En las artes visuales , el modernismo tardío abarca la producción general del arte más reciente realizada entre las secuelas de la Segunda Guerra Mundial y los primeros años del siglo XXI. La terminología a menudo apunta a similitudes entre el modernismo tardío y el posmodernismo , aunque existen diferencias. El término predominante para el arte producido desde la década de 1950 es arte contemporáneo . No todo el arte etiquetado como arte contemporáneo es modernista o posmoderno, y el término más amplio abarca tanto a los artistas que continúan trabajando en tradiciones modernas y modernistas tardías, como a los artistas que rechazan el modernismo por el posmodernismo u otras razones. Arthur Danto sostiene explícitamente en After the End of Art que la contemporaneidad era el término más amplio y que los objetos posmodernos representan un subsector del movimiento contemporáneo que reemplazó a la modernidad y el modernismo, mientras que otros críticos notables: Hilton Kramer , [1] Robert C. Morgan , Kirk Varnedoe , [2] Jean-François Lyotard y otros han argumentado que los objetos posmodernos son, en el mejor de los casos, relativos a las obras modernistas.
La jerga que engloba los dos términos modernismo tardío y arte posmoderno se utiliza para designar lo que puede considerarse como la fase última del arte moderno , como el arte del final del modernismo o como ciertas tendencias del arte contemporáneo.
Hay quienes argumentan en contra de una división en períodos moderno y posmoderno. No todos los críticos están de acuerdo en que la etapa llamada modernismo haya terminado o esté cerca de su fin. No hay acuerdo en que todo el arte posterior al modernismo sea posmoderno. Arte contemporáneo es el término más utilizado para referirse al trabajo desde aproximadamente 1960, aunque también tiene muchos otros usos. El arte posmoderno tampoco está universalmente separado del modernismo, y muchos críticos lo ven simplemente como otra fase del arte moderno o como otra forma de modernismo tardío.
Como ocurre con todos los usos del término posmoderno, hay críticas a su aplicación; sin embargo, en este punto, estas críticas son minoría. [1] Esto no quiere decir que se acepte la fase del arte denotada por el posmodernismo, simplemente que la necesidad de un término para describir los movimientos en el arte después del pico del expresionismo abstracto está bien establecida. [3] Sin embargo, aunque el concepto de cambio ha llegado a un consenso, y no se sabe si se trata de un cambio posmodernista o de un período modernista tardío, el consenso es que se ha producido un cambio profundo en la percepción de las obras de arte. y ha estado surgiendo una nueva era en el escenario mundial desde al menos los años sesenta.
En literatura, el término modernismo tardío se refiere a obras literarias producidas después de la Segunda Guerra Mundial. [4] Sin embargo, existen varias definiciones diferentes de la literatura modernista tardía. El más común se refiere a obras publicadas entre 1930 y 1939, o 1945. [5] Sin embargo, hay modernistas, como Basil Bunting (1900-1985) y TS Eliot (1888-1965), que escribieron después de 1945, y Samuel Beckett. , que murió en 1989, ha sido descrito como un "modernista posterior". [6] El autor afroamericano James Baldwin también ha sido llamado un "modernista tardío", al igual que los poetas de la Generación Beat . Eliot publicó dos obras de teatro en la década de 1950 y el largo poema modernista de Bunting, Briggflatts , se publicó en 1965. Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (n. 1936), entre otros escritos de la segunda mitad del siglo XX. , quienes han sido descritos como modernistas tardíos. [7] Existe la pregunta adicional de si la literatura modernista tardía difiere de alguna manera importante de las obras modernistas producidas antes de 1930. Para confundir las cosas, más recientemente el término modernismo tardío ha sido redefinido por al menos un crítico y utilizado para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue remodelada significativamente por los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y el lanzamiento de la bomba atómica . [8]
El modernismo tardío describe movimientos que surgen de las tendencias del modernismo y reaccionan contra ellas y rechazan algún aspecto del modernismo, al tiempo que desarrollan plenamente la potencialidad conceptual de la empresa modernista. [9] En algunas descripciones, el posmodernismo como período del arte se completa, mientras que en otras es un movimiento continuo en el arte contemporáneo . En el arte, los rasgos específicos del modernismo que se citan son generalmente la pureza formal, la especificidad del medio , el arte por el arte , la posibilidad de autenticidad en el arte , la importancia o incluso la posibilidad de la verdad universal en el arte y la importancia de una vanguardia. y originalidad. Este último punto es particularmente controversial en el arte, donde muchas instituciones sostienen que ser visionario, progresista, vanguardista y progresista es crucial para la misión del arte en el presente y que, por lo tanto, lo posmoderno representa una contradicción del valor de " arte de nuestro tiempo".
Una definición compacta que se ofrece es que, si bien el posmodernismo actúa en rechazo de las grandes narrativas de dirección artística del modernismo y para erradicar los límites entre las formas altas y bajas de arte, perturba el género y sus convenciones con colisión, collage y fragmentación. Se considera que el arte posmoderno cree que todas las posturas son inestables y poco sinceras y, por lo tanto, la ironía, la parodia y el humor son las únicas posturas que no pueden ser revocadas por la crítica o por acontecimientos posteriores.
Muchos de estos rasgos están presentes en los movimientos artísticos modernos, en particular el rechazo de la separación entre formas de arte altas y bajas. Sin embargo, estos rasgos se consideran fundamentales para el arte posmoderno, en lugar de simplemente estar presentes en un grado u otro. Sin embargo, uno de los puntos de diferencia más importantes entre el posmodernismo y el modernismo, como movimientos artísticos, es la postura en última instancia progresista del modernismo de que las nuevas obras sean más "prospectivas" y avanzadas, mientras que los movimientos posmodernos generalmente rechazan la noción. que puede haber avance o progreso en el arte per se, y por ello uno de los proyectos del arte debe ser derribar el "mito de la vanguardia ". Esto se relaciona con la negación de lo que los filósofos postestructuralistas llaman " metanarrativas ".
Rosalind Krauss fue una de las importantes anunciadoras de la idea de que el vanguardismo había terminado y que la nueva era artística existía en una normalidad posliberal y posprogreso. [10] Robert Hughes explica un ejemplo de este punto de vista en The Shock of the New [11] en su capítulo "El futuro que era":
¿Dónde comenzó esta nueva academia? En sus orígenes, el mito de la vanguardia había considerado al artista como un precursor; el trabajo significativo es el que prepara el futuro. El culto al precursor acabó por saturar el paisaje con absurdas afirmaciones proféticas. La idea de una vanguardia cultural era inimaginable antes de 1800. Fue fomentada por el ascenso del liberalismo . Cuando el gusto de las cortes religiosas o seculares determinaba el mecenazgo, la innovación "subversiva" no se consideraba un signo de calidad artística. Tampoco lo fue la autonomía del artista, que llegaría con los románticos .
— Robert Hughes , El impacto de lo nuevo [12]
Como ocurre con todos los usos del término posmoderno, existen críticos de su aplicación. Kirk Varnedoe , por ejemplo, afirmó que no existe el posmodernismo y que las posibilidades del modernismo aún no se han agotado. [13] Estos críticos son actualmente una minoría. [1]
Hilton Kramer describe el posmodernismo como "una creación del modernismo al límite". [14] Jean-François Lyotard , en el análisis de Frederic Jameson , no sostiene que exista una etapa posmoderna radicalmente diferente del período del alto modernismo ; en cambio, el descontento posmoderno con tal o cual estilo modernista es parte de la experimentación del alto modernismo, dando origen a nuevos modernismos. [15]
Los movimientos radicales en el modernismo, el arte moderno y las tendencias radicales consideradas influyentes y potencialmente precursoras del modernismo tardío y el posmodernismo surgieron alrededor de la Primera Guerra Mundial y particularmente después. Con la introducción del uso de artefactos industriales en el arte, movimientos como el cubismo , dadaísmo y surrealismo , así como técnicas como el collage y formas artísticas como el cine, y el auge de la reproducción como medio para crear obras de arte. Tanto Pablo Picasso el modernista como Marcel Duchamp el rebelde crearon obras importantes e influyentes a partir de objetos encontrados .
A principios del siglo XX, tras el impacto de Henri Matisse y André Derain como pintores fauvistas y las monumentales innovaciones de Pablo Picasso y Georges Braque y el éxito mundial del cubismo y el envalentonamiento de la vanguardia , Marcel Duchamp exhibió un urinario como escultura. Su objetivo era que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte, porque él decía que era una obra de arte. Se refería a su trabajo como " Readymades ". La Fuente , fue un urinario firmado con el seudónimo de R. Mutt, que conmocionó al mundo del arte en 1917. Ésta y otras obras de Duchamp son generalmente etiquetadas como dadaístas .
El dadaísmo puede verse como parte de la propensión modernista a desafiar estilos y formas establecidos, junto con el surrealismo , el futurismo y el expresionismo abstracto . [16] Desde un punto de vista cronológico, el dadaísmo se ubica sólidamente dentro del modernismo; sin embargo, varios críticos han sostenido que anticipa el posmodernismo, mientras que otros, como Ihab Hassan y Steven Connor , lo consideran un posible punto de cambio entre modernismo y posmodernismo. [17]
El fauvismo y Henri Matisse en particular se convirtieron en una influencia importante tanto en el expresionismo abstracto como en la pintura de campos de color , hitos importantes del modernismo tardío. La Danza es comúnmente reconocida como "un punto clave en la carrera de Matisse y en el desarrollo de la pintura moderna". [18] Con su gran extensión de azul, la simplicidad del diseño y el énfasis en el sentimiento puro, la pintura fue enormemente influyente para los artistas estadounidenses que la vieron en el MoMA de la ciudad de Nueva York.
El punto de ignición para la definición del modernismo como movimiento fue el austero rechazo de la cultura popular como kitsch por parte de importantes artistas y creadores de tendencias de la posguerra, en particular Clement Greenberg con su ensayo Avant-Garde and Kitsch , publicado por primera vez en Partisan Review en 1939. [19] Durante las décadas de 1940 y 1950, Greenberg demostró ser un crítico de arte elocuente y poderoso. En particular, sus escritos sobre el expresionismo abstracto estadounidense y el modernismo europeo del siglo XX defendieron de manera persuasiva el alto arte y la cultura. En 1961 se publicó por primera vez Arte y Cultura , Beacon Press, una colección de ensayos muy influyente de Clement Greenberg . Greenberg es considerado principalmente un crítico de arte formalista y muchos de sus ensayos más importantes son cruciales para la comprensión de la historia del arte moderno y la historia del modernismo y el modernismo tardío. [20]
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que le siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte misma. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios de siglo a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma en que se hace el arte a mediados de siglo. El movimiento de Pollock –alejándose de la pintura de caballete y de lo convencional– fue una señal liberadora para sus artistas contemporáneos y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock: trabajar en el suelo, lienzos en bruto sin estirar, desde los cuatro lados, utilizar materiales artísticos, materiales industriales, imágenes, no imágenes, arrojar madejas lineales de pintura, gotear, dibujar, teñir, cepillar, esencialmente arruinar creación artística más allá de cualquier límite previo. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que las siguió. .
Relacionado con el expresionismo abstracto estuvo el surgimiento de artículos manufacturados combinados, con materiales de artista, alejándose de las convenciones anteriores de pintura y escultura. Esta tendencia en el arte está ejemplificada por el trabajo de Robert Rauschenberg , cuyas "cosechadoras" en la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y el arte de instalación , y utilizaron el ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos animales de peluche, pájaros y fotografía comercial .
Leo Steinberg utiliza el término posmodernismo en 1969 para describir el plano pictórico "plano" de Rauschenberg, que contiene una variedad de imágenes y artefactos culturales que no habían sido compatibles con el campo pictórico de la pintura premodernista y modernista. [21] Craig Owens va más allá e identifica la importancia de la obra de Rauschenberg no como una representación, en opinión de Steinberg, del "cambio de la naturaleza a la cultura", sino como una demostración de la imposibilidad de aceptar su oposición. [22]
Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Marcel Duchamp , entre el modernismo y el posmodernismo. Ambos utilizaron imágenes de objetos ordinarios, o de los objetos mismos, en su trabajo, conservando al mismo tiempo la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo. [23]
En la pintura y la escultura abstractas durante las décadas de 1950 y 1960, la abstracción geométrica surgió como una dirección importante en las obras de muchos escultores y pintores. En la pintura, la pintura de campos de color , el minimalismo , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica [24] constituyeron nuevas direcciones radicales. [25] [26]
Helen Frankenthaler , Morris Louis , Frank Stella , Ellsworth Kelly , Richard Diebenkorn [27] David Smith , Sir Anthony Caro , Mark di Suvero , Gene Davis , Kenneth Noland , Jules Olitski , Isaac Witkin , Anne Truitt , Kenneth Snelson , Al Held , Ronald Davis , [28] Howard Hodgkin , Larry Poons , Brice Marden , Robert Mangold , Walter Darby Bannard , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Charles Hinman , Sam Gilliam , Peter Reginato , fueron algunos de los artistas cuyas obras caracterizaron la pintura abstracta y escultura en los años 60. [29] La abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campos de color y el expresionismo abstracto , especialmente en el uso libre de la pintura: textura y superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura cepillada, salpicada, teñida, escurrida, vertida y salpicada se parecen superficialmente a los efectos observados en el expresionismo abstracto y la pintura de campos de color . Sin embargo, los estilos son marcadamente diferentes. Lo que lo distingue del expresionismo abstracto y la pintura de acción de las décadas de 1940 y 1950 es el enfoque de la composición y el drama. Como se ve en la pintura de acción, hay un énfasis en las pinceladas, un alto drama compositivo y una tensión compositiva dinámica. Mientras que en la abstracción lírica hay una sensación de aleatoriedad compositiva, en toda la composición, un drama compositivo discreto y relajado y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad general. Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan poderosos e influyentes como Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Phillip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Josef Albers , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Al Held , Sam Francis , Ellsworth Kelly ,Morris Louis , Helen Frankenthaler , Gene Davis , Frank Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell , Friedel Dzubas y artistas más jóvenes como Brice Marden , Robert Mangold , Sam Gilliam , John Hoyland , Sean Scully , Elizabeth Murray , Larry Poons , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Joan Snyder , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile , Mino Argento [30] y docenas de otros continuaron produciendo pinturas vitales e influyentes.
A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica a través de Malevich , la Bauhaus y Mondrian ). Artistas importantes que surgieron como pioneros del minimalismo incluyen a Frank Stella , Larry Bell , Ad Reinhardt , Agnes Martin , Barnett Newman , Donald Judd , Tony Smith , Carl Andre , Robert Smithson , Sol LeWitt , Dan Flavin , Robert Mangold , Robert Morris y Ronald. Bladen entre otros. Estos artistas también emplearon con frecuencia lienzos moldeados , como en el ejemplo de Richard Tuttle . El arte minimalista rechazó la idea de una pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el espíritu emocional de la época y las polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo sostenía que la simplicidad extrema podía capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. Asociado con pintores como Frank Stella , el minimalismo en la pintura y la escultura, a diferencia de otras áreas, es un movimiento modernista tardío y, según el contexto, puede interpretarse como un precursor del movimiento posmoderno.
Hal Foster , en su ensayo The Crux of Minimalism , examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas del minimalismo. [31] Sostiene que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan elaborándose hoy". [32]
A finales de la década de 1960, Robert Pincus-Witten acuñó el término posminimalismo para describir el arte derivado del minimalismo que tenía un contenido y connotaciones contextuales que el minimalismo rechazaba, y se aplicó al trabajo de Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra y nuevos trabajos de los ex minimalistas Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros. [33]
Rosalind Krauss sostiene que en 1968 artistas como Morris, LeWitt, Smithson y Serra habían "entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas". [34] La expansión de la categoría de escultura para incluir land art y arquitectura , "provocó el cambio hacia el posmodernismo". [35]
Minimalistas como Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken y otros continuaron produciendo sus pinturas y esculturas modernistas tardías durante el resto de sus carreras.
Sin embargo, a finales de la década de 1960, el arte procesual surgió como un concepto y movimiento revolucionario que abarcaba la pintura y la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento posminimalista , y en el arte conceptual temprano . Eva Hesse , Robert Smithson , Walter De Maria , Keith Sonnier , Richard Serra , Nancy Graves , Jannis Kounellis , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Mel Bochner , Hannah Wilke , Lynda Benglis , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va , Michael Heizer , Lawrence Weiner , Joseph Kosuth y Alan Saret fueron algunos de los artistas de proceso que surgieron durante la década de 1960. El arte procesal inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo, escala, tamaño y espacio plástico y real. [36]
Lawrence Alloway utilizó el término "arte pop" para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. [37] Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor de un arte que representaba, y a menudo celebraba, la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton , John McHale y Eduardo Paolozzi se consideraron ejemplos fundamentales del movimiento. Mientras que ejemplos estadounidenses posteriores incluyen la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de los puntos Benday , técnica utilizada en la reproducción comercial. Existe una clara conexión entre las obras radicales de Duchamp , el dadaísta rebelde —con sentido del humor; y artistas pop como Claes Oldenburg , Andy Warhol , Roy Lichtenstein y otros.
En general, el arte pop y el minimalismo comenzaron como movimientos modernistas, un cambio en el paradigma y una división filosófica entre formalismo y antiformalismo a principios de la década de 1970 hicieron que algunos vieran esos movimientos como precursores o en transición al arte posmoderno. Otros movimientos modernos citados como influyentes en el arte posmoderno son el arte conceptual , el dadaísmo y el surrealismo y el uso de técnicas como el ensamblaje , el montaje , el collage , el bricolaje y formas artísticas que utilizaban la grabación o la reproducción como base para las obras de arte.
Hay opiniones divergentes sobre si el arte pop es un movimiento modernista tardío o es posmoderno . Thomas McEvilly , coincidiendo con Dave Hickey , dice que el posmodernismo en las artes visuales comenzó con las primeras exposiciones de arte pop en 1962, "aunque pasaron unos veinte años antes de que el posmodernismo se convirtiera en una actitud dominante en las artes visuales". [38] Frederic Jameson también considera que el arte pop es posmoderno. [39]
Una forma en que el arte pop es posmoderno es que rompe lo que Andreas Huyssen llama la "Gran División" entre el arte elevado y la cultura popular. [40] El posmodernismo surge de un "rechazo generacional de las certezas categóricas del alto modernismo". [41] Aunque presuponer que el modernismo representa únicamente el "arte elevado" y que de algún modo está seguro de lo que constituye el arte "elevado" es malinterpretar profunda y básicamente el modernismo.
A finales de los años cincuenta y sesenta, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo . Yves Klein en Francia y Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York fueron pioneros de las obras de arte basadas en la performance. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando ambientes; cambiando radicalmente la relación entre público e intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now . El Judson Dance Theatre ubicado en la Judson Memorial Church , en la ciudad de Nueva York , y los bailarines de Judson, en particular Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton y otros, colaboraron con los artistas Robert. Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver . Estas actuaciones a menudo estaban diseñadas para ser la creación de una nueva forma de arte, combinando escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Las obras se caracterizaron por las filosofías reduccionistas del minimalismo y la improvisación espontánea y expresividad del expresionismo abstracto .
Durante el mismo período, desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1960, varios artistas de vanguardia crearon Happenings . Los sucesos eran reuniones misteriosas y a menudo espontáneas y sin guión de artistas y sus amigos y familiares en diversos lugares específicos. Incorporando a menudo ejercicios de absurdo, ejercicio físico, disfraces, desnudez espontánea y actos diversos aleatorios y aparentemente inconexos. Allan Kaprow , Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms y Robert Whitman , entre otros, fueron creadores notables de Happenings.
Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-1978), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus tiene sus inicios en las clases de Composición Experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la Nueva Escuela de Investigación Social de la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia en música. Los estudiantes de Cage incluyeron a los miembros fundadores de Fluxus, Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht y Dick Higgins .
Fluxus fomentó una estética del hágalo usted mismo y valoró la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que Dada antes, Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad anti-arte , menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.
Andreas Huyssen critica los intentos de reivindicar Fluxus para el posmodernismo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable; por así decirlo, lo sublime del posmodernismo". [43] En cambio, ve a Fluxus como un importante fenómeno neodadaísta dentro de la tradición de vanguardia. No representó un avance importante en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra "la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió como puntal ideológico de la Guerra Fría ". [44]
Como una especie de respuesta a Avant-Garde and Kitsch [45] de Clement Greenberg, en 1990 Kirk Varnedoe y Adam Gopnik curaron High and Low: Modern Art and Popular Culture , en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . La exposición intentó dilucidar en qué medida los artistas y la alta cultura se basaron en y a partir de la cultura popular. Aunque universalmente criticado en su momento como el único evento que podría unir a Douglas Crimp y Hilton Kramer en un coro de desprecio. [46] La exposición es recordada hoy como un punto de referencia del conflicto entre el modernismo tardío y el posmodernismo.
El arte conceptual se convirtió en un avance importante en el arte contemporáneo a finales de la década de 1960 y generó una crítica influyente sobre el status quo. El modernismo tardío se expandió y contrajo a finales de la década de 1960 y, para algunos, el arte conceptual rompió completamente con el modernismo. A veces se le tacha de posmoderno porque está expresamente involucrado en la deconstrucción de lo que hace que una obra de arte sea "arte". El arte conceptual, debido a que a menudo está diseñado para confrontar, ofender o atacar nociones sostenidas por muchas de las personas que lo ven, se considera con particular controversia. Duchamp puede verse como un precursor del arte conceptual. Por lo tanto, debido a que se exhibió la Fuente , era una escultura. Marcel Duchamp abandonó el "arte" en favor del ajedrez . [47] El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunión (1968), escrita conjuntamente con Lowell Cross, que presenta un juego de ajedrez, donde cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. En el estreno se jugó el partido entre John Cage y Marcel Duchamp . [48] Algunos otros ejemplos famosos son 4' 33" de John Cage , que son cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg . Muchas obras conceptuales adoptan la posición de que el arte es creado por el espectador que ve un objeto o actuar como arte, no desde las cualidades intrínsecas de la obra en sí.
Una serie importante de movimientos en el arte que consistentemente han sido descritos como posmodernos involucraron el arte de instalación y la creación de artefactos que son de naturaleza conceptual. Un ejemplo son los carteles de Jenny Holtzer que utilizan recursos del arte para transmitir mensajes específicos, como "Protégeme de lo que quiero". El arte de instalación ha sido importante a la hora de determinar los espacios seleccionados para los museos de arte contemporáneo con el fin de poder albergar grandes obras que se componen de vastos collages de objetos fabricados y encontrados. Estas instalaciones y collages suelen estar electrificados, con partes móviles y luces.
A menudo están diseñados para crear efectos ambientales, como el Telón de Acero de Christo y Jeanne-Claude, que era una hilera de barriles destinados a crear un atasco .
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso conjunto de varios medios diferentes. Intermedia , término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte como Fluxus , poesía concreta , objetos encontrados , arte escénico y arte por computadora . Higgins era el editor de Something Else Press , un poeta concreto , casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp . Ihab Hassan incluye "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos" en su lista de características del arte posmoderno. [49] Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de cintas de vídeo y monitores CRT, denominado Videoarte . Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el arte de performance , donde se elimina el subtexto dramático y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en pregunta o la declaración conceptual de su acción.
En su ensayo de 1980 El impulso alegórico: hacia una teoría del posmodernismo , Craig Owens identifica el resurgimiento de un impulso alegórico como característico del arte posmoderno. Este impulso se puede ver en el arte de apropiación de artistas como Sherrie Levine y Robert Longo porque "las imágenes alegóricas son imágenes apropiadas". [50] El arte de apropiación desacredita las nociones modernistas de genio artístico y originalidad y es más ambivalente y contradictorio que el arte moderno, instalando y subvirtiendo ideologías simultáneamente, "siendo a la vez crítico y cómplice". [51]
El retorno a las formas artísticas tradicionales de escultura y pintura a finales de los años 1970 y principios de los años 1980, visto en el trabajo de artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel, ha sido descrito como una tendencia posmoderna, [52] y una de las primeras movimientos coherentes que surgirán en la era posmoderna. [53] Sin embargo, sus fuertes vínculos con el mercado comercial del arte han planteado dudas, tanto sobre su estatus como movimiento posmoderno como sobre la definición del posmodernismo en sí. Hal Foster afirma que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora de la era Reagan-Bush en Estados Unidos [32] Félix Guattari ignora las "grandes operaciones de promoción denominadas 'neoexpresionismo' en Alemania", (un ejemplo de " moda que se mantiene a través de la publicidad") como una manera demasiado fácil para él "de demostrar que el posmodernismo no es más que el último suspiro del modernismo". Estas críticas al neoexpresionismo revelan que el dinero y las relaciones públicas realmente sostuvieron la credibilidad mundial del arte contemporáneo en Estados Unidos durante el mismo período en que las prácticas artísticas conceptuales y feministas reevaluaban sistemáticamente el arte moderno. [54]
Las críticas a las instituciones del arte (principalmente museos y galerías) se hacen en la obra de Marcel Broodthaers , Daniel Buren y Hans Haacke .
A principios del siglo XXI la pintura contemporánea, la escultura contemporánea y el arte contemporáneo en general continúan en varias modalidades contiguas, caracterizadas por la idea de pluralismo . La "crisis" de la pintura, la escultura y el arte actual y la crítica de arte actual la provoca hoy el pluralismo . No hay consenso, ni es necesario que lo haya, en cuanto a un estilo representativo de la época. Prevalece una actitud de todo vale; un síndrome de "todo pasa" y, en consecuencia, "nada pasa"; esto crea un atasco estético sin una dirección firme y clara y con todos los carriles de la superautopista artística llenos al máximo. En consecuencia, se siguen realizando magníficas e importantes obras de arte, aunque en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos, dejando que el mercado juzgue los méritos. La scienza della pigrizia ( La ciencia de la pereza ), de Frank Stella , de 1984, es un ejemplo de la transición de Stella de la bidimensionalidad a la tridimensionalidad y un excelente ejemplo del modernismo tardío.
Pintura de borde duro , abstracción geométrica , apropiación , hiperrealismo , fotorrealismo , expresionismo , minimalismo , abstracción lírica , arte pop , op art , expresionismo abstracto , pintura de campo de color , pintura monocromática , neoexpresionismo , collage , pintura intermedia , pintura de ensamblaje , digital La pintura , la pintura posmoderna , la pintura neodadá , la pintura sobre lienzos moldeados , la pintura mural ambiental , la pintura de figuras tradicionales , la pintura de paisajes , la pintura de retratos , son algunas de las direcciones actuales y continuas de la pintura a principios del siglo XXI. La Nueva Pintura Europea de los años 1990 y principios del siglo XXI, con pintores como Gerhard Richter , Bracha Ettinger y Luc Tuymans , ha abierto un complejo e interesante diálogo con el legado del campo cromático americano y la abstracción lírica por un lado y la figuración. por otro lado.
