obra sobre lienzo, en lugar de sobre la pared, para que fuera portátil. Después de ver el gran mural, el crítico de arte Clement Greenberg escribió: "Lo miré y pensé: 'Eso sí que es arte grandioso', y supe que Jackson era el mejor pintor que este país había producido". [19] El catálogo que presentaba su primera exposición describía el talento de Pollock como "volcánico. Tiene fuego. Es impredecible. Es indisciplinado. Se derrama de sí mismo en una prodigalidad mineral, aún no cristalizada". [20]
Las pinturas más famosas de Pollock fueron realizadas durante el "período del goteo" entre 1947 y 1950. Se hizo famoso después de un artículo de cuatro páginas del 8 de agosto de 1949 en la revista Life que preguntaba: "¿Es él el pintor vivo más grande de los Estados Unidos?". Gracias a la mediación de Alfonso Ossorio , un amigo cercano de Pollock, y el historiador de arte Michel Tapié , el joven galerista Paul Facchetti, a partir del 7 de marzo de 1952, logró realizar la primera exposición de las obras de Pollock de 1948 a 1951 [21] en su Studio Paul Facchetti en París y en Europa. [22] En la cima de su fama, Pollock abandonó abruptamente el estilo del goteo. [23] Las pinturas de goteo de Pollock fueron influenciadas por la artista Janet Sobel ; el crítico de arte Clement Greenberg informaría más tarde que Pollock "admitió" ante él que el trabajo de Sobel "le había causado una impresión". [24]
Las obras de Pollock posteriores a 1951 fueron de colores más oscuros, incluida una colección pintada en negro sobre lienzos sin imprimación . Estas pinturas se han denominado sus "Black pourings" y cuando las exhibió en la Betty Parsons Gallery de Nueva York, ninguna de ellas se vendió. Parsons vendió más tarde una a un amigo a la mitad del precio. Estas obras muestran a Pollock intentando encontrar un equilibrio entre la abstracción y las representaciones de la figura . [25]
Más tarde volvió a utilizar el color y continuó con elementos figurativos. [26] Durante este período, Pollock se había mudado a la Sidney Janis Gallery , una galería más comercial; la demanda de su obra por parte de los coleccionistas era grande. En respuesta a esta presión, junto con la frustración personal, su alcoholismo se profundizó. [27]
Pollock y Lee Krasner se conocieron mientras ambos exponían en la Galería McMillen en 1942. Krasner no estaba familiarizado, pero le intrigaba, el trabajo de Pollock y fue a su apartamento, sin previo aviso, para reunirse con él después de la exposición en la galería. [28] En octubre de 1945, Pollock y Krasner se casaron en una iglesia con dos testigos presentes en el evento. [29] En noviembre, se mudaron de la ciudad a la zona de Springs de East Hampton en la costa sur de Long Island . Con la ayuda de un préstamo de pago inicial de Peggy Guggenheim, compraron una casa con estructura de madera y un granero en 830 Springs Fireplace Road. Pollock convirtió el granero en un estudio. En ese espacio, perfeccionó su gran técnica de "goteo" para trabajar con pintura, con la que se identificaría permanentemente. Cuando la pareja se encontró libre del trabajo, disfrutaron de pasar su tiempo juntos cocinando y horneando, trabajando en la casa y el jardín y entreteniendo a los amigos. [30]
La influencia de Krasner en el arte de su marido fue algo que los críticos comenzaron a reevaluar en la segunda mitad de la década de 1960 debido al auge del feminismo en ese momento. [31] El amplio conocimiento y formación de Krasner en arte y técnicas modernas la ayudaron a poner a Pollock al día con lo que debería ser el arte contemporáneo. A menudo se considera que Krasner fue tutora de su marido en los principios de la pintura modernista. [32] [33] Pollock pudo entonces cambiar su estilo para adaptarse a un género de arte moderno más organizado y cosmopolita, y Krasner se convirtió en el único juez en el que podía confiar. [32] [34] Al comienzo del matrimonio de los dos artistas, Pollock confiaba en las opiniones de sus pares sobre lo que funcionaba o no en sus piezas. [34] Krasner también fue responsable de presentarle a muchos coleccionistas, críticos y artistas, incluido Herbert Matter , que ayudarían a impulsar su carrera como artista emergente. [35] El comerciante de arte John Bernard Myers dijo una vez que "nunca habría habido un Jackson Pollock sin un Lee Pollock", mientras que su colega pintor Fritz Bultman se refirió a Pollock como la "creación" de Krasner, su Frankenstein, y ambos reconocieron la inmensa influencia que Krasner tuvo en la carrera de Pollock. [36]
Los historiadores del arte suelen hablar de la influencia de Jackson Pollock en las obras de su esposa. Muchos creen que Krasner empezó a reproducir y reinterpretar las caóticas salpicaduras de pintura de su marido en su propia obra. [37] Hay varios relatos en los que Krasner pretendía utilizar su propia intuición como una forma de acercarse a la técnica de Pollock “ Soy naturaleza” para reproducir la naturaleza en su arte. [38]
En 1955, Pollock pintó Scent and Search , sus dos últimas pinturas. [39] No pintó en absoluto en 1956, pero estaba haciendo esculturas en la casa de Tony Smith : construcciones de alambre, gasa y yeso. [26] Formadas mediante fundición en arena, tienen superficies muy texturizadas similares a las que Pollock solía crear en sus pinturas. [40]
La relación entre Pollock y Krasner comenzó a desmoronarse en 1956, debido al continuo alcoholismo de Pollock y a la infidelidad que involucraba a otra artista, Ruth Kligman . [41] El 11 de agosto de 1956, a las 10:15 p. m., Pollock murió en un accidente automovilístico en su Oldsmobile convertible mientras conducía bajo los efectos del alcohol. En ese momento, Krasner estaba visitando a unos amigos en Europa; regresó abruptamente al enterarse de la noticia por un amigo. [41] Una de las pasajeras, Edith Metzger, también murió en el accidente, que ocurrió a menos de una milla de la casa de Pollock. La otra pasajera, Ruth Kligman, sobrevivió. [42] En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York. En 1967 se celebró allí una exposición más amplia y completa de su obra. En 1998 y 1999, su obra fue homenajeada con exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y en la Tate de Londres. [1] [2]
Durante el resto de su vida, su viuda, Lee Krasner, administró su patrimonio y se aseguró de que la reputación de Pollock se mantuviera sólida a pesar de las cambiantes tendencias del mundo del arte. La pareja está enterrada en el cementerio Green River de Springs, con una gran piedra que marca la tumba de él y otra más pequeña que marca la de ella.
El trabajo de Thomas Hart Benton , Pablo Picasso y Joan Miró influyó en Pollock. [43] [44] [45] Pollock comenzó a utilizar pinturas a base de resina sintética llamadas esmaltes alquídicos , que en ese momento eran un medio novedoso. Pollock describió este uso de pinturas domésticas, en lugar de pinturas de artista, como "un crecimiento natural de una necesidad". [46] Usó pinceles endurecidos, palos e incluso jeringas para rociar como aplicadores de pintura. Se cree que la técnica de Pollock de verter y gotear pintura es uno de los orígenes del término pintura de acción . Con esta técnica, Pollock pudo lograr su propio estilo característico de pinturas palimpsesto , con pinturas fluyendo desde su herramienta elegida sobre el lienzo. Al desafiar la convención de pintar sobre una superficie vertical, agregó una nueva dimensión al poder ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas las direcciones. [47]
En 1936, Pollock participó en un taller experimental dirigido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. [48] Fue allí donde utilizó por primera vez pinturas de esmalte líquido, que continuó incorporando en sus pinturas a principios y mediados de la década de 1940, mucho antes de encontrarse con el trabajo de la artista ucraniana estadounidense Janet Sobel (1894-1968) (nacida Jennie Lechovsky). [49] Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en su galería The Art of This Century en 1945. [50] Jackson Pollock y el crítico de arte Clement Greenberg vieron el trabajo de Sobel allí en 1946 y más tarde Greenberg señaló que Sobel fue "una influencia directa en la técnica de pintura por goteo de Jackson Pollock". [51] En su ensayo "American-Type Painting", Greenberg señaló que esas obras eran las primeras pinturas all-over que había visto, y dijo: "Pollock admitió que estas imágenes le habían causado una impresión". [52]
Al pintar de esta manera, Pollock se alejó de la representación figurativa y desafió la tradición occidental de usar caballete y pincel. Utilizó la fuerza de todo su cuerpo para pintar, que se expresó en los grandes lienzos. En 1956, la revista Time apodó a Pollock "Jack the Dripper" debido a su estilo de pintura. [53]
Mi pintura no sale del caballete. Prefiero clavar el lienzo sin tensar en la pared dura o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más a gusto. Me siento más cerca, más parte del cuadro, ya que así puedo caminar alrededor de él, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente dentro del cuadro.
Cada vez me alejo más de las herramientas habituales del pintor, como el caballete, la paleta, los pinceles, etc. Prefiero palos, paletas, cuchillos y pintura fluida que gotea o una pasta espesa con arena, vidrios rotos u otras materias extrañas añadidas.
Cuando estoy pintando , no soy consciente de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período de "familiarización" me doy cuenta de lo que he estado haciendo. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejar que se manifieste. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura el resultado es un desastre. De lo contrario, hay una armonía pura, un toma y daca fácil, y la pintura sale bien.
— Jackson Pollock, Mi pintura , 1947 [54]
Pollock observó demostraciones de pintura con arena de los nativos americanos en la década de 1940. Refiriéndose a su estilo de pintar en el suelo, Pollock afirmó: "Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es similar a los métodos de los pintores de arena indios del Oeste". [55] Otras influencias en su técnica de goteo incluyen a los muralistas mexicanos y el automatismo surrealista . Pollock negó la confianza en "el accidente"; por lo general tenía una idea de cómo quería que pareciera una obra en particular. Su técnica combinaba el movimiento de su cuerpo, sobre el cual tenía control, el flujo viscoso de la pintura, la fuerza de la gravedad y la absorción de la pintura en el lienzo. Era una mezcla de factores controlables e incontrolables. Arrojando, goteando, vertiendo y salpicando, se movía enérgicamente alrededor del lienzo, casi como si estuviera bailando, y no se detenía hasta que veía lo que quería ver.
El artículo del artista austríaco Wolfgang Paalen sobre el arte totémico de los pueblos indígenas de la Columbia Británica, en el que se considera el concepto de espacio en el arte totémico desde el punto de vista de un artista, también influyó en Pollock; Pollock poseía una copia firmada y dedicada del Amerindian Number de la revista de Paalen (DYN 4-5, 1943). También había visto las pinturas surrealistas de Paalen en una exposición en 1940. [56] Otra fuerte influencia debe haber sido la técnica surrealista fumage de Paalen , que atraía a los pintores que buscaban nuevas formas de representar lo que se llamaba lo "invisible" o lo "posible". La técnica fue demostrada una vez en el taller de Matta, sobre lo cual Steven Naifeh informa: "Una vez, cuando Matta estaba demostrando la técnica surrealista Fumage [de Paalen], Jackson [Pollock] se volvió hacia (Peter) Busa y le dijo en un susurro escénico: 'Puedo hacer eso sin el humo ' " . [57] El amigo pintor de Pollock, Fritz Bultman, incluso afirmó: "Fue Wolfgang Paalen quien empezó todo". [58]
En 1950, Hans Namuth , un joven fotógrafo, quiso tomar fotografías, tanto fijas como en movimiento, de Pollock en el trabajo. Pollock prometió comenzar una nueva pintura especialmente para la sesión fotográfica, pero cuando Namuth llegó, Pollock se disculpó y le dijo que la pintura estaba terminada.
Namuth dijo que cuando entró al estudio:
Un lienzo empapado cubría todo el suelo... Hubo un silencio absoluto... Pollock miró el cuadro. Entonces, inesperadamente, cogió una lata y un pincel y empezó a moverse por el lienzo. Fue como si de repente se diera cuenta de que el cuadro no estaba terminado. Sus movimientos, lentos al principio, se fueron haciendo cada vez más rápidos y más parecidos a un baile mientras arrojaba pintura negra, blanca y de color óxido sobre el lienzo. Olvidó por completo que Lee y yo estábamos allí; no pareció oír el clic del obturador de la cámara... Mi sesión de fotografía duró tanto como él siguió pintando, quizá media hora. En todo ese tiempo, Pollock no paró. ¿Cómo se podía mantener este nivel de actividad? Finalmente, dijo: "Esto es todo".
Las mejores pinturas de Pollock... revelan que su línea omnipresente no da lugar a zonas positivas o negativas: no se nos hace sentir que una parte del lienzo exige ser leída como figura, ya sea abstracta o figurativa, frente a otra parte del lienzo leída como fondo. No hay interior ni exterior en la línea de Pollock ni en el espacio a través del cual se mueve... Pollock ha logrado liberar a la línea no sólo de su función de representar objetos en el mundo, sino también de su tarea de describir o delimitar formas o figuras, ya sean abstractas o figurativas, en la superficie del lienzo.
—Carmel , 132
Pollock, que siguió evitando la búsqueda de elementos figurativos por parte del espectador en sus cuadros, abandonó los títulos y comenzó a numerar sus obras. Sobre esto, dijo: “Miren pasivamente y traten de recibir lo que la pintura tiene para ofrecer y no traigan un tema o una idea preconcebida de lo que deben estar buscando”. Su esposa dijo: “Solía darle títulos convencionales a sus cuadros... pero ahora simplemente los numera. Los números son neutrales. Hacen que la gente vea un cuadro por lo que es: pintura pura”. [46]
La obra de Pollock ha sido objeto de importantes debates críticos. El crítico Robert Coates una vez ridiculizó varias obras de Pollock como "meras explosiones desorganizadas de energía aleatoria y, por lo tanto, sin sentido". [59] Reynold's News , en un titular de 1959, dijo: "Esto no es arte, es una broma de mal gusto". [60] El pintor abstracto francés Jean Hélion , por otro lado, comentó al ver por primera vez un Pollock: "Llenaba el espacio y continuaba porque no tenía un principio ni un final". [61] Clement Greenberg apoyó la obra de Pollock sobre bases formalistas. Encajaba bien con la visión de Greenberg de la historia del arte como una purificación progresiva de la forma y la eliminación del contenido histórico. Consideró que la obra de Pollock era la mejor pintura de su época y la culminación de la tradición occidental a través del cubismo y Cézanne hasta Manet .
En un artículo de 1952 en ARTnews , Harold Rosenberg acuñó el término " pintura de acción " y escribió que "lo que iba a ir sobre el lienzo no era una imagen sino un acontecimiento. El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'sólo por pintar'. El gesto sobre el lienzo era un gesto de liberación del valor político, estético, moral". Mucha gente [¿ quién? ] supuso que había modelado su paradigma de "pintor de acción" según Pollock. [62]
El Congreso por la Libertad Cultural , una organización para promover la cultura y los valores estadounidenses, respaldada por la Agencia Central de Inteligencia (CIA), patrocinó exhibiciones de la obra de Pollock. Algunos académicos de izquierda, incluida Eva Cockcroft , han argumentado que el gobierno de los Estados Unidos y la élite adinerada adoptaron a Pollock y el expresionismo abstracto para colocar a los Estados Unidos en la vanguardia del arte global y devaluar el realismo socialista . [60] [63] Cockcroft escribió que Pollock se convirtió en un "arma de la Guerra Fría ". [64]
Pollock describió su arte como "movimiento hecho visible, recuerdos detenidos en el espacio". [65]
La técnica de teñido de Pollock sobre lienzo crudo fue adaptada por los pintores de campos de color Helen Frankenthaler y Morris Louis . Frank Stella hizo de la "composición integral" un sello distintivo de sus obras de la década de 1960. Joseph Glasco conoció a Pollock gracias a Alfonso Ossorio en 1949. [66] A lo largo de su vida, Glasco continuó reflexionando sobre la influencia artística de Pollock, en particular a principios y mediados de la década de 1970, cuando su estilo cambió a pinturas de collage integral con énfasis en el ritmo y el proceso. [67] El artista de Happenings Allan Kaprow , los escultores Richard Serra y Eva Hesse y muchos artistas contemporáneos han conservado el énfasis de Pollock en el proceso de creación; se vieron influenciados por su enfoque del proceso, más que por el aspecto de su obra. [68]
En 2004, One: Number 31, 1950 fue clasificada como la octava pieza de arte moderno más influyente en una encuesta a 500 artistas, curadores, críticos y comerciantes. [69]
A principios de los años 1990, tres grupos de cineastas estaban desarrollando proyectos biográficos de Pollock, cada uno basado en una fuente diferente. El proyecto que al principio parecía más avanzado era una empresa conjunta entre Barwood Films de Barbra Streisand y TriBeCa Productions de Robert De Niro (los padres de De Niro eran amigos de Krasner y Pollock). El guion, de Christopher Cleveland, se basaría en la biografía oral de Jeffrey Potter de 1985, To a Violent Grave , una colección de reminiscencias de los amigos de Pollock. Streisand iba a interpretar el papel de Lee Krasner y De Niro iba a interpretar a Pollock. Un segundo proyecto se basaría en Love Affair (1974), una autobiografía de Ruth Kligman , que fue la amante de Pollock en los seis meses anteriores a su muerte. Esta iba a ser dirigida por Harold Becker , con Al Pacino interpretando a Pollock. [70]
En 2000 se estrenó la película biográfica Pollock , basada en la biografía ganadora del premio Pulitzer , Jackson Pollock: An American Saga , dirigida y protagonizada por Ed Harris . Marcia Gay Harden ganó el premio Óscar a la mejor actriz de reparto por su interpretación de Lee Krasner. La película fue el proyecto de Harris, quien fue nominado al premio Óscar a mejor actor . El propio Harris pintó las obras que se ven en la película. [71] La Fundación Pollock-Krasner no autorizó ni colaboró con ninguna producción. [70]
En septiembre de 2009, el historiador de arte Henry Adams afirmó en la revista Smithsonian que Pollock había escrito su nombre en su famoso cuadro Mural (1943). [72] El cuadro está ahora asegurado por 140 millones de dólares. En 2011, el representante republicano del estado de Iowa Scott Raecker presentó un proyecto de ley para obligar a la venta de la obra de arte, en poder de la Universidad de Iowa, para financiar becas, pero su proyecto de ley creó tanta controversia que fue rápidamente retirado. [18] [73]
En 1973, el gobierno australiano Gough Whitlam compró Número 11, 1952 (también conocido como Blue Poles ) para la Galería Nacional de Australia por 2 millones de dólares estadounidenses (1,3 millones de dólares australianos en el momento del pago). Este fue el precio más alto pagado jamás por una pintura moderna y la pintura es ahora una de las exhibiciones más populares. [74] La obra de arte contiene solo una referencia fugaz al mundo real y Blue Poles se ha convertido en el buque insignia del arte autónomo. [75] Blue Poles fue una pieza central de la retrospectiva de 1998 del Museo de Arte Moderno en Nueva York, la primera vez que la pintura se exhibió en Estados Unidos desde su compra.
En noviembre de 2006, el Nº 5, 1948 de Pollock se convirtió en la pintura más cara del mundo, cuando se vendió de forma privada a un comprador no revelado por la suma de 140 millones de dólares. Otro récord del artista se estableció en 2004, cuando el Nº 12 (1949), una pintura de goteo de tamaño mediano que se había exhibido en el Pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1950 , alcanzó los 11,7 millones de dólares en Christie's , Nueva York. [76] En 2012, el Nº 28, 1951 , una de las combinaciones del artista de goteo y pinceladas en tonos de gris plateado con rojo, amarillo y toques de azul y blanco, también se vendió en Christie's, Nueva York, por 20,5 millones de dólares (23 millones de dólares con honorarios), dentro de su rango estimado de 20 a 30 millones de dólares. [77]
En 2013, el Número 19 (1948) de Pollock fue vendido por Christie's por un total de 58.363.750 dólares estadounidenses durante una subasta que finalmente alcanzó ventas totales de 495 millones de dólares estadounidenses en una noche, lo que Christie's informa como un récord hasta la fecha como la subasta más cara de arte contemporáneo. [78]
En febrero de 2016, Bloomberg News informó que Kenneth C. Griffin había comprado la pintura Número 17A de Jackson Pollock de 1948 por 200 millones de dólares a David Geffen . [79]
En 2023, se descubrió un cuadro desconocido de Pollock en Bulgaria después de que las agencias policiales internacionales lograran localizar a un grupo de contrabandistas de arte internacionales. Se dice que el cuadro tiene un valor de hasta 50 millones de euros. [80]
En 2024, Kasmin anunció la representación global exclusiva de Jackson Pollock. [81] Kasmin ha representado a Lee Krasner desde 2016. [82] [83]
La Junta de Autenticación Pollock-Krasner fue creada por la Fundación Pollock-Krasner en 1990 para evaluar obras recién encontradas para un próximo suplemento al catálogo de 1978. [84] Sin embargo, en el pasado, la Fundación Pollock-Krasner ha declinado involucrarse en casos de autenticación. [85]
En 2006 se realizó un documental, Who the $&% Is Jackson Pollock? (¿Quién diablos es Jackson Pollock? ), sobre Teri Horton, un camionero que compró un cuadro abstracto por cinco dólares en una tienda de segunda mano de California en 1992. Esta obra puede ser una pintura perdida de Pollock, pero su autenticidad es objeto de debate. Thomas Hoving aparece en el documental y afirma que la pintura está sobre un lienzo preparado, que Pollock nunca utilizó.
Sin título 1950 , que la galería neoyorquina Knoedler Gallery había vendido en 2007 por 17 millones de dólares a Pierre Lagrange, un multimillonario de fondos de cobertura londinense, fue objeto de una demanda de autenticidad ante el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York . Realizada en el estilo clásico de goteo y salpicadura del pintor y firmada "J. Pollock", se descubrió que la pintura de tamaño modesto (15 por 28 1/2 pulgadas) contenía pigmentos de pintura amarilla que no estaban disponibles comercialmente hasta aproximadamente 1970. [86] La demanda se resolvió en un acuerdo confidencial en 2012. [87]
En 1999, el físico y artista Richard Taylor utilizó análisis informáticos para mostrar similitudes entre los patrones pintados de Pollock y los fractales (patrones que se repiten en múltiples escalas de tamaño) encontrados en paisajes naturales, [88] reflejando las propias palabras de Pollock: "Soy naturaleza". [89] Su equipo de investigación etiquetó el estilo de Pollock como expresionismo fractal . [90]
En 2003, se encontraron 24 pinturas y dibujos de Pollock en un armario de Wainscott, Nueva York . En 2005, la Fundación Pollock-Krasner solicitó que se utilizara por primera vez un análisis fractal en una disputa de autenticidad. [91] [92] [ 93] [94] [95] Investigadores de la Universidad de Oregón utilizaron la técnica para identificar diferencias entre los patrones de las seis pinturas en disputa analizadas y los de 14 Pollocks establecidos. [91] El análisis de pigmentos de las pinturas realizado por investigadores de la Universidad de Harvard mostró la presencia en una pintura de un pigmento sintético que no fue patentado hasta la década de 1980, y materiales en otras dos que no estaban disponibles en vida de Pollock. [96] [97]
En 2007, se organizó una exposición itinerante de las pinturas en un museo, acompañada de un libro completo, Pollock Matters , escrito por Ellen G. Landau, una de las cuatro académicas en funciones del antiguo panel de autenticación de la Fundación Pollock Krasner de la década de 1990, y Claude Cernuschi, un académico en expresionismo abstracto. En el libro, Landau demuestra las numerosas conexiones entre la familia propietaria de las pinturas y Jackson Pollock durante su vida para colocar las pinturas en lo que ella cree que es su contexto histórico adecuado. Landau también presenta los hallazgos forenses de la Universidad de Harvard y presenta posibles explicaciones para las inconsistencias forenses que se encontraron en tres de las 24 pinturas. [98] [99] Sin embargo, el científico que inventó uno de los pigmentos modernos descartó la posibilidad de que Pollock usara esta pintura por ser "poco probable hasta el punto de la fantasía". [ cita requerida ]
Posteriormente, más de 10 grupos científicos han realizado análisis fractales en más de 50 obras de Pollock. [100] [101] [ 102] [103] [104] [105] [106] [107] [108] [109] Un estudio de 2015 que utilizó el análisis fractal como una de sus técnicas logró una tasa de éxito del 93% al distinguir los Pollocks reales de los falsos. [110] La investigación actual del expresionismo fractal se centra en la respuesta humana a la visualización de fractales. Los neurocientíficos cognitivos han demostrado que los fractales de Pollock inducen la misma reducción del estrés en los observadores que los fractales generados por computadora y los fractales que ocurren naturalmente. [111] [112]
Lee Krasner donó los documentos de Pollock a los Archivos de Arte Americano en 1983. Posteriormente, se archivaron junto con sus propios documentos. Los Archivos de Arte Americano también albergan los documentos de Charles Pollock, que incluyen correspondencia, fotografías y otros archivos relacionados con su hermano Jackson. [ cita requerida ]
En 1985 se creó una organización independiente, la Fundación Pollock-Krasner . La fundación funciona como el patrimonio oficial tanto de Pollock como de su viuda, pero también, según los términos del testamento de Krasner, sirve "para ayudar a artistas individuales que trabajan con mérito y que tienen necesidades financieras". [113] El representante de derechos de autor en Estados Unidos para la Fundación Pollock-Krasner es la Artists Rights Society . [114]
La casa y el estudio Pollock-Krasner son propiedad de la Fundación Stony Brook, una filial sin fines de lucro de la Universidad Stony Brook , y están administrados por ella . Se realizan visitas periódicas a la casa y al estudio desde mayo hasta octubre. [115]
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