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La edad de oro de la animación estadounidense fue un período en la historia de la animación estadounidense que comenzó con la popularización de los dibujos animados sincronizados con sonido en 1928 y terminó gradualmente en la década de 1960, cuando los cortometrajes animados teatrales comenzaron a perder popularidad ante el nuevo medio de la televisión. Los medios animados posteriores a la edad de oro, especialmente en televisión , se produjeron con presupuestos más económicos y con técnicas más limitadas entre fines de la década de 1950 y la década de 1980. [1]
En este período surgieron muchos personajes de dibujos animados populares y famosos, entre ellos:
A lo largo de estas cuatro décadas, la calidad de los medios lanzados a lo largo de la edad de oro a menudo ha sido debatida. El apogeo de esta era generalmente citado como durante las décadas de 1930 y 1940, atribuido a la carrera teatral de estudios como Walt Disney Animation Studios , Warner Bros. Cartoons , Metro-Goldwyn-Mayer Cartoons , Paramount Cartoon Studios , Walter Lantz Productions , Terrytoons y Fleischer Studios . En décadas posteriores, es decir, entre las décadas de 1950 y 1960, la era a veces se divide en una "edad de plata" debido al surgimiento de estudios como UPA , DePatie-Freleng Enterprises , Hanna-Barbera Cartoons y Jay Ward Productions ; la presencia de estas empresas en la industria crecería significativamente con el auge de la televisión después de la conclusión de la edad de oro. [2] [3] Además, la historia de la animación se volvió muy importante artísticamente en los Estados Unidos . [4]
La animación de largometrajes comenzó durante este período, sobre todo con las películas de la "era Walt" de Disney, [5] [6] que abarcan desde Blancanieves y los siete enanitos de 1937 y Pinocho de 1940 hasta El libro de la selva de 1967 y Los Aristogatos de 1970 (las últimas películas animadas producidas antes de su muerte en 1966). [7] [2] Durante este período, se realizaron varias películas de acción real que incluían animación, como Saludos Amigos (1942), Levan anclas (1945), Canción del sur (1946), Peligroso cuando está mojado (1953), Mary Poppins (1964) y Bedknobs and Broomsticks (1971), siendo esta última la última película cinematográfica en recibir un premio de la Academia por sus efectos especiales animados. [8] [9] Además, también se desarrolló la animación stop motion y los efectos especiales , con películas como King Kong (1933), La bestia de las 20.000 brazas (1953), Hansel y Gretel: una fantasía operística (1954), Planeta prohibido (1956), El séptimo viaje de Simbad (1958), Jasón y los argonautas (1963) y 2001: una odisea del espacio (1968). [10]
La animación también comenzó en televisión durante este período con Crusader Rabbit (la primera serie animada transmitida en 1948 ) y las primeras versiones de Rocky y Bullwinkle (1959), ambas de Jay Ward Productions. [11] El auge de la animación televisiva a menudo se considera un factor que aceleró el final de la edad de oro. [1] Sin embargo, varios autores incluyen las primeras series animadas de Hanna-Barbera hasta 1962 como parte de la edad de oro, con programas como Ruff y Reddy (1957), Huckleberry Hound (1958), Quick Draw McGraw (1959), Los Picapiedra (1960), El oso Yogi (1961), Top Cat (1961), Wally Gator (1962) y Los Supersónicos (1962). [12] [13] [14] Varias de estas series animadas fueron las primeras en ganar premios Emmy por su contribución a la televisión estadounidense. [15] Otras producciones de Hanna-Barbera relacionadas con la época dorada fueron las animaciones teatrales con Columbia Pictures , como Loopy De Loop (1959) y los largometrajes estrenados entre 1964 y 1966. [16]
Walt Disney había decidido convertirse en dibujante de periódicos dibujando caricaturas políticas y tiras cómicas. [17] Sin embargo, nadie contrataba a Disney, por lo que su hermano mayor Roy , que trabajaba como banquero en ese momento, le consiguió un trabajo en el Pesmen-Rubin Art Studio, donde creaba anuncios para periódicos, revistas y cines. [18] Aquí conoció a su compañero dibujante Ub Iwerks , los dos rápidamente se hicieron amigos y en enero de 1920, cuando expiró su tiempo en el estudio, decidieron abrir juntos su propia agencia de publicidad llamada Iwerks-Disney Commercial Artists. [19] Sin embargo, el negocio tuvo un comienzo difícil y Walt se fue temporalmente a Kansas City Film and Ad Co. para recaudar dinero para la fugaz empresa e Iwerks pronto lo siguió, ya que no podía dirigir el negocio solo. [20]
Mientras trabajaba allí, hizo comerciales para teatros locales usando animación recortada rudimentaria . Disney quedó fascinado por el arte y decidió convertirse en animador. [21] Luego tomó prestada una cámara del trabajo y alquiló un libro de la biblioteca local llamado Dibujos animados: cómo se hacen, su origen y desarrollo por Edwin G. Lutz y decidió que la animación cel produciría una mejor calidad y decidió abrir su propio estudio de animación. [22] Luego, Disney se asoció con Fred Harman e hizo su primera película, The Little Artist, que no era más que un artista (Disney) tomando un descanso para fumar en su escritorio de trabajo. Harman pronto abandonó la empresa, pero Disney pudo llegar a un acuerdo con el dueño del cine local Frank L. Newman y animó una caricatura completamente por sí mismo titulada Newman Laugh-O-Grams que se estrenó aproximadamente en febrero de 1921. [23] [24] Walt luego dejó su trabajo en la compañía de cine y publicidad e incorporó Laugh-O-Gram Films en mayo de 1922, y contrató a antiguos colegas publicitarios como "estudiantes" no remunerados de animación, incluidos Ub Iwerks y el hermano de Fred Harman, Hugh Harman . [25]
A lo largo de 1922, la compañía Disney produjo una serie de adaptaciones "modernizadas" de cuentos de hadas, entre ellos Caperucita Roja , Los cuatro músicos de Bremen , Jack y las habichuelas mágicas , Jack el matagigantes , Ricitos de oro y los tres osos , El gato con botas , La Cenicienta y El diente de Tommy Tucker , siendo esta última principalmente una película de acción real sobre la higiene dental. Ninguna de estas películas generó ganancias. [26] La última película realizada por la compañía Disney fue un cortometraje llamado El país de las maravillas de Alicia . Inspirado vagamente en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll ; el corto presentaba a una niña de cinco años de acción real llamada Alicia ( Virginia Davis ) que tenía aventuras en un mundo completamente animado. Sin embargo, la película nunca estuvo completamente completa ya que el estudio se declaró en quiebra en el verano de 1923. [25] [27]
Tras el cierre de Laugh-O-Grams, Walt Disney trabajó como cineasta independiente antes de vender su cámara por un billete de ida a Los Ángeles. [28] Una vez que llegó, se mudó con su tío Robert y su hermano Roy, que se estaba recuperando en un hospital gubernamental cercano de la tuberculosis que había sufrido durante la guerra. [29] Después de no conseguir un trabajo como director de películas de acción real, envió el rollo inacabado de Alicia en el país de las maravillas a la distribuidora de cortometrajes Margaret J. Winkler de Winkler Pictures en Nueva York. Winkler distribuía las caricaturas de Félix el gato y Out of the Inkwell en ese momento, pero los hermanos Fleischer estaban a punto de irse para establecer su propia compañía de distribución, Red Seal Films , y el productor de Félix, Pat Sullivan, estaba constantemente peleando con Winkler; por lo tanto, Winkler aceptó distribuir las Comedias de Alicia de Disney como una especie de póliza de seguro. [30]
Una vez que Walt Disney recibió la notificación el 15 de octubre, convenció a Roy para que abandonara el hospital y lo ayudara a montar su negocio. [31] Al día siguiente, el 16 de octubre de 1923, Disney Bros. Cartoon Studio abrió sus puertas en una pequeña oficina alquilada a dos cuadras de la casa de su tío con Roy administrando el negocio y Walt manejando los asuntos creativos. [30] Convenció a los padres de Virginia Davis, lo que provocó que el primer corto oficial de Alice , Alice's Day at Sea , se lanzara el 1 de enero de 1924; se retrasó once días. [30] Ub Iwerks fue recontratado en febrero de 1925 y la calidad de la animación de la serie Alice mejoró; Esto impulsó a Hugh Harman, Rudolf Ising y Carman Maxwell a seguir a Disney al oeste en junio de 1925. [32] [33] En esa época, Davis fue reemplazada por Maggie Gay y las caricaturas comenzaron a centrarse menos en las escenas de acción en vivo y más en las escenas completamente animadas, particularmente aquellas con el compañero mascota de Alicia, Julius , que tenía un parecido asombroso con Félix el Gato. [34] En febrero de 1926, Disney construyó un estudio más grande en 2719 Hyperion Avenue y cambió el nombre de la compañía a Walt Disney Cartoons. [35] [36]
En noviembre de 1923, Winkler se casó con Charles Mintz y le entregó el negocio cuando ella quedó embarazada unos meses después. [37] [38] Mintz fue descrito a menudo como un tirano fumador empedernido, frío, severo y despiadado; un empleado lo recordó como "un hombre de rostro sombrío, con un par de ojos fríos brillando detrás de los quevedos" y "nunca hablaba con el personal. Nos miraba como un almirante inspeccionando una fila de postes". [39] Mientras que Winkler había ofrecido críticas amables y aliento, Mintz se comunicó con Disney en un tono duro y cruel. [38] [40] En 1927, Mintz ordenó a Disney que dejara de producir comedias de Alicia debido a los costos de combinar acción en vivo y animación.
Mintz logró un acuerdo de distribución con Universal Studios ; sin embargo, fue Mintz, no Disney, quien firmó el acuerdo. Disney y el animador principal Ub Iwerks crearon a Oswald el conejo afortunado , que debutó en el corto Trolley Troubles en 1927. La serie de Oswald fue un éxito y se convirtió en el primer éxito del estudio Walt Disney.
En la primavera de 1928, Disney viajó a Nueva York para pedirle a Mintz un aumento de presupuesto. Su petición fue denegada con dureza por Mintz, quien señaló que en el contrato que Mintz había firmado con Universal, era Universal, no Disney, la que poseía los derechos del personaje. Mintz reveló a Disney que había contratado a la mayoría de su personal fuera del estudio (excepto a Ub Iwerks, Les Clark y Wilfred Jackson, que se negaron a irse) y amenazó con que, a menos que aceptara una reducción del presupuesto del 20 por ciento, abandonaría Disney y continuaría con la serie de Oswald por sí mismo. Walt se negó, y Winkler Pictures abandonó su distribución.
Mientras Disney terminaba las caricaturas restantes para Mintz, Disney y su personal idearon en secreto un nuevo personaje de caricatura para reemplazar a Oswald: Mickey Mouse .
La inspiración para Mickey nunca ha sido clara. Walt Disney dijo que se le ocurrió la idea en el viaje en tren de regreso a Los Ángeles poco después del enfrentamiento con Mintz, pero otros registros dicen que se le ocurrió la idea después de regresar al estudio. Walt Disney dijo una vez que se inspiró en un ratón mascota que alguna vez tuvo en el antiguo estudio Laugh-O-Grams, pero lo más común es que dijo que eligió un ratón porque un ratón nunca antes había sido el personaje central de una serie de dibujos animados.
En 1928, Plane Crazy se convirtió en la primera entrega de la serie de Mickey Mouse; sin embargo, no se estrenó debido a una mala reacción en las proyecciones de prueba y no logró conseguir un distribuidor. La segunda caricatura de Mickey Mouse, The Gallopin' Gaucho, tampoco logró atraer la atención de la audiencia y un distribuidor. Disney sabía lo que faltaba: sonido. Las películas sonoras habían cautivado al público desde 1927 con The Jazz Singer y Walt decidió que la siguiente caricatura, Steamboat Willie , tendría sonido. Steamboat Willie no fue la primera caricatura sonora, Max y Dave Fleischer habían producido Song Car-Tunes desde 1926 después del estreno de la película sonora Don Juan . Sin embargo, no lograron mantener el sonido sincronizado con la animación y el foco principal de las caricaturas eran las canciones de pelotas que rebotaban . Las Song Car-Tunes no fueron un éxito y algunos miembros del personal dudaron de que una caricatura con sonido tuviera éxito. Entonces Disney organizó una proyección previa especial con la música y los efectos de sonido que se reprodujeron en vivo detrás del escenario a través de un micrófono. La proyección de prueba de Steamboat Willie fue un éxito y consiguió un distribuidor, el director de Celebrity Pictures, Pat Powers . Sin embargo, el primer intento de sincronizar el sonido con la animación fue un desastre, ya que el tiempo no era el adecuado. Para financiar la segunda grabación, Walt vendió su coche. Esta vez utilizó una pista de clic para mantener a sus músicos al ritmo (Disney se enteró más tarde de que era más fácil grabar primero el diálogo, la música y los efectos de sonido y animar con el sonido). Poco más de un mes antes del estreno de Steamboat Willie , Paul Terry estrenó su dibujo animado sonoro Dinner Time ; sin embargo, no fue un éxito financiero y Walt Disney lo describió como "un montón de ruido".
Steamboat Willie se estrenó el 18 de noviembre de 1928 y fue un gran éxito. Disney rápidamente ganó un gran dominio en el campo de la animación utilizando sonido en sus futuros dibujos animados al doblar Plane Crazy , The Gallopin' Gaucho y la casi terminada The Barn Dance . La popularidad de Mickey Mouse colocó al personaje animado en las filas de las personalidades de pantalla más populares del mundo. El mayor competidor de Disney, Pat Sullivan con su Felix the Cat , fue eclipsado por la popularidad de Mickey y el estudio cerró en 1932.
El merchandising basado en dibujos animados de Disney rescató a varias empresas de la bancarrota durante lo peor de la Depresión, y Disney aprovechó esta popularidad para seguir adelante con nuevas innovaciones en animación. En 1929, lanzó una nueva serie titulada Silly Symphonies , que se basaba en la música y no tenía personajes recurrentes. Sin embargo, no se volvieron tan populares como la serie de dibujos animados de Mickey Mouse.
En 1930, tras un desacuerdo con Powers, Disney cambió de distribuidor a Columbia Pictures . Sin embargo, Ub Iwerks dejó Walt Disney tras una oferta de Powers para hacerse cargo de su propio estudio. [41]
En 1932, Mickey Mouse se había convertido en una sensación internacional, pero las Sinfonías tontas no. Columbia Pictures se había retirado de su distribución de la serie y Disney se vio atraído a trasladar las Sinfonías tontas a United Artists mediante un aumento de presupuesto. Walt Disney luego trabajó con la compañía Technicolor para crear la primera caricatura en color de tres tiras , Flores y árboles . Otro gran éxito, se convirtió en la primera caricatura en ganar el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación. Poco después, Disney negoció un acuerdo exclusivo, pero temporal, con Technicolor para que solo él pudiera usar el proceso de tres tiras en películas animadas; ningún otro estudio podía usarlo. [42] [43] Sin embargo, se abstuvo de hacer Mickey Mouse en color porque pensó que Technicolor podría impulsar la popularidad de las Sinfonías tontas .
En 1932, Walt Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente apasionantes que atraparan a la audiencia y no la soltaran. [44] [45] Esta comprensión condujo a una innovación importante alrededor de 1932-1933: un "departamento de historia", separado de los animadores, con artistas de guiones gráficos que se dedicarían a trabajar en una fase de "desarrollo de la historia" del proceso de producción. [46] A su vez, el énfasis continuo de Disney en el desarrollo de la historia y la caracterización resultó en otro éxito en 1933: Los tres cerditos , que se considera la primera caricatura en la que varios personajes mostraron personalidades únicas e individuales y todavía se considera el corto animado más exitoso de todos los tiempos, [47] y también presentó la exitosa canción que se convirtió en el himno en la lucha contra la Gran Depresión : " ¿Quién le teme al lobo feroz ?". [48] En la serie de Mickey Mouse, continuó agregando personalidad a sus personajes; Esto resultó en la creación de nuevos personajes como Pluto con The Chain Gang en 1930, Goofy con Mickey's Revue en 1932 y Donald Duck en 1934 con The Wise Little Hen (bajo la serie Silly Symphony ). Cuando el contrato de Disney con Technicolor expiró, la serie de Mickey Mouse se trasladó a Technicolor comenzando con The Band Concert en 1935. Además, Mickey fue parcialmente rediseñado para Technicolor más tarde ese año. [49] En 1937, Disney inventó la cámara multiplano , que dio una ilusión de profundidad al mundo animado. La utilizó por primera vez en la caricatura ganadora del premio de la Academia Silly Symphony The Old Mill . [50] Gran parte del trabajo de Disney estuvo fuertemente influenciado por historias y mitos europeos, y el trabajo de ilustradores como Doré y Busch . También en 1937, Disney cambió de distribuidor de las Sinfonías tontas a RKO Radio Pictures , permaneciendo con este distribuidor hasta principios de la década de 1950, cuando fueron reeditadas y relanzadas por la nueva compañía de distribución de Disney, Buena Vista Distribution .
En 1937, Walt Disney produjo Blancanieves y los siete enanitos , la primera película animada musical de fantasía estadounidense de largometraje. Esta fue la culminación de cuatro años de esfuerzo por parte de los estudios Disney. Walt Disney estaba convencido de que los dibujos animados cortos no mantendrían su estudio rentable a largo plazo, por lo que tomó lo que se consideró una enorme apuesta. Los críticos predijeron que Blancanieves resultaría en la ruina financiera para el estudio. Dijeron que los colores serían demasiado brillantes para la audiencia y que se cansarían de los gags y se irían. [51] Sin embargo, los críticos se equivocaron. Blancanieves fue un éxito de taquilla mundial y fue aclamada universalmente como un hito en el desarrollo de la animación como una forma de arte seria. [52]
Después del éxito de Blancanieves , Disney produjo Pinocho , que se estrenó en 1940. Sin embargo, al costar el doble de dinero que Blancanieves , Pinocho no fue un éxito financiero, ya que la Segunda Guerra Mundial (que comenzó en Europa en 1939) había cortado el 40% del mercado de estrenos en el extranjero de Disney. Aunque fue un éxito moderado en los Estados Unidos, la recaudación nacional por sí sola no fue suficiente para recuperar su presupuesto de producción. Sin embargo, la película recibió críticas muy positivas y ha ganado millones con relanzamientos posteriores. Más tarde ese año, Disney produjo Fantasía . Originalmente comenzó con la caricatura de Mickey Mouse El aprendiz de brujo en un intento de recuperar la popularidad de Mickey, que había disminuido drásticamente debido a la popularidad de Popeye de Max Fleischer y el Pato Donald de Disney . [53] [54] En El aprendiz de brujo , Mickey Mouse fue rediseñado por Fred Moore . Este rediseño de Mickey todavía se usa hoy en día. [49] El corto no tenía diálogos, solo música dirigida por Leopold Stokowski . Cuando el presupuesto para el corto se volvió muy caro, Stokowski le sugirió a Disney que podría ser un largometraje con otras piezas de música clásica combinadas con animación. Disney estuvo de acuerdo y comenzó la producción. Fantasía también se convertiría en la primera película comercial en estrenarse con sonido estereofónico . Sin embargo, al igual que Pinocho , Fantasía no fue un éxito financiero. Fantasía también fue la primera película de Disney que no fue bien recibida, recibiendo críticas mixtas de los críticos. Fue menospreciada por los críticos musicales y el público, que sentían que Walt Disney se esforzaba por algo más allá de su alcance al tratar de introducir la animación convencional en el arte abstracto, la música clásica y los temas de "élite". Sin embargo, la película sería reevaluada en años posteriores y considerada una obra maestra animada. [55]
En 1941, para compensar la relativa mala taquilla de Pinocho y Fantasía , Disney produjo un largometraje de bajo presupuesto, Dumbo . Apenas unos días después de que se completara la animación preliminar de Dumbo , estalló la huelga de animadores de Disney . Esto fue causado por el Screen Cartoonist's Guild (que se había formado en 1938), que cortó muchos lazos entre Walt Disney y su personal, al tiempo que alentaba a muchos miembros del estudio Disney a irse y buscar pastos más verdes. Más tarde ese año, Dumbo se convirtió en un gran éxito, el primero para Disney desde Blancanieves . La película aclamada por la crítica generó ingresos muy necesarios y mantuvo al estudio a flote. Unos meses después del estreno de Dumbo en 1941, Estados Unidos entró en la guerra después del ataque a Pearl Harbor . Esto llevó a la movilización de todos los estudios cinematográficos (incluidas sus divisiones de dibujos animados) para producir material de propaganda para reforzar la confianza del público y alentar el apoyo al esfuerzo bélico. La guerra (junto con la huelga) sacudió el imperio de Walt Disney, ya que el ejército de los EE. UU. se había apoderado del estudio de Disney tan pronto como Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941. [56] Como resultado, Disney puso las películas Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), El viento en los sauces (1949), Canción del sur (1946), Mickey y las habichuelas mágicas (1947) y Bongo (1947) en espera hasta que terminara la guerra.
La única película que se permitió continuar su producción fue Bambi , que se estrenó en 1942. Bambi fue una película pionera en cuanto a la animación realista de animales. Sin embargo, debido a la guerra, Bambi fracasó en taquilla y recibió críticas mixtas de los críticos. Este fracaso duró poco, ya que recaudó una cantidad considerable de dinero en el relanzamiento de 1947.
Disney estaba ahora plenamente comprometido con el esfuerzo bélico y contribuyó produciendo cortos de propaganda y un largometraje titulado Victory Through Air Power . Victory Through Air Power tuvo un mal desempeño en taquilla y el estudio perdió alrededor de $500,000 como resultado. [56] Los cortos de dibujos animados de propaganda requeridos fueron menos populares que los cortos regulares de Disney, y cuando el Ejército terminó su estadía en Walt Disney Studios con el final de la guerra en 1945, Disney luchó por reiniciar su estudio y tenía una baja cantidad de efectivo a mano. [57] Otros largometrajes de Disney de la década de 1940 fueron colecciones de segmentos cortos animados de presupuesto modesto reunidos para hacer un largometraje. Estos comenzaron con Saludos Amigos en 1942 y continuaron durante la guerra con Los tres caballeros en 1944 y después de la guerra con Make Mine Music en 1946, Fun and Fancy Free en 1947, Melody Time en 1948 y Las aventuras de Ichabod y el Sr. Toad en 1949. Para los largometrajes Mickey and the Beanstalk , Bongo y El viento en los sauces , los condensó en las películas de paquete Fun and Fancy Free y Las aventuras de Ichabod y el Sr. Toad ya que Walt temía que la animación de bajo presupuesto no fuera rentable. [58] La película de Disney más ambiciosa de este período fue la película de 1946 Song of the South , una película musical que mezclaba acción en vivo y animación que recibió críticas en años posteriores por acusaciones de estereotipos raciales .
En 1950, Disney produjo Cenicienta . Cenicienta fue un enorme éxito, convirtiéndose en la película más taquillera de 1950, y se convirtió en la película más exitosa de Disney desde Blancanieves y los siete enanitos y el primer largometraje narrativo de Disney en ser completamente animado desde Bambi , ya que las películas en el ínterin involucraron algo de acción en vivo. [59] La compañía de Disney comenzó a diversificarse, produciendo largometrajes de acción en vivo comenzando con La isla del tesoro (1950) y documentales de naturaleza , el primero de los cuales fue La isla de las focas (1948). Como resultado, Walt Disney fue necesario en varias unidades diferentes a la vez y estaba dedicando menos tiempo a la animación. En 1951, lanzó Alicia en el país de las maravillas , un proyecto en el que había estado trabajando desde fines de la década de 1930, aunque fue archivado durante la guerra. Alicia en el país de las maravillas inicialmente tuvo un éxito moderado y recibió críticas mixtas de los críticos. Unas décadas más tarde, la película sería aclamada como uno de los grandes clásicos de Disney, recaudando millones en posteriores estrenos en cines y vídeos domésticos. En 1953, estrenó Peter Pan , que, al igual que Alicia en el país de las maravillas , había estado en producción desde finales de los años 30 y principios de los 40 y se archivó durante la guerra. Sin embargo, a diferencia de Alicia , Peter Pan fue un gran éxito tanto de crítica como de financiación en su primer estreno.
Cuando el contrato de Disney con RKO expiró a finales de 1953, en lugar de renovarlo como de costumbre, Disney se preocupó por la inestabilidad de RKO (debido al control cada vez más errático del estudio por parte del propietario Howard Hughes ) y comenzó a distribuir películas a través de la recién creada subsidiaria Buena Vista Distribution . Esto permitió un mayor presupuesto para cortometrajes y largometrajes que el que dictaban los últimos años de dibujos animados hechos para RKO, lo que hizo posible hacer algunos de los dibujos animados en el nuevo formato CinemaScope . Sin embargo, el presupuesto por cortometraje no era tan alto como lo había sido en la década de 1940, ya que Disney se había centrado más en la acción en vivo, la televisión y la animación de largometrajes y menos en la animación corta. En 1953, poco después del cambio de RKO a Buena Vista, Disney lanzó su último cortometraje de Mickey Mouse, The Simple Things . A partir de ahí, el estudio produjo menos cortos animados cada año hasta que la división de cortos animados finalmente se cerró en 1956. [60] Después de eso, cualquier trabajo futuro de dibujos animados cortos se realizó a través de la división de animación de largometrajes hasta 1969. El último corto animado de Disney de la época dorada de la animación estadounidense, el ganador del Óscar It's Tough to Be a Bird!, se lanzó en 1969.
En 1955, Disney creó La dama y el vagabundo , la primera película animada en CinemaScope . Tras la construcción de Disneyland en 1955, Walt Disney recuperó una enorme cantidad de popularidad entre el público, [61] y centró su atención en producir su película más ambiciosa: La bella durmiente . La bella durmiente se filmó en película Super Technirama de 70 mm y en sonido estereofónico como Fantasía . La bella durmiente también marcó un cambio en el estilo de dibujo, con personajes caricaturescos y angulares; tomando influencia de UPA . Aunque La bella durmiente fue la segunda película más taquillera de 1959 (justo detrás de Ben-Hur ), la película superó el presupuesto, costando 6 millones de dólares, y la película no logró recuperar su gasto. El estudio estaba muy endeudado y tuvo que recortar el costo de la animación. En 1960, esto dio lugar a que Disney cambiara a la xerografía , que sustituyó al entintado a mano tradicional . Las primeras películas que utilizaron celuloide Xerox fueron 101 dálmatas (1961) y La espada en la piedra (1963), que fueron éxitos de taquilla. [62] Sin embargo, la Xerox dio como resultado películas con un aspecto más "esquemático" y carecían de la calidad de las películas entintadas a mano. Según Floyd Norman , que trabajaba en Disney en ese momento, se sintió como el final de una era. [63] El 15 de diciembre de 1966, Walt Disney murió de cáncer de pulmón . Las últimas películas en las que participó fueron Mary Poppins (1964), El libro de la selva (1967), The Love Bug (1968), Los aristogatos (1970), Bedknobs and Broomsticks (1971) y Las muchas aventuras de Winnie the Pooh (1977); ya que el corto Winnie the Pooh and the Honey Tree (1966) fue lanzado durante su vida y también estuvo involucrado en la producción de Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968). El largometraje de comedia musical animada, El libro de la selva , y el musical de pantalla grande de acción en vivo, El millonario más feliz , fueron lanzados en 1967, un año después de su muerte, y Winnie the Pooh and the Blustery Day fue lanzado dos años después, mientras que The Many Adventures of Winnie the Pooh fue lanzado en 1977. Winnie the Pooh and the Blustery Day también ganó el Premio de la Academia de 1968 al Cortometraje de Animación . [64]Después de la muerte de Walt Disney, el departamento de animación no se recuperó por completo hasta finales de la década de 1980 y principios de la de 1990 con el Renacimiento de Disney .
Uno de los principales competidores de Walt Disney era Max Fleischer , el director de Fleischer Studios , que producía dibujos animados para Paramount Pictures . Fleischer Studios era una empresa familiar, operada por Max Fleischer y su hermano menor Dave Fleischer , quien supervisaba la producción de los dibujos animados. Los Fleischer obtuvieron grandes éxitos con los dibujos animados de Betty Boop y la serie Popeye el marino . La popularidad de Popeye durante la década de 1930 rivalizó en ocasiones con Mickey Mouse, y los clubes de fans de Popeye surgieron en todo el país imitando a los clubes de fans de Mickey; en 1935, las encuestas mostraron que Popeye era incluso más popular que Mickey Mouse. [65] Sin embargo, a principios de la década de 1930, las normas de censura más estrictas impuestas por el nuevo Código de Producción en 1934 exigieron a los productores de animación que eliminaran el humor subido de tono. Los Fleischer, en particular, tuvieron que suavizar el contenido de sus dibujos animados de Betty Boop, que luego perdieron popularidad. [66] Los Fleischer también habían producido una serie de dibujos animados de Color Classics durante la década de 1930 que intentaron emular el uso del color de Walt Disney, pero la serie no fue un éxito. [67]
En 1934, Max Fleischer se interesó en producir un largometraje animado poco después del anuncio de Blancanieves de Walt Disney , sin embargo Paramount vetó la idea. En 1936, Fleischer Studios produjo la primera de tres películas de dos carretes en Technicolor de Popeye : Popeye el marino conoce a Simbad el marino en 1936, Popeye el marino conoce a los cuarenta ladrones de Ali Baba en 1937 y Aladino y su lámpara maravillosa en 1939. En 1938, después del éxito de Disney con Blancanieves y los siete enanitos , Paramount le había dado permiso a Fleischer's para producir un largometraje animado y Fleischer Studio se trasladó de Nueva York a Miami, Florida , para evitar sindicatos organizados, que se convirtieron en una amenaza para el estudio después de que ocurriera una huelga de cinco meses entre los trabajadores de Fleischer Studio a fines de 1937. [68] Aquí Fleischer's produjo Los viajes de Gulliver , que se estrenó en 1939. Fue un pequeño éxito y animó a Fleischer's a producir más.
En mayo de 1941, los Fleischer le dieron a Paramount la propiedad total del estudio como garantía para pagar sus deudas restantes de los préstamos que obtuvieron del estudio para hacer dibujos animados sin éxito como Stone Age , Gabby y Color Classics . Sin embargo, todavía mantuvieron sus puestos como jefes de producción de su estudio. [69] Bajo el gobierno de Paramount, los Fleischer trajeron a Popeye a la Marina y contribuyeron al esfuerzo de guerra, y obtendrían más éxito al comenzar una serie de espectaculares dibujos animados de Superman (el primero de los cuales fue nominado a un Oscar) que se han vuelto legendarios en sí mismos. A pesar del éxito que Superman le dio al estudio, un gran golpe para el estudio ocurriría cuando Dave, casado, comenzó a tener una relación adúltera con la secretaria de Miami. Esto llevó a muchas disputas entre los hermanos Fleischer hasta que Max y Dave ya no se hablaban. [69]
Más tarde ese año, Paramount planeó estrenar su siguiente película, Mr. Bug Goes to Town , para Navidad, pero presumiblemente se pospuso después del ataque a Pearl Harbor . [69] Mr. Bug tuvo una exhibición muy limitada en el Reino Unido, California y Nueva York el año siguiente, lo que provocó que fracasara en la taquilla. [70] Poco después de la mala taquilla de la película, Dave Fleischer, que aún mantenía su puesto como codirector de su estudio, había dejado Fleischer Studios para dirigir los dibujos animados Screen Gems de Columbia Pictures . Debido a esto, Paramount Pictures había expulsado a Dave y Max Fleischer de sus puestos como jefe del estudio de dibujos animados. [69]
Tras la dimisión de los Fleischer, Paramount rebautizó el estudio como Famous Studios y continuó con el trabajo de los hermanos. Tres miembros de alto nivel del personal, Isadore Sparber , Seymour Kneitel y Dan Gordon (que más tarde fue sustituido por Bill Tytla tras la salida de Gordon del estudio) fueron nombrados directores, mientras que Sam Buchwald fue nombrado productor ejecutivo. Paramount también interrumpió las costosas caricaturas de Superman en 1943, adaptando en su lugar la tira cómica de Marge La pequeña Lulú para los cines. [71]
Famous Studios continuó produciendo dibujos animados de Popeye, que pasaron a ser en color en 1943, además de crear Noveltoons , una serie antológica de cortos similar a los Color Classics de Fleischer . La serie de cortos Noveltoons presentó muchos de los personajes recurrentes de Famous, como Blackie the Lamb , Wolfie (el principal rival de Blackie), Casper the Friendly Ghost (creado por Joe Oriolo y Seymour Reit a partir de un libro infantil inédito), Little Audrey (un personaje similar a Little Lulu y que reemplazó a Little Lulu), Herman y Katnip (un duelo de gato y ratón similar a Tom y Jerry ), Baby Huey y varios otros personajes menos conocidos. Famous también revivió Screen Songs , otra serie heredada de Fleischer's. La serie pasó a llamarse Kartunes en 1951 y continuaría durante dos años más antes de ser descontinuada. Buchwald murió de un ataque cardíaco en 1951, [72] dejando a Sparber y Kneitel como los únicos productores y directores principales. Dave Tendlar fue ascendido a director en 1953.
La partida de los hermanos Fleischer y la muerte de Buchwald tuvieron un efecto prolongado en el estudio: las caricaturas de Paramount de los años de guerra continuaron siendo entretenidas y populares y aún conservaban la mayor parte del estilo y brillo de Fleischer, sin embargo, los fanáticos de la animación y los historiadores notarían el tono divergente del estudio después del final de la guerra, ya que el estilo fue criticado por su narrativa altamente formulística, falta de ambición artística, gags inusualmente violentos y su atractivo general hacia los niños en lugar de niños y adultos.
En octubre de 1956, Paramount se hizo cargo del estudio por completo, [73] y el estudio se redujo y cambió su nombre a Paramount Cartoon Studios. Al año siguiente, el estudio terminó la carrera teatral de Popeye, con Spooky Swabs (dirigido por Sparber, quien murió al año siguiente) siendo el último corto de la serie. Además, se perpetuaron los presupuestos más estrictos, lo que obligó al estudio a utilizar técnicas de animación limitadas comparables a la animación televisiva de ese momento. Paramount continuaría lanzando dibujos animados para cines en los años 60, pero también comenzó a incursionar en la producción televisiva, como coproduciendo la serie de televisión Popeye the Sailor , The New Casper Cartoon Show y Felix the Cat . Sus nuevos dibujos animados para cines en este momento incluían Modern Madcaps , The Cat, Swifty and Shorty y Comic Kings. Paramount también distribuiría un puñado de dibujos animados de Rembrandt Films , en particular una serie de cortos con el personaje Nudnik , creado por Gene Deitch .
La muerte de Kneitel en 1964 trajo cambios repentinos al estudio, ya que Paramount ahora tenía que buscar nuevos artistas. El dibujante Howard Post fue inicialmente designado como director principal del estudio y crearía la serie de cortos Honey Halfwitch . Sin embargo, el mandato de Post no fue exitoso e incluso provocó la ira de la junta directiva de Paramount con la caricatura Two By Two , una sátira del Arca de Noé que no solo incluía un clon del Pato Lucas de Warner , sino que también fue acusado de tener connotaciones antirreligiosas. [74] Post fue reemplazado por James Culhane a fines de 1965, quien quería diversificar el contenido que hacía el estudio en ese momento, pero él también se fue en 1967 debido a los crecientes conflictos con los altos mandos del estudio. El ex animador de Terrytoons Ralph Bakshi sucedió a Culhane ese año y rápidamente puso varios cortos en producción. Pero en ese momento, los nuevos propietarios de Paramount en ese momento, Gulf+Western , comenzaron el proceso para cerrar el estudio de dibujos animados. El cierre se completó en diciembre. [75]
En 1929, los ex animadores de Disney Hugh Harman y Rudolf Ising hicieron una serie de dibujos animados titulada Bosko, the Talk-Ink Kid , y trataron de venderla a un distribuidor en 1930. Warner Bros., que anteriormente había intentado sin éxito establecer un estudio de dibujos animados en Nueva York para competir con Disney, aceptó distribuir la serie. Bajo la dirección del productor Leon Schlesinger , Harman-Ising Productions creó Looney Tunes (el título es una variación de la galardonada Silly Symphonies de Disney ) protagonizada por su personaje Bosko . Una segunda serie de Harman-Ising, Merrie Melodies , siguió en 1931. Ambas series mostraron la fuerte influencia de las primeras películas de Disney.
Después de disputas por dinero, Harman-Ising se separó de Schlesinger (quien rechazó sus demandas de aumento de presupuesto) en 1933, llevándose a Bosko con ellos para trabajar con Metro Goldwyn Mayer . [76] Schlesinger comenzó su propia operación de dibujos animados bajo el nuevo nombre de Leon Schlesinger Productions . El animador Tom Palmer creó un clon de Bosko conocido como Buddy y respondió al uso del color de Walt Disney en los dibujos animados de Silly Symphonies en 1934, y comenzó a hacer todos los dibujos animados futuros de Merrie Melodies en color. [77] Sin embargo, dado que Walt Disney tenía un acuerdo exclusivo con Technicolor, Schlesinger se vio obligado a usar Cinecolor y Two Strip Technicolor hasta 1935, cuando expiró el contrato de Disney con Technicolor.
El nuevo estudio tuvo un comienzo lento, ya que los dibujos animados de Buddy no impresionaron al público y Palmer no tuvo experiencia como director. Schlesinger despidió a Palmer y contrató al animador de Harman-Ising, Friz Freleng, y a varios otros para que dirigieran el estudio. Buddy se disolvió en 1935.
Una Merrie Melodie de 1935 dirigida por Friz Freleng titulada I Haven't Got a Hat fue la primera aparición en pantalla de Porky Pig . También en 1935, Schlesinger contrató a un nuevo director de animación que procedió a revitalizar el estudio: Tex Avery . Schlesinger puso a Avery a cargo de los Looney Tunes de bajo presupuesto en un viejo edificio destartalado que los animadores llamaron Termite Terrace. Bajo la dirección de Avery, Porky Pig reemplazaría a la serie Buddy y se convertiría en el primer personaje de dibujos animados de Warner Bros. en alcanzar el poder de una estrella. También en Termite Terrace, el animador Bob Clampett rediseñó a Porky de un cerdo gordo y rechoncho a un personaje más lindo e infantil.
A diferencia de los otros productores de dibujos animados de la época, Avery no tenía intención de competir con Walt Disney, sino que trajo un nuevo estilo de animación estrafalario y alocado al estudio que aumentaría la popularidad de los dibujos animados de Warner Bros. en el abarrotado mercado. Esto se estableció firmemente en 1937 cuando Tex Avery dirigió Porky's Duck Hunt . Durante la producción del corto, el animador principal Bob Clampett elaboró la salida del personaje del Pato haciéndolo saltar sobre su cabeza, dar vueltas y gritar hacia el atardecer. [78] Esto creó el personaje del Pato Lucas . Después de que se creó Daffy, agregaría aún más éxito a los dibujos animados de Warner Bros. y reemplazó a Porky Pig como el personaje animado más popular del estudio, [79] y Bob Clampett se hizo cargo de Termite Terrace, mientras que Tex Avery se hizo cargo del departamento de Merrie Melodies .
La caricatura nominada al premio Oscar de 1940 A Wild Hare (dirigida por Avery) marcó el debut oficial de Bugs Bunny , así como su primera pareja con Elmer Fudd (creado por Chuck Jones ese año). Bugs reemplazó rápidamente a Daffy como la estrella principal del estudio. Para 1942, Bugs se había convertido en el personaje de dibujos animados más popular. [79] Debido al éxito de Bugs, Daffy y Porky, el estudio Schlesinger ahora había alcanzado nuevas alturas, y Bugs rápidamente se convirtió en la estrella de las caricaturas en color Merrie Melodies , que anteriormente se habían utilizado para apariciones de personajes de una sola toma. [79] Avery dejaría Warner Bros. en 1941 y se mudaría a MGM después de tener una disputa con Scheshinger con respecto al final de The Heckling Hare y el rechazo de una idea de una serie corta de animales de acción en vivo con bocas animadas (que luego vendió a Paramount Pictures para crear la serie de cortos Speaking with Animals ). Clampett se haría cargo de la unidad de Avery, mientras que Norman McCabe se haría cargo de la unidad en blanco y negro de Clampett. [80] En 1942, los cortos de Warners ya habían superado a los de Disney en ventas y popularidad. [81]
Frank Tashlin también trabajó con Avery en el departamento de Merrie Melodies . Comenzó en Warners en 1933 como animador, pero fue despedido y se unió a Iwerks en 1934. Tashlin regresó a Warners en 1936, asumiendo la dirección del departamento de Merrie Melodies , pero se fue nuevamente en 1938, y su puesto pronto fue ocupado por Chuck Jones . Regresó en 1943 después de que McCabe fuera reclutado en el ejército, pero se fue nuevamente por última vez a fines de 1944 para dirigir películas de acción real. Robert McKimson , quien tenía una extensa carrera en el estudio hasta ese momento, fue designado director para reemplazar a Tashlin. [82]
Schlesinger vendió su estudio a Warner Bros. en agosto de 1944, y Edward Selzer fue nombrado a su vez el nuevo productor. En ese momento, los principales directores de dibujos animados de Warner de la década de 1940 eran Friz Freleng , Chuck Jones , Bob Clampett y Robert McKimson . Sus dibujos animados ahora se consideran clásicos del medio. Dirigieron algunos de los cortos animados más queridos de todos los tiempos, incluidos (para Clampett) Porky in Wackyland , Wabbit Twouble , A Corny Concerto , The Great Piggy Bank Robbery , The Big Snooze , (para Freleng) You Ought to Be in Pictures , Rhapsody in Rivets , Little Red Riding Rabbit , Birds Anonymous , Knighty Knight Bugs , (para Jones) Rabbit Fire , Duck Amuck , Duck Dodgers in the 24½th Century , One Froggy Evening , What's Opera, Doc? , (para McKimson) Walky Talky Hawky , Hillbilly Hare , Devil May Hare , The Hole Idea y Stupor Duck .
Además de que McKimson fuera ascendido a director a mediados de la década de 1940, Arthur Davis se hizo cargo de la unidad de Clampett a mediados de 1945 después de abandonar abruptamente el estudio. Clampett se puso a trabajar en Beany y Cecil . Muchos de los personajes recurrentes más conocidos del estudio serían creados o restablecidos después de la adquisición de Warner. Esto incluyó a Tweety (1942), Pepé Le Pew (1945), Sylvester the Cat (1945), Yosemite Sam (1945), Foghorn Leghorn (1946), The Goofy Gophers (1947), Marvin the Martian (1948), Wile E. Coyote and the Road Runner (1949), Granny (1950), Speedy Gonzales (1953), The Tasmanian Devil (1954), entre otros. La unidad de Davis fue cerrada a finales de 1947 por Warners debido a problemas de presupuesto, lo que obligó a trasladarse a la unidad de Freleng para convertirse en uno de sus animadores clave.
En 1948, Warner Bros. ya no podía obligar a los cines a comprar sus películas y cortometrajes juntos como paquetes, debido al caso antimonopolio Estados Unidos contra Paramount Pictures, Inc. de ese año. Como resultado, los cortometrajes tuvieron que producirse con presupuestos cada vez más ajustados a medida que pasaba el tiempo. Warner Bros. también cerraría todo su departamento de animación en 1953 debido a la inmensa popularidad de las películas en 3D , pero reabriría al año siguiente después del final de la locura del 3-D. Selzer se retiró en 1958, y el director de producción John W. Burton ocupó su lugar. David DePatie asumió el papel de productor en 1960 después de que Burton también abandonara el estudio.
Después de más de dos décadas en la cima, Warner Bros. cerró el estudio original Termite Terrace en 1963 y DePatie-Freleng Enterprises asumió la producción de los cortos, con licencia de Warner Bros. La mayoría de los personajes de Looney Tunes se retiraron de los cines, incluida la estrella más grande de Warner, Bugs Bunny. Sin embargo, el Pato Lucas seguiría apareciendo en dibujos animados para cines, en su mayoría junto a Speedy Gonzales.
También se encargaron 14 dibujos animados originales de Wile E. Coyote y Roadrunner, y los últimos 11 se encargaron a Format Films , bajo la dirección del ex animador de Chuck Jones, Rudy Larriva . Estos dibujos animados no fueron bien recibidos y fueron criticados por carecer de espíritu y encanto en comparación con los cortos originales de Jones.
Después de que DePatie-Freleng cesara la producción de Looney Tunes en 1967, William Hendricks se hizo cargo de la producción del recién renombrado estudio de animación Warner Bros.-Seven Arts y contrató a veteranos como Alex Lovy y LaVerne Harding del estudio Walter Lantz; Volus Jones y Ed Solomon de Disney; Jaime Díaz, quien más tarde trabajó en Los padrinos mágicos como director; y David Hanan, quien anteriormente trabajó en Roger Ramjet . Hendricks trajo solo a tres de los veteranos originales de Looney Tunes al estudio; Ted Bonniscken, Norman McCabe y Bob Givens. Bajo Hendricks y Lovy, la línea establecida Daffy-Speedy del estudio y su nueva serie de dibujos animados ( Cool Cat , Merlin the Magic Mouse ) junto con la mayoría de sus one-shots de esta era fueron criticados y son ampliamente considerados como los peores en la historia del estudio (a pesar de que Norman Normal ganó un gran número de seguidores de culto ).
Alex Lovy dejó el estudio en 1968 y Robert McKimson tomó el control. McKimson utilizó los personajes anteriores a 1967 solo en los cortinillas de The Bugs Bunny-Road Runner Show y en anuncios; por lo demás, se centró principalmente en los personajes recurrentes que Alex Lovy había creado y dos de su propia creación, Bunny y Claude . El último de los cortos originales de Looney Tunes producidos fue Bugged by a Bee y el último corto de Merrie Melodies fue Injun Trouble , que comparte nombre con otro corto de Looney Tunes de 1938. El estudio Warner Bros.-Seven Arts finalmente cerró en 1969. Se habían creado un total de 1.039 cortos de Looney Tunes.
Una década más tarde, tras el éxito de la película The Bugs Bunny/Road Runner Movie , que consistía predominantemente en imágenes de los cortos clásicos de Jones, un nuevo estudio interno para producir animación original abrió sus puertas en 1980 llamado Warner Bros. Animation , que existe hasta el día de hoy.
Al principio, Mickey Mouse fue dibujado por el socio y amigo de muchos años de Walt Disney , Ub Iwerks , quien también fue un innovador técnico en dibujos animados y dibujó un promedio de 600 dibujos para Disney diariamente; [83] Disney fue responsable de las ideas en los dibujos animados e Iwerks fue responsable de darles vida. [83] Sin embargo, Iwerks dejó el estudio Disney en 1930 para formar su propia compañía, que fue respaldada financieramente por el propietario de Celebrity Pictures, Pat Powers. [84] Después de su partida, Disney finalmente encontró varios animadores diferentes para reemplazar a Iwerks.
Iwerks produciría dos series de dibujos animados durante la década de 1930: Flip the Frog y Willie Whopper . Sin embargo, ninguna de estas series de dibujos animados pudo acercarse al éxito de las series de Disney o Fleischer, y en 1933, MGM, distribuidor de dibujos animados de Iwerks desde 1930, finalizó la distribución de sus dibujos animados a favor de la distribución de los dibujos de Harman e Ising, e Iwerks se fue después de que su contrato expirara en 1934. [85]
Después de que MGM despidiera a Iwerks, contrataron a Harman e Ising, que trabajaban para Leon Schlesinger y Warner Bros , y los nombraron directores del estudio. Comenzaron a producir dibujos animados de Bosko y Happy Harmonies , que emulaban las Silly Symphonies de Disney . [86] Harman e Ising obtuvieron éxito con cortometrajes como The Calico Dragon (1935), The Old Mill Pond (1936, ambos nominados a los premios de la Academia) y To Spring (1936), pero, al igual que su tiempo en Warners, los problemas con el dinero hicieron que sus cortometrajes superaran el presupuesto de manera regular. En 1937, MGM decidió despedir al dúo y establecer un nuevo estudio de animación interno con Fred Quimby como productor. [87]
Después de que Quimby tomó el control, mantuvo a varios miembros del personal de Harman e Ising y buscó talento en otros estudios de animación (incluido el director de Warner Friz Freleng por un corto período de tiempo y una gran cantidad de animadores del estudio Terrytoons con sede en Nueva York ). Creó una adaptación animada de la serie de cómics The Katzenjammer Kids , a la que retituló The Captain & The Kids . La serie Captain & The Kids no tuvo éxito. [87] Sin embargo, en 1939, Quimby obtuvo éxito después de volver a contratar a Harman e Ising. Después de regresar a MGM, Ising creó la primera estrella animada exitosa de MGM llamada Barney Bear , que apareció por primera vez en The Bear That Couldn't Sleep (1939). Harman dirigió su obra maestra Peace on Earth (1939) mientras tanto, y también fue nominado a un Oscar. [87]
En 1939, William Hanna y Joseph Barbera iniciaron una sociedad que duraría más de seis décadas hasta la muerte de Hanna en 2001. La primera caricatura del dúo juntos fue Puss Gets the Boot (1940), que presenta los intentos de un ratón sin nombre de burlar a un gato doméstico llamado Jasper. Aunque se lanzó sin fanfarrias, el corto fue un éxito financiero y de crítica, lo que le valió una nominación al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje (Caricaturas) de 1940. Con la fuerza de la nominación al Oscar y la demanda del público, Hanna y Barbera se propusieron producir una serie de dibujos animados de larga duración del gato y el ratón, pronto bautizando a los personajes como Tom y Jerry . Puss Gets the Boot no ganó el Premio de la Academia de 1940 a la Mejor Caricatura, pero otra caricatura de MGM, The Milky Way (1940) de Rudolf Ising, sí lo hizo, convirtiendo a MGM en el primer estudio en arrebatarle el Premio de la Academia de Dibujos Animados a Walt Disney.
Después de aparecer en El gato a la mierda , Tom y Jerry se convirtieron rápidamente en las estrellas de los dibujos animados de MGM. Con Hanna-Barbera en su haber, MGM finalmente pudo competir con Walt Disney en el campo de los dibujos animados. Los cortos tuvieron éxito en taquilla, se lanzaron al mercado muchos productos con licencia (cómics, juguetes, etc.) y la serie obtendría doce nominaciones más al Premio de la Academia por Cortometrajes (Dibujos animados), con siete de los cortos de Tom y Jerry ganando el Premio de la Academia: The Yankee Doodle Mouse (1943), Mouse Trouble (1944), Quiet Please! (1945), The Cat Concerto (1946), The Little Orphan (1948), The Two Mouseketeers (1951) y Johann Mouse (1952). Tom y Jerry finalmente empató con Silly Symphonies de Disney como la serie de dibujos animados teatrales más premiada. Ninguna otra serie animada basada en personajes ha ganado más premios, ni ninguna otra serie que incluya a los mismos personajes. Además de los cortos clásicos de Tom y Jerry , Hanna y Barbera también produjeron/dirigieron para MGM media docena de cortos cinematográficos de una sola toma , entre ellos Gallopin' Gals (1940), Officer Pooch (1941), War Dogs (1943) y Good Will to Men (una nueva versión de Peace on Earth, 1955).
La clave del éxito de Tom y Jerry y otros dibujos animados de la MGM fue el trabajo de Scott Bradley , que compuso la música de prácticamente todos los dibujos animados del estudio desde 1934 hasta 1958. Las bandas sonoras de Bradley hacían uso de la sensibilidad clásica y del jazz. Además, a menudo utilizaba canciones de las bandas sonoras de los largometrajes de la MGM, siendo las más frecuentes "The Trolley Song" de Meet Me in St. Louis (1944) y "Sing Before Breakfast" de Broadway Melody of 1936 .
Hugh Harman se marcharía por última vez en abril de 1941, [88] lo que llevó a Quimby a buscar un buen sustituto. Más tarde se decidió por Tex Avery en septiembre, que en ese momento tenía una disputa con Leon Schlesinger en Warner Bros. que resultó en su marcha. [89] Avery revitalizó su estudio de dibujos animados con la misma chispa que había infundido a los animadores de Warner. Las salvajes obras maestras surrealistas de Tex Avery de sus días en el estudio MGM establecieron nuevos estándares para el entretenimiento "para adultos" en los dibujos animados de la era Code , ejemplificados de forma más famosa en su serie de cortos con Caperucita Roja .
A Tex Avery no le gustaba utilizar personajes recurrentes, pero se mantuvo fiel a un personaje a lo largo de su carrera en MGM con Droopy , que fue creado en Dumb-Hounded en 1943. Avery también creó Screwy Squirrel al año siguiente, un personaje conocido por su personalidad escandalosamente descarada y errática que atormenta a sus adversarios, pero se encariñó menos con él y descontinuó la serie después de cinco dibujos animados. También creó el inspirado dúo de De ratones y hombres George y Junior en 1946, pero solo se produjeron cuatro dibujos animados. Otras películas reconocibles de Avery para MGM incluyen Blitz Wolf (1942, también nominada), Northwest Hounded Police (1946), King-Size Canary (1947), The Cat That Hated People (1948) Bad Luck Blackie (1949) y Magical Maestro (1952).
La influencia de Avery se sintió en toda la industria y particularmente dentro del estudio, con Hanna y Barbera adaptando su estilo de humor y violencia en sus cortos de Tom y Jerry . La única excepción fue Rudolf Ising, quien no pudo adaptarse a las influencias de Avery (la más ejemplificada fue en Bats in the Belfry de 1942 con Jerry Brewer) y continuó haciendo dibujos animados con un estilo más sugerente. Él también dejaría MGM en 1943 para trabajar para la unidad cinematográfica de la Fuerza Aérea del Ejército como supervisor de animación. [90]
Después de que Ising dejara la MGM, el animador George Gordon fue ascendido a director para ocupar su lugar. Dirigió varios cortos de Barney Bear , así como algunos otros dibujos animados como The Storks Holiday y dos cortos protagonizados por un burro sin nombre. Gordon no fue acreditado por la mayoría de los dibujos animados que dirigió, y se iría en 1943. Más tarde, a fines de 1946, los animadores Michael Lah y Preston Blair fueron emparejados para dirigir tres dibujos animados más de Barney Bear . El propio Lah afirmó haber dirigido The Unwelcome Guest en lugar de Gordon. [91] Los tres dibujos animados de Barney de Lah y Blair se destacaron por tener una dirección más en tono a la de Hanna-Barbera y Tex Avery, pero la serie se detuvo abruptamente nuevamente cuando MGM cerró la unidad de Lah y Blair.
Más tarde, en 1950, Tex Avery dejó brevemente MGM para tomarse un año sabático. El ex animador de Disney/Lantz, Dick Lundy, fue contratado para ocupar el puesto de Avery durante este período. Dirigió una caricatura de Droopy, Caballero Droopy , así como diez caricaturas adicionales de Barney Bear, donde ahora tiene la voz de Paul Frees . Avery regresó más tarde en octubre de 1951, y Lundy se fue poco después.
En 1953, Metro-Goldwyn-Mayer cerró la unidad de Avery. Avery y la mayor parte de su unidad se trasladarían a Walter Lantz Productions , mientras que MGM ascendió más tarde a Lah a director de nuevo para ocupar el lugar de Avery. Fred Quimby se retiró en 1955, con Hanna y Barbera sustituyéndolo como productores de los dibujos animados restantes de MGM (incluidos los últimos siete dibujos animados de Droopy de Lah ) hasta 1957, cuando el estudio cerró por completo, poniendo fin a todas las producciones de animación. El dúo acabaría fundando su propio estudio, Hanna-Barbera, ese año, heredando la mayor parte del personal en el proceso. El último dibujo animado de MGM, Tot Watchers , se estrenó el 4 de julio de 1958.
En 1960, la gran demanda de más dibujos animados de Tom y Jerry impulsó a MGM a buscar otro estudio de animación para producir la serie, ya que Hanna y Barbera estaban ocupados produciendo sus propios dibujos animados para televisión y Columbia Pictures . Con la ayuda del productor Joe Vogel, MGM finalmente firmó un acuerdo con el estudio de animación con sede en Checoslovaquia Rembrandt Films para producir 13 cortos más de Tom y Jerry . Gene Deitch , un animador estadounidense que se consideraba un "hombre de UPA", dirigiría la serie mientras que William L. Snyder se desempeñaría como productor. [92] A diferencia de los dibujos animados internos, Deitch tuvo que trabajar con un presupuesto mucho menor de $ 10,000 y recursos limitados en general. Esto resultó en que sus películas tuvieran una naturaleza surrealista extraña , que Deitch no pretendía. Sus cortos de Tom y Jerry se destacaron por su animación entrecortada, ocasionalmente digna de elogio, fondos simplistas aunque a veces elegantes y un uso intensivo de reverberación en la banda sonora. [93] [94] A pesar de que los cortos de Deitch tuvieron éxito comercial, los fanáticos y los críticos los consideraron los peores de la producción de Tom y Jerry hasta ese momento. Sin embargo, algunos fanáticos apreciaron los cortos de Deitch por su peculiaridad. [95] Después de que despidieran a Vogel, MGM decidió no renovar su contrato con Rembrandt. [96] La última caricatura de Tom y Jerry de Rembrandt , Carmen Get It , se lanzó el 21 de diciembre de 1962.
Mientras tanto, Chuck Jones comenzó su propio estudio Sib Tower 12 Productions después de que él y su unidad de animadores fueran despedidos por Warner Bros. por violar su contrato exclusivo al trabajar en la película de UPA Gay Purr-ee . Jones firmó un contrato con MGM en 1963 para producir 34 cortos adicionales de Tom y Jerry , todos los cuales llevaban su estilo distintivo y la influencia que luchó por lograr durante su tiempo en Warners. Los cortos de Tom y Jerry de Jones recordaban más a sus dibujos animados de Wile E. Coyote y el Correcaminos debido a su uso de gags de apagón y chistes específicos que se pueden encontrar en los cortos anteriores. Más tarde, MGM compró el estudio y lo renombró como MGM Animation/Visual Arts en 1964. En esa época, Jones también dirigió un puñado de one-shots para MGM, como The Dot and the Line de 1965 y The Bear That Wasn't de 1967 , el primero de los cuales ganó el Premio de la Academia de 1965 al Mejor Cortometraje de Animación . [97] Los cortometrajes de Jones fueron mejor recibidos y tuvieron distintos grados de éxito, pero MGM finalmente decidió cesar la producción de nuevos cortos de Tom y Jerry en 1967.
Otros trabajos de Jones incluyen la adaptación televisiva de 1966 de How the Grinch Stole Christmas! (Cómo el Grinch robó la Navidad) del Dr. Seuss, Horton Hears a Who! (Horton y los Quién) de 1970 y el largometraje The Phantom Tollbooth ( El peaje fantasma ) del mismo año. El estudio finalmente cerraría a fines de 1970 y Jones establecería otro estudio, Chuck Jones Enterprises , poco después.
Después de que Charles Mintz fuera despedido de Paramount & Universal, todavía estaba a cargo de su propia operación de dibujos animados produciendo dibujos animados de Krazy Kat para Columbia Pictures. Después del fracaso de Toby the Pup , que RKO Pictures discontinuó a favor de Van Beuren Studios , creó una nueva serie con un niño llamado Scrappy , creado por Dick Huemer en 1931. A pesar de que Scrappy fue una gran oportunidad para Mintz y también fue su creación más exitosa, Huemer sería despedido del Mintz Studio en 1933. [98] En 1934, Mintz, como la mayoría de los otros estudios de animación en ese momento, también intentó responder al uso de Technicolor de Disney, y comenzó a hacer dibujos animados en color a través de la serie Color Rhapsodies ; [99] La serie se realizó originalmente en Cinecolor o Technicolor de dos tiras, pero pasó a Technicolor de tres tiras después de que el contrato de Disney con Technicolor expirara en 1935. Con la excepción de Holiday Land (1934) y The Little Match Girl (1937, ambas nominadas a un premio de la Academia ), la serie no logró atraer la atención y, en 1939, Mintz estaba en gran parte en deuda con Columbia Pictures. Como resultado, Mintz vendió su estudio a Columbia. Columbia renombró el estudio a Screen Gems ; [100] y Mintz murió al año siguiente. Columbia también subcontrataría a Ub Iwerks para producir dibujos animados de su propio estudio desde 1937 hasta 1940. El estudio se destacó por ser el inicio de las carreras de varios animadores consumados como Huemer, Emery Hawkins , Ray Patterson , Arthur Davis , Manny Gould y Preston Blair .
El cuñado de Charles, George Winkler, asumiría brevemente el papel de productor antes de ser sucedido por Frank Tashlin , quien inicialmente trabajó como guionista. [101] Tashlin tuvo una influencia significativa en el estudio, ya que contrataría a muchos ex animadores de Disney de la huelga de animadores de Disney de 1941 (incluidos Hawkins, Patterson), despidió a la mayoría de su personal interno inicial y dirigió el corto The Fox and the Grapes (1941) , que inadvertidamente creó los personajes más populares del estudio , The Fox and the Crow .
Tashlin mantuvo su puesto hasta que abandonó abruptamente el estudio en 1942, citando una disputa con los empleados de Columbia. [102] [103] Fue reemplazado por Dave Fleischer , quien, según se informa, estaba mucho más alejado de sus animadores que Tashlin. [104] Él también sería despedido más tarde y reemplazado por una puerta giratoria de productores. Los críticos e historiadores de la animación notaron que la calidad de la producción del estudio se había estancado o disminuido ya que Screen Gems no pudo recuperarse de la pérdida de Tashlin. Se argumentó que la mala gestión de Columbia y su incapacidad para encontrar escritores y directores hábiles fueron factores clave de la decadencia. Michael Barrier describió su trabajo en ese momento como "imitación de Warner Bros." [104]
Los otros personajes recurrentes que Columbia desarrollaría en este momento incluyeron a Willoughby Wren , Flippy y Flop , Igor Puzzlewitz, el Profesor Small y Mr. Tall, Tito y su Burrito y una adaptación de Li'l Abner de Al Capp , de la cual Capp no estaba contento debido a su simplificación excesiva de sus personajes. [105] Columbia permaneció insatisfecha con la producción del estudio y finalmente lo cerró en 1946, con un catálogo anterior que duró hasta 1949. El nombre de Screen Gems luego se usaría para una subsidiaria de televisión el mismo año.
John Hubley fue uno de los muchos ex empleados de Disney que fueron contratados por Tashlin para trabajar en el estudio Screen Gems. Si bien Hubley admitió más tarde que no le gustaba su trabajo para Screen Gems, tuvo mucha libertad creativa debido al desapego de Fleischer hacia los empleados. [104] Las caricaturas que Hubley dirigió con Paul Sommer se destacaron por su mayor uso de personajes humanos, fondos simplistas y diseños de personajes abstractos. Gran parte de ellas se inspiraron en técnicas de animación limitadas que Chuck Jones estableció para su caricatura The Dover Boys , y Hubley y Sommer incluso llegaron a dirigir un "clon" con la caricatura The Rocky Road to Ruin. [106]
Hubley dejó Screen Gems en 1943 después de alistarse en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos . [107] Al mismo tiempo, ayudaría a establecer un nuevo estudio con los ex animadores de Disney Stephen Bosustow, Zack Schwartz y David Hilberman, quienes, como Hubley, habían abandonado el nido de Walt durante la huelga de animadores. Era un estudio de animación más nuevo y más pequeño que se centró en perseguir la propia visión de Hubley de probar estilos de animación más nuevos, más abstractos y experimentales. [108] Bosustow, Hilberman y Schwartz llamaron al nuevo estudio Industrial Film and Poster Service, o IFPS. [108] Artísticamente, el estudio también utilizó la animación limitada como su estilo artístico principal. El primer cortometraje del estudio recién formado fue Hell-Bent for Election (1944), una caricatura hecha para la campaña de reelección de Franklin D. Roosevelt . Aunque esta nueva película fue un éxito, no rompió los límites que Hubley y su personal esperaban. No fue hasta el tercer cortometraje, Brotherhood of Man de Bobe Cannon , que el estudio comenzó a producir cortometrajes agresivamente estilizados en contraste con las películas de los otros estudios. La película de Cannon incluso predicaba un mensaje que, en ese momento, estaba mal visto: la tolerancia racial. En 1946, el estudio pasó a llamarse United Productions of America (UPA), y Hilberman y Schwartz habían vendido sus acciones del estudio a Bosustow. [108]
En 1948, UPA también encontró un hogar para sí misma en Columbia Pictures y comenzó a producir dibujos animados para el público en general, en lugar de usar solo temas de propaganda y entrenamiento militar; [109] UPA también se ganó dos nominaciones al Oscar por nuevos dibujos animados protagonizados por El Zorro y el Cuervo durante sus primeros dos años de producción. A diferencia de Screen Gems, Columbia fue mucho más pasiva en términos de gestión. A partir de ahí, los animadores de UPA comenzaron a producir una serie de dibujos animados que inmediatamente se destacaron entre el abarrotado campo de dibujos animados que imitaban a los de los otros estudios. El éxito de la serie Mr. Magoo de UPA hizo que todos los demás estudios se fijaran y tomaran nota, y cuando el corto de UPA Gerald McBoing-Boing (1950) ganó un Oscar, el efecto en Hollywood fue inmediato y electrizante. El estilo de UPA era notablemente diferente de todo lo que se veía en las pantallas de cine, y el público respondió al cambio que ofrecía UPA con respecto a la repetición de las habituales batallas del gato y el ratón. Mr. Magoo se convertiría en el personaje de dibujos animados más exitoso del estudio. [110] Sin embargo, UPA sufriría un gran golpe después de que John Hubley fuera despedido del estudio durante la era McCarthy en 1952, debido a sospechas de que tenía vínculos con el comunismo; [110] Steve Bosustow se hizo cargo, pero no tuvo tanto éxito como Hubley, y el estudio finalmente se vendió a Henry Saperstein. [110]
En 1953, UPA había ganado una gran influencia dentro de la industria. Los estudios de dibujos animados de Hollywood se fueron alejando gradualmente de los detalles realistas y exuberantes de la década de 1940 hacia un estilo de animación más simplista y menos realista. En ese momento, incluso Disney estaba intentando imitar a UPA. Los cortos de 1953 Melody y Toot, Whistle, Plunk and Boom en particular fueron experimentos de estilización que siguieron los pasos del estudio recién formado. Alrededor de 1952, Eric Porter propuso dos dibujos animados a Columbia, pero fueron rechazados y ambos dibujos animados se encuentran actualmente en el dominio público .
En 1959, UPA lanzó 1001 Arabian Nights protagonizada por Mr Magoo, sin embargo, esto resultó ser un fracaso, ya que le costó a UPA su acuerdo de distribución con Columbia Pictures . Lo intentaron una vez más en 1962, UPA lanzó Gay Purr-ee con las voces de Judy Garland , esta vez, con un distribuidor en Warner Bros. En 1964, UPA decidió abandonar la animación y simplemente convertirse en una empresa de distribución, donde distribuirían algunas de las películas de Godzilla en Estados Unidos.
Antes de la terminación de UPA, Columbia llegó a un acuerdo de distribución de 10 años con Hanna-Barbera , que acababa de abandonar el recién cerrado Metro-Goldwyn-Mayer Cartoon Studio . Este acuerdo estaría principalmente relacionado con la división de televisión de Columbia, Screen Gems , que irónicamente tomó prestado el nombre del estudio de animación. En 1959, Hanna-Barbera produjo la única serie teatral para Columbia, Loopy De Loop . Esta serie fue un éxito y se emitió hasta 1965. Hanna-Barbera también produjo 2 películas para Columbia, que fueron Hey There, It's Yogi Bear! y The Man Called Flintstone . El contrato de 10 años de Columbia con Hanna-Barbera expiró en 1967 y no fue renovado, terminando así la asociación de Columbia con Hanna-Barbera en todos los sentidos.
En 1928, Walter Lantz reemplazó a Charles Mintz como productor de dibujos animados de Universal Studios. El personaje principal de Walter Lantz en ese momento era Oswald el Conejo Afortunado , cuyos dibujos animados anteriores habían sido producidos tanto por Walt Disney como por Charles Mintz . Lantz también comenzó a experimentar con dibujos animados en color, y el primero, llamado Jolly Little Elves , se lanzó en 1934. En 1935, Walter Lantz independizó su estudio de Universal Studios, y el estudio ahora era solo el distribuidor de sus dibujos animados, en lugar de los propietarios directos. [111] Después de ver el éxito de Disney con su primera película Blancanieves y los siete enanitos , Lantz planeó producir una película animada de larga duración basada en la historia de Aladdin , protagonizada por el famoso dúo cómico Abbot y Costello . Sin embargo, el proyecto no se desarrolló después de que Mr. Bug Goes to Town fracasara en la taquilla. [112]
A finales de los años 30, Oswald comenzó a perder popularidad. Lantz y su equipo trabajaron en varias ideas para posibles nuevos personajes de dibujos animados (entre ellos Meany, Miny y Moe , Lil' Eightball y Baby-Face Mouse ). El estudio finalmente se decidió por Andy Panda , quien ganó popularidad en su corto debut Life Begins for Andy Panda (1939). [113] Por más exitoso que fuera Andy, no fue hasta la quinta caricatura del personaje, Knock Knock (1940), que se presentó un personaje realmente innovador. Woody Woodpecker , que apareció inicialmente en una caricatura de Andy Panda , que se convirtió en la creación más exitosa de Lantz. [114]
A principios de la década de 1940, Lantz y el animador Alex Lovy dirigieron dibujos animados mediante el uso de una sola unidad hasta 1943, cuando James Culhane (un ex animador de Disney/Fleischer que recientemente había tenido una breve temporada en Warner Bros.) asumió sus roles como director, comenzando con el dibujo animado Pass the Biscuits Mirandy! El período de Culhane en Lantz se destacó por introducir la experimentación con influencia de la vanguardia rusa , fondos minimalistas y cortes rápidos , lo que hizo que sus cortometrajes se destacaran del trabajo anterior de los estudios. [115] Lantz también presentaría una nueva serie de películas bajo el nombre de Swing Symphony , que eran cortos musicales basados en la música swing contemporánea de la época. Culhane luego dejó Lantz a fines de 1945 luego de una disputa salarial. El ex animador de Disney Dick Lundy asumió el papel de director después de la partida de Culhane. [116] A diferencia de Culhane, Lundy se centró mucho más en los gags visuales y la animación. Los críticos notaron que las animaciones aumentaron en calidad a finales de los años 40, principalmente debido a la influencia de Lundy, así como a la llegada de más animaciones ex-Disney, como Ed Love , Fred Moore y Ken O'Brien.
En 1947, Lantz estaba negociando con Universal su contrato de siete años cuando, de repente, esta se transformó en Universal-International. La nueva dirección insistió en conservar los derechos de comercialización y licencia de sus personajes. Lantz se negó, por lo que se retiró de su empresa matriz y contrató a United Artists para que distribuyera sus cortometrajes entre 1947 y 1949. Esta fue también la época en la que Andy Panda fue oficialmente descontinuado debido a su menguante popularidad. En total, se estrenaron 12 cortometrajes bajo United Artists.
El estudio de Lantz atravesó graves problemas financieros durante su tiempo con United Artist, lo que le llevó a cerrar el estudio en 1949. [117] Abrió de nuevo en 1950 con un personal reducido, principalmente porque Lantz pudo recuperarse de sus pérdidas y firmó un acuerdo con Universal-International para más dibujos animados de Woody Woodpecker, comenzando con Puny Express de 1951. Woody seguiría apareciendo en dibujos animados hasta principios de la década de 1970. Lantz se desempeñó como el único director y escritor de sus propios dibujos animados durante dos años antes de que lo asumiera el animador Don Patterson y el escritor Homer Brightman . El estudio aún pudo beneficiarse de la obtención de animadores y escritores adicionales a lo largo de su segunda vida; con MGM reduciendo el tamaño de su estudio de animación y Warner Bros. cerrando brevemente todo su departamento de animación en los años 50, Lantz pudo aumentar el personal hasta el punto de poder establecer una segunda unidad en su estudio. Paul J. Smith , un veterano de Warner Bros. que trabajó para Lantz en los años 40, sería el director de esta nueva unidad.
Smith crearía a Chilly Willy en 1953, y se convertiría en el segundo personaje más destacado del estudio en los años 50. Más tarde, Tex Avery lo perfeccionaría al año siguiente, quien dejó MGM a principios de esa década. Avery dirigiría 4 cortos durante su tiempo en Walter Lantz Productions, hasta que se fue en 1955 por disputas salariales. Otras contribuciones de dirección incluyeron a Jack Hannah , Sid Marcus y Alex Lovy , quien regresó al estudio desde principios de los años 40. El estudio Lantz también crearía varios personajes más recurrentes en esta era, como Maw y Paw , Maggie y Sam , Windy y Breezy , Inspector Willoughby , Hickory, Dickory y Doc , y The Beary Family.
Lantz finalmente cerró las puertas de su estudio por última vez en 1972, diciendo que continuar produciendo cortometrajes sería imposible debido al aumento de los costos de producción. Sin embargo, para Lantz, la supervivencia de Woody Woodpecker se alargó cuando comenzó a aparecer en The Woody Woodpecker Show de 1957 a 1987, desde donde entró en sindicación hasta 1990. NBC revivió el programa tres veces: en 1991, 1992 y 1997, Lantz vendió todos los cortos de Woody Woodpecker a Universal , entonces parte de MCA .
Antes de que Paul Terry creara su propio estudio, trabajó en Bray Productions en 1916, donde creó su primer personaje popular, el granjero Al Falfa . Más tarde, en 1921, trabajó en Fables Pictures, Inc. , fundada por Keith-Albee-Orpheum y pronto adquirida por Amedee J. Van Beuren en 1928. Allí trabajaría en la serie de dibujos animados Aesop's Film Fables . Sin embargo, Van Beuren se puso nervioso debido al fenómeno de un nuevo formato cinematográfico de sonido presincronizado en el cine. Beuren instó a Terry a producir películas en este formato, pero se negó, lo que lo obligó a despedir a Terry en 1929.
Después de perder su serie Aesop's Film Fables a manos de Van Beuren Studios en 1929, Terry fundó un nuevo estudio llamado Terrytoons . Terrytoons producía 26 dibujos animados al año para Educational Pictures de EW Hammons , que a su vez suministraba productos de cortometraje a Fox Film Corporation . Cuando el estudio se reformó más tarde en 20th Century Fox en 1935, el estudio retiró el apoyo a Educational Pictures y respaldó financieramente al estudio de Terry. Educational Pictures finalmente cerraría a fines de los años 30. Los dibujos animados de Terry de la década de 1930 se produjeron principalmente en blanco y negro y tienen muy pocos personajes recurrentes, con la excepción del granjero Al Falfa , que había aparecido en los dibujos animados de Paul Terry desde la era del cine mudo.
Los años 1930 y 1940 trajeron los personajes más populares y exitosos de Terry, Gandy Goose a partir de 1938, Mighty Mouse a partir de 1942 y Heckle y Jeckle , desarrollado mediante la combinación de lo que originalmente era una pareja de urracas traviesas de marido y mujer de la caricatura de Farmer Al Falfa de 1946 The Talking Magpies con la noción de Terry de que los hermanos gemelos o parecidos tenían posibilidades cómicas. Otros personajes incluyen a Dinky Duck en 1939, Dimwit the Dog (originalmente emparejado con Heckle y Jeckle), Sourpuss (generalmente emparejado con Gandy Goose) y entre otros. Terrytoons también fue nominado cuatro veces al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación: All Out for V (1942), My Boy, Johnny (1944), Mighty Mouse in Gypsy Life (1945) y Sidney's Family Tree (1958).
A pesar del éxito, los dibujos animados de Terrytoon eran conocidos por tener los presupuestos más bajos de cualquier estudio de animación importante en ese momento. Paul Terry produjo dibujos animados principalmente desde un punto de vista comercial en lugar de su valor artístico. También diría: "Dejen que Walt Disney sea el Tiffany's del negocio. ¡Yo quiero ser el Woolworth's !" [118] Sin embargo, Terrytoons se considera un trampolín temprano para varios animadores destacados, como Joseph Barbera y Art Babbitt .
Terry se retiró después de vender su compañía y su cartera de pedidos a CBS en 1956. CBS continuó operando el estudio por el resto de su vida, con Gene Deitch ahora a cargo como director creativo. Terrytoons experimentó cambios significativos bajo el liderazgo de Deitch. A diferencia de Terry, Deitch quería alejarse del estricto formato contemporáneo de los estudios y hacer dibujos animados en un estilo más minimalista, similar al de UPA . Terrytoons también se dividió entre producir cortometrajes teatrales y dibujos animados para televisión, además de tener nuevos personajes como Tom Terrific , Lariat Sam, Sidney the Elephant, Gaston Le Crayon, John Doormat y Clint Clobber (a menudo confundido con el dueño humano de Tom en Tom y Jerry de Deitch ). También descontinuaría los dibujos animados Mighty Mouse y Heckle and Jeckle por unos años para que se pudiera poner más atención en sus nuevos personajes.
Deitch fue despedido más tarde en 1959 y reemplazado por William M. Weiss, quien revirtió algunas de las decisiones de Deitch. Mighty Mouse y Heckle and Jeckle continuarían la producción, junto con la creación de nuevos personajes, como Hector Heathcote , Luno the White Stallion , Hashimoto-san , Sad Cat y Deputy Dawg . El animador Ralph Bakshi también ganaría prominencia en esta época, comenzando originalmente como opacador y luego como director. Bakshi luego se mudaría a Famous Studios en 1967. Terrytoons finalmente se desvaneció y cerró en 1972.
En 1928, el productor Amadee J. Van Beuren compró el estudio Fables Pictures de Keith-Albee-Orpheum y formó una sociedad con Paul Terry para la producción de la serie de dibujos animados Aesop's Film Fables . En 1929, Terry se fue para comenzar su propio estudio y fue reemplazado por John Foster, quien se hizo cargo del departamento de animación y renombró el estudio Van Beuren Studios . Van Beuren continuó la serie Aesop's Fables e intentó sin éxito una adaptación de dibujos animados de los comediantes de radio con cara pintada de negro Amos 'n Andy . Otras caricaturas de Van Beuren presentaban a Tom y Jerry (no el gato y el ratón, sino un dúo humano parecido a Mutt y Jeff ) y el personaje de tira cómica de Otto Soglow , The Little King . Frank Tashlin y Joseph Barbera estuvieron entre los animadores que trabajaron brevemente para el estudio durante su corta vida.
En 1934, mientras otros estudios estaban poniendo dibujos animados en Technicolor como una respuesta a la serie de dibujos animados Silly Symphonies de Disney , Van Beuren Studio abandonó sus dibujos animados restantes y respondió al uso de Technicolor de Disney creando la serie Rainbow Parade , que era toda en color. Sin embargo, la serie no fue un éxito y en 1936, RKO Pictures , el distribuidor de los dibujos animados de Van Beuren, finalizó su contrato con ellos para distribuir los dibujos animados de Disney en su lugar. [119] Van Beuren cerraría el estudio en 1938 y fallecería poco después. La mayor parte de su personal se mudaría a Terrytoons , Fleischer Studios u otros estudios en la Costa Este u Oeste.
Este estudio, junto con Fleischer, fueron citados por causar la formación del Screen Cartoonist's Guild en 1938, ya que el estudio de Van Beuren era conocido por su mal trato a los trabajadores sindicalizados, ya sea por parte del propio Van Beuren o del director Burt Gillett . [120] [121] Van Beuren ha dicho que cerró su estudio porque se negó a aceptar la sindicalización dentro de su negocio. [122]
En 1930, el distribuidor Pat Powers convenció al animador de Walt Disney, Ub Iwerks, de que abandonara el estudio Disney y creara el suyo propio, creyendo que Iwerks era responsable de gran parte del éxito inicial de Disney. Iwerks abrió su estudio ese año con Powers como su patrocinador financiero. Los primeros dibujos animados de Iwerk fueron para Metro-Goldwyn-Mayer , creando personajes como Flip the Frog y Willie Whopper . Más tarde, MGM dejó de distribuir sus dibujos animados a favor de lanzar los dibujos animados de Harman e Ising .
Después de su estancia en MGM, las caricaturas de Iwerks fueron distribuidas por Celebrity Pictures, e Iwerks respondería al uso de Technicolor por parte de Disney y crearía la serie ComiColor Cartoon , que emitía caricaturas en Cinecolor de dos tiras. [123] Sin embargo, en 1936, el Iwerks Studio comenzó a experimentar reveses financieros y cerró después de que Powers retirara la ayuda financiera al estudio. [124] Después de animar en Warner Bros. , crear Gabby Goat y subcontratar caricaturas para Columbia Pictures en ese momento, Iwerks regresó a Disney en 1940, donde trabajó como jefe de la división de " desarrollo de efectos especiales " hasta su muerte en 1971.
Iwerks dejó atrás su estudio de animación tras su regreso a Disney. Pronto se reorganizaría como Cartoon Films Ltd , con el inversor ángel con sede en Gran Bretaña Lawson Harris convirtiéndose en el productor del estudio y Paul Fennell como director. [125] La principal producción del estudio era la animación comercial, [126] pero eran más conocidos por sus especialidades para Columbia. Se planeó que una serie de corta duración, The Changing World , tuviera seis cortometrajes producidos y estaría destinada a documentar los eventos antes y durante la Segunda Guerra Mundial , pero luego se descartó después de dos cortos. [127] Otro corto titulado The Carpenters (1941) fue producido y presentó las travesuras del Sr. Teewilliger y sus torpes empleados Clancy y Herman. El estudio continuaría produciendo comerciales animados después de su trabajo con Columbia.
En 1946, Republic Pictures incorporó una pieza de animación de Walter Lantz Productions a su película Sioux City , un western protagonizado por Gene Autry . Al año siguiente, Republic firmó un acuerdo con el exdirector de Warner Bob Clampett para producir una serie de cortos protagonizados por su última creación, un personaje de caballo rural llamado Charlie Horse . Clampett llegó a dirigir una caricatura con el título It's a Grand Old Nag (1947) antes de que la compañía cancelara una posible serie animada. [128]
Más tarde, en 1949, Republic comenzó una nueva serie de dibujos animados llamada Jerky Journeys , dirigida por el guionista de comedia de radio Leonard L. Levinson. Se destacó que los dibujos animados usaban animación limitada y se los describió como películas satíricas de viajes con presupuestos pequeños. [129] Art Heinemann fue el diseñador principal del diseño, Miles Pike proporcionó los efectos especiales y los artistas de Warner Robert Gribbroek , Peter Alvarado y Paul Julian proporcionaron las pinturas de fondo. Uno de sus cortos, The 3 Minnies Sota, Tonka & Ha-Ha (1948) fue nominado a un premio de la Academia al mejor cortometraje de animación . Republic luego interrumpió la serie después de que se hicieran cuatro dibujos animados.
John Sutherland fundó su propio estudio John Sutherland Productions en 1945 después de trabajar en Walt Disney Productions y el ejército de los EE. UU. con una serie de películas de entrenamiento de la Segunda Guerra Mundial. [130] El estudio sería principalmente conocido por producir animación educativa/instructiva otorgada por el Harding College con la ayuda de Alfred P. Sloan . Una de sus películas más notables es Make Mine Freedom , una caricatura de 1948 que fue la primera de una serie de películas a favor de la libre empresa producidas por el estudio. Sutherland pudo contratar a artistas destacados de la industria, como Emery Hawkins , Phil Roman y una gran cantidad de ex animadores de Harman & Ising para trabajar en sus caricaturas. El estudio de Sutherland pudo desarrollar una relación con MGM, que distribuiría algunos de sus cortometrajes a fines de los años 40 y principios de los 50. Sutherland también incursionaría en la animación stop-motion, como la producción de los cortos de Daffy Ditty con Larry Morey para United Artists . [131] Sutherland produjo 45 películas desde 1945 hasta su retiro en 1973.
George Pal fue un cineasta húngaro que produjo originalmente cortometrajes animados y de marionetas tradicionales en Europa durante la década de 1930. A diferencia de otras películas que presentan marionetas, los cortometrajes de Pal usaban una técnica de stop motion conocida como la técnica Pal-Doll , que utiliza una serie de marionetas de madera talladas únicas para cada cuadro para emular el movimiento en lugar de usar una sola marioneta. Algunos de los cortometrajes de Pal eran anuncios de productos específicos, como el sistema de radio Philips en The Ship of the Ether (1934) y Philips Cavalcade (1934).
Pal se mudó a los Estados Unidos en 1939 y fue contratado por Paramount para producir una serie de cortos stop-motion bajo el nombre de Madcap Models , más tarde rebautizado como Puppetoons . Siete películas de Puppetoon de 1941 a 1947 fueron nominadas a los Premios de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación , y la serie crearía varios personajes recurrentes, como Jasper, Mr. Strauss y Punchy & Judy . Sin embargo, en 1947, el aumento de los costos de producción provocó que Paramount descontinuara la serie. Pal continuaría trabajando en la industria como productor y director de películas de acción en vivo e incorporaría sus secuencias de Puppetoon en sus películas también, como en El gran Rupert (1949), Tom Thumb (1958) y El maravilloso mundo de los hermanos Grimm (1963).
Aunque no se dedicó principalmente al medio, Jerry Fairbanks trabajó en varios proyectos de animación para. En 1941, Fairbanks produjo los exitosos cortometrajes Speaking of Animals , basados en una idea conceptualizada por Tex Avery en Warner Bros., y resultó en una nominación dos veces al Oscar al Mejor Cortometraje de Acción Real . A finales de los años 40 y principios de los 50, Fairbanks también produjo películas de base industrial con secuencias animadas ocasionales de Manny Gould , Lou Lilly y Anna Osborn. Fairbanks también trabajó en Crusader Rabbit como productor supervisor.
Fundada en 1948 por el animador Jay Ward , Jay Ward Productions emitió el primer dibujo animado hecho para televisión, Crusader Rabbit , y también es recordada por The Adventures of Rocky and Bullwinkle and Friends (1959-1964), así como por varios anuncios icónicos, como los de cereales para el desayuno. Con un estilo de animación limitado , el éxito de los dibujos animados de Jay Ward residía en sus gags visuales y juegos de palabras repletos de contenido.
Jam Handy, un conocido nadador olímpico y jugador de waterpolo, era conocido por fundar su propio estudio con sede en Chicago , The Jam Handy Organization, después de trabajar como representante industrial para Bray Productions . Aunque es más conocido por producir películas para la industria automotriz, Handy también ha incursionado en la animación. Handy ha realizado numerosos cortometrajes animados con Nicky Nome , un personaje creado para publicitar el Chevrolet para General Motors . [132]
Quizás el corto animado más conocido de Handy fue la adaptación de 1948 de Rodolfo el reno de la nariz roja , patrocinada por Montgomery Ward . Fue la primera adaptación animada conocida del personaje principal y fue producida y dirigida por Max Fleischer . [133]
Aunque gran parte de la atención en una caricatura animada se centra en las imágenes, los talentos vocales y las partituras sinfónicas que acompañaban a las imágenes también fueron muy importantes para el éxito de las caricaturas animadas. A medida que las películas alejaban a las audiencias de sus aparatos de radio, también atrajeron a actores talentosos e imitadores vocales al cine y la animación. Mel Blanc dio voz a la mayoría de los personajes más populares de Warner Bros., incluidos Bugs Bunny, Porky Pig (a partir de 1937) y el Pato Lucas. Otras voces y personalidades del vodevil y la radio contribuyeron a la popularidad de las películas animadas en la Era Dorada. Algunos de estos actores (generalmente no acreditados) incluyeron a Cliff Edwards (también conocido como Ukulele Ike ), Arthur Q. Bryan , Stan Freberg , Bea Benaderet , Bill Thompson , Grace Stafford , Jim Backus , June Foray y Daws Butler .
Los dibujos animados de esta época también incluían partituras interpretadas por orquestas de estudio . Carl Stalling , Scott Bradley , Sammy Timberg , Winston Sharples , Darrell Calker , Clarence Wheeler y Oliver Wallace compusieron numerosas bandas sonoras de dibujos animados, creando material original e incorporando melodías clásicas y populares conocidas. Muchos de los primeros dibujos animados, en particular los de la serie Silly Symphonies de Disney , se basaban en piezas clásicas. Estos dibujos animados a veces presentaban personajes estelares, pero muchos tenían temas de naturaleza simples.
Durante gran parte de la historia de la animación de Hollywood, la producción de películas de animación fue una industria exclusiva que no se diversificó muy a menudo hacia otras áreas. Los diversos estudios de animación trabajaron casi exclusivamente en la producción de dibujos animados y títulos animados para películas. Solo ocasionalmente se utilizó la animación para otros aspectos de la industria cinematográfica. Las series de Superman de bajo presupuesto de la década de 1940 utilizaron secuencias animadas de Superman volando y realizando hazañas con superpoderes que se utilizaron en lugar de efectos especiales de acción real, pero esta no era una práctica común.
La exclusividad de la animación también resultó en el nacimiento de una industria hermana que se utilizó casi exclusivamente para efectos especiales de películas: la animación stop motion . A pesar de sus similitudes, los dos géneros de animación stop-motion y animación dibujada a mano rara vez se unieron durante la Edad de Oro de Hollywood. La animación stop-motion se hizo un nombre con el éxito de taquilla de 1933 King Kong , donde el animador Willis O'Brien definió muchas de las principales técnicas de stop motion utilizadas durante los siguientes 50 años. El éxito de King Kong dio lugar a una serie de otras películas de efectos especiales tempranas, incluida Mighty Joe Young , que también fue animada por O'Brien y ayudó a iniciar las carreras de varios animadores, incluido Ray Harryhausen , que se hizo famoso en la década de 1950. George Pal fue el único animador stop-motion que produjo una serie de dibujos animados stop-motion para su estreno en cines, la serie Puppetoon para Paramount, algunos de los cuales fueron animados por Ray Harryhausen. Pal continuó produciendo varias películas de acción en vivo repletas de efectos especiales.
La animación stop motion alcanzó su máximo auge durante la década de 1950. La creciente popularidad de las películas de ciencia ficción condujo a un desarrollo exponencial en el campo de los efectos especiales, y George Pal se convirtió en el productor de varias películas populares cargadas de efectos especiales. Mientras tanto, el trabajo de Ray Harryhausen en películas como La bestia de 20.000 brazas , La Tierra contra los platillos volantes y El séptimo viaje de Simbad atrajo a grandes multitudes y fomentó el desarrollo de efectos especiales "realistas" en las películas. Estos efectos utilizaban muchas de las mismas técnicas que la animación por celdas, pero aún así los dos medios no solían unirse. El stop motion se desarrolló hasta el punto en que los efectos de Douglas Trumbull en 2001: Odisea del espacio parecían realistas en un grado sobrenatural.
Los efectos especiales de Hollywood continuaron desarrollándose de una manera que en gran medida evitó la animación en celuloide , aunque varias secuencias animadas memorables se incluyeron en largometrajes de acción real de la época. La más famosa de ellas fue una escena durante la película Anchors Aweigh , en la que el actor Gene Kelly bailó con un ratón Jerry animado (famoso por Tom y Jerry ). Pero, a excepción de secuencias ocasionales de este tipo, la única integración real de la animación en celuloide en películas de acción real se produjo en el desarrollo de créditos animados y secuencias de título. Las secuencias de apertura de Saul Bass para las películas de Alfred Hitchcock (incluidas Vértigo , Con la muerte en los talones y Psicosis ) son muy elogiadas e inspiraron a varios imitadores.
Los principales estudios de Hollywood contribuyeron en gran medida al esfuerzo bélico, y sus estudios de dibujos animados también colaboraron con diversas contribuciones. En los estudios Fleischer, Popeye el Marino se unió a la Marina y comenzó a luchar contra los nazis y los "japoneses"; mientras que el estudio Warner Bros. produjo una serie de dibujos animados instructivos de Private Snafu especialmente para que los vieran los soldados rasos. Incluso Disney participó en el esfuerzo bélico, produciendo comedias satíricas como Der Fuhrer's Face y comentarios como Education for Death .
En la década de 1960, se produjeron algunos destellos creativos en el medio cinematográfico, en particular de DePatie–Freleng Enterprises . Su primer y más exitoso proyecto fue la animación de los títulos de apertura de la película de 1964, La pantera rosa , protagonizada por Peter Sellers . La película y sus secuencias animadas tuvieron tanto éxito que United Artists encargó al estudio que produjera una serie de dibujos animados de La pantera rosa. El primer corto, The Pink Phink , ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación de 1964. El estudio también produjo otras series de dibujos animados de éxito como El inspector y La hormiga y el oso hormiguero .
Mientras tanto, Chuck Jones, que había sido despedido de Warner Bros., se trasladó a MGM para producir treinta y cuatro dibujos animados de Tom y Jerry para el cine a finales de 1963. Estos dibujos animados estaban animados en su estilo distintivo, pero nunca alcanzaron la popularidad de los originales de Hanna-Barbera de los años 1940 y 1950, aunque tuvieron más éxito que los cortos de Tom y Jerry de Gene Deitch , que se produjeron en el extranjero durante 1961 y 1962.
De 1964 a 1967, DePatie–Freleng produjo cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies bajo contrato con Warner Bros. Estos dibujos animados se pueden reconocer fácilmente porque utilizan los modernos logotipos abstractos de WB en lugar de los famosos círculos concéntricos del escudo de WB. El estudio también subcontrató 11 dibujos animados de Wile E. Coyote y el Correcaminos a Format Films. DePatie–Freleng cesó la producción de Looney Tunes y se mudó al Valle de San Fernando en 1967 para continuar la producción de sus dibujos animados de La Pantera Rosa , produciendo el último dibujo animado original para cines en 1977. Los siguientes cortos de La Pantera Rosa de 1978 a 1981 se produjeron originalmente para televisión y luego se estrenaron en cines. En 1967, WB reanudaría la producción de sus propios dibujos animados, antes de cerrar por completo el departamento de dibujos animados cinematográficos en 1969. En 1981, el estudio fue comprado por Marvel Comics y pasó a llamarse Marvel Productions .
En 1946, el sindicato de animación de la época negoció un aumento salarial del 25%, lo que hizo que los dibujos animados fueran más caros de producir en general. Después del veredicto de 1948 tras el caso antimonopolio de Hollywood , ya no había una garantía de reserva en los cines para los dibujos animados de ninguno de los estudios, lo que lo convirtió en un negocio más arriesgado y debido a esto se invirtieron menos recursos en los cortometrajes teatrales, lo que provocó un declive gradual. A principios de la década de 1950, el medio de la televisión estaba comenzando a ganar más impulso y, como resultado, la industria de la animación comenzó a cambiar. A la cabeza de este cambio estaba el tándem de William Hanna y Joseph Barbera , los creadores de Tom y Jerry. El nuevo Hanna-Barbera utilizó el estilo de animación limitada que UPA había iniciado. Con esta animación limitada, Hanna y Barbera crearon varios personajes, incluidos Huckleberry Hound , Los Picapiedra , El oso Yogi , Don Gato y Los Supersónicos . Con la creciente popularidad de la televisión, que incluía los dibujos animados de los sábados por la mañana , en los años 60 comenzó un declive mucho más significativo en la asistencia al cine. Para hacer frente a la competencia de la televisión, los cines hicieron lo que pudieron para reducir sus propios costos. Una forma de hacerlo fue contratar solo largometrajes y evitar los gastos de los cortometrajes, que se consideraban innecesarios y demasiado caros. Los pocos cortometrajes que llegaron a los cines a pesar de esto a menudo son vistos por los críticos como inferiores a sus predecesores.
Esta es una cronología de la época dorada de la producción activa de cortometrajes animados de los estudios de animación estadounidenses que se lanzaban regularmente para exhibiciones en salas. Algunos estudios siguen lanzando cortometrajes animados en salas de cine con poca frecuencia. Los colores corresponden al distribuidor asociado de los estudios de animación estadounidenses.
Siete largometrajes animados de Disney ( Blancanieves , Pinocho , Fantasía , Dumbo , Bambi , La Cenicienta y La Bella Durmiente ) y varios cortos animados ( Steamboat Willie , la versión de Blancanieves de Betty Boop , Los tres cerditos , Popeye conoce a Simbad el Marino , Porky en Wackyland , Gerald McBoing Boing , El corazón delator , Duck Amuck y ¿Qué es Opera Doc? ) fueron incluidos en el Registro Nacional de Cine . [134] Los cortos antes mencionados también fueron parte de la encuesta del libro de 1994 del historiador de animación Jerry Beck de Las 50 mejores caricaturas . [135]
La película de 1988 ¿Quién engañó a Roger Rabbit? ha honrado tanto la época dorada de la animación estadounidense como el cine clásico de Hollywood . [136] La película presentó cameos de varios personajes famosos de dibujos animados de múltiples estudios de animación, como Disney, Warner Bros., Fleischer Studios, Universal, entre otros. La película también contiene la única vez en la historia cinematográfica en que Mickey Mouse y el Pato Donald de Disney se cruzan con Bugs Bunny y el Pato Lucas de Warner Bros. Studios , respectivamente, en pantalla. De hecho, la época dorada de la animación estadounidense es muy influyente ya que más tarde allanaría el camino para ciertos programas de dibujos animados como: Tiny Toon Adventures , Animaniacs , Bonkers , Taz-Mania y Duck Dodgers (influenciados por los cortometrajes de Looney Tunes ), Ren y Stimpy (influenciados por los dibujos animados de Warner Bros. y MGM), la serie animada de Batman y Superman (influenciada por los dibujos animados teatrales de Superman ), Los Simpsons (influenciada por Los Picapiedra ), y Mickey Mouse Works y House of Mouse (influenciada por los dibujos animados de Walt Disney). [137] [138] [139] [140] [141] [142] [143] Asimismo, la estética Fleischer de la serie animada de superhéroes antes mencionada se combinó para recrear los diseños futuristas de Batman Beyond , Loonatics Unleashed y The Spectacular Spider-Man , [144] [145] [146] mientras que la estética de Los Supersónicos influyó en los diseños retro de Kim Possible . [147] Otras producciones televisivas influenciadas por la animación teatral clásica fueron la mayoría de las series animadas del bloque The Disney Afternoon . [148]
La mayoría de las películas del Renacimiento de Disney y el largometraje La princesa y el sapo se realizaron con técnicas de animación similares a las de la época dorada. [149] Además, el largometraje Fantasía 2000 de 1999 es una secuela directa del largometraje Fantasía original de 1940. Generalmente también se vincula al Renacimiento de Disney, ya que conmemora el 59.º aniversario y el 60.º aniversario de la tercera película animada de Walt Disney. [150] Además, largometrajes CGI como Cars , Enredados , Frozen , El gato con botas: el último deseo y El robot salvaje , también se inspiraron en animaciones clásicas. [151] [152] [153] [154] [155] Por otro lado, Robin Hood se produjo con animaciones y diseños reciclados de las películas originales de Walt Disney, mientras que el cortometraje Mickey's Christmas Carol fue reconocido por el regreso de los personajes clásicos de Disney a la animación teatral. [156] [157] De hecho, la época dorada también ha influido en otros cortometrajes animados, como Paperman , Get a Horse!, Prise de Bec , The Brave Locomotive y el segmento de película animada Pudgy and Grunge de Mrs. Doubtfire . [158] [159] [ 160] [161] Aunque solo se muestra un minuto de la caricatura durante la película, Jones y su equipo animaron cinco minutos de metraje Asimismo, los primeros cortos animados de Winnie the Pooh se compilaron con otros nuevos en el largometraje The Many Adventures of Winnie the Pooh , obteniendo su propia franquicia popular. [162] Por otro lado, la animación stop motion de Ray Harryhausen sirvió de inspiración para la producción de los largometrajes Jurassic Park y The Nightmare Before Christmas , [163] [164] mientras que los temas de efectos especiales en Forbidden Planet y 2001: A Space Odyssey inspiraron otras producciones de ciencia ficción, incluyendo la primera serie de televisión de Star Trek , la primera trilogía cinematográfica de Star Wars , además de las películas Alien , Blade Runner y The Terminator . [165] [166] [167]
Otras películas de animación como: Los rescatadores , La tostadora valiente , Oliver y su pandilla , En busca del valle encantado , Todos los perros van al cielo , El príncipe cascanueces , Pulgarcita , La princesa cisne , Balto , Los gatos no bailan , Anastasia , El rey y yo y El gigante de hierro , también fueron influenciadas por la estética en las animaciones de la época dorada. [168] [169] [170] [171] [172] [173] [174] [175] [176] Esta tendencia de hacer animaciones con diseños clásicos fue muy relevante durante la época del renacimiento de la animación estadounidense , un período en el que el mercado de la nostalgia era particularmente fuerte entre la audiencia, comenzando con El gran ratón detective y Un cuento americano . [177] [178]
Las caricaturas de Chuck Jones y Tex Avery sirvieron como inspiración para el desarrollo de las franquicias de videojuegos: Crash Bandicoot , Spyro the Dragon , Jak and Daxter , Ratchet & Clank y Ty the Tasmanian Tiger , [179] [180] [181] [182] [183] además de influir fuertemente en los diseños y el humor slapstick de las trilogías originales Ice Age , Madagascar y Kung Fu Panda . [184] [185] [186] De manera similar, Banjo-Kazooie fue hecho para atraer a una amplia audiencia y con referencia a las películas clásicas de Walt Disney, [187] mientras que Sly Cooper fue influenciado por los diseños de las películas clásicas de animación cel . [188] Además, el período de Disney durante la era del cine mudo y la edad de oro influyó en el desarrollo del videojuego de 2010 Epic Mickey . [189] Además, el videojuego Cuphead de 2017 y la película interactiva Cat Burglar de 2022 presentan un estilo de animación clásico inspirado en las obras de Disney, Tex Avery y Fleischer de este período. [190] [191]
La época dorada de la animación estadounidense, especialmente los dibujos animados de Walt Disney , fue muy influyente en todo el mundo, en particular:
Portal de animación
Portal de cine
Portal de televisión
Portal de Estados Unidos
Portal de los años 1920
Portal de los años 30_burning_after_the_Japanese_attack_on_Pearl_Harbor_-_NARA_195617_-_Edit.jpg/1280px-The_USS_Arizona_(BB-39)_burning_after_the_Japanese_attack_on_Pearl_Harbor_-_NARA_195617_-_Edit.jpg){kind=small}
Portal de los años 1940
Portal de los años 50
Portal de los años 60{{cite web}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )Esta película fue enormemente popular entre los críticos y pareció señalar el comienzo de una nueva "era dorada" de la animación en Disney.
{{cite AV media}}: CS1 maint: bot: estado de URL original desconocido ( enlace )