El cine directo es un género documental que se originó entre 1958 y 1962 en Norteamérica —principalmente en la provincia canadiense de Quebec y en Estados Unidos— y fue desarrollado en Francia por Jean Rouch . [1] Es una práctica cinematográfica que emplea equipos de filmación portátiles livianos, cámaras portátiles y sonido en vivo y sincrónico que estuvo disponible gracias a las nuevas e innovadoras tecnologías desarrolladas a principios de la década de 1960. Estas innovaciones hicieron posible que los cineastas independientes eliminaran una gran cantidad de grabaciones de sonido óptico, grandes equipos, decorados de estudio, equipos montados en trípodes y luces especiales, necesidades costosas que ataban severamente a estos documentalistas de bajo presupuesto. Al igual que el género cinéma vérité , el cine directo se caracterizó inicialmente por el deseo de los cineastas de capturar la realidad directamente, representarla fielmente y cuestionar la relación entre la realidad y el cine. [2]
"El cine directo es el resultado de dos factores predominantes y relacionados: el deseo de un nuevo realismo cinematográfico y el desarrollo del equipamiento necesario para lograr ese deseo" [3] (Mónaco 2003, p. 206). Muchos aspectos tecnológicos, ideológicos y sociales contribuyen al movimiento del cine directo y a su lugar en la historia del cine.
El cine directo fue posible, en parte, gracias a la llegada de las cámaras portátiles y ligeras, que permitieron la cámara en mano y una mayor intimidad en la realización cinematográfica. También produjo movimientos que son la marca visual del estilo. [4] Las primeras cámaras de este tipo fueron cámaras alemanas, diseñadas para la cinematografía etnográfica. La empresa Arriflex [5] [6] fue considerada la primera en comercializar ampliamente este tipo de cámaras, que fueron mejoradas para la fotografía aérea y del campo de batalla durante la Segunda Guerra Mundial . Las cámaras portátiles, fácilmente disponibles, desempeñaron un papel importante, pero la existencia de estas cámaras por sí sola no desencadenó el nacimiento del cine directo.
La idea del cine como espacio objetivo ha estado presente desde su nacimiento. La práctica Kino-Pravda (literalmente "Cine Verdad") de Dziga Vertov , que se remonta a la década de 1920, dio una voz articulada a esta noción, donde también se puede ver la influencia del futurismo .
Antes de la década de 1960 y la llegada del cine directo, los conceptos de propaganda, educación cinematográfica y documental estaban vagamente definidos por el público. Muchos espectadores veían el cine en su objetividad ontológica como una realidad capturada y un medio de educación universal, como lo había sido la fotografía en sus inicios. Los documentales de la década de 1950 dan una idea del nivel de comprensión que los espectadores de esa época tenían de la manipulación y la puesta en escena en películas rodadas en "escenografías de documentales". El cine directo ganó importancia en la perspectiva de la evolución popular de las ideas sobre la realidad y los medios.
Antes del uso del sonido sincronizado Pilottone (inventado en 1954) y el Nagra III de 1961 , la maquinaria de grabación de sonido era extremadamente pesada o poco confiable. Se hicieron muchos intentos para resolver este problema durante las décadas de 1950 y 1960. En la National Film Board of Canada (NFB), por ejemplo, se diseñó un sistema llamado "Sprocketape", pero no se implementó.
En el mejor de los casos, el sonido del documental se grabó antes, en entrevistas, o mucho después en exteriores, con un estudio portátil ubicado en un camión insonorizado. Los sonidos que se capturaron fueron posteriormente sincronizados (sincronizados) en la edición de sonido, proporcionando así sonido a la película. En otros casos, la banda sonora se grabó, como en las películas de ficción: con capas de sonido ambiental, efectos sonoros de archivo, foley y voces post-sincronizadas.
En otros casos, el tema del documental fue llevado a un estudio. El sonido tomado directamente del estudio hizo discutible el carácter documental de la grabación. Por ejemplo, una producción podría reconstruir un establo en el estudio, con un ingeniero de sonido cerca en una cabina insonorizada. Esto imita la producción de algunas películas de estudio y series de televisión, pero a menudo resulta en situaciones surrealistas, como vacas en un estudio para un documental sobre agricultura, en lugar de en su hábitat natural.
El sonido sincronizado fue utilizado por el cineasta francés Jean Rouch en 1960 cuando rodó Crónica de un verano , una película histórica en la historia del cine directo, en estilo cinéma-vérité , utilizando una cámara de 16 mm conectada mediante tono piloto con un prototipo de Nagra III , una Grabador de cinta magnética transistorizada con control electrónico de velocidad, desarrollado por Stefan Kudelski .
Con mejores equipos de sonido, iluminación y cámara disponibles, se dieron las condiciones técnicas necesarias para la llegada del cine directo. También aparecieron las condiciones sociales e ideológicas que propiciaron el cine directo.
El cine directo parecía reflejar esta nueva actitud. Surgió del deseo de comparar la opinión común con la realidad. Intentó mostrar cómo son realmente las cosas, fuera del estudio, lejos del control editorial del establishment, ya sea gubernamental o de la gran prensa. Lo que fue digno de mención fue que el deseo de poner a prueba la opinión común y mostrar la realidad se mantuvo constantemente controlado con una aguda conciencia de que es fácil mentir con el sonido y la imagen. Esta tensión estaba en el centro del cine directo y dio como resultado su estilo formal y su metodología. [ cita necesaria ]
La conciencia del potencial del cine para mentir llevaría a los cineastas a probar formas precisas de filmar. Para Michel Brault, del National Film Board de Canadá , pionero del trabajo moderno con cámara portátil , significaba la posibilidad de moverse entre la gente con un gran ángulo. [7] Otros cineastas desarrollarían métodos diferentes. Algunos insistían en que el sujeto necesitaba acostumbrarse a ellos antes de comenzar cualquier rodaje real, por lo que parecería que se estaba ignorando a la cámara [8]. Otro grupo de cineastas de cine directo afirmaría que la técnica más honesta para un cineasta era aceptar la cámara como catalizador y reconocer que provocó reacciones. Esto permitió a los cineastas sentirse libres de pedirle al sujeto de su película que hiciera algo que quisieran documentar. [9]
El deseo de capturar la realidad llevó a algunos a cuestionar la capacidad de los cineastas para filmar adecuadamente a alguien a quien no podían comprender completamente. Por ejemplo, Jean Rouch llegó incluso a entregarle la cámara al "sujeto" (y coautor) de Moi, un Noir .
Independientemente de estas prácticas, una cosa es cierta: el cine directo tuvo más que ver con consideraciones éticas en la realización de películas documentales que con la tecnología. Esto podría explicar por qué el movimiento se inició en dos sociedades norteamericanas que se encontraban en mutación social e ideológica, el Canadá francés (Québec) y Estados Unidos, antes de extenderse a América del Sur y Francia. [ cita necesaria ]
El cine directo comenzó en 1958 en el National Film Board de Canadá en Quebec , [10] en los albores de la Revolución Silenciosa , un período de intensos cambios sociales y políticos.
En aquella época, la educación universitaria era algo raro para un quebequense. La joven intelectualidad emergente consideraba que el pueblo de Quebec estaba alienado y abusado. Este período de complejos cambios culturales y económicos para los quebequenses francófonos puede resumirse en la convergencia de tres fenómenos:
Las consecuencias de estos tres movimientos modificaron profundamente la sociedad quebequense y dieron lugar a una miríada de perspectivas de intelectuales y artistas en su sociedad colonizada. Los cineastas intentarían simultáneamente compartir su conciencia social, mejorar las condiciones de vida de los quebequenses e intentar lograr la independencia nacional, provocando, documentando esta transformación y, al mismo tiempo, manteniendo un registro de las tradiciones que están desapareciendo en una sociedad que cambia rápidamente. La película histórica Les Raquetteurs (1958), codirigida por Michel Brault y Gilles Groulx , es un ejemplo clave, [10] al igual que Guantes de oro de 1961 de Groulx . [13]
Las técnicas del cine directo también se incorporaron a varias películas de ficción clave de la época, como El gato en la bolsa ( Le Chat dans le sac ) (1964) y La vie heureuse de Léopold Z (1965). [14] [15]
En Estados Unidos, Robert Drew , periodista de la revista Life después de la guerra, decidió aplicar el método del fotoperiodismo al cine. Fundó Drew Associates, que incluía a Richard Leacock , DA Pennebaker , Terence Macartney-Filgate y Albert y David Maysles . [16] ) Comenzaron a experimentar con la tecnología, sincronizando la cámara y el sonido con las partes de un reloj. En 1960, este grupo produjo tres películas para Time-Life Broadcast: Yanqui, No! , Eddie (En el polo) y Primaria .
Yanqui, ¡no! Centrado en América del Sur y sus tensas relaciones con Estados Unidos, documentó el sentimiento antiamericano subyacente en la población. Primary (un documental sobre la campaña primaria presidencial demócrata de Wisconsin de 1960 entre los senadores John F. Kennedy y Hubert H. Humphrey ), ayudó a definir el estilo del cine directo y lo dio a conocer a un amplio público con la ayuda de Time-Life Broadcast. La película revela cómo funcionaron las elecciones primarias en Estados Unidos en ese momento y elevó el perfil del cine directo. Después de estos experimentos acaloradamente debatidos, Time Life Broadcast retiró su acuerdo con Drew Associates. Drew Associates continuaría por su cuenta.
El 11 de junio de 1963, el gobernador de Alabama , George Wallace [17], bloqueó la entrada de la Universidad de Alabama para oponerse a la integración. Su desafío a la orden judicial se convirtió rápidamente en un problema nacional en Estados Unidos. Drew Associates tenía un camarógrafo en la Oficina Oval y grabó las reuniones sobre la crisis. El resultado se transmitió por televisión en octubre de 1963. Crisis: detrás de un compromiso presidencial no sólo alimentó los debates sobre el movimiento por los derechos civiles , sino que también desencadenó un profundo cuestionamiento sobre el poder político del cine directo. Los políticos se volvieron más cautelosos a la hora de permitir el acceso de los realizadores de documentales.
Cinéma vérité tiene muchas similitudes con el cine directo. El estilo de trabajo con la cámara en mano es el mismo. Hay una sensación similar de la vida real que se desarrolla ante los ojos del espectador. También existe una preocupación mutua por las cuestiones sociales y éticas. Tanto el cinéma vérité como el cine directo dependen del poder del montaje para dar forma, estructura y significado al material grabado. [18] Algunos historiadores del cine han caracterizado el movimiento del cine directo como una versión norteamericana del movimiento cinéma vérité. Esto último quedó ejemplificado en Francia con la Crónica de un verano (1961) de Jean Rouch . Para estos historiadores el cinéma vérité se caracteriza por el uso de la cámara para provocar y revelar.
El cine directo, por otra parte, se ha considerado más estrictamente observacional. Se basa en un acuerdo entre el cineasta, los sujetos y el público para actuar como si la presencia de la cámara no alterara sustancialmente el evento grabado. Tales afirmaciones de no intervención han sido criticadas por críticos e historiadores. [19]
En una entrevista de 2003 (Zuber), Robert Drew explicó cómo veía las diferencias entre cinéma vérité y cine directo:
Había hecho Primaria y algunas otras películas. Luego fui a Francia con Leacock para una conferencia [la reunión de 1963 patrocinada por Radio Televisión Francesa]. Me sorprendió ver a los realizadores de Cinema vérité abordando a la gente en la calle con un micrófono ( Crónica de un verano ). Mi objetivo era capturar la vida real sin entrometerme. Entre nosotros había una contradicción. No tenía sentido. Tenían un camarógrafo, un sonidista y unos seis más: un total de ocho hombres avanzando sigilosamente por las escenas. Era un poco como los hermanos Marx . Mi idea era tener una o dos personas, discretas, capturando el momento. [20]
Jean Rouch afirmó que el cinéma vérité procedía de Brault y la NFB. [21] Sin embargo, los pioneros de la forma Brault en la NFB , Pierre Perrault y los demás, nunca utilizaron el término cinéma vérité para describir su trabajo y, de hecho, lo encontraron pretencioso. Prefirieron "Cinéma Direct". El cine vérité, la frase y la forma, pueden considerarse así como una interpretación francesa de la idea del Cinéma Direct de Brault y sus colegas de la sección francesa de la NFB en Canadá.
Cinéma vérité pasó a ser un término aplicado en inglés a todo, desde una escuela de pensamiento hasta un estilo cinematográfico y una apariencia adoptada por los comerciales. [22]
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