La población multiétnica de los Estados Unidos se refleja en una amplia variedad de estilos musicales . Es una mezcla de música influenciada por la música de Europa , los pueblos indígenas , África occidental , América Latina , Oriente Medio , África del Norte , entre muchos otros lugares. Los géneros musicales más reconocidos a nivel internacional son el pop tradicional , el jazz , el blues , el country , el bluegrass , el rock , el rock and roll , el R&B , el pop , el hip-hop/rap , el soul , el funk , el reggae , el disco , el house , el techno , el ragtime , el doo-wop , el folk , la americana , el boogaloo , el tejano , el surf y la salsa , entre muchos otros. La música estadounidense se escucha en todo el mundo. Desde principios del siglo XX, algunas formas de música popular estadounidense han ganado una audiencia casi global. [1]
Los nativos americanos fueron los primeros habitantes de la tierra que hoy se conoce como Estados Unidos y tocaron su primera música. A principios del siglo XVII, los colonos del Reino Unido, Irlanda, España, Alemania y Francia comenzaron a llegar en grandes cantidades, trayendo consigo nuevos estilos e instrumentos. Los esclavos de África occidental trajeron sus tradiciones musicales, y cada ola posterior de inmigrantes contribuyó a un crisol de culturas .
También hay algunas influencias afroamericanas en la tradición musical de los colonos euroamericanos, como el jazz, el blues, el rock, el country y el bluegrass. En Estados Unidos también se ha documentado música folclórica y se han grabado grabaciones de música popular en los estilos étnicos de las comunidades ucraniana , irlandesa , escocesa , polaca , hispana y judía , entre otras.
Muchas ciudades y pueblos estadounidenses tienen escenas musicales vibrantes que, a su vez, respaldan una serie de estilos musicales regionales. Los centros musicales de todo el país han producido y contribuido a los muchos estilos distintivos de la música estadounidense. Las tradiciones cajún y criolla de la música de Luisiana , los estilos folclóricos y populares de la música hawaiana y el bluegrass y la música antigua de los estados del sudeste son algunos ejemplos de la diversidad de la música estadounidense.
La música de los Estados Unidos se puede caracterizar por el uso de la síncopa y los ritmos asimétricos, melodías largas e irregulares , que se dice que "reflejan la geografía abierta del (paisaje americano)" y el "sentido de libertad personal característico de la vida americana". [2] Algunos aspectos distintivos de la música americana, como el formato de llamada y respuesta , se derivan de técnicas e instrumentos africanos.
A lo largo de la última parte de la historia de Estados Unidos y hasta los tiempos modernos, la relación entre la música estadounidense y europea ha sido un tema de debate entre los estudiosos de la música estadounidense. Algunos han instado a la adopción de técnicas y estilos más puramente europeos, que a veces se perciben como más refinados o elegantes, mientras que otros han impulsado un sentido de nacionalismo musical que celebra los estilos distintivamente estadounidenses. El erudito en música clásica moderna John Warthen Struble ha contrastado la música estadounidense con la europea, concluyendo que la música de los Estados Unidos es inherentemente distinta porque Estados Unidos no ha tenido siglos de evolución musical como nación. En cambio, la música de los Estados Unidos es la de docenas o cientos de grupos indígenas e inmigrantes, todos los cuales se desarrollaron en gran medida en aislamiento regional hasta la Guerra Civil estadounidense , cuando personas de todo el país se reunieron en unidades del ejército, intercambiando estilos y prácticas musicales. Struble consideró las baladas de la Guerra Civil "la primera música folclórica estadounidense con características discernibles que pueden considerarse exclusivas de Estados Unidos: la primera música con sonido 'estadounidense', distinta de cualquier estilo regional derivado de otro país". [3]
La Guerra Civil y el período posterior vieron un florecimiento general del arte , la literatura y la música estadounidenses. Los conjuntos musicales amateurs de esta época pueden considerarse el nacimiento de la música popular estadounidense. El autor musical David Ewen describe a estas primeras bandas amateurs como una combinación de "la profundidad y el dramatismo de los clásicos con una técnica poco exigente, evitando la complejidad a favor de la expresión directa. Si fuera música vocal, las palabras estarían en inglés, a pesar de los snobs que declaraban que el inglés era un idioma imposible de cantar. En cierto modo, fue parte de todo el despertar de Estados Unidos que ocurrió después de la Guerra Civil, una época en la que los pintores, escritores y compositores "serios" estadounidenses abordaron temas específicamente estadounidenses". [4] Durante este período, tomaron forma las raíces del blues, el gospel, el jazz y la música country; en el siglo XX, estos se convirtieron en el núcleo de la música popular estadounidense, que luego evolucionó hacia estilos como el rhythm and blues, el rock and roll y el hip hop.
La música se entrelaza con aspectos de la identidad social y cultural estadounidense, incluyendo la clase social , la raza y la etnicidad , la geografía , la religión , el idioma , el género y la sexualidad . La relación entre la música y la raza es quizás el determinante más potente del significado musical en los Estados Unidos. El desarrollo de una identidad musical afroamericana , a partir de fuentes dispares de África y Europa, ha sido un tema constante en la historia de la música de los Estados Unidos . Existe poca documentación de la música afroamericana de la era colonial , cuando los estilos, canciones e instrumentos de todo África occidental se mezclaron con estilos e instrumentos europeos, lo que llevó a la creación de nuevos géneros y la autoexpresión de las personas esclavizadas. A mediados del siglo XIX, una tradición folclórica distintivamente afroamericana era bien conocida y extendida, y las técnicas, instrumentos e imágenes musicales afroamericanas se convirtieron en parte de la música estadounidense dominante a través de espirituales , espectáculos de juglares y canciones de esclavos. [5] Los estilos musicales afroamericanos se convirtieron en una parte integral de la música popular estadounidense a través del blues , el jazz , el rhythm and blues , y luego el rock and roll , el soul y el hip hop ; todos estos estilos fueron consumidos por estadounidenses de todas las razas, pero se crearon en estilos e idiomas afroamericanos antes de finalmente volverse comunes en la interpretación y el consumo a través de líneas raciales. Por el contrario, la música country deriva tanto de tradiciones africanas y europeas, como de nativos americanos y hawaianos, y durante mucho tiempo se ha percibido como una forma de música blanca . [6]
Las clases económicas y sociales separan la música estadounidense a través de la creación y el consumo de música, como el mecenazgo de la clase alta de los asistentes a las sinfónicas y los intérpretes generalmente pobres de música folclórica rural y étnica. Sin embargo, las divisiones musicales basadas en la clase no son absolutas y, a veces, se perciben como reales; [7] la música country popular estadounidense, por ejemplo, es un género comercial diseñado para "apelar a una identidad de clase trabajadora, independientemente de si sus oyentes son o no de clase trabajadora". [8] La música country también está entrelazada con la identidad geográfica y es específicamente rural en su origen y función; otros géneros, como el R&B y el hip hop, se perciben como inherentemente urbanos. [9] Durante gran parte de la historia estadounidense, hacer música ha sido una "actividad feminizada". [10] En el siglo XIX, el piano amateur y el canto se consideraban apropiados para las mujeres de clase media y alta. Las mujeres también fueron una parte importante de la interpretación de la música popular temprana, aunque las tradiciones grabadas rápidamente se volvieron más dominadas por los hombres. La mayoría de los géneros de música popular dominados por hombres también incluyen intérpretes femeninas, a menudo en un nicho que atrae principalmente a las mujeres; estos incluyen el gangsta rap y el heavy metal . [11]
A menudo se dice que Estados Unidos es un crisol cultural , que absorbe influencias de todo el mundo y crea métodos de expresión cultural distintivamente nuevos. Aunque se pueden rastrear algunos aspectos de la música estadounidense hasta sus orígenes específicos, reivindicar una cultura original particular para un elemento musical es inherentemente problemático, debido a la constante evolución de la música estadounidense mediante el trasplante y la hibridación de técnicas, instrumentos y géneros. Los elementos de músicas extranjeras llegaron a Estados Unidos tanto a través del patrocinio formal de eventos educativos y de divulgación por parte de individuos y grupos, como a través de procesos informales, como en el trasplante incidental de música de África occidental a través de la esclavitud y de música irlandesa a través de la inmigración. Las músicas más distintivamente estadounidenses son el resultado de la hibridación intercultural a través del contacto cercano. La esclavitud, por ejemplo, mezcló a personas de numerosas tribus en espacios habitables reducidos, lo que dio como resultado una tradición musical compartida que se enriqueció a través de una mayor hibridación con elementos de la música indígena, latina y europea. [12] La diversidad étnica, religiosa y racial estadounidense también ha producido géneros entremezclados como la música francoafricana de los criollos de Luisiana , la música tejana de fusión nativa, mexicana y europea, y la guitarra slack-key completamente híbrida y otros estilos de música hawaiana moderna .
El proceso de trasplante de música entre culturas no está exento de críticas. El resurgimiento del folk de mediados del siglo XX, por ejemplo, se apropió de las músicas de varios pueblos rurales, en parte para promover ciertas causas políticas, lo que ha hecho que algunos se pregunten si el proceso causó la "mercantilización comercial de las canciones de otros pueblos... y la inevitable dilución de la media" en las músicas apropiadas. El uso de técnicas, imágenes y conceptos musicales afroamericanos en la música popular, en gran parte por y para estadounidenses blancos, ha sido generalizado desde al menos las canciones de mediados del siglo XIX de Stephen Foster y el auge de los espectáculos de juglares . La industria musical estadounidense ha intentado activamente popularizar a los intérpretes blancos de música afroamericana porque son más aceptables para los estadounidenses comunes y de clase media. [ cita requerida ] Este proceso se ha relacionado con el ascenso de estrellas tan variadas como Benny Goodman , Eminem y Elvis Presley , así como estilos populares como el blue-eyed soul y el rockabilly . [ 12 ]
La música folclórica en los Estados Unidos varía según los numerosos grupos étnicos del país. Cada tribu nativa americana toca su propia variedad de música folclórica, la mayoría de naturaleza espiritual. La música afroamericana incluye el blues y el gospel , descendientes de la música de África occidental traída a las Américas por los esclavos y mezclada con la música de Europa occidental. Durante la era colonial, se trajeron a las Américas estilos e instrumentos ingleses , franceses y españoles . A principios del siglo XX, Estados Unidos se había convertido en un importante centro de música folclórica de todo el mundo, incluida la polca , el violín ucraniano y polaco , el asquenazí , el klezmer y varios tipos de música latina .
Los nativos americanos tocaron la primera música folclórica en lo que ahora es Estados Unidos, utilizando una amplia variedad de estilos y técnicas. Sin embargo, algunas similitudes son casi universales entre la música tradicional de los nativos americanos, especialmente la falta de armonía y polifonía , y el uso de vocablos y figuras melódicas descendentes. Las instrumentaciones tradicionales utilizan la flauta y muchos tipos de instrumentos de percusión , como tambores , sonajeros y maracas . [13] Desde que se estableció el contacto europeo y africano, la música folclórica de los nativos americanos ha crecido en nuevas direcciones, en fusiones con estilos dispares como las danzas folclóricas europeas y la música tejana . La música nativa americana moderna puede ser mejor conocida por los pow wows , reuniones pan-tribales en las que se interpretan danzas y música de estilo tradicional. [14]
Las Trece Colonias de los Estados Unidos originales eran todas antiguas posesiones inglesas, y la cultura anglosajona se convirtió en una base importante para la música folclórica y popular estadounidense. Muchas canciones folclóricas estadounidenses son idénticas a las canciones británicas en arreglos, pero con nuevas letras, a menudo como parodias del material original. Las canciones anglosajonas estadounidenses también se caracterizan por tener menos melodías pentatónicas , un acompañamiento menos prominente (pero con un uso más intenso de drones ) y más melodías en mayor. [15] La música tradicional anglosajona también incluye una variedad de baladas de panfleto , historias humorísticas y cuentos fantásticos , y canciones de desastres sobre minería, naufragios y asesinatos. Héroes legendarios como Joe Magarac , John Henry y Jesse James son parte de muchas canciones. Las danzas folclóricas de origen británico incluyen el baile cuadrado , descendiente de la cuadrilla , combinado con la innovación estadounidense de un llamador que instruye a los bailarines. [16] La sociedad religiosa comunitaria conocida como los Shakers emigró de Inglaterra durante el siglo XVIII y desarrolló su propio estilo de danza folclórica. Sus primeras canciones se remontan a los modelos de canciones populares británicas. [17] Otras sociedades religiosas establecieron sus propias culturas musicales únicas a principios de la historia estadounidense, como la música de los Amish , la Sociedad de la Armonía y el Claustro Ephrata en Pensilvania. [18]
Los antepasados de la población afroamericana actual fueron traídos a los Estados Unidos como esclavos, trabajando principalmente en las plantaciones del sur. Procedían de cientos de tribus de África occidental y trajeron consigo ciertos rasgos de la música de África occidental, como las voces de llamada y respuesta y la música de ritmo complejo, [19] así como ritmos sincopados y acentos cambiantes. [20] El enfoque musical africano en el canto y el baile rítmicos fue llevado al Nuevo Mundo, donde se convirtió en parte de una cultura folclórica distintiva que ayudó a los africanos a "mantener la continuidad con su pasado a través de la música". Los primeros esclavos en los Estados Unidos cantaban canciones de trabajo , gritos de campo [21] y, después de la cristianización, himnos . En el siglo XIX, un Gran Despertar del fervor religioso se apoderó de la gente de todo el país, especialmente en el sur. Los himnos protestantes escritos principalmente por predicadores de Nueva Inglaterra se convirtieron en una característica de las reuniones de campamento celebradas entre cristianos devotos en todo el sur. Cuando los negros comenzaron a cantar versiones adaptadas de estos himnos, se los llamó espirituales negros . Fue a partir de estas raíces, de canciones espirituales, canciones de trabajo y gritos de campo, que se desarrollaron el blues, el jazz y el gospel.
Los espirituales eran principalmente expresiones de fe religiosa, cantadas por esclavos en las plantaciones del sur. [22] A mediados y fines del siglo XIX, los espirituales se extendieron fuera del sur de los EE. UU. En 1871, la Universidad Fisk se convirtió en la sede de los Fisk Jubilee Singers , un grupo pionero que popularizó los espirituales en todo el país. A imitación de este grupo, surgieron los cuartetos de gospel, seguidos de una creciente diversificación con el surgimiento a principios del siglo XX de los predicadores cantantes y de los jackleg, de donde surgió el estilo popular de música gospel .
El blues es una combinación de canciones africanas de trabajo, gritos de campo y alaridos. [23] Se desarrolló en el sur rural en la primera década del siglo XX. Las características más importantes del blues son su uso de la escala azul , con una tercera bemol o indeterminada, así como las letras típicamente lamentables; aunque ambos elementos habían existido en la música folclórica afroamericana antes del siglo XX, la forma codificada del blues moderno (como con la estructura AAB) no existió hasta principios del siglo XX. [24]
Estados Unidos es un crisol de culturas compuesto por numerosos grupos étnicos. Muchos de estos pueblos han mantenido vivas las tradiciones folclóricas de su patria, a menudo produciendo estilos distintivamente estadounidenses de música extranjera. Algunas nacionalidades han producido escenas locales en regiones del país donde se han agrupado, como la música caboverdiana en Nueva Inglaterra , [25] la música armenia en California , [26] y la música italiana y ucraniana en la ciudad de Nueva York. [27]
Los criollos son una comunidad con una variada ascendencia no anglosajona, en su mayoría descendientes de personas que vivían en Luisiana antes de su compra por parte de los EE. UU. Los cajunes son un grupo de francófonos que llegaron a Luisiana después de dejar Acadia en Canadá. [28] La ciudad de Nueva Orleans, Luisiana , al ser un puerto importante, ha actuado como un crisol de personas de toda la cuenca del Caribe. El resultado es un conjunto diverso y sincrético de estilos de música cajún y música criolla .
España y posteriormente México controlaron gran parte de lo que hoy es el oeste de los Estados Unidos hasta la Guerra México-Estadounidense , incluido todo el estado de Texas. Después de que Texas se uniera a los Estados Unidos, los tejanos nativos que vivían en el estado comenzaron a desarrollarse culturalmente por separado de sus vecinos del sur y se mantuvieron culturalmente distintos de otros tejanos. Un elemento central de la evolución de la música tejana temprana fue la mezcla de formas tradicionales mexicanas como el mariachi y el corrido , y estilos de Europa continental introducidos por colonos alemanes y checos a fines del siglo XIX. [29] En particular, el acordeón fue adoptado por músicos folclóricos tejanos a principios del siglo XX y se convirtió en un instrumento popular para músicos aficionados en Texas y el norte de México.
La música clásica llegó a los Estados Unidos con algunos de los primeros colonos. La música clásica europea tiene sus raíces en las tradiciones del arte europeo, la música eclesiástica y de concierto. Las normas centrales de esta tradición se desarrollaron entre 1550 y 1825, centrándose en lo que se conoce como el período de práctica común . Muchos compositores clásicos estadounidenses intentaron trabajar completamente dentro de los modelos europeos hasta finales del siglo XIX. Cuando Antonín Dvořák , un destacado compositor checo, visitó los Estados Unidos de 1892 a 1895, reiteró la idea de que la música clásica estadounidense necesitaba sus propios modelos en lugar de imitar a los compositores europeos; ayudó a inspirar a los compositores posteriores a hacer un estilo distintivamente estadounidense de música clásica. [30] A principios del siglo XX, muchos compositores estadounidenses incorporaban elementos dispares en su trabajo, que iban desde el jazz y el blues hasta la música nativa americana.
Durante la época colonial, había dos campos distintos de lo que hoy se considera música clásica. Uno estaba asociado con compositores y pedagogos aficionados, cuyo estilo se basaba originalmente en himnos sencillos y se fue sofisticando con el tiempo. La otra tradición colonial era la de las ciudades del Atlántico medio, como Filadelfia y Baltimore, que produjeron una serie de compositores destacados que trabajaron casi exclusivamente dentro del modelo europeo; estos compositores eran en su mayoría de origen inglés y trabajaban específicamente en el estilo de los compositores ingleses destacados de la época. [31]
La música clásica llegó a los Estados Unidos durante la era colonial. Muchos compositores estadounidenses de este período trabajaron exclusivamente con modelos europeos, mientras que otros, como Supply Belcher y Justin Morgan , también conocidos como la Primera Escuela de Nueva Inglaterra , desarrollaron un estilo casi completamente independiente de los modelos europeos. [32] Entre los primeros compositores del país se encontraba William Billings , quien, nacido en Boston, compuso himnos patrióticos en la década de 1770; [33] también fue influyente "como fundador del coro de la iglesia estadounidense, como el primer músico en usar un diapasón y como el primero en introducir un violonchelo en el servicio religioso". [34] Muchos de estos compositores eran cantantes aficionados que desarrollaron nuevas formas de música sacra adecuadas para la interpretación por aficionados y, a menudo, utilizaban métodos armónicos que habrían sido considerados extraños según los estándares europeos contemporáneos. [35] Los estilos de estos compositores no se vieron afectados por "la influencia de sus sofisticados contemporáneos europeos", utilizando escalas o melodías modales o pentatónicas y evitando las reglas europeas de armonía. [36]
A principios del siglo XIX, Estados Unidos produjo diversos compositores, como Anthony Heinrich , que compuso en un estilo idiosincrásico, intencionalmente estadounidense, y fue el primer compositor estadounidense en escribir para una orquesta sinfónica. Muchos otros compositores, entre los que destacan William Henry Fry y George Frederick Bristow , apoyaron la idea de un estilo clásico estadounidense, aunque sus obras tenían una orientación muy europea. Sin embargo, fue John Knowles Paine quien se convirtió en el primer compositor estadounidense en ser aceptado en Europa. El ejemplo de Paine inspiró a los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra , que incluía figuras como Amy Beach , Edward MacDowell y Horatio Parker . [37]
Louis Moreau Gottschalk es quizás el compositor estadounidense más recordado del siglo XIX. Según el historiador musical Richard Crawford, era conocido por "incorporar temas y ritmos indígenas o folclóricos a la música para las salas de conciertos". La música de Gottschalk reflejaba la mezcla cultural de su ciudad natal, Nueva Orleans, Luisiana, que era el hogar de una variedad de música latina, caribeña, afroamericana, cajún y criolla. Fue reconocido como un pianista talentoso en vida y también fue un compositor conocido que sigue siendo admirado aunque se lo interprete poco. [38]
La escena musical clásica de Nueva York incluyó a Charles Griffes , originario de Elmira, Nueva York , quien comenzó a publicar su material más innovador en 1914. Sus primeras colaboraciones fueron intentos de usar temas musicales no occidentales. El compositor neoyorquino más conocido fue George Gershwin . Gershwin fue un compositor de Tin Pan Alley y los teatros de Broadway , y sus obras estaban fuertemente influenciadas por el jazz , o más bien los precursores del jazz que existían durante su tiempo. El trabajo de Gershwin hizo que la música clásica estadounidense fuera más centrada y atrajo una cantidad inaudita de atención internacional. Después de Gershwin, el primer compositor importante fue Aaron Copland de Brooklyn, quien usó elementos de la música folclórica estadounidense, aunque siguió siendo europea en técnica y forma. Más tarde, se dedicó al ballet y luego a la música serial . [39] Charles Ives fue uno de los primeros compositores clásicos estadounidenses de importancia internacional duradera, produciendo música en un estilo exclusivamente estadounidense, aunque su música fue en su mayoría desconocida hasta después de su muerte en 1954.
Muchos de los compositores de finales del siglo XX, como John Cage , John Corigliano , Terry Riley , Steve Reich , John Adams y Miguel del Águila , utilizaron técnicas modernistas y minimalistas . Reich descubrió una técnica conocida como phasing , en la que dos actividades musicales comienzan simultáneamente y se repiten, desfasándose gradualmente, creando una sensación natural de desarrollo. Reich también estaba muy interesado en la música no occidental, incorporando técnicas rítmicas africanas en sus composiciones. [40] Los compositores e intérpretes recientes están fuertemente influenciados por las obras minimalistas de Philip Glass , un nativo de Baltimore afincado en Nueva York, Meredith Monk y otros. [41]
Estados Unidos ha producido muchos músicos y compositores populares en el mundo moderno. A partir del nacimiento de la música grabada, los intérpretes estadounidenses han seguido liderando el campo de la música popular, que de "todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial... ha sido tomada en serio por el mundo entero". [42] [43] La mayoría de las historias de la música popular comienzan con el ragtime estadounidense o Tin Pan Alley ; otros, sin embargo, rastrean la música popular hasta el Renacimiento y a través de periódicos , baladas y otras tradiciones populares. [44] Otros autores suelen analizar las partituras populares, rastreando la música popular estadounidense hasta los espirituales , los espectáculos de juglares , el vodevil y las canciones patrióticas de la Guerra Civil.
Las canciones patrióticas laicas de la Revolución estadounidense constituyeron el primer tipo de música popular convencional. Entre ellas se encontraba "The Liberty Tree" de Thomas Paine . Impresas a bajo precio en periódicos de gran formato , las primeras canciones patrióticas se difundieron por las colonias y se interpretaban en los hogares y en reuniones públicas. [45] Las canciones de pífano fueron especialmente celebradas y se interpretaron en los campos de batalla durante la Revolución estadounidense. La más duradera de estas canciones de pífano es " Yankee Doodle ", todavía muy conocida en la actualidad. La melodía se remonta a 1755 y fue cantada tanto por tropas estadounidenses como británicas. [46] Las canciones patrióticas se basaban principalmente en melodías inglesas, con nuevas letras añadidas para denunciar el colonialismo británico; otras, sin embargo, usaban melodías de Irlanda, Escocia o de otros lugares, o no utilizaban una melodía familiar. La canción " Hail, Columbia " fue una obra importante [47] que siguió siendo un himno nacional no oficial hasta la adopción de " The Star-Spangled Banner ". Gran parte de esta música estadounidense temprana aún sobrevive en Sacred Harp . Aunque relativamente desconocida fuera de las comunidades Shaker, Simple Gifts fue escrita en 1848 por el élder Joseph Brackett y desde entonces la melodía se ha vuelto internacionalmente famosa. [48]
Durante la Guerra Civil, cuando soldados de todo el país se mezclaron, las múltiples corrientes de la música estadounidense comenzaron a fertilizarse mutuamente, un proceso que fue ayudado por la floreciente industria ferroviaria y otros desarrollos tecnológicos que facilitaron los viajes y la comunicación. Las unidades del ejército incluían individuos de todo el país, y rápidamente intercambiaron melodías, instrumentos y técnicas. La guerra fue un impulso para la creación de canciones distintivamente estadounidenses que se volvieron y siguieron siendo tremendamente populares. [3] Las canciones más populares de la era de la Guerra Civil incluyeron " Dixie ", escrita por Daniel Decatur Emmett . La canción, originalmente titulada "Dixie's Land", fue compuesta para el cierre de un espectáculo de juglares ; se extendió primero a Nueva Orleans, donde se publicó y se convirtió en "uno de los grandes éxitos musicales del período anterior a la Guerra Civil". [49] Además de las canciones patrióticas populares, la era de la Guerra Civil también produjo una gran cantidad de piezas para bandas de música . [50]
Después de la Guerra Civil, los espectáculos de juglares se convirtieron en la primera forma distintivamente estadounidense de expresión musical. El espectáculo de juglares era una forma indígena de entretenimiento estadounidense que consistía en sketches cómicos, números de variedades, baile y música, generalmente interpretados por personas blancas con la cara pintada de negro . Los espectáculos de juglares usaban elementos afroamericanos en las interpretaciones musicales, pero solo de manera simplificada; las historias de los espectáculos mostraban a los negros como esclavos natos y tontos, antes de finalmente asociarse con el abolicionismo . [51] El espectáculo de juglares fue inventado por Daniel Decatur Emmett y los Virginia Minstrels . [52] Los espectáculos de juglares produjeron los primeros compositores populares bien recordados en la historia de la música estadounidense: Thomas D. Rice , Daniel Decatur Emmett y, el más famoso, Stephen Foster . Después de que la popularidad de los espectáculos de juglares se desvaneciera, las canciones de mapaches , un fenómeno similar, se hicieron populares.
El compositor John Philip Sousa está estrechamente asociado con la tendencia más popular de la música popular estadounidense justo antes del comienzo del siglo XX. Sousa, ex director de la banda de la Marina de los Estados Unidos , escribió marchas militares como " The Stars and Stripes Forever " que reflejaban su "nostalgia por [su] hogar y su país", dándole a la melodía un "conmovedor carácter viril". [53] [54]
A principios del siglo XX, el teatro musical estadounidense fue una fuente importante de canciones populares, muchas de las cuales influyeron en el blues, el jazz, el country y otros estilos de música popular existentes. El centro de desarrollo de este estilo se encontraba en la ciudad de Nueva York, donde los teatros de Broadway se convirtieron en uno de los lugares más famosos de la ciudad. Compositores y letristas teatrales como los hermanos George e Ira Gershwin crearon un estilo teatral exclusivamente estadounidense que utilizaba el habla y la música vernáculas estadounidenses. Los musicales presentaban canciones populares y tramas de ritmo rápido que a menudo giraban en torno al amor y el romance. [55]
El blues es un género de música folclórica afroamericana que es la base de gran parte de la música popular estadounidense moderna. El blues puede considerarse parte de un continuo de estilos musicales como el country, el jazz, el ragtime y el gospel; aunque cada género evolucionó en formas distintas, sus orígenes a menudo fueron indistintos. Las primeras formas del blues evolucionaron en el delta del Misisipi y sus alrededores a fines del siglo XIX y principios del XX. La música blues más antigua era principalmente música vocal de llamada y respuesta , sin armonía ni acompañamiento y sin ninguna estructura musical formal. Los esclavos y sus descendientes crearon el blues adaptando los gritos y alaridos del campo, convirtiéndolos en apasionantes canciones solistas. [56] Cuando se mezcló con las canciones espirituales cristianas de las iglesias afroamericanas y las reuniones de avivamiento, el blues se convirtió en la base de la música gospel . El gospel moderno comenzó en las iglesias afroamericanas en la década de 1920, en forma de adoradores que proclamaban su fe de manera improvisada, a menudo musical (testificando). Compositores como Thomas A. Dorsey compusieron obras gospel que utilizaban elementos del blues y el jazz en himnos tradicionales y canciones espirituales. [57]
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El ragtime era originalmente un estilo de piano, con ritmos sincopados y cromatismos . [24] Es principalmente una forma de música de baile que utiliza el bajo andante , y generalmente se compone en forma de sonata . El ragtime es una forma refinada y evolucionada del baile afroamericano cakewalk , mezclado con estilos que van desde marchas europeas [58] y canciones populares hasta jigs y otros bailes tocados por grandes bandas afroamericanas en ciudades del norte durante el final del siglo XIX. El intérprete y compositor de ragtime más famoso fue Scott Joplin , conocido por obras como "Maple Leaf Rag". [59]
El blues se convirtió en parte de la música popular estadounidense en la década de 1920, cuando cantantes clásicas de blues como Bessie Smith se hicieron populares. Al mismo tiempo, las compañías discográficas lanzaron el campo de la música racial , que era principalmente blues dirigido al público afroamericano. Los más famosos de estos actos pasaron a inspirar gran parte del desarrollo popular posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluido el legendario músico de blues del delta Robert Johnson y el músico de blues de Piedmont Blind Willie McTell . Sin embargo, a fines de la década de 1940, el blues puro era solo una parte menor de la música popular, habiendo sido absorbido por derivaciones como el rhythm & blues y el naciente estilo rock and roll. Algunos estilos de blues eléctrico impulsado por el piano, como el boogie-woogie , conservaron una gran audiencia. Un estilo bluesy de gospel también se hizo popular en la corriente principal estadounidense en la década de 1950, liderado por la cantante Mahalia Jackson . [60] El género blues experimentó importantes resurgimientos en la década de 1950 con músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter , [61] así como en la década de 1960 con la Invasión Británica y el resurgimiento de la música folk estadounidense cuando se redescubrieron músicos de blues country como Mississippi John Hurt y el reverendo Gary Davis . Los músicos de blues seminales de estos períodos tuvieron una tremenda influencia en músicos de rock como Chuck Berry en la década de 1950, así como en las escenas de blues y blues rock británicos de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Eric Clapton en Gran Bretaña y Johnny Winter en Texas.
El jazz es un tipo de música que se caracteriza por notas swing y blues , voces de llamada y respuesta, polirritmos e improvisación . Aunque originalmente era un tipo de música de baile, el jazz ha sido una parte importante de la música popular y también se ha convertido en un elemento importante de la música clásica occidental. El jazz tiene raíces en la expresión cultural y musical de África occidental y en las tradiciones musicales afroamericanas, incluido el blues y el ragtime, así como la música de bandas militares europeas. [62] El jazz temprano estaba estrechamente relacionado con el ragtime, con el que podía distinguirse por el uso de improvisaciones rítmicas más intrincadas. Las primeras bandas de jazz adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluidas notas bend y blues y "gruñidos" instrumentales y smears que de otro modo no se usaban en instrumentos europeos. Las raíces del jazz provienen de la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana , poblada por cajunes y criollos negros, que combinaron la cultura francocanadiense de los cajunes con sus propios estilos de música en el siglo XIX. Las grandes bandas criollas que tocaban en funerales y desfiles se convirtieron en una base importante del jazz temprano, que se extendió desde Nueva Orleans a Chicago y otros centros urbanos del norte.
Aunque el jazz había alcanzado cierta popularidad desde hacía mucho tiempo, fue Louis Armstrong quien se convirtió en una de las primeras estrellas populares y una fuerza importante en el desarrollo del jazz, junto con su amigo el pianista Earl Hines . Armstrong, Hines y sus colegas eran improvisadores, capaces de crear numerosas variaciones en una sola melodía. Armstrong también popularizó el canto scat , una técnica vocal improvisada en la que se cantan sílabas sin sentido ( vocablos ). Armstrong y Hines fueron influyentes en el surgimiento de un tipo de jazz pop de big band llamado swing . El swing se caracteriza por una sección rítmica fuerte, que generalmente consta de contrabajo y batería, un tempo medio a rápido y dispositivos rítmicos como la nota swing, que es común en la mayoría del jazz. El swing es principalmente una fusión del jazz de la década de 1930 fusionado con elementos del blues y Tin Pan Alley. [59] El swing utilizó bandas más grandes que otros tipos de jazz, lo que llevó a los directores de banda a organizar el material de manera ajustada, lo que desalentaba la improvisación, anteriormente una parte integral del jazz. El swing se convirtió en una parte importante de la danza afroamericana y llegó a estar acompañado por un baile popular llamado baile swing .
El jazz influyó en muchos intérpretes de todos los estilos principales de la música popular posterior, aunque el jazz en sí nunca volvió a ser una parte tan importante de la música popular estadounidense como durante la era del swing. Sin embargo, la escena del jazz estadounidense de finales del siglo XX produjo algunas estrellas populares del crossover, como Miles Davis . A mediados del siglo XX, el jazz evolucionó hacia una variedad de subgéneros, comenzando con el bebop . El bebop es una forma de jazz que se caracteriza por tempos rápidos, improvisación basada en la estructura armónica en lugar de la melodía y el uso de la quinta bemol . El bebop se desarrolló a principios y mediados de la década de 1940, y luego evolucionó hacia estilos como el hard bop y el free jazz . Entre los innovadores del estilo se encontraban Charlie Parker y Dizzy Gillespie , que surgieron de pequeños clubes de jazz en la ciudad de Nueva York. [63]
La música country es principalmente una fusión de blues y spirituals afroamericanos con música folclórica de los Apalaches , adaptada para el público pop y popularizada a principios de la década de 1920. Los orígenes del country están en la música folclórica rural del sur, que era principalmente irlandesa y británica, con músicas africanas y europeas continentales. [64] Las melodías anglo-celtas, la música de baile y las baladas fueron los primeros predecesores del country moderno, entonces conocido como música hillbilly . El hillbilly temprano también tomó prestados elementos del blues y se basó en más aspectos de las canciones pop del siglo XIX a medida que la música hillbilly evolucionó hacia un género comercial finalmente conocido como country y western y luego simplemente country . [65] La instrumentación country más temprana giraba en torno al violín de origen europeo y el banjo de origen africano , al que luego se agregó la guitarra . [66] Los instrumentos de cuerda como el ukelele y la guitarra de acero se volvieron comunes debido a la popularidad de los grupos musicales hawaianos a principios del siglo XX. [67]
Las raíces de la música country comercial se remontan generalmente a 1927, cuando el cazatalentos musicales Ralph Peer grabó a Jimmie Rodgers and The Carter Family . [69] El éxito popular fue muy limitado, aunque una pequeña demanda estimuló algunas grabaciones comerciales. Después de la Segunda Guerra Mundial , hubo un mayor interés en estilos especializados como la música country, lo que produjo algunas estrellas pop importantes. [70] El músico country más influyente de la época fue Hank Williams , un cantante country blues de Alabama. [60] [71] Sigue siendo reconocido como uno de los mejores compositores e intérpretes de música country, visto como un "poeta folk" con una "fanfarronería de honky-tonk" y "simpatías de clase trabajadora". [72] A lo largo de la década, la aspereza del honky-tonk se erosionó gradualmente a medida que el sonido de Nashville se volvió más orientado al pop. Productores como Chet Atkins crearon el sonido de Nashville despojando los elementos hillbilly de la instrumentación y utilizando una instrumentación suave y técnicas de producción avanzadas. [73] Con el tiempo, la mayoría de los discos de Nashville fueron de este estilo, que comenzó a incorporar cuerdas y coros vocales. [74]
Sin embargo, a principios de la década de 1960, muchos artistas y fanáticos más tradicionalistas percibieron el sonido de Nashville como demasiado diluido, lo que resultó en una serie de escenas locales como el sonido Bakersfield . Sin embargo, algunos artistas mantuvieron su popularidad, como el ícono cultural de larga data Johnny Cash . [75] El sonido Bakersfield comenzó a mediados y fines de la década de 1950 cuando artistas como Wynn Stewart y Buck Owens comenzaron a usar elementos del swing y el rock occidentales, como el breakbeat , en su música. [76] En la década de 1960, artistas como Merle Haggard popularizaron el sonido. A principios de la década de 1970, Haggard también formó parte del country outlaw , junto con cantautores como Willie Nelson y Waylon Jennings . [63] El country outlaw estaba orientado al rock y se centraba líricamente en las payasadas criminales de los artistas, en contraste con los cantantes country limpios del sonido Nashville. [77] A mediados de la década de 1980, las listas de música country estaban dominadas por cantantes pop, junto con un resurgimiento naciente del country estilo honky-tonk con el auge de intérpretes como Dwight Yoakam . La década de 1980 también vio el desarrollo de intérpretes de country alternativo como Uncle Tupelo , que se oponían al estilo más orientado al pop del country convencional. A principios de la década de 2000, los actos de country orientados al rock seguían estando entre los intérpretes con mayores ventas en los Estados Unidos, especialmente Garth Brooks . [78]
El R&B, abreviatura de rhythm and blues , es un estilo que surgió en las décadas de 1930 y 1940. El R&B temprano consistía en grandes unidades rítmicas "que se alejaban detrás de cantantes de blues que gritaban (quienes) tenían que gritar para ser escuchados por encima del estruendo y rasgueo de los diversos instrumentos electrificados y las secciones rítmicas agitadas". [80] El R&B no se grabó ni promocionó extensamente porque las compañías discográficas sintieron que no era adecuado para la mayoría de las audiencias, especialmente los blancos de clase media, debido a las letras sugerentes y los ritmos enérgicos. [81] Los líderes de bandas como Louis Jordan innovaron el sonido del R&B temprano, utilizando una banda con una pequeña sección de vientos e instrumentación rítmica prominente. A fines de la década de 1940, había tenido varios éxitos y ayudó a allanar el camino para contemporáneos como Wynonie Harris y John Lee Hooker . Muchas de las canciones de R&B más populares no se interpretaron en el estilo desenfrenado de Jordan y sus contemporáneos; en cambio, fueron interpretadas por músicos blancos como Pat Boone en un estilo mainstream más aceptable, que se convirtió en éxitos pop. [82] Sin embargo, a fines de la década de 1950, hubo una ola de populares intérpretes de blues rock negro y R&B con influencia country como Chuck Berry que ganaron una fama sin precedentes entre los oyentes blancos. [83] [84] Motown Records tuvo un gran éxito a principios y mediados de la década de 1960 por producir música de raíces negras estadounidenses que desafiaba la segregación racial en la industria de la música y el mercado de consumo. El periodista musical Jerry Wexler (que acuñó la frase "rhythm and blues") dijo una vez de Motown: "[Hicieron] algo que tendrías que decir en el papel que es imposible. Tomaron música negra y la transmitieron directamente al adolescente estadounidense blanco". Berry Gordy fundó Motown en 1959 en Detroit, Michigan . Fue uno de los pocos sellos discográficos de R&B que buscó trascender el mercado de R&B (que era definitivamente negro en la mentalidad estadounidense) y especializarse en música crossover . La compañía surgió como el principal productor (o "cadena de montaje", en referencia a sus orígenes en la ciudad del motor) de música popular negra a principios de la década de 1960 y comercializó sus productos como "El sonido Motown" o "El sonido de la joven América", que combinaba elementos de soul, funk, disco y R&B. [85] Entre los actos notables de Motown se incluyen Four Tops , Temptations , Supremes , Smokey Robinson , Stevie Wonder y Jackson 5.La representación visual fue fundamental para el ascenso de Motown; hicieron mayor hincapié en los medios visuales que otros sellos discográficos. El primer contacto de mucha gente con Motown fue a través de la televisión y el cine. La imagen de los artistas de Motown de estadounidenses negros exitosos que se comportaban con gracia y aplomo transmitía a la audiencia una forma distintiva de negritud de clase media, que era particularmente atractiva para los blancos. [86]
La música soul es una combinación de rhythm and blues y gospel que comenzó a fines de la década de 1950 en los Estados Unidos. Se caracteriza por el uso de recursos de música gospel, con un mayor énfasis en los vocalistas y el uso de temas seculares. Las grabaciones de la década de 1950 de Ray Charles , Sam Cooke , [87] y James Brown se consideran comúnmente los inicios del soul. Los discos Modern Sounds (1962) de Charles presentaron una fusión de soul y música country, country soul y cruzaron las barreras raciales en la música de ese momento. [88] Una de las canciones más conocidas de Cooke, " A Change Is Gonna Come " (1964), fue aceptada como un clásico y un himno del Movimiento por los Derechos Civiles de Estados Unidos durante la década de 1960. [89] Según AllMusic , James Brown fue fundamental, a través de "la furia apasionada por el gospel de su voz y los complejos polirritmos de sus ritmos", en "dos revoluciones en la música negra estadounidense. Fue una de las figuras más responsables de convertir el R&B en soul y fue, la mayoría estaría de acuerdo, la figura más responsable de convertir la música soul en el funk de finales de los 60 y principios de los 70". [79]
El soul puro fue popularizado por Otis Redding y otros artistas de Stax Records en Memphis, Tennessee . A fines de la década de 1960, la artista de grabación de Atlantic Aretha Franklin había emergido como la estrella femenina de soul más popular del país. [91] [92] Conocida por cantar en una amplia variedad de géneros, Franklin es considerada una de las mejores cantantes estadounidenses de todos los tiempos. [93] También en esta época, el soul se había dividido en varios géneros, [94] influenciado por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de la década de 1960 inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a lanzar álbumes con comentarios sociales contundentes, mientras que otra variedad se convirtió en música más orientada al baile, evolucionando hacia el funk . A pesar de su afinidad previa con temas líricos política y socialmente cargados, Gaye ayudó a popularizar la música y el funk con temática sexual y romántica, [95] mientras que sus grabaciones de los años 70, incluyendo Let's Get It On (1973) y I Want You (1976) ayudaron a desarrollar el sonido y formato de quiet storm . [96] Uno de los álbumes más influyentes jamás grabados, There's a Riot Goin' On (1971) de Sly & the Family Stone ha sido considerado entre los primeros y mejores ejemplos de la versión madura de la música funk, después de instancias prototípicas del sonido en el trabajo anterior del grupo. [97] Artistas como Gil Scott-Heron y The Last Poets practicaron una mezcla ecléctica de poesía, jazz-funk y soul, presentando comentarios políticos y sociales críticos con sentimiento afrocéntrico . El trabajo proto-rap de Scott-Heron , incluyendo " The Revolution Will Not Be Televised " (1971) y Winter in America (1974), tuvo un impacto considerable en los artistas de hip hop posteriores, [98] mientras que su sonido único con Brian Jackson influyó en los artistas del neo soul. [99]
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A mediados de los años 1970, bandas muy elegantes y comerciales como el grupo de soul de Filadelfia The O'Jays y el grupo de soul de ojos azules Hall & Oates lograron un éxito generalizado. A fines de los años 1970, la mayoría de los géneros musicales, incluido el soul, habían sido influenciados por la música disco . Con la introducción de influencias de la música electrónica y el funk a fines de los años 1970 y principios de los años 1980, la música soul se volvió menos cruda y más hábilmente producida, lo que resultó en un género de música que una vez más se llamó R&B , generalmente distinguido del rhythm and blues anterior al identificarlo como R&B contemporáneo .
Las primeras estrellas contemporáneas del R&B surgieron en la década de 1980, con la estrella del dance-pop Michael Jackson , el cantante Prince con influencias del funk y una ola de vocalistas femeninas como Tina Turner y Whitney Houston . [78] Michael Jackson y Prince han sido descritos como las figuras más influyentes del R&B contemporáneo y la música popular debido a su uso ecléctico de elementos de una variedad de géneros. [100] Prince fue en gran parte responsable de crear el sonido Minneapolis : "una mezcla de trompetas, guitarras y sintetizadores electrónicos respaldados por un ritmo constante y vibrante". [101] El trabajo de Jackson se centró en baladas suaves o música de baile con influencia disco ; como artista, "sacó la música de baile del estancamiento de la música disco con su debut en solitario para adultos de 1979, Off the Wall , fusionó el R&B con el rock en Thriller e introdujo pasos estilizados como el robot y el moonwalk a lo largo de su carrera". [102] Jackson es a menudo reconocido como el "Rey del Pop" por sus logros.
En 1983, el concepto de crossover de música popular se asoció inextricablemente con Michael Jackson. Thriller tuvo un éxito sin precedentes, vendiendo más de 10 millones de copias solo en los Estados Unidos. En 1984, el álbum obtuvo más de 140 premios de oro y platino y fue reconocido por el Libro Guinness de los récords mundiales como el disco más vendido de todos los tiempos , un título que todavía mantiene hoy. [103] La transmisión de " Billie Jean " de MTV fue la primera para cualquier artista negro, rompiendo así la "barrera del color" de la música pop en la pantalla chica. [103] Thriller sigue siendo el único video musical reconocido por el Registro Nacional de Cine . Janet Jackson colaboró con los ex asociados de Prince Jimmy Jam y Terry Lewis en su tercer álbum de estudio Control (1986); el segundo sencillo del álbum " Nasty " ha sido descrito como el origen del sonido new jack swing , un género innovado por Teddy Riley . [100] El trabajo de Riley en Make It Last Forever (1987) de Keith Sweat , Guy 's Guy (1988) y Don't Be Cruel (1998) de Bobby Brown hicieron del new jack swing un elemento básico del R&B contemporáneo hasta mediados de los años 1990. [100] El new jack swing era un estilo y una tendencia de música vocal, que a menudo presentaba versos rapeados y cajas de ritmos . [60] El atractivo cruzado de los primeros artistas de R&B contemporáneo en la música popular convencional, incluidas las obras de Prince, Michael y Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner, Anita Baker y The Pointer Sisters , se convirtió en un punto de inflexión para los artistas negros en la industria, ya que su éxito "fue quizás el primer indicio de que el mayor cosmopolitismo de un mercado mundial podría producir algunos cambios en la complexión de la música popular". [104]
El uso del melisma , una tradición gospel adaptada por las vocalistas Whitney Houston y Mariah Carey se convertiría en una piedra angular de los cantantes de R&B contemporáneos a partir de finales de la década de 1980 y durante toda la década de 1990. [100] Los éxitos de R&B de Whitney Houston incluyeron " All the Man That I Need " (1990) y " I Will Always Love You " (1992), que más tarde se convirtió en el sencillo físico más vendido de un acto femenino de todos los tiempos, con ventas de más de 20 millones de copias en todo el mundo. Su exitosa banda sonora de 1992 The Bodyguard , pasó 20 semanas en la cima del Billboard Hot 200 , vendió más de 45 millones de copias en todo el mundo y sigue siendo el álbum de banda sonora más vendido de todos los tiempos.
El hip hop llegó a influir en el R&B contemporáneo más tarde en la década de 1980, primero a través del new jack swing y luego en una serie relacionada de subgéneros llamados hip hop soul y neo soul . El hip hop soul y el neo soul se desarrollaron más tarde, en la década de 1990. Tipificado por el trabajo de Mary J. Blige , R. Kelly y Bobby Brown , el primero es una mezcla de R&B contemporáneo con ritmos de hip hop, mientras que las imágenes y temas del rap gangsta pueden estar presentes. El segundo es una combinación más experimental, más atrevida y generalmente menos convencional de voces soul al estilo de los años 1960 y 1970 con algo de influencia del hip hop, y ha ganado cierto reconocimiento convencional a través del trabajo de D'Angelo , Erykah Badu , Alicia Keys y Lauryn Hill . [105] El álbum aclamado por la crítica de D'Angelo Voodoo (2000) ha sido reconocido por los escritores musicales como una obra maestra y la piedra angular del género neo soul. [106] [107] [108]
La música pop es un género musical popular que se originó en su forma moderna a mediados de la década de 1950 en los Estados Unidos y el Reino Unido . Durante las décadas de 1950 y 1960, la música pop abarcó el rock and roll y los estilos orientados a la juventud que influyó. El rock y el pop siguieron siendo aproximadamente sinónimos hasta finales de la década de 1960, después de lo cual el pop se asoció con música que era más comercial, efímera y accesible. Aunque gran parte de la música que aparece en las listas de éxitos se considera música pop, el género se distingue de la música de las listas. Bing Crosby fue uno de los primeros artistas en ser apodado "Rey de la canción" o "Rey de la música popular". El indie pop , que se desarrolló a fines de la década de 1970, marcó otra desviación del glamour de la música pop contemporánea, con bandas de guitarra formadas sobre la premisa entonces novedosa de que uno podía grabar y lanzar su propia música sin tener que obtener un contrato discográfico de un sello importante. [110] A principios de la década de 1980, la promoción de la música pop se había visto muy afectada por el auge de los canales de televisión musical como MTV , que "favorecieron a aquellos artistas como Michael Jackson y Madonna que tenían un fuerte atractivo visual". La década de 1980 se recuerda comúnmente por un aumento en el uso de la grabación digital , asociada con el uso de sintetizadores , con la música synth-pop y otros géneros electrónicos con instrumentos no tradicionales aumentando en popularidad. [111] Para 2014, la música pop en todo el mundo se había visto permeada por la música electrónica de baile . En 2018, investigadores de la Universidad de California, Irvine , concluyeron que la música pop se ha vuelto "más triste" desde la década de 1980. Los elementos de felicidad y brillo eventualmente han sido reemplazados por los ritmos electrónicos que hacen que la música pop sea más "triste pero bailable". [112]
El rock and roll se desarrolló a partir del country, el blues y el R&B. Los orígenes exactos del rock y sus primeras influencias han sido objeto de acalorados debates y son objeto de muchos estudios. Aunque se inscribe directamente en la tradición del blues, el rock tomó elementos de las técnicas musicales afrocaribeñas y latinas . [113] El rock era un estilo urbano, formado en las zonas donde las poblaciones diversas dieron lugar a mezclas de géneros afroamericanos, latinos y europeos que iban desde el blues y el country hasta la polca y el zydeco . [114] El rock and roll entró por primera vez en la música popular a través de un estilo llamado rockabilly , [115] que fusionó el sonido naciente con elementos de la música country. El rock and roll interpretado por negros había tenido anteriormente un éxito limitado en el mainstream, pero fue el intérprete blanco Elvis Presley quien atrajo por primera vez al público general con un estilo de música negro, convirtiéndose en uno de los músicos con mayores ventas de la historia y llevando el rock and roll a audiencias de todo el mundo. [116]
La década de 1960 vio varios cambios importantes en la música popular, especialmente el rock. Muchos de estos cambios tuvieron lugar a través de la Invasión Británica, donde bandas como The Beatles , The Who y The Rolling Stones , [117] se volvieron inmensamente populares y tuvieron un profundo efecto en la cultura y la música estadounidenses. Estos cambios incluyeron el paso de las canciones compuestas profesionalmente al cantautor , y la comprensión de la música popular como un arte , en lugar de una forma de comercio o puro entretenimiento. [118] Estos cambios llevaron al surgimiento de movimientos musicales conectados con objetivos políticos, como el Movimiento por los Derechos Civiles de Estados Unidos y la oposición a la Guerra de Vietnam . El rock estuvo a la vanguardia de este cambio.
A principios de la década de 1960, el rock generó varios subgéneros, comenzando con el surf . El surf era un género de guitarra instrumental caracterizado por un sonido distorsionado, asociado con la cultura juvenil del surf del sur de California. [119] [120] Inspirados por el enfoque lírico del surf, The Beach Boys comenzaron a grabar en 1961 con un sonido elaborado, amigable con el pop y armónico. [121] [122] A medida que su fama crecía, el compositor de The Beach Boys, Brian Wilson, experimentó con nuevas técnicas de estudio y se asoció con la contracultura . La contracultura era un movimiento que abrazó el activismo político y estaba estrechamente relacionado con la subcultura hippie . Los hippies estaban asociados con el folk rock , el country rock y el rock psicodélico . [123] El folk y el country rock se asociaron con el auge de la música folclórica politizada, liderada por Pete Seeger y otros, especialmente en la escena musical de Greenwich Village en Nueva York. [124] El folk rock entró en la corriente principal a mediados de la década de 1960, cuando el cantautor Bob Dylan comenzó su carrera. El editor de AllMusic Stephen Thomas Erlewine atribuye el cambio de The Beatles hacia la composición introspectiva a mediados de la década de 1960 a la influencia de Bob Dylan en ese momento. [125] Fue seguido por una serie de bandas de country-rock y cantautores suaves y folky. El rock psicodélico era un tipo de rock duro basado en la guitarra, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco . Aunque Jefferson Airplane fue la única banda local en tener un gran éxito nacional, Grateful Dead , una banda de jam con sabor a country y bluegrass , se convirtió en una parte icónica de la contracultura psicodélica, asociada con los hippies, el LSD y otros símbolos de esa época. [123] Algunos dicen que Grateful Dead fue realmente la banda de rock patriótica más estadounidense que jamás haya existido; formando y moldeando una cultura que define a los estadounidenses de hoy. [126]
Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de los años 1960 y principios de los 1970, la música rock se diversificó. Lo que antes era un género discreto conocido como rock and roll evolucionó a una categoría general llamada simplemente música rock , que llegó a incluir diversos estilos desarrollados en los EE. UU. como el punk rock . Durante la década de 1970, la mayoría de estos estilos evolucionaron en la escena musical underground, mientras que el público general comenzó la década con una ola de cantautores que se basaron en las letras profundamente emocionales y personales del folk rock de los años 1960. El mismo período vio el surgimiento de bandas de rock de estadio grandilocuentes, grupos de rock sureño con aires de blues y estrellas de rock suave y suave . A partir de finales de la década de 1970, el cantante y compositor de rock Bruce Springsteen se convirtió en una gran estrella, con canciones himnos y letras densas e inescrutables que celebraban a los pobres y la clase trabajadora. [78]
El punk fue una forma de rock rebelde que comenzó en la década de 1970 y era ruidoso, agresivo y, a menudo, muy simple. El punk comenzó como una reacción contra la música popular de la época, especialmente el disco y el rock de estadios . Las bandas estadounidenses en el campo incluyeron, más famosamente, The Ramones y Talking Heads , este último tocando un estilo más vanguardista que estaba estrechamente asociado con el punk antes de evolucionar hacia la nueva ola convencional . [78] Otros actos importantes incluyen Blondie , Patti Smith y Television . En la década de 1980, algunos fanáticos y bandas de punk se desilusionaron con la creciente popularidad del estilo, lo que resultó en un estilo aún más agresivo llamado hardcore punk . El hardcore era una forma de punk escaso, que consistía en canciones cortas, rápidas e intensas que hablaban a la juventud descontenta, con bandas tan influyentes como Bad Religion , Bad Brains , Black Flag , Dead Kennedys y Minor Threat . El hardcore comenzó en metrópolis como Washington, DC , aunque la mayoría de las principales ciudades estadounidenses tenían sus propias escenas locales en la década de 1980. [127]
El hardcore, el punk y el garage rock fueron las raíces del rock alternativo , una agrupación diversa de subgéneros del rock que se oponían explícitamente a la música mainstream y que surgieron de los estilos punk y post-punk. En los Estados Unidos, muchas ciudades desarrollaron escenas locales de rock alternativo, incluidas Minneapolis y Seattle. [129] La escena local de Seattle produjo música grunge , un estilo oscuro y melancólico inspirado en el hardcore, la psicodelia y el rock alternativo. [130] Con la adición de un elemento más melódico al sonido de bandas como Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden y Alice in Chains , el grunge se volvió tremendamente popular en los Estados Unidos [131] en 1991. Tres años después, bandas como Green Day , The Offspring , Rancid , Bad Religion y NOFX llegaron al mainstream (con sus respectivos álbumes entonces nuevos Dookie , Smash , Let's Go , Stranger than Fiction y Punk in Drublic ) y dieron exposición a la escena punk de California en todo el mundo.
El heavy metal se caracteriza por ritmos agresivos y contundentes, guitarras amplificadas y distorsionadas, letras grandiosas e instrumentación virtuosa. Los orígenes del heavy metal se encuentran en las bandas de hard rock que tomaron el blues y el rock y crearon un sonido pesado basado en la guitarra y la batería. Las primeras bandas estadounidenses importantes llegaron a principios de la década de 1970, como Blue Öyster Cult , KISS y Aerosmith . Sin embargo, el heavy metal siguió siendo un fenómeno en gran medida underground. Durante la década de 1980 surgió el primer estilo importante de pop-metal que dominó las listas de éxitos durante varios años iniciado por el grupo de metal Quiet Riot y dominado por bandas como Mötley Crüe y Ratt ; este fue el glam metal , una fusión de hard rock y pop con un espíritu estridente y una estética visual influenciada por el glam . Algunas de estas bandas, como Bon Jovi , se convirtieron en estrellas internacionales. La banda Guns N' Roses saltó a la fama cerca del final de la década con una imagen que era una reacción contra la estética del glam metal.
A mediados de la década de 1980, el heavy metal se había ramificado en tantas direcciones diferentes que los fanáticos, las compañías discográficas y los fanzines crearon numerosos subgéneros. Estados Unidos era especialmente conocido por uno de estos subgéneros, el thrash metal , que fue innovado por bandas como Metallica , Megadeth , Slayer y Anthrax , siendo Metallica la más exitosa comercialmente. [134] Estados Unidos fue conocido como una de las cunas del death metal durante mediados y finales de la década de 1980. La escena de Florida era la más conocida, con bandas como Death , Cannibal Corpse , Morbid Angel , Deicide y muchas otras. Ahora hay innumerables bandas de death metal y deathgrind en todo el país.
El hip hop es un movimiento cultural, del cual la música es una parte. La música hip hop en su mayor parte se compone de dos partes: rap , la entrega de voces rápidas, muy rítmicas y líricas; y DJ y/o producción , la producción de instrumentación a través de sampling , instrumentación , turntablism o beatboxing , la producción de sonidos musicales a través de tonos vocalizados. [135] El hip hop surgió a principios de la década de 1970 en el Bronx , ciudad de Nueva York. El inmigrante jamaiquino DJ Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; trajo consigo desde Jamaica la práctica de brindar sobre los ritmos de las canciones populares. Los maestros de ceremonias surgieron originalmente para presentar las canciones de soul, funk y R&B que tocaban los DJ, y para mantener a la multitud emocionada y bailando; con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar el descanso de percusión de las canciones (cuando el ritmo llega al clímax), produciendo un ritmo repetido sobre el que los maestros de ceremonias rapeaban.
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A diferencia de Motown, que basó su éxito en el mainstream en el atractivo de clase de sus actos que volvía irrelevante la identidad racial, el hip hop de los años 1980, en particular el hip hop que se cruzó con el rock and roll, se basó en su identificación primaria (implícita pero enfática) con la identidad negra. [136] A principios de los años 1980, había canciones populares de hip hop y las celebridades de la escena, como LL Cool J , ganaron renombre en el mainstream. Otros artistas experimentaron con letras politizadas y conciencia social, o fusionaron el hip hop con el jazz, el heavy metal, el techno , el funk y el soul. Aparecieron nuevos estilos en la última parte de los años 1980, como el hip hop alternativo y la fusión de jazz rap estrechamente relacionada , iniciada por raperos como De La Soul .
El rap gangsta es un tipo de hip hop, caracterizado principalmente por un enfoque lírico en la sexualidad machista, la fisicalidad y una imagen criminal peligrosa. [137] Aunque los orígenes del rap gangsta se remontan al estilo de mediados de la década de 1980 de Schoolly D de Filadelfia y Ice-T de la Costa Oeste , el estilo se amplió y llegó a aplicarse a muchas regiones diferentes del país, a raperos de Nueva York, como Notorious BIG y el influyente grupo de hip hop Wu-Tang Clan , y a raperos de la Costa Oeste, como Too Short y NWA . Una escena de rap distintiva de la Costa Oeste generó el sonido G-funk de principios de la década de 1990 , que combinaba letras de rap gangsta con un sonido espeso y brumoso, a menudo de samples de funk de la década de 1970 ; los defensores más conocidos fueron los raperos 2Pac , Dr. Dre , Ice Cube y Snoop Dogg . El rap gangsta continuó ejerciendo una presencia importante en la música popular estadounidense hasta finales de la década de 1990 y principios del siglo XXI.
El dominio del rap gangsta en el hip-hop mainstream fue suplantado a finales de la década de 2000, en gran parte debido al éxito mainstream de artistas de hip-hop como Kanye West . [138] El resultado de una competencia de ventas muy publicitada entre el lanzamiento simultáneo de su tercer álbum de estudio y el del rapero gangsta 50 Cent , Graduation y Curtis respectivamente, desde entonces ha sido acreditado como causante del declive. [139] La competencia resultó en actuaciones de ventas récord de ambos álbumes y West superó en ventas a 50 Cent, vendiendo casi un millón de copias de Graduation solo en la primera semana. [140] Los observadores de la industria comentan que la victoria de West sobre 50 Cent demostró que la música rap no tenía que ajustarse a las convenciones del gangsta-rap para tener éxito comercial. [141]
West allanó efectivamente el camino para una nueva ola de artistas de hip-hop, incluidos Drake , Kendrick Lamar y J. Cole , quienes no siguieron el molde hardcore - gangster y se convirtieron en artistas con ventas de platino, [142] [143] mientras que el segundo primero ganó un Premio Pulitzer de Música en 2018 , siendo el primer músico fuera de los géneros clásico y jazz en ser honrado.
Jay-Z se convirtió en un ícono del hip hop de renombre internacional tras las muertes de The Notorious BIG y Tupac Shakur a mediados de la década de 1990. [144] Kanye West fue asesorado por Jay-Z y produjo para él, [145] antes de alcanzar un nivel similar de éxito. [146]
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Las raperas Nicki Minaj , Cardi B , Saweetie , Doja Cat , Iggy Azalea , City Girls y Megan Thee Stallion también entraron en la corriente principal. [147] Hay muchas mujeres que han influido notablemente en la cultura del hip hop. Sin embargo, algunos nombres que no pueden pasar desapercibidos son MC Sha-rock, MC Lyte , Queen Latifah , Lauryn Hill , Missy Elliot , Lil Kim , Erykah Badu , Foxy Brown y muchas más. De esta lista, MC Sha-rock es considerada la historiadora/pionera de la cultura femenina del hip-hop. Comenzó su carrera como bailarina de break dance en el Bronx, Nueva York y más tarde se convirtió en "la primera MC/rapera de la cultura del hip-hop". [148] Su carrera ha sido de larga duración. Desde ser un ex miembro de Funky 4+1 hasta tener batallas de rimas de MC con grupos como Grandmaster Flash y Furious 5. Otra pionera notable del hip-hop femenino es la famosa Queen Latifah, nacida Dana Elaine Owens en Newark, Nueva Jersey. Queen Latifah comenzó su carrera desde muy joven, a los 17 años. Pero, no mucho después de que comenzara, pronto despegó. Lanzó su primer álbum de larga duración, All Hail the Queen , en 1989. [149] A medida que continuó lanzando música, se hizo cada vez más popular, y su fama aumentó en medio de la cultura del hip-hop. Sin embargo, Queen Latifah no era una rapera común. Ella rapeaba sobre los problemas que rodean el hecho de ser una mujer negra y los problemas generales de injusticia social que aparecen en la industria de la música. Estas primeras pioneras han liderado la cultura del rap femenino e impactado a las artistas femeninas de hip-hop populares de la actualidad. Por ejemplo, estos artistas populares pueden incluir a Cardi B, Megan Thee Stallion, Miss Mulatto , Flo Milli , Cupcakke y muchos otros. Cada artista tiene su propia identidad en el juego del rap, sin embargo, a medida que el hip-hop evoluciona, también lo hace el estilo de música. El primer álbum de estudio de Cardi B, Invasion of Privacy (2018), debutó en el número uno en Billboard 200 y fue nombrado el álbum de rap femenino número uno de la década de 2010 por Billboard . Aclamado por la crítica, convirtió a Cardi B en la única mujer en ganar el premio Grammy al Mejor Álbum de Rap como solista, y marcó el primer álbum de rap femenino en quince años en ser nominado a Álbum del Año .
La industria musical estadounidense está dominada por grandes empresas que producen, comercializan y distribuyen determinados tipos de música. Por lo general, estas empresas no producen, o producen en cantidades muy limitadas, grabaciones en estilos que no atraen a un público muy amplio. Las empresas más pequeñas suelen llenar el vacío, ofreciendo una amplia variedad de grabaciones en estilos que van desde la polca hasta la salsa . Muchas industrias musicales pequeñas se construyen en torno a una base de seguidores que puede estar radicada principalmente en una región, como la música tejana o hawaiana , o pueden estar muy dispersas, como el público del klezmer judío .
Entre los músicos hispanoamericanos que fueron pioneros en las primeras etapas del rock and roll se encuentran Ritchie Valens , quien anotó varios éxitos, entre los que destacan " La Bamba " y Herman Santiago escribió la letra de la icónica canción de rock and roll " Why Do Fools Fall in Love ". Las canciones que se hicieron populares en los Estados Unidos y que se escuchan durante las fiestas/temporada navideña son "¿Dónde está Santa Claus?" es una novedosa canción navideña con Augie Ríos, de 12 años, que fue un éxito discográfico en 1959 que contó con la orquesta de Mark Jeffrey. " Feliz Navidad " (1970) de José Feliciano es otra famosa canción latina.
La industria de nicho más grande se basa en la música latina. La música latina ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense y fue una parte especialmente crucial del desarrollo del jazz. Los estilos latinos pop modernos incluyen una amplia gama de géneros importados de toda América Latina, incluida la cumbia colombiana, el reggaetón puertorriqueño y el corrido mexicano . La música popular latina en los Estados Unidos comenzó con una ola de bandas de baile en las décadas de 1930 y 1950. Los estilos más populares incluyeron la conga , la rumba y el mambo . En la década de 1950, Pérez Prado hizo famoso el cha-cha-chá , y el auge del jazz afrocubano abrió muchos oídos a las posibilidades armónicas, melódicas y rítmicas de la música latina. Sin embargo, la forma estadounidense más famosa de música latina es la salsa . La salsa incorpora muchos estilos y variaciones; el término puede usarse para describir la mayoría de las formas de géneros populares derivados de Cuba. Sin embargo, más específicamente, la salsa se refiere a un estilo particular que fue desarrollado por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños de la zona de la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1970, y descendientes estilísticos como la salsa romántica de la década de 1980. [ 150 ] Los ritmos de la salsa son complicados, con varios patrones tocados simultáneamente. El ritmo de la clave forma la base de las canciones de salsa y es utilizado por los intérpretes como un terreno rítmico común para sus propias frases . [151]
La música latinoamericana ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense, el jazz , el rhythm and blues e incluso la música country . Esto incluye música de países y territorios hispanohablantes, portugueses y (a veces) francófonos de América Latina. [152]
Hoy en día, la industria discográfica estadounidense define la música latina como cualquier tipo de lanzamiento con letras mayoritariamente en español. [153] [154] Los artistas y productores convencionales tienden a aparecer más en canciones de artistas latinos y también se ha vuelto más probable que las canciones en inglés se transmitan a la radio en español y viceversa.
Estados Unidos jugó un papel importante en el desarrollo de la música electrónica de baile , específicamente el house y el techno , que se originaron en Chicago y Detroit , respectivamente.
Hoy en día, la música latinoamericana se ha convertido en un término para la música interpretada por latinos independientemente de si tiene un elemento latino o no. Artistas como Shakira , Jennifer Lopez , Enrique Iglesias , Pitbull , Selena Gomez , Christina Aguilera , Gloria Estefan , Demi Lovato , Mariah Carey , Becky G , Paulina Rubio y Camila Cabello son destacados en las listas de éxitos del pop. Iglesias, que tiene el récord de más números 1 en Hot Latin Tracks de Billboard, lanzó un álbum bilingüe, inspirado en actos urbanos, lanza dos canciones completamente diferentes en formatos latinos y pop al mismo tiempo.
El gobierno de los Estados Unidos regula la industria musical, hace cumplir las leyes de propiedad intelectual y promueve y colecciona ciertos tipos de música. Bajo la ley estadounidense de derechos de autor , las obras musicales, incluyendo grabaciones y composiciones, están protegidas como propiedad intelectual tan pronto como se fijan en una forma tangible. Los titulares de derechos de autor a menudo registran su trabajo en la Biblioteca del Congreso , que mantiene una colección del material. Además, la Biblioteca del Congreso ha buscado activamente materiales cultural y musicológicamente significativos desde principios del siglo XX, por ejemplo enviando investigadores para grabar música folclórica. Estos investigadores incluyen al pionero coleccionista de canciones folclóricas estadounidenses Alan Lomax , cuyo trabajo ayudó a inspirar el resurgimiento de las raíces de mediados del siglo XX. El gobierno federal también financia las Dotaciones Nacionales para las Artes y las Humanidades , que asignan subvenciones a músicos y otros artistas, la Institución Smithsonian , que lleva a cabo programas de investigación y educativos, y la Corporación para la Radiodifusión Pública , que financia emisoras de televisión y sin fines de lucro. [155]
La música ha afectado durante mucho tiempo a la política de los Estados Unidos . Los partidos y movimientos políticos utilizan con frecuencia la música y las canciones para comunicar sus ideales y valores, y para proporcionar entretenimiento en las funciones políticas. La campaña presidencial de William Henry Harrison fue la primera en beneficiarse enormemente de la música, después de lo cual se convirtió en una práctica estándar para los principales candidatos utilizar canciones para crear entusiasmo público. En décadas más recientes, los políticos a menudo elegían canciones temáticas , algunas de las cuales se han vuelto icónicas; la canción "Happy Days Are Here Again", por ejemplo, se ha asociado con el Partido Demócrata desde la campaña de 1932 de Franklin D. Roosevelt . Sin embargo, desde la década de 1950, la música ha perdido importancia en la política, reemplazada por campañas televisadas con poca o ninguna música. Ciertas formas de música se asociaron más estrechamente con la protesta política, especialmente en la década de 1960. Estrellas del gospel como Mahalia Jackson se convirtieron en figuras importantes en el Movimiento por los Derechos Civiles , mientras que el resurgimiento del folk estadounidense ayudó a difundir la contracultura de la década de 1960 y la oposición a la Guerra de Vietnam . [156]
Estados Unidos tiene el mercado musical más grande del mundo con un valor minorista total de 4.9 mil millones de dólares en 2014, [157] La industria musical estadounidense incluye varios campos, que van desde compañías discográficas hasta estaciones de radio y orquestas comunitarias. Los ingresos totales de la industria son de aproximadamente $ 40 mil millones en todo el mundo y aproximadamente $ 12 mil millones en los Estados Unidos. [158] La mayoría de las principales compañías discográficas del mundo tienen su sede en los Estados Unidos; están representadas por la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA). Las principales compañías discográficas producen material de artistas que han firmado con uno de sus sellos discográficos , una marca a menudo asociada con un género o productor discográfico en particular . Las compañías discográficas también pueden promover y comercializar a sus artistas, a través de publicidad, presentaciones públicas y conciertos, y apariciones en televisión. Las compañías discográficas pueden estar afiliadas a otras compañías de medios musicales, que producen un producto relacionado con la música grabada popular. Estos incluyen canales de televisión como MTV , revistas como Rolling Stone y estaciones de radio. En los últimos años, la industria de la música se ha visto envuelta en agitación por el aumento de la descarga de Internet de música con derechos de autor ; Muchos músicos y la RIAA han buscado castigar a los fans que descargan ilegalmente música protegida por derechos de autor. [159]
Las estaciones de radio en los Estados Unidos a menudo transmiten música popular. Cada estación de música tiene un formato o una categoría de canciones para reproducir; estos son generalmente similares pero no iguales a la clasificación genérica ordinaria. Muchas estaciones de radio en los Estados Unidos son de propiedad y operación local, y pueden ofrecer una variedad ecléctica de grabaciones; muchas otras estaciones son propiedad de grandes empresas como Clear Channel , y generalmente están formateadas en listas de reproducción más pequeñas y repetitivas . Las ventas comerciales de grabaciones son rastreadas por la revista Billboard , que compila una serie de listas de música para varios campos de ventas de música grabada. El Billboard Hot 100 es la lista de música pop más importante para sencillos , una grabación que consta de un puñado de canciones; las grabaciones pop más largas son álbumes , y son rastreadas por el Billboard 200. [160] Aunque la música grabada es algo común en los hogares estadounidenses, muchos de los ingresos de la industria musical provienen de un pequeño número de devotos; por ejemplo, el 62% de las ventas de álbumes provienen de menos del 25% de la audiencia que compra música. [161] Las ventas totales de CD en los Estados Unidos superaron los 705 millones de unidades vendidas en 2005, y las ventas de sencillos casi tres millones. [162]
Aunque las principales compañías discográficas dominan la industria musical estadounidense, existe una industria musical independiente ( música indie ). La mayoría de las discográficas independientes tienen una distribución minorista limitada, si es que tienen alguna, fuera de una pequeña región. A veces, los artistas graban para un sello independiente y obtienen suficiente reconocimiento como para ser contratados por un sello importante; otros eligen permanecer en un sello independiente durante toda su carrera. La música indie puede tener estilos generalmente similares a la música convencional, pero a menudo es inaccesible, inusual o poco atractiva para muchas personas. Los músicos independientes a menudo lanzan algunas o todas sus canciones a través de Internet para que los fanáticos y otras personas las descarguen y escuchen. [159] Además de los artistas discográficos de muchos tipos, existen numerosos campos de músicos profesionales en los Estados Unidos, muchos de los cuales rara vez graban, incluidas las orquestas comunitarias, los cantantes y bandas de bodas, los cantantes de salón y los DJ de clubes nocturnos. La Federación Estadounidense de Músicos es el sindicato estadounidense más grande para músicos profesionales. Sin embargo, solo el 15% de los miembros de la Federación tienen un empleo musical estable. [163]
La música es una parte importante de la educación en los Estados Unidos y forma parte de la mayoría o de todos los sistemas escolares del país. La educación musical es generalmente obligatoria en las escuelas primarias públicas y es una materia optativa en los años posteriores. [164]
El estudio académico de la música en los Estados Unidos incluye trabajos que relacionan la música con la clase social, la identidad racial, étnica y religiosa, el género y la sexualidad, así como estudios de historia de la música, musicología y otros temas. El estudio académico de la música estadounidense se remonta a finales del siglo XIX, cuando investigadores como Alice Fletcher y Francis La Flesche estudiaron la música de los pueblos Omaha , trabajando para la Oficina de Etnología Estadounidense y el Museo Peabody de Arqueología y Etnología . En la década de 1890 y a principios del siglo XX, se realizaron grabaciones musicológicas entre pueblos indígenas, hispanos, afroamericanos y angloamericanos de los Estados Unidos. Muchos trabajaron para la Biblioteca del Congreso , primero bajo el liderazgo de Oscar Sonneck , jefe de las Divisiones de Música de la Biblioteca. [165] Estos investigadores incluyeron a Robert W. Gordon, fundador del Archivo de Canciones Folclóricas Estadounidenses , y a John y Alan Lomax ; Alan Lomax fue el más destacado de varios coleccionistas de canciones populares que ayudaron a inspirar el resurgimiento de las raíces de la cultura popular estadounidense en el siglo XX. [166]
Los análisis académicos de principios del siglo XX sobre la música estadounidense tendían a interpretar las tradiciones clásicas de origen europeo como las más dignas de estudio, mientras que las músicas folclóricas, religiosas y tradicionales de la gente común se denigraban como de clase baja y de poco valor artístico o social. La historia de la música estadounidense se comparó con el registro histórico mucho más largo de las naciones europeas, y se encontró que era deficiente, lo que llevó a escritores como el compositor Arthur Farwell a reflexionar sobre qué tipos de tradiciones musicales podrían surgir de la cultura estadounidense, en su Music in America de 1915. En 1930, Our American Music de John Tasker Howard se convirtió en un análisis estándar, centrándose principalmente en la música de concierto compuesta en los Estados Unidos. [167] Desde el análisis del musicólogo Charles Seeger a mediados del siglo XX, la historia de la música estadounidense a menudo se ha descrito como íntimamente relacionada con las percepciones de la raza y la ascendencia. Desde esta perspectiva, el diverso trasfondo racial y étnico de los Estados Unidos ha promovido un sentido de separación musical entre las razas, al mismo tiempo que ha fomentado una aculturación constante, ya que los elementos de las músicas europea, africana e indígena han cambiado de campo. [165] America's Music, from the Pilgrims to the Present de Gilbert Chase fue la primera obra importante en examinar la música de todos los Estados Unidos y reconocer las tradiciones folclóricas como culturalmente más significativas que la música para la sala de conciertos. El análisis de Chase de una identidad musical estadounidense diversa ha seguido siendo la visión dominante entre el establishment académico. [167] Sin embargo, hasta las décadas de 1960 y 1970, la mayoría de los académicos musicales en los Estados Unidos continuaron estudiando la música europea, limitándose solo a ciertos campos de la música estadounidense, especialmente los estilos clásicos y operísticos derivados de Europa y, a veces, el jazz afroamericano. Los musicólogos y etnomusicólogos más modernos han estudiado temas que van desde la identidad musical nacional hasta los estilos y técnicas individuales de comunidades específicas en un momento particular de la historia estadounidense. [165] Entre los estudios recientes más destacados sobre la música estadounidense se incluyen Music in the New World de Charles Hamm de 1983 y America's Musical Life de Richard Crawford de 2001. [168]
La música es una parte importante de varias festividades estadounidenses, especialmente en la celebración invernal de la Navidad . La música de la festividad incluye canciones religiosas como " O Holy Night " y canciones seculares como " Jingle Bells ". Las canciones patrióticas como el himno nacional, " The Star-Spangled Banner ", son una parte importante de las celebraciones del Día de la Independencia . La música también juega un papel en muchas festividades regionales que no se celebran a nivel nacional, la más famosa de las cuales es el Mardi Gras , un desfile y festival de música y baile en Nueva Orleans, Luisiana .
Estados Unidos es el hogar de numerosos festivales de música , que presentan estilos que van desde el blues y el jazz hasta el indie rock y el heavy metal. Algunos festivales de música son estrictamente locales en su alcance, incluyen pocos o ningún artista con reputación nacional, y generalmente son operados por promotores locales. Las grandes compañías discográficas organizan sus propios festivales de música, como Lollapalooza y Ozzfest , que atraen a grandes multitudes.
Por región :
{{cite web}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) CS1 maint: numeric names: authors list (link)define la música latina simplemente como cualquier lanzamiento con letras mayoritariamente en español.
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
