Este artículo incluye una descripción general de los eventos y tendencias de la música popular en la década de 1960 .
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En América del Norte y Europa, la década fue particularmente revolucionaria en términos de música popular , continuando el alejamiento del pop tradicional que comenzó en la década de 1950. La década de 1960 vio la evolución del rock y los comienzos de la era del álbum . [1] A principios de la década de 1960, las tendencias del pop y el rock and roll de la década de 1950 continuaron; sin embargo, el rock and roll de la década anterior comenzó a fusionarse en una variante más internacional y eléctrica. A mediados de la década de 1960, el rock and roll en su forma más pura fue superado gradualmente por el pop rock , el beat , el rock psicodélico , el blues rock y el folk rock , que habían crecido en popularidad. El estilo influenciado por el country y el folk [2] asociado con la segunda mitad de la música rock de la década de 1960 engendró una generación de cantautores populares que escribieron e interpretaron su propio trabajo. Hacia el final de la década, géneros como el pop barroco , [3] el sunshine pop , [4] el bubble gum pop , [5] y el rock progresivo comenzaron a hacerse populares, siendo estos dos últimos los que tuvieron mayor éxito en la década siguiente. Además, en la década de 1960, el funk y el soul ganaron popularidad; el rhythm and blues en general siguió siendo popular. La fusión de R&B, gospel y rock and roll original fue un éxito hasta mediados de la década. [6] Además de la popularidad de la música rock y R&B en la década de 1960, la música latinoamericana , así como la jamaiquina y la cubana, alcanzaron cierto grado de popularidad a lo largo de la década, con géneros como la bossa nova , el cha-cha-chá , [7] el ska , [8] y el calipso siendo populares. Desde un punto de vista clásico , la década de 1960 también fue una década importante, ya que vio el desarrollo de la música electrónica , experimental , jazz y clásica contemporánea , en particular el minimalismo y la improvisación libre . [9]
En Asia , varias tendencias marcaron la música popular de la década de 1960. En Japón , la década vio el aumento de la popularidad de varios grupos de música popular occidentales, como The Beatles . El éxito de la música y las bandas de rock en Japón dio inicio a un nuevo género, conocido como Group Sounds , que fue popular en la segunda mitad de la década.
En América del Sur , géneros como la bossa nova, la nueva canción y la nueva ola comenzaron a surgir. La música rock comenzó a dejar su huella y alcanzó el éxito en la década de 1960. Además, la salsa se hizo popular hacia finales de la década. [7] En la década de 1960, la cumbia entró en Chile y dejó un impacto duradero en la música tropical de ese país. [10]
A finales de la década de 1950, comenzó a surgir una floreciente cultura de grupos, a menudo a partir de la decadente escena del skiffle , en los principales centros urbanos del Reino Unido como Liverpool , Manchester , Birmingham y Londres . Esto fue particularmente cierto en Liverpool, donde se ha estimado que había alrededor de 350 bandas diferentes activas, que a menudo tocaban en salones de baile, salas de conciertos y clubes. [11] Las bandas beat estaban fuertemente influenciadas por las bandas estadounidenses de la época, como Buddy Holly and the Crickets (de cuyo grupo los Beatles derivaron su nombre), así como por grupos británicos anteriores como The Shadows . [12] Después del éxito nacional de los Beatles en Gran Bretaña a partir de 1962, varios intérpretes de Liverpool pudieron seguirlos en las listas de éxitos, incluidos Cilla Black , Gerry and the Pacemakers y The Searchers . Entre los actos beat más exitosos de Birmingham se encontraban Spencer Davis Group y Moody Blues . En Londres, el término Tottenham Sound se basó principalmente en Dave Clark Five , pero otras bandas londinenses que se beneficiaron del auge beat de esta era incluyeron a los Rolling Stones , los Yardbirds y los Kinks . La primera banda no proveniente de Liverpool ni dirigida por Brian Epstein que se abrió paso en el Reino Unido fueron Freddie and the Dreamers , que tenían su base en Manchester, [13] al igual que Herman's Hermits . [14] El movimiento beat proporcionó la mayoría de los grupos responsables de la invasión británica de las listas de éxitos pop estadounidenses en el período posterior a 1964, y proporcionó el modelo para muchos desarrollos importantes en la música pop y rock.
A finales de 1962, la escena del rock británico había comenzado con grupos beat como los Beatles que recurrían a una amplia gama de influencias estadounidenses, incluida la música soul , el rhythm and blues y la música surf. [15] Inicialmente, reinterpretaron melodías estadounidenses estándar, tocando para bailarines que hacían el twist , por ejemplo. Estos grupos eventualmente infundieron sus composiciones de rock originales con ideas musicales cada vez más complejas y un sonido distintivo. A mediados de 1962, los Rolling Stones comenzaron como uno de varios grupos que mostraban cada vez más influencia del blues, junto con bandas como los Animals y los Yardbirds . [16] Durante 1963, los Beatles y otros grupos beat , como los Searchers y los Hollies , alcanzaron gran popularidad y éxito comercial en la propia Gran Bretaña.
El rock británico se hizo popular en Estados Unidos en enero de 1964 con el éxito de los Beatles. « I Want to Hold Your Hand » fue el primer éxito número uno de la banda en la lista Billboard Hot 100 , lo que dio inicio a la invasión británica de las listas de música estadounidenses. [17] La canción entró en la lista el 18 de enero de 1964, en el puesto número 45, antes de convertirse en el sencillo número uno durante siete semanas y permanecer un total de quince semanas en la lista. [18] Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero se considera un hito en la cultura pop estadounidense. La transmisión atrajo a unos 73 millones de espectadores, en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock con mayores ventas de todos los tiempos y fueron seguidos por numerosas bandas británicas. [19]
Durante los dos años siguientes, Chad & Jeremy , Peter and Gordon , The Animals, Manfred Mann , Petula Clark , Freddie and the Dreamers , Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits , The Rolling Stones, The Troggs y Donovan tendrían uno o más sencillos número uno. [17] Otros actos que fueron parte de la invasión incluyeron a The Kinks y Dave Clark Five . [20] Los actos de la invasión británica también dominaron las listas de música en casa en el Reino Unido. [16]
La invasión británica ayudó a internacionalizar la producción de rock and roll, abriendo la puerta para que los artistas británicos (e irlandeses) posteriores lograran el éxito internacional. [21] En Estados Unidos, podría decirse que significó el fin de la música surf instrumental , los grupos vocales de chicas y (por un tiempo) los ídolos adolescentes , que habían dominado las listas estadounidenses a fines de la década de 1950 y 1960. [22] Afectó las carreras de actos de R&B establecidos como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito en las listas de los actos de rock and roll sobrevivientes, incluido Elvis Presley . [23] La invasión británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de música rock y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y batería y produciendo su propio material como cantautores. [24]
En paralelo con la música beat, a finales de los años 1950 y principios de los 1960 se fue desarrollando una escena de blues británica que recreaba los sonidos del R&B estadounidense y más tarde, en particular, los sonidos de los bluseros Robert Johnson , Howlin' Wolf y Muddy Waters . Alcanzó su apogeo de popularidad en la década de 1960, cuando desarrolló un estilo distintivo e influyente dominado por la guitarra eléctrica e hizo estrellas internacionales de varios defensores del género, entre ellos los Rolling Stones , Eric Clapton , los Yardbirds , Fleetwood Mac y Led Zeppelin .
Muchos de ellos pasaron del blues rock a diferentes formas de música rock y, como resultado, el blues británico ayudó a formar muchos de los subgéneros del rock, incluido el rock psicodélico y el heavy metal . Desde entonces, el interés directo por el blues en Gran Bretaña ha disminuido, pero muchos de los intérpretes clave han vuelto a él en los últimos años, han surgido nuevos actos y ha habido un renovado interés en el género. [25]
La psicodelia británica surgió a mediados de la década de 1960, estuvo influenciada por la cultura psicodélica e intentó replicar y mejorar las experiencias psicodélicas de las drogas alucinógenas . El movimiento se basó en fuentes no occidentales, como los ragas y sitares de la música india , así como en efectos de estudio y largos pasajes instrumentales y letras surrealistas. Artistas británicos consagrados como Eric Burdon , The Who , Cream , Pink Floyd y The Beatles produjeron una serie de melodías altamente psicodélicas durante la década. Muchas bandas de psicodelia británica de la década de 1960 nunca publicaron su música y solo aparecieron en conciertos en vivo durante ese tiempo.
El Kingston Trio , los Weavers , Pete Seeger , Woody Guthrie , Odetta , Peter, Paul and Mary , Joan Baez , Bob Dylan , The Byrds , Judy Collins , Leonard Cohen , Joni Mitchell , Carolyn Hester , Phil Ochs , Tom Paxton , Buffy Sainte-Marie , Dave Van Ronk , The Mamas and the Papas , Tom Rush , Simon & Garfunkel , Fred Neil , Gordon Lightfoot , Ian and Sylvia , Arlo Guthrie y varios otros intérpretes fueron fundamentales en el lanzamiento del renacimiento de la música folk de los años 1950 y 1960. [26]
Roy Orbison fue uno de los famosos artistas de rock que escribió baladas de amor perdido.
A principios de la década, Elvis Presley siguió cosechando éxitos. Durante la mayor parte de los años 60, Presley se dedicó principalmente a la producción de películas. En 1969, decidió alejarse del cine; su última canción número uno en las listas fue Suspicious Minds , que se estrenó en 1969.
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del resurgimiento de la música folk estadounidense había crecido hasta convertirse en un movimiento importante, que utilizaba música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. [27] En Estados Unidos, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y a menudo se identificó con la política progresista o laboral . [27] A principios de los sesenta, figuras como Bob Dylan , Chubby Checker y Joan Baez habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. [28] Dylan había comenzado a llegar a un público general con éxitos como " Blowin' in the Wind " (1963) y " Masters of War " (1963), que llevaron las " canciones de protesta " a un público más amplio, [29] pero, aunque comenzaron a influirse mutuamente, el rock y la música folk habían permanecido como géneros en gran medida separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes. [30] Los primeros intentos de combinar elementos del folk y el rock incluyeron " House of the Rising Sun " (1964) de Animals, que fue la primera canción folk de éxito comercial grabada con instrumentación de rock and roll. [31] Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con la grabación de " Mr. Tambourine Man " de Dylan por parte de los Byrds , que encabezó las listas en 1965. [30] Con miembros que habían formado parte de la escena folk de los cafés de Los Ángeles, los Byrds adoptaron la instrumentación de rock, incluyendo tambores y guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas , que se convirtieron en un elemento importante en el sonido del género. [30]
A mediados de los años 60, Bob Dylan tomó la iniciativa de fusionar el folk y el rock, y en julio de 1965 publicó Like a Rolling Stone , con un sonido rock revolucionario, impregnado de imágenes urbanas de mal gusto, seguido de una actuación eléctrica ese mismo mes en el Newport Folk Festival. Dylan conectó a toda una generación al entorno de los cantautores, escribiendo a menudo desde un punto de vista urbano, con poesía puntuada por ritmos de rock y potencia eléctrica. A mediados y finales de los años 60, las bandas y los cantautores comenzaron a proliferar en la escena artística y musical underground de Nueva York.
El lanzamiento de The Velvet Underground & Nico en 1967, con la participación del cantautor Lou Reed y la cantante y colaboradora alemana Nico, fue descrito como "el álbum de rock más profético jamás hecho" por la revista Rolling Stone en 2003. [32] Otros cantautores de la ciudad de Nueva York comenzaron a surgir, utilizando el paisaje urbano como lienzo para letras en el estilo confesional de poetas como Anne Sexton y Sylvia Plath . En julio de 1969, la revista Newsweek publicó un artículo destacado, "The Girls-Letting Go", que describía la música innovadora de Joni Mitchell , Laura Nyro , Lotti Golden y Melanie , como una nueva generación de trovadores femeninos: "Lo que tienen en común son las canciones personalizadas que escriben, como viajes de autodescubrimiento, rebosantes de observación aguda y sorprendentes en el impacto de su poesía". El trabajo de estas primeras cantautoras afincadas en Nueva York, desde New York Tendaberry (1969) de Laura Nyro hasta East Village diaries de Lotti Golden en Motor-Cycle , su debut en 1969 en Atlantic Records , ha servido de inspiración a generaciones de cantautoras femeninas en las tradiciones del rock, el folk y el jazz. [33] [34] [35] La adopción de instrumentos eléctricos por parte de Dylan, para gran indignación de muchos puristas del folk, con su « Like a Rolling Stone » [30] logró crear un nuevo género. El folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a grupos como Mamas & the Papas y Crosby, Stills and Nash a pasarse a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde engendró cantautores e intérpretes como Lovin' Spoonful y Simon and Garfunkel , con el acústico « The Sounds of Silence » de este último remezclado con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. [30]
El folk rock alcanzó su pico de popularidad comercial en el período 1967-68, antes de que muchos grupos se desviaran en diversas direcciones, incluidos Dylan y los Byrds, quienes comenzaron a desarrollar el country rock . [36] Sin embargo, se ha visto que la hibridación del folk y el rock ha tenido una gran influencia en el desarrollo de la música rock, incorporando elementos de psicodelia y, en particular, ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de "autenticidad". [30] [37]
El estilo de música psicodélica inspirado en el LSD comenzó en la escena folk, cuando los Holy Modal Rounders, con base en Nueva York, utilizaron el término en su grabación de 1964 de " Hesitation Blues ". [38] El primer grupo en promocionarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas, a fines de 1965; produjeron un álbum que dejó en claro su dirección, con The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators al año siguiente. [38]
El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California cuando los grupos siguieron a los Byrds del folk al folk rock a partir de 1965. [39] El grupo con base en Los Ángeles The Doors se formó en 1965 después de un encuentro casual en Venice Beach . Aunque su carismático cantante principal Jim Morrison murió en 1971, la popularidad de la banda ha perdurado hasta el día de hoy. [40] El estilo de vida psicodélico ya se había desarrollado en San Francisco desde aproximadamente 1964, y productos particularmente destacados de la escena fueron Grateful Dead , Country Joe and the Fish , Great Society y Jefferson Airplane . [39] [41] Los Byrds progresaron rápidamente desde el folk rock puro en 1966 con su sencillo " Eight Miles High ", [42] ampliamente tomado [¿ por quién? ] como una referencia al consumo de drogas.
El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. En Estados Unidos, el Summer of Love fue precedido por el evento Human Be-In y alcanzó su punto máximo en el Monterey Pop Festival , [43] este último ayudó a convertir en grandes estrellas estadounidenses a Jimi Hendrix y The Who, cuyo sencillo " I Can See for Miles " se adentraba en el territorio psicodélico. [44] Las grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y Strange Days de The Doors . [45] Estas tendencias alcanzaron su clímax en el Festival de Woodstock de 1969 , [46] que vio actuaciones de la mayoría de los principales grupos psicodélicos, pero a finales de la década el rock psicodélico estaba en retirada. The Jimi Hendrix Experience se disolvió antes del final de la década y muchos de los grupos supervivientes se alejaron de la psicodelia hacia un "rock de raíces" más básico, la experimentación más amplia del rock progresivo o el rock pesado cargado de riffs. [39]
A principios de los años 60, una de las formas más populares de rock and roll era el surf rock, que se caracterizaba por ser casi totalmente instrumental y por el uso intensivo de la reverberación en las guitarras . La reverberación de resorte que se utilizaba en los amplificadores Fender de la época, llevada al máximo volumen, producía un sonido de guitarra que brillaba con sustain y evocaba imágenes de olas y océanos.
Muchos piensan que "Movin' and Groovin" de Duane Eddy es el principal candidato para sentar las bases como el primer disco de surf rock, mientras que otros afirman que el género fue inventado por Dick Dale en " Let's Go Trippin' ", que se convirtió en un éxito en toda California . La mayoría de las primeras bandas de surf se formaron durante esta década en el área del sur de California . A mediados de la década de 1960, los Beach Boys , que usaban armonías pop complejas sobre un ritmo básico de surf rock, [47] habían surgido como el grupo de surf dominante y ayudaron a popularizar el género [48] en éxitos como Surfin' USA Además, bandas como The Ventures , The Shadows , The Atlantics , The Surfaris y The Champs también estuvieron entre las bandas de surf rock más populares de la década.
El garage rock era una forma cruda de música rock, particularmente frecuente en Norteamérica a mediados de los años 1960 y se llama así debido a la percepción de que muchas de las bandas ensayaban en un garaje familiar suburbano. [49] [50] Las canciones de garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, y las canciones sobre "chicas mentirosas" eran particularmente comunes. [51] Las letras y la entrega eran notablemente más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñonas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes como la influyente banda con sede en Washington, The Sonics. [49] Variaban desde música cruda de un solo acorde (como The Seeds ) hasta calidad de músico de estudio (incluidos Knickerbockers , The Remains y The Fifth Estate ). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes, particularmente en California y Texas. [51] Los estados del noroeste del Pacífico de Washington y Oregón tenían quizás el sonido regional más definido. [52]
El estilo había estado evolucionando desde las escenas regionales ya en 1958. " Louie Louie " de los Kingsmen (1963) es un ejemplo convencional del género en sus etapas formativas. En 1963, los sencillos de las bandas de garage se estaban infiltrando en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere and the Raiders (Boise), [53] los Trashmen (Minneapolis) [54] y los Rivieras (South Bend, Indiana). [55] En este período temprano, muchas bandas estaban fuertemente influenciadas por el surf rock y hubo una polinización cruzada entre el garage rock y el frat rock , a veces visto como un mero subgénero del garage rock. [56]
La invasión británica de 1964-66 influyó enormemente en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchas (a menudo grupos de surf o hot rod ) a adoptar un tono de invasión británica y alentó a muchos más grupos a formarse. [51] Miles de bandas de garage existían en los EE. UU. y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. [51] A pesar de que decenas de bandas firmaron con importantes o grandes sellos regionales, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que el garage rock alcanzó su apogeo tanto comercial como artístico alrededor de 1966. [51] Para 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local, ya que los músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el reclutamiento . [51] Habían evolucionado nuevos estilos para reemplazar al garage rock (incluido el blues-rock , el rock progresivo y el country rock ). [51] En Detroit, el garage rock se mantuvo vivo hasta principios de los años 70, con bandas como MC5 y Stooges , que emplearon un estilo mucho más agresivo. Estas bandas comenzaron a ser etiquetadas como punk rock y ahora a menudo se las considera proto-punk o proto- hard rock . [57]
El blues-rock estadounidense fue iniciado a principios de los años 1960 por el guitarrista Lonnie Mack , [58] pero el género comenzó a despegar a mediados de los años 1960 a medida que los grupos que le siguieron desarrollaron un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat , los primeros Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , la J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus power trios , la Jimi Hendrix Experience y Band of Gypsys , cuyo virtuosismo de la guitarra y su sentido del espectáculo estarían entre los más emulados de la década. [59] Las bandas de blues-rock como Allman Brothers Band , Lynyrd Skynyrd y eventualmente ZZ Top de los estados del sur, incorporaron elementos country a su estilo para producir un rock sureño distintivo . [60]
El rock de raíces es el término que se utiliza ahora para describir un alejamiento de los excesos de la escena psicodélica, hacia una forma más básica de rock and roll que incorporó sus influencias originales, en particular la música country y folk, lo que llevó a la creación del country rock y el rock sureño. [61] En 1966, Bob Dylan encabezó el movimiento cuando fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde . [62] Este, y los álbumes posteriores más claramente influenciados por el country, han sido vistos como creadores del género country folk , una ruta seguida por varios músicos folk, en su mayoría acústicos. [62] Otros actos que siguieron la tendencia de regreso a lo básico fueron el grupo The Band y Creedence Clearwater Revival , con sede en California , los cuales mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de finales de la década de 1960. [63] El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder , Bonnie Raitt y Lowell George , [64] e influyó en el trabajo de artistas consagrados como Beggar's Banquet (1968) de los Rolling Stones y Let It Be (1970) de los Beatles . [39]
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band , posiblemente el primer álbum de country rock verdadero . [65] Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. [65] Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para que se le uniera otro ex miembro de los Byrds, Chris Hillman, para formar los Flying Burrito Brothers , quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons se fuera para seguir una carrera en solitario. [65] El country rock fue particularmente popular en la escena musical californiana, donde fue adoptado por bandas como Hearts & Flowers , Poco y Riders of the Purple Sage , [65] Beau Brummels [65] y Nitty Gritty Dirt Band . [66] Varios intérpretes también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluidos: los Everly Brothers ; el ex ídolo adolescente Ricky Nelson, que se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith, que formó First National Band ; y Neil Young . [65] Los Dillards fueron, inusualmente, un acto country, que se inclinó hacia la música rock. [65] El mayor éxito comercial del country rock llegó en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt and the Eagles (compuesto por miembros de Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los actos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluían Hotel California (1976). [67]
Generalmente se piensa que los fundadores del rock sureño fueron los Allman Brothers Band , quienes desarrollaron un sonido distintivo, derivado en gran medida del blues rock , pero incorporando elementos de boogie , soul y country a principios de la década de 1970. [68] El acto más exitoso que los siguió fue Lynyrd Skynyrd , quien ayudó a establecer la imagen de "buen chico" del subgénero y la forma general del rock de guitarra de los años 70. [68] Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs , los Outlaws con más influencia country , Wet Willie con inclinación al jazz y (incorporando elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils . [68] Después de la pérdida de los miembros originales de los Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .38 Special , Molly Hatchet y Marshall Tucker Band . [68]
El rock progresivo, a veces usado indistintamente con rock artístico , fue un intento de ir más allá de las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. [69] Desde mediados de la década de 1960 , Left Banke , los Beatles, los Rolling Stones y los Beach Boys, habían sido pioneros en la inclusión de clavicordios , secciones de viento y cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco y se puede escuchar en sencillos como " A Whiter Shade of Pale " de Procol Harum (1967), con su introducción inspirada en Bach . [70] The Moody Blues usó una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente creó sonidos orquestales con sintetizadores . [69] La orquestación clásica, los teclados y los sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior. [71]
Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en la fantasía y la ciencia ficción . [72] SF Sorrow (1968) de Pretty Things y Tommy (1969) de The Who introdujeron el formato de las óperas rock y abrieron la puerta a los " álbumes conceptuales , que generalmente cuentan una historia épica o abordan un gran tema general". [73] El álbum debut de King Crimson de 1969, In the Court of the Crimson King , que mezclaba potentes riffs de guitarra y mellotron , con jazz y música sinfónica , a menudo se toma como la grabación clave en el rock progresivo, lo que ayudó a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas de blues-rock y psicodélicas existentes, así como entre los actos recién formados. [69]
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A principios de los años 1960, Chubby Checker popularizó la moda dance del Twist con su exitosa versión del éxito de R&B de Hank Ballard & the Midnighters " The Twist ". [47]
El Brill Building, en el 1619 de Broadway, en la ciudad de Nueva York, se convirtió en el centro de la industria musical estadounidense que dominó las listas de éxitos del pop a principios de los años 60, fomentando muchas colaboraciones prolíficas en la composición de canciones. Gerry Goffin y Carole King se convirtieron en un dúo muy influyente en la música pop, escribiendo numerosos éxitos número uno, incluida la primera canción en alcanzar el número uno por parte de un grupo de chicas, The Shirelles , " Will You Love Me Tomorrow " y el éxito número uno de 1962, " The Loco-Motion ", que fue interpretado por Little Eva . Otros éxitos incluyeron " Take Good Care of My Baby " ( Bobby Vee ), " Up on the Roof " ( The Drifters ), " I'm Into Something Good " (Herman's Hermits) y " One Fine Day " ( The Chiffons ). De la misma manera, la pareja de compositores Ellie Greenwich y Jeff Barry produjo una serie de canciones que llegaron a las listas de éxitos, entre ellas " Da Doo Ron Ron ", " Be My Baby ", " Then He Kissed Me " y " Leader of the Pack "; mientras que Barry Mann y Cynthia Weil estuvieron detrás de varios éxitos importantes de la época, entre ellos " You've Lost That Lovin' Feelin' ", cuya grabación por parte de los Righteous Brothers se convirtió en el disco más reproducido al aire en el siglo XX.
" Sugar, Sugar " se convierte en un gran éxito para The Archies , definiendo el género bubblegum pop .
Los Monkees fueron una banda creada para la televisión , inspirada en las payasadas de los Beatles en A Hard Day's Night. Por razones contractuales, al grupo no se le permitía tocar sus propios instrumentos, lo que dio lugar a muchas disputas entre los miembros de la banda y el supervisor musical, Don Kirshner .
Los Monkees y los Archies no eran los únicos; de hecho, no era inusual que las bandas no tocaran sus instrumentos en los discos. Productores como Mickie Most recurrían regularmente a músicos de sesión experimentados cuya disciplina les ayudaba a producir una serie de grabaciones comerciales con un sonido más ajustado en una sesión de estudio de tiempo limitado (normalmente tres horas).
Los estudios y productores experimentaban regularmente con cantantes y músicos de sesión para crear un éxito. Un ejemplo fue Ohio Express . Un sencillo de The Rare Breed, "Beg Borrow And Steal", fue elegido por una compañía de producción. Remezclaron la canción y acreditaron un nuevo sencillo a Ohio Express , un nombre que poseían por completo. Cuando se convirtió en un éxito, la compañía de producción reunió rápidamente una banda de gira (cuyos miembros se convirtieron en la identidad pública de la banda), mientras hacían sus grabaciones utilizando otros actos o colectivos de músicos de sesión cuando estaban disponibles.
Los años 60 estuvieron marcados por el triunfo y la tragedia. El género siguió ganando difusión a nivel nacional a través de las cadenas de televisión, con series semanales y programas de premios que ganaron popularidad. Las ventas de discos siguieron aumentando a medida que nuevos artistas y tendencias se hicieron presentes. Sin embargo, varias estrellas importantes murieron en circunstancias trágicas, incluidas varias que fallecieron en accidentes aéreos.
El estilo musical predominante durante la década fue el Nashville Sound , un estilo que enfatizaba las secciones de cuerdas, coros, voces principales y estilos de producción vistos en la música country. El estilo se había vuelto popular por primera vez a fines de la década de 1950, en respuesta a la creciente invasión del rock and roll en el género country, pero tuvo su mayor éxito en la década de 1960. Artistas como Jim Reeves , Eddy Arnold , Ray Price , Patsy Cline , Floyd Cramer , Roger Miller y muchos otros lograron un gran éxito a través de canciones como " He'll Have to Go ", " Danny Boy ", " Make the World Go Away ", " King of the Road " y " I Fall to Pieces ". [75] El estilo country-pop también fue evidente en el álbum de 1962 Modern Sounds in Country and Western Music , grabado por el cantante de rhythm and blues y soul Ray Charles . Charles grabó versiones de estándares tradicionales de música country, folk y clásica en estilos pop, R&B y jazz. El álbum fue aclamado como un éxito comercial y de crítica, y tendría una gran influencia en los estilos de música country posteriores. Las canciones del álbum que se lanzaron para su difusión comercial y ventas de discos incluyeron " I Can't Stop Loving You ", "Born to Lose" y " You Don't Know Me ". [76]
A finales de la década, el sonido de Nashville se volvió más pulido y simplificado, y se lo conoció como "countrypolitan". Tammy Wynette , Glen Campbell , Dottie West y Charley Pride se encontraban entre los principales artistas que adoptaron este estilo. Si bien George Jones , a principios de la década de 1960, uno de los creadores de éxitos más constantes de la música country, también grabó música de estilo countrypolitan, su trasfondo siguió siendo el honky tonk puro, cantando sobre el desamor y la soledad en muchas de sus canciones. Además, Marty Robbins demostró ser uno de los cantantes más diversos del género, cantando de todo, desde country puro hasta western, pop y blues... e incluso hawaiano.
Johnny Cash , que comenzó su carrera en Sun Records en la década de 1950 con éxitos como " I Walk The Line ", finalmente se convirtió en uno de los músicos más influyentes de la década de 1960 (y, finalmente, del siglo XX), y fue etiquetado como "El hombre de negro". Aunque grabó principalmente country, sus canciones y su sonido abarcaron muchos otros géneros, incluidos el rockabilly, el blues, el folk y el gospel. [77] Su música mostró una gran compasión por las minorías y otras personas que fueron rechazadas por la sociedad, incluidos los reclusos. Dos de los álbumes más exitosos de Cash fueron grabados en vivo en prisión: At Folsom Prison y At San Quentin .
Durante la segunda mitad de la década de 1960, Pride, oriundo de Sledge, Mississippi , se convirtió en la primera superestrella afroamericana de la música country, un género prácticamente dominado por artistas blancos. Algunos de sus primeros éxitos, cantados con una suave voz de barítono y en un estilo que mezclaba el honky-tonk y el countrypolitan, incluían "Just Between You and Me", "The Easy Part's Over", " All I Have to Offer You (Is Me) " y una versión de " Kaw-Liga " de Hank Williams . Pride siguió teniendo éxito durante más de 20 años, acumulando 29 éxitos que llegaron al número uno en la lista Billboard Hot Country Singles .
Un estilo emergente, que tuvo sus raíces en la década de 1950 pero explotó en la corriente principal durante la década de 1960, fue el " sonido Bakersfield ". En lugar de crear un sonido similar a la música pop convencional, el sonido Bakersfield utilizó el honky tonk como base y agregó instrumentos eléctricos y un ritmo de fondo, además de elementos estilísticos tomados del rock and roll. Buck Owens , Merle Haggard y Wynn Stewart fueron algunos de los principales artistas que adoptaron este sonido y, a fines de la década de 1960, se encontraban entre los artistas de música country con mayores ventas.
La década de 1960 también marcó el ascenso de un joven compositor de Abbott, Texas, llamado Willie Nelson . Comenzó como disc jockey a fines de la década de 1950, comenzó a perfeccionar su oficio y escribió su primer éxito, " Family Bible ", cuyos derechos vendió al instructor de guitarra Paul Buskirk antes de que finalmente se convirtiera en un éxito para Claude Gray en 1960. A principios de 1961, la composición de Nelson estaba ganando atención nacional, ya que varias de sus canciones se convirtieron en estándares del country: " Funny How Time Slips Away ", " Hello Walls ", " Pretty Paper ", " Night Life " y " Crazy "... todas ellas para otros artistas, incluidos, respectivamente, Billy Walker, Faron Young, Roy Orbison, Ray Price y Patsy Cline. Grabó un álbum, ...And Then I Wrote , y finalmente firmó con RCA Records, pero durante la mayor parte de la década de 1960, la mayoría de sus lanzamientos de sencillos fueron éxitos de mitad de lista en el mejor de los casos; Su carrera discográfica no llegaría a su pleno desarrollo hasta mediados de la década de 1970, después de que se asociara con el movimiento outlaw .
Entre las artistas femeninas, las más exitosas fueron Loretta Lynn , Tammy Wynette y Dolly Parton . Lynn, oriunda de Butcher Hollow, Kentucky , y de hecho hija de un minero de carbón, conseguiría, con la ayuda de su esposo, Oliver "Doolittle" Lynn , un contrato discográfico con Zero Records en 1960, y aunque solo su primer sencillo ("Honky Tonk Girl") de sus lanzamientos de principios de los 60 llegó a las listas, sus primeras grabaciones fueron el trampolín para cosas mucho más grandes y mejores que vendrían. En la segunda mitad de la década, y hasta los años 70, grabó canciones que desafiaban el estereotipo de la mujer que tenía que soportar a los hombres, su consumo excesivo de alcohol, sus aventuras amorosas y otros rasgos negativos (por ejemplo, " Don't Come Home A-Drinkin' (With Lovin' on Your Mind) "), así como canciones que empujaban los límites conservadores del género ("Dear Uncle Sam", una canción sobre la guerra de Vietnam) y su voluntad de enfrentarse a otras mujeres (" You Ain't Woman Enough (To Take My Man) ").
Parton, oriunda de la ciudad de Locust Ridge, Tennessee , en las Montañas Humeantes , ganó exposición nacional en el programa The Porter Wagoner Show , en el que comenzó a aparecer en 1967. Dos años antes, había firmado un contrato de grabación con Monument Records y fue promocionada como cantante de pop chicle, pero solo tuvo un éxito menor antes de que una de sus composiciones, "Put It Off Until Tomorrow", se convirtiera en un gran éxito para Bill Phillips (una canción en la que Parton proporcionó coros) en 1966. Con el tiempo, su estilo country biográfico con influencias montañosas y su personalidad hogareña ganaron muchos fanáticos, y su poder de estrella solo comenzaría a aumentar. Sus primeros grandes éxitos fueron principalmente duetos con Wagoner, aunque también tuvo varios éxitos en solitario, incluido su gran éxito, "Dumb Blonde".
Wynette ganó reconocimiento con perspectivas únicas sobre los temas clásicos de la soledad, el divorcio y las dificultades de la vida y las relaciones, ilustradas por canciones como " I Don't Wanna Play House " y " DIVORCE ". Sin embargo, fue " Stand By Your Man ", una canción que promete fidelidad inquebrantable y apoyo a los hombres a pesar de sus defectos, la que le dio a Wynette el éxito de su carrera. A fines de la década de 1960, estaba casada con el también cantante de música country George Jones .
Entre otras debutantes femeninas, Connie Smith fue una de las más exitosas, ya que su éxito " Once a Day " pasó ocho semanas en el número 1 de la lista Billboard Hot Country Singles a fines de 1964 y principios de 1965, el tema que más tiempo se mantuvo en la cima de la lista en casi 50 años. Durante una carrera que duró más de 50 años, las canciones de Smith a menudo exploraron temas de soledad y vulnerabilidad.
Además del programa sindicado The Porter Wagoner Show , se produjeron varios otros programas de televisión para permitir que la música country llegara a un público más amplio, como The Jimmy Dean Show a mediados de la década. A fines de la década, Hee Haw comenzó una carrera de 23 años, primero en CBS y luego en sindicación; Hee Haw , presentado por Owens y Roy Clark, se basó vagamente en la serie de comedia Rowan & Martin's Laugh In , e incorporó comedia junto con actuaciones del elenco del programa o artistas invitados del campo de la música country. Los programas de premios de la Academia de Música Country y la Asociación de Música Country se transmitieron por primera vez a fines de la década de 1960.
La década de 1960 estuvo marcada por la tragedia. Johnny Horton , que cantaba al estilo de las canciones de saga, murió en un accidente automovilístico en 1960. Un accidente aéreo el 5 de marzo de 1963 se cobró las vidas de Patsy Cline , Cowboy Copas y Hawkshaw Hawkins . Días después, Jack Anglin murió en un accidente automovilístico, mientras que Texas Ruby murió en el incendio de un remolque en Texas. En julio de 1964, Jim Reeves perdió la vida mientras pilotaba un avión cerca de Brentwood, Tennessee . Ira Louvin (la mitad de los Louvin Brothers) murió en un accidente automovilístico en 1965. El éxito superó varias de esas trágicas muertes, ya que tanto Cline como Reeves tuvieron muchos éxitos póstumos (con canciones previamente grabadas publicadas después de sus muertes) y disfrutaron de un gran número de seguidores durante muchos años, mientras que el hermano de Louvin, Charlie , continuó como un exitoso artista solista durante más de 40 años. Otras estrellas pioneras que murieron durante la década de 1960 incluyeron a AP Carter , Gid Tanner , Moon Mullican , Ernest "Pop" Stoneman , Red Foley , Leon Payne y Spade Cooley .
En los años 60 se inició una tendencia hacia la proliferación de éxitos número uno en la lista Billboard Hot Country Singles, gracias a los métodos de recopilación de datos en constante cambio. Cuando comenzó la década de 1960, solo había cuatro canciones número uno encabezando la lista (cinco, si se cuenta " El Paso " de Marty Robbins), pero a mediados de los años 60, siempre había al menos una docena de canciones encabezando la lista anualmente. En 1967, hubo más de 20 canciones que alcanzaron el primer puesto por primera vez en un solo año calendario... y esa cifra solo seguiría aumentando durante los siguientes 20 años.
Hacia finales de la década, las tendencias de moda modernas comenzaron a abrirse camino en los círculos de la música country. Esto se inspiró específicamente en una canción, " Harper Valley PTA ", escrita por el cantautor Tom T. Hall sobre una madre viuda que usaba minifalda y cuya hija era criticada por los funcionarios de la escuela local por supuestamente dar un mal ejemplo a su hija. La canción fue grabada por una joven secretaria llamada Jeannie C. Riley , quien desarrolló una personalidad mod en relación con la canción al actuar en el escenario con faldas cortas y botas go-go . Otras artistas country femeninas comenzaron a seguir su ejemplo en los años siguientes, apareciendo también en el escenario con minifaldas y minivestidos. La canción llegó a las listas de éxitos de country y pop en 1968; y hasta el día de hoy, "Harper Valley PTA" sigue siendo la canción más solicitada en los conciertos de Riley.
Fue la atención al detalle en canciones como "Harper Valley PTA" lo que convirtió a Hall en uno de los compositores más reconocidos del género, a partir de mediados de la década de 1960, y le valió el apodo de "The Storyteller". Sus primeros éxitos fueron como compositor, con " Hello Vietnam ", grabada por Johnnie Wright (marido de Kitty Wells ), que se convirtió en el primer sencillo número uno de Hall como compositor en 1965. A fines de la década de 1960, Hall comenzó a tener éxitos propios, con canciones como " The Ballad Of Forty Dollars " y "Homecoming", que se convirtieron en éxitos del top 10 y mostraron su talento para contar historias, y ese éxito continuó durante la década de 1970 y la de 1980.
Este estilo musical brasileño, que significa "Nueva Tendencia", tuvo sus orígenes en los barrios de clase alta de Río de Janeiro . Inmensamente popular a principios de la década de 1960, fue una fusión de samba y jazz fresco. Antonio Carlos Jobim , João Gilberto , Astrud Gilberto y Vinicius de Moraes se convirtieron en algunos de los artistas más conocidos del movimiento Bossa Nova. The Girl From Ipanema de este último , lanzado en 1964, se convirtió en la primera canción de Bossa Nova en lograr aclamación internacional. En 1965, ganó un premio Grammy al Mejor Disco del Año . Otro grupo destacado de pop latino fue Sergio Mendes and Brazil '66. Sus canciones incluían Más Que Nada, The Joker y Agua de Beber. En 1966, el grupo fue nominado a un premio Grammy a la Mejor Interpretación de un Dúo o Grupo Musical. Finalmente se convirtieron en Sergio Mendes and Brazil '77, y continuaron tocando su estilo de pop latino en esa década.
Otro compositor Armando Manzanero, considerado ampliamente como el principal compositor romántico mexicano de la posguerra y uno de los compositores más exitosos de América Latina, ha compuesto más de cuatrocientas canciones, cincuenta de las cuales le han dado fama internacional. Entre sus canciones más famosas se encuentran Voy a apagar la luz, Contigo aprendí, Adoro, No sé tú, Por debajo de la mesa, Esta tarde vi llover, Somos novios, Felicidad y Nada personal.
Algunos tríos románticos de renombre fueron el Trío Los Panchos , Los Tres Ases, Los Tres Diamantes y Los Dandys. Trio Bolero, un conjunto único de dos guitarras y un violonchelo. Otros cantantes en el canto de boleros en México son Óscar Chávez , José Ángel Espinoza y Álvaro Carrillo .
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Fue durante los años 60 que la música rock comenzó a ganar aclamación en América Latina. En América del Sur de habla hispana, los músicos que adoptaron el rock de inspiración estadounidense y británica, principalmente rock and roll , twist y música de la Invasión Británica , fueron etiquetados colectivamente como Nueva ola (español para "New Wave"). Argentina, que tenía sus propias bandas y artistas inspirados en el rock and roll y la Invasión Británica , Sandro de América , Sandro y Los de Fuego , Johnny Allon , Los Gatos Salvajes , Los Beatniks , Los Buhos, entre otros, sufrió la Invasión Uruguaya , una serie de bandas de rock inspiradas en la Invasión Británica de Montevideo que se mudaron a Buenos Aires y pronto se hicieron populares en Argentina Los Shakers , Los Mockers , Los Iracundos . La música rock durante los años 60 todavía se cantaba en gran parte en inglés, pero algunas bandas como Los Mac's y otras mencionadas anteriormente también usaban español para sus canciones. [78] Durante la década de 1960, la mayor parte de la música producida en México consistía en versiones en español de éxitos del rock and roll en inglés. Cantantes y grupos musicales como Angélica María , César Costa y Enrique Guzmán interpretaron versiones de canciones de Elvis Presley , Nancy Sinatra , Paul Anka y otros.
Durante la década de 1960 surge la Nueva Canción y comienza a expandir su influencia. Este desarrollo es iniciado por los chilenos Violeta Parra y Víctor Jara, quienes basan muchas de sus canciones en el folclore, especialmente la cueca . La Nueva Canción se difunde rápidamente por toda América Latina y se relaciona estrechamente con los movimientos de la Nueva Izquierda y la Teología de la Liberación . En la España de Francisco Franco, Joan Manuel Serrat alcanza una notoriedad generalizada como exponente de la Nueva Canción y de la oposición política.
Aunque la música salsa comenzó a tomar forma en una escena de Nueva York dominada por cubanos y otras comunidades latinoamericanas, la salsa no se haría popular en toda América Latina hasta finales de la década de 1980 y está aquí hoy.
Astor Piazzolla ganó el Primer Festival Iberoamericano de Música en 1966 con la canción "Balada para un loco", que lo lanzó al mundo presentando su estilo Nuevo Tango Nuevo Tango.
La música cebolla , un estilo musical cargado de sentimentalismo, tuvo su apogeo en Chile a pesar de ser ridiculizada o ignorada por los medios masivos. [79]
En la década de 1960, se produjo un creciente interés por la manera en que la música electrónica podía resolver problemas compositivos y otros más prácticos. Los compositores también absorbían ideas del extranjero, como la indeterminación y la música electroacústica, y las interpretaban en un contexto australiano ante respuestas diversas del público local.
A principios de la década, Bruce Clarke comenzó a experimentar con el nuevo sintetizador Moog . Una huelga de músicos lo llevó a crear una banda sonora completamente electrónica para un anuncio de cigarrillos en 1963. Cineastas innovadores, como Arthur Cantrill y Dušan Marek, emplearon manipulación de cintas, tocadiscos y técnicas instrumentales extendidas para crear bandas sonoras para sus cortometrajes. Val Stephen, un médico aficionado declarado de Melbourne, se convirtió en el primer australiano en lanzar música electrónica a nivel internacional.
Tras trabajar entre la vanguardia musical de París, el regreso de Keith Humble a Australia contribuyó a alentar a las instituciones educativas a tomar en serio la música electrónica. El trabajo experimental más notable de Humble fue su serie Nunique. Estos vastos eventos multimedia incluían actuaciones simultáneas de bandas de rock, cuartetos de cuerda y conjuntos teatrales, todo ello siguiendo diagramas de flujo precisos.
En 1966, Humble fundó la Sociedad para la Interpretación Privada de Nueva Música, con sede en Melbourne, que ofrecía un espacio de apoyo para jóvenes innovadores, tanto dentro como fuera de la academia. Entre ellos se encontraba el trío McKimm/Rooney/Clayton, que, desde 1964, había estado incorporando partituras gráficas y aspectos del serialismo a la improvisación del jazz . El jazz se estaba radicalizando en los márgenes: John Sangster exploró conceptos de free jazz y Charlie Munro incorporó elementos musicales orientales. Syd Clayton dejaría atrás el jazz en busca de una nueva forma de teatro musical experimental que incorporara operaciones aleatorias junto con deportes y juegos como estructuras musicales.
Surgieron compositores jóvenes, como David Ahern , inspirados inicialmente por ideas de la vanguardia europea y aplicándolas a íconos australianos, como el Capitán Cook y Ned Kelly . Ahern viajaría a Europa más tarde en la década de 1960, donde conoció a Stockhausen y Cardew , antes de regresar a casa con ideas más radicales que cuestionaban las premisas mismas del compositor y la música en sí.
Es difícil determinar el impacto duradero de la música de los años 60 en la cultura popular. Una encuesta europea de 2010 realizada por la emisora digital Music Choice , en la que se entrevistó a más de 11.000 participantes, calificó la década bastante mal, ya que solo el 19% la declaró como la mejor década musical de los últimos 50 años [80] , mientras que los participantes de una encuesta realizada por teléfono fijo en Estados Unidos calificaron la década de 1960 un poco mejor, ya que el 26% la declaró como la mejor década de la música [81] .
La canción Vivo cantando fue ganadora conjunta del Festival de la Canción de Eurovisión con " Boom Bang-a-Bang " del Reino Unido interpretada por Lulu , " De troubadour " de Lenny Kuhr en representación de los Países Bajos y " Un jour, un enfant " cantada por Francia por Frida Boccara . Fue la segunda canción ganadora de España en el concurso y la última hasta la fecha. [ cita requerida ]
