La música popular estadounidense (también denominada "pop estadounidense") es música popular producida en los Estados Unidos de América y forma parte de la cultura pop estadounidense . Los estilos distintivos de la música popular estadounidense surgieron a principios del siglo XIX, y en el siglo XX la industria musical estadounidense desarrolló una serie de nuevas formas de música, utilizando elementos del blues y otros géneros . Estos estilos populares incluían country, R&B, jazz y rock. Las décadas de 1960 y 1970 vieron una serie de cambios importantes en la música popular estadounidense, incluido el desarrollo de una serie de nuevos estilos, como el heavy metal , el punk, el soul y el hip hop.
La música popular estadounidense es increíblemente diversa, con estilos que incluyen ragtime , blues , jazz , swing , rock , bluegrass , country , R&B , doo wop , gospel , soul , funk , pop , punk , disco , house , techno , salsa , grunge y hip. brincar . Además, la industria musical estadounidense es bastante diversa y admite varios estilos regionales como zydeco , klezmer y slack-key . Aunque estos estilos no siempre estuvieron en el sentido de corriente principal , fueron grabados comercialmente y por lo tanto son ejemplos de música popular en contraposición a la música folklórica o clásica .
Los estilos musicales populares estadounidenses han tenido una influencia significativa en la cultura global .
El cantante folk estadounidense Pete Seeger definió la música pop como "música profesional que se basa tanto en la música folk como en la música de bellas artes". [1] La música popular del siglo XIX desciende principalmente de tradiciones musicales anteriores, como la música de teatro , la música de banda , la música de baile y la música de iglesia . [2] Las primeras canciones que podrían considerarse música popular estadounidense , a diferencia de la música popular de una región o etnia en particular, fueron canciones de salón sentimentales de Stephen Foster y sus compañeros, y canciones destinadas a ser utilizadas en espectáculos de juglares , producciones teatrales que contó con actuaciones de canto, baile y cómics. Los espectáculos de juglar generalmente utilizaban instrumentos y danzas africanas , y presentaban artistas con el rostro ennegrecido, una técnica llamada blackface . [1] A mediados del siglo XIX, las compañías de gira habían llevado esta música no solo a todas partes de los Estados Unidos, sino también al Reino Unido, Europa occidental e incluso a África y Asia. Los espectáculos de juglares generalmente se anunciaban como si la música de los espectáculos fuera de estilo afroamericano , aunque esto a menudo no era cierto. [3] Según el historiador de la música, Larry Birnbaum, la música en los espectáculos de juglares era de origen principalmente europeo y se basaba en la música folclórica inglesa , irlandesa y escocesa . [4] De manera similar, el autor Richard Carlin afirma que si bien los espectáculos de juglares utilizaban el banjo, un instrumento de origen africano, y popularizaban la cultura negra, la música de juglares era en gran medida una amalgama de melodías de danza europeas. [5] Andrew Stott afirma que muchas de las canciones que iniciaron la "locura por el blackface" eran de origen europeo. [6]
La primera música popular publicada para consumo privado en Estados Unidos llegó de Irlanda en 1808 con Irish Melodies de Thomas Moore , un libro de varios volúmenes de canciones populares principalmente irlandesas arregladas para interpretaciones privadas. [7] Inspirado por Moore, John Hill Hewitt se convirtió en el primer compositor estadounidense en componer un estilo de música popular para consumo privado, y su pieza más famosa, "The Minstrels Return from War", se convirtió en un éxito internacional. [7] [8] Los negros habían participado en la cultura popular estadounidense antes de la era de la Guerra Civil, al menos desde el African Grove Theatre de Nueva York en la década de 1820 y la publicación de la primera música de un compositor negro, Francis . Johnson , en 1818. Con sede en Filadelfia , Johnson también dirigió una de las primeras bandas profesionales en la historia de Estados Unidos desde la década de 1820 hasta la de 1840. [9] Sin embargo, estos importantes hitos todavía se produjeron enteramente dentro de las convenciones de la música europea. La música popular notable de las décadas de 1830 y 1840 incluyó publicaciones de Henry Russell y la familia Hutchinson . [10]
La primera canción de juglar extremadamente popular fue " Jump Jim Crow " de Thomas "Daddy" Rice , que se interpretó por primera vez en 1832 y causó sensación en Londres cuando Rice la interpretó allí en 1836. Rice utilizó un baile que copió de un mozo de cuadra. con una melodía adoptada de una plantilla irlandesa . Entre los intérpretes blancos populares de música de juglar se encontraban George Washington Dixon y Joel Sweeney , cuyas melodías seguían melodías escocesas e irlandesas. [11] Los elementos africanos incluían el uso del banjo , que se cree deriva de instrumentos de cuerda de África occidental, y ritmos acentuados y aditivos. [2] A partir de 1843, los Virginia Minstrels se convirtieron en el primer grupo en popularizar el formato de espectáculo de juglar, y en 1850 los espectáculos de juglar se habían extendido por todo Estados Unidos. [11]
Muchas de las canciones de los espectáculos de juglares todavía se recuerdan hoy en día, especialmente las de Daniel Emmett y Stephen Foster , siendo este último, según David Ewen, "el primer compositor importante de Estados Unidos y uno de los escritores de canciones más destacados del mundo". [3] Las canciones de Foster eran típicas de la era del juglar en su sentimentalismo descarado y en su aceptación de la esclavitud. Sin embargo, Foster hizo más que la mayoría de los compositores de la época para humanizar a los negros sobre los que componía, como en "Nelly Was a Lady", una canción lastimera y melancólica sobre un hombre negro que llora la pérdida de su esposa. [4] En 1851, la canción de Foster " Old Folks at Home " se convertiría en un gran éxito nacional. [12]
El espectáculo de juglar marcó el comienzo de una larga tradición de apropiación de la música afroamericana para el público popular, y fue la primera forma de música claramente estadounidense que encontró reconocimiento internacional a mediados del siglo XIX. Como ha señalado Donald Clarke, los espectáculos de juglares contenían "esencialmente música negra, mientras que los actos de mayor éxito eran blancos, de modo que las canciones y danzas de origen negro eran imitadas por artistas blancos y luego retomadas por artistas negros, quienes así, en cierta medida, terminaron imitándose a sí mismos". Clarke atribuye el uso de la cara negra al deseo de los estadounidenses blancos de glorificar la existencia brutal de los negros libres y esclavos representándolos como individuos felices y despreocupados, más adecuados para la vida en las plantaciones y la interpretación de canciones sencillas y alegres que atraían fácilmente a los blancos. audiencias. [5] Fue sólo durante la Guerra Civil que el público blanco comenzó a estar expuesto a la auténtica música afroamericana, primero con los espirituales esclavos Go Down, Moses en 1861 y luego a través de actuaciones espirituales del grupo a capella , el Fisk Jubilee. Cantantes en 1871. [4] Después de la Guerra Civil, los espectáculos de juglares realizados por compañías negras reales se extendieron por todo el país y compositores negros como James A. Bland tuvieron éxito nacional en la década de 1870 con canciones como Carry Me Back to Old Virginny y Oh, Zapatillas doradas Dem . [4] [11] El período posterior a la Guerra Civil también vio el pico de popularidad de las bandas musicales profesionales, dirigidas por directores como Patrick Gilmore y John Philip Sousa . [9] Sousa, conocido por su composición de marchas militares , alcanzó gran fama en Estados Unidos y Europa con la United States Marine Band . [9]
Los espectáculos de juglares Blackface siguieron siendo populares durante la última parte del siglo XIX, y solo desaparecieron gradualmente cerca de principios del siglo XX. Durante esa época, surgió una forma de teatro lujoso y elaborado llamado extravagancia , comenzando con El cayado negro de Charles M. Barras . [6] Los periódicos y las iglesias de la época criticaron las extravagancias porque los espectáculos se consideraban sexualmente excitantes, con mujeres cantando canciones obscenas vestidas con ropa casi transparente. David Ewen describió esto como el comienzo de las "largas y activas carreras en explotación sexual" del teatro musical y la canción popular estadounidenses. [7] Posteriormente, las extravagancias tomaron elementos de las representaciones burlescas , que eran producciones satíricas y paródicas que fueron muy populares a finales del siglo XIX. [8]
Al igual que la extravagancia y el burlesco, el espectáculo de variedades era una producción cómica y obscena, popular desde mediados hasta finales del siglo XIX, época en la que había evolucionado hacia el vodevil . Esta forma fue innovada por productores como Tony Pastor que intentaba animar a mujeres y niños a asistir a sus espectáculos; Dudaban porque el teatro había sido durante mucho tiempo el dominio de una multitud ruda y desordenada. [9] A principios del siglo XX, el vodevil era un entretenimiento respetado para mujeres y niños, y compositores como Gus Edwards escribieron canciones que fueron populares en todo el país. [10] Los espectáculos de vodevil más populares fueron, como Ziegfeld Follies , una serie de canciones y sketches que tuvieron un profundo efecto en el desarrollo posterior del teatro musical de Broadway y las canciones de Tin Pan Alley . [13]
Tin Pan Alley era un área en West 28th Street y sus alrededores. [14] en la ciudad de Nueva York, que se convirtió en el principal centro de publicaciones musicales a mediados de la década de 1890. Los compositores de esta época escribieron canciones formuladas, muchas de ellas baladas sentimentales. [11] Durante esta época, se estaba desarrollando un sentido de conciencia nacional, a medida que Estados Unidos se convertía en una potencia mundial formidable, especialmente después de la Guerra Hispanoamericana . La mayor disponibilidad y eficiencia de los ferrocarriles y el servicio postal ayudaron a difundir ideas, incluidas canciones populares. [ cita necesaria ]
Algunos de los editores más notables de Tin Pan Alley incluyeron a Willis Woodward, M. Witmark & Sons , Charles K. Harris y Edward B. Marks y Joseph W. Stern . Stern y Marks se encontraban entre los compositores de Tin Pan Alley más conocidos; comenzaron a escribir juntos como aficionados en 1894. [12]
Además de las baladas populares y convencionales y otras canciones limpias, algunos editores de Tin Pan Alley se centraron en temas ásperos y atrevidos. Las canciones de Coon fueron otra parte importante de Tin Pan Alley, derivadas de las canciones diluidas del espectáculo de juglares con el "brío y la electricidad" que aporta la "asimilación del ritmo del ragtime". [13] Las primeras canciones populares de mapaches fueron "The Dandy Coon's Parade" de Joseph P. Skelly en 1880 y "New Coon in Town", introducida en 1883 por JS Putnam, y fueron seguidas por una ola de gritos de mapaches como Ernest Hogan . y May Irwin . [4] [14] Entre los compositores negros famosos de canciones de mapaches se encuentran Bert Williams , George W. Johnson e Irving Jones [15] . [4] Además, la primera vez que aparece la palabra " rapo " en una partitura es en referencia al acompañamiento instrumental de la canción de 1896 de Ernest Hogan "All Coons Look Alike to Me", que muestra una conexión entre los dos géneros. [4]
A principios del siglo XX también se produjo el crecimiento de Broadway , un grupo de teatros especializados en musicales . Broadway se convirtió en uno de los lugares más destacados para el teatro musical en el mundo y produjo un conjunto de canciones que llevaron a Donald Clarke a llamar a esa época la edad de oro de la composición . La necesidad de adaptar canciones agradables a las limitaciones de un teatro y una trama permitió y fomentó el crecimiento de la composición y el surgimiento de compositores como George Gershwin , Vincent Youmans , Irving Berlin y Jerome Kern . [15] Estos compositores escribieron canciones que han seguido siendo populares y hoy se conocen como el Gran Cancionero Americano . [dieciséis]
Las óperas extranjeras fueron populares entre la clase alta durante todo el siglo XIX, mientras que otros estilos de teatro musical incluían operetas , baladas y el puf de ópera. Las operetas inglesas de Gilbert y Sullivan fueron particularmente populares, mientras que las composiciones estadounidenses tuvieron dificultades para encontrar público. George M. Cohan fue el primer compositor estadounidense notable de teatro musical, y el primero en alejarse de la opereta, y también se destaca por utilizar el lenguaje vernáculo en su obra. Sin embargo, a principios del siglo XX, los dramaturgos, compositores y músicos negros estaban teniendo un profundo efecto en el teatro musical, comenzando con las obras de Will Marion Cook , James Reese Europe y James P. Johnson ; el primer musical negro de gran éxito fue Shuffle Along en 1921. [16]
Las operetas importadas y las producciones nacionales de blancos como Cohan y negros como Cook, Europe y Johnson tuvieron una influencia formativa en Broadway. Compositores como Gershwin, Porter y Kern hicieron del teatro musical de comedia un pasatiempo nacional, con un sentimiento claramente estadounidense y no dependiente de modelos europeos. La mayoría de estas personas eran judías, siendo Cole Porter la única excepción importante; eran descendientes de inmigrantes del siglo XIX que huían de la persecución en el Imperio ruso y se establecieron de manera más influyente en varios vecindarios de la ciudad de Nueva York. [17] Muchos de los primeros musicales fueron influenciados por la música negra, mostrando elementos del jazz temprano, como In Dahomey ; Los compositores judíos de estas obras pueden haber visto conexiones entre las tradicionales notas azules afroamericanas y su propia música folclórica judía . [17]
Las canciones de Broadway se grabaron a principios de siglo, pero no se hicieron muy populares fuera de su contexto teatral hasta mucho más tarde. " They Did't Believe Me " de Jerome Kern fue una de las primeras canciones que se hizo popular en todo el país. Las innovaciones posteriores de Kern incluyeron una trama más creíble que las historias bastante informes construidas en torno a canciones de obras anteriores, comenzando con Show Boat en 1927. George Gershwin fue quizás el compositor más influyente de Broadway, comenzando con "Swanee" en 1919 y obras posteriores para jazz. y orquestas. Su composición más duradera puede ser la ópera Porgy and Bess , una historia sobre dos negros, que Gershwin concibió como una especie de "ópera popular", una creación de un nuevo estilo de teatro musical estadounidense basado en modismos estadounidenses. [18]
El ragtime era un estilo de música de baile basado en el piano, utilizando ritmos y cromatismos sincopados ; [19] El intérprete y compositor más conocido del género fue sin duda Scott Joplin . Donald Clarke considera el ragtime como la culminación de las canciones de mapaches , utilizadas primero en espectáculos de juglares y luego en vodevil , y el resultado de los ritmos de juglares que se filtran en la corriente principal; También sugiere que el sonido distintivo del ragtime puede provenir de un intento de imitar el banjo afroamericano usando el teclado. [20] Según el historiador musical Elijah Wald , el ragtime constituye el primer género pop verdadero en Estados Unidos, ya que la música estadounidense anterior, como la música de espectáculos de juglares, se distinguía por su asociación con el blackface y la comedia, en lugar de tener un estilo o sonido único. [18]
Debido a la naturaleza esencialmente afroamericana del ragtime, se lo considera más comúnmente como el primer estilo de música popular estadounidense en ser música verdaderamente negra; El ragtime trajo la síncopa y un sonido negro más auténtico a la música popular. Las canciones populares de ragtime se anotaron y vendieron como partituras, pero el estilo general se tocó de manera más informal en todo el país; Estos intérpretes aficionados tocaron una forma de ragtime más fluida que eventualmente se convirtió en una importante influencia formativa en el jazz . [21]
La invención del cilindro del fonógrafo por parte de Thomas Edison inició el nacimiento de la música grabada. El primer cilindro que se lanzó al mercado fue " Semper Fidelis " de la US Marine Band . Al principio, los cilindros se producían con moderación, pero a medida que sus ventas se volvieron más rentables, la distribución aumentó. Estas primeras canciones grabadas eran una mezcla de vodevil, cuartetos de barbería , marchas, ópera, canciones novedosas y otras melodías populares. Muchos estándares populares, como "The Good Old Summertime", " Shine On Harvest Moon " y "Over There" provienen de esta época. También hubo algunos primeros éxitos en el campo del jazz, comenzando con las grabaciones de 1917 de la Original Dixieland Jazz Band , seguidas por la Creole Jazz Band de King Oliver , que tocó en un estilo de jazz más auténtico de Nueva Orleans. [22]
El blues existió mucho tiempo antes de que se convirtiera en parte de la primera explosión de música popular grabada en la historia de Estados Unidos. Esto ocurrió en la década de 1920, cuando cantantes de blues clásicas como Ma Rainey , Bessie Smith y Mamie Smith se hicieron muy populares; El primer éxito de este campo fue "Crazy Blues" de Mamie Smith. Estos cantantes de blues urbano cambiaron la idea de la música popular de ser canciones simples que cualquiera podía interpretar fácilmente a obras asociadas principalmente con un cantante individual. Artistas como Sophie Tucker , conocida por "Some of These Days", se asociaron estrechamente con sus éxitos, haciendo que sus interpretaciones individualizadas fueran tan importantes como la canción misma. [23]
Al mismo tiempo, compañías discográficas como Paramount Records y OKeh Records lanzaron el campo de la música racial , que era principalmente blues dirigido al público afroamericano. El más famoso de estos actos inspiró gran parte del desarrollo popular posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluidos Charley Patton , Lonnie Johnson y Robert Johnson . [19]
El jazz es un tipo de música caracterizada por notas azules , síncopa , swing , llamada y respuesta , polirritmias e improvisación . Aunque originalmente era un tipo de música de baile , el jazz ha sido "durante mucho tiempo considerado un tipo de música popular o vernácula (y también) se ha convertido en una forma de arte sofisticada que ha interactuado de manera significativa con la música de la sala de conciertos ". [24] El desarrollo del jazz se produjo aproximadamente al mismo tiempo que el ragtime moderno, el blues, el gospel y la música country, todos los cuales pueden verse como parte de un continuo sin una demarcación clara entre ellos; El jazz específicamente estaba más estrechamente relacionado con el ragtime, con el que se podía distinguir por el uso de una improvisación rítmica más compleja, a menudo colocando notas alejadas del ritmo implícito. Las primeras bandas de jazz adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluidas notas dobladas y azules y "gruñidos" y borrones instrumentales. [ cita requerida ] El artista de jazz Rudy Vallée se convirtió en lo que quizás fue el primer ejemplo completo de la estrella pop de los medios de comunicación del siglo XX . [20] Vallée se convirtió en el cantante más destacado y, posiblemente, el primero de un nuevo estilo de cantante popular, el crooner . [20]
Paul Whiteman fue el director de orquesta más popular de la década de 1920 y reclamó para sí el título de "El Rey del Jazz". A pesar de haber contratado a muchos de los mejores músicos de jazz blancos de la época, las generaciones posteriores de amantes del jazz a menudo han juzgado que la música de Whiteman tiene poco que ver con el jazz real. No obstante, los compositores y arreglistas de décadas posteriores han retomado repetidamente su noción de combinar el jazz con orquestaciones elaboradas. [ cita necesaria ]
Whiteman encargó "Rhapsody in Blue" de Gershwin, que fue estrenada por la Whiteman's Orchestra. La banda de Ted Lewis ocupaba el segundo lugar en popularidad después de Paul Whiteman durante la década de 1920, y posiblemente tocaba más jazz real con menos pretensiones que Whiteman, especialmente en sus grabaciones de finales de la década de 1920. Algunas de las otras bandas de "jazz" de la década incluyeron las de: Harry Reser , Leo Reisman , Abe Lyman , Nat Shilkret , George Olsen , Ben Bernie , Bob Haring , Ben Selvin , Earl Burtnett , Gus Arnheim , Rudy Vallee , Jean Goldkette. , Isham Jones , Roger Wolfe Kahn , Sam Lanin , Vincent López , Ben Pollack y Fred Waring . [21]
En la década de 1920, la música interpretada por estos artistas era extremadamente popular entre el público y típicamente era etiquetada como jazz. Hoy en día, sin embargo, los puristas del jazz menosprecian esta música y la etiquetan como "música dulce". La música que hoy se considera "jazz" solía ser tocada por minorías. Sin embargo, en la década de 1920 y principios de la de 1930, la mayoría de la gente escuchaba lo que hoy llamaríamos "música dulce" y el jazz duro se categorizaba como "música caliente" o "música racial". [ cita necesaria ]
El sello discográfico más grande e influyente de la época, The Victor Talking Machine (RCA Victor después de 1928), ejerció una influencia restrictiva en el desarrollo del "sweet jazz" hasta la partida de Eddie King en octubre de 1926. King era bien conocido como un autoritario. que no permitía beber en el trabajo ni apartarse severamente de la música escrita, a menos que fuera dentro de solos aceptables para los estándares de la música popular de la época. Esto irritó a muchos artistas de jazz de Victor, incluido el famoso trompetista Bix Beiderbecke. Sudhalter, en Lost Chords, cita un ejemplo de una grabación de 1927 de la Goldkette Orchestra en la que a los músicos se les permitía una libertad considerable, y comenta: "¿Qué habría sido, uno se pregunta, esta actuación si Eddie King hubiera estado a cargo, y no tanto más?" liberal Nat Shilkret. Dado que los libros de contabilidad de Victor muestran no menos de cinco sesiones de grabación en enero y febrero de 1926, cuando King realmente dirigió la orquesta de Goldkette, es fácil hacer una comparación entre el enfoque de Goldkette y el de King .
Uno de los primeros géneros de la música pop estadounidense fue la moda del swing , un estilo de baile popular de principios del siglo XX. [22] En 1935, la música swing se hizo popular entre el público y rápidamente reemplazó al jazz como el tipo de música más popular (aunque al principio hubo cierta resistencia). La música swing se caracteriza por una fuerte sección rítmica, que generalmente consta de un contrabajo y una batería, que se toca en un tempo medio a rápido , y dispositivos rítmicos como la nota swing . El swing es principalmente una especie de jazz de los años 30 fusionado con elementos del blues y la sensibilidad pop de Tin Pan Alley. [25] El swing utilizaba bandas más grandes que otros tipos de jazz y estaba encabezado por líderes de banda que arreglaban estrechamente el material, desalentando la improvisación que había sido una parte integral del jazz. David Clarke llamó al swing el primer "estilo orientado al jazz (que estará) en el centro de la música popular... en lugar de simplemente darle columna vertebral". [26] A finales de la década de 1930, los vocalistas se volvieron cada vez más prominentes, y finalmente ocuparon un lugar central después de la huelga de la Federación Estadounidense de Músicos , que hizo que grabar con una banda grande fuera prohibitivamente costoso. [27] El swing llegó a ir acompañado de un baile popular llamado baile swing , que fue muy popular en todo Estados Unidos, entre el público blanco y negro, especialmente los jóvenes. [ cita necesaria ]
Además del popular jazz y swing que escuchaba la corriente principal de Estados Unidos, había otros géneros que eran populares entre ciertos grupos de personas (por ejemplo, minorías o audiencias rurales). A partir de la década de 1920 y con una gran aceleración en la década de 1940, el blues comenzó a diversificarse rápidamente en un amplio espectro de nuevos estilos. Estos incluían un estilo enérgico y dinámico llamado R &B, una fusión de blues y canciones angloceltas llamada música country y la fusión de himnos y espirituales con estructuras de blues llamada música gospel . Más tarde que estos otros estilos, en la década de 1940, se desarrolló una fusión de blues, R&B y country llamada rock and roll , que finalmente llegó a dominar la música popular estadounidense a principios de la década de 1960. [ cita necesaria ]
La música country es principalmente una fusión de blues y espirituales afroamericanos con música folclórica de los Apalaches , adaptada para el público pop y popularizada a partir de la década de 1920. De particular importancia fueron las melodías irlandesas y escocesas, la música de baile, las baladas y los estilos vocales, [28] así como la música nativa americana , española , alemana , francesa y mexicana . La instrumentación del country primitivo giraba en torno al violín de origen europeo y el banjo de origen africano , a los que se añadió la guitarra más tarde. La instrumentación de la música country utilizó elementos africanos, incluido un formato de llamada y respuesta, música improvisada y ritmos sincopados . Más tarde aún, los instrumentos de cuerda como el ukelele y la guitarra de acero se volvieron comunes debido a la popularidad de la música hawaiana a principios del siglo XX y la influencia de músicos como Sol Hoʻopiʻi y Lani McIntyre . [29] Las raíces de la música country moderna generalmente se remontan a 1927, cuando el buscador de talentos musicales Ralph Peer grabó Jimmie Rodgers and The Carter Family . Sus grabaciones se consideran la base de la música country moderna. Antes de 1927 había música popular que podía considerarse country, pero, como señala Ace Collins, estas grabaciones tuvieron efectos "sólo marginales y muy inconsistentes" en los mercados musicales nacionales, y sólo eran superficialmente similares a lo que entonces se conocía como música montañesa . [30] Además de Rodgers y los Carter, un músico llamado Bob Wills fue uno de los primeros intérpretes influyentes conocido por un estilo llamado Western swing , que fue muy popular en las décadas de 1920 y 1930, y fue responsable de traer una destacada influencia del jazz al country. música. [ cita necesaria ]
El ritmo y el blues (R&B) es un estilo que surgió en las décadas de 1930 y 1940, una forma de blues rítmica y dinámica con instrumentación más compleja. El autor Amiri Baraka describió los primeros R&B como "enormes unidades rítmicas que se estrellaban detrás de cantantes de blues que gritaban (que) tenían que gritar para ser escuchados por encima del ruido metálico y el rasgueo de los diversos instrumentos electrificados y las secciones rítmicas agitadas " . este período, pero no extensamente, y no fue ampliamente promocionado por las compañías discográficas que sentían que no era adecuado para la mayoría de las audiencias, especialmente los blancos de clase media, debido a las letras sugerentes y los ritmos impulsores. [32] Líderes de bandas como Louis Jordan innovaron el sonido de los primeros R&B. La banda de Jordan presentaba una pequeña sección de trompetas e instrumentación rítmica prominente y usaba canciones con temas líricos de blues. A finales de la década de 1940, había producido diecinueve grandes éxitos y ayudó a allanar el camino para contemporáneos como Wynonie Harris , John Lee Hooker y Roy Milton [ cita requerida ]
Los espirituales cristianos y la música blues rural fueron el origen de lo que hoy se conoce como música gospel. A partir de la década de 1920, las iglesias afroamericanas presentaban el evangelio primitivo en forma de fieles que proclamaban su devoción religiosa ( testificaban ) de una manera improvisada, a menudo musical. El gospel moderno comenzó con el trabajo de compositores, el más importante Thomas A. Dorsey , quien "(compuso) canciones basadas en himnos y espirituales familiares, fusionados con ritmos de blues y jazz". [33] Desde estas iglesias de principios del siglo XX, la música gospel se extendió por todo el país. Permaneció asociado casi exclusivamente con iglesias afroamericanas y, por lo general, contaba con un coro junto con uno o más solistas virtuosos. [ cita necesaria ]
El rock and roll es un tipo de música popular, desarrollada principalmente a partir del country, el blues y el R&B. Fácilmente el estilo de música más popular en todo el mundo, los orígenes exactos del rock y su desarrollo temprano han sido objeto de acalorados debates. El historiador de la música Robert Palmer ha señalado que las influencias del estilo son bastante diversas e incluyen el " beat de Bo Diddley " afrocaribeño , elementos del "swing de big band" y música latina como el son cubano y los " ritmos mexicanos ". [34] Otro autor, George Lipsitz, afirma que el rock surgió en las áreas urbanas de Estados Unidos, donde se formó una " cultura políglota de clase trabajadora (donde) los significados sociales previamente transmitidos de forma aislada por el blues, el country, la polka , el zydeco y la música latina se encontraron". nueva expresión al integrarse en un entorno urbano". [35]
A mediados del siglo XX se produjeron una serie de cambios muy importantes en la música popular estadounidense. El campo de la música pop se desarrolló enormemente durante este período, a medida que el precio cada vez más bajo de la música grabada estimuló la demanda y mayores ganancias para la industria discográfica. Como resultado, el marketing musical se volvió cada vez más prominente, lo que dio como resultado una serie de estrellas del pop convencionales cuya popularidad antes era desconocida. Muchas de las primeras estrellas de este tipo fueron cantantes italoamericanos como Dean Martin , Rudy Vallee , Tony Bennett , Perry Como , Frankie Laine y, el más famoso, el "primer vocalista pop que engendró histeria entre sus fans" Frank Sinatra . [36] Uno de los cantantes más exitosos fue Bing Crosby . Crosby citó al popular cantante Al Jolson como una de sus principales influencias. Crosby fue citado a su vez por Perry Como . [23] Crosby también influyó en este canto de Frank Sinatra , [24] Crosby y Sinatra cantaron juntos en la película de 1956 High Society . [25]
Sin embargo, la era de la estrella del pop adolescente moderno comenzó en la década de 1960. Los ejemplos musicales pop estadounidenses de la década de 1960 incluyen a The Monkees . [26] Los grupos de pop Bubblegum como The Monkees fueron elegidos enteramente por su apariencia y capacidad para vender discos, con menos consideración por la capacidad musical. Sin embargo, en el mismo período también se produjo el surgimiento de nuevas formas de música pop que lograron una presencia más permanente en el campo de la música popular estadounidense, incluido el rock, el soul y el pop-folk. A finales de la década de 1960, dos acontecimientos habían cambiado completamente la música popular: el nacimiento de una contracultura , que se oponía explícitamente a la música convencional, a menudo en conjunto con el activismo político y social, y el cambio de compositores profesionales a intérpretes que eran a la vez cantantes y compositores. . [ cita necesaria ]
El rock and roll entró por primera vez en la música popular a través de un estilo llamado rockabilly , que fusionaba el sonido del rock naciente con elementos de la música country. El rock and roll interpretado por negros anteriormente había tenido un éxito general limitado, y algunos observadores en ese momento creían que un intérprete blanco que pudiera cantar de manera creíble en un estilo R&B y country sería un éxito. Sam Phillips , de Sun Records de Memphis, Tennessee , encontró ese intérprete en Elvis Presley , quien se convirtió en uno de los músicos con mayores ventas de la historia y llevó el rock and roll a audiencias de todo el mundo. [37] El éxito de Presley fue precedido por Bill Haley , un artista blanco cuyo " Rock Around the Clock " a veces se señala como el comienzo de la era del rock. Sin embargo, la música de Haley era "más arreglada" y "más calculada" que los "ritmos más sueltos" del rockabilly, que además, a diferencia de Haley, no utilizaba saxofones ni coros. [38]
El R&B siguió siendo extremadamente popular durante la década de 1950 entre el público negro, pero el estilo no se consideraba apropiado para los blancos, ni para los negros respetables de clase media, debido a su naturaleza sugerente. En cambio, muchas canciones populares de R&B fueron interpretadas por músicos blancos como Pat Boone , en un estilo más apetecible y convencional, y se convirtieron en éxitos del pop. [39] A finales de la década de 1950, sin embargo, hubo una ola de intérpretes populares de blues-rock negro y R&B con influencia country que ganaron una fama sin precedentes entre los oyentes blancos; estos incluyeron a Bo Diddley y Chuck Berry . [40] Con el tiempo, los productores en el campo del R&B gradualmente recurrieron a actos más basados en el rock como Little Richard y Fats Domino . [27]
Doo wop es un tipo de música de armonía vocal interpretada por grupos que se hicieron populares en la década de 1950. [28] Aunque a veces se considera una especie de rock, el doo wop es más precisamente una fusión de R&B vocal, gospel y jazz con estructuras de blues y pop, [41] aunque hasta la década de 1960, las líneas que separan el rock del doo wop, el R&B y Otros estilos relacionados estaban muy borrosos. Doo wop se convirtió en el primer estilo de música derivada del R&B "en tomar forma, en definirse como algo que la gente reconocía como nuevo, diferente, extraño, suyo " (énfasis en el original). [42] A medida que el doo wop se hizo más popular, se agregaron más innovaciones, incluido el uso de un vocalista principal bajo, una práctica que comenzó con Jimmy Ricks de The Ravens . [43] Los artistas de Doo wop eran originalmente casi todos negros, pero algunos grupos blancos e integrados pronto se hicieron populares. Estos incluían varios grupos italoamericanos como Dion & the Belmonts , mientras que otros agregaron vocalistas femeninas e incluso formaron grupos exclusivamente femeninos en el campo casi universalmente masculino; estos incluían The Queens y The Chantels . [44]
La década de 1950 vio una serie de breves modas pasajeras que tuvieron un gran impacto en los estilos musicales futuros. Artistas como Pete Seeger y The Weavers popularizaron una forma de resurgimiento antiguo de la música angloamericana . [45] Este campo finalmente se asoció con la izquierda política y el comunismo , lo que llevó a una disminución de la aceptabilidad a medida que los artistas eran cada vez más criticados y incluidos en listas negras . Sin embargo, esta forma de pop-folk ejerció una profunda influencia en la forma del folk-rock de los años cincuenta y estilos relacionados. Junto al éxito bastante esporádico de la popularización de la música folclórica anglosajona llegó una serie de modas de baile latino , entre ellas el mambo , la rumba , el chachachá y el boogaloo . Aunque su éxito fue nuevamente esporádico y breve, la música latina continuó ejerciendo una influencia continua en el rock, el soul y otros estilos, y eventualmente evolucionó hacia la música salsa en la década de 1970. [ cita necesaria ]
A partir de finales de la década de 1920, un estilo distintivo primero llamado música "antigua" o "hillbilly" comenzó a transmitirse y grabarse en las zonas rurales del sur y el medio oeste; Los primeros artistas incluyeron a la familia Carter, Charlie Poole y sus North Carolina Ramblers y Jimmie Rodgers. La interpretación y difusión de esta música fue en un principio regional, pero los cambios de población provocados por la Segunda Guerra Mundial la extendieron más ampliamente. Después de la guerra, hubo un mayor interés en estilos especializados, incluido lo que se conocía como música racial y montañesa ; estos estilos pasaron a llamarse Rhythm and Blues y Country y Western , respectivamente. [46] Los sellos discográficos importantes tuvieron cierto éxito promocionando dos tipos de actos country: artistas sureños novedosos como Tex Williams y cantantes como Frankie Laine , que mezclaban pop y country en un estilo convencionalmente sentimental. [29] Este período también vio el ascenso de Hank Williams , [30] un cantante de country blanco que había aprendido el blues de un músico callejero negro llamado Tee-Tot, en el noroeste de Alabama. [47] Antes de su muerte en 1953, Hank Williams grabó once sencillos que vendieron al menos un millón de copias cada uno y fue pionero en el sonido de Nashville . [ cita necesaria ]
El sonido de Nashville era un tipo popular de música country que surgió en la década de 1950, una fusión del jazz popular de big band y el swing con el lirismo del honky-tonk country. [48] El éxito popular de las grabaciones de Hank Williams había convencido a los sellos discográficos de que la música country podía encontrar un público generalizado. Luego, las compañías discográficas intentaron eliminar los elementos ásperos y honky-tonk de la música country, eliminando el sonido decididamente rural que había hecho famoso a Williams. La industria de Nashville estaba reaccionando al ascenso del artista de rockabilly Elvis Presley comercializando artistas que cruzaban la división entre el country y el pop. [31] Chet Atkins , [32] jefe de la división de música country de RCA , hizo todo lo posible para innovar el sonido de Nashville al abandonar los elementos más ásperos del country, mientras que Owen Bradley utilizó técnicas de producción sofisticadas y una instrumentación suave que eventualmente se convirtió en estándar en el país. Nashville Sound, que también creció hasta incorporar cuerdas y coros vocales. [33] A principios de la década de 1960, muchos artistas y fanáticos más tradicionalistas percibían el sonido de Nashville como diluido, lo que resultó en una serie de escenas locales como el sonido de Lubbock y, de manera más influyente, el sonido de Bakersfield . [ cita necesaria ]
A lo largo de la década de 1950, el tipo de música country más popular fue el Nashville Sound, que era un estilo elegante y orientado al pop. Muchos músicos prefirieron un sonido más áspero, lo que llevó al desarrollo de Lubbock Sound y Bakersfield Sound . El Bakersfield Sound fue innovado en Bakersfield, California , a mediados y finales de la década de 1950, por artistas como Wynn Stewart , que utilizaban elementos del swing y el rock occidentales , como el breakbeat , junto con un estilo vocal honky tonk. [49] Le siguió una ola de artistas, entre ellos Buck Owens y Merle Haggard , quienes popularizaron el estilo. [ cita necesaria ]
La música soul es una combinación de R&B y gospel que comenzó a finales de la década de 1950 en Estados Unidos. La música soul se caracteriza por el uso de técnicas gospel con mayor énfasis en los vocalistas y el uso de temas seculares. Las grabaciones de la década de 1950 de Sam Cooke , Ray Charles , [34] y James Brown se consideran comúnmente los inicios de la música soul. Las primeras grabaciones de Solomon Burke para Atlantic Records codificaron el estilo y, como escribe Peter Guralnick, "fue sólo con la unión de Burke y Atlantic Records que se pudo ver algo parecido a un movimiento". [50]
Motown Record Corporation en Detroit, Michigan, tuvo éxito con una serie de discos de soul fuertemente influenciados por el pop, que eran lo suficientemente apetecibles para los oyentes blancos como para permitir que el R&B y el soul llegaran al público general. [35] Un importante centro de grabación de música soul fue Florence , Alabama, donde operaban los estudios FAME . Jimmy Hughes , Percy Sledge y Arthur Alexander grabaron en Fame; Más tarde, en la década de 1960, Aretha Franklin también grabaría en la zona. Fame Studios, a menudo denominado Muscle Shoals , en honor a una ciudad vecina a Florencia, disfrutaba de una estrecha relación con Stax, y muchos de los músicos y productores que trabajaron en Memphis también contribuyeron a las grabaciones realizadas en Alabama. [ cita necesaria ]
En Memphis, Stax Records produjo grabaciones de los pioneros del soul Otis Redding , Wilson Pickett , [36] y Don Covay . Otros artistas de Stax como Eddie Floyd y Johnnie Taylor también hicieron importantes contribuciones a la música soul. En 1968, el movimiento de la música soul había comenzado a fragmentarse, cuando James Brown y Sly & the Family Stone comenzaron a expandir y abstraer tanto el soul como el Rhythm and Blues en otras formas. Guralnick escribió que más "que cualquier otra cosa... lo que me parece que detuvo la era del soul de manera inquietante fue la muerte de Martin Luther King en abril de 1968". [51]
Entre los primeros de los principales géneros del nuevo rock de la década de 1960 se encontraba el surf , del que fue pionero el californiano Dick Dale . El surf era en gran medida rock instrumental y basado en guitarras con un sonido distorsionado y vibrante, y estaba asociado con la cultura juvenil basada en el surf del sur de California . Dale había trabajado con Leo Fender , desarrollando el " amplificador Showman y... la unidad de reverberación que daría a la música surf su sonido distintivamente difuso". [52]
Inspirados por el enfoque lírico del surf, si no por la base musical, The Beach Boys comenzaron su carrera en 1961 con una serie de éxitos como " Surfin' USA ". Su sonido no era instrumental ni basado en guitarras, sino que estaba lleno de "voces flotantes" ricas, densas e indudablemente especiales "(con) cuatro armonías tipo Freshman montadas sobre una carga propulsora y zumbadora". [53] El compositor de los Beach Boys, Brian Wilson, se volvió gradualmente más excéntrico, experimentando con nuevas técnicas de estudio a medida que se asociaba con la floreciente contracultura . [37]
La contracultura fue un movimiento juvenil que incluía activismo político, especialmente en oposición a la guerra de Vietnam, y la promoción de diversos ideales hippies . Los hippies estaban asociados principalmente con dos tipos de música: el folk-rock y el country rock de gente como Bob Dylan y Gram Parsons , y el rock psicodélico de bandas como Jefferson Airplane y The Doors . [38] Este movimiento estuvo muy estrechamente relacionado con la invasión británica , una ola de bandas del Reino Unido que se hizo popular durante gran parte de la década de 1960. La invasión británica inicialmente incluyó bandas como los Beatles , los Rolling Stones , [39] y The Zombies , a los que más tarde se unieron bandas como Moody Blues y The Who . [40] El sonido de estas bandas era rock duro, con los Beatles originalmente conocidos por canciones que se parecían a canciones clásicas de rock negro de Little Richard , Chuck Berry , Smokey Robinson , The Shirelles y Isley Brothers . [54] Más tarde, a medida que se desarrolló la contracultura, Los Beatles comenzaron a utilizar técnicas más avanzadas e instrumentos inusuales, como el sitar , así como letras más originales. [41]
El folk-rock se basó en el éxito esporádico de grupos como Kingston Trio y Almanac Singers , mientras que Woody Guthrie y Pete Seeger ayudaron a radicalizar políticamente la música folclórica blanca rural. [55] El popular músico Bob Dylan saltó a la fama a mediados de la década de 1960, fusionando folk con rock y haciendo que la naciente escena estuviera estrechamente conectada con el Movimiento por los Derechos Civiles . Le siguieron varias bandas de country rock como The Byrds y Flying Burrito Brothers y cantautores de orientación folk como Joan Baez y la canadiense Joni Mitchell . Sin embargo, a finales de la década, había poca conciencia política o social evidente en las letras de cantautores pop como James Taylor y Carole King , cuyas canciones escritas por ellos mismos eran profundamente personales y emocionales. [ cita necesaria ]
El rock psicodélico era un tipo de rock duro y potente basado en guitarras, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco, California. Aunque Jefferson Airplane fue la única banda psicodélica de San Francisco que tuvo un gran éxito nacional, con "Somebody to Love" y "White Rabbit" de 1967, Grateful Dead , una banda improvisada con sabor a folk, country y bluegrass , "encarnaba todos los elementos". de la escena de San Francisco y vino... a representar la contracultura para el resto del país"; Grateful Dead también se hizo conocido por introducir a la contracultura, y al resto del país, las ideas de personas como Timothy Leary , especialmente el uso de drogas alucinógenas, incluido el LSD , con fines espirituales y filosóficos. [56]
Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de los años 1960 y principios de los 1970, la música rock se diversificó. Lo que antes se conocía como rock and roll , un estilo de música razonablemente discreto, había evolucionado hasta convertirse en una categoría general llamada simplemente música rock , un término general que eventualmente incluiría diversos estilos como música heavy metal , punk rock y, a veces, incluso música hip hop. . Durante la década de 1970, sin embargo, la mayoría de estos estilos no formaban parte de la música convencional y estaban evolucionando en la escena musical underground. [ cita necesaria ]
A principios de la década de 1970 se produjo una ola de cantautores que se inspiraron en las letras introspectivas, profundamente emocionales y personales del folk-rock de la década de 1960. Entre ellos se encontraban James Taylor , Carole King y otros, todos conocidos tanto por su habilidad lírica como por sus interpretaciones. El mismo período vio el surgimiento de grupos de blues rock sureño y country rock como Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd . [57] En la década de 1970, se desarrolló el soft rock , una especie de forma de pop-rock simple, discreta y suave, ejemplificada por varias bandas como America y Bread , la mayoría de las cuales son poco recordadas hoy en día; muchos fueron maravillas de un solo éxito . [58] Además, bandas de rock de arena más duras como Chicago y Styx también obtuvieron un gran éxito. [ cita necesaria ]
A principios de la década de 1970 surgió un nuevo estilo de música country que era igualmente áspero y duro y que rápidamente se convirtió en la forma más popular de country. Se trataba de un estilo country fuera de la ley , un estilo que incluía a estrellas tan convencionales como Willie Nelson y Waylon Jennings . [59] Outlaw country estaba muy orientado al rock y tenía letras que se centraban en las travesuras criminales, especialmente relacionadas con las drogas y el alcohol, de sus intérpretes, quienes se dejaban el pelo largo, vestían mezclilla y cuero y parecían hippies en contraste con los cantantes de country limpios que impulsaban el sonido de Nashville. [60]
A mediados de la década de 1970, la música disco , una forma de música de baile, se estaba volviendo popular y evolucionó desde los clubes de baile clandestinos hasta la corriente principal de Estados Unidos. El disco alcanzó su cenit tras el estreno de Saturday Night Fever y el fenómeno que rodeó a la película y la banda sonora de The Bee Gees . Sin embargo, el tiempo del disco fue corto y en 1980 pronto fue reemplazado por una serie de géneros que evolucionaron a partir de la escena del punk rock , como el new wave . Bruce Springsteen se convirtió en una estrella importante, primero a mediados y finales de los años 1970 y luego a lo largo de los años 1980, con letras densas e inescrutables y canciones himnos que resonaron en las clases media y baja. [61]
A principios de la década de 1970, la música soul estaba influenciada por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de la época inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a publicar declaraciones que abarcan álbumes con comentarios sociales contundentes. Artistas como James Brown llevaron el soul hacia una música más orientada al baile, que finalmente evolucionó hacia el funk . El funk se caracterizó por bandas de la década de 1970 como Parliament-Funkadelic , The Meters y el propio James Brown, mientras que grupos más versátiles como War , The Commodores y Earth, Wind and Fire también se hicieron populares. Durante la década de 1970, algunos grupos de soul de ojos azules muy hábiles y comerciales, como Hall & Oates de Filadelfia, lograron un gran éxito, así como una nueva generación de grupos de armonía callejera o city-soul como The Delfonics y Unifics de la Universidad de Howard . [ cita necesaria ]
A finales de la década de 1970, el soul, el funk, el rock y la mayoría de los otros géneros de Filadelfia estaban dominados por temas con inflexión disco. Durante este período, bandas de funk como The O'Jays y The Spinners continuaron produciendo éxitos. Después de la muerte de la música disco en 1980, la música soul sobrevivió por un corto tiempo antes de sufrir otra metamorfosis. Con la introducción de influencias de la música electro y el funk, la música soul se volvió menos cruda y más hábilmente producida, lo que dio como resultado un género musical que nuevamente se llamó R&B , generalmente distinguido del anterior R&B identificándolo como R&B contemporáneo . [ cita necesaria ]
En la década de 1960, el término Rhythm and Blues ya no se utilizaba ampliamente; en cambio, se utilizaron términos como música soul para describir la música popular de artistas negros. En la década de 1980, sin embargo, el ritmo y el blues volvieron a utilizarse, más a menudo en forma de R&B , un uso que ha continuado hasta el presente. El R&B contemporáneo surgió cuando cantantes sensuales de funk como Prince se hicieron muy populares, junto con estrellas del pop orientadas al baile como Michael Jackson y Madonna . [62]
A finales de la década de 1980, el pop-rock estaba formado en gran medida por bandas de glam metal amigas de la radio , que utilizaban imágenes derivadas del movimiento glam británico con letras y actitudes machistas, acompañadas de música hard rock y solos virtuosos de heavy metal. Las bandas de esta época incluían muchos grupos británicos como Def Leppard , así como bandas estadounidenses con influencias del heavy metal Mötley Crüe , Guns N' Roses , Bon Jovi y Van Halen . [63]
A mediados de la década de 1980 también la música gospel alcanzó su punto máximo de popularidad. Había evolucionado una nueva forma de gospel, llamada música cristiana contemporánea (CCM). CCM existía desde finales de la década de 1960 y consistía en un sonido pop/rock con letras ligeramente religiosas. CCM se había convertido en la forma más popular de gospel a mediados de la década de 1980, especialmente con artistas como Amy Grant , Michael W. Smith y Kathy Troccoli . Amy Grant fue la cantante de CCM y gospel más popular de la década de 1980 y, después de experimentar un éxito sin precedentes en CCM, pasó al pop convencional en las décadas de 1980 y 1990. Michael W. Smith también tuvo un éxito considerable en CCM antes de pasar también a una exitosa carrera en la música pop. Más tarde, Grant produciría el primer éxito pop número uno de CCM ("Baby Baby") y el álbum más vendido de CCM ( Heart in Motion ). [ cita necesaria ]
En la década de 1980, las listas de música country estaban dominadas por cantantes pop con influencias sólo tangenciales de la música country, una tendencia que ha continuado desde entonces. La década de 1980 vio un renacimiento del estilo country honky-tonk con el surgimiento de personas como Dwight Yoakam y los nuevos tradicionalistas Emmylou Harris y Ricky Skaggs , [64] así como el desarrollo de artistas country alternativos como Uncle Tupelo . Más tarde, artistas de country alternativo, como Ryan Adams y Wilco de Whiskeytown , encontraron cierto éxito en la corriente principal. [ cita necesaria ]
Durante la década de 1970, surgieron varios estilos diversos en marcado contraste con la música popular estadounidense dominante. Aunque estos géneros no eran muy populares en el sentido de vender muchos discos al público general, eran ejemplos de música popular , a diferencia de la música folk o clásica . A principios de la década de 1970, los afroamericanos y puertorriqueños en la ciudad de Nueva York desarrollaron la cultura hip hop , que produjo un estilo de música también llamado hip hop . Aproximadamente al mismo tiempo, los latinos, especialmente cubanos y puertorriqueños, en Nueva York también innovaron en la música salsa , que combinaba muchas formas de música latina con R&B y rock. Los géneros de punk rock y heavy metal estuvieron más estrechamente asociados con el Reino Unido en la década de 1970, mientras que varios derivados estadounidenses evolucionaron más adelante en la década y en la década de 1980. Mientras tanto, Detroit desarrolló lentamente una serie de géneros de música electrónica como el house y el techno que luego se convirtieron en una parte importante de la música popular en todo el mundo. [ cita necesaria ]
El hip hop es un movimiento cultural, del que forma parte la música, junto con el graffiti y el breakdance . La música se compone de dos partes, rap , la entrega de voces rápidas, muy rítmicas y líricas, y DJ, la producción de instrumentación ya sea a través de sampleo , instrumentación , turntablism o beatboxing . [65] El hip hop surgió a principios de la década de 1970 en el Bronx , Nueva York. El DJ inmigrante jamaicano Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; trajo consigo la práctica de brindar al ritmo de canciones populares. En Nueva York, DJ como Kool Herc ponía discos de canciones populares de funk, disco y rock. Los maestros de ceremonias surgieron originalmente para presentar las canciones y mantener a la multitud emocionada y bailando; Con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar los descansos de percusión (el clímax rítmico de las canciones), produciendo así un ritmo repetido sobre el que los maestros de ceremonias rapeaban. [ cita necesaria ]
El rap incluía saludos a amigos y enemigos, exhortaciones a bailar y alardes coloridos, a menudo humorísticos. A principios de la década de 1980, había canciones populares de hip-hop como " Rappers Delight " de Sugarhill Gang y algunas celebridades importantes de la escena, como LL Cool J y Kurtis Blow . Otros intérpretes experimentaron con letras politizadas y conciencia social, mientras que otros realizaron fusiones con jazz , heavy metal , techno , funk y soul . El hip hop comenzó a diversificarse a finales de los años 1980. Aparecieron nuevos estilos, como el hip hop alternativo y la fusión de jazz rap , estrechamente relacionada, de la que fueron pioneros raperos como De La Soul y Guru . Los equipos Public Enemy y NWA fueron los que más hicieron durante esta era para llevar el hip hop a la atención nacional; el primero lo hizo con letras incendiarias y con carga política, mientras que el segundo se convirtió en el primer ejemplo destacado de gangsta rap . [ cita necesaria ]
La música salsa es un ritmo diverso y predominantemente caribeño que es popular en muchos países latinoamericanos . La salsa incorpora múltiples estilos y variaciones; El término se puede utilizar para describir casi cualquier forma de géneros musicales populares derivados de Cuba (como chachachá y mambo ). Sin embargo, más específicamente, la salsa se refiere a un estilo particular desarrollado por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños de mediados de la década de 1970 en los Estados Unidos, y descendientes estilísticos como la salsa romántica de la década de 1980 . [66]
La música salsa siempre tiene un compás 4/4 . La música está redactada en grupos de dos compases, utilizando patrones rítmicos recurrentes y el comienzo de frases en el texto de la canción y los instrumentos. Normalmente, los patrones rítmicos que se tocan con la percusión son bastante complicados, a menudo con varios patrones diferentes tocados simultáneamente. El ritmo de clave es un elemento importante que forma la base de la salsa. Además de la percusión, se suele utilizar como acompañamiento una variedad de instrumentos melódicos, como la guitarra, trompetas, trombones, el piano y muchos otros, todo dependiendo de los artistas intérpretes. Las bandas suelen dividirse en secciones de trompeta y rítmica, dirigidas por uno o más cantantes ( soneros o salseros ). [67]
El punk era un tipo de música rock rebelde que comenzó en la década de 1970 como una reacción contra la música popular de la época, especialmente la disco , que era vista como insípida y sin inspiración. El punk se basó en bandas estadounidenses como Velvet Underground , The Stooges y New York Dolls . [68] El punk era ruidoso, agresivo y generalmente muy simple, y requería poca formación musical para tocar. Más adelante en la década, bandas británicas como Sex Pistols y The Clash disfrutaron de fama sustancial en casa y, en menor grado, en Estados Unidos. Las bandas estadounidenses en el campo incluyeron a los más famosos The Ramones , así como grupos como Talking Heads que tocaban un tipo de música más artística que estaba estrechamente asociada con el punk antes de evolucionar finalmente hacia el pop- new wave . [69] Otros actos importantes incluyen Blondie , Patti Smith y Television . La mayoría de estas bandas comenzaron en lo que se considera la "zona cero" [42] del punk rock, un club llamado CBGB. El pequeño club de Nueva York organizó un festival en 1975 que mostró las "40 mejores bandas de rock no grabadas". Entre estas bandas se encontraban los ya mencionados The Ramones , Sex Pistols , Blondie y similares. [ cita necesaria ]
El hardcore punk fue la respuesta de los jóvenes estadounidenses a la explosión mundial del punk rock de finales de los años 1970. El hardcore despojó al punk rock y a la New Wave de sus tendencias a veces elitistas y artísticas, lo que dio como resultado canciones cortas, rápidas e intensas que hablaban a la juventud descontenta. El hardcore explotó en las metrópolis estadounidenses de Los Ángeles, Washington, DC, Nueva York y Boston y la mayoría de las ciudades estadounidenses tenían sus propias escenas locales a finales de los años 1980. [70]
El rock alternativo es un grupo diverso de bandas de rock que en Estados Unidos se desarrollaron en gran medida a partir de la escena hardcore de la década de 1980 en marcada oposición a la escena musical convencional. Los subgéneros del rock alternativo que se desarrollaron durante la década incluyen el rock independiente , el rock gótico , el noise rock , el grunge y el rock universitario . La mayoría de las bandas alternativas estaban unidas por su deuda colectiva con el punk, que sentó las bases para la música underground y alternativa en los años 1970. Aunque se considera que el género es rock, algunos estilos fueron influenciados por el folk, el reggae y el jazz estadounidenses. Al igual que el punk y el hardcore, el rock alternativo tuvo poco éxito en Estados Unidos en la década de 1980, pero a través del establecimiento de una escena indie a través de giras, radios universitarias , fanzines y el boca a boca, las bandas alternativas sentaron las bases para el avance del rock alternativo. el género en la conciencia pública estadounidense en la próxima década. [ cita necesaria ]
El heavy metal es una forma de música caracterizada por ritmos agresivos y potentes y guitarras distorsionadas altamente amplificadas, generalmente con letras grandiosas e instrumentación virtuosa. El heavy metal es una evolución del blues, el blues rock , el rock y el rock progresivo. Sus orígenes se encuentran en las bandas británicas de hard rock que entre 1967 y 1974 tomaron el blues y el rock y crearon un híbrido con un sonido pesado centrado en la guitarra y la batería. La mayoría de los pioneros en este campo, como Black Sabbath , eran ingleses, aunque muchos se inspiraron en artistas estadounidenses como Blue Cheer y Jimi Hendrix . [ cita necesaria ]
A principios de la década de 1970, comenzaron a aparecer las primeras grandes bandas estadounidenses, como Blue Öyster Cult y Aerosmith , y músicos como Eddie Van Halen comenzaron su carrera. Sin embargo, el heavy metal siguió siendo un fenómeno en gran medida clandestino. Durante la década de 1980, una forma de hard rock basada en el pop, con un espíritu de fiesta y una estética visual influenciada por el glam (a veces denominada "hair metal") dominó las listas musicales, encabezadas por superestrellas como Poison , Bon Jovi , Mötley Crüe y Ratt . El debut en 1987 de Guns N' Roses , una banda de hard rock cuya imagen reflejaba la parte más vulnerable de Sunset Strip, fue al menos en parte una reacción contra la imagen excesivamente pulida del hair metal, pero el gran éxito de esa banda fue en muchos sentidos el último suspiro de la escena del hard rock y el metal. A mediados de la década de 1980, cuando el término "heavy metal" se convirtió en objeto de mucha controversia, el estilo se había diversificado en tantas direcciones diferentes que los fans, las compañías discográficas y los fanzines crearon nuevas clasificaciones, aunque a veces las diferencias entre varios Los subgéneros no estaban claros, ni siquiera para los artistas que supuestamente pertenecían a un estilo determinado. El más notable de los subgéneros del metal de la década de 1980 en los Estados Unidos fue el estilo rápido y agresivo thrash metal , del que fueron pioneros bandas como Anthrax , Megadeth , Metallica y Slayer . [ cita necesaria ]
Quizás el cambio más importante ocurrido en la década de 1990 en la música popular estadounidense fue el ascenso del rock alternativo a través de la popularidad del grunge . Anteriormente se trataba de una agrupación de géneros explícitamente anti-mainstream que saltó a la fama a principios de los años 1990. El género en sus primeras etapas estuvo situado en gran medida en Sub Pop Records , una compañía fundada por Bruce Pavitt y John Poneman. Las bandas de grunge importantes que firmaron con el sello fueron Green River (la mitad de los miembros de esta banda se convertirían más tarde en miembros fundadores de Pearl Jam ), Sonic Youth (aunque no eran una banda de grunge, fueron influyentes en las bandas de grunge y de hecho fue por la insistencia de Kim Gordon que la David Geffen Company firmó Nirvana ) y Nirvana. El grunge es un subgénero de rock alternativo con un sonido "oscuro y melancólico a base de guitarra", [71] que se basa en heavy metal, punk y elementos de bandas como Sonic Youth y su uso de "afinaciones no convencionales para doblar por completo canciones pop que de otro modo serían estándar". fuera de forma." [72] Con la adición de un "elemento melódico y beatlesco" al sonido de bandas como Nirvana, el grunge se volvió tremendamente popular en todo Estados Unidos. [73] El grunge tuvo éxito comercial a principios de la década de 1990, alcanzando su punto máximo entre 1991 y 1994. Bandas de ciudades del noroeste del Pacífico de EE. UU., especialmente Seattle , Washington, fueron responsables de crear el grunge y luego lo hicieron popular entre el público general. La supuesta Generación X , que acababa de llegar a la edad adulta cuando la popularidad del grunge alcanzó su punto máximo, estaba estrechamente asociada con el grunge, el sonido que ayudó a "definir la desesperación de (esa) generación". [74] Bandas como Foo Fighters y Creed se convirtieron en una forma de rock alternativo conocida como post-grunge, popular porque era compatible con la radio a diferencia de las bandas grunge que las influenciaban musicalmente. Bandas de pop punk como Green Day y Blink 182 también ganaron popularidad. En la segunda mitad de la década de 1990 surgió el nu metal con bandas como Linkin Park , Korn , Limp Bizkit y Slipknot . La cultura independiente dormitaba en las escenas underground con nuevos géneros como el lo-fi ( Beck , Sparklehorse , Guided By Voices ), el math rock ( Slint , Shellac) .) y post-rock ( Explosiones en el cielo , Tortuga ). El emocore y el post-hardcore se hicieron más conocidos con bandas como At the Drive-In y Fugazi . [ cita necesaria ]
El gangsta rap es una especie de hip hop, caracterizado principalmente por un enfoque lírico en la sexualidad machista, el físico y una imagen criminal peligrosa. Aunque los orígenes del gangsta rap se remontan a los raps de mediados de la década de 1980 de Schoolly D de Filadelfia y Ice-T de la costa oeste , generalmente se dice que el estilo comenzó en el área de Los Ángeles y Oakland, donde Too Short , NWA y otros encontraron su fama. Esta escena del rap de la costa oeste generó el sonido G-funk de principios de la década de 1990 , que combinaba letras de gangsta rap con un tono denso y confuso, a menudo basándose en muestras del P-funk de la década de 1970 ; Los defensores más conocidos de este sonido fueron los raperos innovadores Dr. Dre y Snoop Doggy Dogg . [ cita necesaria ]
A finales de la década de 1990 y principios de la de 2000, la música pop consistía principalmente en una combinación de pop-hip hop y pop con tintes de R&B, incluidas varias bandas de chicos. Cantantes femeninas notables también consolidaron su estatus en la música popular estadounidense y mundial, como Beyoncé (con su carrera en solitario y como cantante principal de Destiny's Child ), Britney Spears , Christina Aguilera , Katy Perry , Lady Gaga y Taylor Swift . También fue notable la influencia de los productores de hip-hop en la música popular a mediados de finales de la década de 2000, quienes imitaron los sonidos que se escucharon por primera vez en Confessions de Usher y Loose de Nelly Furtado en la radio popular con los artistas Madonna , Akon y Lady Gaga . Desde finales de la década de 2000 hasta principios de la de 2010, la música pop comenzó a estar fuertemente influenciada por la escena de la música electrónica de baile europea, arraigándose entre el público universitario a través de productores como David Guetta , Calvin Harris , Swedish House Mafia y Skrillex . [ cita necesaria ]
La combinación de hip hop y pop también comenzó a dominar la década de 2000 y principios de 2010. A principios de la década de 2010, artistas destacados como Bruno Mars , Drake , Lil Wayne , 2 Chainz , Kendrick Lamar , Machine Gun Kelly y Macklemore comenzaron a dominar la escena musical convencional. [ cita necesaria ]
El sonido predominante en la música country de los noventa fue el pop con elementos muy limitados de country. Esto incluye a muchos de los artistas más vendidos de la década de 1990, como Clint Black , Shania Twain , Faith Hill y la primera de estas estrellas cruzadas, Garth Brooks . [75]
Por otro lado, se produjo un resurgimiento de la guitarra y surgió una nueva generación de bandas de guitarras alternativas a menudo descritas como resurgimiento del post-punk o resurgimiento del garage rock . Las bandas estadounidenses más destacadas de esta generación son White Stripes , The Strokes y The Killers .
La música popular estadounidense se ha vuelto extremadamente popular a nivel internacional. El rock, el pop, el hip hop, el jazz, el country y otros estilos tienen seguidores en todo el mundo. La combinación de partes de música popular internacional y estadounidense se intentó entre mediados de los años sesenta y mediados de los setenta. Sin embargo, los resultados de la síntesis fueron en su mayor parte infructuosos. [43] Andy Kershaw , DJ de la radio de la BBC , por ejemplo, ha señalado que la música country es popular en prácticamente todo el mundo. [76] De hecho, de "todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial... (la música popular estadounidense) ha sido tomada (más) en serio por el mundo entero". [77] Otros estilos de música popular estadounidense también han tenido un efecto formativo a nivel internacional, incluido el funk, la base del afrobeat de África occidental , el R&B, una fuente importante del reggae jamaicano y el rock, que ha influido profundamente en casi todos los géneros de música popular en todo el mundo. . El rock, el country, el jazz y el hip hop se han convertido en una parte arraigada de muchos países, dando lugar a variedades locales como la música country australiana , el Bongo Flava de Tanzania y el rock ruso . [ cita necesaria ]
El rock ha tenido una influencia formativa en la música popular, que tuvo el efecto de transformar "el concepto mismo de lo que es la música popular". [78] mientras que Charlie Gillett ha argumentado que el rock and roll "fue el primer género popular en incorporar el pulso implacable y el volumen puro de la vida urbana en la música misma". [79]
Los impactos sociales de la música popular estadounidense se han sentido tanto dentro de Estados Unidos como en el extranjero. Desde las extravagancias de finales del siglo XIX, la música popular estadounidense ha sido criticada por ser demasiado excitante sexualmente y por alentar la violencia, el abuso de drogas y el comportamiento en general inmoral. [ cita necesaria ]