Ukiyo-e [a] es un género de arte japonés que floreció entre los siglos XVII y XIX. Sus artistas produjeron grabados en madera y pinturas de temas como la belleza femenina; actores de kabuki y luchadores de sumo ; escenas de historia y cuentos populares; escenas y paisajes de viajes; Flora y fauna ; y erótica . El término ukiyo-e (浮世絵) se traduce como "imagen[es] del mundo flotante".
En 1603, la ciudad de Edo ( Tokio ) se convirtió en la sede del gobernante shogunato Tokugawa . La clase chōnin (comerciantes, artesanos y trabajadores), situada en la base del orden social , fue la que más se benefició del rápido crecimiento económico de la ciudad y comenzó a disfrutar y patrocinar el entretenimiento del teatro kabuki, las geishas y las cortesanas del placer. distritos ; El término ukiyo ('mundo flotante') llegó a describir este estilo de vida hedonista. Las obras de ukiyo-e impresas o pintadas eran populares entre la clase chōnin , que se había vuelto lo suficientemente rica como para permitirse el lujo de decorar sus hogares con ellas.
Las primeras obras de ukiyo-e surgieron en la década de 1670, con pinturas y grabados monocromáticos de mujeres hermosas de Hishikawa Moronobu . Las impresiones en color se fueron introduciendo gradualmente y al principio sólo se utilizaron para encargos especiales. En la década de 1740, artistas como Okumura Masanobu utilizaban múltiples planchas de madera para imprimir áreas de color. En la década de 1760, el éxito de las "impresiones de brocado" de Suzuki Harunobu llevó a que la producción a todo color se convirtiera en estándar, con diez o más bloques utilizados para crear cada impresión. Algunos artistas de ukiyo-e se especializaban en pintar, pero la mayoría de sus obras eran grabados. Los artistas rara vez tallaban sus propios bloques de madera para imprimirlos; más bien, la producción se dividió entre el artista, que diseñaba las impresiones, el tallador, que cortaba los bloques de madera, el impresor, que entintaba y prensaba los bloques de madera sobre papel hecho a mano , y el editor, que financiaba, promovía y distribuía las obras. Como la impresión se hacía a mano, los impresores podían lograr efectos poco prácticos con las máquinas, como la combinación o gradación de colores en el bloque de impresión.
Los especialistas han apreciado los retratos de bellezas y actores realizados por maestros como Torii Kiyonaga , Utamaro y Sharaku, que llegaron a finales del siglo XVIII. El siglo XIX también vio la continuación de los maestros de la tradición ukiyo-e, con la creación de La gran ola de Kanagawa del artista Hokusai , una de las obras más conocidas del arte japonés, y La gran ola de Kanagawa del artista Hiroshige . Cincuenta y tres estaciones del Tōkaidō . Tras la muerte de estos dos maestros, y en contra de la modernización tecnológica y social que siguió a la Restauración Meiji de 1868, la producción de ukiyo-e entró en fuerte declive. Sin embargo, el siglo XX vio un resurgimiento del grabado japonés: el género shin-hanga ('nuevos grabados') aprovechó el interés occidental por los grabados de escenas tradicionales japonesas, y el movimiento sōsaku-hanga ('grabados creativos') promovió obras individualistas diseñadas , tallado e impreso por un solo artista. Los grabados desde finales del siglo XX han continuado con una vena individualista, a menudo realizados con técnicas importadas de Occidente.
Ukiyo-e fue fundamental para formar la percepción occidental del arte japonés a finales del siglo XIX, en particular los paisajes de Hokusai e Hiroshige. A partir de la década de 1870, el japonismo se convirtió en una tendencia destacada y tuvo una fuerte influencia en los primeros impresionistas como Edgar Degas , Édouard Manet y Claude Monet , además de influir en los postimpresionistas como Vincent van Gogh y en artistas del Art Nouveau como Henri. de Toulouse-Lautrec .
El arte japonés desde el período Heian (794-1185) había seguido dos caminos principales: la tradición nativista Yamato-e , centrada en temas japoneses, más conocida por las obras de la escuela Tosa ; y kara-e de inspiración china en una variedad de estilos, como las pinturas monocromáticas en aguada con tinta de Sesshū Tōyō y sus discípulos. La escuela de pintura Kanō incorporó características de ambos. [1]
Desde la antigüedad, el arte japonés había encontrado patrocinadores en la aristocracia, los gobiernos militares y las autoridades religiosas. [2] Hasta el siglo XVI, las vidas de la gente común no habían sido un tema principal de la pintura, e incluso cuando se incluían, las obras eran artículos de lujo hechos para los samuráis gobernantes y las clases mercantiles ricas. [3] Obras posteriores aparecieron por y para la gente del pueblo, incluidas pinturas monocromáticas económicas de bellezas femeninas y escenas de los distritos de teatro y placer. La naturaleza producida a mano de estos shikomi-e (仕込絵) limitó la escala de su producción, un límite que pronto fue superado por géneros que recurrieron a la impresión en madera producida en masa . [4]
Durante un prolongado período de guerra civil en el siglo XVI, se desarrolló una clase de comerciantes políticamente poderosos. Estos machishū , los predecesores de los chōnin del período Edo , se aliaron con la corte y tenían poder sobre las comunidades locales; su patrocinio de las artes fomentó un resurgimiento de las artes clásicas a finales del siglo XVI y principios del XVII. [5] A principios del siglo XVII, Tokugawa Ieyasu (1543-1616) unificó el país y fue nombrado shōgun con poder supremo sobre Japón. Consolidó su gobierno en la aldea de Edo (la moderna Tokio), [6] y exigió a los señores territoriales que se reunieran allí en años alternos con sus séquitos. Las demandas del creciente capital atrajeron a muchos trabajadores varones del país, de modo que los varones llegaron a constituir casi el setenta por ciento de la población. [7] La aldea creció durante el período Edo (1603-1867) de una población de 1800 a más de un millón en el siglo XIX. [6]
El shogunato centralizado puso fin al poder de los machishū y dividió a la población en cuatro clases sociales , con la clase gobernante samurái en la cima y la clase mercantil en la base. Aunque privados de su influencia política, [5] los de la clase mercantil fueron los que más se beneficiaron de la economía en rápida expansión del período Edo, [8] y su situación mejorada permitió el ocio que muchos buscaban en los distritos de placer, en particular Yoshiwara en Edo. [6] —y coleccionar obras de arte para decorar sus hogares, que en épocas anteriores estaban mucho más allá de sus posibilidades financieras. [9] La experiencia de los barrios de placer estaba abierta a aquellos con suficiente riqueza, modales y educación. [10]
La impresión en madera en Japón se remonta al Hyakumantō Darani en el año 770 d.C. Hasta el siglo XVII, este tipo de impresión estaba reservada a los sellos e imágenes budistas. [11] Los tipos móviles aparecieron alrededor de 1600, pero como el sistema de escritura japonés requería alrededor de 100.000 piezas tipográficas, [b] el texto tallado a mano en bloques de madera era más eficiente. En Saga, Kioto , el calígrafo Hon'ami Kōetsu y el editor Suminokura Soan combinaron texto impreso e imágenes en una adaptación de Los cuentos de Ise (1608) y otras obras literarias. [12] Durante la era Kan'ei (1624-1643), los libros ilustrados de cuentos populares llamados tanrokubon ('libros naranja-verdes') fueron los primeros libros producidos en masa utilizando impresión en madera. [11] Las imágenes en madera continuaron evolucionando como ilustraciones del género kanazōshi de cuentos de la vida urbana hedonista en la nueva capital. [13] La reconstrucción de Edo tras el Gran Incendio de Meireki en 1657 ocasionó una modernización de la ciudad, y la publicación de libros impresos ilustrados floreció en un entorno en rápida urbanización. [14]
El término ukiyo (浮世) , que puede traducirse como "mundo flotante", era homófono con el antiguo término budista ukiyo (憂き世) , que significa "este mundo de dolor y pena". El término más nuevo se utilizó en ocasiones para significar "erótico" o "elegante", entre otros significados, y llegó a describir el espíritu hedonista de la época para las clases bajas. Asai Ryōi celebró este espíritu en la novela Ukiyo Monogatari ( Cuentos del mundo flotante , c. 1661 ): [15]
[V]iviendo sólo por el momento, saboreando la luna, la nieve, las flores de cerezo y las hojas de arce, cantando canciones, bebiendo sake y divirtiéndose simplemente flotando, indiferente ante la perspectiva de una pobreza inminente, boyante y despreocupado, como una calabaza arrastrada por la corriente del río: esto es lo que llamamos ukiyo .
Los primeros artistas de ukiyo-e procedían del mundo de la pintura japonesa . [16] La pintura Yamato-e del siglo XVII había desarrollado un estilo de formas delineadas que permitía que las tintas gotearan sobre una superficie húmeda y se extendieran hacia los contornos; este delineado de formas se convertiría en el estilo dominante del ukiyo-e. [17]
Alrededor de 1661, los pergaminos colgantes pintados conocidos como Retratos de bellezas de Kanbun ganaron popularidad. Las pinturas de la era Kanbun (1661-1673), la mayoría de las cuales son anónimas, marcaron los inicios del ukiyo-e como escuela independiente. [16] Las pinturas de Iwasa Matabei (1578-1650) tienen una gran afinidad con las pinturas ukiyo-e. Los estudiosos no están de acuerdo sobre si el trabajo de Matabei en sí es ukiyo-e; [18] Las afirmaciones de que él fue el fundador del género son especialmente comunes entre los investigadores japoneses. [19] En ocasiones, a Matabei se le ha acreditado como el artista del biombo Hikone sin firmar , [20] un biombo plegable byōbu que puede ser una de las primeras obras de ukiyo-e que se conservan. La pantalla tiene un estilo Kanō refinado y representa la vida contemporánea, en lugar de los temas prescritos de las escuelas pictóricas. [21]
En respuesta a la creciente demanda de obras de ukiyo-e, Hishikawa Moronobu (1618-1694) produjo los primeros grabados en madera de ukiyo-e. [16] En 1672, el éxito de Moronobu fue tal que comenzó a firmar su trabajo, siendo el primero de los ilustradores de libros en hacerlo. Fue un prolífico ilustrador que trabajó en una amplia variedad de géneros y desarrolló un estilo influyente para retratar bellezas femeninas. Lo más significativo es que comenzó a producir ilustraciones, no sólo para libros, sino como imágenes de una sola hoja, que podían ser independientes o usarse como parte de una serie. La escuela Hishikawa atrajo a un gran número de seguidores, [22] así como imitadores como Sugimura Jihei , [23] y marcó el comienzo de la popularización de una nueva forma de arte. [24]
Torii Kiyonobu I y Kaigetsudō Ando se convirtieron en destacados emuladores del estilo de Moronobu tras la muerte del maestro, aunque ninguno de los dos era miembro de la escuela Hishikawa. Ambos descartaron detalles de fondo en favor de centrarse en la figura humana: actores de kabuki en el yakusha-e de Kiyonobu y la escuela Torii que lo siguió, [25] y cortesanas en el bijin-ga de Ando y su escuela Kaigetsudō . Ando y sus seguidores produjeron una imagen femenina estereotipada cuyo diseño y pose se prestaban para una producción en masa efectiva, [26] y su popularidad creó una demanda de pinturas que otros artistas y escuelas aprovecharon. [27] La escuela Kaigetsudō y su popular "belleza Kaigetsudō" terminaron después del exilio de Ando por su papel en el escándalo Ejima-Ikushima de 1714. [28]
Nishikawa Sukenobu (1671-1750) , nativo de Kioto, pintó cuadros técnicamente refinados de cortesanas. [29] Considerado un maestro de los retratos eróticos, fue objeto de una prohibición gubernamental en 1722, aunque se cree que continuó creando obras que circularon con diferentes nombres. [30] Sukenobu pasó la mayor parte de su carrera en Edo, y su influencia fue considerable tanto en las regiones de Kantō como en Kansai . [29] Las pinturas de Miyagawa Chōshun (1683-1752) retrataban la vida de principios del siglo XVIII con colores delicados. Chōshun no dejó huellas. [31] La escuela Miyagawa que fundó a principios del siglo XVIII se especializaba en pinturas románticas en un estilo más refinado en líneas y colores que la escuela Kaigetsudō. Chōshun permitió una mayor libertad expresiva en sus seguidores, grupo que luego incluyó a Hokusai . [27]
Incluso en los primeros libros y grabados monocromáticos, el color se añadía a mano para encargos especiales. La demanda de color a principios del siglo XVIII se encontró con impresiones tan-e [c] teñidas a mano con naranja y, a veces, verde o amarillo. [33] A estos les siguió en la década de 1720 la moda del beni-e [d] teñido de rosa y más tarde la tinta similar a la laca del urushi-e . En 1744, los benizuri-e fueron los primeros éxitos en la impresión en color, utilizando múltiples bloques de madera, uno para cada color, los primeros beni rosa y verde vegetal. [34]
Okumura Masanobu (1686-1764) , un gran autopromotor, desempeñó un papel importante durante el período de rápido desarrollo técnico de la imprenta desde finales del siglo XVII hasta mediados del XVIII. [34] Estableció una tienda en 1707 [35] y combinó elementos de las principales escuelas contemporáneas en una amplia gama de géneros, aunque el propio Masanobu no pertenecía a ninguna escuela. Entre las innovaciones en sus imágenes líricas y románticas se encuentran la introducción de la perspectiva geométrica en el género uki-e [e] en la década de 1740; [39] las impresiones largas y estrechas de hashira-e ; y la combinación de gráficos y literatura en grabados que incluían poesía haiku escrita por él mismo . [40]
El ukiyo-e alcanzó su punto máximo a finales del siglo XVIII con la llegada de las impresiones a todo color, desarrolladas después de que Edo volviera a la prosperidad bajo el mando de Tanuma Okitsugu tras una larga depresión. [41] Estos populares estampados en color llegaron a denominarse nishiki-e , o 'imágenes de brocado', ya que sus colores brillantes parecían parecerse a los brocados Shuchiang chinos importados , conocidos en japonés como Shokkō nishiki . [42] Los primeros en surgir fueron costosas impresiones de calendarios, impresas con múltiples bloques en papel muy fino (o más fino que el estándar) con tintas pesadas y opacas. Estas impresiones tenían el número de días de cada mes oculto en el diseño y se enviaban en Año Nuevo [f] como saludos personalizados, llevando el nombre del mecenas en lugar del artista. Los bloques de estas impresiones se reutilizaron posteriormente para la producción comercial, borrando el nombre del mecenas y reemplazándolo por el del artista. [43]
Las delicadas y románticas estampas de Suzuki Harunobu (1725-1770) estuvieron entre las primeras en realizar diseños de color expresivos y complejos, [44] impresos con hasta una docena de bloques separados para manejar los diferentes colores [45] y medios tonos. [46] Sus grabados sobrios y elegantes invocaban el clasicismo de la poesía waka y la pintura Yamato-e . El prolífico Harunobu fue el artista de ukiyo-e dominante de su época. [47] El éxito del colorido nishiki-e de Harunobu a partir de 1765 provocó una fuerte caída en la demanda de las paletas limitadas de benizuri-e y urushi-e , así como de grabados coloreados a mano. [45]
Tras la muerte de Harunobu en 1770, creció una tendencia contra el idealismo de los grabados de Harunobu y la escuela Torii. Katsukawa Shunshō (1726-1793) y su escuela produjeron retratos de actores de kabuki con mayor fidelidad a los rasgos reales de los actores de lo que había sido la tendencia. . [48] Koryūsai (1735 – c. 1790 ) y Kitao Shigemasa (1739–1820) , colaboradores ocasionales, fueron destacados representantes de mujeres que también alejaron el ukiyo-e del dominio del idealismo de Harunobu centrándose en las modas urbanas contemporáneas y los famosos realismo. cortesanas y geishas del mundo . [49] Koryūsai fue quizás el artista de ukiyo-e más prolífico del siglo XVIII y produjo un mayor número de pinturas y series de grabados que cualquier predecesor. [50] La escuela Kitao que fundó Shigemasa fue una de las escuelas dominantes de las últimas décadas del siglo XVIII. [51]
En la década de 1770, Utagawa Toyoharu produjo una serie de grabados en perspectiva uki-e [52] que demostraban un dominio de las técnicas de perspectiva occidentales que habían eludido a sus predecesores en el género. [36] Las obras de Toyoharu ayudaron a ser pioneros en el paisaje como tema de ukiyo-e, en lugar de simplemente un fondo para figuras humanas. [53] En el siglo XIX, las técnicas de perspectiva de estilo occidental fueron absorbidas por la cultura artística japonesa y implementadas en los paisajes refinados de artistas como Hokusai e Hiroshige , [54] este último miembro de la escuela Utagawa que fundó Toyoharu. Esta escuela se convertiría en una de las más influyentes [55] y produjo obras en una variedad de géneros mucho mayor que cualquier otra escuela. [56]
Si bien a finales del siglo XVIII se produjeron tiempos económicos difíciles, [57] ukiyo-e experimentó un pico en cantidad y calidad de obras, particularmente durante la era Kansei (1789-1791). [58] El ukiyo-e del período de las Reformas Kansei provocó un enfoque en la belleza y la armonía [51] que colapsó en decadencia y falta de armonía en el siglo siguiente cuando las reformas fracasaron y aumentaron las tensiones, culminando con la Restauración Meiji de 1868. [58]
Especialmente en la década de 1780, Torii Kiyonaga (1752–1815) [51] de la escuela Torii [58] representó temas tradicionales del ukiyo-e como bellezas y escenas urbanas, que imprimió en grandes hojas de papel, a menudo como dípticos o trípticos horizontales con múltiples impresiones. . Sus obras prescindieron de los paisajes oníricos poéticos realizados por Harunobu, optando en cambio por representaciones realistas de formas femeninas idealizadas vestidas a la última moda y posando en lugares escénicos. [59] También produjo retratos de actores de kabuki en un estilo realista que incluía músicos y coros acompañantes. [60]
En 1790 entró en vigor una ley que exigía que las impresiones llevaran un sello de aprobación de la censura para su venta. La censura se volvió más estricta durante las décadas siguientes y los infractores podían recibir duros castigos. A partir de 1799 incluso los anteproyectos requirieron aprobación. [61] Un grupo de delincuentes de la escuela Utagawa, incluido Toyokuni, vieron reprimidos sus trabajos en 1801, y Utamaro fue encarcelado en 1804 por realizar grabados del líder político y militar del siglo XVI Toyotomi Hideyoshi . [62]
Utamaro ( c. 1753-1806 ) se hizo famoso en la década de 1790 con sus retratos bijin ōkubi-e ('imágenes de mujeres hermosas con cabezas grandes'), centrándose en la cabeza y la parte superior del torso, un estilo que otros habían empleado anteriormente en retratos de actores kabuki. [63] Utamaro experimentó con líneas, colores y técnicas de impresión para resaltar diferencias sutiles en las características, expresiones y fondos de sujetos de una amplia variedad de clases y orígenes. Las bellezas individualizadas de Utamaro contrastaban marcadamente con las imágenes estereotipadas e idealizadas que habían sido la norma. [64] A finales de la década, especialmente después de la muerte de su mecenas Tsutaya Jūzaburō en 1797, la prodigiosa producción de Utamaro disminuyó en calidad, [65] y murió en 1806. [66]
Aparecidas repentinamente en 1794 y desapareciendo igualmente repentinamente diez meses después, las impresiones del enigmático Sharaku se encuentran entre las más conocidas de ukiyo-e. Sharaku produjo impactantes retratos de actores de kabuki, introduciendo un mayor nivel de realismo en sus grabados que enfatizaban las diferencias entre el actor y el personaje retratado. [67] Los rostros expresivos y contorsionados que representó contrastaban marcadamente con los rostros serenos, parecidos a máscaras, más comunes en artistas como Harunobu o Utamaro. [46] Publicado por Tsutaya, [66] El trabajo de Sharaku encontró resistencia y en 1795 su producción cesó tan misteriosamente como había aparecido; su verdadera identidad aún se desconoce. [68] Utagawa Toyokuni (1769-1825) produjo retratos kabuki en un estilo que la gente del pueblo de Edo encontró más accesible, enfatizando posturas dramáticas y evitando el realismo de Sharaku. [67]
Un alto nivel constante de calidad caracteriza el ukiyo-e de finales del siglo XVIII, pero las obras de Utamaro y Sharaku a menudo eclipsan a los otros maestros de la época. [66] Uno de los seguidores de Kiyonaga, [58] Eishi (1756-1829), abandonó su puesto como pintor del shōgun Tokugawa Ieharu para dedicarse al diseño ukiyo-e. Aportó un sentido refinado a sus retratos de cortesanas elegantes y esbeltas, y dejó atrás a varios estudiantes destacados. [66] Con un trazo fino, Eishōsai Chōki ( fl. 1786-1808) diseñó retratos de delicadas cortesanas. La escuela Utagawa llegó a dominar la producción de ukiyo-e a finales del período Edo. [69]
Edo fue el principal centro de producción de ukiyo-e durante todo el período Edo. Otro centro importante se desarrolló en la región de Kamigata , en áreas dentro y alrededor de Kioto y Osaka . En contraste con la variedad de temas de las impresiones de Edo, las de Kamigata tendían a ser retratos de actores de kabuki. El estilo de los grabados de Kamigata se distinguió poco de los de Edo hasta finales del siglo XVIII, en parte porque los artistas a menudo iban y venían entre las dos áreas. [70] Los colores tienden a ser más suaves y los pigmentos más espesos en las impresiones de Kamigata que en las de Edo. [71] En el siglo XIX, muchas de las impresiones fueron diseñadas por fanáticos del kabuki y otros aficionados. [72]
Las reformas Tenpō de 1841-1843 buscaron suprimir las exhibiciones externas de lujo, incluida la representación de cortesanas y actores. Como resultado, muchos artistas de ukiyo-e diseñaron escenas de viajes e imágenes de la naturaleza, especialmente pájaros y flores. [73] A los paisajes se les había prestado una atención limitada desde Moronobu, y formaron un elemento importante en las obras de Kiyonaga y Shunchō . No fue hasta finales del período Edo que el paisaje adquirió su propio carácter como género, especialmente a través de las obras de Hokusai e Hiroshige . El género del paisaje ha llegado a dominar las percepciones occidentales del ukiyo-e, aunque el ukiyo-e tenía una larga historia anterior. estos maestros de la última era. [74] El paisaje japonés se diferenciaba de la tradición occidental en que dependía más de la imaginación, la composición y la atmósfera que de la estricta observancia de la naturaleza. [75]
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El autoproclamado "pintor loco" Hokusai (1760-1849) disfrutó de una carrera larga y variada. Su trabajo está marcado por una falta del sentimentalismo común al ukiyo-e y un enfoque en el formalismo influenciado por el arte occidental. Entre sus logros se encuentran sus ilustraciones de la novela Crescent Moon de Takizawa Bakin , su serie de cuadernos de bocetos, el Hokusai Manga , y su popularización del género paisajístico con Treinta y seis vistas del monte Fuji , [76] que incluye sus mejores -Grabado conocido, La gran ola de Kanagawa , [77] una de las obras de arte japonés más famosas. [78] En contraste con el trabajo de los maestros más antiguos, los colores de Hokusai eran atrevidos, planos y abstractos, y su tema no eran los distritos de placer sino las vidas y el entorno de la gente común en el trabajo. [79] Los maestros consagrados Eisen , Kuniyoshi y Kunisada también siguieron los pasos de Hokusai en el grabado de paisajes en la década de 1830, produciendo grabados con composiciones atrevidas y efectos sorprendentes. [80]
Aunque a menudo no se les prestó la atención de sus antepasados más conocidos, la escuela Utagawa produjo algunos maestros en este período de decadencia. La prolífica Kunisada (1786-1865) tuvo pocos rivales en la tradición de realizar retratos de cortesanas y actores. [81] Uno de esos rivales fue Eisen (1790-1848), quien también era un experto en paisajes. [82] Quizás el último miembro significativo de este último período, Kuniyoshi (1797-1861) probó suerte con una variedad de temas y estilos, al igual que lo había hecho Hokusai. Sus escenas históricas de guerreros en combates violentos fueron populares, [83] especialmente su serie de héroes de Suikoden (1827-1830) y Chūshingura (1847). [84] Era un experto en paisajes y escenas satíricas; esta última un área rara vez explorada en la atmósfera dictatorial del período Edo; El hecho de que Kuniyoshia pudiera atreverse a abordar tales temas era una señal del debilitamiento del shogunato en ese momento. [83]
Hiroshige (1797-1858) es considerado el mayor rival en estatura de Hokusai. Se especializó en fotografías de pájaros, flores y paisajes serenos, y es mejor conocido por sus series de viajes, como Las cincuenta y tres estaciones del Tōkaidō y Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaidō , [85] esta última un esfuerzo cooperativo. con Eisen. [82] Su trabajo era más realista, sutilmente coloreado y atmosférico que el de Hokusai; la naturaleza y las estaciones fueron elementos clave: la niebla, la lluvia, la nieve y la luz de la luna fueron partes destacadas de sus composiciones. [86] Los seguidores de Hiroshige, incluido su hijo adoptivo Hiroshige II y su yerno Hiroshige III , continuaron el estilo de paisajes de su maestro hasta la era Meiji. [87]
Tras las muertes de Hokusai e Hiroshige [88] y la Restauración Meiji de 1868, el ukiyo-e sufrió un fuerte descenso en cantidad y calidad. [89] La rápida occidentalización del período Meiji que siguió hizo que la impresión en madera dirigiera sus servicios al periodismo y enfrentara la competencia de la fotografía. Los practicantes de ukiyo-e puro se volvieron cada vez más raros y los gustos se alejaron de un género visto como un remanente de una era obsoleta. [88] Los artistas continuaron produciendo obras notables ocasionales, pero en la década de 1890 la tradición estaba moribunda. [90]
Los pigmentos sintéticos importados de Alemania comenzaron a sustituir a los orgánicos tradicionales a mediados del siglo XIX. Muchas impresiones de esta época hicieron un uso extensivo de un rojo brillante y fueron llamadas aka-e ('imágenes rojas'). [91] Artistas como Yoshitoshi (1839-1892) lideraron una tendencia en la década de 1860 de escenas espantosas de asesinatos y fantasmas, [92] monstruos y seres sobrenaturales, y héroes legendarios japoneses y chinos. Sus Cien aspectos de la luna (1885-1892) representan una variedad de temas fantásticos y mundanos con un motivo lunar. [93] Kiyochika (1847-1915) es conocido por sus grabados que documentan la rápida modernización de Tokio, como la introducción de los ferrocarriles, y sus representaciones de las guerras de Japón con China y Rusia . [92] Chikanobu (1838-1912) , anteriormente pintor de la escuela Kanō, en la década de 1870 recurrió a los grabados, en particular de la familia imperial y escenas de la influencia occidental en la vida japonesa en el período Meiji. [94]
Aparte de los comerciantes holandeses, que habían tenido relaciones comerciales que se remontaban al comienzo del período Edo, [95] los occidentales prestaron poca atención al arte japonés antes de mediados del siglo XIX, y cuando lo hicieron, rara vez lo distinguieron de otro arte de Oriente. . [95] El naturalista sueco Carl Peter Thunberg pasó un año en el asentamiento comercial holandés Dejima , cerca de Nagasaki, y fue uno de los primeros occidentales en coleccionar grabados japoneses. A partir de entonces, la exportación de ukiyo-e creció lentamente y, a principios del siglo XIX , la colección del comerciante holandés Isaac Titsingh llamó la atención de los conocedores del arte en París. [96]
La llegada a Edo del comodoro estadounidense Matthew Perry en 1853 dio lugar a la Convención de Kanagawa en 1854, que abrió Japón al mundo exterior después de más de dos siglos de reclusión . Entre los artículos que trajo a los Estados Unidos se encontraban impresiones de Ukiyo-e. [97] Tales grabados habían aparecido en París al menos desde la década de 1830, y en la década de 1850 eran numerosos; [98] la recepción fue mixta, e incluso cuando el ukiyo-e elogiado fue generalmente considerado inferior a las obras occidentales que enfatizaban el dominio de la perspectiva naturalista y la anatomía. [99] El arte japonés llamó la atención en la Exposición Internacional de 1867 en París , [95] y se puso de moda en Francia e Inglaterra en las décadas de 1870 y 1880. [95] Los grabados de Hokusai e Hiroshige desempeñaron un papel destacado en la configuración de las percepciones occidentales del arte japonés. [100] En el momento de su introducción en Occidente, la impresión en madera era el medio de comunicación más común en Japón, y los japoneses la consideraban de poco valor duradero. [101]
Los primeros promotores y estudiosos europeos del ukiyo-e y del arte japonés incluyeron al escritor Edmond de Goncourt y al crítico de arte Philippe Burty , [102] quienes acuñaron el término japonismo . [103] [g] Se abrieron tiendas que vendían productos japoneses, incluidas las de Édouard Desoye en 1862 y las del marchante de arte Siegfried Bing en 1875. [104] De 1888 a 1891 Bing publicó la revista Artistic Japan [105] en inglés, francés y alemán. ediciones, [106] y fue curador de una exposición de ukiyo-e en la École des Beaux-Arts en 1890 a la que asistieron artistas como Mary Cassatt . [107]
El estadounidense Ernest Fenollosa fue el primer devoto occidental de la cultura japonesa e hizo mucho para promover el arte japonés: las obras de Hokusai ocuparon un lugar destacado en su exposición inaugural como primer curador del Museo de Bellas Artes de Boston, y en Tokio, en 1898, fue curador de la primera. Exposición de ukiyo-e en Japón. [108] A finales del siglo XIX, la popularidad del ukiyo-e en Occidente elevó los precios más allá del alcance de la mayoría de los coleccionistas; algunos, como Degas , cambiaron sus propias pinturas por tales grabados. Tadamasa Hayashi era un destacado comerciante de gustos respetados con sede en París, cuya oficina en Tokio era responsable de evaluar y exportar grandes cantidades de impresiones de ukiyo-e a Occidente en cantidades tales que los críticos japoneses lo acusaron más tarde de desviar a Japón de su tesoro nacional. [109] La fuga pasó desapercibida por primera vez en Japón, cuando los artistas japoneses se sumergían en las técnicas de pintura clásicas de Occidente. [110]
El arte japonés, y en particular los grabados ukiyo-e, llegaron a influir en el arte occidental desde la época de los primeros impresionistas . [111] Los primeros pintores-coleccionistas incorporaron temas japoneses y técnicas de composición en sus obras ya en la década de 1860: [98] los papeles pintados y alfombras estampados en las pinturas de Manet se inspiraron en los kimonos estampados que se encuentran en los cuadros ukiyo-e, y Whistler centró su atención en elementos efímeros de la naturaleza como en los paisajes ukiyo-e. [112] Van Gogh era un ávido coleccionista y pintó copias al óleo de grabados de Hiroshige y Eisen . [113] Degas y Cassatt representaron momentos fugaces y cotidianos en composiciones y perspectivas de influencia japonesa. [114] La perspectiva plana de ukiyo-e y los colores no modulados fueron una influencia particular en los diseñadores gráficos y creadores de carteles. [115] Las litografías de Toulouse-Lautrec mostraron su interés no sólo por los colores planos y las formas delineadas del ukiyo-e, sino también por su tema: artistas y prostitutas. [116] Firmó gran parte de esta obra con sus iniciales en un círculo, imitando los sellos de las estampas japonesas. [116] Otros artistas de la época que se inspiraron en el ukiyo-e incluyen a Monet , [111] La Farge , [117] Gauguin , [118] y miembros de Les Nabis como Bonnard [119] y Vuillard . [120] El compositor francés Claude Debussy se inspiró para su música en las estampas de Hokusai e Hiroshige, sobre todo en La mer (1905). [121] Poetas imaginistas como Amy Lowell y Ezra Pound encontraron inspiración en los grabados ukiyo-e; Lowell publicó un libro de poesía llamado Pictures of the Floating World (1919) sobre temas orientales o en estilo oriental. [122]
El cuaderno de bocetos de viajes se convirtió en un género popular a partir de 1905, cuando el gobierno Meiji promovió los viajes dentro de Japón para que los ciudadanos conocieran mejor su país. [123] En 1915, el editor Shōzaburō Watanabe introdujo el término shin-hanga ("nuevas impresiones") para describir un estilo de impresiones que publicaba que presentaban temas tradicionales japoneses y estaban dirigidas a audiencias japonesas extranjeras y de alto nivel. [124] Entre los artistas destacados se encuentran Goyō Hashiguchi , llamado el "Utamaro del período Taishō " por su manera de representar a las mujeres; Shinsui Itō , que aportó sensibilidades más modernas a las imágenes de mujeres; [125] y Hasui Kawase , que realizó paisajes modernos. [126] Watanabe también publicó obras de artistas no japoneses, uno de cuyos primeros éxitos fue una serie de grabados de temática india y japonesa realizados en 1916 por el inglés Charles W. Bartlett (1860-1940). Otros editores siguieron el éxito de Watanabe y algunos artistas de shin-hanga como Goyō e Hiroshi Yoshida abrieron estudios para publicar su propio trabajo. [127]
Los artistas del movimiento sōsaku-hanga ('grabados creativos') tomaron el control de todos los aspectos del proceso de grabado: el diseño, el tallado y la impresión estaban a cargo del mismo par de manos. [124] A Kanae Yamamoto (1882-1946), entonces estudiante de la Escuela de Bellas Artes de Tokio , se le atribuye el nacimiento de este enfoque. En 1904, produjo Pescador utilizando impresión en madera, una técnica hasta entonces mal vista por el establishment artístico japonés por considerarla anticuada y por su asociación con la producción comercial en masa. [128] La fundación de la Asociación Japonesa de Artistas del Grabado en Madera en 1918 marca el comienzo de este enfoque como movimiento. [129] El movimiento favoreció la individualidad de sus artistas y, como tal, no tiene temas o estilos dominantes. [130] Las obras iban desde las completamente abstractas de Kōshirō Onchi (1891-1955) hasta las representaciones figurativas tradicionales de escenas japonesas de Un'ichi Hiratsuka (1895-1997). [129] Estos artistas produjeron grabados no porque esperaran llegar a una audiencia masiva, sino como un fin creativo en sí mismo, y no restringieron sus medios impresos al bloque de madera del ukiyo-e tradicional. [131]
Los grabados de finales del siglo XX y XXI han evolucionado a partir de las preocupaciones de movimientos anteriores, especialmente el énfasis del movimiento sōsaku-hanga en la expresión individual. La serigrafía , el aguafuerte , la mezzotinta , las técnicas mixtas y otros métodos occidentales se han unido a la xilografía tradicional entre las técnicas de los grabadores. [132]
Los primeros artistas de ukiyo-e trajeron consigo un conocimiento sofisticado y una formación en los principios de composición de la pintura clásica china ; Poco a poco, estos artistas se deshicieron de la abierta influencia china para desarrollar un idioma japonés nativo. Los primeros artistas de ukiyo-e han sido llamados "primitivos" en el sentido de que el medio impreso era un nuevo desafío al que adaptaron estas técnicas centenarias; sus diseños de imágenes no se consideran "primitivos". [133] Muchos artistas de ukiyo-e recibieron formación de profesores de Kanō y otras escuelas pictóricas. [134]
Una característica definitoria de la mayoría de las impresiones ukiyo-e es una línea plana, atrevida y bien definida. [135] Las primeras impresiones eran monocromáticas y estas líneas eran el único elemento impreso; Incluso con la llegada del color esta línea característica siguió dominando. [136] En la composición ukiyo-e, las formas se organizan en espacios planos [137] con figuras típicamente en un solo plano de profundidad. Se llamó la atención sobre las relaciones verticales y horizontales, así como sobre detalles como líneas, formas y patrones como los de la ropa. [138] Las composiciones eran a menudo asimétricas y el punto de vista era a menudo desde ángulos inusuales, como desde arriba. A menudo se recortaban elementos de las imágenes , dando a la composición una sensación de espontaneidad. [139] En las impresiones en color, los contornos de la mayoría de las áreas de color están claramente definidos, generalmente por las líneas. [140] La estética de las áreas planas de color contrasta con los colores modulados esperados en las tradiciones occidentales [137] y con otras tradiciones contemporáneas prominentes en el arte japonés patrocinadas por la clase alta, como en las sutiles pinceladas de tinta monocromáticas de la pintura con pincel zenga o Colores tonales de la escuela de pintura Kanō . [140]
Los patrones coloridos, ostentosos y complejos, la preocupación por los cambios de moda y las poses y composiciones tensas y dinámicas del ukiyo-e contrastan sorprendentemente con muchos conceptos de la estética tradicional japonesa . Entre ellos destaca el wabi-sabi que favorece la simplicidad, la asimetría y la imperfección, con evidencia del paso del tiempo; [141] y shibui valoran la sutileza, la humildad y la moderación. [142] El ukiyo-e puede estar menos en desacuerdo con conceptos estéticos como el estilo atrevido y urbano del iki . [143]
ukiyo-e muestra un enfoque inusual de la perspectiva gráfica, que puede parecer poco desarrollado en comparación con las pinturas europeas del mismo período. La perspectiva geométrica de estilo occidental era conocida en Japón (practicada principalmente por los pintores Akita ranga de la década de 1770), al igual que los métodos chinos para crear una sensación de profundidad utilizando una homogeneidad de líneas paralelas. Las técnicas a veces aparecían juntas en obras de ukiyo-e, donde la perspectiva geométrica proporcionaba una ilusión de profundidad en el fondo y la perspectiva china, más expresiva, en primer plano. [144] Lo más probable es que las técnicas se aprendieran al principio a través de pinturas chinas de estilo occidental y no directamente de obras occidentales. [145] Mucho después de familiarizarse con estas técnicas, los artistas continuaron armonizándolas con métodos tradicionales de acuerdo con sus necesidades compositivas y expresivas. [146] Otras formas de indicar la profundidad incluyeron el método de composición tripartita chino utilizado en las imágenes budistas, donde se coloca una forma grande en primer plano, una más pequeña en el medio y otra más pequeña en el fondo; Esto se puede ver en La Gran Ola de Hokusai , con un gran barco en primer plano, uno más pequeño detrás y un pequeño Monte Fuji detrás de ellos. [147]
Desde principios del ukiyo-e había una tendencia a posar bellezas en lo que el historiador de arte Midori Wakakura llamó una "postura serpentina", [h] que involucra que los cuerpos de los sujetos se retuerzan de manera antinatural mientras miran hacia atrás. El historiador de arte Motoaki Kōno postuló que esto tenía sus raíces en la danza tradicional buyō ; Haruo Suwa respondió que las poses eran licencias artísticas tomadas por artistas de ukiyo-e, lo que provocaba que una pose aparentemente relajada alcanzara extremos físicos antinaturales o imposibles. Este siguió siendo el caso incluso cuando se aplicaron técnicas de perspectiva realista a otras secciones de la composición. [148]
Los temas típicos eran las bellezas femeninas (" bijin-ga "), los actores de kabuki (" yakusha-e ") y los paisajes. Las mujeres representadas eran en su mayoría cortesanas y geishas de ocio, y promovían el entretenimiento de los barrios de placer. [149] El detalle con el que los artistas representaron la moda y los peinados de las cortesanas permite fechar las impresiones con cierta fiabilidad. Se prestó menos atención a la exactitud de los rasgos físicos de las mujeres, que seguían las modas pictóricas de la época: los rostros estereotipados, los cuerpos altos y desgarbados en una generación y pequeños en otra. [150] Los retratos de celebridades eran muy solicitados, en particular aquellos del mundo del kabuki y el sumo , dos de los entretenimientos más populares de la época. [151] Si bien el paisaje ha llegado a definir el ukiyo-e para muchos occidentales, los paisajes florecieron relativamente tarde en la historia del ukiyo-e. [74]
Las impresiones de Ukiyo-e surgieron de la ilustración de libros; muchas de las primeras impresiones de una sola página de Moronobu eran originalmente páginas de libros que había ilustrado. [12] Los libros de ilustraciones de E-hon fueron populares [152] y continuaron siendo una salida importante para los artistas de ukiyo-e. En el último período, Hokusai produjo Cien vistas del monte Fuji en tres volúmenes y Hokusai Manga en 15 volúmenes , este último un compendio de más de 4000 bocetos de una amplia variedad de temas realistas y fantásticos. [153]
Las religiones tradicionales japonesas no consideran el sexo o la pornografía como una corrupción moral en el sentido de la mayoría de las religiones abrahámicas , [154] y hasta que los cambios morales de la era Meiji llevaron a su supresión, las impresiones eróticas shunga eran un género importante. [155] Si bien el régimen de Tokugawa sometió a Japón a estrictas leyes de censura, la pornografía no se consideraba un delito importante y, en general, contaba con la aprobación de los censores. [62] Muchos de estos grabados mostraban un alto nivel de dibujo y, a menudo, humor, en sus representaciones explícitas de escenas de dormitorio, voyeurs y anatomía de gran tamaño. [156] Al igual que con las representaciones de cortesanas, estas imágenes estaban estrechamente vinculadas a los entretenimientos de los barrios del placer. [157] Casi todos los maestros de ukiyo-e produjeron shunga en algún momento. [158] No existen registros de la aceptación social del shunga, aunque Timon Screech postula que es casi seguro que hubo algunas preocupaciones sobre el asunto y que su nivel de aceptabilidad ha sido exagerado por coleccionistas posteriores, especialmente en Occidente. [157]
Las escenas de la naturaleza han sido una parte importante del arte asiático a lo largo de la historia. Los artistas han estudiado de cerca las formas correctas y la anatomía de plantas y animales, aunque las representaciones de la anatomía humana siguieron siendo más fantasiosas hasta los tiempos modernos. Las impresiones de la naturaleza ukiyo-e se llaman kachō-e , que se traduce como "imágenes de flores y pájaros", aunque el género estaba abierto a algo más que flores o pájaros, y las flores y los pájaros no necesariamente aparecían juntos. [73] A las detalladas y precisas impresiones de la naturaleza de Hokusai se les atribuye el mérito de establecer el kachō-e como género. [159]
Las reformas Tenpō de la década de 1840 suprimieron la representación de actores y cortesanas. Además de los paisajes y los kachō-e , los artistas recurrieron a representaciones de escenas históricas, como guerreros antiguos o escenas de leyendas, literatura y religión. El Cuento de Genji [160] del siglo XI y el Cuento de Heike [161] del siglo XIII han sido fuentes de inspiración artística a lo largo de la historia japonesa, [160] incluso en el ukiyo-e. [160] Guerreros y espadachines de renombre como Miyamoto Musashi (1584-1645) eran temas frecuentes, al igual que representaciones de monstruos, lo sobrenatural y héroes de la mitología japonesa y china . [162]
Entre los siglos XVII y XIX, Japón se aisló del resto del mundo. El comercio, principalmente con los holandeses y los chinos, estaba restringido a la isla de Dejima , cerca de Nagasaki . Se vendieron a los turistas fotografías extravagantes llamadas Nagasaki-e de los extranjeros y sus mercancías. [97] A mediados del siglo XIX, Yokohama se convirtió en el principal asentamiento extranjero después de 1859, a partir del cual el conocimiento occidental proliferó en Japón. [163] Especialmente de 1858 a 1862, las impresiones de Yokohama-e documentaron, con diversos niveles de hechos y fantasía, la creciente comunidad de habitantes del mundo con quienes los japoneses ahora estaban entrando en contacto; [164] los trípticos de escenas de occidentales y su tecnología fueron particularmente populares. [165]
Las impresiones especializadas incluían surimono , impresiones de lujo de edición limitada dirigidas a conocedores, cuyo diseño solía ser un poema kyōka de cinco líneas ; [166] y abanicos impresos uchiwa-e , que a menudo sufren por haber sido manipulados. [12]
Los artistas de Ukiyo-e solían realizar tanto grabados como pinturas; algunos especializados en uno u otro. [167] En contraste con tradiciones anteriores, los pintores ukiyo-e favorecían los colores brillantes y nítidos, [168] y, a menudo, delineaban los contornos con tinta sumi , un efecto similar al de las líneas en los grabados. [169] Sin las limitaciones técnicas de la impresión, el pintor disponía de una gama más amplia de técnicas, pigmentos y superficies. [170] Los artistas pintaban con pigmentos elaborados a partir de sustancias minerales u orgánicas, como cártamo , conchas molidas, plomo y cinabrio , [171] y posteriormente tintes sintéticos importados de Occidente como el verde París y el azul de Prusia. [172] Los pergaminos colgantes kakemono de seda o papel , los pergaminos makimono o los biombos plegables byōbu eran las superficies más comunes. [167]
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Los grabados ukiyo-e fueron obra de equipos de artesanos en varios talleres; [173] era raro que los diseñadores cortaran sus propios bloques de madera. [174] El trabajo se dividió en cuatro grupos: el editor, que encargaba, promovía y distribuía las impresiones; los artistas, que aportaron la imagen del diseño; los talladores de madera, que preparaban los bloques de madera para imprimir; y los impresores, que realizaban impresiones de las xilografías sobre papel. [175] Normalmente, en la impresión terminada sólo se acreditaban los nombres del artista y del editor. [176]
Las impresiones ukiyo-e se imprimían manualmente en papel hecho a mano [177] , en lugar de mediante prensas mecánicas como en Occidente. [178] El artista proporcionó un dibujo a tinta sobre papel fino, que se pegó [179] a un bloque de madera de cerezo [i] y se frotó con aceite hasta que las capas superiores de papel se pudieron quitar, dejando una capa translúcida de papel que el cortador de bloques podría utilizarlo como guía. El cortador de bloques cortó las áreas no negras de la imagen, dejando áreas elevadas que fueron entintadas para dejar una impresión. [173] El dibujo original fue destruido en el proceso. [179]
Las impresiones se hicieron con bloques boca arriba para que la impresora pudiera variar la presión para obtener diferentes efectos y observar cómo el papel absorbía la tinta sumi a base de agua , [178] aplicada rápidamente en trazos horizontales uniformes. [182] Entre los trucos del impresor se encontraba el relieve de la imagen, que se logra presionando un bloque de madera sin entintar sobre el papel para lograr efectos, como las texturas de patrones de ropa o redes de pesca. [183] Otros efectos incluyeron bruñir [184] frotar el papel con ágata para iluminar los colores; [185] barnizado ; sobreimpresión ; espolvorear con metal o mica ; y sprays para imitar la nieve que cae. [184]
La impresión ukiyo-e era una forma de arte comercial y el editor desempeñaba un papel importante. [186] El sector editorial era muy competitivo; Se conocen más de mil editores de todo el período. El número alcanzó un máximo de alrededor de 250 en las décadas de 1840 y 1850 [187] (200 sólo en Edo [188] ) y se redujo lentamente tras la apertura de Japón hasta que quedaban unos 40 a principios del siglo XX. Los editores eran propietarios de las xilografías y de los derechos de autor, y desde finales del siglo XVIII hacían cumplir los derechos de autor [187] a través del Gremio de editores de libros ilustrados e impresos. [j] [189] [189] Las impresiones que pasaron por varias ediciones fueron particularmente rentables, ya que el editor podía reutilizar los bloques de madera sin pagar más al artista o al cortador de bloques de madera. Los bloques de madera también se comercializaban o vendían a otras editoriales o casas de empeño. [190] Los editores generalmente también eran vendedores y comúnmente vendían los productos de los demás en sus tiendas. [189] Además del sello del artista, los editores marcaron las impresiones con sus propios sellos: algunos con un logotipo simple, otros bastante elaborados, incorporando una dirección u otra información. [191]
Los diseñadores de grabados pasaron por un aprendizaje antes de que se les concediera el derecho de producir sus propios grabados que podían firmar con sus propios nombres. [192] Se podría esperar que los jóvenes diseñadores cubran parte o la totalidad de los costos de corte de los bloques de madera. A medida que los artistas ganaban fama, los editores solían cubrir estos costos y los artistas podían exigir honorarios más altos. [193]
En el Japón premoderno, las personas podían tener numerosos nombres a lo largo de su vida, siendo su nombre personal yōmyō de infancia diferente de su nombre zokumyō de adulto. El nombre de un artista consistía en un gasei , un apellido de artista, seguido de un nombre artístico personal azana . El gasei se tomaba con mayor frecuencia de la escuela a la que pertenecía el artista, como Utagawa o Torii, [194] y el azana normalmente tomaba un carácter chino del nombre artístico del maestro; por ejemplo, muchos estudiantes de Toyokuni (豊国) tomaron el " kuni" (国) de su nombre, incluidos Kunisada (国貞) y Kuniyoshi (国芳). [192] Los nombres que los artistas firmaron en sus obras pueden ser una fuente de confusión, ya que a veces cambiaron de nombre a lo largo de sus carreras; [195] Hokusai fue un caso extremo, ya que utilizó más de cien nombres a lo largo de sus 70 años de carrera. [196]
Las impresiones se comercializaron en masa [186] y, a mediados del siglo XIX, la circulación total de una impresión podía ascender a miles. [197] Los minoristas y vendedores ambulantes los promocionaban a precios asequibles para la gente próspera de la ciudad. [198] En algunos casos, los grabados anunciaban diseños de kimonos del artista del grabado. [186] Desde la segunda mitad del siglo XVII, las impresiones se comercializaban con frecuencia como parte de una serie, [191] cada impresión estampada con el nombre de la serie y el número de la impresión en esa serie. [199] Esto resultó ser una técnica de marketing exitosa, ya que los coleccionistas compraron cada nueva impresión de la serie para mantener sus colecciones completas. [191] En el siglo XIX, series como Cincuenta y tres estaciones del Tōkaidō de Hiroshige tenían docenas de copias. [199]
Si bien la impresión en color en Japón se remonta a la década de 1640, las primeras impresiones ukiyo-e utilizaban únicamente tinta negra. A veces, el color se agregaba a mano, usando tinta roja de plomo en las impresiones tan-e , o más tarde con tinta rosa de cártamo en las impresiones beni-e . La impresión en color llegó a los libros en la década de 1720 y en impresiones de una sola hoja en la década de 1740, con un bloque e impresión diferentes para cada color. Los primeros colores se limitaban al rosa y al verde; Las técnicas se ampliaron durante las siguientes dos décadas para permitir hasta cinco colores. [173] A mediados de la década de 1760 aparecieron grabados nishiki-e a todo color [173] hechos a partir de diez o más bloques de madera. [201] Para mantener los bloques de cada color alineados correctamente, se colocaron marcas de registro llamadas kentō en una esquina y en un lado adyacente. [173]
Los impresores utilizaron por primera vez tintes de colores naturales elaborados a partir de fuentes minerales o vegetales. Los tintes tenían una calidad translúcida que permitía mezclar una variedad de colores a partir de pigmentos primarios rojo, azul y amarillo. [202] En el siglo XVIII, el azul de Prusia se hizo popular y fue particularmente prominente en los paisajes de Hokusai e Hiroshige, [202] al igual que el bokashi , donde el impresor producía gradaciones de color o mezclaba un color con otro. [203] Los tintes de anilina sintéticos más baratos y consistentes llegaron de Occidente en 1864. Los colores eran más ásperos y brillantes que los pigmentos tradicionales. El gobierno Meiji promovió su uso como parte de políticas más amplias de occidentalización. [204]
Los registros contemporáneos de artistas de ukiyo-e son raros. El más significativo es el Ukiyo-e Ruikō ( "Varios pensamientos sobre el ukiyo-e" ), una colección de comentarios y biografías de artistas. Ōta Nanpo compiló la primera versión, que ya no existe, alrededor de 1790. La obra no se imprimió durante la era Edo, pero circuló en ediciones copiadas a mano que estuvieron sujetas a numerosas adiciones y modificaciones; [205] Se conocen más de 120 variantes del Ukiyo-e Ruikō . [206]
Antes de la Segunda Guerra Mundial, la visión predominante del ukiyo-e enfatizaba la centralidad de las impresiones; este punto de vista atribuye la fundación de ukiyo-e a Moronobu. Después de la guerra, el pensamiento se centró en la importancia de la pintura ukiyo-e y en establecer conexiones directas con las pinturas Yamato-e del siglo XVII ; Este punto de vista ve a Matabei como el creador del género y es especialmente favorecido en Japón. Esta visión se había generalizado entre los investigadores japoneses en la década de 1930, pero el gobierno militarista de la época la suprimió, queriendo enfatizar una división entre las pinturas en rollo Yamato-e asociadas con la corte y los grabados asociados con el comerciante a veces antiautoritario. clase. [19]
Los primeros trabajos históricos y críticos completos sobre el ukiyo-e procedieron de Occidente. Ernest Fenollosa fue profesor de Filosofía en la Universidad Imperial de Tokio desde 1878 y comisionado de Bellas Artes del gobierno japonés desde 1886. Su Masters of Ukioye de 1896 fue la primera descripción general completa y sentó las bases para la mayoría de las obras posteriores con un enfoque a la historia en términos de épocas: comenzando con Matabei en una época primitiva, evolucionó hacia una edad de oro de finales del siglo XVIII que comenzó a declinar con la llegada de Utamaro, y tuvo un breve resurgimiento con los paisajes de Hokusai e Hiroshige en la década de 1830. [207] Laurence Binyon , conservador de grabados y dibujos orientales en el Museo Británico, escribió un relato en Painting in the Far East en 1908 que era similar al de Fenollosa, pero colocaba a Utamaro y Sharaku entre los maestros. Arthur Davison Ficke se basó en las obras de Fenollosa y Binyon con una charla más completa sobre grabados japoneses en 1915. [208] The Floating World de James A. Michener en 1954 siguió en términos generales las cronologías de las obras anteriores, aunque abandonó las clasificaciones en períodos. y reconocer a los artistas anteriores no como primitivos sino como maestros consumados que surgían de tradiciones pictóricas anteriores. [209] Para Michener y su colaborador Richard Lane , el ukiyo-e comenzó con Moronobu en lugar de Matabei. [210] Masters of the Japanese Print de Lane de 1962 mantuvo el enfoque de las divisiones de períodos al tiempo que ubicaba al ukiyo-e firmemente dentro de la genealogía del arte japonés. El libro reconoce a artistas como Yoshitoshi y Kiyochika como maestros tardíos. [211]
Los grabados en madera tradicionales de Japón de 1964 de Seiichirō Takahashi ubicaron a los artistas de ukiyo-e en tres períodos: el primero fue un período primitivo que incluyó a Harunobu, seguido de una edad de oro de Kiyonaga, Utamaro y Sharaku, y luego una época final. período de decadencia tras la declaración, a partir de la década de 1790, de estrictas leyes suntuarias que dictaban lo que podía representarse en las obras de arte. Sin embargo, el libro reconoce un mayor número de maestros de este último período que los trabajos anteriores, [212] y considera la pintura ukiyo-e como un renacimiento de la pintura Yamato-e . [17] Tadashi Kobayashi refinó aún más el análisis de Takahashi al identificar que el declive coincidía con los intentos desesperados del shogunato de mantenerse en el poder mediante la aprobación de leyes draconianas mientras su dominio sobre el país continuaba desmoronándose, culminando en la Restauración Meiji en 1868. [213]
La investigación Ukiyo-e ha tendido a centrarse en la catalogación de artistas, un enfoque que carece del rigor y la originalidad que se ha aplicado al análisis del arte en otras áreas. Estos catálogos son numerosos, pero tienden abrumadoramente a concentrarse en un grupo de genios reconocidos. Se ha añadido poca investigación original a las primeras evaluaciones fundacionales del ukiyo-e y sus artistas, especialmente en lo que respecta a artistas relativamente menores. [214] Si bien la naturaleza comercial del ukiyo-e siempre ha sido reconocida, la evaluación de los artistas y sus obras se ha basado en las preferencias estéticas de los conocedores y ha prestado poca atención al éxito comercial contemporáneo. [215]
Los estándares para la inclusión en el canon ukiyo-e evolucionaron rápidamente en la literatura temprana. Utamaro fue particularmente polémico, visto por Fenollosa y otros como un símbolo degenerado del declive del ukiyo-e; Desde entonces, Utamaro ha ganado aceptación general como uno de los mayores maestros de la forma. Artistas del siglo XIX como Yoshitoshi fueron ignorados o marginados, y sólo atrajeron la atención de los académicos hacia finales del siglo XX. [216] Las obras de artistas Utagawa tardíos como Kunisada y Kuniyoshi han revivido parte de la estima contemporánea que disfrutaban estos artistas. Muchas obras tardías examinan las condiciones sociales o de otro tipo detrás del arte y no se preocupan por valoraciones que lo ubicarían en un período de decadencia. [217]
El novelista Jun'ichirō Tanizaki criticó la actitud superior de los occidentales que afirmaban un esteticismo superior al pretender haber descubierto el ukiyo-e. Sostuvo que el ukiyo-e era simplemente la forma de arte japonés más fácil de entender desde la perspectiva de los valores occidentales, y que los japoneses de todos los estratos sociales disfrutaban del ukiyo-e, pero que la moral confuciana de la época les impedía discutirlo libremente. costumbres sociales que fueron violadas por el alarde del descubrimiento por parte de Occidente. [218]
Desde los albores del siglo XX, los historiadores del manga (cómics y dibujos animados japoneses) han desarrollado narrativas que conectan esta forma de arte con el arte japonés anterior al siglo XX. Se hace especial hincapié en Hokusai Manga como precursor, aunque el libro de Hokusai no es narrativo, ni el término "manga" se origina con Hokusai. [219] En inglés y otros idiomas, la palabra "manga" se utiliza en el sentido restrictivo de "cómics japoneses" o "cómics de estilo japonés", [220] mientras que en japonés indica todas las formas de cómics, dibujos animados, [221 ] y caricatura. [222]
Las clases dominantes limitaron estrictamente el espacio permitido para las viviendas de las clases sociales más bajas; El tamaño relativamente pequeño de las obras de ukiyo-e era ideal para colgarlas en estas casas. [223] Se han conservado pocos registros de los patrocinadores de las pinturas ukiyo-e. Se vendieron a precios considerablemente más altos que las impresiones, hasta muchos miles de veces más, y por lo tanto debieron haber sido compradas por comerciantes ricos, probables y tal vez algunos de la clase samurái. [10] Las impresiones de época tardía son los ejemplos más numerosos que se conservan, ya que se produjeron en mayores cantidades en el siglo XIX, y cuanto más antigua es una impresión, menos posibilidades tenía de sobrevivir. [224] Ukiyo-e se asociaba en gran medida con Edo, y los visitantes de Edo a menudo compraban lo que llamaban azuma-e [k] como recuerdo. Las tiendas que los vendieron podrían especializarse en productos como ventiladores de mano u ofrecer una selección diversa. [189]
El mercado de la impresión ukiyo-e estaba muy diversificado ya que vendía a un público heterogéneo, desde jornaleros hasta comerciantes adinerados. [225] Se conoce poca información concreta sobre los hábitos de producción y consumo. En Edo se mantenían registros detallados de una amplia variedad de cortesanas, actores y luchadores de sumo, pero no quedan registros relacionados con el ukiyo-e, o tal vez nunca existieron. Determinar lo que se entiende sobre la demografía del consumo de ukiyo-e ha requerido medios indirectos. [226]
Determinar a qué precios se vendieron las impresiones es un desafío para los expertos, ya que los registros de cifras concretas son escasos y había una gran variedad en la calidad de la producción, el tamaño, [227] la oferta y la demanda, [228] y los métodos, que sufrieron cambios como la introducción de la impresión a todo color. [229] También es difícil determinar qué tan caros pueden considerarse los precios, ya que las condiciones sociales y económicas cambiaron a lo largo del período. [230] En el siglo XIX, sobreviven registros de impresiones que se vendían desde tan solo 16 meses [231] a 100 meses para las ediciones de lujo. [232] Jun'ichi Ōkubo sugiere que los precios del mon en las décadas de 1920 y 1930 probablemente eran comunes para las impresiones estándar. [233] A modo de comparación, un plato de fideos soba a principios del siglo XIX normalmente se vendía por 16 meses . [234]
Los tintes de las impresiones ukiyo-e son susceptibles de desvanecerse cuando se exponen incluso a niveles bajos de luz; esto hace que la visualización a largo plazo sea indeseable. El papel en el que están impresos se deteriora al entrar en contacto con materiales ácidos , por lo que las cajas de almacenamiento, carpetas y soportes deben ser de pH neutro o alcalino . Las impresiones deben inspeccionarse periódicamente para detectar problemas que requieran tratamiento y almacenarse a una humedad relativa del 70% o menos para evitar decoloraciones por hongos. [235]
El papel y los pigmentos de las pinturas ukiyo-e son sensibles a la luz y a los cambios estacionales de humedad. Los soportes deben ser flexibles, ya que las láminas pueden romperse con cambios bruscos de humedad. En la era Edo, las hojas se montaban en papel de fibra larga y se conservaban enrolladas en cajas de madera de paulownia colocadas en otra caja de madera lacada. [236] En los museos, los tiempos de exhibición están muy limitados para evitar el deterioro debido a la exposición a la luz y la contaminación ambiental, y se tiene cuidado al desenrollar y volver a enrollar los rollos, ya que el desplazamiento causa concavidades en el papel y el desenrollado y enrollado de los rollos. volutas que causan arrugas. [237] Los niveles de humedad en los que se guardan los rollos generalmente están entre el 50 y el 60 por ciento, ya que los rollos mantenidos en una atmósfera demasiado seca se vuelven quebradizos. [238]
Debido a que las impresiones de ukiyo-e se produjeron en masa, coleccionarlas presenta consideraciones diferentes a las de coleccionar pinturas. Existe una amplia variación en el estado, la rareza, el costo y la calidad de las impresiones existentes. Las impresiones pueden tener manchas, zorros , agujeros de gusano, rasgaduras, arrugas o marcas de perro, los colores pueden haberse desvanecido o pueden haber sido retocados. Es posible que los talladores hayan alterado los colores o la composición de los grabados que pasaron por varias ediciones. Al cortarlo después de imprimir, es posible que el papel se haya recortado dentro del margen. [239] Los valores de las impresiones dependen de una variedad de factores, incluida la reputación del artista, el estado de la impresión, la rareza y si se trata de una edición original; incluso las impresiones posteriores de alta calidad alcanzarán una fracción de la valoración de un original. [240]
Las impresiones de Ukiyo-e a menudo pasaron por varias ediciones, a veces con cambios en los bloques en ediciones posteriores. También circulan ediciones realizadas a partir de xilografías recortadas, como reproducciones legítimas posteriores, así como ediciones piratas y otras falsificaciones. [241] Takamizawa Enji (1870-1927), productor de reproducciones de ukiyo-e, desarrolló un método de recortar bloques de madera para imprimir colores frescos en originales descoloridos, sobre los cuales utilizó ceniza de tabaco para que la tinta fresca pareciera envejecida. Estas impresiones actualizadas las revendió como impresiones originales. [242] Entre los coleccionistas defraudados se encontraba el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright , quien trajoLleva consigo 1.500 impresiones de Takamizawa desde Japón hasta Estados Unidos, algunas de las cuales había vendido antes de que se descubriera la verdad. [243]
Se hace referencia a los artistas de Ukiyo-e en el estilo japonés, con el apellido precediendo al nombre personal, y a artistas conocidos como Utamaro y Hokusai solo por su nombre personal. [244] Los distribuidores normalmente se refieren a las impresiones ukiyo-e por los nombres de los tamaños estándar , más comúnmente el aiban de 34,5 por 22,5 centímetros (13,6 x 8,9 pulgadas) , el aiban de 22,5 por 19 centímetros (8,9 x 8,9 pulgadas). 7,5 pulgadas) chūban , y el ōban de 38 por 23 centímetros (15,0 pulgadas × 9,1 pulgadas) [203]: los tamaños precisos varían y el papel a menudo se recortaba después de la impresión. [245]
Muchas de las mayores colecciones de ukiyo-e de alta calidad se encuentran fuera de Japón. [246] Los ejemplos ingresaron a la colección de la Biblioteca Nacional de Francia en la primera mitad del siglo XIX. El Museo Británico inició una colección en 1860 [247] que a finales del siglo XX contaba con70.000 artículos . [248] El más grande, superando100 000 artículos, se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Boston , [246] comenzó cuando Ernest Fenollosa donó su colección en 1912. [249] La primera exposición en Japón de grabados ukiyo-e fue probablemente la presentada por Kōjirō Matsukata en 1925, quien acumuló su colección en París durante la Primera Guerra Mundial y luego la donó al Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio . [250] La colección más grande de ukiyo-e en Japón es la100.000 piezas en el Museo Ukiyo-e de Japón en la ciudad de Matsumoto . [251]
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