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El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que comenzó en París y que revolucionó la pintura y las artes visuales, e influyó en las innovaciones artísticas en la música , el ballet , la literatura y la arquitectura . Los temas cubistas se analizan, se dividen y se vuelven a ensamblar en una forma abstracta: en lugar de representar objetos desde una única perspectiva, el artista representa el tema desde múltiples perspectivas para representarlo en un contexto más amplio. [1] El cubismo ha sido considerado el movimiento artístico más influyente del siglo XX. [2] [3] El término cubismo se asocia ampliamente con una variedad de obras de arte producidas en París ( Montmartre y Montparnasse ) o cerca de París ( Puteaux ) durante la década de 1910 y durante toda la década de 1920.
El movimiento fue iniciado en colaboración por Pablo Picasso y Georges Braque , y se unieron a Jean Metzinger , Albert Gleizes , Robert Delaunay , Henri Le Fauconnier , Juan Gris y Fernand Léger . [4] Una influencia primaria que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne . [2] Se realizó una retrospectiva de las pinturas de Cézanne en el Salón de Otoño de 1904, las obras actuales se exhibieron en el Salón de Otoño de 1905 y 1906 , seguidas de dos retrospectivas conmemorativas después de su muerte en 1907. [5]
En Francia, se desarrollaron ramificaciones del cubismo, incluido el orfismo , el arte abstracto y más tarde el purismo . [6] [7] El impacto del cubismo fue de largo alcance y amplio en las artes y en la cultura popular. El cubismo introdujo el collage como una forma de arte moderno. En Francia y otros países, el futurismo , el suprematismo , el dadaísmo , el constructivismo , el De Stijl y el art déco se desarrollaron en respuesta al cubismo. [4] Las primeras pinturas futuristas tienen en común con el cubismo la fusión del pasado y el presente, la representación de diferentes puntos de vista del sujeto retratado al mismo tiempo o sucesivamente, también llamada perspectiva múltiple, simultaneidad o multiplicidad, [8] mientras que el constructivismo estuvo influenciado por la técnica de Picasso de construir esculturas a partir de elementos separados. [9] Otros hilos comunes entre estos movimientos dispares incluyen el facetado o simplificación de formas geométricas y la asociación de la mecanización y la vida moderna.
Los estudiosos han dividido la historia del cubismo en fases. En un esquema, la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico , una frase acuñada por Juan Gris a posteriori , [10] fue radical e influyente como un movimiento artístico corto pero muy significativo entre 1910 y 1912 en Francia. Una segunda fase, el cubismo sintético , se mantuvo vital hasta alrededor de 1919, cuando el movimiento surrealista ganó popularidad. El historiador de arte inglés Douglas Cooper propuso otro esquema, describiendo tres fases del cubismo en su libro, The Cubist Epoch . Según Cooper, hubo un "cubismo temprano" (de 1906 a 1908), cuando el movimiento se desarrolló inicialmente en los estudios de Picasso y Braque; la segunda fase se llamó "alto cubismo" (de 1909 a 1914), tiempo durante el cual Juan Gris emergió como un exponente importante (después de 1911); y finalmente Cooper se refirió al "Cubismo tardío" (de 1914 a 1921) como la última fase del cubismo como movimiento de vanguardia radical . [11] El uso restrictivo que Douglas Cooper hizo de estos términos para distinguir la obra de Braque, Picasso, Gris (a partir de 1911) y Léger (en menor medida) implicaba un juicio de valor intencional. [12]
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El cubismo floreció entre 1907 y 1911. El cuadro de Pablo Picasso de 1907, Las señoritas de Avignon, ha sido considerado a menudo una obra protocubista .
En 1908, en su reseña de la exposición de Georges Braque en la galería Kahnweiler , el crítico Louis Vauxcelles llamó a Braque un hombre atrevido que desprecia la forma, "reduciendo todo, lugares, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos". [14] [15]
Vauxcelles contó que Matisse le dijo en su momento: «Braque acaba de enviar [al Salón de Otoño de 1908 ] un cuadro hecho de pequeños cubos». [15] El crítico Charles Morice repitió las palabras de Matisse y habló de los pequeños cubos de Braque. El motivo del viaducto de l'Estaque había inspirado a Braque para realizar tres cuadros marcados por la simplificación de la forma y la deconstrucción de la perspectiva. [16]
Las Casas de L'Estaque (y obras relacionadas) de Georges Braque de 1908 impulsaron a Vauxcelles, en Gil Blas , el 25 de marzo de 1909, a referirse a las bizarreries cubiques (rarezas cúbicas). [17] Gertrude Stein se refirió a los paisajes realizados por Picasso en 1909, como El embalse de Horta de Ebro , como las primeras pinturas cubistas. La primera exposición colectiva organizada por cubistas tuvo lugar en el Salón de los Independientes de París durante la primavera de 1911 en una sala llamada «Salle 41»; incluía obras de Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier , pero no se exhibieron obras de Picasso o Braque. [12]
En 1911, Picasso fue reconocido como el inventor del cubismo, mientras que la importancia y la precedencia de Braque se discutieron más tarde, con respecto a su tratamiento del espacio, el volumen y la masa en los paisajes de L'Estaque. Pero "esta visión del cubismo está asociada con una definición claramente restrictiva de qué artistas deben ser llamados propiamente cubistas", escribió el historiador de arte Christopher Green: "marginando la contribución de los artistas que expusieron en el Salón de los Independientes en 1911 [...]" [12]
La afirmación de que la representación cubista del espacio, la masa, el tiempo y el volumen apoya (en lugar de contradecir) la planitud del lienzo fue hecha por Daniel-Henry Kahnweiler ya en 1920, [18] pero fue objeto de críticas en las décadas de 1950 y 1960, especialmente por Clement Greenberg . [19]
Las visiones contemporáneas del cubismo son complejas, formadas en cierta medida como respuesta a los cubistas de la "Salle 41", cuyos métodos eran demasiado distintos de los de Picasso y Braque como para ser considerados meramente secundarios a ellos. Por lo tanto, se han desarrollado interpretaciones alternativas del cubismo. Las visiones más amplias del cubismo incluyen artistas que luego se asociaron con los artistas de la "Salle 41", por ejemplo, Francis Picabia ; los hermanos Jacques Villon , Raymond Duchamp-Villon y Marcel Duchamp , quienes a partir de fines de 1911 formaron el núcleo de la Section d'Or (o el Grupo Puteaux ); los escultores Alexander Archipenko , Joseph Csaky y Ossip Zadkine, así como Jacques Lipchitz y Henri Laurens ; y pintores como Louis Marcoussis , Roger de La Fresnaye , František Kupka , Diego Rivera , Léopold Survage , Auguste Herbin , André Lhote , Gino Severini (después de 1916), María Blanchard (después de 1916) y Georges Valmier (después de 1918). Más fundamentalmente, Christopher Green sostiene que los términos de Douglas Cooper fueron "posteriormente socavados por interpretaciones de la obra de Picasso, Braque, Gris y Léger que enfatizan cuestiones iconográficas e ideológicas en lugar de métodos de representación". [12]
John Berger identifica la esencia del cubismo con el diagrama mecánico. “El modelo metafórico del cubismo es el diagrama: el diagrama es una representación simbólica visible de procesos, fuerzas y estructuras invisibles. Un diagrama no tiene por qué prescindir de ciertos aspectos de la apariencia, pero éstos también serán tratados como signos, no como imitaciones o recreaciones”. [20]
Había una clara diferencia entre los cubistas de Kahnweiler y los cubistas del Salón. Antes de 1914, Picasso, Braque, Gris y Léger (en menor medida) contaban con el apoyo de un único marchante de arte comprometido en París, Daniel-Henry Kahnweiler, que les garantizaba un ingreso anual por el derecho exclusivo a comprar sus obras. Kahnweiler vendía sólo a un pequeño círculo de entendidos. Su apoyo dio a sus artistas la libertad de experimentar en relativa privacidad. Picasso trabajó en Montmartre hasta 1912, mientras que Braque y Gris permanecieron allí hasta después de la Primera Guerra Mundial. Léger tenía su base en Montparnasse. [12]
En cambio, los cubistas de salón se ganaron su reputación principalmente exponiendo regularmente en el Salón de Otoño y el Salón de los Independientes, dos importantes salones no académicos de París. Eran inevitablemente más conscientes de la respuesta del público y de la necesidad de comunicarse. [12] Ya en 1910 empezó a formarse un grupo que incluía a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. Se reunían regularmente en el estudio de Henri le Fauconnier, cerca del bulevar de Montparnasse . En estas veladas a menudo participaban escritores como Guillaume Apollinaire y André Salmon . Junto con otros artistas jóvenes, el grupo quería enfatizar una investigación sobre la forma, en oposición al énfasis neoimpresionista en el color. [21]
Louis Vauxcelles, en su reseña del 26º Salón de los Independientes (1910), hizo una referencia pasajera e imprecisa a Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger y Le Fauconnier como "geómetras ignorantes, que reducen el cuerpo humano, el lugar, a cubos pálidos". [22] [23] En el Salón de Otoño de 1910 , unos meses más tarde, Metzinger exhibió su altamente fracturado Nu à la cheminée (Desnudo) , que posteriormente se reprodujo tanto en Du "Cubisme" (1912) como en Les Peintres Cubistes (1913). [24]
La primera controversia pública generada por el cubismo se produjo a raíz de las exposiciones que se realizaron en el Salón de los Independientes durante la primavera de 1911. Esta muestra de Metzinger, Gleizes, Delaunay, Le Fauconnier y Léger llevó el cubismo a la atención del público en general por primera vez. Entre las obras cubistas presentadas, Robert Delaunay exhibió su Torre Eiffel, Tour Eiffel (Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York). [25]
En el Salón de Otoño de ese mismo año, además del grupo Indépendants de la Salle 41 , se exhibieron obras de André Lhote , Marcel Duchamp , Jacques Villon, Roger de La Fresnaye , André Dunoyer de Segonzac y František Kupka . La exposición fue reseñada en la edición del 8 de octubre de 1911 de The New York Times . Este artículo fue publicado un año después de The Wild Men of Paris de Gelett Burgess , [26] y dos años antes del Armory Show , que presentó a los asombrados estadounidenses, acostumbrados al arte realista, los estilos experimentales de la vanguardia europea, incluidos el fauvismo, el cubismo y el futurismo. El artículo del New York Times de 1911 retrató obras de Picasso, Matisse, Derain, Metzinger y otros fechadas antes de 1909; no expuestas en el Salón de 1911. El artículo se titulaba Los "cubistas" dominan el Salón de Otoño de París y el subtítulo La escuela excéntrica de pintura aumenta su popularidad en la exposición de arte actual: lo que sus seguidores intentan hacer. [27] [28]
Entre todas las pinturas que se exhiben en el Salón de Otoño de París, ninguna llama tanto la atención como las extraordinarias producciones de la llamada escuela "cubista". De hecho, los despachos que llegan desde París sugieren que estas obras son fácilmente el elemento principal de la exposición. [...]
A pesar de la naturaleza disparatada de las teorías "cubistas", el número de quienes las profesan es bastante respetable. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger... Éstos son algunos de los nombres que firmaron lienzos ante los que París se quedó y vuelve a quedarse asombrado.
¿Qué significan? ¿Acaso los responsables de estas obras han perdido el juicio? ¿Es arte o locura? ¿Quién sabe? [27] [28]
El posterior Salón de los Independientes de 1912, celebrado en París (del 20 de marzo al 16 de mayo de 1912), estuvo marcado por la presentación de Desnudo bajando una escalera, n.º 2 , de Marcel Duchamp , que en sí misma provocó un escándalo, incluso entre los cubistas. De hecho, fue rechazada por el comité encargado de la exhibición, que incluía a sus hermanos y otros cubistas. Aunque la obra se mostró en el Salón de la Sección de Oro en octubre de 1912 y en el Armory Show de Nueva York de 1913, Duchamp nunca perdonó a sus hermanos y antiguos colegas por censurar su trabajo. [21] [29] Juan Gris, una nueva incorporación a la escena del Salón, exhibió su Retrato de Picasso (Art Institute of Chicago), mientras que las dos exhibiciones de Metzinger incluyeron La Femme au Cheval ( Mujer con un caballo , 1911-1912, Galería Nacional de Dinamarca ). [30] También se exhibieron la monumental La Ville de Paris (Musée d'art moderne de la Ville de Paris) de Delaunay y La Noce ( La boda , Musée National d'Art Moderne, París) de Léger.
En 1912, las Galeries Dalmau presentaron la primera exposición colectiva declarada del cubismo en todo el mundo ( Exposició d'Art Cubista ), [31] [32] [33] con una muestra controvertida de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin y Marcel Duchamp (Barcelona, del 20 de abril al 10 de mayo de 1912). La exposición de Dalmau comprendía 83 obras de 26 artistas. [34] [35] [36] La asociación de Jacques Nayral con Gleizes le llevó a escribir el prefacio de la exposición cubista, [31] que fue traducido íntegramente y reproducido en el periódico La Veu de Catalunya . [37] [38] Se exhibió por primera vez Desnudo bajando una escalera, n.º 2 de Duchamp . [39]
La amplia cobertura mediática (en periódicos y revistas) antes, durante y después de la exposición lanzó a las Galeries Dalmau como una fuerza en el desarrollo y propagación del modernismo en Europa. [39] Si bien la cobertura de prensa fue amplia, no siempre fue positiva. Se publicaron artículos en los periódicos Esquella de La Torratxa [40] y El Noticiero Universal [41] atacando a los cubistas con una serie de caricaturas aderezadas con texto despectivo. [41] El historiador de arte Jaime Brihuega escribe sobre la muestra de Dalmau: "Sin duda, la exposición produjo una fuerte conmoción en el público, que la recibió con mucha sospecha. [42]
En 1912 se produjo un importante avance en el cubismo con la introducción del collage en el sentido modernista por parte de Braque y Picasso. A Picasso se le atribuye la creación del primer collage cubista, Naturaleza muerta con silla de mimbre , en mayo de 1912, [43] mientras que Braque precedió a Picasso en la creación de esculturas de cartón cubistas y papiers collés . [44] Los papiers collés a menudo se componían de piezas de artefactos de papel cotidianos como periódicos, manteles, papel tapiz y partituras, mientras que los collages cubistas combinaban materiales dispares: en el caso de Naturaleza muerta con silla de mimbre , pintura al óleo aplicada con pincel y hule impreso comercialmente juntos sobre un lienzo. [43]
La contribución cubista al Salón de Otoño de 1912 generó un escándalo en relación con el uso de edificios propiedad del gobierno, como el Grand Palais , para exhibir tales obras de arte. La indignación del político Jean Pierre Philippe Lampué apareció en la portada de Le Journal el 5 de octubre de 1912. [45] La controversia se extendió al Consejo Municipal de París, lo que llevó a un debate en la Cámara de Diputados sobre el uso de fondos públicos para proporcionar un espacio para exhibir tales obras de arte. [46] Los cubistas fueron defendidos por el diputado socialista Marcel Sembat . [46] [47] [48]
Fue en este contexto de ira pública que Jean Metzinger y Albert Gleizes escribieron Du "Cubisme" (publicada por Eugène Figuière en 1912, traducida al inglés y al ruso en 1913). [49] Entre las obras expuestas se encontraban la vasta composición de Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par des ours (Montañeros atacados por osos), ahora en el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island, Deux Femme, Two Women (una escultura ahora perdida) de Joseph Csaky , además de las pinturas altamente abstractas de Kupka, Amorpha (The National Gallery, Praga) y Picabia , La Source (La fuente) (Museo de Arte Moderno, Nueva York).
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Las formas más extremas del cubismo no fueron las practicadas por Picasso y Braque, quienes se resistieron a la abstracción total. Otros cubistas, por el contrario, especialmente František Kupka , y aquellos considerados orfistas por Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia y Duchamp), aceptaron la abstracción eliminando por completo la materia visible. Las dos propuestas de Kupka en el Salón de Otoño de 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs y Amorpha chromatique chaude , fueron altamente abstractas (o no figurativas) y de orientación metafísica. Tanto Duchamp en 1912 como Picabia de 1912 a 1914 desarrollaron una abstracción expresiva y alusiva dedicada a temas emocionales y sexuales complejos. A partir de 1912, Delaunay pintó una serie de pinturas titulada Ventanas simultáneas , seguida de una serie titulada Formas circulares , en la que combinó estructuras planas con tonos prismáticos brillantes; Basándose en las características ópticas de los colores yuxtapuestos, su alejamiento de la realidad en la representación de imágenes fue casi total. En 1913-14, Léger produjo una serie titulada Contrastes de formas , en la que daba un énfasis similar al color, la línea y la forma. Su cubismo, a pesar de sus cualidades abstractas, se asoció con temas de mecanización y vida moderna. Apollinaire apoyó estos primeros desarrollos del cubismo abstracto en Les Peintres cubistes (1913), [24] escribiendo sobre una nueva pintura "pura" en la que el tema estaba vacío. Pero a pesar de su uso del término orfismo, estas obras eran tan diferentes que desafían los intentos de colocarlas en una sola categoría. [12]
Marcel Duchamp, también llamado orfista por Apollinaire, fue responsable de otro desarrollo extremo inspirado en el cubismo. El ready-made surgió de una consideración conjunta de que la obra en sí misma se considera un objeto (al igual que una pintura) y que utiliza los desechos materiales del mundo (como el collage y el papier collé en la construcción cubista y el ensamblaje). El siguiente paso lógico, para Duchamp, fue presentar un objeto ordinario como una obra de arte autosuficiente que se representa solo a sí misma. En 1913 fijó una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y en 1914 eligió un escurridor de botellas como escultura por derecho propio. [12]
La Section d'Or , también conocida como Groupe de Puteaux , fundada por algunos de los cubistas más destacados, fue un colectivo de pintores, escultores y críticos asociados con el cubismo y el orfismo, activo desde 1911 hasta aproximadamente 1914, que alcanzó prominencia a raíz de su controvertida exhibición en el Salon des Indépendants de 1911. El Salon de la Section d'Or en la Galerie La Boétie en París, octubre de 1912, fue posiblemente la exposición cubista más importante anterior a la Primera Guerra Mundial; expuso el cubismo a un público amplio. Se exhibieron más de 200 obras, y el hecho de que muchos de los artistas mostraran obras de arte representativas de su desarrollo desde 1909 hasta 1912 le dio a la exposición el atractivo de una retrospectiva cubista. [50]
El grupo parece haber adoptado el nombre de Section d'Or para diferenciarse de la definición más estrecha del cubismo desarrollada en paralelo por Pablo Picasso y Georges Braque en el barrio de Montmartre de París, y para mostrar que el cubismo, en lugar de ser una forma de arte aislada, representaba la continuación de una gran tradición (de hecho, la proporción áurea había fascinado a intelectuales occidentales de diversos intereses durante al menos 2.400 años). [51]
La idea de la Section d'Or surgió en el transcurso de conversaciones entre Metzinger, Gleizes y Jacques Villon. El nombre del grupo fue sugerido por Villon, después de leer una traducción de 1910 del Trattato della Pittura de Leonardo da Vinci realizada por Joséphin Péladan .
A finales del siglo XIX y principios del XX, los europeos descubrieron el arte africano , polinesio, micronesio y nativo americano . Artistas como Paul Gauguin , Henri Matisse y Pablo Picasso se sintieron intrigados e inspirados por el poder y la simplicidad de los estilos de esas culturas extranjeras. Alrededor de 1906, Picasso conoció a Matisse a través de Gertrude Stein , en un momento en que ambos artistas habían adquirido recientemente un interés en el primitivismo , la escultura ibérica , el arte africano y las máscaras tribales africanas . Se convirtieron en rivales amistosos y compitieron entre sí a lo largo de sus carreras, lo que quizás llevó a Picasso a entrar en un nuevo período en su obra en 1907, marcado por la influencia del arte griego, ibérico y africano. Las pinturas de Picasso de 1907 se han caracterizado como protocubismo , como se ve notablemente en Les Demoiselles d'Avignon , el antecedente del cubismo. [13]
El historiador de arte Douglas Cooper afirma que Paul Gauguin y Paul Cézanne «fueron particularmente influyentes en la formación del cubismo y especialmente importantes para las pinturas de Picasso durante 1906 y 1907». [52] Cooper continúa diciendo: «Se suele decir que Las señoritas es el primer cuadro cubista. Esto es una exageración, porque aunque fue un primer paso importante hacia el cubismo, todavía no es cubista. El elemento disruptivo y expresionista que contiene es incluso contrario al espíritu del cubismo, que miraba el mundo con un espíritu realista y distante. Sin embargo, Las señoritas es el cuadro lógico que hay que tomar como punto de partida para el cubismo, porque marca el nacimiento de un nuevo idioma pictórico, porque en él Picasso derribó violentamente las convenciones establecidas y porque todo lo que siguió surgió de él». [13]
La objeción más seria a considerar a Las señoritas como el origen del cubismo, con su evidente influencia del arte primitivo, es que "tales deducciones son ahistóricas", escribió el historiador de arte Daniel Robbins . Esta explicación familiar "no logra dar la consideración adecuada a las complejidades de un arte floreciente que existía justo antes y durante el período en que se desarrolló la nueva pintura de Picasso". [53] Entre 1905 y 1908, una búsqueda consciente de un nuevo estilo provocó cambios rápidos en el arte en Francia, Alemania, los Países Bajos, Italia y Rusia. Los impresionistas habían utilizado un doble punto de vista, y tanto Les Nabis como los simbolistas (que también admiraban a Cézanne) aplanaron el plano del cuadro, reduciendo sus temas a formas geométricas simples. La estructura y la temática neoimpresionistas , que se ven sobre todo en las obras de Georges Seurat (por ejemplo, Parade de Cirque , Le Chahut y Le Cirque ), fueron otra influencia importante. También hubo paralelismos en el desarrollo de la literatura y el pensamiento social. [53]
Además de en Seurat, las raíces del cubismo se encuentran en dos tendencias distintas de la obra posterior de Cézanne: en primer lugar, su fragmentación de la superficie pintada en pequeñas áreas multifacéticas de pintura, enfatizando así el punto de vista plural que proporciona la visión binocular , y en segundo lugar, su interés por la simplificación de las formas naturales en cilindros, esferas y conos. Sin embargo, los cubistas exploraron este concepto más allá de Cézanne. Representaron todas las superficies de los objetos representados en un único plano pictórico, como si los objetos tuvieran todas sus caras visibles al mismo tiempo. Este nuevo tipo de representación revolucionó la forma en que se podían visualizar los objetos en la pintura y el arte.
El estudio histórico del cubismo comenzó a fines de la década de 1920, basándose al principio en fuentes de datos limitados, en particular las opiniones de Guillaume Apollinaire . Luego se basó en gran medida en el libro de Daniel-Henry Kahnweiler Der Weg zum Kubismus (publicado en 1920), que se centró en los desarrollos de Picasso, Braque, Léger y Gris. Los términos "analítico" y "sintético" que surgieron posteriormente han sido ampliamente aceptados desde mediados de la década de 1930. Ambos términos son imposiciones históricas que ocurrieron después de los hechos que identifican. Ninguna fase fue designada como tal en el momento en que se crearon las obras correspondientes. "Si Kahnweiler considera el cubismo como Picasso y Braque", escribió Daniel Robbins, "nuestra única falla es someter las obras de otros cubistas a los rigores de esa definición limitada". [53]
La interpretación tradicional del "cubismo", formulada a posteriori como un medio para comprender las obras de Braque y Picasso, ha afectado nuestra apreciación de otros artistas del siglo XX. Es difícil aplicarla a pintores como Jean Metzinger , Albert Gleizes, Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier , cuyas diferencias fundamentales con el cubismo tradicional obligaron a Kahnweiler a preguntarse si debía llamarlos cubistas. Según Daniel Robbins , "sugerir que simplemente porque estos artistas se desarrollaron de manera diferente o se alejaron del patrón tradicional merecían ser relegados a un papel secundario o satélite en el cubismo es un profundo error". [53]
La historia del término "cubismo" suele destacar el hecho de que Matisse hizo referencia a los "cubos" en relación con un cuadro de Braque en 1908, y que el término fue publicado dos veces por el crítico Louis Vauxcelles en un contexto similar. Sin embargo, la palabra "cubo" fue utilizada en 1906 por otro crítico, Louis Chassevent, en referencia no a Picasso o Braque, sino a Metzinger y Delaunay:
El uso crítico de la palabra "cubo" se remonta al menos a mayo de 1901, cuando Jean Béral, al reseñar la obra de Henri-Edmond Cross en los Indépendants in Art et Littérature , comentó que "utiliza un puntillismo grande y cuadrado, dando la impresión de mosaico. Uno incluso se pregunta por qué el artista no ha utilizado cubos de materia sólida de diversos colores: harían bonitos revestimientos". (Robert Herbert, 1968, p. 221) [55]
El término cubismo no se generalizó hasta 1911, principalmente con referencia a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. [53] En 1911, el poeta y crítico Guillaume Apollinaire aceptó el término en nombre de un grupo de artistas invitados a exponer en los Indépendants de Bruselas. Al año siguiente, en preparación para el Salon de la Section d'Or , Metzinger y Gleizes escribieron y publicaron Du "Cubisme" [56] en un esfuerzo por disipar la confusión que se desataba en torno a la palabra y como una importante defensa del cubismo (que había causado un escándalo público tras el Salon des Indépendants de 1911 y el Salon d'Automne de 1912 en París). [57] Aclarando sus objetivos como artistas, esta obra fue el primer tratado teórico sobre el cubismo y sigue siendo el más claro e inteligible. El resultado, que no fue únicamente una colaboración entre sus dos autores, reflejó las discusiones del círculo de artistas que se reunían en Puteaux y Courbevoie . Reflejaba las actitudes de los "artistas de Passy", que incluían a Picabia y los hermanos Duchamp, a quienes se les leyeron fragmentos antes de su publicación. [12] [53] El concepto desarrollado en Du "Cubisme" de observar un tema desde diferentes puntos en el espacio y el tiempo simultáneamente, es decir, el acto de moverse alrededor de un objeto para captarlo desde varios ángulos sucesivos fusionados en una sola imagen (múltiples puntos de vista, perspectiva móvil, simultaneidad o multiplicidad), es un recurso generalmente reconocido utilizado por los cubistas. [58]
El manifiesto Du "Cubisme" de Metzinger y Gleizes de 1912 fue seguido en 1913 por Les Peintres Cubistes , una colección de reflexiones y comentarios de Guillaume Apollinaire. [24] Apollinaire había estado estrechamente relacionado con Picasso a partir de 1905 y con Braque a partir de 1907, pero prestó la misma atención a artistas como Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia y Duchamp. [12]
El hecho de que la exposición de 1912 hubiera sido curada para mostrar las sucesivas etapas por las que había transitado el cubismo, y que Du "Cubisme" se hubiera publicado para la ocasión, indica la intención de los artistas de hacer comprensible su obra a un público amplio (críticos de arte, coleccionistas de arte, comerciantes de arte y público en general). Sin duda, debido al gran éxito de la exposición, el cubismo se convirtió en un movimiento de vanguardia reconocido como un género o estilo en el arte con una filosofía o un objetivo común específico. [50]
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Una modificación significativa del cubismo entre 1914 y 1916 fue señalada por un cambio hacia un fuerte énfasis en grandes planos geométricos superpuestos y la actividad de superficies planas. Esta agrupación de estilos de pintura y escultura, especialmente significativa entre 1917 y 1920, fue practicada por varios artistas; particularmente aquellos bajo contrato con el comerciante de arte y coleccionista Léonce Rosenberg . La rigidez de las composiciones, la claridad y el sentido del orden reflejados en estas obras, llevaron a que el crítico Maurice Raynal se refiriera a ellas como cubismo "cristal". Las consideraciones manifestadas por los cubistas antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial -como la cuarta dimensión , el dinamismo de la vida moderna, lo oculto y el concepto de duración de Henri Bergson- ahora habían sido desocupadas, reemplazadas por un marco de referencia puramente formal. [59]
El cubismo de cristal y su rappel à l'ordre asociativo se han vinculado con una inclinación (por parte de quienes sirvieron en las fuerzas armadas y de quienes permanecieron en el sector civil) a escapar de las realidades de la Gran Guerra, tanto durante como inmediatamente después del conflicto. La purificación del cubismo desde 1914 hasta mediados de la década de 1920, con su unidad cohesiva y sus restricciones voluntarias, se ha vinculado con una transformación ideológica mucho más amplia hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesas . [12]
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El período más innovador del cubismo fue antes de 1914. [ cita requerida ] Después de la Primera Guerra Mundial, con el apoyo dado por el comerciante Léonce Rosenberg , el cubismo regresó como un tema central para los artistas, y continuó como tal hasta mediados de la década de 1920, cuando su estatus de vanguardia se volvió cuestionado por el surgimiento de la abstracción geométrica y el surrealismo en París . Muchos cubistas, incluidos Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes, Metzinger y Emilio Pettoruti, mientras desarrollaban otros estilos, regresaron periódicamente al cubismo, incluso mucho después de 1925. El cubismo resurgió durante las décadas de 1920 y 1930 en la obra del estadounidense Stuart Davis y el inglés Ben Nicholson . En Francia, sin embargo, el cubismo experimentó un declive a partir de 1925 aproximadamente. Léonce Rosenberg no sólo expuso a los artistas que habían quedado varados tras el exilio de Kahnweiler, sino también a otros, entre ellos Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin y Severini. En 1918, Rosenberg presentó una serie de exposiciones cubistas en su Galerie de l'Effort Moderne de París. Louis Vauxcelles intentó argumentar que el cubismo estaba muerto, pero estas exposiciones, junto con una muestra cubista bien organizada en el Salón de los Independientes de 1920 y una renovación del Salón de la Sección de Oro en el mismo año, demostraron que todavía estaba vivo. [12]
El resurgimiento del cubismo coincidió con la aparición, entre 1917 y 1924, de un conjunto coherente de escritos teóricos de Pierre Reverdy, Maurice Raynal y Daniel-Henry Kahnweiler y, entre los artistas, de Gris, Léger y Gleizes. El retorno ocasional al clasicismo (obras figurativas exclusivamente o junto con obras cubistas) que experimentaron muchos artistas durante este período (llamado neoclasicismo ) se ha vinculado a la tendencia a evadir las realidades de la guerra y también al predominio cultural de una imagen clásica o latina de Francia durante e inmediatamente después de la guerra. El cubismo posterior a 1918 puede verse como parte de un amplio cambio ideológico hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesas . Sin embargo, el cubismo en sí siguió siendo evolutivo tanto dentro de la obra de artistas individuales, como Gris y Metzinger, como en la obra de artistas tan diferentes entre sí como Braque, Léger y Gleizes. El cubismo, como movimiento debatido públicamente, se volvió relativamente unificado y abierto a la definición. Su pureza teórica lo convirtió en un parámetro con el que se podían comparar tendencias tan diversas como el realismo o el naturalismo , el dadaísmo , el surrealismo y la abstracción. [12]
Japón y China fueron de los primeros países asiáticos en recibir la influencia del cubismo. El primer contacto se produjo a través de textos europeos traducidos y publicados en revistas de arte japonesas en la década de 1910. En la década de 1920, los artistas japoneses y chinos que estudiaron en París, por ejemplo los matriculados en la École nationale supérieure des Beaux-Arts , trajeron consigo una comprensión de los movimientos de arte moderno, incluido el cubismo. Entre las obras notables que exhiben cualidades cubistas se encuentran Autorretrato con ojos rojos (1912) de Tetsugorō Yorozu y Melodía en otoño (1934) de Fang Ganmin . [61] [62]
El cubismo de Picasso y Braque tuvo más que una importancia técnica o formal, y las distintas actitudes e intenciones de los cubistas del Salón produjeron diferentes tipos de cubismo, más que un derivado de su obra. "No está claro en absoluto, en cualquier caso", escribió Christopher Green, "en qué medida estos otros cubistas dependieron de Picasso y Braque para su desarrollo de técnicas como el tallado, el 'pasaje' y la perspectiva múltiple; bien podrían haber llegado a tales prácticas con poco conocimiento del 'verdadero' cubismo en sus primeras etapas, guiados sobre todo por su propia comprensión de Cézanne". Las obras expuestas por estos cubistas en los Salones de 1911 y 1912 se extendieron más allá de los temas convencionales de estilo Cézanne (el modelo posado, la naturaleza muerta y el paisaje) favorecidos por Picasso y Braque para incluir temas de la vida moderna a gran escala. Dirigidas a un público amplio, estas obras enfatizaron el uso de la perspectiva múltiple y el tallado plano complejo para lograr un efecto expresivo, al tiempo que preservaban la elocuencia de temas dotados de connotaciones literarias y filosóficas. [12]
En Du "Cubisme", Metzinger y Gleizes relacionaron explícitamente el sentido del tiempo con la perspectiva múltiple, dando expresión simbólica a la noción de "duración" propuesta por el filósofo Henri Bergson según la cual la vida se experimenta subjetivamente como un continuo, con el pasado fluyendo hacia el presente y el presente fundiéndose en el futuro. Los cubistas del Salón utilizaron el tratamiento facetado de los sólidos y el espacio y los efectos de los puntos de vista múltiples para transmitir un sentido físico y psicológico de la fluidez de la conciencia, desdibujando las distinciones entre pasado, presente y futuro. Una de las principales innovaciones teóricas realizadas por los cubistas del Salón, independientemente de Picasso y Braque, fue la de la simultaneidad , [12] basándose en mayor o menor medida en las teorías de Henri Poincaré , Ernst Mach , Charles Henry , Maurice Princet y Henri Bergson. Con la simultaneidad, el concepto de dimensiones espaciales y temporales separadas fue desafiado de manera integral. La perspectiva lineal desarrollada durante el Renacimiento fue abandonada. El tema ya no se consideraba desde un punto de vista específico en un momento determinado, sino que se construía siguiendo una selección de puntos de vista sucesivos, es decir, como si se lo mirara simultáneamente desde numerosos ángulos (y en múltiples dimensiones) con el ojo libre para pasar de uno a otro. [58]
Esta técnica de representación de simultaneidad, puntos de vista múltiples (o movimiento relativo ) se lleva a un alto grado de complejidad en Nu à la cheminée de Metzinger , exhibida en el Salón de Otoño de 1910; la monumental Le Dépiquage des Moissons (La trilla de la cosecha) de Gleizes , exhibida en el Salón de la Section d'Or de 1912; La Abundancia de Le Fauconnier exhibida en los Independientes de 1911; y La Ciudad de París de Delaunay , exhibida en los Independientes en 1912. Estas ambiciosas obras son algunas de las pinturas más grandes en la historia del cubismo. La boda de Léger , también expuesta en el Salón de los Independientes en 1912, dio forma a la noción de simultaneidad al presentar diferentes motivos como si ocurrieran dentro de un único marco temporal, donde las respuestas al pasado y al presente se interpenetran con fuerza colectiva. La conjunción de tal temática con la simultaneidad alinea el cubismo del Salón con las primeras pinturas futuristas de Umberto Boccioni , Gino Severini y Carlo Carrà ; ellas mismas realizadas en respuesta al cubismo temprano. [8]
El cubismo y el arte moderno europeo se introdujeron en los Estados Unidos en el ahora legendario Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York , que luego viajó a Chicago y Boston . En el Armory Show, Pablo Picasso exhibió La Femme au pot de moutarde (1910), la escultura Cabeza de mujer (Fernande) (1909-10), Les Arbres (1907) entre otras obras cubistas. Jacques Villon exhibió siete importantes y grandes punta secas, mientras que su hermano Marcel Duchamp sorprendió al público estadounidense con su pintura Desnudo bajando una escalera, n.º 2 (1912). Francis Picabia exhibió sus abstracciones La Danse à la source y La Procession, Seville (ambas de 1912). Albert Gleizes exhibió La Femme aux phlox (1910) y L'Homme au balcon (1912), dos obras cubistas altamente estilizadas y facetadas. Georges Braque , Fernand Léger , Raymond Duchamp-Villon , Roger de La Fresnaye y Alexander Archipenko también contribuyeron con ejemplos de sus obras cubistas.
Al igual que en la pintura, la escultura cubista tiene sus raíces en la reducción de objetos pintados a planos componentes y sólidos geométricos (cubos, esferas, cilindros y conos) que hizo Paul Cézanne. Y, al igual que en la pintura, se convirtió en una influencia omnipresente y contribuyó fundamentalmente al constructivismo y al futurismo .
La escultura cubista se desarrolló en paralelo a la pintura cubista. Durante el otoño de 1909, Picasso esculpió Cabeza de mujer (Fernande) con rasgos positivos representados por el espacio negativo y viceversa. Según Douglas Cooper: "La primera escultura cubista verdadera fue la impresionante Cabeza de mujer de Picasso , modelada en 1909-10, una contraparte en tres dimensiones de muchas cabezas analíticas y facetadas similares en sus pinturas de la época". [11] Estas inversiones positivo/negativo fueron explotadas ambiciosamente por Alexander Archipenko en 1912-13, por ejemplo en Mujer caminando . [12] Joseph Csaky , después de Archipenko, fue el primer escultor en París en unirse a los cubistas, con quienes expuso a partir de 1911. Fueron seguidos por Raymond Duchamp-Villon y luego en 1914 por Jacques Lipchitz , Henri Laurens y Ossip Zadkine . [65] [66]
De hecho, la construcción cubista fue tan influyente como cualquier innovación pictórica cubista. Fue el estímulo detrás de la obra protoconstructivista tanto de Naum Gabo como de Vladimir Tatlin y, por lo tanto, el punto de partida de toda la tendencia constructiva en la escultura modernista del siglo XX. [12]
El cubismo formó un vínculo importante entre el arte y la arquitectura de principios del siglo XX. [67] Las relaciones históricas, teóricas y sociopolíticas entre las prácticas de vanguardia en pintura, escultura y arquitectura tuvieron ramificaciones tempranas en Francia, Alemania, los Países Bajos y Checoslovaquia . Aunque hay muchos puntos de intersección entre el cubismo y la arquitectura, solo se pueden establecer unos pocos vínculos directos entre ellos. La mayoría de las veces, las conexiones se establecen por referencia a características formales compartidas: facetado de la forma, ambigüedad espacial, transparencia y multiplicidad. [67]
El interés arquitectónico por el cubismo se centró en la disolución y reconstitución de la forma tridimensional, utilizando formas geométricas simples, yuxtapuestas sin las ilusiones de la perspectiva clásica. Diversos elementos podían superponerse, hacerse transparentes o penetrarse entre sí, manteniendo sus relaciones espaciales. El cubismo se había convertido en un factor influyente en el desarrollo de la arquitectura moderna a partir de 1912 ( La Maison Cubiste , de Raymond Duchamp-Villon y André Mare ), desarrollándose en paralelo con arquitectos como Peter Behrens y Walter Gropius , con la simplificación del diseño de edificios, el uso de materiales apropiados para la producción industrial y el mayor uso del vidrio. [68]
El cubismo era relevante para una arquitectura que buscaba un estilo que no necesitara hacer referencia al pasado. Así, lo que se había convertido en una revolución tanto en la pintura como en la escultura se aplicó como parte de "una profunda reorientación hacia un mundo cambiado". [68] [69] Las ideas cubofuturistas de Filippo Tommaso Marinetti influyeron en las actitudes de la arquitectura de vanguardia. El influyente movimiento De Stijl adoptó los principios estéticos del neoplasticismo desarrollado por Piet Mondrian bajo la influencia del cubismo en París. Gino Severini también vinculó a De Stijl con la teoría cubista a través de los escritos de Albert Gleizes. Sin embargo, la vinculación de las formas geométricas básicas con la belleza inherente y la facilidad de aplicación industrial, que había sido prefigurada por Marcel Duchamp a partir de 1914, quedó en manos de los fundadores del purismo , Amédée Ozenfant y Charles-Édouard Jeanneret (más conocido como Le Corbusier ), quienes exhibieron pinturas juntos en París y publicaron Après le cubisme en 1918. [68] La ambición de Le Corbusier había sido trasladar las propiedades de su propio estilo de cubismo a la arquitectura. Entre 1918 y 1922, Le Corbusier concentró sus esfuerzos en la teoría y la pintura puristas. En 1922, Le Corbusier y su primo Jeanneret abrieron un estudio en París en el 35 de la rue de Sèvres. Sus estudios teóricos pronto avanzaron hacia muchos proyectos arquitectónicos diferentes. [70]
En el Salón de Otoño de 1912 se exhibió una instalación arquitectónica que pronto se conocería como Maison Cubiste (Casa Cubista), con arquitectura de Raymond Duchamp-Villon y decoración interior de André Mare junto con un grupo de colaboradores. Metzinger y Gleizes en Du "Cubisme" , escrito durante el montaje de la "Maison Cubiste", escribieron sobre la naturaleza autónoma del arte, enfatizando el punto de que las consideraciones decorativas no deberían gobernar el espíritu del arte. El trabajo decorativo, para ellos, era la "antítesis del cuadro". «El cuadro verdadero -escriben Metzinger y Gleizes- lleva en sí mismo su razón de ser . Puede trasladarse de una iglesia a un salón , de un museo a un despacho. Esencialmente independiente, necesariamente completo, no necesita satisfacer inmediatamente al espíritu: por el contrario, debe conducirlo, poco a poco, hacia las profundidades ficticias en las que reside la luz coordinadora. No armoniza con tal o cual conjunto; armoniza con las cosas en general, con el universo: es un organismo...». [71]
La Maison Cubiste era una casa modelo completamente amueblada, con fachada, escalera, barandillas de hierro forjado y dos habitaciones: una sala de estar (el Salón Burgués ), donde se colgaron pinturas de Marcel Duchamp, Metzinger ( Mujer con abanico ), Gleizes, Laurencin y Léger, y un dormitorio. Era un ejemplo de L'art décoratif , una casa en la que se podía exhibir arte cubista con la comodidad y el estilo de la vida burguesa moderna. Los espectadores del Salón de Otoño pasaban por la fachada de yeso, diseñada por Duchamp-Villon, hacia las dos habitaciones amuebladas. [72] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , Nueva York, Chicago y Boston, [73] incluida en el catálogo de la exhibición de Nueva York como Raymond Duchamp-Villon, número 609, y titulada "Fachada arquitectónica, yeso" ( Façade architecturale ). [74] [75]
Los muebles, el papel pintado, la tapicería y las alfombras del interior fueron diseñados por André Mare y fueron ejemplos tempranos de la influencia del cubismo en lo que luego sería el Art Déco . Estaban compuestos por rosas de colores muy vivos y otros patrones florales en formas geométricas estilizadas.
Mare llamó al salón en el que estaban colgados los cuadros cubistas el Salón Burgués . Léger calificó este nombre como "perfecto". En una carta a Mare antes de la exposición, Léger escribió: "Su idea es absolutamente espléndida para nosotros, realmente espléndida. La gente verá el cubismo en su entorno doméstico, lo cual es muy importante". [2]
«Los conjuntos de Mare fueron aceptados como marcos para las obras cubistas porque permitían a las pinturas y esculturas su independencia», escribió Christopher Green, «creando un juego de contrastes, de ahí la participación no solo de los propios Gleizes y Metzinger, sino de Marie Laurencin, los hermanos Duchamp (Raymond Duchamp-Villon diseñó la fachada) y los viejos amigos de Mare, Léger y Roger La Fresnaye». [76]
En 1927, los cubistas Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de una casa estudio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , diseñada por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet , también coleccionista de pinturas postimpresionistas y cubistas (incluidas Les Demoiselles d'Avignon , que compró directamente del estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, [77] Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista. [78] [79] [80]
La arquitectura cubista original es muy rara. El cubismo se aplicó a la arquitectura solo en Bohemia (hoy República Checa ) y especialmente en su capital, Praga . [81] [82] Los arquitectos checos fueron los primeros y únicos en diseñar edificios cubistas originales. [83] La arquitectura cubista floreció en su mayor parte entre 1910 y 1914, pero los edificios cubistas o influenciados por el cubismo también se construyeron después de la Primera Guerra Mundial . Después de la guerra, el estilo arquitectónico llamado Rondo-Cubismo se desarrolló en Praga fusionando la arquitectura cubista con formas redondas. [84]
En sus reglas teóricas, los arquitectos cubistas expresaron la exigencia de un dinamismo que superara la materia y la calma contenidas en ella, a través de una idea creativa, de modo que el resultado evocara sentimientos de dinamismo y plasticidad expresiva en el espectador. Esto debía lograrse mediante formas derivadas de pirámides, cubos y prismas, mediante disposiciones y composiciones de superficies oblicuas, principalmente triangulares, fachadas esculpidas en unidades salientes de tipo cristal, que recuerdan a la llamada talla de diamante , o incluso cavernosas que recuerdan a la arquitectura gótica tardía . De esta manera, se esculpen todas las superficies de las fachadas, incluidos incluso los frontones y las buhardillas. Las rejas, así como otros ornamentos arquitectónicos, alcanzan una forma tridimensional. Así, también se crearon nuevas formas de ventanas y puertas, por ejemplo, ventanas hexagonales . [84] Los arquitectos cubistas checos también diseñaron muebles cubistas.
Los arquitectos cubistas más destacados fueron Pavel Janák , Josef Gočár , Vlastislav Hofman , Emil Králíček y Josef Chochol . [84] Trabajaron principalmente en Praga, pero también en otras ciudades de Bohemia. El edificio cubista más conocido es la Casa de la Virgen Negra en la Ciudad Vieja de Praga, construida en 1912 por Josef Gočár, junto con el único café cubista del mundo, el Grand Café Orient. [81] Vlastislav Hofman construyó los pabellones de entrada del cementerio de Ďáblice entre 1912 y 1914, Josef Chochol diseñó varias casas residenciales bajo el mando de Vyšehrad . También se ha conservado una farola cubista cerca de la plaza de Wenceslao , diseñada por Emil Králíček en 1912, quien también construyó la Casa del Diamante en la Ciudad Nueva de Praga alrededor de 1913.
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La influencia del cubismo se extendió a otros campos artísticos, más allá de la pintura y la escultura. En literatura, las obras escritas de Gertrude Stein emplean la repetición y las frases repetitivas como elementos básicos tanto en pasajes como en capítulos completos. La mayoría de las obras importantes de Stein utilizan esta técnica, incluida la novela The Making of Americans (1906-08). No solo fueron los primeros mecenas importantes del cubismo, Gertrude Stein y su hermano Leo también fueron influencias importantes para el cubismo. A su vez, Picasso fue una influencia importante en la escritura de Stein. En el campo de la ficción estadounidense, la novela Mientras agonizo de William Faulkner de 1930 puede leerse como una interacción con el modo cubista. La novela presenta narraciones de las diversas experiencias de 15 personajes que, cuando se toman en conjunto, producen un único cuerpo cohesivo.
Los poetas generalmente asociados con el cubismo son Guillaume Apollinaire , Blaise Cendrars , Jean Cocteau , Max Jacob , André Salmon y Pierre Reverdy . Como explica el poeta estadounidense Kenneth Rexroth , el cubismo en poesía "es la disociación y recombinación consciente y deliberada de elementos en una nueva entidad artística que se vuelve autosuficiente por su rigurosa arquitectura. Esto es bastante diferente de la asociación libre de los surrealistas y la combinación de expresión inconsciente y nihilismo político del dadaísmo". [85] No obstante, la influencia de los poetas cubistas tanto en el cubismo como en los movimientos posteriores del dadaísmo y el surrealismo fue profunda; Louis Aragon , miembro fundador del surrealismo, dijo que para Breton, Soupault, Éluard y él mismo, Reverdy era "nuestro mayor inmediato, el poeta ejemplar". [86] Aunque no son tan recordados como los pintores cubistas, estos poetas continúan influyendo e inspirando; Los poetas estadounidenses John Ashbery y Ron Padgett han producido recientemente nuevas traducciones de la obra de Reverdy . También se dice que " Trece maneras de mirar un mirlo " de Wallace Stevens demuestra cómo las múltiples perspectivas del cubismo pueden traducirse en poesía. [87] Los primeros decorados y vestuario cubistas del ballet fueron diseñados por Picasso en 1917 para Parade de Sergei Diaghilev . [88] Esto precedió a seis ballets más en los que Picasso "dejó una marca en el mundo del ballet, influyendo en generaciones de diseñadores y coreógrafos". [89] Braque siguió su ejemplo con cuatro ballets propios, comenzando en 1924 con Les Fâcheux de Diaghliev . [90] [91] Gris también diseñó decorados y vestuario para los Ballet Russes de Diaghilev . [92] [93] Artistas como los prolíficos diseñadores de carteles AM Cassandre [94] y Edward McKnight Kauffer popularizaron el cubismo en los campos del diseño gráfico comercial y la tipografía . [95] Paul Poiret y Callot Soeurs estuvieron entre los modistos que introdujeron elementos cubistas (como capas superpuestas y planos que oscurecen los volúmenes del cuerpo) en el mundo del diseño de moda. [96]
John Berger dijo: “Es casi imposible exagerar la importancia del cubismo. Fue una revolución en las artes visuales tan grande como la que tuvo lugar en el Renacimiento temprano . Sus efectos en el arte posterior, en el cine y en la arquitectura son ya tan numerosos que apenas los notamos”. [97]
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