Luis Buñuel Portolés ( en español: [ˈlwis βuˈɲwel poɾtoˈles] ; 22 de febrero de 1900 - 29 de julio de 1983) fue un cineasta español y mexicano [2] [3] [4] [5] [6] [7] que trabajó en Francia, México y España. [8] Muchos críticos de cine, historiadores y directores lo han considerado uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos. [9] Las obras de Buñuel fueron conocidas por su surrealismo de vanguardia que también estaba impregnado de comentarios políticos .
A menudo asociado con el movimiento surrealista de la década de 1920, Buñuel hizo películas desde esa década hasta la de 1970. Colaboró con el prolífico pintor surrealista Salvador Dalí creando las películas Un perro andaluz (1929), que se realizó en la era del cine mudo , y L'Age d'Or (1930). [10] Las dos películas se consideran el nacimiento del surrealismo cinematográfico . De 1947 a 1960 desarrolló sus habilidades como director filmando en México haciendo melodramas humanos y realistas como Gran Casino (1947), Los olvidados (1950) y Él (1953). Aquí es donde adquirió los fundamentos de la narración.
Buñuel luego pasó a hacer películas satíricas artísticas, poco convencionales , surrealistas y políticas . Obtuvo elogios con la película dramática de arte moralmente compleja Viridiana (1961), que criticaba la dictadura franquista . La película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1961. Luego criticó las condiciones políticas y sociales en El ángel exterminador (1962) y El discreto encanto de la burguesía (1972), la última de las cuales ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera . También dirigió El diario de una camarera (1964) y Belle de Jour (1967), así como su última película Ese oscuro objeto del deseo (1977), la última de las cuales ganó el Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine al Mejor Director . [11]
Buñuel ganó cinco premios en el Festival de Cine de Cannes , dos premios en el Festival Internacional de Cine de Berlín y un premio BAFTA , así como nominaciones a dos premios Óscar . Buñuel recibió numerosos honores, incluido el Premio Nacional de Artes y Ciencias de Bellas Artes en 1977, el Premio a la Contribución al Cine del Festival Internacional de Cine de Moscú en 1979 y el León de Oro a la Carrera en 1982. Fue nominado dos veces al Premio Nobel de Literatura en 1968 y 1972. Siete de las películas de Buñuel están incluidas en la encuesta de críticos de 2012 de Sight & Sound de las 250 mejores películas de todos los tiempos. [12] [13]
Buñuel nació el 22 de febrero de 1900 en Calanda , una pequeña ciudad en la región de Aragón , España. [14] : pp.16–17 Su padre era Leonardo Buñuel, también nativo de Calanda, quien había abandonado su hogar a los 14 años para iniciar un negocio de ferretería en La Habana, Cuba , amasando finalmente una fortuna y regresando a su hogar en Calanda a la edad de 43 años, en 1898. [15] Se casó con la hija de 18 años del único posadero de Calanda, María Portolés Cerezuela. [16] El mayor de siete hijos, Luis tenía dos hermanos, Alfonso y Leonardo, y cuatro hermanas: Alicia, Concepción, Margarita y María. [17] Más tarde describió su lugar de nacimiento diciendo que en Calanda, "la Edad Media duró hasta la Primera Guerra Mundial ". [18]
Cuando Buñuel tenía cuatro meses, la familia se mudó a Zaragoza , donde eran una de las familias más ricas de la ciudad. [14] : p.22 En Zaragoza, Buñuel recibió una estricta educación jesuita en el Colegio privado del Salvador, [14] : pp.23–36 comenzando a la edad de siete años y continuando durante los siguientes siete años. [19] : p.22 Después de ser pateado e insultado por el supervisor de la sala de estudio antes de un examen final, Buñuel se negó a regresar a la escuela. [20] Le dijo a su madre que había sido expulsado, lo cual no era cierto; de hecho, había recibido las calificaciones más altas en su examen de historia mundial. [18] Buñuel terminó los últimos dos años de su educación secundaria en la escuela pública local, [20] graduándose a la edad de 16 años. Incluso de niño, Buñuel era una especie de showman cinematográfico; amigos de ese período describieron producciones en las que Buñuel proyectaba sombras en una pantalla usando una linterna mágica y una sábana. [21] También destacó en el boxeo y tocando el violín. [9]
En su juventud, Buñuel fue profundamente religioso, sirviendo en Misa y tomando la comunión todos los días, hasta que, a la edad de 16 años, se sintió disgustado con lo que percibía como la ilogicidad de la Iglesia, junto con su poder y riqueza. [22] : p.292
En 1917, asistió a la Universidad de Madrid , primero estudiando agronomía , luego ingeniería industrial y finalmente cambiando a filosofía . [23] Desarrolló relaciones muy estrechas con el pintor Salvador Dalí y el poeta Federico García Lorca , entre otros importantes artistas creativos españoles que vivían en la Residencia de Estudiantes , con los tres amigos formando el núcleo de la vanguardia surrealista española , [24] y siendo conocidos como miembros de " La Generación del 27 ". [25] Buñuel se sintió especialmente atraído por García Lorca, y más tarde escribió en su autobiografía:
Nos simpatizamos al instante. Aunque parecía que teníamos poco en común (yo era un paleto de Aragón y él un elegante andaluz), pasábamos la mayor parte del tiempo juntos... Solíamos sentarnos en el césped por las tardes detrás de la Residencia (en aquella época, había grandes espacios abiertos que se extendían hasta el horizonte) y él me leía sus poemas. Leía despacio y hermosamente, y a través de él empecé a descubrir un mundo completamente nuevo. [26] : p.62
La relación de Buñuel con Dalí fue algo más problemática, teñida de celos por la creciente intimidad entre Dalí y Lorca y resentimiento por el temprano éxito de Dalí como artista. [22] : p.300
El interés de Buñuel por el cine se intensificó con la proyección de Der müde Tod de Fritz Lang : "Salí del Vieux Colombier completamente transformado. Las imágenes podían convertirse y se convirtieron para mí en el verdadero medio de expresión. Decidí dedicarme al cine". [27] A los 72 años, Buñuel no había perdido su entusiasmo por esta película, y le pidió al octogenario Lang su autógrafo. [22] : p.301
En 1925 Buñuel se trasladó a París, donde empezó a trabajar como secretario en una organización llamada Sociedad Internacional de Cooperación Intelectual. [28] : p.124 También se involucró activamente en el cine y el teatro, yendo al cine hasta tres veces al día. [29] A través de estos intereses, conoció a varias personas influyentes, incluido el pianista Ricardo Viñes , quien fue fundamental para asegurar la selección de Buñuel como director artístico del estreno holandés de la ópera de títeres de Manuel de Falla El retablo de maese Pedro en 1926. [30] : p.29
Decidió entrar en la industria cinematográfica y se matriculó en una escuela de cine privada dirigida por Jean Epstein y algunos asociados. [29] En ese momento, Epstein era uno de los directores comerciales más célebres que trabajaban en Francia, y sus películas eran aclamadas como "el triunfo del impresionismo en movimiento, pero también el triunfo del espíritu moderno". [31] En poco tiempo, Buñuel trabajaba para Epstein como asistente de dirección en Mauprat (1926) y La chute de la maison Usher (1928), [32] y también para Mario Nalpas en La Sirène des Tropiques (1927), protagonizada por Josephine Baker . [33] Apareció en la pantalla en un pequeño papel como contrabandista en Carmen (1926) de Jacques Feyder . [34]
Cuando Buñuel rechazó con desdén la demanda de Epstein de que ayudara a su mentor, Abel Gance , que en ese momento estaba trabajando en la película Napoleón , Epstein lo despidió enojado y dijo: "¿Cómo puede un pequeño imbécil como tú atreverse a hablar así de un gran director como Gance?" [30] : p.30 y luego agregó: "Pareces bastante surrealista. Cuidado con los surrealistas, son gente loca". [35]
Después de separarse de Epstein, Buñuel trabajó como crítico de cine para La Gaceta Literaria (1927) y Les Cahiers d'Art (1928). [30] : p.30 En las publicaciones periódicas L'Amic de les Arts y La gaseta de les Arts , él y Dalí llevaron a cabo una serie de ensayos de "llamada y respuesta" sobre cine y teatro, debatiendo cuestiones técnicas como la segmentación, el découpage , el plano de inserción y el montaje rítmico . [36] También colaboró con el célebre escritor Ramón Gómez de la Serna en el guion de lo que esperaba que fuera su primera película, "una historia en seis escenas" llamada Los caprichos . [30] : pp.30–31 A través de su participación en Gaceta Literaria , ayudó a establecer el primer cineclub de Madrid y se desempeñó como su presidente inaugural. [37]
Después de su aprendizaje con Epstein, Buñuel filmó y dirigió un corto de 16 minutos, Un Chien Andalou , con Salvador Dalí . La película, financiada por la madre de Buñuel, [38] consiste en una serie de imágenes sorprendentes de naturaleza freudiana , [39] comenzando con el globo ocular de una mujer siendo cortado con una cuchilla de afeitar. Un Chien Andalou fue recibido con entusiasmo por el floreciente movimiento surrealista francés de la época [40] y continúa mostrándose regularmente en los cineclubs hasta el día de hoy. [41] Ha sido llamado "el cortometraje más famoso jamás realizado" por el crítico Roger Ebert . [42]
El guión se escribió en seis días en la casa de Dalí en Cadaqués . En una carta a un amigo escrita en febrero de 1929, Buñuel describió el proceso de escritura:
Había que buscar el hilo conductor. Dalí me dijo: “Anoche soñé que había hormigas revoloteando en mis manos”, y yo le dije: “Dios mío, y soñé que le había cortado el ojo a alguien. Ahí está la película, vamos a hacerla”. [43]
En deliberado contraste con el planteamiento adoptado por Jean Epstein y sus compañeros, que consistía en no dejar nunca nada en su obra al azar, en que cada decisión estética tuviera una explicación racional y encajara claramente en el conjunto [44] , Buñuel y Dalí hicieron hincapié en eliminar todas las asociaciones lógicas. [45] En palabras de Buñuel: "Nuestra única regla era muy sencilla: no se aceptaría ninguna idea o imagen que pudiera prestarse a una explicación racional de ningún tipo. Teníamos que abrir todas las puertas a lo irracional y quedarnos sólo con aquellas imágenes que nos sorprendieran, sin intentar explicar por qué". [26] : p.104
La intención de Buñuel era indignar a la autoproclamada vanguardia artística de su juventud, y más tarde dijo: "Históricamente, la película representa una reacción violenta contra lo que en aquellos días se llamaba 'vanguardia', que estaba dirigida exclusivamente a la sensibilidad artística y la razón del público". [46] En contra de sus esperanzas y expectativas, la película fue un éxito popular entre el mismo público al que había querido insultar, [10] lo que llevó a Buñuel a exclamar exasperado: "¿Qué puedo hacer con la gente que adora todo lo nuevo, incluso cuando va en contra de sus convicciones más profundas, o con la prensa insincera y corrupta, y el rebaño inane que vio belleza o poesía en algo que básicamente no era más que un llamado desesperado y apasionado al asesinato?" [47]
Aunque Un Chien Andalou es una película muda , durante la proyección original (a la que asistió la élite del mundo artístico parisino), Buñuel reprodujo una secuencia de discos fonográficos que cambiaba manualmente mientras mantenía sus bolsillos llenos de piedras con las que apedrear a los alborotadores previstos. [48] Después del estreno, a Buñuel y Dalí se les concedió la admisión formal a la unida comunidad de surrealistas, liderada por el poeta André Breton . [49]
A finales de 1929, gracias a Un chien andalou , Buñuel y Dalí recibieron el encargo de realizar otro cortometraje por parte de Marie-Laurie y Charles de Noailles , propietarios de un cine privado en la Place des États-Unis y patrocinadores financieros de producciones de Jacques Manuel, Man Ray y Pierre Chenal . [28] : p.124 Al principio, la intención era que la nueva película tuviera una duración similar a Un chien , solo que esta vez con sonido. Pero a mediados de 1930, la película había crecido gradualmente hasta una hora de duración. [28] : p.116 Preocupado porque tenía más del doble de duración de lo planeado y el doble de presupuesto, Buñuel ofreció recortar la película y cesar la producción, pero Noailles le dio el visto bueno para continuar con el proyecto. [28] : p.116
La película, titulada L'Age d'Or , fue iniciada como una segunda colaboración con Dalí, pero, mientras trabajaban en el guión, los dos tuvieron una pelea; Buñuel, que en ese momento tenía fuertes simpatías izquierdistas, [51] deseaba un socavamiento deliberado de todas las instituciones burguesas, mientras que Dalí, que finalmente apoyó al fascista español Francisco Franco y a varias figuras de la aristocracia europea, solo quería causar un escándalo mediante el uso de varias imágenes escatológicas y anticatólicas. [52] La fricción entre ellos se exacerbó cuando, en una cena en Cadaqués, Buñuel intentó estrangular a la novia de Dalí, Gala , la esposa del poeta surrealista Paul Éluard . [53] En consecuencia, Dalí no tuvo nada que ver con el rodaje real de la película. [54] : pp.276–277 Durante el transcurso de la producción, Buñuel eludió su ignorancia técnica filmando principalmente en secuencia y utilizando casi cada pie de película que filmó. Buñuel invitó a amigos y conocidos a aparecer, sin costo alguno, en la película; por ejemplo, cualquiera que tuviera un esmoquin o un vestido de fiesta conseguía un papel en la escena del salón. [28] : p.116
Una película titulada La edad de oro , cuya inexistente calidad artística es un insulto a cualquier tipo de estándar técnico, combina, como espectáculo público, los incidentes más obscenos, repugnantes y de mal gusto. El país, la familia y la religión son arrastrados por el barro. [55]
Extracto de la reseña de Richard Pierre Bodin en Le Figaro , 7 de diciembre de 1930.
Dalí proclamó públicamente L'Age d'Or como un ataque deliberado al catolicismo, y esto precipitó un escándalo mucho mayor que Un Chien Andalou . [56] Una de las primeras proyecciones fue tomada por miembros de la fascista Liga de Patriotas y el Grupo de Jóvenes Antijudíos, que arrojaron tinta violeta a la pantalla [57] y luego destrozaron la galería de arte adyacente, destruyendo varias valiosas pinturas surrealistas. [58] La película fue prohibida por la policía parisina "en nombre del orden público". [59] Los de Noailles, ambos católicos, fueron amenazados con la excomunión por el Vaticano debido a la blasfema escena final de la película (que vincula visualmente a Jesucristo con los escritos del Marqués de Sade ), por lo que tomaron la decisión en 1934 de retirar todas las copias de circulación, y L'Age d'Or no se volvió a ver hasta 1981, después de sus muertes, [60] aunque una copia fue contrabandeada a Inglaterra para su exhibición privada. [61] El furor fue tan grande que el estreno de otra película financiada por los de Noailles, La sangre de un poeta de Jean Cocteau , tuvo que retrasarse durante más de dos años hasta que la indignación por L'Age d'Or se calmó. [62] Para empeorar las cosas, Charles de Noailles se vio obligado a retirar su membresía del Jockey Club . [63]
Simultáneamente con el éxito de escándalo , tanto Buñuel como la protagonista femenina de la película, Lya Lys , recibieron ofertas de interés de la Metro-Goldwyn-Mayer y viajaron a Hollywood a expensas del estudio. [64] Mientras estaba en los Estados Unidos, Buñuel se asoció con otros expatriados famosos, incluidos Sergei Eisenstein , Josef Von Sternberg , Jacques Feyder , Charles Chaplin y Bertolt Brecht . [34] Todo lo que se le exigía a Buñuel por su contrato indefinido con MGM era que "aprendiera algunas buenas habilidades técnicas estadounidenses", [65] pero, después de que lo echaran del primer set que visitó porque la estrella, Greta Garbo , no daba la bienvenida a los intrusos, decidió quedarse en casa la mayor parte del tiempo y solo aparecer para cobrar su cheque de pago. [66] Su única contribución duradera a MGM llegó cuando sirvió como extra en La fruta amarga , una nueva versión en español de Min y Bill . [67] Cuando, después de unos meses en el estudio, le pidieron que viera tomas de Lili Damita para evaluar su acento español, se negó y envió un mensaje al jefe del estudio, Irving Thalberg, indicando que estaba allí como francés, no como español, y que "no tenía tiempo que perder escuchando a una de las putas". [68] : p.18 Regresó a España poco después. [64]
A principios de los años treinta, España era una época de turbulencia política y social. [69] Debido tanto a un aumento del sentimiento anticlerical como a un deseo de venganza por la corrupción y las fechorías de la extrema derecha y sus partidarios en la Iglesia, los anarquistas y los socialistas radicales saquearon las sedes monárquicas en Madrid y procedieron a quemar o destruir de otro modo más de una docena de iglesias en la capital. Actos revolucionarios similares ocurrieron en muchas otras ciudades del sur y el este de España, en la mayoría de los casos con la aquiescencia y, en ocasiones, con la ayuda de las autoridades republicanas oficiales. [70]
La futura esposa de Buñuel, Jeanne Rucar, recordó que durante ese período, "se entusiasmó mucho con la política y las ideas que estaban por todas partes en la España anterior a la Guerra Civil". [71] En el primer arrebato de su entusiasmo, Buñuel se unió al Partido Comunista de España (PCE) en 1931, [51] : pp.85–114 aunque más tarde en su vida negó haberse convertido en comunista. [72] : p.72
En 1932, Buñuel fue invitado a trabajar como documentalista cinematográfico para la célebre Misión Dakar-Yibuti , la primera expedición de campo antropológica francesa a gran escala, que, dirigida por Marcel Griaule , desenterró unos 3.500 artefactos africanos para el nuevo Musée de l'Homme . [73] Aunque declinó la invitación, el proyecto despertó su interés por la etnografía . Después de leer el estudio académico Las Jurdes: étude de géographie humaine (1927) de Maurice Legendre , decidió hacer una película centrada en la vida campesina en Las Hurdes , quizás la comarca más pobre de Extremadura , una de las regiones más pobres de España. [74] La película, llamada Las Hurdes: Tierra Sin Pan (1933), fue financiada con un presupuesto de 20.000 pesetas donadas por un amigo anarquista de clase trabajadora llamado Ramón Acín , que había ganado el dinero en una lotería. [75] En la película, Buñuel combina escenas de condiciones sociales deplorables con una narración que se asemeja a un comentario de diario de viaje pronunciado por un locutor que suena distante, [76] mientras la banda sonora truena música inapropiada de Brahms . [77]
Aunque el material está organizado con maestría, la propia concepción del "arte" parece irrelevante. Es la película más profundamente perturbadora que he visto jamás. [78]
El galardonado director de cine Tony Richardson sobre Las Hurdes: Tierra Sin Pan
Las Hurdes fue prohibida por la Segunda República Española y luego por la dictadura franquista . [79] Es una película que continúa desconcertando a los espectadores y se resiste a una fácil categorización por parte de los historiadores del cine. [80] Las Hurdes ha sido llamada uno de los primeros ejemplos de falso documental , [81] y ha sido etiquetada como un "documental surrealista", un término definido por la crítica Mercè Ibarz "Un uso multicapa y desconcertante del sonido, la yuxtaposición de formas narrativas ya aprendidas de la prensa escrita, los diarios de viaje y los nuevos métodos pedagógicos, así como un uso subversivo de documentos fotografiados y filmados entendidos como base para la propaganda contemporánea para las masas". [82] Catherine Russell ha afirmado que en Las Hurdes , Buñuel fue capaz de reconciliar su filosofía política con su estética surrealista, y que el surrealismo se convirtió en "un medio para despertar un materialismo marxista en peligro de convertirse en una ortodoxia rancia". [83]
Después de Las Hurdes en 1933, Buñuel trabajó en París en el departamento de doblaje de Paramount Pictures , pero tras su matrimonio en 1934, se cambió a Warner Brothers porque operaban estudios de doblaje en Madrid. [84] : p.39 Un amigo, Ricardo Urgoiti , dueño de la compañía de cine comercial Filmófono , invitó a Buñuel a producir películas para una audiencia masiva. Aceptó la oferta, viéndola como un "experimento" ya que sabía que la industria cinematográfica en España todavía estaba muy por detrás del nivel técnico de Hollywood o París. [85] : p.56 Según las entrevistas del historiador de cine Manuel Rotellar con miembros del elenco y el equipo de los estudios Filmófono, la única condición de Buñuel fue que su participación en estas películas fuera completamente anónima, aparentemente por temor a dañar su reputación como surrealista. [86] Rotellar insiste, sin embargo, en que "la verdad es que fue Luis Buñuel quien dirigió las producciones de Filmófono". [86] : p.37 José Luis Sáenz de Heredia , director titular de dos de las películas creadas durante los años de Buñuel como "productor ejecutivo" en Filmófono, contó que era Buñuel quien "me explicaba todas las mañanas lo que quería... Veíamos juntos las tomas y era Buñuel quien elegía los planos, y en el montaje, a mí ni siquiera se me permitía estar presente". [86] : p.39 De las 18 películas producidas por Buñuel durante sus años en Filmófono, las cuatro que, según el consenso crítico, fueron dirigidas por él [87] son:
- Don Quintín el amargao , 1935 – musical basado en una obra de Carlos Arniches , [88] la primera zarzuela (un tipo de ópera española) filmada en formato sonoro. [89]
- La hija de Juan Simón (La hija de Juan Simón), 1935: otro musical y un gran éxito comercial [90]
- ¿Quién me quiere a mí? (Who Loves Me?), 1936 – una comedia sentimental que Buñuel llamó "mi único fracaso comercial, y uno bastante deprimente, además". [26] : p.144
- ¡Centinela, alerta!, 1937 – una comedia y el mayor éxito de taquilla de Filmófono. [90]
Durante la Guerra Civil Española (1936-1939), Buñuel se puso a disposición del gobierno republicano. [91] : p.255 El ministro de Asuntos Exteriores lo envió primero a Ginebra (septiembre de 1936) y luego a París [92] durante dos años (1936-38), con la responsabilidad oficial de catalogar las películas de propaganda republicana. [32] : p.6 Además de la catalogación, Buñuel llevó panfletos de izquierda a España, hizo espionaje ocasional, actuó como guardaespaldas y supervisó la realización de un documental, titulado España 1936 en Francia y España leal, ¡en armas! en España, que cubría las elecciones, los desfiles, los disturbios y la guerra. [93] [94] En agosto de 1936, Federico García Lorca fue asesinado a tiros por la milicia nacionalista. [95] Según su hijo, Juan Luis , Buñuel rara vez habló de Lorca, pero lamentó la prematura muerte del poeta durante toda su vida. [96]
Buñuel funcionó esencialmente como coordinador de la propaganda cinematográfica de la República, lo que significaba que estaba en posición de examinar todas las películas filmadas en el país y decidir qué secuencias podrían desarrollarse y distribuirse en el extranjero. [97] El embajador español sugirió que Buñuel volviera a visitar Hollywood, donde podría brindar asesoramiento técnico sobre las películas que se estaban haciendo allí sobre la Guerra Civil Española, [32] : p.6 así que en 1938, él y su familia viajaron a los Estados Unidos utilizando fondos obtenidos de sus antiguos patrocinadores, los Noailles. [49] Sin embargo, casi inmediatamente después de su llegada a Estados Unidos, la guerra terminó y la Asociación de Productores y Distribuidores Cinematográficos de Estados Unidos dejó de hacer películas sobre el conflicto español. [98] Según la esposa de Buñuel, regresar a España era imposible ya que los fascistas habían tomado el poder, [71] : p.63–64 por lo que Buñuel decidió quedarse en los EE. UU. indefinidamente, afirmando que estaba "inmensamente atraído por la naturalidad y sociabilidad estadounidenses". [91] : pág. 255
Al regresar a Hollywood en 1938, se hizo amigo de Frank Davis, un productor de MGM y miembro del Partido Comunista de EE. UU. , [51] : p.349 que colocó a Buñuel en la nómina de Cargo of Innocence , una película sobre madres y niños refugiados españoles que huyen de Bilbao a la URSS. [100] El proyecto fue archivado precipitadamente cuando otra película de Hollywood sobre la Guerra Civil Española, Blockade , fue recibida con desaprobación por la Liga Católica de la Decencia . [101] En palabras de la biógrafa Ruth Brandon, Buñuel y su familia "vivían de una migaja insatisfactoria de trabajo a otra" porque "no tenía nada de la arrogancia y la agresividad esenciales para la supervivencia en Hollywood". [22] : p.358 En opinión del compositor de cine George Antheil , no era lo suficientemente extravagante como para captar la atención de los que tomaban las decisiones en Hollywood : "En la medida en que [Buñuel], su esposa y su pequeño hijo parecían ser personas absolutamente normales y sólidas, tan totalmente anti-surrealistas en la tradición de Dalí como uno podría imaginar". [102] : p.172 En su mayor parte, fue despreciado por muchas de las personas de la comunidad cinematográfica que conoció durante su primer viaje a Estados Unidos, [103] aunque pudo vender algunos gags a Chaplin para su película El gran dictador . [104] : p.213
En su desesperación por venderse a productores independientes, compuso una autobiografía de 21 páginas, una sección de la cual, titulada "Mis planes actuales", esbozaba propuestas para dos películas documentales:
Nadie mostró interés y Buñuel se dio cuenta de que quedarse en Los Ángeles era inútil, por lo que viajó a la ciudad de Nueva York para ver si podía cambiar su suerte. [102] : p.174
Luis Buñuel estaba allí, con sus ojos tiroideos, los lunares en la barbilla que recuerdo de hace tanto tiempo cuando vimos por primera vez las películas surrealistas en la Cinemateca ... y mientras hablaba recuerdo que pensé que su palidez era la más apropiada para alguien que pasó su vida en salas de proyección oscuras ... Tiene un humor agudo, un sarcasmo amargo, y al mismo tiempo hacia las mujeres una sonrisa suave, especial. [105]
Anaïs Nin , en la entrada de su diario sobre su encuentro con Buñuel cuando trabajaba en el MoMA
En la ciudad de Nueva York, Antheil presentó a Buñuel a Iris Barry , curadora en jefe de cine del Museo de Arte Moderno (MoMA). [22] : p.360 Barry convenció a Buñuel de unirse a un comité formado para ayudar a educar a aquellos dentro del gobierno de los EE. UU. que podrían no haber apreciado completamente la efectividad del cine como medio de propaganda. Buñuel fue contratado para producir una versión abreviada de El triunfo de la voluntad (1935) de Leni Riefenstahl como un proyecto de demostración. [106] El producto terminado fue una compilación de escenas de la épica nazi de Riefenstahl con Feuertaufe de Hans Bertram . [85] : p.58 Buñuel se quedó en el MoMA para trabajar para la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos (OCIAA) como parte de un equipo de producción que reunió, revisó y editó películas destinadas a ser propaganda antifascista para ser distribuidas en América Latina por las embajadas estadounidenses. [107] : p.72 Cuando lo evaluaban para el puesto en la OCIAA, cuando le preguntaron si era comunista, respondió: "Soy republicano", y, aparentemente, el entrevistador no se dio cuenta de que Buñuel se refería al gobierno de coalición socialista español, no al partido político estadounidense. [102] : p.180 Al describir el trabajo de Buñuel en el MoMA, su amigo, el compositor Gustavo Pittaluga, afirmó: "Luis creó quizás 2.000 obras notables. Nos enviaban documentales anodinos, a menudo materiales primarios extremadamente débiles, que el equipo del Museo convirtió en películas maravillosas. Y no solo versiones en español, sino también en portugués, francés e inglés... Creaba un buen documental a través de la edición". [cursiva en el original] [108] : p.124
En 1942, Buñuel solicitó la ciudadanía estadounidense porque anticipó que el MoMA quedaría bajo control federal. [102] : p.183 Este mismo año, Dalí publicó su autobiografía La vida secreta de Salvador Dalí , en la que dejó en claro que se había separado de Buñuel porque este último era comunista y ateo . [109] La noticia de esto llegó al arzobispo Spellman , quien confrontó enojado a Barry con la pregunta: "¿Es usted consciente de que está albergando en este museo al Anticristo, el hombre que hizo una película blasfema, L'Age d'Or ?" [104] : p.214 Al mismo tiempo, una campaña por parte de Hollywood, a través de su periódico comercial, el Motion Picture Herald , para socavar la unidad de cine del MoMA resultó en una reducción del 66% en el presupuesto del departamento y Buñuel se sintió obligado a renunciar. [110] En 1944, regresó a Hollywood por tercera vez, esta vez como productor de doblaje en español para Warner Brothers . [102] : p.190 Antes de abandonar la ciudad de Nueva York, se enfrentó a Dalí en su hotel, el Sherry Netherland , para contarle al pintor sobre el daño que había causado su libro y luego dispararle en la rodilla. [111] Buñuel no llevó a cabo la parte violenta de su plan. Dalí se explicó diciendo: "No escribí mi libro para ponerte a TI en un pedestal. Lo escribí para ponerme a MÍ en un pedestal". [112]
El primer trabajo de doblaje de Buñuel al regresar a Hollywood fue Mi reputación , una película de Barbara Stanwyck que se convirtió en El que dijo en manos de Buñuel. [102] : p.190 Además de su trabajo de doblaje, Buñuel intentó desarrollar una serie de proyectos independientes:
En 1945, el contrato de Buñuel con Warner Brothers expiró, y decidió no renovarlo para, como él mismo lo expresó: "hacer realidad la ambición de mi vida durante un año: no hacer nada". [116] Mientras su familia disfrutaba en la playa, Buñuel pasó gran parte de su tiempo en Antelope Valley con nuevos conocidos, el escritor Aldous Huxley y el escultor Alexander Calder , a quienes alquiló una casa. [108] : p.130
En su autobiografía, en un capítulo sobre su segunda etapa en América, Buñuel afirma que "en varias ocasiones, tanto productores americanos como europeos me han sugerido que aborde una versión cinematográfica de Bajo el volcán de Malcolm Lowry ", pero que después de leer el libro muchas veces, así como ocho guiones diferentes, no pudo llegar a una solución para el cine. [26] : p.194 La película finalmente fue realizada en 1984 por John Huston . [117]
En 1946, una vieja amiga, la productora Denise Tual , viuda de Pierre Batcheff , [118] el protagonista de Un Chien Andalou , propuso que ella y Buñuel adaptaran la obra de Lorca La casa de Bernarda Alba para su producción en París. [119] Sin embargo, resultó que, antes de que ambos pudieran viajar a Europa, encontraron problemas para asegurar los derechos de la familia de Lorca. [68] : p.21 Mientras estaban en la Ciudad de México, en una escala, pidieron financiamiento a Óscar Dancigers, un productor ruso emigrado activo en México. [119] Dancigers dirigía una compañía de producción independiente que se especializaba en ayudar a los estudios cinematográficos estadounidenses con rodajes en locaciones en México, pero después de la Segunda Guerra Mundial, perdió su conexión con Hollywood debido a que fue incluido en la lista negra como comunista. [107] : p.73 Aunque Dancigers no estaba entusiasmado con el proyecto de Lorca, sí quería trabajar con Buñuel y convenció al director español para que emprendiera un proyecto totalmente diferente. [26] : p.197
La época dorada del cine mexicano alcanzó su apogeo a mediados y fines de la década de 1940, justo en el momento en que Buñuel se conectaba con Dancigers. [121] Las películas representaban la tercera industria más grande de México en 1947, empleando a 32.000 trabajadores, con 72 productores cinematográficos que invertían 66 millones de pesos (aproximadamente US $ 13 millones) por año, cuatro estudios activos con 40 millones de pesos de capital invertido y aproximadamente 1.500 salas de cine en todo el país, con alrededor de 200 solo en la Ciudad de México. [122] Para su primer proyecto, los dos hombres seleccionaron lo que parecía un éxito seguro, Gran Casino , una pieza musical de época ambientada en Tampico durante los años de auge de la explotación petrolera, protagonizada por dos de los artistas más populares de América Latina: Libertad Lamarque , una actriz y cantante argentina, y Jorge Negrete , un cantante mexicano y protagonista de películas "charras" . [123] : p.64 Buñuel recordó: "Los mantuve cantando todo el tiempo: una competencia, un campeonato". [108] : pp.130–131
La película no tuvo éxito en taquilla, y algunos incluso la calificaron de fiasco. [124] Se han dado diferentes razones para su fracaso con el público; para algunos, Buñuel se vio obligado a hacer concesiones al mal gusto de sus estrellas, particularmente Negrete, [125] otros citan las oxidadas habilidades técnicas de Buñuel [126] [127] y la falta de confianza después de tantos años fuera de la silla de director, [128] mientras que otros especulan que el público mexicano se estaba cansando de las películas de género, llamadas "churros", que se percibían como hechas de manera barata y apresurada. [84] : p.48 [129]
El fracaso de Gran Casino dejó a Buñuel al margen, y pasaron más de dos años antes de que tuviera la oportunidad de dirigir otra película. [130] Según Buñuel, pasó este tiempo "rascándome la nariz, mirando moscas y viviendo del dinero de mi madre", [26] : p.199 pero en realidad era algo más trabajador de lo que puede parecer. Con el equipo de marido y mujer formado por Janet y Luis Alcoriza , escribió el guión de Si usted no puede, yo sí , que fue filmada en 1950 por Julián Soler . [102] : p.203 También continuó desarrollando la idea de una película surrealista llamada Ilegible, hijo de flauta , con el poeta Juan Larrea . [131] Dancigers le señaló que actualmente había interés público en películas sobre niños de la calle, por lo que Buñuel recorrió las calles secundarias y los barrios bajos de la Ciudad de México en busca de material, entrevistando a trabajadores sociales sobre la guerra de pandillas callejeras y los niños asesinados. [102] : págs. 203-204
Durante este período, Dancigers estaba ocupado produciendo películas para el actor/director Fernando Soler , una de las personalidades más duraderas del cine mexicano, a quien se le conocía como el "paterfamilias nacional". [132] Aunque Soler normalmente prefería dirigir sus propias películas, para su siguiente colaboración, El Gran Calavera , basada en una obra de Adolfo Torrado, decidió que hacer ambos trabajos sería demasiado problema, por lo que le pidió a Dancigers que encontrara a alguien en quien pudiera confiar para manejar los aspectos técnicos de las tareas de dirección. [133] Buñuel acogió con agrado la oportunidad, afirmando que: "Me divertí con el montaje, las construcciones, los ángulos... Todo eso me interesaba porque todavía era un aprendiz en el llamado cine 'normal'". [133] Como resultado de su trabajo en esta película, desarrolló una técnica para hacer películas de forma económica y rápida limitándolas a 125 tomas. [107] : p.73 El Gran Calavera se completó en 16 días a un costo de 400.000 pesos (aproximadamente 46.000 dólares estadounidenses al tipo de cambio de 1948). [84] : p.52 La película ha sido descrita como "una parodia hilarante y disparatada de los nuevos ricos mexicanos ... una montaña rusa salvaje de identidades equivocadas, matrimonios falsos y suicidios fallidos", [1] y fue un gran éxito en la taquilla en México. [134] En 2013, la película fue rehecha por el director mexicano Gary Alazraki bajo el título La familia noble . [135] En 1949, Buñuel renunció a su ciudadanía española para convertirse en mexicano naturalizado . [136]
El éxito comercial de El Gran Calavera le permitió a Buñuel cumplir una promesa que le había extraído a Dancigers, que era que si Buñuel podía entregar una película que generara dinero, Dancigers le garantizaría "un grado de libertad" en el próximo proyecto cinematográfico. [66] Sabiendo que a Dancigers le incomodaba el experimentalismo, especialmente cuando podía afectar el resultado final, Buñuel propuso un proyecto comercial titulado ¡Mi huerfanito jefe!, sobre un vendedor ambulante juvenil que no puede vender su último boleto de lotería, que termina siendo el ganador y lo hace rico. [137] Dancigers estaba abierto a la idea, pero en lugar de un " feuilleton ", sugirió hacer "algo más serio". [138] : p.60 Durante sus recientes investigaciones por los barrios pobres de la Ciudad de México, Buñuel había leído un artículo en un periódico sobre el cuerpo de un niño de doce años encontrado en un basurero, y esto se convirtió en la inspiración y la escena final de la película, eventualmente llamada Los olvidados . [35] : págs. 53–54
El mundo no funciona como Hollywood nos lo había contado, y Buñuel sabía bien que las verdades de la pobreza no podían ser maquilladas de ninguna manera. Esta película sigue provocando reacciones por su retrato sin complejos de una vida sin esperanza ni confianza. Se destaca entre las obras de Buñuel como el momento en el que salió a la superficie y gritó, antes de hundirse de nuevo en el mundo de los privilegiados, donde su visión surrealista más amaba jugar. [139]
El autor ganador del Premio Booker, DBC Pierre, sobre Los olvidados
La película cuenta la historia de una pandilla callejera de niños que aterrorizan a su empobrecido vecindario, en un momento brutalizando a un hombre ciego [140] y en otro agrediendo a un hombre sin piernas que se mueve en una plataforma rodante, que arrojan por una colina. [141] El historiador de cine Carl J. Mora ha dicho de Los olvidados que el director "visualizó la pobreza de una manera radicalmente diferente de las formas tradicionales del melodrama mexicano. Los niños de la calle de Buñuel no son 'ennoblecidos' por su lucha desesperada por la supervivencia; de hecho, son depredadores despiadados que no son mejores que sus víctimas igualmente poco romantizadas". [142] : p.91 La película se hizo rápidamente (18 días) y a bajo precio (450.000 pesos), y los honorarios de Buñuel fueron el equivalente a 2.000 dólares. [102] : pp.210–211 Durante el rodaje, varios miembros del equipo se resistieron a la producción de diversas maneras: un técnico confrontó a Buñuel y le preguntó por qué no hacía una película mexicana "real" "en lugar de una película miserable como ésta"; [26] : p.200 el peluquero de la película renunció en el acto por una escena en la que la madre del protagonista se niega a darle comida ("En México, ninguna madre le diría eso a su hijo"); [143] : p.99 otro miembro del personal instó a Buñuel a abandonar el rodaje en un "montón de basura", señalando que había muchos "barrios residenciales encantadores como Las Lomas " que estaban disponibles; [143] : p.99 mientras que Pedro de Urdimalas, uno de los guionistas, se negó a permitir que su nombre apareciera en los créditos. [144]
Esta hostilidad también fue sentida por aquellos que asistieron al estreno de la película en la Ciudad de México el 9 de noviembre de 1950, cuando Los olvidados fue tomada por muchos como un insulto a las sensibilidades mexicanas y a la nación mexicana. [84] : p.67 En un momento, el público gritó en estado de shock cuando uno de los personajes miró directamente a la cámara y le arrojó un huevo podrido, dejando una sustancia gelatinosa y opaca en la lente durante unos momentos. [146] En sus memorias, Buñuel recordó que después de la proyección inicial, la pintora Frida Kahlo se negó a hablar con él, mientras que la esposa del poeta León Felipe tuvo que ser restringida físicamente para que no lo atacara. [26] : pp.200–201 Incluso hubo llamados para que se revocara la ciudadanía mexicana de Buñuel. [35] : p.61 Dancigers, presa del pánico por lo que temía que fuera una debacle total, encargó rápidamente un final "feliz" alternativo para la película, [147] y también añadió un prefacio que mostraba imágenes de archivo de los horizontes de la ciudad de Nueva York, Londres y París con comentarios en off en el sentido de que detrás de la riqueza de todas las grandes ciudades del mundo se puede encontrar pobreza y niños desnutridos, y que la Ciudad de México "esa gran ciudad moderna, no es una excepción". [148] A pesar de todo, la asistencia fue tan pobre que Dancigers retiró la película después de solo tres días en los cines. [149]
Gracias a los decididos esfuerzos del futuro Premio Nobel de Literatura Octavio Paz , que en ese momento estaba en el servicio diplomático de México, Los olvidados fue elegida para representar a México en el Festival de Cine de Cannes de 1951, y Paz promovió la película asiduamente distribuyendo un manifiesto de apoyo [150] y desfilando afuera del cine con una pancarta. [151] La opinión en general fue entusiasta, con los surrealistas (el bretón y el poeta Jacques Prevert ) y otros intelectuales artísticos (el pintor Marc Chagall y el poeta/dramaturgo/cineasta Jean Cocteau ) elogiosos, pero el crítico comunista Georges Sadoul se opuso a lo que vio como la "moral burguesa" de la película debido a sus descripciones positivas de un "maestro burgués" y un "estado burgués" en la rehabilitación de niños de la calle, así como una escena en la que la policía demuestra su utilidad al detener a un pederasta que ataca a un niño. [152] Buñuel ganó el premio al Mejor Director ese año en Cannes, y también ganó el Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI . [153] La película fue reeditada en México, donde se presentó durante dos meses con mucha mayor aceptación y ganancias. [154] Los olvidados y su triunfo en Cannes convirtieron a Buñuel en una celebridad mundial instantánea y en el director de cine de habla hispana más importante del mundo. [155] En 2003, Los olvidados fue recomendado por la UNESCO para su inclusión en el Registro de la Memoria del Mundo , llamándolo: "el documento más importante en español sobre las vidas marginales de los niños en las grandes ciudades contemporáneas". [156]
Aquí en México me he convertido en un profesional del cine. Hasta aquí hacía películas como un escritor hace un libro, y además con el dinero de mis amigos. Estoy muy agradecido y feliz de haber vivido en México, y he podido hacer aquí mis películas de una manera que no podría haber hecho en ningún otro país del mundo. Es muy cierto que al principio, llevado por la necesidad, me vi obligado a hacer películas baratas, pero nunca hice una película que fuera en contra de mi conciencia o de mis convicciones. Nunca he hecho una película superficial y sin interés. [157]
– Luis Buñuel sobre su carrera de mediados de siglo en México.
Buñuel permaneció en México el resto de su vida, aunque pasó temporadas filmando en Francia y España. En México, filmó 21 películas en 18 años. Para muchos críticos, aunque hubo ocasionales obras maestras ampliamente reconocidas como Los olvidados y Él (1953), la mayoría de su producción consistió en material genérico que se adaptó a las normas de la industria cinematográfica nacional, adoptando con frecuencia convenciones melodramáticas que apelaban a los gustos locales. [158] Sin embargo, otros comentaristas han escrito sobre la complejidad engañosa y la intensidad de muchas de estas películas, argumentando que, en conjunto, "aportan una profundidad y un poder filosóficos a su cine, ofreciendo juntas una meditación sostenida sobre ideas de religión, desigualdad de clases, violencia y deseo". [1] Aunque Buñuel generalmente tenía poca elección en cuanto a la selección de estos proyectos, [159] a menudo tratan temas que fueron centrales para sus preocupaciones de toda la vida: [160]
Tan ocupado como estuvo durante la década de 1950 y principios de la de 1960, todavía hubo muchos proyectos cinematográficos que Buñuel tuvo que abandonar debido a la falta de financiamiento o apoyo del estudio, incluido un preciado plan para filmar Pedro Páramo del novelista mexicano Juan Rulfo , de la que dijo cuánto disfrutó "el paso de lo misterioso a lo real, casi sin transición. Me gusta mucho esta mezcla de realidad y fantasía, pero no sé cómo llevarla a la pantalla". [166] Otros proyectos no realizados durante su vida incluyeron adaptaciones de Las cuevas del Vaticano de André Gide ; Fortunata y Jacinta , Doña Perfecta y Ángel Guerra de Benito Pérez Galdós ; El amado de Evelyn Waugh ; El señor de las moscas de William Golding ; Johnny cogió su fusil de Dalton Trumbo ; Là-Bas de J. K. Huysmans ; El monje de Matthew Lewis ; Lugar sin límites de José Donoso ; una película de cuatro cuentos basada en Aura de Carlos Fuentes ; y Las ménades, de Julio Cortázar . [126] : pág.96
Por mucho que acogiera con agrado un empleo estable en la industria cinematográfica mexicana, Buñuel se apresuró a aprovechar las oportunidades para resurgir en la escena cinematográfica internacional y abordar temas que no estaban necesariamente centrados en las preocupaciones mexicanas. [84] : p.144 Su primera oportunidad llegó en 1954, cuando Dancigers se asoció con Henry F. Ehrlich, de United Artists , para coproducir una versión cinematográfica de Robinson Crusoe de Daniel Defoe , utilizando un guion desarrollado por el escritor canadiense Hugo Butler . La película fue producida por George Pepper, exsecretario ejecutivo del Comité Demócrata de Hollywood. Tanto Butler como Pepper eran emigrados de Hollywood que se habían enfrentado a las autoridades que buscaban a los comunistas. [107] : p.75 [167] El resultado, Las aventuras de Robinson Crusoe , fue la primera película en color de Buñuel. [168] Buñuel tuvo mucho más tiempo del habitual para el rodaje (tres meses), que se realizó en locaciones de Manzanillo, un puerto marítimo del Pacífico con un exuberante interior selvático, y se filmó simultáneamente en inglés y español. [169] Cuando la película se estrenó en los Estados Unidos, su joven estrella Dan O'Herlihy utilizó su propio dinero para financiar una presentación en Los Ángeles para la película y dio entrada gratuita a todos los miembros del Screen Actors Guild , quienes a su vez recompensaron al poco conocido actor con su única nominación al Oscar . [169]
A mediados de los años 50, Buñuel tuvo la oportunidad de trabajar de nuevo en Francia en coproducciones internacionales. El resultado fue lo que el crítico Raymond Durgnat ha llamado el "tríptico revolucionario" del director, en el que cada una de las tres películas es "abiertamente, o implícitamente, un estudio sobre la moralidad y las tácticas de la revolución armada contra una dictadura de derecha". [64] : p.100 La primera, Cela s'appelle l'aurore (franco-italiana, 1956) requirió que Buñuel y el escritor "patafísico" Jean Ferry adaptaran una novela de Emmanuel Roblès después de que el célebre escritor Jean Genet no pudiera entregar un guion después de haber recibido el pago completo. [108] : p.100 La segunda película fue La mort en ce jardin (franco-mexicana, 1956), que fue adaptada por Buñuel y su frecuente colaborador Luis Alcoriza de una novela del escritor belga José-André Lacour . La parte final del "tríptico" fue La Fièvre Monte à El Pao (Franco-mexicana, 1959), la última película del popular astro francés Gérard Philipe , quien murió en las últimas etapas de la producción. [170] En un momento durante el rodaje, Buñuel le preguntó a Philipe, quien se estaba muriendo visiblemente de cáncer, por qué el actor estaba haciendo esta película, y Philipe respondió haciéndole la misma pregunta al director, a lo que ambos dijeron que no sabían. [171] Buñuel explicaría más tarde que estaba tan escaso de dinero que "acepté todo lo que me ofrecieron, siempre que no fuera humillante". [171]
En 1960, Buñuel volvió a trabajar con el guionista Hugo Butler y el organizador George Pepper, supuestamente su productor favorito, para hacer su segunda película en inglés, una coproducción entre Estados Unidos y México llamada The Young One , basada en un cuento del escritor y ex agente de la CIA Peter Matthiessen . [172] Esta película ha sido llamada "un estudio sorprendentemente intransigente del racismo y el deseo sexual, ambientado en una isla remota en el sur profundo" [1] y ha sido descrita por el crítico Ed Gonzalez como "lo suficientemente lasciva como para hacer sonrojar a Baby Doll de Elia Kazan y Pretty Baby de Luis Malle ". [173] Aunque la película ganó un premio especial en el Festival de Cine de Cannes por su tratamiento de la discriminación racial, [90] : p.151 los críticos estadounidenses fueron tan hostiles tras su estreno que Buñuel diría más tarde que "un periódico de Harlem incluso escribió que me deberían colgar boca abajo de un poste de luz en la Quinta Avenida... Hice esta película con amor, pero nunca tuvo una oportunidad". [174]
En el Festival de Cannes de 1960, Buñuel fue abordado por el joven director Carlos Saura , cuya película Los Golfos había sido presentada oficialmente para representar a España. [175] Dos años antes, Saura se había asociado con Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga para formar una productora llamada UNINCI, [176] y el grupo estaba ansioso por lograr que Buñuel hiciera una nueva película en su país natal como parte de su objetivo general de crear una marca de cine exclusivamente española. [108] : p.190–91 Al mismo tiempo, la actriz mexicana Silvia Pinal estaba ansiosa por trabajar con Buñuel y convenció a su productor y esposo Gustavo Alatriste para que proporcionara fondos adicionales para el proyecto con el entendimiento de que el director, a quien Pinal describió como "un hombre adorado e idolatrado", tendría "absoluta libertad" para llevar a cabo el trabajo. [177] Finalmente, Buñuel aceptó trabajar nuevamente en España cuando la compañía Film 59 del productor Pere Portabella le brindó más apoyo . [178]
Buñuel y su coguionista Julio Alejandro redactaron un guion preliminar para Viridiana , que el crítico Andrew Sarris describió como una incorporación de "una trama que es casi demasiado escabrosa para resumirla incluso en estos tiempos ilustrados", [179] que trata sobre violación, incesto, indicios de necrofilia, crueldad animal y sacrilegio, y lo presentaron al censor español, quien, para sorpresa de casi todos, lo aprobó después de solicitar solo modificaciones menores y un cambio significativo en el final. [180] Aunque Buñuel se adaptó a las demandas del censor, se le ocurrió una escena final que era incluso más provocativa que la escena que reemplazó: "incluso más inmoral", como Buñuel observaría más tarde. [181] Dado que Buñuel tenía recursos más que adecuados, equipos técnicos y artísticos de primer nivel y actores experimentados, el rodaje de Viridiana (que tuvo lugar en el lugar y en los estudios de Bardem en Madrid) se desarrolló sin problemas y rápidamente. [182] : p. 98
Buñuel presentó una copia de corte a los censores y luego hizo arreglos para que su hijo, Juan Luis, contrabandeara los negativos a París para la edición y mezcla final, [183] asegurándose de que las autoridades no tuvieran la oportunidad de ver el producto terminado antes de su presentación planificada como la entrada oficial de España al Festival de Cannes de 1961. [184] El director general de cinematografía de España, José Muñoz-Fontán, presentó la película el último día del festival y luego, a instancias de Portabella y Bardem, apareció en persona para aceptar el premio principal, la Palma de Oro , que la película compartió con la entrada francesa Une aussi longue absent , dirigida por Henri Colpi . [185] En cuestión de días, l'Osservatore Romano , el órgano oficial del Vaticano, denunció la película como un insulto no solo al catolicismo sino al cristianismo. [186] [187] Muñoz-Fontán fue destituido de su cargo en el gobierno, [185] la película fue prohibida en España durante los siguientes 17 años, se prohibió toda mención de la misma en la prensa y las dos productoras españolas UNINCI y Film 59 fueron disueltas. [180]
Buñuel realizó luego dos películas más en México con Pinal y Alatriste, El ángel exterminador (1962) y Simón del desierto (1965) y más tarde diría que Alatriste había sido el productor que le había dado más libertad en la expresión creativa. [189]
En 1963, el actor Fernando Rey , una de las estrellas de Viridiana , presentó a Buñuel al productor Serge Silberman , un empresario polaco que había huido a París cuando su familia murió en el Holocausto [190] y había trabajado con varios directores franceses de renombre, entre ellos Jean-Pierre Melville , Jacques Becker , Marcel Camus y Christian-Jaque . [191] Silberman propuso que los dos hicieran una adaptación del Journal d'une femme de chambre de Octave Mirbeau , que Buñuel había leído varias veces. [192] Buñuel quería hacer la filmación en México con Pinal, pero Silberman insistió en que se hiciera en Francia. [192]
Pinal estaba tan decidida a trabajar de nuevo con Buñuel que estaba dispuesta a mudarse a Francia, aprender el idioma e incluso trabajar gratis para conseguir el papel de Célestine , el personaje principal. [193] Sin embargo, Silberman quería que la actriz francesa Jeanne Moreau interpretara el papel, por lo que desanimó a Pinal diciéndole que Moreau también estaba dispuesta a actuar sin cobrar. Finalmente, Silberman se salió con la suya, dejando a Pinal tan decepcionada que más tarde afirmaría que el fracaso de Alatriste en ayudarla a conseguir este papel condujo a la ruptura de su matrimonio. [193] Cuando Buñuel solicitó un escritor francófono con quien colaborar en el guion, Silberman sugirió a Jean-Claude Carrière , de 32 años , un actor cuyos créditos previos como guionista incluían solo unas pocas películas para la estrella cómica/director Pierre Étaix , pero una vez que Buñuel se enteró de que Carrière era el heredero de una familia vitivinícola, el recién llegado fue contratado en el acto. [191] Al principio, a Carrière le resultó difícil trabajar con Buñuel, porque el joven era tan deferente que nunca desafió ninguna de las ideas de Buñuel, hasta que, ante la insistencia encubierta de Buñuel, Silberman le dijo a Carrière que se enfrentara a Buñuel de vez en cuando; como Carrière diría más tarde: "En cierto modo, Buñuel necesitaba un oponente. No necesitaba una secretaria; necesitaba a alguien que lo contradijera y se opusiera a él y que hiciera sugerencias". [194] La película terminada de 1964, Diario de una camarera , se convirtió en la primera de varias que realizaría el equipo de Buñuel, Carrière y Silberman. Carrière dijo más tarde: "Sin mí y sin Serge Silberman, el productor, tal vez Buñuel no hubiera hecho tantas películas después de los 65 años. Realmente lo alentamos a trabajar. Eso es seguro". [195] Esta fue la segunda versión cinematográfica de la novela de Mirbeau, la primera fue una producción de Hollywood de 1946 dirigida por Jean Renoir , que Buñuel se negó a ver por temor a ser influenciado por el famoso director francés, a quien veneraba. [196] La versión de Buñuel, aunque admirada por muchos, a menudo ha sido comparada desfavorablemente con la de Renoir, y varios críticos afirman que El diario de Renoir encaja mejor en la obra general de Renoir , mientras que El diario de Buñuel no es lo suficientemente "buñueliano". [197]
Después del estreno de El diario en 1964 , Buñuel intentó nuevamente hacer una película de El monje de Matthew Lewis , un proyecto en el que había trabajado, intermitentemente, desde 1938, según el productor Pierre Braunberger . [51] : p.137 Él y Carrière escribieron un guion, pero no pudieron obtener financiación, que se realizó en 1973 bajo la dirección del devoto de Buñuel Ado Kyrou , con considerable ayuda tanto de Buñuel como de Carrière. [198]
En 1965, Buñuel logró trabajar nuevamente con Silvia Pinal en lo que fue su último largometraje mexicano, coprotagonizado por Claudio Brook, Simón del desierto . [189] Pinal estaba muy interesada en seguir trabajando con Buñuel, confiando completamente en él y afirmando con frecuencia que él sacaba lo mejor de ella; sin embargo, esta fue su última colaboración. [199]
En 1966, Buñuel fue contactado por los hermanos Hakim, Robert y Raymond , productores egipcio-franceses que se especializaban en películas sexys dirigidas por cineastas estrella, [201] quienes le ofrecieron la oportunidad de dirigir una versión cinematográfica de la novela Belle de Jour de Joseph Kessel , un libro sobre una joven adinerada que lleva una doble vida como prostituta, y que había causado un escándalo en su primera publicación en 1928. [202] A Buñuel no le gustó la novela de Kessel, considerándola "un poco una telenovela", [203] pero aceptó el desafío porque: "Me pareció interesante tratar de convertir algo que no me gustaba en algo que sí". [204] Así que él y Carrière se propusieron con entusiasmo entrevistar a mujeres en los burdeles de Madrid para aprender sobre sus fantasías sexuales. [205] Buñuel tampoco estaba contento con la elección de Catherine Deneuve, de 22 años, para el papel principal, sintiendo que se la habían impuesto los hermanos Hakim y el amante de Deneuve en ese momento, el director François Truffaut . [206] Como resultado, tanto la actriz como el director encontraron difícil trabajar juntos, y Deneuve afirmó: "Sentí que mostraron más de mí de lo que dijeron que iban a mostrar. Hubo momentos en los que me sentí totalmente utilizada. Me sentí muy infeliz", [207] y Buñuel se burló de su mojigatería en el set. [200] La película resultante ha sido descrita por el crítico de cine Roger Ebert como "posiblemente la película erótica más conocida de los tiempos modernos, quizás la mejor", [208] aunque, como ha escrito otro crítico, "en términos de actividad sexual explícita, hay poco en Belle de jour que no podríamos ver en una comedia de Doris Day del mismo año". [209] Fue la película más exitosa de Buñuel en taquilla. [207]
Los críticos han señalado la costumbre de Buñuel de seguir un éxito comercial o crítico con una película más personal e idiosincrásica que podría tener menos posibilidades de obtener la estima popular. [210]
Después del éxito mundial de su Belle de jour de 1967 , y al ver la película La Chinoise de Jean-Luc Godard , Buñuel, que había querido hacer una película sobre herejías católicas durante años, le dijo a Carrière: "Si así es el cine de hoy, entonces podemos hacer una película sobre herejías". [211] Los dos pasaron meses investigando la historia católica y crearon la película de 1969 La Vía Láctea , una "piccaresca road film" [212] que cuenta la historia de dos vagabundos en peregrinación a la tumba del apóstol Santiago en Santiago de Compostela , durante la cual viajan a través del tiempo y el espacio para participar en situaciones que ilustran herejías que surgieron de los seis principales dogmas católicos. [213] Vincent Canby , al reseñar la película en el New York Times , la comparó con el éxito de taquilla de George Stevens La historia más grande jamás contada , en el sentido de que Buñuel había hecho una película sobre Jesús y había elegido a casi todos los actores franceses famosos de la época para papeles secundarios. [214] La Vía Láctea fue prohibida en Italia, pero la Iglesia Católica intervino en su favor. [64] : p.152
Algunos grandes directores tienen la capacidad de atraernos a su mundo de sueños, a sus personalidades y obsesiones y fascinarnos con ellas durante un breve periodo de tiempo. Éste es el nivel más alto de escapismo que nos pueden proporcionar las películas, del mismo modo que nuestra identificación elemental con un héroe o una heroína era el más bajo.
El crítico de cine Roger Ebert , sobre Tristana [215]
La película Tristana , de 1970 , trata sobre una joven que es seducida y manipulada por su tutor, quien intenta frustrar su romance con un joven artista y quien finalmente la induce a casarse con él después de que ella pierde una de sus piernas debido a un tumor. La académica Beth Miller la ha considerado la menos comprendida de las películas de Buñuel y, en consecuencia, una de las más subestimadas, debido a un "fracaso constante en comprender su declaración política y, especialmente, su declaración socialista-feminista". [216] Buñuel había querido hacer una película de la novela Tristana de Benito Pérez Galdós ya en 1952, aunque consideraba que el libro de Galdós era el más débil del autor. [217] Tras terminar Viridiana y a raíz del escándalo que su estreno causó en 1962, la censura española rechazó este proyecto, [64] : p.152 y Buñuel tuvo que esperar 8 años antes de poder recibir el apoyo de la productora española Época Films. [217] Los censores habían amenazado con denegar el permiso para la película con el argumento de que fomentaba los duelos, por lo que Buñuel tuvo que abordar el tema con mucha cautela, además de hacer concesiones a sus productores franco-italianos/españoles, que insistieron en elegir dos de los tres papeles principales con actores que no eran de su elección: Franco Nero y Catherine Deneuve. [218] : p.128 En esta ocasión, sin embargo, Deneuve y Buñuel tuvieron una relación de trabajo mutuamente más satisfactoria, y Deneuve le dijo a un entrevistador: "pero al final, ya sabes, fue en realidad un rodaje maravilloso. Tristana es una de mis películas favoritas. Personalmente, como actriz, prefiero Tristana a Belle de Jour ". [217]
El germen de la idea para su siguiente película juntos, El discreto encanto de la burguesía (1972), surgió de una discusión entre Buñuel y Silberman sobre la extraña repetición en la vida cotidiana; Silberman contó una anécdota sobre cómo había invitado a unos amigos a cenar en su casa, solo para olvidarse de ello, de modo que, la noche de la cena, él estaba ausente y su esposa estaba en ropa de dormir. [219] La película habla de un grupo de amigos adinerados que se ven continuamente frustrados en sus intentos de comer juntos, una situación que varios críticos han contrastado con el dilema opuesto de los personajes de El ángel exterminador , donde los invitados a una cena misteriosamente no pueden irse después de haber terminado su comida. [158] Para esta película, Buñuel, Silberman y Carrière reunieron un elenco de primer nivel de artistas europeos, "una verdadera galería de pícaros del cine de arte francés", según un crítico. [220] Por primera vez, Buñuel hizo uso de un monitor de reproducción de vídeo , lo que le permitió hacer un uso mucho más extenso de tomas con grúa y tomas de seguimiento elaboradas , y le permitió cortar la película en la cámara y eliminar la necesidad de nuevas tomas . [219] La filmación requirió solo dos meses y Buñuel afirmó que la edición tomó solo un día. [219] Cuando se estrenó la película, Silberman decidió saltarse el Festival de Cannes para concentrarse en lograr que fuera nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera , que ganó, lo que llevó a Buñuel a expresar su desprecio por un proceso que se basó en el juicio de "2500 idiotas, incluido, por ejemplo, el asistente de diseño de vestuario del estudio". [219]
Como era su costumbre, Buñuel aprovechó el éxito popular de Discreet Charm para hacer una de las "películas desconcertantes e idiosincrásicas que realmente quería hacer". [210] En 1973, en el Monasterio de Paular en la Somosierra española , escribió el guion de El fantasma de la libertad (1974) con Carrière para la producción de Silberman y sus socios de Hollywood. [108] : p.249 La película resultante es una serie de 12 episodios distintivos con protagonistas separados, unidos entre sí solo siguiendo a un personaje de un episodio a otro a la manera de una carrera de relevos. [221] Buñuel ha declarado que hizo la película como un homenaje al poeta Benjamin Péret , miembro fundador del surrealismo francés, [120] : p.170 y la llamó su "película más surrealista". [108] : p.249
La última película de Buñuel fue Ese oscuro objeto del deseo (1977), adaptación de Buñuel y Carrière de una novela de Pierre Louÿs de 1898 llamada La Femme et le pantin , que ya había sido utilizada como base de películas dirigidas por Josef von Sternberg ( El diablo es una mujer , 1935) y Julien Duvivier ( La Femme et le Pantin , 1959). La película, que cuenta la historia de un hombre mayor que está obsesionado por una joven que evade continuamente sus intentos de consumar una relación sexual, fue protagonizada por el actor español Fernando Rey , apareciendo en su cuarta película de Buñuel. Inicialmente, el papel de la joven iba a ser interpretado por Maria Schneider , quien había alcanzado fama internacional por sus papeles en El último tango en París y La pasajera , [222] pero una vez que comenzó el rodaje, según Carrière, su consumo de drogas resultó en una actuación "deslucida y aburrida" que provocó tempestuosas discusiones con Buñuel en el set y su eventual despido. [223] Silberman, el productor, decidió abandonar el proyecto en ese momento, pero Buñuel lo convenció de continuar filmando con dos actrices diferentes, Ángela Molina y Carole Bouquet, interpretando el mismo papel en secuencias alternas a lo largo de la película. En su autobiografía, Buñuel afirmó que esta inusual decisión de casting fue idea suya después de beber dos martinis secos, diciendo: "Si tuviera que enumerar todos los beneficios derivados del alcohol, sería interminable". [224] Otros han informado que Carrière había mencionado por primera vez la idea mientras desarrollaba el guión de la película, pero Buñuel la había descartado como "el capricho de un día lluvioso". [225]
Después del estreno de Ese oscuro objeto del deseo , Buñuel se retiró del cine. [226] En 1982, escribió (junto con Carrière) su autobiografía, Mon Dernier Soupir (traducida al inglés como Mi último suspiro en los EE. UU., Mi último aliento en el Reino Unido), que ofrece un relato de su vida, amigos y familia, así como una representación de su personalidad excéntrica. En ella, relata sueños, encuentros con muchos escritores, actores y artistas conocidos como Pablo Picasso y Charlie Chaplin , así como travesuras, como disfrazarse de monja y caminar por la ciudad. [26] : p. 83
Luis esperó mucho tiempo la muerte, como buen español, y cuando murió estaba preparado. Su relación con la muerte era como la que se tiene con una mujer. Sentía el amor, el odio, la ternura, el desapego irónico de una larga relación, y no quería perderse el último encuentro, el momento de la unión. «Espero morir vivo», me dijo. Al final fue como había deseado. Sus últimas palabras fueron «me muero». [188]
Amigo y colaborador de muchos años, Jean-Claude Carrière
A partir de los 17 años, Buñuel salió con la futura poeta y dramaturga Concha Méndez , con quien pasaba las vacaciones todos los veranos en San Sebastián . La presentó a sus amigos de la Residencia como su prometida. [227] [228] Después de cinco años, ella rompió la relación, citando el «carácter insufrible» de Buñuel. [229]
Durante sus años de estudiante, Buñuel se convirtió en un consumado hipnotista. Afirmó que una vez, mientras calmaba a una prostituta histérica mediante sugestión hipnótica , inadvertidamente puso a uno de los varios espectadores en trance también. [26] : p.67 A menudo insistía en que ver películas era una forma de hipnosis: "Este tipo de hipnosis cinematográfica se debe sin duda a la oscuridad del teatro y a los escenarios, luces y movimientos de cámara que cambian rápidamente, que debilitan la inteligencia crítica del espectador y ejercen sobre él una especie de fascinación". [26] : p.69 Refiriéndose al interés de Buñuel por la hipnosis, Anthony Lane escribió: "Puedes imaginarte fácilmente siendo hipnotizado por este hombre; siéntate a ver una muestra de sus películas, y pensarás que lo has sido". [230]
En 1926 conoció a su futura esposa, Jeanne Rucar Lefebvre, [231] [232] una profesora de gimnasia que había ganado una medalla de bronce en los Juegos Olímpicos de París de 1924. [233] [234] Buñuel la cortejó de manera formal aragonesa, con una chaperona incluida, [235] y se casaron en 1934 [34] a pesar de una advertencia de Jean Epstein cuando Buñuel le propuso matrimonio por primera vez en 1930: "Jeanne, estás cometiendo un error... No es lo correcto para ti, no te cases con él". [236] Los dos permanecieron casados durante toda su vida y tuvieron dos hijos, Juan Luis y Rafael. [237] Diego Buñuel , cineasta y presentador de la serie No le digas a mi madre del National Geographic Channel , es su nieto. [238]
A sus setenta años, Buñuel le dijo una vez a su amigo, el novelista Carlos Fuentes : "No tengo miedo a la muerte. Tengo miedo de morir solo en una habitación de hotel, con mis maletas abiertas y un guión de rodaje en la mesa de noche. Debo saber qué dedos cerrarán mis ojos". [239] Según su esposa, Jeanne, Buñuel murió en la Ciudad de México en 1983 por complicaciones de la diabetes. [240] Fuentes ha contado que Buñuel pasó su última semana en el hospital discutiendo teología con el hermano jesuita Julián Pablo Fernández, un viejo amigo. [241] Su funeral fue muy privado, en el que participaron solo familiares y amigos cercanos, entre ellos los poetas Octavio Paz y Homero Aridjis . [242] [243]
La técnica cinematográfica de Buñuel estuvo fuertemente influenciada por la puesta en escena , el montaje de sonido y el uso de la música. Las influencias en su cine han incluido una relación positiva con el surrealismo y un enfoque crítico del ateísmo y la religión. El estilo de dirección de Buñuel era extremadamente económico; filmaba películas en unas pocas semanas, rara vez se desviaba de su guion (la escena en Tristana donde Catherine Deneuve expone sus pechos a Saturno -pero no al público- es una notable excepción) y filmaba tanto como fuera posible para minimizar el tiempo de montaje. [244] Se mantuvo fiel durante toda su vida laboral a una filosofía operativa que articuló al comienzo de su carrera en 1928: "La idea guía, la procesión silenciosa de imágenes que son concretas, decisivas, medidas en el espacio y el tiempo -en una palabra, la película- se proyectó primero dentro del cerebro del cineasta". [91] : p.135 En esto, Buñuel ha sido comparado con Alfred Hitchcock , otro director famoso por su precisión, eficiencia y planificación previa, para quien filmar la película en realidad era un anticlímax, porque cada hombre sabía, en palabras de Buñuel, "exactamente cómo se filmará cada escena y cuál será el montaje final". [245] Según la actriz Jeanne Moreau : "Fue el único director que conozco que nunca desperdició un plano. Tenía la película en su mente. Cuando decía 'acción' y 'corte', sabías que lo que estaba entre los dos se imprimiría". [246]
El obituario de Buñuel en The New York Times lo llamó "un iconoclasta , moralista y revolucionario que fue un líder del surrealismo de vanguardia en su juventud y un director de cine internacional dominante medio siglo después". [247] Ingmar Bergman escribió una vez "Buñuel casi siempre hizo películas de Buñuel". [248] El escritor Octavio Paz llamó al trabajo de Buñuel "el matrimonio de la imagen cinematográfica con la imagen poética, creando una nueva realidad... escandalosa y subversiva". [249] A pesar de su variedad, el cineasta John Huston creía que, independientemente del género, una película de Buñuel es tan distintiva como para ser reconocible al instante, [250] David Thomson lo nombra como uno de los mejores directores, agregando "Es tan empático con la comedia como lo era Kafka, tan poco empeñado en mostrar estilo, y tan víctima como el chiste que cuenta". [251]
Buñuel recibió el León de Oro a la Carrera en 1982 por el Festival de Cine de Venecia [261] y el Premio FIPRESCI - Mención Honorífica en 1969 por el Festival Internacional de Cine de Berlín . [262] En 1977, recibió el Premio Nacional de Artes y Ciencias por Bellas Artes. [263] En el 11º Festival Internacional de Cine de Moscú en 1979, fue galardonado con el Premio Honorífico por su contribución al cine. [264] Fue nominado dos veces al Premio Nobel de Literatura en 1968 y 1972. [265] Quince de sus películas están incluidas en la lista They Shoot Pictures, Don't They? de las 1000 mejores películas de todos los tiempos, solo superada por Jean-Luc Godard , con dieciséis, [266] y ocupa el puesto número 13 en su lista de los 250 mejores directores. [267]
Ha influido en directores como Woody Allen , [268] Godfrey Reggio , [269] Aki Kaurismaki , [268] Gaspar Noe , [268] y Jonathan Glazer . [268]
Documentales sobre Buñuel
Buñuel ha sido retratado como personaje en muchas películas y producciones televisivas:
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