La pintura china ( chino simplificado :中国画; chino tradicional :中國畫; pinyin : Zhōngguó huà ) es una de las tradiciones artísticas más antiguas y continuas del mundo. La pintura en el estilo tradicional se conoce hoy en día en chino como guó huà ( chino simplificado :国画; chino tradicional :國畫), que significa "pintura nacional" o "pintura nativa", a diferencia de los estilos de arte occidentales que se hicieron populares en China en el siglo XX. También se llama danqing ( chino :丹青; pinyin : dān qīng ). La pintura tradicional implica esencialmente las mismas técnicas que la caligrafía y se realiza con un pincel mojado en tinta negra o pigmentos de colores ; no se utilizan óleos. Al igual que con la caligrafía, los materiales más populares sobre los que se hacen las pinturas son el papel y la seda. La obra terminada se puede montar en pergaminos, como pergaminos colgantes o pergaminos manuales . La pintura tradicional también se puede realizar sobre hojas de álbumes, paredes, lacas , biombos y otros medios.
Las dos técnicas principales de la pintura china son:
La pintura de paisajes se consideraba la forma más alta de la pintura china, y en general todavía lo es. [3] El período comprendido entre el período de las Cinco Dinastías y el período Song del Norte (907-1127) se conoce como la "Gran época del paisaje chino". En el norte, artistas como Jing Hao , Li Cheng , Fan Kuan y Guo Xi pintaron imágenes de imponentes montañas, utilizando fuertes líneas negras, aguadas de tinta y pinceladas punteadas y nítidas para sugerir piedra áspera. En el sur, Dong Yuan , Juran y otros artistas pintaron las ondulantes colinas y ríos de su campo natal en escenas pacíficas realizadas con pinceladas más suaves y frotadas. Estos dos tipos de escenas y técnicas se convirtieron en los estilos clásicos de la pintura de paisajes china.
La pintura y la caligrafía chinas se distinguen de las artes de otras culturas por el énfasis en el movimiento y el cambio con una vida dinámica. [4] La práctica se aprende tradicionalmente primero de memoria, en la que el maestro muestra la "forma correcta" de dibujar elementos. El aprendiz debe copiar estos elementos de manera estricta y continua hasta que los movimientos se vuelvan instintivos. En la época contemporánea, surgió un debate sobre los límites de esta tradición copista dentro de las escenas del arte moderno donde la innovación es la regla. Los cambios en los estilos de vida, las herramientas y los colores también están influyendo en las nuevas oleadas de maestros. [4] [5]
Las primeras pinturas no eran figurativas, sino ornamentales; consistían en patrones o diseños en lugar de imágenes. La cerámica primitiva se pintaba con espirales, zigzags, puntos o animales. Fue solo durante la dinastía Zhou oriental (770-256 a. C.) que los artistas comenzaron a representar el mundo que los rodeaba. En la época imperial (a partir de la dinastía Jin oriental ), la pintura y la caligrafía en China se encontraban entre las artes más apreciadas en la corte y a menudo las practicaban aficionados (aristócratas y funcionarios académicos) que tenían el tiempo libre necesario para perfeccionar la técnica y la sensibilidad necesarias para una gran pincelada. Se pensaba que la caligrafía y la pintura eran las formas de arte más puras. Los instrumentos eran el pincel hecho de pelo de animal y las tintas negras hechas de hollín de pino y cola animal . En la antigüedad, la escritura, así como la pintura, se hacían en seda . Sin embargo, después de la invención del papel en el siglo I d. C., la seda fue reemplazada gradualmente por el material nuevo y más barato. Los escritos originales de calígrafos famosos han sido muy valorados a lo largo de la historia de China y se montan en pergaminos y se cuelgan en las paredes del mismo modo que las pinturas.
Los artistas de las dinastías Han (206 a. C. – 220 d. C.) a Tang (618–906) pintaron principalmente figuras humanas. Gran parte de lo que sabemos de las primeras pinturas chinas de figuras proviene de los lugares de enterramiento, donde se conservaban pinturas en estandartes de seda, objetos lacados y paredes de tumbas. Muchas de las primeras pinturas de tumbas tenían como objetivo proteger a los muertos o ayudar a sus almas a llegar al paraíso. Otras ilustraban las enseñanzas del filósofo chino Confucio o mostraban escenas de la vida cotidiana.
Durante el período de las Seis Dinastías (220-589), la gente empezó a apreciar la pintura por su belleza y a escribir sobre arte. A partir de esta época empezamos a conocer a artistas individuales, como Gu Kaizhi . Incluso cuando estos artistas ilustraban temas morales confucianos (como el comportamiento adecuado de una esposa hacia su marido o de los hijos hacia sus padres), intentaban que las figuras fueran gráciles.
.
Los " Seis principios de la pintura china " fueron establecidos por Xie He , un escritor, historiador de arte y crítico de la China del siglo V, en "Seis puntos a tener en cuenta al juzgar una pintura" (繪畫六法, Pinyin : Huìhuà Liùfǎ), tomados del prefacio de su libro "El registro de la clasificación de los pintores antiguos" (古畫品錄; Pinyin : Gǔhuà Pǐnlù). Tenga en cuenta que esto fue escrito alrededor del año 550 d. C. y se refiere a prácticas "antiguas" y "antiguas". Los seis elementos que definen una pintura son:
Durante la dinastía Tang , la pintura de figuras floreció en la corte real. Artistas como Zhou Fang representaron el esplendor de la vida cortesana en pinturas de emperadores, damas de palacio y caballos imperiales. La pintura de figuras alcanzó la cima del realismo elegante en el arte de la corte del sur de Tang (937-975).
La mayoría de los artistas de la dinastía Tang delineaban las figuras con finas líneas negras y utilizaban colores brillantes y detalles elaborados. Sin embargo, un artista de la dinastía Tang, el maestro Wu Daozi , utilizaba solo tinta negra y pinceladas libremente pintadas para crear pinturas a tinta que eran tan emocionantes que las multitudes se reunían para verlo trabajar. A partir de su época, las pinturas a tinta ya no se consideraban bocetos preliminares o contornos que se rellenaban con color, sino que se valoraban como obras de arte terminadas.
A partir de la dinastía Tang, muchas pinturas eran paisajes , a menudo pinturas shanshui (山水, "agua de montaña"). En estos paisajes, monocromáticos y despojados (un estilo que se denomina colectivamente shuimohua ), el propósito no era reproducir exactamente la apariencia de la naturaleza ( realismo ), sino más bien captar una emoción o atmósfera, como si se captara el "ritmo" de la naturaleza.
Se ha conservado una cantidad considerable de información literaria y documental sobre la pintura Tang, pero muy pocas obras, especialmente de la más alta calidad. Sir Aurel Stein descubrió una cueva tapiada en el complejo de las cuevas de Mogao en Dunhuang, que contenía un gran botín, principalmente escritos budistas, pero también algunos estandartes y pinturas, lo que constituye el grupo más grande de pinturas sobre seda que sobrevive. Estas se encuentran ahora en el Museo Británico y en otros lugares. No son de calidad cortesana, pero muestran una variedad de estilos, incluidos algunos con influencias de más al oeste. Al igual que con la escultura, otras supervivencias que muestran el estilo Tang se encuentran en Japón , aunque la más importante, en Nara, fue destruida en gran parte en un incendio en 1949. Los complejos de cuevas excavadas en la roca y las tumbas reales también contienen muchas pinturas murales. La pintura cortesana sobrevive principalmente en lo que son, con certeza o posiblemente, copias de mucho más tarde.
_001.jpg/1280px-Chinesischer_Maler_des_11._Jahrhunderts_(I)_001.jpg)
La pintura durante la dinastía Song (960-1279) alcanzó un mayor desarrollo de la pintura de paisajes; se transmitieron distancias inconmensurables mediante el uso de contornos borrosos, contornos de montañas que desaparecían en la niebla y un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. La pintura de estilo shan shui (shan significa montaña y shui significa río) se volvió prominente en el arte paisajístico chino. El énfasis puesto en el paisaje se basaba en la filosofía china ; el taoísmo enfatizaba que los humanos no eran más que pequeñas motas en el vasto y mayor cosmos, mientras que los escritores neoconfucianistas a menudo buscaban el descubrimiento de patrones y principios que creían que causaban todos los fenómenos sociales y naturales. [6] La pintura de retratos y objetos vistos de cerca, como pájaros en las ramas, se tenía en alta estima, pero la pintura de paisajes era primordial. [7] A principios de la dinastía Song había surgido un estilo paisajístico distintivo . [8] Los artistas dominaban la fórmula de escenas intrincadas y realistas ubicadas en primer plano, mientras que el fondo conservaba cualidades de espacio vasto e infinito. Los picos de las montañas distantes se elevan entre las altas nubes y la niebla, mientras que ríos caudalosos corren desde lejos hacia el primer plano. [9]
Hubo una diferencia significativa en las tendencias de la pintura entre el período Song del Norte (960-1127) y el período Song del Sur (1127-1279). Las pinturas de los funcionarios Song del Norte estaban influenciadas por sus ideales políticos de poner orden en el mundo y abordar los problemas más importantes que afectaban a toda la sociedad; sus pinturas a menudo representaban paisajes enormes y panorámicos. [10] Durante el período Song del Norte, las pinturas de paisajes tenían un significado político y la corte las usaba para enfatizar su fuerza y autoridad con el simbolismo de los grandes paisajes. [11] : 167 La corte Song del Norte encargó paisajes enormes que utilizó para apoyar sus ritos. [11] : 167
Los funcionarios de la dinastía Song del Sur estaban más interesados en reformar la sociedad desde abajo y en una escala mucho más pequeña, un método que creían que tenía más posibilidades de éxito; sus pinturas a menudo se centraban en escenas más pequeñas, visualmente más cercanas e íntimas, mientras que el fondo a menudo se representaba desprovisto de detalles, como un reino sin preocupación para el artista o el espectador. [10] Este cambio de actitud de una era a la siguiente se debió en gran medida a la creciente influencia de la filosofía neoconfuciana . Los partidarios del neoconfucianismo se centraron en reformar la sociedad desde abajo, no desde arriba, lo que se puede ver en sus esfuerzos por promover pequeñas academias privadas durante la dinastía Song del Sur en lugar de las grandes academias controladas por el Estado que se vieron en la era Song del Norte. [12]
Desde las dinastías del Sur y del Norte (420-589), la pintura se había convertido en un arte de alta sofisticación que se asociaba con la clase noble como uno de sus principales pasatiempos artísticos, siendo los otros la caligrafía y la poesía. [13] Durante la dinastía Song hubo ávidos coleccionistas de arte que a menudo se reunían en grupos para discutir sus propias pinturas, así como para calificar las de sus colegas y amigos. El poeta y estadista Su Shi (1037-1101) y su cómplice Mi Fu (1051-1107) a menudo participaban en estos asuntos, tomando prestadas piezas de arte para estudiarlas y copiarlas, o si realmente admiraban una pieza, a menudo se proponía un intercambio. [14] Crearon un nuevo tipo de arte basado en las tres perfecciones en las que usaban sus habilidades en caligrafía (el arte de la escritura hermosa) para hacer pinturas con tinta. A partir de su época, muchos pintores se esforzaron por expresar libremente sus sentimientos y capturar el espíritu interior de su tema en lugar de describir su apariencia externa. Las pequeñas pinturas redondas populares en la dinastía Song del Sur a menudo se recopilaban en álbumes y los poetas escribían poemas en los costados para que coincidieran con el tema y el estado de ánimo de la pintura. [10]
Aunque eran ávidos coleccionistas de arte, algunos eruditos Song no apreciaban fácilmente las obras de arte encargadas por esos pintores que se encontraban en tiendas o mercados comunes, y algunos de los eruditos incluso criticaron a los artistas de escuelas y academias de renombre. Anthony J. Barbieri-Low, profesor de historia china temprana en la Universidad de California, Santa Bárbara , señala que la apreciación de los eruditos Song por el arte creado por sus pares no se extendió a aquellos que se ganaban la vida simplemente como artistas profesionales: [15]
Durante la dinastía Song del Norte (960-1126 d. C.), surgió una nueva clase de artistas-eruditos que no poseían las habilidades de los pintores académicos para realizar trampantojo, ni siquiera la competencia de los pintores de mercado comunes. La pintura de los literatos era más simple y, a veces, bastante inculta, pero criticaban a estos otros dos grupos como meros profesionales, ya que dependían de encargos pagados para su sustento y no pintaban simplemente por diversión o autoexpresión. Los artistas-eruditos consideraban que los pintores que se concentraban en representaciones realistas, que empleaban una paleta colorida o, lo peor de todo, que aceptaban un pago monetario por su trabajo no eran mejores que los carniceros o los caldereros del mercado. No debían ser considerados verdaderos artistas. [15]
Sin embargo, durante el periodo Song, hubo muchos pintores de la corte aclamados y fueron muy estimados por los emperadores y la familia real . Uno de los más grandes pintores de paisajes patrocinados por la corte Song fue Zhang Zeduan (1085-1145), que pintó el pergamino original A lo largo del río durante el Festival Qingming , una de las obras maestras más conocidas del arte visual chino. El emperador Gaozong de Song (1127-1162) una vez encargó un proyecto artístico de numerosas pinturas para las Dieciocho canciones de una flauta nómada , basado en la poetisa Cai Wenji (177-250 d. C.) de la dinastía Han anterior . Yi Yuanji logró un alto grado de realismo pintando animales, en particular monos y gibones . [16] Durante el periodo Song del Sur (1127-1279), pintores de la corte como Ma Yuan y Xia Gui utilizaron fuertes pinceladas negras para esbozar árboles y rocas y aguadas pálidas para sugerir un espacio brumoso.
Durante la dinastía mongol Yuan (1271-1368), los pintores unieron las artes de la pintura, la poesía y la caligrafía inscribiendo poemas en sus cuadros. Estas tres artes trabajaban juntas para expresar los sentimientos del artista de una manera más completa de lo que una sola arte podría hacerlo. El emperador Yuan Tugh Temur (r. 1328, 1329-1332) era aficionado a la pintura china y se convirtió en un pintor respetable.
Los chinos son los pueblos más hábiles en las artes y los que más perfección alcanzan en ellas. Esto es bien sabido y la gente lo ha descrito y hablado extensamente de ello. Nadie, ni griego ni ningún otro, los rivaliza en el dominio de la pintura. Tienen una prodigiosa habilidad para ello. Una de las cosas notables que vi en relación con esto es que si visitaba una de sus ciudades y luego regresaba a ella, siempre veía retratos míos y de mis compañeros pintados en las paredes y en papel en los bazares. Fui a la ciudad del sultán, pasé por el bazar de los pintores y fui al palacio del sultán con mis compañeros. Íbamos vestidos de iraquíes. Cuando volví del palacio por la tarde pasé por dicho bazar. Vi retratos míos y de mis compañeros pintados en papel y colgados en las paredes. Cada uno de nosotros miró el retrato de su compañero; el parecido era correcto en todos los aspectos. Me dijeron que el Sultán les había ordenado que hicieran esto y que habían venido al palacio mientras estábamos allí y habían comenzado a observarnos y pintarnos sin que nos diéramos cuenta. Es su costumbre pintar a todo el que se acerca a ellos. [17]
A partir del siglo XIII se desarrolló la tradición de pintar temas sencillos (una rama con frutas, unas cuantas flores o uno o dos caballos). La pintura narrativa, con una gama cromática más amplia y una composición mucho más recargada que las pinturas Song, fue inmensamente popular durante el período Ming (1368-1644).
En esa época aparecieron los primeros libros ilustrados con xilografías coloreadas; a medida que se perfeccionaban las técnicas de impresión a color, comenzaron a publicarse manuales ilustrados sobre el arte de la pintura. Jieziyuan Huazhuan (Manual del jardín de semillas de mostaza) , una obra de cinco volúmenes publicada por primera vez en 1679, se ha utilizado como libro de texto técnico para artistas y estudiantes desde entonces.
Algunos pintores de la dinastía Ming (1368-1644) continuaron las tradiciones de los pintores eruditos de la dinastía Yuan. Este grupo de pintores, conocido como la escuela Wu , estuvo dirigido por el artista Shen Zhou . Otro grupo de pintores, conocido como la escuela Zhe , revivió y transformó los estilos de la corte Song.
Durante la dinastía Qing temprana (1644-1911), los pintores conocidos como individualistas se rebelaron contra muchas de las reglas tradicionales de la pintura y encontraron formas de expresarse más directamente a través de pinceladas libres. En los siglos XVIII y XIX, grandes ciudades comerciales como Yangzhou y Shanghái se convirtieron en centros de arte donde los ricos comerciantes-mecenas alentaron a los artistas a producir nuevas y audaces obras. Sin embargo, de manera similar al fenómeno de la producción de linajes clave, muchos artistas conocidos provenían de familias artísticas establecidas. Dichas familias se concentraron en la región de Jiangnan y produjeron pintores como Ma Quan , Jiang Tingxi y Yun Zhu . [18]
,_Chinese_School.jpg/1280px-A_View_of_Henan_(Honam),_Chinese_School.jpg)
Fue también durante este período cuando surgieron los pintores comerciales chinos. Aprovechando la presencia de comerciantes británicos y europeos en ciudades portuarias populares como Cantón, estos artistas crearon obras de estilo occidental, especialmente para comerciantes occidentales. Este comercio, conocido como pinturas de exportación chinas, prosperó durante toda la dinastía Qing.
A finales del siglo XIX y durante el siglo XX, los pintores chinos se vieron cada vez más expuestos al arte occidental . Algunos artistas que estudiaron en Europa rechazaron la pintura china; otros intentaron combinar lo mejor de ambas tradiciones. Entre los pintores modernos más queridos se encontraba Qi Baishi , que comenzó su vida como un campesino pobre y se convirtió en un gran maestro. Sus obras más conocidas representan flores y pequeños animales.
A partir del Movimiento de la Nueva Cultura , los artistas chinos comenzaron a adoptar técnicas occidentales. Entre los artistas chinos destacados que estudiaron pintura occidental se encuentran Li Tiefu , Yan Wenliang , Xu Beihong , Lin Fengmian , Fang Ganmin y Liu Haisu .
Después de la fundación de la República Popular China, el Departamento de Propaganda del Partido Comunista organizó redes de asociaciones de trabajadores culturales que estaban encabezadas por la Federación China de Círculos Literarios y Artísticos . [11] : 136 El estado incorporó las empresas culturales existentes al aparato estatal, lo que proporcionó ingresos estables y entornos de trabajo para los artistas. [11] : 136
En los primeros años de la República Popular de China, se alentó a los artistas a emplear el realismo socialista . Se importó parte del realismo socialista de la Unión Soviética sin modificaciones, y se les asignaron temas a los pintores y se esperaba que produjeran pinturas en masa. Siguiendo el modelo de la Unión Soviética, la República Popular de China en sus inicios respaldó la pintura al óleo histórica y el estado encargó muchas obras artísticas en este estilo para representar a la nueva nación mediante la representación de las principales batallas y otros eventos que llevaron a la proclamación del país. [11] : 137 En este período, los críticos adoptaron una postura negativa hacia el estilo de pintura guohua . [11] : 137
Este régimen se relajó considerablemente en 1953, y después de la Campaña de las Cien Flores de 1956-57, la pintura tradicional china experimentó un renacimiento significativo. A mediados de la década de 1950, las relaciones entre China y la Unión Soviética se estaban deteriorando, y Mao Zedong estaba cada vez más ansioso por que China estableciera su propio camino nacional. [11] : 137 Las campañas de propaganda comenzaron a promover la readopción de estilos de arte tradicionales como adecuados para representar las relaciones sociales modernas. [11] : 137 La Campaña Nueva Guohua pidió a los pintores que modernizaran el estilo tradicional (que históricamente había sido exclusivo de la clase dominante de China) para retratar el paisaje de la República Popular China. [11] : 137 La forma y las técnicas tradicionales del paisaje se mantuvieron en gran medida, pero los nuevos elementos como el mayor uso del color rojo y la incorporación de vehículos modernos y líneas de cable tenían la intención de transmitir la modernidad socialista. [11] : 137
Junto con estos avances en los círculos artísticos profesionales, se produjo una proliferación del arte campesino que representaba la vida cotidiana en las zonas rurales en murales de pared y en exposiciones de pintura al aire libre. Durante el Gran Salto Adelante , las autoridades promovieron el Movimiento de Pintura Campesina, del que surgieron cientos de miles de nuevos artistas. [19] Como parte de este Movimiento, los artistas campesinos decoraron las paredes de las aldeas con murales con la temática del Gran Salto Adelante. [19] El Gran Salto Adelante también impulsó una segunda ola de la Campaña Nueva Guohua en la que el estado encargó a los artistas paisajistas que pintaran nuevos proyectos de producción; pinturas seleccionadas de la campaña se enseñaron en las escuelas, se publicaron ampliamente como carteles de propaganda, se exhibieron en museos y se usaron como telones de fondo de eventos estatales. [11] : 138
Durante la Revolución Cultural , se cerraron las escuelas de arte y se suspendió la publicación de revistas de arte y las principales exposiciones de arte. También se llevaron a cabo grandes destrucciones como parte de la campaña de eliminación de los Cuatro Viejos . Durante la Revolución Cultural, la difusión de las pinturas campesinas en la China rural se convirtió en uno de los acontecimientos recién nacidos que se celebraban en una sociedad socialista. [20]
Tras la Revolución Cultural, se restablecieron las escuelas de arte y las organizaciones profesionales. Se establecieron intercambios con grupos de artistas extranjeros y los artistas chinos comenzaron a experimentar con nuevos temas y técnicas. Un caso particular de estilo a mano alzada (xieyi hua) puede observarse en la obra del niño prodigio Wang Yani (nacido en 1975), que comenzó a pintar a los 3 años y desde entonces ha contribuido considerablemente al ejercicio de este estilo en el arte contemporáneo.
Después de la reforma económica china, cada vez más artistas llevaron a cabo innovaciones audaces en la pintura china. Las innovaciones incluyen: el desarrollo de nuevas habilidades de pincelado como salpicaduras de agua y tinta en dirección vertical, con el artista representativo Tiancheng Xie, [ cita requerida ] creación de un nuevo estilo mediante la integración de técnicas de pintura tradicionales chinas y occidentales como la pintura de estilo celestial , con el artista representativo Shaoqiang Chen , [21] y nuevos estilos que expresan temas contemporáneos y escenas naturales típicas de ciertas regiones como el estilo de pintura de Lijiang, con el artista representativo Gesheng Huang. [ cita requerida ] Una serie de pinturas de 2008 de Cai Jin , más conocida por su uso de colores psicodélicos , mostró influencias tanto de fuentes occidentales como tradicionales chinas, aunque las pinturas eran abstracciones orgánicas. [22]
La pintura china sigue desempeñando un papel esencial en la expresión cultural china. A partir de mediados del siglo XX, los artistas comenzaron a combinar las técnicas tradicionales de la pintura china con los estilos artísticos occidentales, lo que dio lugar al estilo del nuevo arte chino contemporáneo. Uno de los artistas representativos es Wei Dong, que se inspiró en fuentes orientales y occidentales para expresar el orgullo nacional y alcanzar la realización personal. [23]
A medida que la pintura de paisajes se hizo popular y se convirtió en el estilo dominante en la dinastía Song del Norte, los artistas comenzaron a desviar su atención de la pintura jiehua , que indica pinturas de objetos arquitectónicos chinos como edificios, barcos, ruedas y vehículos, hacia las pinturas de paisajes. Sin embargo, entrelazado con la pintura de paisajes imperial, el molino de agua, un elemento de la pintura jiehua , todavía se usa como símbolo imperial. El molino de agua representado en el Molino de agua es una representación de la revolución de la tecnología, la economía, la ciencia, la ingeniería mecánica y el transporte en la dinastía Song. Representa la participación directa del gobierno en la industria de la molienda, lo que puede influir en las actividades comerciales. Otra evidencia que muestra que el gobierno interfirió en el comercio es una tienda de vinos que aparece al lado del molino de agua. El molino de agua en el Rollo de Shanghai refleja el desarrollo de la ingeniería y el creciente conocimiento en hidrología. Además, un molino de agua también puede usarse para identificar una pintura y usarse como metáfora literaria. Últimamente, el molino de agua se ha transformado en una forma simbólica que representa a la corte imperial.
Mil millas de ríos y montañas de Wang Ximeng celebra el mecenazgo imperial y construye un puente que une a los emperadores posteriores, Huizong y Shenzong, con sus antepasados, Taizu y Taizong. El molino de agua de esta pintura, a diferencia del que se pintó en los pergaminos anteriores de Shanghai para que fuera sólido y pesado, está pintado para que fuera ambiguo y vago para que coincidiera con el gusto de la corte de esa época. La pintura refleja un ritmo lento y un estilo de vida idílico y pacífico. Ubicado en lo profundo de un pueblo, el molino de agua es impulsado por la fuerza de una enorme rueda hidráulica vertical que es accionada por una compuerta. El artista parece ignorar la ingeniería hidráulica, ya que solo dibujó de manera aproximada el mecanismo de todo el proceso. Mil millas de ríos y montañas pintado por Wang Ximeng, un artista de la corte enseñado directamente por el propio Huizong. Por lo tanto, la obra de arte Mil millas de ríos y montañas debería revisar directamente el gusto imperial de la pintura de paisajes. Combinando la riqueza de los pigmentos azul brillante y turquesa heredados de la dinastía Tang con la inmensidad, el espacio solemne y las montañas de la dinastía Song del Norte, el pergamino es una representación perfecta del poder imperial y el gusto estético de los aristócratas. [24]
Existe una larga tradición de tener significados ocultos detrás de ciertos objetos en las pinturas chinas. Una pintura en abanico de un artista desconocido del período Song del Norte representa a tres gibones capturando crías de garcetas y ahuyentando a los padres. El acertijo detrás de esta escena se interpreta como una celebración del éxito en el examen. Otra pintura que tiene temas similares (gibones y garcetas) recibe el título de San yuan de lu三猿得鹭, o Tres gibones atrapando garcetas. Como el acertijo, el sonido del título también puede escribirse como 三元得路, que significa "un triple primero gana [un] poder". 元 representa "primero" reemplaza a su homófono 猿, y 路 significa camino, reemplaza a 鹭. El término sanyuan se registró por primera vez como un término que se refería a las personas que obtenían tres primeros lugares en un examen en Qingsuo gaoyi por un escritor de Song del Norte, Liu Fu, y el uso de este nuevo término se extendió gradualmente por todo el país, donde el paisaje de gibones y garcetas fue ampliamente aceptado. Últimamente, otros paisajes derivados de las pinturas originales, incluido el ciervo en la escena porque en chino, ciervo, lu también es un homófono de garcetas. Además, el número de gibones representados en la pintura puede ser flexible, no solo limitado a tres, sanyuan. Dado que los puestos en las cortes Song están ocupados por las élites que alcanzaron el grado jinshi, las pinturas con gibones, garcetas o ciervos se utilizan para elogiar a esas élites en general.
El emperador Huizong pintó personalmente un cuadro titulado Pájaros en un ciruelo en flor , en el que aparecen dos "pájaros de cabeza canosa", "Baitou weng", descansando juntos en la rama de un árbol. "Baitou" en la cultura china es una alusión al amor fiel y al matrimonio. En un conocido poema de amor, se escribió: "Deseo un amante en cuyo corazón sólo yo exista, sin separarnos, incluso nuestras cabezas se vuelven canosas". Durante el gobierno de Huizong, el rebus de los literatos se integró en la academia de pintura de la corte y se convirtió en parte de la rutina de prueba para ingresar a la corte imperial. Durante la dinastía Song, la conexión entre pintores y literatos, pinturas y poemas es más estrecha. [25]
"El país está destrozado; las montañas y los ríos permanecen". El poema de Du Fu (712-770) refleja el principio fundamental de la cultura china: la dinastía puede cambiar, pero el paisaje es eterno. Este tema de atemporalidad surgió a partir del período de las Seis Dinastías y de los primeros Song del Norte. Se estudia a un jinete de burro que viaja a través de montañas, ríos y aldeas como un personaje iconográfico importante en el desarrollo de la pintura de paisajes.
Se supone que el jinete de burro en la pintura Viajeros en un bosque invernal de Li Cheng es un retrato de Meng Haoran, "un hombre alto y flacucho vestido con una sencilla túnica de erudito, montado en un pequeño caballo seguido por un joven sirviente". Además de Meng Haoran, otras personas famosas, como Ruan Ji, uno de los siete sabios del Bosque de Bambú y Du Fu, un contemporáneo más joven de Meng, también están representados como jinetes de burro. Los poetas de la dinastía Tang Jia Dao y Li He y las élites de la dinastía Song temprana Pan Lang, Wang Anshi aparecen en las pinturas como jinetes de burro. Los poetas Song del Norte Lin Bu y Su Shi son representados recientemente como jinetes de burro. En esta pintura específica Viajeros en un bosque invernal , los candidatos potenciales para el jinete de burro son descartados y el personaje solo puede ser Meng Haoran. Meng Haoran ha escrito más de doscientos poemas en su vida, pero ninguno de ellos está relacionado con el paseo en burro. Representarlo como un jinete de burro es una invención histórica y Meng representa una personalidad general más que un personaje individual. Ruan Ji fue representado como un jinete de burro desde que decidió escapar de la vida de oficina y regresar al desierto. El burro que montaba representa su pobreza y excentricidad. Du Fu fue retratado como el jinete para enfatizar su fracaso en el logro de la oficina y también sus malas condiciones de vida. Meng Haoran, similar a esas dos figuras, no se interesó en la carrera de oficina y actuó como un erudito puro en el campo de la poesía escribiendo poemas reales con experiencia real y un apego emocional real con el paisaje. Se dice que el jinete del burro viaja a través del tiempo y el espacio. El público puede conectarse con los eruditos y poetas del pasado caminando por la misma ruta que han seguido esos antepasados superiores. Además del jinete del burro, siempre hay un puente para que el burro cruce. Se interpreta que el puente tiene un significado simbólico que representa el camino por el que los ermitaños parten de la ciudad capital y sus carreras oficiales y regresan al mundo natural. [26]
Durante la dinastía Song, las pinturas con temas que van desde animales, flores, paisajes e historias clásicas, se utilizan como adornos en el palacio imperial, las oficinas gubernamentales y las residencias de las élites con múltiples propósitos. El tema de las obras de arte en exhibición se elige cuidadosamente para reflejar no solo un gusto personal, sino también su estatus social y logros políticos. En la sala de conferencias del emperador Zhezong, una pintura que representa historias de la dinastía Zhou estaba colgada en la pared para recordarle a Zhezong cómo ser un buen gobernante del imperio. La pintura también sirve para expresar su determinación a sus oficiales de la corte de que es un emperador ilustrado.
The main walls of the government office, also called walls of the "Jade Hall," meaning the residence of the immortals in Taoism are decorated by decorative murals. Most educated and respected scholars were selected and given the title xueshi. They were divided into groups in helping the Instituted of Literature and were described as descending from the immortals. Xueshi are receiving high social status and doing carefree jobs. Lately, the xueshi yuan, the place where xueshi lives, became the permanent government institution that helped the emperor to make imperial decrees.
During Tang dynasty reign of Emperor Xianzong (805–820), the west wall of the xueshi yuan was covered by murals depicting dragon-like mountain scene. In 820–822, immortal animals like Mount Ao, flying cranes, and xianqin, a kind of immortal birds were added to the murals. Those immortal symbols all indicate that the xueshi yuan as eternal existing government office.
During Song dynasty, the xueshi yuan was modified and moved with the dynasty to the new capital Hangzhou in 1127. The mural painted by Song artist Dong yu, closely followed the tradition of the Tang dynasty in depicting the misty sea surrounding the immortal mountains. The scenery on the walls of the Jade Hall which full of mist clouds and mysterious land is closely related to Taoism tradition. When Yan Su, a painter followed the style of Li Cheng, was invited to paint the screen behind the seat of the emperor, he included elaborated constructed pavilions, mist clouds and mountain landscape painting in his work. The theme of his painting is suggesting the immortal realm which accord with the entire theme of the Jade Hall provides to its viewer the feeling of otherworldliness. Another painter, Guo Xi made another screen painting for emperor Shenzong, depicting mountains in spring in a harmonized atmosphere. The image also includes immortal elements Mount Tianlao which is one of the realms of the immortals. In his painting, Early Spring, the strong branches of the trees reflects the life force of the living creatures and implying the emperor's benevolent rule.[27]
Female characters are almost excluded from traditional Chinese painting under the influence of Confucianism. Dong Zhongshu, an influential Confucian scholar in the Han dynasty, proposed the three-bond theory saying that: "the ruler is Yang and the subject is Yin, father is Yang and son is Yin…The husband is Yang, and the wife is Yin," which places females in a subordinate position to that of males. Under the three-bond theory, women are depicted as housewives who need to obey to their husbands and fathers in literature. Similarly, in the portrait paintings, female characters are also depicted as exemplary women to elevate the rule of males. A hand roll Exemplary Womenby Ku Kai Zhi, a six Dynasty artist, depicted woman characters who may be a wife, a daughter or a widow.
During the Tang dynasty, artists slowly began to appreciate the beauty of a woman's body (shinu). Artist Zhang Xuan produced painting named palace women listening to music that captured women's elegance and pretty faces. However, women were still being depicted as submissive and ideal within male system.
During the Song dynasty, as the love poem emerged, the images associated with those love stories were made as attractive as possible to meet the taste of the male viewers.[28]
Northern Song landscape painting differs from Southern Song painting because of its paradigm shift in representation. If Southern Song period landscape painting is said to be looking inward, Northern Song painting is reaching outward. During the Northern Song period, the rulers' goal is to consolidate and extend the elites value across the society. Whereas Southern Song painters decided to focus on personal expression. Northern Song landscapes are regarded as "real landscape", since the court appreciated the representation relationship between art and the external world, rather than the relationship between art and the artists inner voice. The painting, A Thousand Miles of Rivers and Mountains is horizontally displayed and there are four mountain ranges arranged from left to right. Similar to another early Southern Song painter, Zhou Boju, both artists glorified their patrons by presenting the gigantic empire images in blue and green landscape painting. The only difference is that in Zhou's painting, there are five mountain ranges arranged from right to left. The scenes in the Southern Song paintings are about north landscape that echo the memory of their lost north territory. However, ironically, some scholars suggested that Wang Ximeng's A Thousand Miles of Rivers and Mountains depicts the scenes of the south not the north.[29]
The Chinese landscape painting are believed to be affected by the intertwining Chinese traditional religious beliefs, for example, "the Taoist love of nature", and "Buddhist principle of emptiness," and can represent the diversification of artists attitudes and thoughts from previous period. The Taoist love of nature is not always present in Chinese landscape painting but gradually developed from Six Dynasties period when Taoists Lao-tzu, Chuang-tzu, the Pao-p'u tzu's thoughts are reflected in literature documents. Apart from the contemporary Confucian tradition of insisting on human cultivation and learning to be more educated and build up social framework, Taoist persist on going back to human's origin, which is to be ignorant. Taoists believe that if one discard wise, the robbery will stop. If people abandon expensive jewelry, thieves will not exist. From the Han dynasty, the practice of Taoism was associated with alchemical and medicine made. To better pursuit Taoism belief, Taoist need to go on pilgrim into specific mountains to connect themselves with the spirits and immortals that lived in those mountains. In the third and fourth century, the practice of escaping society and going back to nature mediating in the countryside is further enhanced by a group called Seven Sages of the Bamboo Grove who would like to escape from the civil unrest. The wise men fleet the world and wonder in the countryside and enjoy the tranquil landscape and forgot to return. The Taoism ideology of forgetfulness, self-cultivation, harmonizing with nature world, and purifying soul by entering the isolated mountains to mediate and seek medicine herbs create the scene of landscape painting.
During the Han dynasty, the mountains appeared in the design of the artworks shows the prevalence role of mountain in Han society. The emperor would climb on to the mountain to sacrifice and religion practice because mountains are thought to have connection between earth and heaven and can link human with spirits and immortals. And sometimes, mountains are depicted as mystical mountains" (shenshan), where sages and legendary animals settled. Hence, landscape painting is used as an object for Taoism practice which provide visualize form for religious ritual. During the Six Dynasties period, the landscape painting experienced a stylistic change which myth and poem depiction were introduced into the painting. For example, in Ku Kai-chih's "Nymph of the river" scroll and "The Admonitions of the Court Preceptress", audience are able to read narrative description and text accompanied by visualized images.
Furthermore, in Buddhism, the mountain also has an important role in religious practice. From an iconographical point of view, a Buddha's image is used in helping a believer to practice meditation. For instance, Buddha's reflection image, or shadow, is assimilated with the image of a mountain, Lushan. This assimilation is also recorded in a poem by poet from the Six Dynasties period who pointed out that the beauty and numinosity of the mountain can elevate the spiritual connection between human being and the spirits. Thus, the landscape painting come into display Buddha's image in people's everyday ritual practice. Hui-yuan described in his poem that "Lushan seems to mirror the divine appearance" which unifies the two images—the true image and the reflection of Buddha. Moreover, spiritual elevation can be achieved by contemplating in front of landscape painting which depict the same mountain and path those old sages have been to. The painting contains both the spiritual force (ling) and the truth (li) of Buddha and also the objects that no longer physically presence. Hui-Yuan's famous image is closely relation with its landscape scene indicating the trend of transformation from Buddha image to landscape painting as a religious practice.[30]
In Chinese society, there is a long-time appreciation of natural beauty. The early themes of poems, artworks are associated with agriculture and everyday life associates with fields, animals. On the other hand, later Chinese painting pursuits majesty and grand. Thus, mountain scenery become the most popular subject to paint because it's high which represent human eminence. Also, mountain is stable and permanent suggests the eminent of the imperial power. Furthermore, mountain is difficult to climb showing the difficulties human will face through their lives.
Landscape painting evolved under the influence of Taoist who fled from civil turbulence and prosecution of the government and went back to the wilderness. However, the development of Taoism was hindered by Han dynasty. During Han dynasty, the empire expanded and enlarged its political and economic influence. Hence, the Taoism's anti-social belief was disfavored by the imperial government. Han rulers only favored portrait painting which enabled their image to be perpetuate and their civilians to see and to memorize their great leaders or generals. Landscape at that time only focus on the trees for literary or talismanic value. The usage of landscape painting as ornament is suspects to be borrowed from other societies outside Han empire during its expansion to the Near East. Landscape and animal scene began to appear on the jars, but the decoration has little to do with connection with the natural world. Also, there is evidence showing that the emerging of landscape painting is not derived from map-making.
During the Three Kingdoms and Six Dynasties, landscape painting began to have connection with literati and the production of poems. Taoism influence on people's appreciation of landscaping deceased and nature worshipping superseded. However, Taoist still used landscape painting in their meditation just as Confucius uses portrait painting in their ritual practice. (Ku Kai Chih's admonitions) During this time period, the landscape painting is more coherence with variation trees, rocks and branches. Moreover, the painting is more elaborated and organized. The evolution in landscape painting during the Six Dynasties is that artists harmonized sprit with the nature. (Wu Tao-tzu) Buddhism might also contribute in affecting changes in landscape painting. The artists began to show space and depth in their works where they showed mountain mass, distanced hills and clouds. The emptiness of the space is helping the believers meditating to enter the space of emptiness and nothingness.
The most important development in landscape painting is that people came to recognize the infinity variation of the nature world, so they tended to make each tree individualized. Every landscape painting is restricted by storytelling and is dependent on artists memory.[31]
Chinese landscape painting, "shanshui hua" means the painting of mountains, rivers, and cliffs which are the two major components that represents the essence of the nature. Shanshui in Chinese tradition is given rich meaning, for example mountain represents Yang and river indicates Yin. According to Yin Yang theory, Yin embodies Yang and Yang involved in Yin, thus, mountain and river is inseparable and is treated as a whole in a painting. In the Mountains and rivers without end, for example, "the dyad of the mountain uplift, subduction, and erosion and the planetary water cycle" is consistent with the dyad of Buddhism iconography, both representing austerity and generous loving spirit.[32]
"Arts in maps, arts as maps, maps in arts, and maps as arts," are the four relationships between art and map. Making a distinction between map and art is difficult because there are cartographic elements in both paintings. Early Chinese map making considered earth surface as flat, so artists would not take projection into consideration. Moreover, map makers did not have the idea of map scale. Chinese people from Song dynasty called paintings, maps and other pictorial images as tu, so it's impossible to distinguish the types of each painting by name. Artists who paint landscape as an artwork focus mainly on the natural beauty rather on the accuracy and realistic representation of the object. Map on the other hand should be depicted in a precise manner which more focus on the distance and important geographic features.
The two examples in this case:
The Changjiang Wan Li Tu, although the date and the authorship are not clear, the painting is believed to be made in Song dynasty by examining the place names recorded on the painting. Only based on the name of this painting, it is hard to distinguish whether this painting is painted as a landscape painting or as a map.
The Shu Chuan Shenggai was once thought as the product done by North Song artist Li Gonglin, however, later evidence disapproved this thought and proposed the date should be changed to the end of South Song and artist remains unknown.
Both those paintings, aiming to enhance viewers appreciation on the beauty and majesty of landscape painting, focusing on the light condition and conveying certain attitude, are characterized as masterpiece of art rather than map.[33]
Media related to Paintings from China at Wikimedia Commons
_por_Ku_K'ai-chih_-_Duque_Yi_de_Wey.jpg/1280px-Mujeres_Sabias_y_Benevolentes_(detalle)_por_Ku_K'ai-chih_-_Duque_Yi_de_Wey.jpg)
