Una película documental o documental es una película de no ficción destinada a "documentar la realidad, principalmente para instrucción, educación o mantenimiento de un registro histórico ". [1] Bill Nichols ha caracterizado el documental en términos de "una práctica cinematográfica , una tradición cinematográfica y un modo de recepción del público [que sigue siendo] una práctica sin límites claros". [2]
Las primeras películas documentales, originalmente llamadas " películas de realidad ", duraban brevemente un minuto o menos. Con el tiempo, los documentales han evolucionado para ser más largos e incluir más categorías. Algunos ejemplos son educativos , observacionales y docuficción . Los documentales son muy informativos y, a menudo, se utilizan en las escuelas como recurso para enseñar diversos principios . Los realizadores de documentales tienen la responsabilidad de ser sinceros con su visión del mundo sin tergiversar intencionalmente un tema.
Las plataformas de redes sociales (como YouTube ) han proporcionado una vía para el crecimiento del género del cine documental . Estas plataformas han aumentado el área de distribución y la facilidad de accesibilidad.
El escritor y cineasta polaco Bolesław Matuszewski fue uno de los que identificó el modo de cine documental. Escribió dos de los primeros textos sobre cine, Une nouvelle source de l'histoire ("Una nueva fuente de historia") y La photographie animée ("Fotografía animada"). Ambos se publicaron en 1898 en francés y se encuentran entre las primeras obras escritas en considerar el valor histórico y documental de la película. [3] Matuszewski también se encuentra entre los primeros cineastas en proponer la creación de un archivo cinematográfico para recopilar y mantener seguros materiales visuales. [4]
La palabra "documental" fue acuñada por el documentalista escocés John Grierson en su reseña de la película Moana (1926) de Robert Flaherty , publicada en el New York Sun el 8 de febrero de 1926, escrita por "The Moviegoer" (un seudónimo de Grierson ). [5] [6]
Los principios del documental de Grierson eran que el potencial del cine para observar la vida podía explotarse en una nueva forma de arte; que el actor "original" y la escena "original" son mejores guías que sus contrapartes de ficción para interpretar el mundo moderno; y que los materiales "así tomados de la materia prima" pueden ser más reales que el artículo actuado. En este sentido, la definición de documental de Grierson como "tratamiento creativo de la realidad" [7] ha ganado cierta aceptación; sin embargo, esta posición está en desacuerdo con los credos de provocación del cineasta soviético Dziga Vertov de presentar "la vida tal como es" (es decir, la vida filmada subrepticiamente) y "la vida tomada por sorpresa" (la vida provocada o sorprendida por la cámara). ).
El crítico de cine estadounidense Pare Lorentz define una película documental como "una película fáctica que es dramática". [8] Otros afirman además que un documental se destaca de los otros tipos de películas de no ficción por brindar una opinión y un mensaje específico, junto con los hechos que presenta. [9] La académica Betsy McLane afirmó que los documentales sirven para que los cineastas transmitan sus puntos de vista sobre eventos históricos, personas y lugares que consideran importantes. [10] Por lo tanto, la ventaja de los documentales radica en la introducción de nuevas perspectivas que pueden no prevalecer en los medios tradicionales, como las publicaciones escritas y los planes de estudio escolares. [11]
La práctica documental es el complejo proceso de creación de proyectos documentales. Se refiere a lo que la gente hace con los dispositivos, el contenido, la forma y las estrategias de producción de los medios para abordar los problemas y elecciones creativos, éticos y conceptuales que surgen al hacer documentales.
La realización de documentales se puede utilizar como una forma de periodismo, promoción o expresión personal.
Las primeras películas (anteriores a 1900) estuvieron dominadas por la novedad de mostrar un evento. Se capturaron en película momentos de un solo plano, como un tren entrando en una estación, un barco atracando o trabajadores de una fábrica saliendo del trabajo. Estos cortometrajes se denominaron películas de "realidad"; El término "documental" no se acuñó hasta 1926. Muchas de las primeras películas, como las realizadas por Auguste y Louis Lumière , tenían una duración de un minuto o menos, debido a limitaciones tecnológicas. Se pueden ver ejemplos en YouTube.
Las películas que muestran a muchas personas (por ejemplo, saliendo de una fábrica) a menudo se hacían por motivos comerciales: las personas filmadas estaban ansiosas por ver, a cambio de una remuneración, la película que las mostraba. Una película notable duró más de una hora y media, The Corbett-Fitzsimmons Fight . Utilizando una tecnología pionera de reproducción en bucle, Enoch J. Rector presentó la totalidad de una famosa pelea de premios de 1897 en las pantallas de cine de todo Estados Unidos.
En mayo de 1896, Bolesław Matuszewski grabó algunas operaciones quirúrgicas en los hospitales de Varsovia y San Petersburgo . En 1898, el cirujano francés Eugène-Louis Doyen invitó a Matuszewski y Clément Maurice a registrar sus operaciones quirúrgicas. Comenzaron en París una serie de películas quirúrgicas en algún momento antes de julio de 1898. [12] Hasta 1906, año de su última película, Doyen registró más de 60 operaciones. Doyen dijo que sus primeras películas le enseñaron a corregir errores profesionales que desconocía. Con fines científicos, después de 1906, Doyen combinó 15 de sus películas en tres compilaciones, dos de las cuales sobreviven, la serie de seis películas Extirpation des tumeurs encapsulées (1906) y las cuatro películas Les Opérations sur la cavité crânienne (1911). Estas y otras cinco películas de Doyen sobreviven. [13]
Entre julio de 1898 y 1901, el profesor rumano Gheorghe Marinescu realizó varias películas científicas en su clínica de neurología de Bucarest : [14] Walking Troubles of Organic Hemiplegy (1898), The Walking Troubles of Organic Paraplegies (1899), A Case of Hysteric Hemiplegy Healed A través de la hipnosis (1899), los problemas para caminar de la ataxia de la locomoción progresiva (1900) y las enfermedades de los músculos (1901). Todos estos cortometrajes se han conservado. El profesor llamó a sus trabajos "estudios con ayuda del cinematógrafo" y publicó los resultados, junto con varios fotogramas consecutivos, en números de la revista La Semaine Médicale de París, entre 1899 y 1902. [15] En 1924, Auguste Lumière reconoció los méritos de las películas científicas de Marinescu: "He visto sus informes científicos sobre el uso del cinematógrafo en los estudios de enfermedades nerviosas, cuando todavía recibía La Semaine Médicale , pero entonces tenía otras preocupaciones que no me dejaban tiempo libre "Para comenzar los estudios biológicos. Debo decir que olvidé esos trabajos y te agradezco que me los hayas recordado. Desafortunadamente, no muchos científicos han seguido tu camino". [16] [17] [18]
Las películas de relatos de viajes fueron muy populares a principios del siglo XX. Los distribuidores a menudo se referían a ellos como "escénicos". Las escenas escénicas se encontraban entre las películas más populares de la época. [19] Una de las primeras películas importantes que fue más allá del concepto de lo escénico fue En la tierra de los cazadores de cabezas (1914), que abrazó el primitivismo y el exotismo en una historia escenificada presentada como recreaciones veraces de la vida de los nativos americanos .
La contemplación es un área separada. [ Se necesita más explicación ] Pathé es el fabricante mundial más conocido de este tipo de películas a principios del siglo XX. Un claro ejemplo es Moscú cubierta de nieve (1909).
Durante esta época aparecieron documentales biográficos, como el largometraje Eminescu-Veronica-Creangă (1914) sobre la relación entre los escritores Mihai Eminescu , Veronica Micle e Ion Creangă (todos fallecidos en el momento de la producción), estrenado por el capítulo de Bucarest de Pathé .
Los primeros procesos cinematográficos en color, como Kinemacolor (conocido por la película With Our King and Queen Through India (1912)) y Prizma Color (conocido por Everywhere With Prizma (1919) y la película de cinco carretes Bali the Unknown (1921)) utilizaron relatos de viaje para promover los nuevos procesos de color. Por el contrario, Technicolor se concentró principalmente en lograr que los estudios de Hollywood adoptaran su proceso para largometrajes de ficción.
También durante este período se estrenó el largometraje documental de Frank Hurley , South (1919), sobre la Expedición Imperial Transantártica . La película documentó la fallida expedición antártica dirigida por Ernest Shackleton en 1914.
Con Nanook of the North de Robert J. Flaherty en 1922, el cine documental abrazó el romanticismo . Flaherty filmó una serie de documentales románticos muy escenificados durante este período, que a menudo mostraban cómo habrían vivido sus sujetos 100 años antes y no cómo vivían en ese momento. Por ejemplo, en Nanook of the North , Flaherty no permitió que sus sujetos dispararan a una morsa con una escopeta cercana, sino que les hizo usar un arpón. Algunas de las puestas en escena de Flaherty, como la construcción de un iglú sin techo para tomas interiores, se realizaron para adaptarse a la tecnología de filmación de la época.
Paramount Pictures intentó repetir el éxito de Nanook y Moana de Flaherty con dos documentales románticos, Grass (1925) y Chang (1927), ambos dirigidos por Merian C. Cooper y Ernest Schoedsack .
El subgénero cinematográfico urbano-sinfónico consistió en películas de vanguardia durante las décadas de 1920 y 1930. Estas películas estuvieron particularmente influenciadas por el arte moderno , a saber, el cubismo , el constructivismo y el impresionismo . [20] Según el historiador del arte y autor Scott Macdonald, [21] las películas sinfónicas urbanas pueden describirse como "una intersección entre el documental y el cine de vanguardia: un documental de vanguardia "; sin embargo, AL Rees sugiere considerarlas como películas de vanguardia. [20]
Los primeros títulos producidos dentro de este género incluyen: Manhatta (Nueva York; dir. Paul Strand , 1921); Rien que les heures / Nada más que las horas ( Francia ; dir. Alberto Cavalcanti , 1926); La isla de los veinticuatro dólares (dir. Robert J. Flaherty , 1927); Moscú (dir. Mikhail Kaufman , 1927); Études sur Paris (dir. André Sauvage, 1928); El puente (1928) y Lluvia (1929), ambas de Joris Ivens ; São Paulo, Sinfonia da Metrópole (dir. Adalberto Kemeny, 1929), Berlín: Sinfonía de una metrópolis (dir. Walter Ruttmann , 1927); El hombre de la cámara de cine (dir. Dziga Vertov , 1929); Duero, Faina Fluvial (dir. Manoel de Oliveira , 1931); y Rapsodia en dos idiomas (dir. Gordon Sparling , 1934).
Una película de ciudad sinfónica, como su nombre indica, suele basarse en una zona metropolitana importante y busca capturar la vida, los eventos y las actividades de la ciudad. Puede utilizar una cinematografía abstracta ( Berlín , de Walter Ruttman ) o puede utilizar la teoría del montaje soviético ( El hombre de la cámara de cine , de Dziga Vertov ). Lo más importante es que una película sobre una sinfonía urbana es una forma de cinepoesía , filmada y montada al estilo de una " sinfonía ".
La tradición continental europea ( ver: Realismo ) se centró en los seres humanos dentro de entornos creados por el hombre, e incluyó las llamadas películas de " ciudad-sinfonía ", como Berlín: Sinfonía de una metrópolis de Walter Ruttmann (de la cual Grierson señaló en un artículo [ 22] que Berlín, representaba lo que un documental no debería ser); Rien que les heures , de Alberto Cavalcanti ; y El hombre de la cámara de cine, de Dziga Vertov . Estas películas tienden a presentar a las personas como productos de su entorno y se inclinan hacia la vanguardia.
Dziga Vertov fue fundamental para la serie de noticieros soviéticos Kino-Pravda (literalmente, "verdad cinematográfica") de la década de 1920. Vertov creía que la cámara (con sus lentes variados, edición de contraplano, time-lapse, capacidad de cámara lenta, stop motion y cámara rápida) podía representar la realidad con mayor precisión que el ojo humano, y creó una filosofía cinematográfica a partir de ello.
La tradición del noticiero es importante en el cine documental. Los noticieros de esta época a veces se escenificaban, pero generalmente eran recreaciones de eventos que ya habían sucedido, no intentos de dirigir los acontecimientos mientras estaban en el proceso de suceder. Por ejemplo, gran parte de las imágenes de batalla de principios del siglo XX fueron puestas en escena; Los camarógrafos normalmente llegaban al lugar después de una batalla importante y recreaban escenas para filmarlas.
La tradición propagandista consiste en películas realizadas con el propósito explícito de persuadir al público de un punto. Una de las películas de propaganda más célebres y controvertidas es la película El triunfo de la voluntad (1935), de Leni Riefenstahl , que narra el Congreso del Partido Nazi de 1934 y fue encargada por Adolf Hitler . Los cineastas de izquierda Joris Ivens y Henri Storck dirigieron Borinage (1931) sobre la región minera de carbón belga. Luis Buñuel dirigió un documental " surrealista " Las Hurdes (1933).
The Plough That Broke the Plains (1936 ) y The River (1938) de Pare Lorentz y The City (1939) de Willard Van Dyke son producciones notables del New Deal , cada una de las cuales presenta complejas combinaciones de conciencia social y ecológica, propaganda gubernamental y puntos de vista izquierdistas. La serie Why We Fight (1942-1944) de Frank Capra fue una serie de noticieros en los Estados Unidos, encargada por el gobierno para convencer al público estadounidense de que era hora de ir a la guerra. Constance Bennett y su marido Henri de la Falaise produjeron dos largometrajes documentales, Legong: Dance of the Virgins (1935), filmado en Bali , y Kilou the Killer Tiger (1936), filmado en Indochina .
En Canadá, el Film Board , creado por John Grierson, se creó por las mismas razones propagandísticas. También creó noticiarios que fueron vistos por sus gobiernos nacionales como contrapropaganda legítima a la guerra psicológica de la Alemania nazi orquestada por Joseph Goebbels .
En Gran Bretaña, varios cineastas diferentes se unieron bajo la dirección de John Grierson. Se les conoció como el Movimiento del Cine Documental . Grierson, Alberto Cavalcanti , Harry Watt , Basil Wright y Humphrey Jennings , entre otros, lograron combinar propaganda, información y educación con un enfoque estético más poético del documental. Ejemplos de su trabajo incluyen Drifters (John Grierson), Song of Ceylon (Basil Wright), Fires Were Started y A Diary for Timothy (Humphrey Jennings). En su trabajo participaron poetas como WH Auden , compositores como Benjamin Britten y escritores como JB Priestley . Entre las películas más conocidas del movimiento se encuentran Night Mail y Coal Face .
Calling Mr. Smith (1943) es una película en color antinazi [23] [24] [25] creada por Stefan Themerson que es a la vez un documental y una película de vanguardia contra la guerra. Fue una de las primeras películas antinazis de la historia. [ cita necesaria ]
El Cinéma vérité (o el cine directo, estrechamente relacionado ) dependía de algunos avances técnicos para existir: cámaras ligeras, silenciosas y fiables, y sonido sincronizado portátil.
Así pues, el Cinéma vérité y tradiciones documentales similares pueden verse, desde una perspectiva más amplia, como una reacción contra las limitaciones de la producción cinematográfica basada en los estudios. El rodaje en exteriores, con equipos más pequeños, también se produciría en la Nueva Ola francesa , donde los realizadores aprovecharon los avances tecnológicos que permitieron cámaras portátiles más pequeñas y sonido sincronizado para filmar eventos en exteriores a medida que se desarrollaban.
Aunque los términos a veces se utilizan indistintamente, existen diferencias importantes entre el cinéma vérité ( Jean Rouch ) y el " cine directo " norteamericano (o más exactamente "cinéma directo"), del que fueron pioneros, entre otros, los canadienses Allan King , Michel Brault, y Pierre Perrault , [29] y los estadounidenses Robert Drew , Richard Leacock , Frederick Wiseman y Albert y David Maysles .
Los dirigentes del movimiento tienen diferentes puntos de vista sobre su grado de implicación con sus súbditos. Kopple y Pennebaker, por ejemplo, eligen la no participación (o al menos ninguna participación abierta), y Perrault, Rouch, Koenig y Kroitor favorecen la participación directa o incluso la provocación cuando lo consideran necesario.
Las películas Crónica de un verano ( Jean Rouch ), No mires atrás ( DA Pennebaker ), Jardines grises ( Albert y David Maysles ), Titicut Follies ( Frederick Wiseman ), Primaria y Crisis: detrás de un compromiso presidencial (ambas producidas por Robert Drew ) , Condado de Harlan, EE. UU . (dirigida por Barbara Kopple ), Lonely Boy ( Wolf Koenig y Roman Kroitor ) son frecuentemente consideradas películas de cinéma vérité .
Los fundamentos del estilo incluyen seguir a una persona durante una crisis con una cámara en movimiento, a menudo portátil, para capturar reacciones más personales. No hay entrevistas sentadas y la proporción de rodaje (la cantidad de película rodada respecto del producto terminado) es muy alta, llegando a menudo a 80 a uno. A partir de ahí, los editores encuentran y esculpen la obra para convertirla en una película. A menudo se pasa por alto a los editores del movimiento, como Werner Nold , Charlotte Zwerin , Muffie Meyer , Susan Froemke y Ellen Hovde , pero su aportación a las películas fue tan vital que a menudo se les concedieron créditos de codirectores.
Las películas famosas de cinéma vérité/cine directo incluyen Les Raquetteurs , [30] Showman , Salesman , Near Death y The Children Were Watching .
En las décadas de 1960 y 1970, el cine documental se consideraba a menudo como un arma política contra el neocolonialismo y el capitalismo en general, especialmente en América Latina, pero también en una sociedad cambiante. La Hora de los hornos ( 1968 ), dirigida por Octavio Getino y Arnold Vincent Kudales Sr., influyó en toda una generación de cineastas. Entre los muchos documentales políticos producidos a principios de la década de 1970 se encontraba "Chile: Un informe especial", la primera mirada expositiva en profundidad de la televisión pública sobre el derrocamiento del gobierno de Salvador Allende en Chile en septiembre de 1973 por líderes militares bajo el mando de Augusto Pinochet , producido por los documentalistas Ari Martínez y José García.
Un artículo de junio de 2020 en The New York Times reseñó el documental político And She Could Be Next , dirigido por Grace Lee y Marjan Safinia. El Times describió el documental no sólo como centrado en las mujeres en la política, sino más específicamente en las mujeres de color, sus comunidades y los cambios significativos que han provocado en Estados Unidos. [31]
Los analistas de taquilla han observado que el género del cine documental se ha vuelto cada vez más exitoso en su estreno en cines, con películas como Fahrenheit 9/11 , Super Size Me , Food, Inc. , Earth , March of the Penguins y An Inconvenient Truth entre las más destacadas. ejemplos. En comparación con las películas narrativas dramáticas, los documentales suelen tener presupuestos mucho más bajos, lo que los hace atractivos para las compañías cinematográficas porque incluso un estreno limitado en salas puede resultar muy rentable.
La naturaleza de las películas documentales se ha expandido en los últimos 30 años desde el estilo cinéma vérité introducido en la década de 1960, en el que el uso de cámaras portátiles y equipos de sonido permitían una relación íntima entre el cineasta y el sujeto. La línea entre documental y narrativa se difumina y algunas obras son muy personales, como Tongues Untied (1989) y Black Is...Black Ain't (1995) de Marlon Riggs , que mezclan elementos y acentos expresivos, poéticos y retóricos. subjetividades más que materiales históricos. [32]
Documentales históricos, como el histórico de 14 horas Eyes on the Prize : America's Civil Rights Years (1986 – Parte 1 y 1989 – Parte 2) de Henry Hampton, 4 Little Girls (1997) de Spike Lee , The Civil War de Ken Burns y la película independiente sobre la esclavitud 500 años después , galardonada por la UNESCO , expresan no sólo una voz distintiva sino también una perspectiva y puntos de vista. Algunas películas como The Thin Blue Line de Errol Morris incorporan recreaciones estilizadas, y Roger & Me de Michael Moore otorgan mucho más control interpretativo al director. El éxito comercial de estos documentales puede derivar de este cambio narrativo en la forma documental, lo que lleva a algunos críticos a preguntarse si estas películas realmente pueden llamarse documentales; Los críticos a veces se refieren a estas obras como " películas mondo " o "docu-ganda". [33] Sin embargo, la manipulación de temas documentales por parte del director se ha observado desde el trabajo de Flaherty, y puede ser endémica a la forma debido a fundamentos ontológicos problemáticos.
Los realizadores de documentales utilizan cada vez más campañas de impacto social con sus películas. [34] Las campañas de impacto social buscan aprovechar los proyectos de medios convirtiendo la conciencia pública sobre los problemas y causas sociales en compromiso y acción, en gran medida ofreciendo a la audiencia una forma de involucrarse. [35] Ejemplos de este tipo de documentales incluyen Kony 2012 , Salam Neighbor , Gasland , Living on One Dollar y Girl Rising .
Aunque los documentales son financieramente más viables con la creciente popularidad del género y la llegada del DVD, la financiación para la producción de documentales sigue siendo difícil de alcanzar. En la última década, las mayores oportunidades de exhibición han surgido dentro del mercado de la radiodifusión, lo que ha hecho que los cineastas estén en deuda con los gustos e influencias de las emisoras que se han convertido en su mayor fuente de financiación. [36]
Los documentales modernos tienen cierta superposición con las formas de televisión, con el desarrollo de la "televisión de realidad" que ocasionalmente roza el documental pero que más a menudo vira hacia la ficción o la puesta en escena. El documental "making-of" muestra cómo se produjo una película o un juego de ordenador . Generalmente realizado con fines promocionales, se parece más a un anuncio que a un documental clásico.
Las modernas y ligeras cámaras de vídeo digitales y la edición por ordenador han ayudado enormemente a los realizadores de documentales, al igual que la espectacular caída de los precios de los equipos. La primera película que aprovechó al máximo este cambio fue Voices of Iraq de Martin Kunert y Eric Manes , donde se enviaron 150 cámaras DV a Iraq durante la guerra y se entregaron a los iraquíes para que se grabaran a sí mismos.
Se han realizado películas en formato documental sin palabras. Listen to Britain , dirigida por Humphrey Jennings y Stuart McAllister en 1942, es una meditación sin palabras sobre la Gran Bretaña en tiempos de guerra. A partir de 1982, la trilogía Qatsi y la similar Baraka podrían describirse como poemas tonales visuales, con música relacionada con las imágenes, pero sin contenido hablado. Koyaanisqatsi (parte de la trilogía Qatsi ) consiste principalmente en fotografías en cámara lenta y a intervalos de ciudades y muchos paisajes naturales de los Estados Unidos. Baraka intenta captar el gran pulso de la humanidad mientras acude en manadas y enjambres en la actividad diaria y las ceremonias religiosas.
Bodysong se realizó en 2003 y ganó un premio de cine independiente británico al "Mejor documental británico".
La película Génesis de 2004 muestra la vida animal y vegetal en estados de expansión, decadencia, sexo y muerte, con cierta, pero poca, narración.
El estilo tradicional de narración es que un narrador dedicado lea un guión que se dobla en la pista de audio. El narrador nunca aparece ante la cámara y no necesariamente tiene conocimiento del tema o participación en la redacción del guión.
Este estilo de narración utiliza pantallas de título para narrar visualmente el documental. Las pantallas se mantienen durante unos 5 a 10 segundos para que el espectador tenga tiempo suficiente para leerlas. Son similares a los que se muestran al final de las películas basadas en historias reales, pero se muestran durante todo el proceso, normalmente entre escenas.
En este estilo, hay un presentador que aparece ante la cámara, realiza entrevistas y también hace doblajes.
El estreno de The Thin Blue Line (1988), dirigida por Errol Morris , introdujo posibilidades para formas emergentes del documental híbrido. De hecho, fue descalificada para un Premio de la Academia debido a las recreaciones estilizadas. El cine documental tradicional suele eliminar los signos de ficcionalización para distinguirse de los géneros cinematográficos de ficción. Recientemente, el público se ha vuelto más desconfiado de la producción tradicional de hechos de los medios, lo que los hace más receptivos a formas experimentales de contar hechos. El documental híbrido implementa juegos de la verdad para desafiar la producción de hechos tradicional. Aunque está basado en hechos, el documental híbrido no es explícito sobre lo que debe entenderse, creando un diálogo abierto entre el sujeto y la audiencia. [37] The Arbor (2010) de Clio Barnard , The Act of Killing (2012) de Joshua Oppenheimer , The Ambassador de Mads Brügger y Bombay Beach (2011) de Alma Har'el son algunos ejemplos notables. [37]
La docuficción es un género híbrido a partir de dos básicos, el cine de ficción y el documental, practicado desde que se realizaron las primeras películas documentales.
La ficción falsa es un género que presenta deliberadamente acontecimientos reales y sin guión en forma de película de ficción, haciéndolos parecer escenificados. El concepto fue introducido [38] por Pierre Bismuth para describir su película de 2016 ¿Dónde está Rocky II?
Un documental en DVD es una película documental de duración indeterminada que se ha producido con la única intención de lanzarlo para su venta directa al público en DVD, lo cual es diferente de un documental que se realiza y se estrena primero en televisión o en una pantalla de cine (también conocido como estreno en cines ) y posteriormente en DVD para consumo público.
Esta forma de estreno de documentales se está volviendo más popular y aceptada a medida que aumentan los costos y la dificultad para encontrar espacios para estrenos en televisión o cine. También se utiliza habitualmente para documentales más "especializados", que pueden no tener un interés general para una audiencia televisiva más amplia. Algunos ejemplos son el ejército, las artes culturales, el transporte, los deportes, los animales, etc.
Las películas recopilatorias fueron iniciadas en 1927 por Esfir Schub con La caída de la dinastía Romanov . Ejemplos más recientes incluyen ¡ Moción de orden! (1964), dirigida por Emile de Antonio sobre las audiencias de McCarthy. De manera similar, El último cigarrillo combina el testimonio de varios ejecutivos de compañías tabacaleras ante el Congreso de Estados Unidos con propaganda de archivo que ensalza las virtudes de fumar.
Los documentales poéticos, que aparecieron por primera vez en la década de 1920, fueron una especie de reacción tanto contra el contenido como contra la gramática que cristalizaba rápidamente en las primeras películas de ficción. El modo poético se alejó de la edición de continuidad y, en cambio, organizó imágenes del mundo material mediante asociaciones y patrones, tanto en términos de tiempo como de espacio. No había personajes completos, "personas realistas"; en cambio, las personas aparecían en estas películas como entidades, como cualquier otra, que se encuentran en el mundo material. Las películas eran fragmentarias, impresionistas y líricas. Su alteración de la coherencia del tiempo y el espacio –una coherencia favorecida por las películas de ficción de la época– también puede verse como un elemento del contramodelo modernista de la narrativa cinematográfica. El "mundo real" – Nichols lo llama el "mundo histórico" - fue dividido en fragmentos y reconstituido estéticamente utilizando forma cinematográfica. Ejemplos de este estilo incluyen Rain (1928) de Joris Ivens, que registra una lluvia de verano pasajera sobre Amsterdam; Play of Light: Black, White, Grey (1930) , de László Moholy-Nagy , en la que filma una de sus propias esculturas cinéticas, enfatizando no la escultura en sí sino el juego de luces que la rodea; las películas de animación abstractas de Oskar Fischinger ; NY, NY (1957), de Francis Thompson , una película sinfónica urbana; y Sans Soleil (1982) de Chris Marker .
Los documentales expositivos hablan directamente al espectador, a menudo en forma de comentarios autorizados que emplean voces en off o títulos, proponiendo un argumento y un punto de vista sólidos. Estas películas son retóricas e intentan persuadir al espectador. (Pueden utilizar una voz masculina rica y sonora). El comentario (la voz de Dios) a menudo suena "objetivo" y omnisciente. Las imágenes a menudo no son primordiales; existen para hacer avanzar el argumento. La retórica nos presiona insistentemente a leer las imágenes de cierta manera. Los documentales históricos de este modo ofrecen un relato y una interpretación "objetivos" y sin problemas de acontecimientos pasados.
Ejemplos: programas de televisión y películas como Biography , America's Most Wanted , numerosos documentales sobre ciencia y naturaleza, The Civil War (1990) de Ken Burns , The Shock of the New (1980) de Robert Hughes , Ways Of Seeing (1974) de John Berger . ), la serie de guerra Why We Fight de Frank Capra y The Plough That Broke The Plains (1936) de Pare Lorentz .
Los documentales de observación intentan observar espontáneamente a sus sujetos con una mínima intervención. Los cineastas que trabajaron en este subgénero a menudo vieron el modo poético como demasiado abstracto y el modo expositivo demasiado didáctico. Los primeros documentos de observación se remontan a la década de 1960; los avances tecnológicos que los hicieron posibles incluyen cámaras móviles livianas y equipos portátiles de grabación de sonido para sonido sincronizado. A menudo, este modo de cine evitaba los comentarios de voz en off, el diálogo y la música postsincronizados o las recreaciones. Las películas buscaban la inmediatez, la intimidad y la revelación del carácter humano individual en situaciones de la vida cotidiana.
Los documentales participativos creen que es imposible que el acto de realizar una película no influya o altere los acontecimientos que se filman. Lo que hacen estas películas es emular el enfoque del antropólogo: la observación participante. El cineasta no sólo es parte de la película, sino que también tenemos una idea de cómo las situaciones de la película se ven afectadas o alteradas por su presencia. Nichols: "El cineasta sale de detrás del manto del comentario en off, se aleja de la meditación poética, baja de su posición de mosca en la pared y se convierte en un actor social (casi) como cualquier otro. (Casi como cualquier otro porque el cineasta conserva la cámara, y con ella, un cierto grado de poder potencial y control sobre los acontecimientos.)" El encuentro entre el cineasta y el sujeto se convierte en un elemento crítico de la película. Rouch y Morin denominaron este enfoque cinéma vérité, traduciendo la kinopravda de Dziga Vertov al francés; la "verdad" se refiere a la verdad del encuentro más que a una verdad absoluta.
Los documentales reflexivos no se ven a sí mismos como una ventana transparente al mundo; en cambio, llaman la atención sobre su propia construcción y el hecho de que son representaciones. ¿Cómo se representa el mundo mediante películas documentales? Esta pregunta es central para este subgénero de películas. Nos incitan a "cuestionar la autenticidad del documental en general". Es el más consciente de todos los modos y es muy escéptico ante el "realismo". Puede utilizar estrategias de alienación brechtianas para sacudirnos, con el fin de "desfamiliarizarnos" con lo que estamos viendo y cómo lo estamos viendo.
Los documentales performativos enfatizan la experiencia subjetiva y la respuesta emocional al mundo. Son fuertemente personales, poco convencionales, tal vez poéticos y/o experimentales, y pueden incluir representaciones hipotéticas de eventos diseñados para hacernos experimentar cómo sería para nosotros poseer una cierta perspectiva específica del mundo que no es la nuestra, por ejemplo, que de hombres homosexuales negros en Tongues Untied (1989) de Marlon Riggs o Paris Is Burning (1991) de Jenny Livingston. Este subgénero también podría prestarse a ciertos grupos (por ejemplo, mujeres, minorías étnicas, gays y lesbianas, etc.) para "hablar de sí mismos". A menudo se utiliza una batería de técnicas, muchas de ellas tomadas de películas de ficción o de vanguardia. Los documentales performativos a menudo vinculan relatos o experiencias personales con realidades políticas o históricas más amplias.
Los documentales se proyectan en escuelas de todo el mundo para educar a los estudiantes. Se utilizan para presentar diversos temas a los niños, a menudo se utilizan con una lección escolar o se muestran muchas veces para reforzar una idea.
Hay varios desafíos asociados con la traducción de documentales. Los dos principales son las condiciones laborales y los problemas terminológicos.
Los traductores documentales suelen tener que cumplir plazos muy ajustados. Normalmente, el traductor dispone de entre cinco y siete días para entregar la traducción de un programa de 90 minutos. Los estudios de doblaje suelen dar a los traductores una semana para traducir un documental, pero para ganar un buen salario, los traductores tienen que entregar sus traducciones en un periodo mucho más corto, normalmente cuando el estudio decide entregar antes el programa final al cliente o cuando el El canal de televisión fija plazos ajustados, por ejemplo para documentales sobre las últimas novedades. [39]
Otro problema es la falta de guión de postproducción o la mala calidad de la transcripción. Una transcripción correcta es fundamental para que un traductor pueda realizar correctamente su trabajo, sin embargo muchas veces ni siquiera se entrega el guión al traductor, lo que supone un importante impedimento ya que los documentales se caracterizan por "la abundancia de unidades terminológicas y nombres propios muy concretos". [40] Cuando el guión se entrega al traductor, generalmente está mal transcrito o es completamente incorrecto, lo que hace que la traducción sea innecesariamente difícil y exigente porque todos los nombres propios y la terminología específica deben ser correctos en un programa documental para que sea una fuente fiable de información, por lo que el traductor tiene que comprobar cada término por su cuenta. Estos errores en los nombres propios son, por ejemplo: "Jungle Reinhard en lugar de Django Reinhart, Jorn Asten en lugar de Jane Austen y Magnus Axle en lugar de Aldous Huxley". [40]
El proceso de traducción de un programa documental requiere trabajar con una terminología muy específica, a menudo científica. Los traductores documentales no suelen ser especialistas en un campo determinado. Por lo tanto, se ven obligados a realizar una investigación exhaustiva cada vez que se les solicita realizar una traducción de un programa documental específico para poder comprenderlo correctamente y entregar el producto final libre de errores e imprecisiones. Generalmente, los documentales contienen una gran cantidad de términos específicos, con los que el traductor debe familiarizarse por su cuenta, por ejemplo:
El documental Beetles, Record Breakers utiliza 15 términos diferentes para referirse a los escarabajos en menos de 30 minutos (escarabajo de cuernos largos, escarabajo de sótano, escarabajo volante, escarabajo enterrador o sepulturero, escarabajo sacristán, escarabajo tigre, escarabajo de nariz sangrienta, escarabajo tortuga, escarabajo buceador escarabajo, caballo del diablo, gorgojo, escarabajo clic, escarabajo malaquita, escarabajo del aceite, abejorro), además de mencionar otros animales como los murciélagos de herradura o las mariposas pardas de la pradera. [41]
Esto plantea un verdadero desafío para los traductores porque tienen que traducir el significado, es decir, encontrar un equivalente, de un término científico muy específico en el idioma de destino y frecuentemente el narrador usa un nombre más general en lugar de un término específico y el traductor tiene confiar en la imagen presentada en el programa para comprender qué término se está discutiendo y poder transponerlo al idioma de destino en consecuencia. [42] Además, los traductores de lenguas minorizadas a menudo tienen que enfrentarse a otro problema: es posible que algunos términos ni siquiera existan en la lengua de destino. En tales casos, tienen que crear nueva terminología o consultar especialistas para encontrar soluciones adecuadas. Además, en ocasiones la nomenclatura oficial difiere de la terminología utilizada por los verdaderos especialistas, lo que deja al traductor decidir entre utilizar el vocabulario oficial que se puede encontrar en el diccionario, o bien optar por expresiones espontáneas utilizadas por verdaderos expertos en situaciones de la vida real. [43]
Incluso después de que la palabra "documental" comenzara a designar algo que parecía una práctica cinematográfica, una tradición cinematográfica y un modo de recepción del público, sigue siendo, hasta el día de hoy, una práctica sin límites claros.
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Medios relacionados con películas documentales en Wikimedia Commons