James Marshall " Jimi " Hendrix (nacido como Johnny Allen Hendrix ; 27 de noviembre de 1942 - 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, compositor y cantante estadounidense. Es considerado por muchos como el mejor guitarrista de la historia de la música popular y uno de los músicos más influyentes del siglo XX. El Salón de la Fama del Rock and Roll lo describe como "posiblemente el mejor instrumentista de la historia de la música rock". [1]
Hendrix nació en Seattle , Washington, y comenzó a tocar la guitarra a los 15 años. En 1961, se alistó en el ejército de los EE. UU., pero fue dado de baja al año siguiente. Poco después, se mudó a Clarksville , luego a Nashville , Tennessee, y comenzó a tocar en conciertos en el circuito chitlin' , ganándose un lugar en la banda de acompañamiento de los Isley Brothers y más tarde con Little Richard , con quien continuó trabajando hasta mediados de 1965. Luego tocó con Curtis Knight and the Squires antes de mudarse a Inglaterra a fines de 1966 después de que el bajista Chas Chandler de los Animals se convirtiera en su manager. En cuestión de meses, Hendrix había obtenido tres éxitos entre los diez primeros del Reino Unido con su banda, Jimi Hendrix Experience (con su sección rítmica compuesta por el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell ): " Hey Joe ", " Purple Haze " y " The Wind Cries Mary ". Alcanzó la fama en los EE. UU. después de su actuación en el Festival Pop de Monterey en 1967, y en 1968 su tercer y último álbum de estudio, Electric Ladyland , alcanzó el número uno en el Billboard 200 de Estados Unidos . El LP doble fue el lanzamiento de mayor éxito comercial de Hendrix y su único álbum número uno. El músico de rock mejor pagado del mundo, [2] encabezó el Festival de Woodstock en 1969 y el Festival de la Isla de Wight en 1970 antes de su muerte accidental en Londres por asfixia relacionada con barbitúricos en septiembre de 1970.
Hendrix se inspiró en el rock and roll estadounidense y el blues eléctrico . Prefería los amplificadores saturados con alto volumen y ganancia , y fue fundamental en la popularización de los sonidos previamente indeseables causados por la retroalimentación del amplificador de guitarra . También fue uno de los primeros guitarristas en hacer un uso extensivo de unidades de efectos de alteración del tono en el rock convencional, como la distorsión fuzz, Octavia , wah-wah y Uni-Vibe . Fue el primer músico en utilizar efectos de fase estereofónica en grabaciones. Holly George-Warren de Rolling Stone comentó: "Hendrix fue pionero en el uso del instrumento como fuente de sonido electrónico. Los músicos antes que él habían experimentado con la retroalimentación y la distorsión, pero Hendrix convirtió esos efectos y otros en un vocabulario controlado y fluido tan personal como el blues con el que comenzó". [3]
Hendrix recibió varios premios musicales durante su vida y de manera póstuma. En 1967, los lectores de Melody Maker lo votaron como Músico Pop del Año y en 1968, Billboard lo nombró Artista del Año y Rolling Stone lo declaró Intérprete del Año. Disc and Music Echo lo honró con el premio al Mejor Músico del Mundo de 1969 y en 1970, Guitar Player lo nombró Guitarrista de Rock del Año. The Jimi Hendrix Experience fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992 y en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido en 2005. Rolling Stone ha clasificado los tres álbumes de estudio de la banda, Are You Experienced (1967), Axis: Bold as Love (1967) y Electric Ladyland (1968), en sus diversas listas de los " 500 mejores álbumes de todos los tiempos ", y clasificó a Hendrix como el mejor guitarrista y el sexto mejor artista de todos los tiempos. [4]
Hendrix era de ascendencia afroamericana y presuntamente cherokee . [nb 1] Su abuelo paterno, Bertran Philander Ross Hendrix, nació en 1866 de una relación extramatrimonial entre una mujer llamada Fanny y un comerciante de granos de Urbana, Ohio o Illinois, uno de los hombres más ricos de la zona en ese momento. [11] [nb 2] La abuela paterna de Hendrix, Zenora "Nora" Rose Moore, fue una ex bailarina y artista de vodevil que cofundó Fountain Chapel en Hogan's Alley . [13] Hendrix y Moore se mudaron a Vancouver , Canadá, donde tuvieron un hijo al que llamaron James Allen Hendrix el 10 de junio de 1919; la familia lo llamó "Al". [14]
En 1941, después de mudarse a Seattle , Washington, Al conoció a Lucille Jeter (1925-1958) en un baile; se casaron el 31 de marzo de 1942. [15] El padre de Lucille (abuelo materno de Jimi) era Preston Jeter (nacido en 1875), cuya madre nació en circunstancias similares a las de Bertran Philander Ross Hendrix. [16] La madre de Lucille, Clarice ( de soltera Lawson), tenía antepasados afroamericanos que habían sido personas esclavizadas. [17] Al, que había sido reclutado por el ejército de los EE. UU. para servir en la Segunda Guerra Mundial , se fue para comenzar su entrenamiento básico tres días después de la boda. [18] Johnny Allen Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 en Seattle; fue el primero de los cinco hijos de Lucille. En 1946, los padres de Johnny cambiaron su nombre a James Marshall Hendrix, en honor a Al y su difunto hermano Leon Marshall. [19] [nota 3]
Al estaba destinado en Alabama en el momento del nacimiento de Hendrix, pero se le negó a Al el permiso militar estándar que se otorga a los militares por parto; su oficial al mando lo colocó en la empalizada para evitar que se ausentara sin permiso para ver a su hijo pequeño en Seattle. Pasó dos meses encerrado sin juicio y, mientras estaba en la empalizada, recibió un telegrama que anunciaba el nacimiento de su hijo. [13] [nb 4] Durante la ausencia de tres años de Al, Lucille luchó por criar a su hijo. [23] Cuando Al estaba fuera, Hendrix era atendido principalmente por familiares y amigos, especialmente la hermana de Lucille, Delores Hall, y su amiga Dorothy Harding. [24] Al recibió una baja honorable del ejército de los EE. UU. el 1 de septiembre de 1945. Dos meses después, al no poder encontrar a Lucille, Al fue a la casa de Berkeley , California, de una amiga de la familia llamada Sra. Champ, que había cuidado e intentado adoptar a Hendrix; aquí es donde Al vio a su hijo por primera vez. [25]
Después de regresar del servicio, Al se reunió con Lucille, pero su incapacidad para encontrar un trabajo estable dejó a la familia empobrecida. Ambos luchaban con el alcohol y a menudo peleaban cuando estaban intoxicados. La violencia a veces llevó a Hendrix a retraerse y esconderse en un armario en su casa. [26] Su relación con su hermano Leon (nacido en 1948) era cercana pero precaria; con Leon entrando y saliendo de hogares de acogida, vivían con una amenaza casi constante de separación fraternal. [27] Además de Leon, Hendrix tenía tres hermanos menores: Joseph, nacido en 1949, Kathy en 1950 y Pamela en 1951, todos los cuales Al y Lucille entregaron a hogares de acogida y adopción. [28] La familia se mudaba con frecuencia, alojándose en hoteles baratos y apartamentos alrededor de Seattle. En ocasiones, los miembros de la familia llevaban a Hendrix a Vancouver para quedarse en casa de su abuela. Un niño tímido y sensible, se vio profundamente afectado por sus experiencias de vida. [29] En años posteriores, le confió a una novia que había sido víctima de abuso sexual por parte de un hombre uniformado. [30] El 17 de diciembre de 1951, cuando Hendrix tenía nueve años, sus padres se divorciaron; el tribunal le concedió a Al la custodia de él y de Leon. [31]
En la escuela primaria Horace Mann de Seattle, a mediados de los años 50, la costumbre de Hendrix de llevar una escoba consigo para emular una guitarra llamó la atención de la trabajadora social de la escuela. Después de más de un año de aferrarse a una escoba como una manta de seguridad , ella escribió una carta solicitando fondos escolares destinados a niños desfavorecidos, insistiendo en que dejarlo sin una guitarra podría resultar en daño psicológico. [32] Sus esfuerzos fracasaron y Al se negó a comprarle una guitarra. [32] [nb 5]
En 1957, mientras ayudaba a su padre con un trabajo secundario, Hendrix encontró un ukelele entre la basura que estaban sacando de la casa de una mujer mayor. Ella le dijo que podía quedarse con el instrumento, que tenía una sola cuerda. [34] Aprendiendo de oído, tocaba notas individuales, siguiendo las canciones de Elvis Presley , en particular " Hound Dog ". [35] [nb 6] A la edad de 33 años, la madre de Hendrix, Lucille, había desarrollado cirrosis hepática y el 2 de febrero de 1958, murió cuando se le rompió el bazo . [37] Al se negó a llevar a James y Leon al funeral de su madre; en su lugar, les dio tragos de whisky y les dijo que así era como los hombres debían lidiar con la pérdida. [37] [nb 7] En 1958, Hendrix completó sus estudios en Washington Junior High School y comenzó a asistir, pero no se graduó, de Garfield High School . [38] [nb 8]
A mediados de 1958, a los 15 años, Hendrix adquirió su primera guitarra acústica, por 5 dólares [41] (equivalente a 53 dólares en 2023). Tocaba durante horas todos los días, observando a otros y aprendiendo de guitarristas más experimentados, y escuchando a artistas de blues como Muddy Waters , BB King , Howlin' Wolf y Robert Johnson . [42] La primera melodía que Hendrix aprendió a tocar fue el tema de televisión " Peter Gunn ". [43] En esa época, Hendrix tocaba con su amigo de la infancia Sammy Drain y su hermano teclista. [44] En 1959, asistiendo a un concierto de Hank Ballard & The Midnighters en Seattle, Hendrix conoció al guitarrista del grupo Billy Davis . [45] Davis le mostró algunos riffs de guitarra y le consiguió un pequeño concierto con los Midnighters. [46] Los dos siguieron siendo amigos hasta la muerte de Hendrix en 1970. [47]
Poco después de adquirir la guitarra acústica, Hendrix formó su primera banda, los Velvetones. Sin una guitarra eléctrica, apenas se le podía escuchar por encima del sonido del grupo. Después de unos tres meses, se dio cuenta de que necesitaba una guitarra eléctrica. [48] A mediados de 1959, su padre cedió y le compró una Supro Ozark blanca . [48] El primer concierto de Hendrix fue con una banda sin nombre en el Jaffe Room del Temple De Hirsch de Seattle , pero lo despidieron entre sets por presumir. [49] Se unió a los Rocking Kings, que tocaban profesionalmente en lugares como el club Birdland. Cuando le robaron la guitarra después de que la dejó detrás del escenario durante la noche, Al le compró una Silvertone Danelectro roja . [50]
Antes de que Hendrix cumpliera 19 años, las autoridades policiales lo habían atrapado dos veces conduciendo coches robados . Dada la opción de ir a prisión o unirse al ejército , eligió lo último y se alistó el 31 de mayo de 1961. [51] Después de completar ocho semanas de entrenamiento básico en Fort Ord , California, fue asignado a la 101.ª División Aerotransportada y destinado en Fort Campbell , Kentucky. [52] Llegó el 8 de noviembre y poco después le escribió a su padre: "Aquí no hay nada más que entrenamiento físico y acoso durante dos semanas, luego, cuando vas a la escuela de saltos... te enfrentas al infierno. Te hacen trabajar hasta la muerte, alborotando y peleando". [53] En su siguiente carta a casa, Hendrix, que había dejado su guitarra en Seattle en la casa de su novia Betty Jean Morgan, le pidió a su padre que se la enviara lo antes posible, diciendo: "Realmente la necesito ahora". [53] Su padre accedió y envió a Fort Campbell la guitarra Danelectro roja Silvertone en la que Hendrix había pintado a mano las palabras «Betty Jean». [54] Su aparente obsesión con el instrumento contribuyó a que descuidara sus deberes, lo que provocó burlas y abusos físicos por parte de sus compañeros, que al menos una vez le ocultaron la guitarra hasta que les rogó que se la devolviera. [55] En noviembre de 1961, su compañero de servicio Billy Cox pasó por un club del ejército y escuchó a Hendrix tocar. [56] Impresionado por la técnica de Hendrix, que Cox describió como una combinación de « John Lee Hooker y Beethoven », Cox tomó prestado un bajo y los dos tocaron . [57] En cuestión de semanas, comenzaron a actuar en clubes de la base los fines de semana con otros músicos en una banda poco organizada, los Casuals. [58]
Hendrix completó su entrenamiento de paracaidista y, el 11 de enero de 1962, el mayor general Charles WG Rich le otorgó la prestigiosa insignia Screaming Eagles . [53] En febrero, su conducta personal había comenzado a generar críticas de sus superiores. Lo etiquetaron como un tirador no calificado y a menudo lo sorprendieron durmiendo la siesta mientras estaba de servicio y no se presentó a los controles de cama. [59] El 24 de mayo, el sargento de pelotón de Hendrix, James C. Spears, presentó un informe en el que declaró: "No tiene ningún interés en el Ejército ... En mi opinión, el soldado Hendrix nunca estará a la altura de los estándares requeridos de un soldado. Siento que el servicio militar se beneficiará si es dado de baja lo antes posible ". [60] El 29 de junio de 1962, Hendrix recibió una baja general en condiciones honorables . [61] Hendrix habló más tarde de su disgusto por el ejército y que había recibido una baja médica después de romperse el tobillo durante su 26º salto en paracaídas, [62] [nb 9] pero no se han producido registros del Ejército que indiquen que recibió o fue dado de baja por alguna lesión. [64]
En septiembre de 1962, después de que Cox fuera dado de baja del ejército, él y Hendrix se mudaron a unos 32 kilómetros de la frontera estatal desde Fort Campbell hasta Clarksville , Tennessee, y formaron una banda, los King Kasuals. [65] En Seattle, Hendrix vio a Butch Snipes tocar con los dientes y ahora el segundo guitarrista de los Kasuals, Alphonso "Baby Boo" Young, estaba realizando este truco de guitarra. [66] Para no ser eclipsado, Hendrix también aprendió a tocar de esta manera. Más tarde explicó: "La idea de hacer eso me vino ... en Tennessee. Allí tienes que tocar con los dientes o te disparan. Hay un rastro de dientes rotos por todo el escenario". [67]
Aunque comenzaron a tocar en conciertos mal pagados en lugares oscuros, la banda finalmente se mudó a Jefferson Street en Nashville , que era el corazón tradicional de la comunidad negra de la ciudad y el hogar de una próspera escena musical de rhythm and blues . [68] Consiguieron una breve residencia tocando en un lugar popular de la ciudad, el Club del Morocco, y durante los siguientes dos años Hendrix se ganó la vida tocando en un circuito de lugares en todo el sur que estaban afiliados a la Theater Owners Booking Association (TOBA), ampliamente conocido como el circuito chitlin' . [69] Además de tocar en su propia banda, Hendrix actuó como músico de apoyo para varios músicos de soul, R&B y blues, incluidos Wilson Pickett , Slim Harpo , Sam Cooke , Ike & Tina Turner [70] y Jackie Wilson . [71]
En enero de 1964, sintiendo que había superado el circuito artístico y frustrado por tener que seguir las reglas de los directores de banda, Hendrix decidió aventurarse por su cuenta. Se mudó al Hotel Theresa en Harlem , donde se hizo amigo de Lithofayne Pridgon, conocida como "Faye", quien se convirtió en su novia. [72] Pridgon, un nativo de Harlem con conexiones en toda la escena musical del área, le proporcionó refugio, apoyo y aliento. [73] Hendrix también conoció a los gemelos Allen, Arthur y Albert. [74] [nb 10] En febrero de 1964, Hendrix ganó el primer premio en el concurso amateur del Teatro Apollo . [76] Con la esperanza de asegurar una oportunidad profesional, tocó en el circuito de clubes de Harlem y formó parte de varias bandas. Por recomendación de un antiguo socio de Joe Tex , Ronnie Isley le concedió a Hendrix una audición que condujo a una oferta para convertirse en el guitarrista de la banda de acompañamiento de los Isley Brothers , los IB Specials, que aceptó de inmediato. [77]
En marzo de 1964, Hendrix grabó el sencillo de dos partes " Testify " con los Isley Brothers. Lanzado en junio, no llegó a las listas. [78] En mayo, proporcionó la instrumentación de guitarra para la canción de Don Covay , " Mercy Mercy ". Lanzada en agosto por Rosemart Records y distribuida por Atlantic , la canción alcanzó el puesto número 35 en la lista Billboard . [79]
Hendrix estuvo de gira con los Isleys durante gran parte de 1964, pero cerca de finales de octubre, después de cansarse de tocar el mismo set todas las noches, dejó la banda. [80] [nb 11] Poco después, Hendrix se unió a la banda de gira de Little Richard , los Upsetters . [82] Durante una parada en Los Ángeles en febrero de 1965, grabó su primer y único sencillo con Richard, "I Don't Know What You Got (But It's Got Me)", escrito por Don Covay y lanzado por Vee-Jay Records . [83] La popularidad de Richard estaba menguando en ese momento, y el sencillo alcanzó el puesto número 92, donde permaneció durante una semana antes de caer de la lista. [84] [nb 12] Hendrix conoció a la cantante Rosa Lee Brooks mientras se hospedaba en el Hotel Wilcox en Hollywood, y ella lo invitó a participar en una sesión de grabación para su sencillo, que incluía «My Diary» escrita por Arthur Lee como lado A y «Utee» como lado B. [86] Hendrix tocó la guitarra en ambas pistas, que también incluyeron coros de Lee. El sencillo no llegó a las listas, pero Hendrix y Lee comenzaron una amistad que duró varios años; Hendrix más tarde se convirtió en un ferviente partidario de la banda de Lee, Love . [86]
En julio de 1965, Hendrix hizo su primera aparición televisiva en Night Train , un programa producido y emitido en la estación de televisión de Nashville WLAC-TV (ahora WTVF ). Actuando en la banda de Little Richard, hizo de respaldo a los vocalistas Buddy y Stacy en " Shotgun ". La grabación en video del programa marca el metraje más antiguo conocido de Hendrix actuando. [82] Richard y Hendrix a menudo se enfrentaban por la tardanza, el vestuario y las payasadas de Hendrix en el escenario, y a fines de julio, el hermano de Richard, Robert, lo despidió. [87]
El 27 de julio, Hendrix firmó su primer contrato discográfico con Juggy Murray en Sue Records y Copa Management. [88] [89] Luego se reincorporó brevemente a los Isley Brothers y grabó un segundo sencillo con ellos, "Move Over and Let Me Dance", acompañado de "Have You Ever Been Disappointed". [90] Más tarde ese año, se unió a una banda de R&B con sede en Nueva York, Curtis Knight and the Squires, después de conocer a Knight en el vestíbulo de un hotel donde ambos hombres se alojaban. [91] Hendrix actuó con ellos durante ocho meses. [92]
En octubre de 1965, él y Knight grabaron el sencillo "How Would You Feel" acompañado de "Welcome Home". A pesar de su contrato de dos años con Sue, [93] Hendrix firmó un contrato de grabación de tres años con el empresario Ed Chalpin el 15 de octubre. [94] Si bien la relación con Chalpin duró poco, su contrato permaneció vigente, lo que más tarde le causó problemas legales y profesionales a Hendrix. [95] [nb 13] Durante su tiempo con Knight, Hendrix realizó una breve gira con Joey Dee and the Starliters y trabajó con King Curtis en varias grabaciones, incluido el sencillo de dos partes de Ray Sharpe , "Help Me". [97] Hendrix obtuvo sus primeros créditos como compositor por dos temas instrumentales, "Hornets Nest" y "Knock Yourself Out", lanzados como sencillo de Curtis Knight and the Squires en 1966. [98] [nb 14]
Sintiéndose limitado por sus experiencias como músico de acompañamiento de R&B, Hendrix se mudó en 1966 al Greenwich Village de la ciudad de Nueva York , que tenía una escena musical vibrante y diversa. [103] Allí, le ofrecieron una residencia en el Cafe Wha? en MacDougal Street y formó su propia banda ese junio, Jimmy James and the Blue Flames , que incluía al futuro guitarrista de Spirit Randy California . [104] [nb 15] Los Blue Flames tocaron en varios clubes de Nueva York y Hendrix comenzó a desarrollar su estilo de guitarra y material que pronto usaría con The Experience. [106] [107] En septiembre, dieron algunos de sus últimos conciertos en el Cafe Au Go Go en Manhattan , como grupo de acompañamiento de un cantante y guitarrista entonces anunciado como John Hammond . [108] [nb 16]
En mayo de 1966, Hendrix luchaba por ganarse la vida tocando en el circuito de R&B, por lo que se reunió brevemente con Curtis Knight and the Squires para un concierto en uno de los locales nocturnos más populares de la ciudad de Nueva York, el Cheetah Club . [109] Durante una actuación, Linda Keith, la novia del guitarrista de los Rolling Stones Keith Richards , se fijó en Hendrix y quedó "hipnotizada" por su forma de tocar. [109] Ella lo invitó a tomar una copa con ella y los dos se hicieron amigos. [109]
Mientras Hendrix tocaba como Jimmy James and the Blue Flames, Keith lo recomendó al mánager de los Stones, Andrew Loog Oldham, y al productor Seymour Stein . No vieron el potencial musical de Hendrix y lo rechazaron. [110] Keith lo recomendó a Chas Chandler , quien estaba dejando a los Animals y estaba interesado en representar y producir artistas. [111] Chandler vio a Hendrix tocar en Cafe Wha?, un club nocturno de Greenwich Village, Nueva York. [111] A Chandler le gustó la canción de Billy Roberts « Hey Joe », y estaba convencido de que podía crear un sencillo exitoso con el artista adecuado. [112] Impresionado con la versión de Hendrix de la canción, lo llevó a Londres el 24 de septiembre de 1966, [113] y lo contrató para un contrato de representación y producción con él mismo y el ex mánager de los Animals, Michael Jeffery . [114] Esa noche, Hendrix dio una actuación improvisada en solitario en The Scotch of St James y comenzó una relación con Kathy Etchingham que duró dos años y medio. [115] [nb 17]
Tras la llegada de Hendrix a Londres, Chandler comenzó a reclutar miembros para una banda diseñada para resaltar sus talentos, la Jimi Hendrix Experience. [117] Hendrix conoció al guitarrista Noel Redding en una audición para los New Animals, donde el conocimiento de Redding sobre las progresiones del blues impresionó a Hendrix. [118] Otro criterio importante para Hendrix era la moda: según el autor Keith Shadwick, "lo que realmente le gustaba era el peinado de Redding". [118] Chandler le preguntó a Redding si quería tocar el bajo en la banda de Hendrix; Redding estuvo de acuerdo. [118] Chandler comenzó a buscar un baterista y poco después contactó a Mitch Mitchell a través de un amigo en común. Mitchell, que había sido despedido recientemente de Georgie Fame and the Blue Flames , participó en un ensayo con Redding y Hendrix donde encontraron puntos en común en su interés compartido por el rhythm and blues. Cuando Chandler llamó a Mitchell más tarde ese día para ofrecerle el puesto, aceptó de inmediato. [119] Chandler también convenció a Hendrix de cambiar la ortografía de su primer nombre, de Jimmy, al más exótico Jimi . [120]
El 1 de octubre de 1966, Chandler llevó a Hendrix al London Polytechnic en Regent Street, donde Cream tenía previsto actuar, y donde Hendrix y el guitarrista Eric Clapton se conocieron. [121] Clapton dijo más tarde: "Me preguntó si podía tocar un par de temas. Le dije: 'Por supuesto', pero tenía un presentimiento extraño sobre él". [117] A mitad del concierto de Cream, Hendrix subió al escenario e interpretó una versión frenética de la canción de Howlin' Wolf " Killing Floor ". [117] En 1989, Clapton describió la actuación: "Tocó casi todos los estilos que puedas imaginar, y no de forma llamativa. Quiero decir que hizo algunos de sus trucos, como tocar con los dientes y detrás de la espalda, pero no fue en un sentido de eclipsar el escenario en absoluto, y eso fue todo ... Se fue, y mi vida nunca volvió a ser la misma". [117]
A mediados de octubre de 1966, Chandler organizó una participación de The Experience como teloneros de Johnny Hallyday durante una breve gira por Francia. [120] Así, The Jimi Hendrix Experience realizó su primer espectáculo el 13 de octubre de 1966 en el Novelty en Evreux . [122] Su actuación de 15 minutos recibida con entusiasmo en el teatro Olympia de París el 18 de octubre marca la primera grabación conocida de la banda. [120] A fines de octubre, Kit Lambert y Chris Stamp , representantes de The Who , contrataron a The Experience para su sello recién formado, Track Records , y el grupo grabó su primera canción, "Hey Joe", el 23 de octubre. [123] " Stone Free ", que fue el primer esfuerzo de composición de Hendrix después de llegar a Inglaterra, se grabó el 2 de noviembre. [124]
Del 8 al 11 de noviembre de 1966, The Jimi Hendrix Experience tuvo una breve residencia en el club Big Apple de Múnich , sus primeros conciertos en Alemania. En esta ocasión Hendrix tuvo una experiencia de espectáculo que lo definiría a partir de entonces: al intentar escapar en pánico de un público frenético que lo había sacado del escenario, estrelló su guitarra por primera vez en una explosión de sonido en el escenario, que fue percibida por el público como parte del espectáculo. [125] Al observar la reacción del público, Chandler decidió que este espectáculo de violencia tenía que convertirse en una característica permanente del espectáculo de The Experience. [126]
A mediados de noviembre, actuaron en el club nocturno Bag O'Nails de Londres, con Clapton, John Lennon , Paul McCartney , Jeff Beck , Pete Townshend , Brian Jones , Mick Jagger y Kevin Ayers entre los asistentes. [127] Ayers describió la reacción de la multitud como una incredulidad atónita: "Todas las estrellas estaban allí, y escuché comentarios serios, ya sabes, 'mierda', 'Jesús', 'maldición' y otras palabras peores que esa". [127] La actuación le valió a Hendrix su primera entrevista, publicada en Record Mirror con el titular: "Mr. Phenomenon". [127] "Ahora escuchen esto... predecimos que [Hendrix] va a dar vueltas en el negocio como un tornado", escribió Bill Harry , quien hizo la pregunta retórica: "¿Ese sonido completo, grande y oscilante realmente lo crean solo tres personas?" [128] Hendrix dijo: "No queremos ser clasificados en ninguna categoría... Si debe tener una etiqueta, me gustaría que se llamara 'Free Feeling'. Es una mezcla de rock, freak-out, rave y blues". [129] A través de un acuerdo de distribución con Polydor Records , el primer sencillo de Experience, "Hey Joe", respaldado por "Stone Free", fue lanzado el 16 de diciembre de 1966. [130] Después de apariciones en los programas de televisión del Reino Unido Ready Steady Go! y Top of the Pops , "Hey Joe" entró en las listas del Reino Unido el 29 de diciembre y alcanzó el puesto número seis. [131] Otro éxito llegó en marzo de 1967 con el éxito número tres en el Reino Unido " Purple Haze ", y en mayo con " The Wind Cries Mary ", que permaneció en las listas del Reino Unido durante once semanas, alcanzando el número seis. [132] El 12 de marzo de 1967, actuó en el Troutbeck Hotel, Ilkley, West Yorkshire, donde, después de que se presentaran unas 900 personas (el hotel tenía licencia para 250), la policía local detuvo el concierto por cuestiones de seguridad. [133]
El 31 de marzo de 1967, mientras Experience esperaba para tocar en el Astoria de Londres , Hendrix y Chandler discutieron formas en las que podrían aumentar la exposición mediática de la banda. Cuando Chandler le pidió consejo al periodista Keith Altham, Altham sugirió que necesitaban hacer algo más dramático que el espectáculo en el escenario de The Who, que implicaba la destrucción de instrumentos. Hendrix bromeó: "Tal vez pueda destrozar un elefante", a lo que Altham respondió: "Bueno, es una lástima que no puedas prender fuego a tu guitarra". [134] Chandler luego le pidió al road manager Gerry Stickells que consiguiera un poco de líquido para encendedores . Durante el espectáculo, Hendrix dio una actuación especialmente dinámica antes de prender fuego a su guitarra al final de un set de 45 minutos. A raíz de la maniobra, los miembros de la prensa de Londres etiquetaron a Hendrix como el "Elvis Negro" y el "Hombre Salvaje de Borneo". [135] [nb 18]
Una leyenda urbana persistente en el Reino Unido sostiene que una posible explicación de los periquitos salvajes que han aparecido en Gran Bretaña desde mediados del siglo XX puede derivar de una sola pareja de pájaros que fueron liberados por Hendrix en Carnaby Street en la década de 1960. [137] [138] [139] [140] Sin embargo, según un estudio que trazó un mapa de informes de noticias históricas de avistamientos de las aves, el mito no es cierto. [141]
Después del éxito en las listas del Reino Unido de sus dos primeros sencillos, «Hey Joe» y «Purple Haze», The Experience comenzó a reunir material para un LP de larga duración. [142] En Londres, la grabación comenzó en los estudios De Lane Lea , y luego se trasladó a los prestigiosos estudios Olympic . [142] El álbum, Are You Experienced , presenta una diversidad de estilos musicales, incluyendo pistas de blues como « Red House » y la canción de R&B «Remember». [143] También incluyó la pieza de ciencia ficción experimental, « Third Stone from the Sun » y los paisajes sonoros posmodernos de la canción principal , con una prominente guitarra y batería al revés . [144] «I Don't Live Today» sirvió como medio para la improvisación de retroalimentación de guitarra de Hendrix y « Fire » fue impulsada por la batería de Mitchell. [142]
Lanzado en el Reino Unido el 12 de mayo de 1967, Are You Experienced pasó 33 semanas en las listas, alcanzando el número dos. [145] [nb 19] No pudo llegar al primer puesto gracias a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles . [147] [nb 20] El 4 de junio de 1967, Hendrix abrió un espectáculo en el Saville Theatre de Londres con su interpretación de la canción principal de Sgt. Pepper , que se lanzó solo tres días antes. El mánager de los Beatles, Brian Epstein, era dueño del Saville en ese momento, y tanto George Harrison como Paul McCartney asistieron a la actuación. McCartney describió el momento: "Las cortinas se abrieron y él vino caminando hacia adelante tocando 'Sgt. Pepper'. Es un cumplido bastante importante para cualquiera. Lo considero uno de los grandes honores de mi carrera". [148] Lanzado en los EE. UU . el 23 de agosto por Reprise Records , Are You Experienced alcanzó el número cinco en el Billboard 200. [149] [nb 21]
En 1989, Noe Goldwasser, el editor fundador de Guitar World , describió Are You Experienced como "el álbum que sacudió al mundo... dejándolo cambiado para siempre". [151] [nb 22] En 2005, la revista Rolling Stone calificó al LP doble platino como el "debut histórico" de Hendrix, y lo clasificó como el 15.º mejor álbum de todos los tiempos, destacando su "explotación del aullido del amplificador" y caracterizando su forma de tocar la guitarra como "incendiaria... histórica en sí misma". [153]
Aunque era popular en Europa en ese momento, el primer sencillo estadounidense de Experience, «Hey Joe», no logró llegar a la lista Billboard Hot 100 tras su lanzamiento el 1 de mayo de 1967. [155] Su suerte mejoró cuando McCartney los recomendó a los organizadores del Monterey Pop Festival . Insistió en que el evento estaría incompleto sin Hendrix, a quien llamó «un as absoluto de la guitarra». McCartney aceptó unirse a la junta de organizadores con la condición de que Experience actuara en el festival a mediados de junio. [156]
El 18 de junio de 1967, [157] presentado por Brian Jones como "el artista más emocionante [que había] escuchado jamás", Hendrix abrió con un arreglo rápido de la canción "Killing Floor" de Howlin' Wolf, vistiendo lo que Shadwick describió como "ropa tan exótica como cualquier otra que se exhiba en otro lugar". [158] Shadwick escribió: "[Hendrix] no solo era algo completamente nuevo musicalmente, sino una visión completamente original de cómo debería y podría lucir un artista negro estadounidense". [159] The Experience continuó interpretando versiones de "Hey Joe", "Rock Me Baby" de BB King, " Wild Thing " de Chip Taylor y " Like a Rolling Stone " de Bob Dylan , y cuatro composiciones originales: " Foxy Lady ", "Can You See Me", "The Wind Cries Mary" y "Purple Haze". [148] El set terminó con Hendrix destruyendo su guitarra y arrojando pedazos de ella al público. [160] Alex Vadukul de Rolling Stone escribió:
Cuando Jimi Hendrix prendió fuego a su guitarra en el Festival Pop de Monterey de 1967, creó uno de los momentos más perfectos del rock. De pie en la primera fila de ese concierto estaba un chico de 17 años llamado Ed Caraeff . Caraeff nunca había visto a Hendrix antes ni había escuchado su música, pero tenía una cámara con él y quedaba una toma en su rollo de película. Mientras Hendrix encendía su guitarra, Caraeff tomó una foto final. Se convertiría en una de las imágenes más famosas del rock and roll. [161] [nb 23]
Caraeff se paró en una silla al lado del borde del escenario y tomó cuatro fotografías monocromas de Hendrix quemando su guitarra. [164] [nb 24] Caraeff estaba lo suficientemente cerca del fuego como para tener que usar su cámara para proteger su rostro del calor. Rolling Stone luego coloreó la imagen, comparándola con otras fotografías tomadas en el festival antes de usar la toma para una portada de revista de 1987. [164] Según la autora Gail Buckland, el cuadro final de "Hendrix arrodillado frente a su guitarra en llamas, con las manos en alto, es una de las imágenes más famosas del rock". [164] El autor e historiador Matthew C. Whitaker escribió que "la quema de la guitarra por parte de Hendrix se convirtió en una imagen icónica en la historia del rock y le trajo atención nacional". [165] El Los Angeles Times afirmó que, al dejar el escenario, Hendrix "pasó de rumor a leyenda". [166] El autor John McDermott escribió que "Hendrix dejó atónita a la audiencia de Monterey y la dejó incrédula por lo que acababan de escuchar y ver". [167] Según Hendrix: "Decidí destruir mi guitarra al final de una canción como sacrificio. Sacrificas cosas que amas. Yo amo mi guitarra". [168] La actuación fue filmada por D. A. Pennebaker e incluida en el documental del concierto Monterey Pop , que ayudó a Hendrix a ganar popularidad entre el público estadounidense. [169]
Después del festival, Experience fue contratado para cinco conciertos en el Fillmore de Bill Graham , junto a Big Brother and the Holding Company y Jefferson Airplane . The Experience superó a Jefferson Airplane durante las dos primeras noches y los reemplazó en la parte superior del cartel en la quinta. [170] Después de su exitosa introducción en la Costa Oeste, que incluyó un concierto gratuito al aire libre en el Golden Gate Park y un concierto en el Whisky a Go Go , Experience fue contratado como el acto de apertura de la primera gira estadounidense de los Monkees . [171] Los Monkees solicitaron a Hendrix como acto de apoyo porque eran fanáticos, pero a su joven público no le gustó Experience, que abandonó la gira después de seis shows. [172] Chandler dijo más tarde que diseñó la gira para ganar publicidad para Hendrix. [173]
El segundo álbum de Experience, Axis: Bold as Love , abre con la canción «EXP», que utiliza retroalimentación microfónica y armónica de una manera nueva y creativa. [174] También mostró un efecto de paneo estéreo experimental en el que los sonidos que emanan de la guitarra de Hendrix se mueven a través de la imagen estéreo, girando alrededor del oyente. [175] La pieza reflejó su creciente interés en la ciencia ficción y el espacio exterior . [176] Compuso la canción principal del álbum y el final en torno a dos versos y dos coros, durante los cuales combina emociones con personas , comparándolas con colores. [177] La coda de la canción presenta la primera grabación de fase estéreo . [178] [nb 25] Shadwick describió la composición como "posiblemente la pieza más ambiciosa de Axis , las metáforas extravagantes de las letras sugieren una confianza creciente" en la composición de canciones de Hendrix. [180] Su forma de tocar la guitarra a lo largo de la canción está marcada por arpegios de acordes y movimiento contrapuntístico , con acordes parciales punteados con trémolo que proporcionan la base musical para el coro, que culmina en lo que el musicólogo Andy Aledort describió como "simplemente uno de los mejores solos de guitarra eléctrica jamás tocados". [181] La pista se desvanece en dobles paradas de 32 notas punteadas con trémolo . [182]
La fecha de lanzamiento prevista para Axis casi se retrasó cuando Hendrix perdió la cinta maestra de la cara uno del LP, dejándola en el asiento trasero de un taxi de Londres. [183] Con la fecha límite acercándose, Hendrix, Chandler y el ingeniero Eddie Kramer remezclaron la mayor parte de la cara uno en una sola sesión durante la noche, pero no pudieron igualar la calidad de la mezcla perdida de " If 6 Was 9 ". Redding tenía una grabación en cinta de esta mezcla, que tuvo que ser alisada con una plancha porque se había arrugado. [184] Durante los versos, Hendrix duplicó su canto con una línea de guitarra que tocó una octava más baja que su voz. [185] Hendrix expresó su decepción por haber remezclado el álbum tan rápidamente, y sintió que podría haber sido mejor si les hubieran dado más tiempo. [183]
Axis presentó una portada psicodélica que representa a Hendrix y The Experience como varios avatares de Vishnu , incorporando una pintura de ellos de Roger Law , de un foto-retrato de Karl Ferris . [186] Luego, la pintura se superpuso a una copia de un póster religioso producido en masa. [187] Hendrix declaró que la portada, en la que Track gastó $5000 en producir, habría sido más apropiada si hubiera resaltado su herencia indígena estadounidense. [188] Dijo: "Te equivocaste... No soy ese tipo de indio". [188] Track lanzó el álbum en el Reino Unido el 1 de diciembre de 1967, donde alcanzó el puesto número cinco, pasando 16 semanas en las listas. [189] En febrero de 1968, Axis: Bold as Love alcanzó el número tres en los EE. UU. [190]
Mientras que el autor y periodista Richie Unterberger describió a Axis como el álbum menos impresionante de Experience, según el autor Peter Doggett, el lanzamiento "anunció una nueva sutileza en el trabajo de Hendrix". [191] Mitchell dijo: " Axis fue la primera vez que se hizo evidente que Jimi era bastante bueno trabajando detrás de la mesa de mezclas, así como tocando, y tenía algunas ideas positivas sobre cómo quería que se grabaran las cosas. Podría haber sido el comienzo de cualquier conflicto potencial entre él y Chas en el estudio". [192]
La grabación del tercer y último álbum de estudio de Experience, Electric Ladyland , comenzó el 20 de diciembre de 1967 en Olympic Studios. [193] Se intentaron varias canciones; sin embargo, en abril de 1968, Experience, con Chandler como productor y los ingenieros Eddie Kramer y Gary Kellgren , trasladaron las sesiones a los recién inaugurados Record Plant Studios en Nueva York. [194] A medida que avanzaban las sesiones, Chandler se sintió cada vez más frustrado con el perfeccionismo de Hendrix y sus demandas de tomas repetidas. [195] Hendrix también permitió que numerosos amigos e invitados se unieran a ellos en el estudio, lo que contribuyó a un ambiente caótico y abarrotado en la sala de control y llevó a Chandler a romper su relación profesional con Hendrix. [195] Redding recordó más tarde: "Había toneladas de gente en el estudio; no te podías mover. Era una fiesta, no una sesión". [196] Redding, que había formado su propia banda a mediados de 1968, Fat Mattress , encontró cada vez más difícil cumplir con sus compromisos con Experience, por lo que Hendrix tocó muchas de las partes de bajo en Electric Ladyland . [195] La portada del álbum decía que fue "producido y dirigido por Jimi Hendrix". [195] [nb 26] Durante las sesiones de grabación de Electric Ladyland , Hendrix comenzó a experimentar con otras combinaciones de músicos, incluidos Jack Casady de Jefferson Airplane y Steve Winwood de Traffic , quienes tocaron el bajo y el órgano, respectivamente, en la jam de blues lento de 15 minutos, " Voodoo Chile ". [195] Durante la producción del álbum, Hendrix apareció en una jam improvisada con BB King, Al Kooper y Elvin Bishop . [198] [nb 27] Electric Ladyland fue lanzado el 25 de octubre y, a mediados de noviembre, había alcanzado el número uno en los EE. UU., pasando dos semanas en el primer puesto. [200] El LP doble fue el lanzamiento de mayor éxito comercial de Hendrix y su único álbum número uno. [201] Alcanzó el puesto número seis en el Reino Unido, pasando 12 semanas en la lista. [132] Electric Ladyland incluyó la versión de Hendrix de una canción de Bob Dylan, " All Along the Watchtower ", que se convirtió en el sencillo más vendido de Hendrix y su único éxito entre los 40 mejores de EE. UU., alcanzando el puesto número 20; el sencillo alcanzó el número cinco en el Reino Unido. [202] " Burning of the Midnight Lamp ",Su primera canción grabada que incluye un pedal wah-wah , se agregó al álbum. [203] Se lanzó originalmente como su cuarto sencillo en el Reino Unido en agosto de 1967 [204] y alcanzó el número 18 en las listas. [205]
En 1989, Noe Goldwasser, el editor fundador de Guitar World , describió a Electric Ladyland como "la obra maestra de Hendrix". [206] Según el autor Michael Heatley, "la mayoría de los críticos coinciden" en que el álbum es "la realización más completa de las ambiciones de largo alcance de Jimi". [195] En 2004, el autor Peter Doggett escribió: "Por su genio experimental puro, su estilo melódico, su visión conceptual y su brillantez instrumental, Electric Ladyland sigue siendo un candidato principal para el estatus de mejor álbum de rock". [207] Doggett describió el LP como "una exhibición de virtuosismo musical nunca superado por ningún músico de rock". [207]
En enero de 1969, después de una ausencia de más de seis meses, Hendrix se mudó brevemente nuevamente al apartamento de su novia Kathy Etchingham en Brook Street , Londres, al lado de la casa del compositor Handel . [208] [nb 28] Después de una presentación de " Voodoo Child ", en el programa Happening for Lulu de la BBC en enero de 1969, la banda se detuvo a mitad de un intento de su primer éxito "Hey Joe" y luego se lanzó a una versión instrumental de " Sunshine of Your Love ", como tributo a la banda recientemente disuelta Cream , [210] hasta que el director y productor Stanley Dorfman se vio obligado a llevar la canción a un final prematuro. [211] El bajista de The Experience, Noel Redding, describe en su autobiografía que "a medida que pasaban los minutos de su show en vivo, a excepción de correr al set para detenernos o desconectar el equipo, no había nada que pudiera hacer. Tocamos más allá del punto en el que Lulu podría haberse unido a nosotros, tocamos hasta el momento de hablar al final, tocamos hasta que Stanley se tiró del pelo, señaló su reloj y nos gritó en silencio. Tocamos hasta el final del show... Después, Dorfman se negó a hablar con nosotros, pero el resultado es uno de los fragmentos de película más utilizados que hemos hecho. Ciertamente, es el más relajado". [211] Dorfman recuerda que en el club de la BBC después del show, encontró a Hendrix como "un hombre muy dulce, muy tranquilo, no sabía que había hecho nada malo en absoluto". [212] Sin embargo, según la leyenda del rock and roll, a Hendrix se le prohibió trabajar nuevamente en la BBC. [213] [214] Durante este tiempo, The Experience realizó una gira por Escandinavia, Alemania Occidental y dio sus dos últimas actuaciones en Francia. [215] El 18 y el 24 de febrero, dieron conciertos con entradas agotadas en el Royal Albert Hall de Londres , que fueron las últimas apariciones europeas de esta formación. [216] [nb 29]
En febrero de 1969, Redding se había cansado de la impredecible ética de trabajo de Hendrix y de su control creativo sobre la música de Experience. [217] Durante la gira europea del mes anterior, las relaciones interpersonales dentro del grupo se habían deteriorado, particularmente entre Hendrix y Redding. [218] En su diario, Redding documentó la creciente frustración durante las sesiones de grabación de principios de 1969: "El primer día, como casi esperaba, no había nada que hacer... El segundo no hubo espectáculo en absoluto. Fui al pub durante tres horas, volví y todavía pasó una eternidad antes de que Jimi entrara. Luego discutimos... El último día, simplemente observé lo que pasaba durante un rato y luego volví a mi apartamento". [218] Las últimas sesiones de Experience que incluyeron a Redding (una regrabación de "Stone Free" para su uso como posible lanzamiento en sencillo) tuvieron lugar el 14 de abril en Olmstead and the Record Plant en Nueva York. [219] Hendrix luego llevó al bajista Billy Cox a Nueva York; comenzaron a grabar y ensayar juntos el 21 de abril. [220]
La última actuación de la formación original de Experience tuvo lugar el 29 de junio de 1969, en el Denver Pop Festival de Barry Fey , un evento de tres días celebrado en el Mile High Stadium de Denver que estuvo marcado por el uso de gases lacrimógenos por parte de la policía para controlar a la audiencia. [221] La banda escapó por poco del lugar en la parte trasera de un camión de alquiler, que fue aplastado en parte por los fanáticos que se habían subido al techo del vehículo. [222] Antes del espectáculo, un periodista enfureció a Redding al preguntarle por qué estaba allí; el periodista luego le informó que dos semanas antes Hendrix anunció que había sido reemplazado por Billy Cox. [223] Al día siguiente, Redding abandonó Experience y regresó a Londres. [221] Anunció que había dejado la banda y tenía la intención de seguir una carrera en solitario, culpando a los planes de Hendrix de expandir el grupo sin permitir su aporte como razón principal para irse. [224] Redding dijo más tarde: "Mitch y yo pasábamos mucho tiempo juntos, pero somos ingleses. Si salíamos, Jimi se quedaba en su habitación. Pero cualquier mala sensación venía de que éramos tres tipos que viajábamos demasiado, nos cansábamos demasiado y tomábamos demasiadas drogas... Me gustaba Hendrix. No me gusta Mitchell". [225]
Poco después de la partida de Redding, Hendrix comenzó a alojarse en la casa Ashokan de ocho habitaciones, en la aldea de Boiceville cerca de Woodstock en el norte del estado de Nueva York, donde había pasado un tiempo de vacaciones a mediados de 1969. [226] El mánager Michael Jeffery organizó el alojamiento con la esperanza de que el respiro pudiera animar a Hendrix a escribir material para un nuevo álbum. Durante este tiempo, Mitchell no estaba disponible para los compromisos asumidos por Jeffery, que incluyeron la primera aparición de Hendrix en la televisión estadounidense, en The Dick Cavett Show , donde fue respaldado por la orquesta del estudio, y una aparición en The Tonight Show donde apareció con Cox y el baterista de sesión Ed Shaughnessy . [223]
En 1969, Hendrix era el músico de rock mejor pagado del mundo. [2] En agosto, encabezó la Feria de Música y Arte de Woodstock que incluía a muchas de las bandas más populares de la época. [228] Para el concierto, agregó al guitarrista rítmico Larry Lee y a los congueros Juma Sultan y Jerry Velez . La banda ensayó durante menos de dos semanas antes de la actuación y, según Mitchell, nunca conectaron musicalmente. [229] Antes de llegar al compromiso, Hendrix escuchó informes de que el tamaño de la audiencia había crecido enormemente, lo que le preocupó ya que no disfrutaba actuar para grandes multitudes. [230] Fue un atractivo importante para el evento y, aunque aceptó sustancialmente menos dinero por la aparición que su tarifa habitual, fue el intérprete mejor pagado del festival. [231] [nb 30]
Hendrix decidió trasladar su turno de medianoche del domingo al lunes por la mañana, cerrando el espectáculo. La banda subió al escenario alrededor de las 8:00 a. m., [233] momento en el que Hendrix ya llevaba despierto más de tres días. [234] La audiencia, que alcanzó un máximo estimado de 400.000 personas, se redujo a 30.000. [230] El maestro de ceremonias del festival, Chip Monck , presentó al grupo como "la experiencia Jimi Hendrix", pero Hendrix aclaró: "Decidimos cambiar todo y llamarlo 'Gypsy Sun and Rainbows'. Para abreviar, no es más que una 'Band of Gypsys'". [235]
La interpretación de Hendrix incluyó una interpretación del himno nacional de Estados Unidos, " The Star-Spangled Banner ", con abundante retroalimentación, distorsión y sustain para imitar los sonidos producidos por cohetes y bombas. [236] Los expertos políticos contemporáneos describieron su interpretación como una declaración contra la guerra de Vietnam . Tres semanas después, Hendrix dijo: "Todos somos estadounidenses... fue como '¡Vamos América!'... Lo tocamos como es el aire en Estados Unidos hoy. El aire es ligeramente estático, ¿ves?". [237] Inmortalizada en el documental de 1970, Woodstock , la versión de Hendrix se convirtió en parte del zeitgeist de los años sesenta . [238] El crítico pop Al Aronowitz del New York Post escribió: "Fue el momento más electrizante de Woodstock, y probablemente fue el momento más grande de los años sesenta". [237] Las imágenes de la actuación que muestran a Hendrix con una chaqueta de cuero blanca con cuentas azules y flecos, un pañuelo rojo en la cabeza y jeans azules se consideran imágenes icónicas que capturan un momento decisivo de la era. [239] [nb 31] Tocó "Hey Joe" durante el bis, concluyendo el festival de 3 días y medio . Al salir del escenario, se desplomó de agotamiento. [238] [nb 32] En 2011, los editores de Guitar World nombraron su interpretación de "The Star-Spangled Banner" como la mejor interpretación de todos los tiempos. [242]
En 1966 surgió una disputa legal con respecto a un contrato discográfico que Hendrix había firmado el año anterior con el productor Ed Chalpin. [243] Después de dos años de litigio, las partes acordaron una resolución que le otorgaba a Chalpin los derechos de distribución de un álbum de material original de Hendrix. Hendrix decidió que grabarían el LP, Band of Gypsys , durante dos presentaciones en vivo. [244] En preparación para los shows, formó un trío de power trío completamente negro con Cox y el baterista Buddy Miles , anteriormente con Wilson Pickett, Electric Flag y Buddy Miles Express . [245] El crítico John Rockwell describió a Hendrix y Miles como fusionistas de jazz-rock , y su colaboración como pionera. [246] Otros identificaron una influencia del funk y el soul en su música. [247] El promotor de conciertos Bill Graham llamó a los shows "la exhibición más brillante y emotiva de guitarra eléctrica virtuosa" que jamás había escuchado. [248] Los biógrafos han especulado que Hendrix formó la banda en un esfuerzo por apaciguar a los miembros del movimiento Black Power y a otros en las comunidades negras que pedían que usara su fama para hablar a favor de los derechos civiles. [249]
Hendrix había estado grabando con Cox desde abril y tocando con Miles desde septiembre, y el trío escribió y ensayó material que interpretaron en una serie de cuatro shows durante dos noches el 31 de diciembre y el 1 de enero, en el Fillmore East . Usaron grabaciones de estos conciertos para armar el LP, que fue producido por Hendrix. [250] El álbum incluye la canción " Machine Gun ", que el musicólogo Andy Aledort describió como el pináculo de la carrera de Hendrix, y "el primer ejemplo de [su] genio incomparable como guitarrista de rock... En esta interpretación, Jimi trascendió el medio de la música rock y estableció un estándar completamente nuevo para el potencial de la guitarra eléctrica". [251] Durante los largos descansos instrumentales de la canción, Hendrix creó sonidos con su guitarra que representaban sonoramente la guerra, incluidos cohetes, bombas y aviones en picado. [252]
El álbum The Band of Gypsys fue el único LP oficial en vivo de Hendrix que se comercializó durante su vida; varias pistas de los shows de Woodstock y Monterey fueron lanzadas más tarde ese año. [253] El álbum fue lanzado en abril de 1970 por Capitol Records ; alcanzó el top ten tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. [248] Ese mismo mes se lanzó un sencillo con " Stepping Stone " como lado A e "Izabella" como lado B, pero Hendrix no estaba satisfecho con la calidad de la masterización y exigió que se retirara y se volviera a mezclar, lo que impidió que las canciones entraran en las listas y resultó en el sencillo menos exitoso de Hendrix; también fue su último. [254]
El 28 de enero de 1970, tuvo lugar una tercera y última aparición de Band of Gypsys; actuaron durante un festival de música en el Madison Square Garden en beneficio del Comité de Moratoria contra la Guerra de Vietnam titulado "Festival de Invierno por la Paz". [255] El guitarrista de blues estadounidense Johnny Winter estaba detrás del escenario antes del concierto; recordó: "[Hendrix] entró con la cabeza gacha, se sentó solo en el sofá y puso la cabeza entre las manos ... No se movió hasta que llegó la hora del espectáculo". [256] Minutos después de subir al escenario, le espetó una respuesta vulgar a una mujer que había gritado una petición de "Foxy Lady". Luego comenzó a tocar "Earth Blues" antes de decirle a la audiencia: "Eso es lo que pasa cuando la tierra se mete con el espacio". [256] Momentos después, se sentó brevemente en el estrado de la batería antes de abandonar el escenario. [257] Tanto Miles como Redding declararon más tarde que Jeffery le había dado LSD a Hendrix antes de la actuación. [258] Miles creía que Jeffery le dio las drogas a Hendrix en un esfuerzo por sabotear la banda actual y lograr el regreso de la formación original de Experience. [257] Jeffery despidió a Miles después del espectáculo y Cox renunció, poniendo fin a Band of Gypsys. [259]
Poco después de la abrupta finalización de la actuación de Band of Gypsys y su posterior disolución, Jeffery hizo arreglos para reunir a la formación original de Experience. [260] Aunque Hendrix, Mitchell y Redding fueron entrevistados por Rolling Stone en febrero de 1970 como un grupo unido, Hendrix nunca tuvo la intención de trabajar con Redding. [261] Cuando Redding regresó a Nueva York en previsión de los ensayos con una Experience reformada, le dijeron que había sido reemplazado por Cox. [262] Durante una entrevista con Keith Altham de Rolling Stone , Hendrix defendió la decisión: "No es nada personal contra Noel, pero terminamos lo que estábamos haciendo con Experience y el estilo de tocar de Billy se adapta mejor al nuevo grupo". [260] Aunque nunca se adoptó un nombre oficial para la formación de Hendrix, Mitchell y Cox, los promotores a menudo los anunciaban como Jimi Hendrix Experience o simplemente Jimi Hendrix. [263]
Durante la primera mitad de 1970, Hendrix trabajó esporádicamente en material para lo que habría sido su próximo LP. [254] Muchas de las pistas fueron lanzadas póstumamente en 1971 como The Cry of Love . [264] Había comenzado a escribir canciones para el álbum en 1968, pero en abril de 1970 le dijo a Keith Altham que el proyecto había sido abandonado. [254] Poco después, él y su banda se tomaron un descanso de la grabación y comenzaron la gira Cry of Love en el LA Forum , actuando para 20.000 personas. [265] Las listas de canciones durante la gira incluyeron numerosas pistas de Experience, así como una selección de material más nuevo. [265] Se grabaron varios shows, y produjeron algunas de las actuaciones en vivo más memorables de Hendrix. En uno de ellos, el segundo Atlanta International Pop Festival , el 4 de julio, tocó para la audiencia estadounidense más grande de su carrera. [266] Según los autores Scott Schinder y Andy Schwartz, asistieron al concierto unas 500.000 personas. [266] El 17 de julio, aparecieron en el New York Pop Festival; Hendrix había vuelto a consumir demasiadas drogas antes del espectáculo, y el concierto fue considerado un desastre. [267] La etapa estadounidense de la gira, que incluyó 32 actuaciones, terminó en Honolulu , Hawái, el 1 de agosto de 1970. [268] Esta sería la última aparición en concierto de Hendrix en los EE. UU. [269]
En 1968, Hendrix y Jeffery invirtieron conjuntamente en la compra del Generation Club en Greenwich Village . [209] Inicialmente habían planeado reabrir el establecimiento, pero cuando una auditoría de los gastos de Hendrix reveló que había incurrido en tarifas exorbitantes al reservar estudios de grabación para sesiones prolongadas a tarifas máximas, decidieron convertir el edificio [270] en un estudio propio. Hendrix podría entonces trabajar tanto como quisiera y al mismo tiempo reducir sus gastos de grabación, que habían alcanzado los 300.000 dólares anuales. [271] El arquitecto y acústico John Storyk diseñó Electric Lady Studios para Hendrix, quien pidió que evitaran los ángulos rectos siempre que fuera posible. Con ventanas redondas, una máquina de iluminación ambiental y un mural psicodélico, Storyk quería que el estudio tuviera un entorno relajante que alentara la creatividad de Hendrix. [271] El proyecto tomó el doble de tiempo de lo planeado y costó el doble de lo que Hendrix y Jeffery habían presupuestado, con una inversión total estimada en $ 1 millón. [272] [n.º 33]
Hendrix utilizó por primera vez Electric Lady el 15 de junio de 1970, cuando tocó con Steve Winwood y Chris Wood de Traffic; al día siguiente, grabó allí su primer tema, «Night Bird Flying». [273] El estudio abrió oficialmente sus puertas el 25 de agosto y al día siguiente se celebró una gran fiesta de inauguración. [273] Inmediatamente después, Hendrix se fue a Inglaterra; nunca regresó a los Estados Unidos. [274] Abordó un vuelo de Air India a Londres con Cox, uniéndose a Mitchell para una actuación como acto principal del Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto de 1970. [275]
Cuando comenzó la etapa europea de la gira Cry of Love, Hendrix anhelaba su nuevo estudio y salida creativa, y no estaba ansioso por cumplir con el compromiso. El 2 de septiembre de 1970, abandonó una actuación en Aarhus después de tres canciones, declarando: "He estado muerto durante mucho tiempo". [276] Cuatro días después, dio su última aparición en concierto, en el Festival de la Isla de Fehmarn en Alemania Occidental. [277] Fue recibido con abucheos y burlas de los fanáticos en respuesta a su cancelación de un espectáculo programado para el final del cartel de la noche anterior debido a la lluvia torrencial y el riesgo de electrocución. [278] [nb 34] Inmediatamente después del festival, Hendrix, Mitchell y Cox viajaron a Londres. [280]
Tres días después de la actuación, Cox, que sufría de una paranoia severa después de haber tomado LSD o de que se lo hubieran administrado sin saberlo, abandonó la gira y se fue a vivir con sus padres en Pensilvania. [281] A los pocos días de la llegada de Hendrix a Inglaterra, había hablado con Chas Chandler, Alan Douglas y otros sobre dejar a su manager, Michael Jeffery. [282] El 16 de septiembre, Hendrix actuó en público por última vez durante una jam informal en el Ronnie Scott's Jazz Club en Soho con Eric Burdon y su última banda, War . [283] Comenzaron tocando algunos de sus éxitos recientes y, después de un breve intermedio, Hendrix se unió a ellos durante " Mother Earth " y " Tobacco Road ". [284] Murió menos de 48 horas después. [285]
Hendrix entró en un pequeño club en Clarksville, Tennessee, en julio de 1962, atraído por la música en vivo. Se detuvo a tomar una copa y terminó gastando la mayor parte de los $400 (equivalentes a $4,029 en 2023) que había ahorrado durante su tiempo en el ejército. "Entré en un local de jazz y tomé una copa", explicó. "Me gustó y me quedé. La gente me dice que a veces soy tonto, de buen carácter. De todos modos, supongo que me sentí realmente benévolo ese día. Debí haber estado repartiendo billetes a cualquiera que me lo pidiera. Salí de ese lugar con dieciséis dólares restantes". [286] El alcohol finalmente se convirtió en "el azote de su existencia, lo que lo llevaba a ataques de ira, incluso a raros estallidos de violencia física atípica". [287]
Como la mayoría de los fanáticos del ácido, Jimi tenía visiones y quería crear música para expresar lo que veía. Intentaba explicárselo a la gente, pero no tenía sentido porque no tenía ninguna relación con la realidad.
—Kathy Etchingham [288]
Roby y Schreiber afirman que Hendrix usó LSD por primera vez cuando conoció a Linda Keith a fines de 1966. Shapiro y Glebbeek, sin embargo, afirman que Hendrix lo usó en junio de 1967 como muy pronto mientras asistía al Festival Pop de Monterey. [289] Según el biógrafo de Hendrix, Charles Cross, el tema de las drogas surgió una noche de 1966 en el apartamento de Keith en Nueva York. Uno de los amigos de Keith le ofreció a Hendrix "ácido", un nombre callejero para el LSD, pero Hendrix pidió LSD en su lugar, mostrando lo que Cross describe como "su ingenuidad y su completa inexperiencia con los psicodélicos". [290] Antes de eso, Hendrix solo había consumido drogas esporádicamente, incluido el cannabis , el hachís , las anfetaminas y, ocasionalmente, la cocaína . [290] Después de 1967, consumió regularmente cannabis, hachís, LSD y anfetaminas, particularmente mientras estaba de gira. [291] Según Cross, "pocas estrellas estuvieron tan estrechamente asociadas con la cultura de las drogas como Jimi". [292]
Cuando Hendrix bebía en exceso o mezclaba drogas con alcohol, a menudo se enojaba y se volvía violento. [293] Su amigo Herbie Worthington dijo que Hendrix "simplemente se convertía en un bastardo" cuando bebía. [294] Según su amiga Sharon Lawrence, el licor "desencadenaba una ira reprimida, una furia destructiva que casi nunca mostraba de otra manera". [295]
En enero de 1968, The Experience viajó a Suecia para iniciar una gira de una semana por Europa. Durante las primeras horas de la mañana del primer día, Hendrix se vio involucrado en una pelea de borrachos en el Hotel Opalen en Gotemburgo , rompiendo una ventana de cristal y lesionándose la mano derecha, por lo que recibió tratamiento médico. [294] El incidente culminó con su arresto y liberación, a la espera de una comparecencia ante el tribunal que resultó en una gran multa. [296]
En 1969, Hendrix alquiló una casa en Benedict Canyon , California, que fue asaltada. Más tarde, bajo los efectos de las drogas y el alcohol, acusó a su amigo Paul Caruso del robo, le lanzó puñetazos y piedras y lo echó de su casa. [297] Unos días después, Hendrix golpeó a su novia, Carmen Borrero, por encima del ojo con una botella de vodka durante un ataque de celos y borrachera, y le provocó un corte que requirió puntos de sutura. [294]
Hendrix estaba pasando por la aduana en el Aeropuerto Internacional de Toronto el 3 de mayo de 1969, cuando las autoridades encontraron una pequeña cantidad de heroína y hachís en su equipaje, y lo acusaron de posesión de drogas. [298] Fue liberado bajo fianza de $10,000 (equivalente a $83,085 en 2023), y se le pidió que regresara el 5 de mayo para una audiencia de lectura de cargos. [299] El incidente resultó estresante para Hendrix, y pesó mucho en su mente durante los siete meses previos a su juicio en diciembre de 1969. [298] Para que la Corona probara la posesión, tuvieron que demostrar que Hendrix sabía que las drogas estaban allí. [300] Durante el juicio con jurado, testificó que un fan le había dado un frasco de lo que él pensó que era medicación legal que puso en su bolso. [301] Fue absuelto de los cargos. [302] Mitchell y Redding revelaron más tarde que todos habían sido advertidos sobre una redada de drogas planeada el día antes de volar a Toronto; Ambos hombres también declararon que creían que las drogas habían sido colocadas en el bolso de Hendrix sin su conocimiento. [303]
Los detalles sobre el último día y la muerte de Hendrix son objeto de controversia. [304] Pasó gran parte del 17 de septiembre de 1970 en Londres con Monika Dannemann , la única testigo de sus últimas horas. [305] Dannemann dijo que les preparó una comida en su apartamento en el Hotel Samarkand alrededor de las 11 p. m., cuando compartieron una botella de vino. [306] Ella lo llevó a la residencia de un conocido aproximadamente a la 1:45 a. m., donde permaneció durante aproximadamente una hora antes de que ella lo recogiera y los llevara de regreso a su apartamento a las 3 a. m. [307] Dijo que hablaron hasta alrededor de las 7 a. m., cuando se fueron a dormir. Dannemann se despertó alrededor de las 11 a. m. y encontró a Hendrix respirando pero inconsciente y sin responder. Llamó a una ambulancia a las 11:18 a. m. y llegó nueve minutos después. [308] Los paramédicos transportaron a Hendrix al Hospital St Mary Abbots, donde el doctor John Bannister lo declaró muerto a las 12:45 p. m. del 18 de septiembre. [309] [310] [311]
El forense Gavin Thurston ordenó una autopsia que fue realizada el 21 de septiembre por Robert Donald Teare , un patólogo forense. [312] Thurston completó la investigación el 28 de septiembre y concluyó que Hendrix aspiró su propio vómito y murió de asfixia mientras estaba intoxicado con barbitúricos . [313] Citando "pruebas insuficientes de las circunstancias", declaró un veredicto abierto . [314] Dannemann reveló más tarde que Hendrix había tomado nueve de sus pastillas para dormir Vesparax prescritas , 18 veces la dosis recomendada. [315]
Desmond Henley embalsamó el cuerpo de Hendrix, [316] que fue trasladado a Seattle el 29 de septiembre. [317] La familia y los amigos de Hendrix celebraron un servicio en la Iglesia Bautista Dunlap en el Valle Rainier de Seattle el jueves 1 de octubre; su cuerpo fue enterrado en el cementerio Greenwood en la cercana Renton , [318] la ubicación de la tumba de su madre. [319] La familia y los amigos viajaron en 24 limusinas, y más de 200 personas asistieron al funeral, entre ellos Mitch Mitchell, Noel Redding, Miles Davis , John Hammond y Johnny Winter . [320] [321]
A menudo se cita a Hendrix como un ejemplo de un número supuestamente desproporcionado de músicos que mueren a los 27 años, entre ellos Brian Jones , Alan Wilson , Jim Morrison y Janis Joplin en la misma época , un fenómeno conocido como el Club de los 27. [322]
En 1967, cuando Hendrix estaba ganando popularidad, muchas de sus grabaciones anteriores a Experience se comercializaron a un público desprevenido como álbumes de Jimi Hendrix, a veces con imágenes posteriores engañosas de Hendrix. [323] Las grabaciones, que quedaron bajo el control del productor Ed Chalpin de PPX , con quien Hendrix había firmado un contrato de grabación en 1965, a menudo se remezclaron entre sus repetidas reediciones y se licenciaron a compañías discográficas como Decca y Capitol. [324] [325] Hendrix denunció públicamente los lanzamientos, describiéndolos como "maliciosos" y "muy inferiores", afirmando: "En PPX, pasábamos en promedio alrededor de una hora grabando una canción. Hoy paso al menos doce horas en cada canción". [326] Estos lanzamientos no autorizados han constituido durante mucho tiempo una parte sustancial de su catálogo de grabaciones, que asciende a cientos de álbumes. [327]
Parte del cuarto álbum de estudio inacabado de Hendrix fue lanzado en 1971 bajo el título The Cry of Love . [264] Aunque el álbum alcanzó el número tres en los EE. UU. y el número dos en el Reino Unido, los productores Mitchell y Kramer se quejaron más tarde de que no pudieron hacer uso de todas las canciones disponibles porque algunas pistas se usaron para Rainbow Bridge de 1971 ; otras se publicaron en War Heroes de 1972. [328] El material de The Cry of Love fue relanzado en 1997 como First Rays of the New Rising Sun , junto con las otras pistas que Mitchell y Kramer habían querido incluir. [329] [nb 35] Cuatro años después de la muerte de Hendrix, el productor Alan Douglas adquirió los derechos para producir música inédita de Hendrix; atrajo críticas por utilizar músicos de estudio para reemplazar o agregar pistas. [331]
En 1993, MCA Records retrasó una venta multimillonaria de los derechos de autor de publicación de Hendrix porque Al Hendrix no estaba contento con el acuerdo. [332] Reconoció que había vendido los derechos de distribución a una corporación extranjera en 1974, pero declaró que no incluía los derechos de autor y argumentó que había conservado el poder de veto de la venta del catálogo. [332] En virtud de un acuerdo alcanzado en julio de 1995, Al Hendrix recuperó el control de los derechos de las canciones y la imagen de su hijo. [333] Posteriormente licenció las grabaciones a MCA a través de la empresa familiar Experience Hendrix LLC, formada en 1995. [334] En agosto de 2009, Experience Hendrix anunció que había firmado un nuevo acuerdo de licencia con la división Legacy Recordings de Sony Music Entertainment , que entraría en vigor en 2010. [335] Legacy y Experience Hendrix lanzaron el Jimi Hendrix Catalog Project 2010 comenzando con el lanzamiento de Valleys of Neptune en marzo de ese año. [336] En los meses previos a su muerte, Hendrix grabó demos para un álbum conceptual titulado provisionalmente Black Gold , ahora en posesión de Experience Hendrix LLC, pero no ha sido lanzado. [337] [nb 36]
Hendrix tocaba una variedad de guitarras, pero su principal afinidad era la Fender Stratocaster . [339] Adquirió su primera en 1966, cuando una novia le prestó suficiente dinero para comprar una Stratocaster usada construida alrededor de 1964. [340] La usaba a menudo durante actuaciones y grabaciones. [341] En 1967, describió la Stratocaster como "la mejor guitarra versátil para lo que hacemos"; elogió sus "agudos brillantes y graves profundos". [342]
Hendrix tocaba principalmente guitarras para diestros que estaban al revés y encordadas de nuevo para tocar con la mano izquierda. [343] Debido a la inclinación de la pastilla del puente de la Stratocaster, su cuerda más baja tenía un sonido más brillante, mientras que su cuerda más alta tenía un sonido más oscuro, lo opuesto al diseño previsto. [344] Hendrix también usó Fender Jazzmasters , Duosonics , dos Gibson Flying V diferentes , una Gibson Les Paul , tres Gibson SG , una Gretsch Corvette y una Fender Jaguar . [345] Usó una Gibson SG Custom blanca para sus actuaciones en The Dick Cavett Show en septiembre de 1969 y una Gibson Flying V negra durante el festival de la Isla de Wight en 1970. [346] [nb 37]
Durante 1965 y 1966, mientras Hendrix tocaba como telonero de grupos de soul y R&B en Estados Unidos, utilizó un amplificador Fender Twin Reverb de 85 vatios. [348] Cuando Chandler llevó a Hendrix a Inglaterra en octubre de 1966, le suministró amplificadores Burns de 30 vatios , que Hendrix pensó que eran demasiado pequeños para sus necesidades. [349] [nb 38] Después de un concierto temprano en Londres cuando no pudo usar su Fender Twin, preguntó por los amplificadores Marshall que había notado que usaban otros grupos. [349] Años antes, Mitch Mitchell había tomado lecciones de batería del fundador de Marshall, Jim Marshall , y le presentó a Hendrix a Marshall. [350] En su reunión inicial, Hendrix compró cuatro gabinetes de altavoces y tres amplificadores Super Lead de 100 vatios ; se acostumbró a usar los tres al unísono. [349] El equipo llegó el 11 de octubre de 1966 y los Experience lo utilizaron durante su primera gira. [349]
Los amplificadores Marshall fueron importantes para el desarrollo del sonido saturado de Hendrix y su uso de la realimentación, creando lo que el autor Paul Trynka describió como un "vocabulario definitivo para la guitarra de rock". [351] Hendrix solía girar todos los controles al nivel máximo, lo que se conoció como el ajuste Hendrix. [352] Durante los cuatro años anteriores a su muerte, compró entre 50 y 100 amplificadores Marshall. [353] Jim Marshall dijo que Hendrix fue "el mejor embajador" que su compañía haya tenido. [354]
Uno de los efectos característicos de Hendrix fue el pedal wah-wah , que escuchó por primera vez usado con una guitarra eléctrica en « Tales of Brave Ulysses » de Cream, lanzado en mayo de 1967. [356] Ese julio, mientras actuaba en el club Scene de la ciudad de Nueva York, Hendrix conoció a Frank Zappa , cuya banda Mothers of Invention estaba tocando en el adyacente Teatro Garrick . Hendrix quedó fascinado por la aplicación del pedal de Zappa, y experimentó con uno más tarde esa noche. [357] [nb 39] Usó un pedal wah durante la apertura de « Voodoo Child (Slight Return) », creando uno de los riffs wah-wah más conocidos de la era del rock clásico. [359] También usa el efecto en « Up from the Skies », «Little Miss Lover» y «Still Raining, Still Dreaming». [358]
Hendrix utilizó un Dallas Arbiter Fuzz Face y un pedal wah Vox durante las sesiones de grabación y las actuaciones, pero también experimentó con otros efectos de guitarra. [360] Disfrutó de una fructífera colaboración a largo plazo con el entusiasta de la electrónica Roger Mayer , a quien una vez llamó "el secreto" de su sonido. [361] Mayer le presentó el Octavia , un pedal de efectos de duplicación de octavas , en diciembre de 1966, y grabó con él por primera vez durante el solo de guitarra de "Purple Haze". [362]
Hendrix también utilizó el Uni-Vibe , diseñado para simular los efectos de modulación de un altavoz Leslie giratorio . Utilizó el efecto durante su actuación en Woodstock y en la canción "Machine Gun" de Band of Gypsys, que presenta de forma destacada el Uni-vibe junto con un Octavia y un Fuzz Face. [363] Para las actuaciones, conectó su guitarra al wah-wah, que estaba conectado al Fuzz Face, luego al Uni-Vibe y finalmente a un amplificador Marshall. [364]
En su adolescencia, en la década de 1950, Hendrix se interesó por artistas de rock and roll como Elvis Presley , Little Richard y Chuck Berry . [365] En 1968, le dijo a la revista Guitar Player que los artistas de blues eléctrico Muddy Waters, Elmore James y BB King lo inspiraron durante el comienzo de su carrera; también citó a Eddie Cochran como una influencia temprana. [366] De Muddy Waters, el primer guitarrista eléctrico del que Hendrix tuvo conocimiento, dijo: "Escuché uno de sus discos cuando era un niño pequeño y me asustó muchísimo porque escuché todos estos sonidos ". [367] En 1970, le dijo a Rolling Stone que era fanático del artista de western swing Bob Wills y que mientras vivía en Nashville, el programa de televisión Grand Ole Opry . [368]
No sé mucho de jazz, pero sé que la mayoría de esos tipos no tocan otra cosa que blues. Eso sí lo sé.
— Hendrix sobre la música jazz [369]
Cox afirmó que durante su tiempo de servicio en el ejército de los EE. UU., él y Hendrix escucharon principalmente a artistas de blues sureño como Jimmy Reed y Albert King . Según Cox, "King fue una influencia muy, muy poderosa". [366] Howlin' Wolf también inspiró a Hendrix, quien interpretó "Killing Floor" de Wolf como la canción de apertura de su debut en los EE. UU. en el Monterey Pop Festival. [370] La influencia del artista soul Curtis Mayfield se puede escuchar en la forma de tocar la guitarra de Hendrix, y la influencia de Bob Dylan se puede escuchar en la composición de canciones de Hendrix; era conocido por reproducir los discos de Dylan en repetidas ocasiones, en particular Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde . [371]
Él lo cambió todo. ¿Qué no le debemos a Jimi Hendrix? ¿Por su monumental reinvención de los "estándares de sonido" de la cultura de la guitarra, la técnica, el equipo, el procesamiento de señales, la interpretación rítmica, los solos, la presencia en el escenario, las voces de los acordes, el carisma, la moda y la composición? ... Él es el héroe de la guitarra número uno.
— Revista Guitar Player , mayo de 2012 [372]
La biografía del Experience en el Salón de la Fama del Rock and Roll afirma: «Jimi Hendrix fue posiblemente el mejor instrumentista de la historia de la música rock. Hendrix amplió el alcance y el vocabulario de la guitarra eléctrica a áreas en las que ningún músico se había aventurado antes. Su impulso ilimitado, su habilidad técnica y su aplicación creativa de efectos como el wah-wah y la distorsión transformaron para siempre el sonido del rock and roll». [1] El musicólogo Andy Aledort describió a Hendrix como «uno de los músicos más creativos» e «influyentes que haya existido jamás». [373] El periodista musical Chuck Philips escribió: «En un campo poblado casi exclusivamente por músicos blancos, Hendrix ha servido como modelo a seguir para un grupo de jóvenes rockeros negros. Su logro fue recuperar el título de una forma musical iniciada por innovadores negros como Little Richard y Chuck Berry en la década de 1950». [374]
Hendrix prefería los amplificadores saturados con alto volumen y ganancia . [129] Fue fundamental en el desarrollo de la técnica previamente indeseable de retroalimentación del amplificador de guitarra y ayudó a popularizar el uso del pedal wah-wah en el rock convencional. [375] Rechazó la técnica estándar de trasteo de acordes de cejilla utilizada por la mayoría de los guitarristas a favor de trastear las notas fundamentales de la sexta cuerda grave con el pulgar. [376] Aplicó esta técnica durante los compases iniciales de " Little Wing ", lo que le permitió sostener la nota fundamental de los acordes mientras también tocaba la melodía. Este método ha sido descrito como estilo piano, con el pulgar tocando lo que tocaría la mano izquierda de un pianista y los otros dedos tocando la melodía como una mano derecha. [377] Después de pasar varios años al frente de un trío, desarrolló la capacidad de tocar acordes rítmicos y líneas principales juntos, dando la impresión de audio de que más de un guitarrista estaba tocando. [378] [nb 40] Fue el primer artista en incorporar efectos de fase estereofónica en grabaciones de música rock. [381] Holly George-Warren de la revista Rolling Stone escribió: "Hendrix fue pionero en el uso del instrumento como fuente de sonido electrónico. Los músicos que lo precedieron habían experimentado con la retroalimentación y la distorsión, pero Hendrix convirtió esos efectos y otros en un vocabulario controlado y fluido, tan personal como el blues con el que comenzó". [3] [nb 41]
Mientras creaba su voz musical única y su estilo de guitarra, Hendrix sintetizó diversos géneros, incluyendo blues, R&B, soul, rock británico , música folk estadounidense , rock and roll de los años 50 y jazz. [383] El musicólogo David Moskowitz enfatizó la importancia de la música blues en el estilo de interpretación de Hendrix, y según los autores Steven Roby y Brad Schreiber, "[Él] exploró los confines del rock psicodélico ". [384] Su influencia es evidente en una variedad de formatos de música popular, y ha contribuido significativamente al desarrollo del hard rock , heavy metal , funk, post-punk , grunge , [385] y hip hop . [386] Su influencia duradera en los guitarristas modernos es difícil de exagerar; sus técnicas y su forma de tocar han sido abundantemente imitadas por otros. [387] A pesar de su agitada agenda de giras y su notorio perfeccionismo, fue un prolífico artista discográfico que dejó atrás numerosas grabaciones inéditas. [388] Más de 40 años después de su muerte, Hendrix sigue siendo tan popular como siempre, con ventas anuales de álbumes que superan las de cualquier año durante su vida. [389]
Al igual que su contemporáneo Sly Stone , Hendrix abrazó el experimentalismo de los músicos blancos en el rock progresivo a fines de la década de 1960 e inspiró una ola de músicos de soul progresivo que surgieron en la década siguiente. [390] Ha influido directamente en numerosos artistas de funk y funk rock , incluidos Prince , George Clinton , John Frusciante de Red Hot Chili Peppers , Eddie Hazel de Funkadelic y Ernie Isley de Isley Brothers. [391] Hendrix influyó en guitarristas post-punk como John McGeoch de Siouxsie and the Banshees y Robert Smith de The Cure . [392] Guitarristas grunge como Jerry Cantrell de Alice in Chains , [393] Kurt Cobain de Nirvana , [394] y Mike McCready y Stone Gossard de Pearl Jam han citado a Hendrix como una influencia. [385] La influencia de Hendrix también se extiende a muchos artistas de hip hop, incluidos De La Soul , A Tribe Called Quest , Digital Underground , Beastie Boys y Run–DMC. [395] Miles Davis quedó profundamente impresionado por Hendrix y comparó las habilidades de improvisación de Hendrix con las del saxofonista John Coltrane . [396] [nb 42] Los artistas de blues del desierto de la región del desierto del Sahara , incluidos Mdou Moctar y Tinariwen , también han reconocido la influencia de Hendrix. [398] [399]
Los fans del rock and roll aún debaten si Hendrix realmente dijo que el cofundador de Chicago , Terry Kath, era mejor guitarrista que él [400] , pero Kath nombró a Hendrix como una influencia importante: "Pero luego estaba Hendrix, hombre. Jimi fue realmente el último tipo que me asustó. Jimi estaba tocando todo lo que yo tenía en mi cabeza. No podía creerlo, cuando lo escuché por primera vez. Hombre, nadie puede hacer lo que él hizo con una guitarra. Nadie puede ocupar su lugar". [401]
Hendrix también influyó en Black Sabbath , [402] el artista industrial Marilyn Manson , [403] el músico de blues Stevie Ray Vaughan , Randy Hansen , [404] Uli Jon Roth , [405] Ace Frehley de Kiss , [406] Kirk Hammett de Metallica , Brad Whitford de Aerosmith , [407] Richie Faulkner de Judas Priest , [408] el guitarrista de rock instrumental Joe Satriani , el cantante/bajista de King's X Doug Pinnick , [409] Adrian Belew , [410] y el guitarrista de heavy metal Yngwie Malmsteen , quien dijo: "[Hendrix] creó la interpretación eléctrica moderna, sin lugar a dudas... Él fue el primero. Él lo empezó todo. El resto es historia". [411] "Para muchos", Hendrix fue "el rockero negro por excelencia", según Jon Caramanica . [412] Los miembros de Soulquarians , un colectivo de música negra experimental activo a fines de la década de 1990 y principios de la década de 2000, fueron influenciados por la libertad creativa en la música de Hendrix y utilizaron ampliamente Electric Lady Studios para trabajar en su propia música. [413]
Hendrix recibió varios premios prestigiosos de música rock durante su vida y póstumamente. En 1967, los lectores de Melody Maker lo votaron como el Músico Pop del Año. [414] En 1968, la revista Rolling Stone lo declaró el Artista del Año. [414] También en 1968, la ciudad de Seattle le dio las llaves de la ciudad. [415] El periódico Disc & Music Echo lo honró con el premio al Mejor Músico del Mundo de 1969 y en 1970 la revista Guitar Player lo nombró el Guitarrista de Rock del Año. [416]
Rolling Stone clasificó sus tres álbumes de estudio no póstumos, Are You Experienced (1967), Axis: Bold as Love (1967) y Electric Ladyland (1968) entre los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. [417] Clasificaron a Hendrix en el número uno de su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos y en el número seis de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. [418] Los lectores de Guitar World votaron seis de los solos de Hendrix entre los 100 mejores solos de guitarra de todos los tiempos: "Purple Haze" (70), "The Star-Spangled Banner" (52; de Live at Woodstock ), "Machine Gun" (32; de Band of Gypsys ), "Little Wing" (18), "Voodoo Child (Slight Return)" (11) y " All Along the Watchtower " (5). [419] La revista Rolling Stone incluyó siete de sus grabaciones en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos: «Purple Haze» (17), «All Along the Watchtower» (47), «Voodoo Child (Slight Return)» (102), «Foxy Lady» (153), «Hey Joe» (201), «Little Wing» (366) y «The Wind Cries Mary» (379). [420] También incluyeron tres de las canciones de Hendrix en su lista de las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos : «Purple Haze» (2), «Voodoo Child» (12) y «Machine Gun» (49). [421]
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Una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood fue dedicada a Hendrix el 14 de noviembre de 1991, en 6627 Hollywood Boulevard. [422] The Jimi Hendrix Experience fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992, y en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido en 2005. [1] [423] En 1998, Hendrix fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Nativa Americana durante su primer año. [424] [nb 43] En 1999, los lectores de Rolling Stone y Guitar World clasificaron a Hendrix entre los músicos más importantes del siglo XX. [426] En 2005, su álbum debut, Are You Experienced , fue una de las 50 grabaciones agregadas ese año al Registro Nacional de Grabaciones de EE. UU. en la Biblioteca del Congreso , "[para] ser preservadas para siempre... [como] parte del legado de audio de la nación". [427] En Seattle, el 27 de noviembre de 1992, que habría sido el 50.° cumpleaños de Hendrix, se declaró el Día de Jimi Hendrix, en gran parte debido a los esfuerzos de su amigo de la infancia, el guitarrista Sammy Drain . [428] [429]
La placa azul que identifica la antigua residencia de Hendrix en 23 Brook Street , Londres, fue la primera emitida por English Heritage para conmemorar a una estrella del pop. Al lado se encuentra la antigua residencia de George Frideric Handel , 25 Brook Street, [430] que abrió sus puertas al público como Handel House Museum en 2001. A partir de 2016, el museo utilizó los pisos superiores de 23 para exhibiciones sobre Hendrix y fue rebautizado como Handel & Hendrix en Londres .
Una estatua conmemorativa de Hendrix tocando una Stratocaster se encuentra cerca de la esquina de las calles Broadway y Pine en Seattle. En mayo de 2006, la ciudad renombró un parque cerca de su Distrito Central como Parque Jimi Hendrix , en su honor. [431] En 2012, se erigió un marcador histórico oficial en el sitio del Segundo Festival Internacional de Pop de Atlanta de julio de 1970 cerca de Byron, Georgia. El texto del marcador dice, en parte: "Más de treinta actos musicales realizados, incluido el ícono del rock Jimi Hendrix tocando para la audiencia estadounidense más grande de su carrera". [432]
La música de Hendrix ha recibido varios premios Grammy del Salón de la Fama, comenzando con un premio a la trayectoria en 1992, seguido por dos Grammy en 1999 por sus álbumes Are You Experienced y Electric Ladyland ; Axis: Bold as Love recibió un Grammy en 2006. [433] [434] En 2000, recibió un premio Grammy del Salón de la Fama por su composición original, "Purple Haze", y en 2001, por su grabación de "All Along the Watchtower" de Dylan. La interpretación de Hendrix de "The Star-Spangled Banner" fue honrada con un Grammy en 2009. [433]
El Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello postal conmemorativo en honor a Hendrix en 2014. [435] El 21 de agosto de 2016, Hendrix fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Rhythm and Blues en Dearborn, Michigan . [436] La oficina de correos de los Estados Unidos James Marshall "Jimi" Hendrix en Renton Highlands cerca de Seattle, a una milla aproximadamente de la tumba y el monumento de Hendrix, fue rebautizada en honor a Hendrix en 2019. [437]
El 23 de junio de 2019, Band of Gypsys fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Rhythm and Blues, en el Museo de Historia Afroamericana Charles H. Wright en Detroit, Michigan. Billy Cox , el último miembro sobreviviente del grupo, estuvo presente para aceptar, junto con representantes de los patrimonios de Buddy Miles y Hendrix. [438]
La experiencia de Jimi Hendrix
Jimi Hendrix/Banda de gitanos
Por cierto, los Cherokee no tenían "princesas" ni usaban tocados de plumas.
Hendrix
... «Tipo disch: Bajo condiciones honorables» y «Rsn (disch): Inadecuación».
{{cite journal}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )cuando escuchó sobre un joven guitarrista talentoso y fue al Cafe Wha de Nueva York para verlo en acción.
Creció intentando tocar junto a los mejores del momento, como Clapton, Led Zeppelin y Jimi Hendrix.
Jimi Hendrix es mi primer héroe y representó un mundo alternativo y colorido al que aspiraba cuando todavía estaba en la escuela.
Hoy, Moctar, quien dice que su música tradicional ha sido influenciada por Jimi Hendrix, Van Halen y Prince, tiene un nuevo álbum, Ilana, que significa El Creador.
En 2004, [el bajista del grupo] Ag Leche escuchó a Jimi Hendrix por primera vez. Cuando me lo dijo, sonrió enormemente y comenzó a balancearse hacia adelante y hacia atrás, como si estuviera rezando.
A todos en [SABBATH] les gustaban CREAM, HENDRIX y ZEPPELIN, y supongo que fue una progresión natural para nosotros volvernos aún más pesados que ellos.
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