Americana (también conocida como música de raíces americanas ) [1] es una amalgama de música estadounidense formada por la confluencia de las variadas y compartidas tradiciones que conforman el espíritu musical de los Estados Unidos de América, con especial énfasis en la música históricamente desarrollada en el Sur americano .
El término “música americana” fue definido por la Asociación de Música Americana (AMA) en 2020 como “…los ricos hilos de country , folk , blues , soul , bluegrass , gospel y rock en nuestro tapiz”. [2] Una definición anterior del género de la AMA de 2016 incluía el ritmo y el blues , con comentarios adicionales de que la música americana da como resultado “un sonido distintivo orientado a las raíces que vive en un mundo aparte de las formas puras de los géneros en los que puede basarse. Si bien los instrumentos acústicos suelen estar presentes y son vitales, Americana también suele utilizar una banda completamente eléctrica”. [3]
Los orígenes de la música americana se remontan a principios del siglo XX, cuando los músicos rurales estadounidenses comenzaron a incorporar elementos de la música folk, blues y country en sus canciones. [4] Los músicos estadounidenses a menudo tocaban instrumentos acústicos como la guitarra , el banjo , el violín y el contrabajo , y sus canciones generalmente contaban historias sobre las luchas y dificultades de la vida cotidiana. [5]
El resurgimiento de la música folclórica estadounidense comenzó durante la década de 1940 y alcanzó su punto máximo de popularidad a mediados de la década de 1960. El renacimiento folclórico en la ciudad de Nueva York tuvo sus raíces en el resurgimiento del interés por los bailes en cuadrilla y los bailes folclóricos allí en la década de 1940, propugnado por instructores como Margot Mayo , lo que dio a músicos como Pete Seeger una exposición popular. [6] [7] [8] El resurgimiento del folk en términos más generales como fenómeno popular y comercial comienza con la carrera de The Weavers , formada en noviembre de 1948 por Pete Seeger , Lee Hays , Fred Hellerman y Ronnie Gilbert de People's Songs , de del que Seeger había sido presidente y Hays secretario ejecutivo.
El Kingston Trio , un grupo originario de la costa oeste, se inspiró directamente en los Weavers en su estilo y presentación y cubrió parte del material de los Weavers, que era predominantemente tradicional. La popularidad del Kingston Trio sería seguida por la de Joan Baez . cuyo álbum debut Joan Baez alcanzó el top ten a finales de 1960 y permaneció en las listas de Billboard durante más de dos años. No pasó mucho tiempo antes de que la categoría de música folk llegara a incluir material menos tradicional y creaciones más personales y poéticas de artistas individuales, que se autodenominaban "cantautores". Como resultado del éxito financiero de los artistas folk comerciales de alto perfil, las compañías discográficas comenzaron a producir y distribuir discos de una nueva generación de cantautores y resurgimientos del folk: Phil Ochs , Tom Paxton , Eric von Schmidt , Buffy Sainte-Marie , Dave Van Ronk , Judy Collins , Tom Rush , Fred Neil , Gordon Lightfoot , Billy Ed Wheeler , John Denver , John Stewart , Arlo Guthrie , Harry Chapin y John Hartford , entre otros.
Parte de esta ola había surgido de tradiciones familiares de canto y juego, y otra no. Estos cantantes frecuentemente se enorgullecían de interpretar material tradicional en imitaciones del estilo de los cantantes originales que habían descubierto, frecuentemente escuchando la célebre compilación en LP de Harry Smith de olvidadas u oscuras grabaciones comerciales de 78 rpm "de raza" y "hillbilly" de la Décadas de 1920 y 1930, Antología Folkways de la música folclórica estadounidense (1951). Varios de los artistas que habían hecho estas antiguas grabaciones todavía estaban vivos y habían sido "redescubiertos" y llevados a los Festivales Folclóricos de Newport de 1963 y 64 . Por ejemplo, el tradicionalista Clarence Ashley introdujo a los revivalistas folclóricos a la música de sus amigos que todavía tocaban activamente la música antigua, como Doc Watson y The Stanley Brothers .
En las décadas de 1950 y 1960, la música folk revival comenzó a evolucionar e incorporar elementos del rock and roll y otros estilos musicales populares. Artistas como Bob Dylan y los Byrds comenzaron a mezclar música folk y country tradicional con guitarras eléctricas y baterías, creando un nuevo sonido que llegó a conocerse como folk rock . [4]
El 20 de enero de 1965, los Byrds entraron en los Columbia Studios de Hollywood para grabar la melodía acústica de Bob Dylan "Mr. Tambourine Man" y lanzarla como su sencillo debut en Columbia. El tratamiento completo y eléctrico de la banda de rock que los Byrds y el productor Terry Melcher le habían dado a la canción creó efectivamente la plantilla para el subgénero musical del folk rock . [9] [10] La forma melódica y tintineante de McGuinn de tocar la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas, que estaba fuertemente comprimida para producir un tono extremadamente brillante y sostenido , fue inmediatamente influyente y lo ha seguido siendo hasta el día de hoy. El sencillo también presentaba otra característica importante del sonido de la banda: su canto en armonía clara , que generalmente presentaba a McGuinn y Clark al unísono , con Crosby proporcionando la armonía alta. [11] Además, Richie Unterberger ha declarado que la letra abstracta de la canción llevó la composición de canciones de rock y pop a nuevas alturas; nunca antes un grupo de música popular había combinado semejante juego de palabras intelectual y literario con instrumentación de rock. [12]
En tres meses, " Mr. Tambourine Man " se había convertido en el primer gran éxito del folk rock , [13] alcanzando el número uno tanto en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos como en la lista de singles del Reino Unido . [14] [15] El éxito del sencillo inició el boom del folk rock de 1965 y 1966, durante el cual varios actos influenciados por Byrds tuvieron éxitos en las listas estadounidenses y británicas. [12] El término "folk rock" fue acuñado por la prensa musical estadounidense para describir el sonido de la banda en junio de 1965, aproximadamente al mismo tiempo que "Mr. Tambourine Man" alcanzó el puesto número 1 en los EE. UU. [ 16] [17 ]
El éxito comercial de la versión de los Byrds de "Mr. Tambourine Man" de Dylan y su álbum debut del mismo nombre , junto con las propias grabaciones de Dylan con instrumentación de rock, en los álbumes Bringing It All Back Home (1965), Highway 61 Revisited. (1965) y Blonde on Blonde (1966): alentaron a otros grupos folk, como Simon & Garfunkel , a utilizar acompañamientos eléctricos en sus discos y a formar nuevos grupos, como Buffalo Springfield . La controvertida aparición de Dylan en el Newport Folk Festival el 25 de julio de 1965, donde estuvo respaldado por una banda eléctrica, fue también un momento crucial en el desarrollo del género.
En la década de 1990, el término country alternativo, paralelo al rock alternativo, comenzó a usarse para describir un grupo diverso de músicos y cantantes que operaban fuera de las tradiciones y la industria de la música country convencional. Muchos evitaron los valores de producción cada vez más pulidos y la sensibilidad pop de la industria dominada por Nashville en favor de un sonido más lo-fi , frecuentemente infundido con una fuerte estética punk y rock and roll . El country alternativo se basó en la música country tradicional estadounidense, la música de los trabajadores, preservada y celebrada por practicantes como Woody Guthrie , Hank Williams y The Carter Family , a menudo citados como influencias importantes. [18] Otra influencia importante fue el country rock , resultado de fusionar la música country con un sonido de rock & roll. El artista que más comúnmente se cree que originó el country rock es Gram Parsons (quien se refirió a su sonido como "Cosmic American Music"), aunque Michael Nesmith , Steve Earle [19] y Gene Clark son frecuentemente identificados como innovadores importantes. [20] El tercer factor fue el punk rock , que proporcionó una energía y una actitud de bricolaje . [19]
Los intentos de combinar punk y country fueron iniciados por Jason and the Scorchers de Nashville , y en la escena cowpunk del sur de California de la década de 1980 con bandas como Long Ryders [21] y X , [22] y la banda con sede en Minneapolis, Jayhawks . X firmó con el sello principal Elektra en 1982 y lanzó Under the Big Black Sun , que marcó un alejamiento de su sonido característico. Si bien todavía era rápido y ruidoso, con guitarras punk crudas, el álbum mostró inclinaciones country en evolución. Los Scorchers lanzaron su debut, DIY EP, Reckless Country Soul , en 1982 en el sello independiente Praxis. Pero estos estilos se fusionaron completamente en el LP No Depression de 1990 del tío Tupelo , que es ampliamente reconocido como el primer álbum de "país alternativo", y dio su nombre al tablón de anuncios en línea y eventualmente a la revista que apuntaló el movimiento.
En las décadas de 1990 y 2000, la música americana experimentó un resurgimiento en popularidad, cuando una nueva generación de artistas comenzó a incorporar elementos de la música tradicional estadounidense en sus canciones. Artistas como Wilco , Lucinda Williams y Gillian Welch ayudaron a popularizar un nuevo estilo de música americana que mezclaba elementos de rock, folk, country y blues. [23] [24]
Rolling Stone señala que
"Americana" se puso de moda por primera vez como frase musical descriptiva a mediados de los años noventa, cuando un grupo de promotores de radio y personas ajenas a la industria dispersos por Nashville, California y Texas buscaron crear un mercado distinto para una ola de compositores de mentalidad tradicional como Guy. Clark, Darrell Scott y Jim Lauderdale, artistas cuyo trabajo ya no dependía de una industria de la música country encabezada por Garth Brooks y Shania Twain. [25]
Este nuevo estilo de música reflejó un interés renovado en las formas musicales tradicionales estadounidenses y ayudó a establecer la música americana como un género distinto e importante por derecho propio.
La Americana Music Association, una organización comercial sin fines de lucro que defiende la música de raíces estadounidenses en todo el mundo, se formó en 1999. [26] Es una red para artistas, estaciones de radio, sellos discográficos, editores y otros actores estadounidenses con el objetivo de desarrollar una infraestructura que aumente la visibilidad y la viabilidad económica.
En la década de 2010, varios grupos musicales relacionados con la música americana llegaron a las listas de Billboard. Bandas como Mumford and Sons , The Lumineers y The Avett Brothers ayudaron a acercar la música americana contemporánea a más personas que nunca. Su popularidad como artistas tomó el género (que era una especie de nicho, a la sombra del country y el rock) y lo convirtió en algo común. [27]
En 2011, el género se incluyó oficialmente en el diccionario Merriam-Webster . [28]
En los tiempos modernos, la música americana continúa evolucionando y expandiéndose, a medida que nuevas generaciones de artistas continúan inspirándose en la rica historia y tradiciones culturales de los Estados Unidos. La instrumentación de la música americana sigue caracterizándose por guitarras acústicas, violines, banjos, mandolinas y armónicas, además de guitarras eléctricas y baterías. El género sigue profundamente arraigado en el panorama cultural y social de los Estados Unidos y continúa reflejando las diversas experiencias y perspectivas del pueblo estadounidense.
En los últimos años, el género ha incorporado más influencias del blues, el R&B y el soul, además de los elementos country y folk que siempre han sido destacados. En 2017, Rolling Stone publicó un artículo en el que afirmaba que la cultura americana estaba atravesando una "crisis de identidad", que se centró en cambiar las definiciones y los esfuerzos para promover la diversidad étnica en el género.
En 2014, el músico country tradicional Dale Watson formó los Ameripolitan Music Awards, centrados en los géneros de honky tonk , outlaw , western swing y rockabilly , con la premisa de que estos géneros ya no pueden clasificarse adecuadamente como country o americana, por lo que es necesario creación de un nuevo término, "Ameripolitan".
La estación de radio que mejor reivindica los orígenes del formato de radio estadounidense es KFAT en Gilroy, California, activa desde mediados de 1975 hasta enero de 1983, como se describe en el libro Fat Chance , [29] escrito por Gilbert Klein en 2016 y publicado por MainFramePress. .com. KFAT fue reemplazada por KHIP en Hollister CA, KPIG en Freedom CA y Fat 99 KPHT-LP en Laytonville CA. Aunque algunos [ ¿quién? ] Digamos que Americana como formato de radio tuvo su origen en 1984 en KCSN en Northridge, California, pero eso no sucedió hasta después de que KFAT, Gilroy salió del aire cuando se vendió y el formato cambió.
Mark Humphrey, colaborador de la revista country/folk Frets , presentaba un programa de radio semanal llamado "Honky Tonk Amnesia" que reproducía "música country, folk, honky tonk, cajun, dawg, blues y música antigua", una combinación que el La estación de música country KCSN se anuncia como "Americana". [30] El formato cobró fuerza a mediados de la década de 1990 como una frase descriptiva utilizada por promotores de radio y figuras de la industria musical para compositores e intérpretes de orientación tradicional.
Los programas de radio de tipo americano se pueden escuchar en una variedad de estaciones de radio no comerciales.
La guitarra acústica es quizás el instrumento más esencial de la música americana. A menudo se utiliza para proporcionar la base rítmica de una canción, así como para acompañar voces y otros instrumentos. [31] En la música americana, la guitarra acústica a menudo se toca con los dedos , lo que produce un sonido cálido y orgánico que es perfecto para la sensación terrenal y arraigada del género. [32]
El banjo es un instrumento distintivo y esencial en la música americana. [33] Su sonido brillante y vibrante es instantáneamente reconocible y a menudo también se asocia con la música de los Apalaches y el bluegrass . Los banjos a menudo se tocan utilizando una técnica llamada martillo , que consiste en golpear las cuerdas con el dorso de la uña. [34] El banjo agrega una textura única a la música americana, y su interpretación intrincada y rápida puede crear un ritmo impulsor que impulsa una canción hacia adelante.
La mandolina es un pequeño instrumento de cuerda que se utiliza comúnmente en la música folk y bluegrass. Su sonido brillante y agudo añade un sabor distintivo a la música americana, y su interpretación rápida e intrincada puede crear una sensación vivaz y alegre. Las mandolinas a menudo se tocan usando una técnica llamada trémolo , que implica tocar rápidamente las cuerdas para crear un sonido sostenido y brillante. [35]
El violín es un instrumento de cuerda tradicional que se utiliza a menudo en la música americana. [36] Su sonido versátil puede crear tanto melodías lentas y tristes como ritmos rápidos y animados. Los violines a menudo se tocan utilizando una técnica llamada "aserrado", que implica mover rápidamente el arco hacia adelante y hacia atrás a través de las cuerdas para crear un ritmo impulsor. [37] Los violines pueden agregar una cualidad inquietante a la música americana y pueden crear una sensación de nostalgia y anhelo.
A pesar del nombre más común del género, no lo practican únicamente artistas de los Estados Unidos, ya que numerosos artistas de Canadá también se destacan en el género. [38] Las bandas canadienses del género a veces serán denominadas Canadiana en lugar de Americana en los medios canadienses, [39] aunque este no es un sinónimo ampliamente reconocido en otros lugares. Una escena noruega a menudo se conoce como Nordicana . [40]