El cine experimental o cine de vanguardia es un modo de realización cinematográfica que reevalúa rigurosamente las convenciones cinematográficas y explora formas no narrativas o alternativas a las narrativas o métodos de trabajo tradicionales. [1] Muchas películas experimentales, particularmente las tempranas, se relacionan con artes en otras disciplinas: pintura, danza, literatura y poesía, [2] o surgen de la investigación y el desarrollo de nuevos recursos técnicos. [3]
Si bien algunas películas experimentales se han distribuido a través de canales convencionales o incluso se han realizado en estudios comerciales, la gran mayoría se han producido con presupuestos muy bajos con un equipo mínimo o una sola persona y se autofinancian o se financian mediante pequeñas subvenciones. [4]
Los cineastas experimentales generalmente comienzan como aficionados y algunos utilizan películas experimentales como trampolín hacia la realización de películas comerciales o como transición a puestos académicos. El objetivo del cine experimental puede ser representar la visión personal de un artista o promover el interés por las nuevas tecnologías en lugar de entretener o generar ingresos, como es el caso de las películas comerciales. [5]
El término película experimental describe una variedad de estilos cinematográficos que con frecuencia difieren y a menudo se oponen a las prácticas del cine comercial y documental convencional . También se utiliza el término vanguardia , en películas como las rodadas en los años veinte en Francia, Alemania o Rusia, para describir esta obra, y " underground " se utilizó en los años sesenta, aunque también ha tenido otras connotaciones. Hoy prevalece el término "cine experimental", porque es posible hacer películas experimentales sin la presencia de ningún movimiento de vanguardia en el ámbito cultural.
Si bien lo "experimental" cubre una amplia gama de prácticas, una película experimental a menudo se caracteriza por la ausencia de una narrativa lineal, el uso de diversas técnicas de abstracción (desenfoque, pintura o raspado en la película, edición rápida), el uso de técnicas asincrónicas. sonido ( no diegético ) o incluso la ausencia de cualquier banda sonora. El objetivo suele ser colocar al espectador en una relación más activa y reflexiva con la película. Al menos durante la década de 1960, y hasta cierto punto después, muchas películas experimentales adoptaron una postura de oposición a la cultura dominante.
La mayoría de las películas experimentales se hacen con presupuestos muy bajos, autofinanciadas o financiadas mediante pequeñas subvenciones, con un equipo mínimo o, a menudo, un equipo formado por una sola persona, el cineasta. Algunos críticos han argumentado que gran parte del cine experimental ya no es "experimental", sino que se ha convertido en un género cinematográfico convencional . [6] Muchas de sus características más típicas, como los enfoques no narrativos, impresionistas o poéticos de la construcción de la película, definen lo que generalmente se entiende como "experimental". [7]
En la década de 1920, dos condiciones prepararon a Europa para el surgimiento del cine experimental. Primero, el cine maduró como medio y la resistencia intelectual al entretenimiento de masas comenzó a debilitarse. En segundo lugar, florecieron los movimientos de vanguardia en las artes visuales. Los dadaístas y los surrealistas en particular se inclinaron por el cine. Entr'acte (1924), de René Clair , con Francis Picabia , Marcel Duchamp y Man Ray , y con música de Erik Satie , llevó la comedia alocada al nonsequitur.
Los artistas Hans Richter , Jean Cocteau , Marcel Duchamp, Germaine Dulac y Viking Eggeling contribuyeron con cortos dadaístas/surrealistas. Fernand Léger , Dudley Murphy y Man Ray crearon la película Ballet Mécanique (1924), que ha sido descrita como dadaísta , cubista o futurista . [ cita necesaria ] Duchamp creó la película abstracta Anémic Cinéma (1926).
Alberto Cavalcanti dirigió Rien que les heures (1926), Walter Ruttmann dirigió Berlín: Sinfonía de una metrópolis (1927) y Dziga Vertov filmó El hombre de la cámara de cine (1929), " sinfonías urbanas " experimentales de París , Berlín y Kiev . respectivamente.
Una película experimental famosa es Un chien andalou (1929) de Luis Buñuel y Salvador Dalí . Los cortometrajes animados de Hans Richter, las películas abstractas de Oskar Fischinger y las películas GPO de Len Lye son ejemplos de películas europeas de vanguardia más abstractas. [8]
Trabajando en Francia, otro grupo de cineastas también financió películas mediante mecenazgo y las distribuyó a través de cineclubs, pero se trataba de películas narrativas que no estaban ligadas a una escuela de vanguardia. El estudioso del cine David Bordwell ha denominado a estos impresionistas franceses e incluye a Abel Gance , Jean Epstein , Marcel L'Herbier y Dimitri Kirsanoff . Estas películas combinan experimentación narrativa, edición rítmica y trabajo de cámara, y un énfasis en la subjetividad de los personajes. [9]
En 1952, el movimiento de vanguardia letrista , en Francia, provocó disturbios en el Festival de Cine de Cannes , cuando se proyectó Traité de bave et d'éternité (también conocida como Venom y Eternity ), de Isidore Isou . Después de sus críticas a Charlie Chaplin en la conferencia de prensa de 1952 en París por Limelight de Chaplin , hubo una división dentro del movimiento. Los ultraletristas siguieron causando revuelo cuando anunciaron la muerte del cine y mostraron sus nuevas técnicas hipergráficas ; el ejemplo más notorio son los Aullidos a favor de de Sade ( Hurlements en Faveur de Sade ) de Guy Debord de 1952.
Los cineastas soviéticos también encontraron una contraparte de la pintura y la fotografía modernistas en sus teorías del montaje . Las películas de Dziga Vertov , Sergei Eisenstein , Lev Kuleshov , Alexander Dovzhenko y Vsevolod Pudovkin fueron fundamentales para proporcionar un modelo alternativo al ofrecido por el Hollywood clásico . Si bien no son películas experimentales per se, contribuyeron al lenguaje cinematográfico de la vanguardia. [10]
Italia tuvo una relación históricamente difícil con su escena de vanguardia, aunque el nacimiento del cine coincidió con el surgimiento del futurismo italiano . [11]
Potencialmente, el nuevo medio del cine era una combinación perfecta para las preocupaciones del futurismo, conocido por promover nuevas estéticas, movimientos y modos de percepción. Especialmente, dada la fascinación futurista por la sensación de velocidad y el dinamismo de la vida moderna. Sin embargo, lo que queda del cine futurista es principalmente papel, muchas películas se perdieron y otras nunca se hicieron. Entre esas literaturas cabe destacar El cine futurista (Marinetti et al., 1916), El Manifiesto técnico de la literatura futurista (1912), El teatro de variedades (1913), El teatro sintético futurista (1915) y La nueva religión – Moralidad de Velocidad (1916). [12] Quizás, los futuristas estuvieron entre el primer grupo de cineastas de vanguardia dedicados al potencial de la imagen, elogiando el movimiento y apuntando hacia una estética antinarrativa. [13] Como ejemplo, la cita de Marinetti:
"El cine es un arte autónomo. Por lo tanto, el cine nunca debe copiar la escena. El cine, siendo esencialmente visual, debe ante todo responder a la evolución de la pintura, separarse de la realidad, de la fotografía, de lo gracioso y solemne..." [14]
Como se ejemplifica en la cita, la imagen es el tema real, no la historia o la actuación, un enfoque y una actitud que siguen siendo válidos para toda la historia del cine experimental.
Anton Giulio Bragaglia es sin duda el cineasta más conocido del movimiento futurista.
Estados Unidos tuvo algunas películas de vanguardia antes de la Segunda Guerra Mundial , como Manhatta (1921), de Charles Sheeler y Paul Strand , y La vida y muerte de 9413: un extra de Hollywood (1928), de Slavko Vorkapich y Robert Florey . Sin embargo, gran parte de la cultura cinematográfica experimental de antes de la guerra consistía en artistas que trabajaban, a menudo de forma aislada, en proyectos cinematográficos. A principios de la década de 1930, el pintor Emlen Etting (1905-1993) dirigió películas de danza consideradas experimentales. El artista comercial ( Saturday Evening Post ) e ilustrador Douglass Crockwell (1904-1968) [15] realizó animaciones con manchas de pintura prensadas entre láminas de vidrio en su estudio de Glens Falls, Nueva York . [dieciséis]
En Rochester, Nueva York , el médico y filántropo James Sibley Watson y Melville Webber dirigieron La caída de la casa Usher (1928) y Lot en Sodoma (1933). Harry Smith , Mary Ellen Bute , el artista Joseph Cornell y Christopher Young realizaron varias películas experimentales de influencia europea. Smith y Bute fueron influenciados por Oskar Fischinger, al igual que muchos animadores y cineastas de vanguardia. En 1930 apareció la revista Cine Experimental . [17] Los editores fueron Lewis Jacobs y David Platt. En octubre de 2005, se restauró y relanzó en DVD una gran colección de películas de ese período, titulada Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941 . [18]
Con Slavko Vorkapich, John Hoffman hizo dos poemas tonales visuales, Moods of the Sea (también conocido como Fingal's Cave , 1941) y Forest Murmurs (1947). La primera película está ambientada en la Obertura de las Hébridas de Felix Mendelssohn y fue restaurada en 2004 por el experto en preservación cinematográfica David Shepard .
Meshes of the Afternoon (1943) de Maya Deren y Alexander Hammid es una de las primeras películas experimentales estadounidenses. Proporcionó un modelo para la producción y distribución autofinanciada de 16 mm , que pronto fue adoptado por Cinema 16 y otras sociedades cinematográficas . Igualmente importante es que estableció un modelo estético de lo que podía hacer el cine experimental. Meshes tenía una sensación de ensueño que recordaba a Jean Cocteau y los surrealistas, pero igualmente parecía personal, nueva y americana. Los primeros trabajos de Kenneth Anger , Stan Brakhage , Shirley Clarke , Gregory Markopoulos , Jonas Mekas , Willard Maas , Marie Menken , Curtis Harrington , Sidney Peterson , Lionel Rogosin y Earle M. Pilgrim siguieron una línea similar. Es significativo que muchos de estos cineastas fueron los primeros estudiantes de los programas universitarios de cine pioneros establecidos en Los Ángeles y Nueva York . En 1946, Frank Stauffacher inició la serie de películas experimentales "Art in Cinema" en el Museo de Arte Moderno de San Francisco , donde las películas de Oskar Fischinger aparecieron en varios programas especiales, influyendo en artistas como Jordan Belson y Harry Smith para realizar animación experimental.
Establecieron "programas de cine alternativo" en el Black Mountain College (ahora desaparecido) y en el San Francisco Art Institute . Arthur Penn enseñó en Black Mountain College, lo que señala la idea errónea popular, tanto en el mundo del arte como en Hollywood, de que la vanguardia y lo comercial nunca se encuentran. Otro desafío a esa idea errónea es que en una etapa avanzada de su vida, después de que terminaron sus carreras en Hollywood, tanto Nicholas Ray como King Vidor hicieron películas de vanguardia.
El teórico del cine P. Adams Sitney ofrece un concepto de "película visionaria" e inventó algunas categorías de género, incluida la película mitopoética , la película estructural, la película de trance y la película participativa, para describir la morfología histórica del cine experimental. en la vanguardia estadounidense desde 1943 hasta la década de 2000. [19]
La sociedad cinematográfica y el modelo de autofinanciación continuaron durante las siguientes dos décadas, pero a principios de la década de 1960 se hizo perceptible una perspectiva diferente en el trabajo de los cineastas de vanguardia estadounidenses. P. Adams Sitney considera que cineastas como Michael Snow , Hollis Frampton , Ken Jacobs , Paul Sharits , Tony Conrad y Ernie Gehr son modelos clave para lo que él llama " cine estructural ". Sitney dice que los elementos clave de la película estructural son una posición fija de la cámara, un efecto de parpadeo, una nueva fotografía fuera de la pantalla y una impresión en bucle. [20] El artista Bruce Conner creó ejemplos tempranos como A Movie (1958) y Cosmic Ray (1962). Como ha señalado Sitney, en la obra de Stan Brakhage y otros experimentalistas estadounidenses de la época temprana, el cine se utiliza para expresar la conciencia individual del creador, un equivalente cinematográfico de la primera persona en la literatura. Dog Star Man (1961-1964), de Brakhage , ejemplificó un cambio del confesionario personal a la abstracción, y también evidenció un rechazo a la cultura de masas estadounidense de la época. Por otro lado, Kenneth Anger añadió una banda sonora de rock a su Scorpio Rising (1963) en lo que a veces se dice que es una anticipación de los vídeos musicales , e incluyó algunos comentarios campestres sobre la mitología de Hollywood. Jack Smith y Andy Warhol incorporaron elementos camp en su trabajo, y Sitney postuló la conexión de Warhol con el cine estructural.
Algunos cineastas de vanguardia se alejaron aún más de la narrativa. Mientras que el Nuevo Cine Americano estuvo marcado por una visión indirecta de la narrativa, basada en la abstracción, el camp y el minimalismo, cineastas estructurales como Frampton y Snow crearon un cine altamente formalista que puso en primer plano el medio mismo: el encuadre, la proyección y, lo más importante, el tiempo. . Se ha argumentado que al dividir la película en componentes desnudos, buscaban crear un cine antiilusionista, aunque los últimos trabajos de Frampton tienen una enorme deuda con la fotografía de Edward Weston , Paul Strand y otros, y de hecho celebran la ilusión. Además, si bien muchos cineastas comenzaron a hacer "películas estructurales" bastante académicas después de la publicación en Film Culture de un artículo de P. Adams Sitney a finales de la década de 1960, muchos de los cineastas nombrados en el artículo objetaron el término.
Una reseña crítica de los estructuralistas apareció en una edición de 2000 de la revista de arte Art in America . Examinó el formalismo estructural como una filosofía conservadora del cine.
En la década de 1970, el arte conceptual avanzó aún más. Robert Smithson , un artista afincado en California, hizo varias películas sobre sus movimientos de tierras y proyectos adjuntos. Yoko Ono hizo películas conceptuales. El más notorio de ellos es Violación, que se centra en la vida de una mujer invadida por cámaras mientras intenta huir. Por esta época, una nueva generación estaba entrando en este campo, muchos de los cuales eran estudiantes de los primeros vanguardistas. Leslie Thornton , Peggy Ahwesh y Su Friedrich ampliaron el trabajo de los estructuralistas, incorporando una gama más amplia de contenidos manteniendo una forma autorreflexiva.
Andy Warhol , el hombre detrás del arte pop y una variedad de otras formas de arte y oral, realizó más de 60 películas a lo largo de la década de 1960, la mayoría de ellas experimentales. En años más recientes, cineastas como Craig Baldwin y James O'Brien ( Hyperfutura ) han utilizado material de archivo combinado con narrativas de acción real en una forma de cine mash-up que tiene fuertes matices sociopolíticos. La Jetée (1962) de Chris Marker consiste casi en su totalidad en fotografías acompañadas de narración, mientras que El año del clavo (2007) de Jonás Cuarón utiliza fotografías sin escena que el director tomó de sus amigos y familiares combinadas con actuación de voz para contar una historia de ficción. Otros ejemplos de películas creadas en el siglo XXI con esta técnica son Dogville de Lars von Trier y la filmografía de David Lynch .
La escritura y la realización cinematográfica de Laura Mulvey lanzaron un florecimiento del cine feminista basado en la idea de que la narrativa convencional de Hollywood reforzaba las normas de género y una mirada patriarcal. Su respuesta fue resistirse a la narrativa de una manera que mostrara sus fisuras e inconsistencias. Chantal Akerman y Sally Potter son sólo dos de las principales cineastas feministas que trabajaron de esta manera en los años setenta. El videoarte surgió como medio en este período y feministas como Martha Rosler y Cecelia Condit lo aprovecharon al máximo.
En la década de 1980, el trabajo feminista, gay y otros trabajos experimentales políticos continuaron, y cineastas como Barbara Hammer , Su Friedrich , Tracey Moffatt , Sadie Benning e Isaac Julien, entre otros, encontraron un formato experimental propicio para sus preguntas sobre la política de identidad.
El movimiento queercore dio lugar a varios cineastas queer experimentales como GB Jones (uno de los fundadores del movimiento) en la década de 1990 y más tarde Scott Treleaven , entre otros.
Con muy pocas excepciones, entre ellas Curtis Harrington , los artistas involucrados en estos primeros movimientos permanecieron fuera de la industria principal del cine comercial y del entretenimiento. Unos pocos enseñaron ocasionalmente y luego, a partir de 1966, muchos se convirtieron en profesores en universidades como las Universidades Estatales de Nueva York , el Bard College , el Instituto de las Artes de California , el Colegio de Arte de Massachusetts , la Universidad de Colorado en Boulder y la Universidad de San Francisco . Instituto de Arte Francisco .
De hecho, muchos profesionales del cine experimental no poseen títulos universitarios, aunque sus proyecciones son prestigiosas. Algunos han cuestionado el estatus de las películas realizadas en la academia, pero profesores de cine de toda la vida, como Stan Brakhage , Ken Jacobs , Ernie Gehr y muchos otros, continuaron refinando y ampliando su práctica mientras enseñaban. Sin embargo, la inclusión del cine experimental en los cursos de cine y en las historias del cine estándar ha hecho que el trabajo sea más conocido y accesible.
A partir de 1946, Frank Stauffacher dirigió el programa "Arte en el cine" de películas experimentales y de vanguardia en el Museo de Arte Moderno de San Francisco .
De 1949 a 1975, el Festival de Cine Experimental de Knokke-Le-Zoute —ubicado en Knokke-Heist , Bélgica— fue el festival de cine experimental más destacado del mundo. Permite descubrir la vanguardia americana en 1958 con las películas de Brakhage y de muchos otros cineastas europeos y americanos.
De 1947 a 1963, Cinema 16, con sede en Nueva York , funcionó como el principal exhibidor y distribuidor de películas experimentales en los Estados Unidos. Bajo el liderazgo de Amos Vogel y Marcia Vogel, Cinema 16 floreció como una sociedad sin fines de lucro comprometida con la exhibición de películas documentales, de vanguardia, científicas, educativas y de performance para audiencias cada vez mayores. [21]
En 1962, Jonas Mekas y unos 20 cineastas más fundaron The Film-Makers' Cooperative en la ciudad de Nueva York. Pronto se formaron cooperativas de artistas similares en otros lugares: Canyon Cinema en San Francisco, London Film-Makers' Co-op y Canadian Filmmakers Distribution Center.
Siguiendo el modelo de Cinema 16, las películas experimentales se han exhibido principalmente fuera de las salas comerciales en pequeñas sociedades cinematográficas , microcines , museos , galerías de arte , archivos y festivales de cine . [22]
Varias otras organizaciones, tanto en Europa como en América del Norte, ayudaron a desarrollar películas experimentales. Estos incluyeron Anthology Film Archives en la ciudad de Nueva York, The Millennium Film Workshop, el British Film Institute en Londres, el National Film Board de Canadá y el Collective for Living Cinema.
Algunos de los festivales de cine más populares, como el Festival de Cine de Ann Arbor , el bar lateral "Views from the Avant-Garde" del Festival de Cine de Nueva York , el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y el Festival de Cine de Media City [23] presentan de manera destacada películas experimentales. obras.
El Festival de Cine Subterráneo de Nueva York , el Festival de Cine Subterráneo de Chicago , el Festival de Artes de Medios Experimentales LA Freewaves , el Festival de Cine Experimental de Lesbianas y Gays MIX NYC y el Festival de Imágenes de Toronto también apoyan este trabajo y brindan espacios para películas que de otro modo no serían visto. Existe cierta controversia sobre si "clandestino" y "vanguardia" realmente significan lo mismo y si el cine desafiante no tradicional y el cine de bellas artes están realmente relacionados fundamentalmente. [24]
Lugares como Anthology Film Archives , San Francisco Cinematheque , Pacific Film Archive en Berkeley, California , Tate Modern, Londres y el Centro Pompidou en París a menudo incluyen películas experimentales y obras contemporáneas de importancia histórica. Las series de proyecciones que ya no se realizan en Nueva York y que presentaron trabajos experimentales incluyen Robert Beck Memorial Cinema, Ocularis y Collective for Living Cinema .
Todas estas asociaciones y movimientos han permitido el nacimiento y el desarrollo de películas y escuelas experimentales nacionales como el "cine corporal" ("Écoles du corps" o "Cinéma corporel") y los movimientos "postestructurales" en Francia y el "estructural/materialismo". en Inglaterra por ejemplo. [25]
Aunque el cine experimental es conocido por un número relativamente pequeño de profesionales, académicos y conocedores, ha influido y sigue influyendo en la cinematografía , los efectos visuales y la edición . [26]
El cine experimental llegó al público general en exposiciones mundiales, especialmente en Montreal, Expo 67 , [27] y Osaka, Expo 70 . [28]
El género del vídeo musical puede verse como una comercialización de muchas técnicas del cine experimental. El diseño de títulos y la publicidad televisiva también se han visto influenciados por el cine experimental. [29] [30] [31] [32]
Muchos cineastas experimentales también han realizado largometrajes y viceversa. [33]
