Pierre Bonnard ( en francés: [bɔnaʁ] ; 3 de octubre de 1867 - 23 de enero de 1947) fue un pintor , ilustrador y grabador francés , conocido especialmente por las cualidades decorativas estilizadas de sus pinturas y su uso audaz del color. [1] Miembro fundador del grupo postimpresionista de pintores de vanguardia Les Nabis , [2] sus primeros trabajos estuvieron fuertemente influenciados por la obra de Paul Gauguin , así como por los grabados de Hokusai y otros artistas japoneses. Bonnard fue una figura destacada en la transición del impresionismo al modernismo . Pintó paisajes, escenas urbanas, retratos y escenas domésticas íntimas, donde los fondos, los colores y el estilo de la pintura generalmente prevalecían sobre el tema. [3] [4]
Pierre Bonnard nació en Fontenay-aux-Roses , Hauts-de-Seine, el 3 de octubre de 1867. Su madre, Élisabeth Mertzdorff, era de Alsacia . Su padre, Eugène Bonnard, era del Delfinado y era un alto funcionario del Ministerio de Guerra francés. Tenía un hermano, Charles, y una hermana, Andrée, que en 1890 se casó con el compositor Claude Terrasse . [5]
Recibió su educación en el Liceo Louis-le-Grand y el Liceo Charlemagne de Vanves. Demostró talento para el dibujo y la acuarela, así como para las caricaturas. Pintaba con frecuencia en los jardines de la casa de campo de sus padres en Le Grand-Lemps, cerca de La Côte-Saint-André en el Delfinado . También mostró un fuerte interés por la literatura. [6] Recibió su bachillerato en clásicos y, para satisfacer a su padre, entre 1886 y 1887 obtuvo su licencia en derecho y comenzó a ejercer como abogado en 1888. [7] [8]
Mientras estudiaba derecho, asistió a clases de arte en la Académie Julian de París. [9] [10] En la Académie Julien conoció a sus futuros amigos y compañeros artistas, Paul Sérusier , Maurice Denis , Gabriel Ibels y Paul Ranson . [11]
En 1888, Bonnard fue aceptado en la Escuela de Bellas Artes , donde conoció a Édouard Vuillard y Ker Xavier Roussel . También vendió su primera obra de arte comercial, un diseño para un cartel de France-Champagne, que lo ayudó a convencer a su familia de que podía ganarse la vida como artista. Su primer estudio estaba en la rue Lechapelais. [11]
Entre 1889 y 1890, Bonnard prestó servicio militar como soldado de segunda clase en el 52.º Regimiento de Infantería. Tras dejar el ejército, Bonnard no volvió a la abogacía, sino al arte, convirtiéndose en artista.
Desde 1893 hasta su muerte, Bonnard vivió con Marthe de Méligny (1869-1942), y ella fue la modelo de muchas de sus pinturas, incluyendo muchos desnudos. Su nombre de nacimiento era Maria Boursin, pero lo había cambiado antes de conocer a Bonnard. Se casaron en 1925. En los años previos a su matrimonio, Bonnard tuvo relaciones amorosas con otras dos mujeres, que también sirvieron como modelos para algunas de sus pinturas: Renée Monchaty (la pareja del pintor estadounidense Harry Lachmann ) y Lucienne Dupuy de Frenelle, la esposa de un médico. Se ha sugerido que Bonnard puede haber sido el padre del segundo hijo de Lucienne. Renée Monchaty se suicidó poco después de que Bonnard y de Méligny se casaran. [12]
Bonnard recibió presiones de una dirección diferente para continuar pintando. Si bien había recibido su licencia para ejercer la abogacía en 1888, reprobó el examen para ingresar al registro oficial de abogados. [13] El arte era su única opción. Después de las vacaciones de verano, se unió a sus amigos de la Academia Julien para formar Les Nabis , un grupo informal de artistas con diferentes estilos y filosofías pero ambiciones artísticas comunes. Como escribió más tarde, Bonnard desconocía por completo a los pintores impresionistas, o a Gauguin y otros nuevos pintores. [13] Su amigo Paul Sérusier le mostró una pintura sobre una caja de puros de madera que hizo después de visitar a Paul Gauguin en Pont-Aven, usando parches de color puro al estilo de Gauguin. En 1890, Maurice Denis, a los veinte años, formalizó la doctrina en la que una pintura se consideraba "un plano de superficie cubierto de colores reunidos en un cierto orden". [14]
Algunos de los Nabis tenían enfoques altamente religiosos, filosóficos o místicos en sus pinturas, pero Bonnard se mantuvo más alegre y desinteresado. El pintor y escritor Aurelien Lugné-Poe, que compartió un estudio en el número 28 de la rue Pigalle con Bonnard y Vuillard, escribió más tarde: "Pierre Bonnard era el humorista entre nosotros; su alegría despreocupada y el humor expresado en sus producciones, en las que el espíritu decorativo siempre preservó una especie de sátira, de la que más tarde se apartó". [15]
En 1891, conoció a Toulouse-Lautrec y, en diciembre de 1891, mostró su trabajo en la exposición anual de la Société des Artistes Indépendants . En el mismo año, Bonnard también comenzó una asociación con La Revue Blanche , para la que él y Édouard Vuillard diseñaron un frontispicio . [16] En marzo de 1891, su trabajo se exhibió junto con el trabajo de los otros Nabis en Le Barc de Boutteville. [11]
El estilo de las artes gráficas japonesas se convirtió en una importante influencia para Bonnard. En 1893, se realizó una importante exposición de obras de Utamaro e Hiroshige en la Galería Durand-Ruel, y la influencia japonesa, en particular el uso de múltiples puntos de vista y el uso de patrones geométricos llamativos en la ropa, como las blusas a cuadros, comenzó a aparecer en su obra. Debido a su pasión por el arte japonés, su apodo entre los nabis pasó a ser Le Nabi le trés japonard. [11]
Dedicó cada vez más atención al arte decorativo, diseñando muebles, telas, abanicos y otros objetos. Continuó diseñando carteles para France-Champagne, lo que le permitió ganarse un público fuera del mundo del arte. En 1892, comenzó a crear litografías y pintó Le Corsage à carreaux y La Partie de croquet . También realizó una serie de ilustraciones para los libros de música de su cuñado, Claude Terrasse .
En 1894, tomó una nueva dirección y realizó una serie de pinturas de escenas de la vida de París. En sus escenas urbanas, los edificios e incluso los animales eran el foco de atención; rara vez se veían rostros. También hizo su primer retrato de su futura esposa, Marthe, con quien se casó en 1925. [11] En 1895, se convirtió en uno de los primeros participantes del movimiento Art Nouveau , diseñando una vidriera, llamada Maternidad , para Tiffany . [11]
En 1895, realizó su primera exposición individual de pinturas, carteles y litografías en la Galería Durand-Ruel. También ilustró una novela, Marie , de Peter Nansen , publicada en serie por La Revue Blanche . Al año siguiente participó en una exposición colectiva de los Nabis en la Galería Vollard de Amboise. En 1899, participó en otra importante exposición de obras de los Nabis. [11]
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A lo largo de los primeros años del siglo XX, a medida que surgían nuevos movimientos artísticos, Bonnard siguió refinando y revisando su estilo personal y explorando nuevos temas y medios, pero manteniendo constantes las características de su obra. Trabajando en su estudio en el 65 de la rue de Douai en París, presentó pinturas en el Salón de los Independientes en 1900, y también produjo 109 litografías para Parallèment , un libro de poemas de Paul Verlaine . [17] También participó en una exposición con los otros Nabis en la galería Bernheim Jeaune. Presentó nueve pinturas en el Salón de los Independientes en 1901. En 1905, produjo una serie de desnudos y retratos, y en 1906 tuvo una exposición personal en la Galería Bernheim-Jeune. En 1908, ilustró un libro de poesía de Octave Mirbeau , e hizo su primera estancia prolongada en el sur de Francia, en la casa del pintor Manguin en Saint-Tropez . en 1909 y, en 1911, comenzó una serie de paneles decorativos, llamados Méditerranée , para el mecenas de arte ruso Ivan Morozov . [18]
Durante los años de la Primera Guerra Mundial, Bonnard se concentró en desnudos y retratos, y en 1916 completó una serie de grandes composiciones, entre ellas La pastorale , Méditterranée , La Paradis Terreste y Paysage de Ville . Su reputación en el mundo del arte francés estaba asegurada; en 1918 fue seleccionado, junto con Renoir , como presidente honorario de la Asociación de Jóvenes Artistas Franceses. [18]
En la década de 1920, realizó ilustraciones para un libro de André Gide (1924) y otro de Claude Anet (1923). Expuso sus obras en el Salón de Otoño de 1923 y en 1924 fue homenajeado con una retrospectiva de sesenta y ocho de sus obras en la Galerie Druet. En 1925, compró una villa en Cannes . [18]
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En 1938, las obras de Bonnard y Vuillard se exhibieron en una exposición en el Art Institute of Chicago . El estallido de la Segunda Guerra Mundial en septiembre de 1939 obligó a Bonnard a abandonar París hacia el sur de Francia, donde permaneció hasta el final de la guerra. Bajo la ocupación alemana, se negó a pintar un retrato oficial del líder colaboracionista francés Marechal Pétain , pero aceptó un encargo para pintar un cuadro religioso de San Francisco de Sales , con el rostro de su amigo Vuillard , que había muerto dos años antes. [19]
En 1947 terminó su último cuadro, El almendro en flor , una semana antes de su muerte en su casa de campo de la Route de Serra Capeou, cerca de Le Cannet , en la Riviera Francesa . El Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York organizó una retrospectiva póstuma de la obra de Bonnard en 1948, aunque originalmente estaba destinada a ser una celebración del 80 cumpleaños del artista.
El arte japonés desempeñó un papel importante en la obra de Bonnard. Pudo ver por primera vez las obras de artistas japoneses a través de la galería parisina de Siegfried Bing . Bing trajo obras de Hokusai y otros grabadores japoneses a Francia, y desde mayo de 1888 hasta abril de 1891 publicó una revista de arte mensual, Le Japon Artistique , que incluyó ilustraciones en color en 1891. En 1890, Bing organizó una importante exposición de setecientos grabados que había traído de Japón e hizo una donación de arte japonés al Louvre . [20]
Bonnard utilizó el modelo del arte japonés de pergaminos kakemono (paneles largos y verticales) en su serie de pinturas Mujeres en el jardín (1890-91), que ahora se encuentra en el Museo de Orsay. Originalmente diseñadas para aparecer juntas como una sola pantalla, Bonnard decidió mostrar Mujeres en el jardín como cuatro paneles decorativos separados. Las formas femeninas se reducen a siluetas planas y no hay representación de profundidad en la imagen. Los rostros están de espaldas al espectador y las imágenes están completamente dominadas por los colores y los patrones llamativos de los trajes y los fondos. Las modelos son su hermana Andreé y su prima Berthe Schaedin. [21] Bonnard a menudo retrataba a mujeres con blusas a cuadros, un diseño que decía haber descubierto en grabados japoneses. [20]
Bonnard escribió: "Nuestra generación siempre ha buscado conexiones entre el arte y la vida". [22] Bonnard y los otros Nabis estaban particularmente interesados en integrar su arte en formas populares, como carteles, portadas de revistas e ilustraciones y grabados en libros, así como en la decoración doméstica común, en forma de murales, biombos pintados, textiles, tapices, muebles, vidrio y vajilla. [23]
Al principio de su carrera, Bonnard diseñó carteles para una casa de champán francesa, por los que ganó la atención del público. Más tarde realizó numerosas series de grabados que ilustraban las obras de los autores de vanguardia de su tiempo.
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Bonnard es conocido por su uso intenso del color, especialmente a través de áreas construidas con pequeñas pinceladas y valores cercanos. Sus composiciones a menudo complejas, típicamente de interiores iluminados por el sol y jardines poblados de amigos y familiares, son a la vez narrativas y autobiográficas. La afición de Bonnard por representar escenas íntimas de la vida cotidiana, ha llevado a que se le llame " intimista "; su esposa Marthe fue un tema omnipresente a lo largo de varias décadas. [24] Se la ve sentada en la mesa de la cocina, con los restos de una comida; o desnuda, como en una serie de pinturas donde se reclina en la bañera. También pintó varios autorretratos , paisajes , escenas callejeras y muchas naturalezas muertas , que generalmente representaban flores y frutas.
Bonnard no pintaba del natural, sino que dibujaba el tema (a veces incluso lo fotografiaba) y tomaba notas sobre los colores. Después pintaba el lienzo en su estudio a partir de sus notas. [25] “Tengo todos mis temas a mano”, dijo, “los miro, tomo notas, luego me voy a casa y antes de empezar a pintar reflexiono, sueño”. [26]
Trabajaba en varios lienzos a la vez, que fijaba con tachuelas en las paredes de su pequeño estudio. De esta manera podía determinar con mayor libertad la forma de un cuadro: "Me molestaría si mis lienzos estuvieran tensados sobre un marco. Nunca sé de antemano qué dimensiones voy a elegir". [27]
Claude Roger-Marx observó que Bonnard "captura poses fugaces, roba gestos inconscientes, cristaliza las expresiones más transitorias". [24]
Aunque Bonnard evitó la atención pública, su obra se vendió bien durante su vida. En el momento de su muerte, su reputación había sido eclipsada por los posteriores desarrollos vanguardistas en el mundo del arte; al revisar una retrospectiva de la obra de Bonnard en París en 1947, Christian Zervos evaluó al artista en términos de su relación con el impresionismo y lo encontró deficiente. "En la obra de Bonnard", escribió, "el impresionismo se vuelve insípido y cae en decadencia". [28] En respuesta, Henri Matisse escribió: "Sostengo que Bonnard es un gran artista para nuestro tiempo y, naturalmente, para la posteridad". [29]
Sus propios amigos y los historiadores describieron a Bonnard como un hombre de «temperamento tranquilo» y discretamente independiente. Su vida estuvo relativamente libre de «las tensiones y reveses de las circunstancias adversas». Se ha sugerido que: «Al igual que Daumier, cuya vida conoció poca serenidad, Bonnard produjo una obra durante sus sesenta años de actividad que sigue una línea de desarrollo uniforme». [30]
Se ha descrito a Bonnard como "el más idiosincrásico de todos los grandes pintores del siglo XX", y los inusuales puntos de vista de sus composiciones se basan menos en los modos tradicionales de estructura pictórica que en el color voluptuoso, las alusiones poéticas y el ingenio visual. [31] Identificado como un practicante tardío del impresionismo a principios del siglo XX, desde entonces ha sido reconocido por su uso único del color y su imaginería compleja. [27] "No son solo los colores los que irradian en un Bonnard", escribe Roberta Smith , "también está el calor de las emociones encontradas, frotadas hasta la suavidad, envueltas en velos cromáticos e intensificadas por enigmas espaciales inesperados y por figuras elusivas e inquietantes". [32]
En 1998 se realizaron dos importantes exposiciones de la obra de Bonnard: de febrero a mayo en la Tate Gallery de Londres y de junio a octubre en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. En 2009, se presentó la exposición "Pierre Bonnard: The Late Interiors" en el Museo Metropolitano de Arte . [31] En una reseña de la exposición para la revista The New Republic , Jed Perl escribió:
"Bonnard es el más idiosincrásico de todos los grandes pintores del siglo XX. Lo que lo sostiene no son las ideas tradicionales de estructura y orden pictóricos, sino más bien una combinación única de gusto visual, perspicacia psicológica y sentimiento poético. También tiene una cualidad que podría caracterizarse como ingenio perceptivo: un instinto para saber qué es lo que funcionará en una pintura. Casi invariablemente reconoce el punto preciso en el que su voluptuosidad puede estar descontrolándose, donde necesita introducir una nota irónica. El ingenio de Bonnard tiene todo que ver con la naturaleza excéntrica de sus composiciones. Le resulta divertido colar una figura en un rincón o tener un gato mirando fijamente al espectador. Sus caprichos metafóricos tienen un toque cómico, como cuando convierte una figura en un patrón en el papel pintado. Y cuando imagina una cesta de fruta como un montón de esmeraldas, rubíes y diamantes, lo hace con el estilo de un mago que saca un conejo de un sombrero". [31]
En 2016, la Legión de Honor de San Francisco organizó una exposición titulada "Pierre Bonnard: pintando Arcadia", que incluyó más de 70 obras que abarcan toda la carrera del artista. [33]
El precio récord de Bonnard en una subasta pública fue por Terrasse à Vernon , vendido por Christie's en 2011 por 8.485.287 € (7.014.200 £). [34]
En 2014, se descubrió en Italia el cuadro La femme aux Deux Fauteuils ( La mujer con dos sillones ), con un valor estimado de unos 600.000 euros (497.000 libras esterlinas), que había sido robado en Londres en 1970. El cuadro, junto con una obra de Paul Gauguin conocida como Fruta sobre una mesa con un perrito, había sido comprado por un empleado de Fiat en 1975, en una venta de objetos perdidos de los ferrocarriles, por 45.000 liras (unas 32 libras esterlinas). [35]
Bonnard aparece de forma destacada en la novela The Sea (El mar) , de John Banville , ganadora del premio Booker en 2005. En la novela, el protagonista e historiador de arte Max Morden escribe un libro sobre Bonnard y analiza la vida y la obra del pintor a lo largo del libro.
Bonnard es interpretado por Vincent Macaigne y Marthe por Cécile de France en la película francesa de 2023 dirigida por Martin Provost Bonnard, Pierre y Marthe , que se centra en el romance de la pareja. [ 36] La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2023. [37]
