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El arte de Europa , también conocido como arte occidental , abarca la historia del arte visual en Europa . El arte prehistórico europeo comenzó como arte rupestre y petroglifo móvil del Paleolítico superior y fue característico del período comprendido entre el Paleolítico y la Edad del Hierro . [1] Las historias escritas del arte europeo a menudo comienzan con las civilizaciones del Egeo , que datan del tercer milenio antes de Cristo. Sin embargo, un patrón consistente de desarrollo artístico dentro de Europa se vuelve claro sólo con el arte griego antiguo , que fue adoptado y transformado por Roma y llevado; con el Imperio Romano , en gran parte de Europa, el norte de África y Asia occidental . [2]
La influencia del arte del período clásico tuvo altibajos a lo largo de los siguientes dos mil años, pareciendo deslizarse hacia un recuerdo lejano en partes del período medieval , para resurgir en el Renacimiento , sufrir un período de lo que algunos de los primeros historiadores del arte visto como "decadencia" durante el período Barroco , [3] para reaparecer en forma refinada en el Neoclasicismo [4] y renacer en el Postmodernismo . [5]
Antes del siglo XIX, la iglesia cristiana tuvo una gran influencia en el arte europeo y los encargos de la Iglesia constituyeron la principal fuente de trabajo para los artistas. En el mismo período también hubo un renovado interés por la mitología clásica, las grandes guerras, los héroes y heroínas y los temas no relacionados con la religión. [6] La mayor parte del arte de los últimos 200 años se ha producido sin referencia a la religión y, a menudo, sin ninguna ideología particular , pero el arte a menudo ha sido influenciado por cuestiones políticas, ya sea reflejando las preocupaciones de los mecenas o del artista.
El arte europeo se organiza en una serie de períodos estilísticos que, históricamente, se superponen entre sí a medida que florecían diferentes estilos en diferentes áreas. En términos generales los períodos son: pintura clásica , bizantina , medieval , gótica , renacentista , barroca , rococó , neoclásica , moderna , posmoderna y nueva europea . [6]
El arte prehistórico europeo es una parte importante del patrimonio cultural europeo. [7] La historia del arte prehistórico suele dividirse en cuatro períodos principales: Edad de Piedra , Neolítico , Edad del Bronce y Edad del Hierro . La mayoría de los artefactos que quedan de este período son pequeñas esculturas y pinturas rupestres.
Gran parte del arte prehistórico que se conserva son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figuras femeninas de Venus , como la Venus de Willendorf (24.000-22.000 a. C.), que se encuentra en toda Europa central; [8] La figura de Löwenmensch, de aproximadamente 30.000 a. C., de 30 cm de altura, apenas tiene piezas que puedan relacionarse con ella. El reno nadando , de alrededor del 11.000 a. C., es uno de los mejores tallados magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico superior , aunque son superados en número por las piezas grabadas, que a veces se clasifican como escultura. [9] Con el comienzo del Mesolítico en Europa, la escultura figurativa se redujo considerablemente, [10] y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta el período romano, a pesar de algunas obras como el caldero Gundestrup del Hierro Europeo. Edad y Edad del Bronce Carro solar de Trundholm . [11]
El arte rupestre europeo más antiguo data del año 40.800 y se puede encontrar en la Cueva de El Castillo en España. [12] Otros sitios de pinturas rupestres incluyen Lascaux , Cueva de Altamira , Grotte de Cussac , Pech Merle , Cueva de Niaux , Cueva Chauvet , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, Inglaterra (grabados rupestres y bajorrelieves descubiertos en 2003), la cueva Coliboaia de Rumania (considerada la pintura rupestre más antigua de Europa central ) [13] y Magura, [1] Belogradchik, Bulgaria. [14] También se realizaron pinturas rupestres en las paredes de los acantilados, pero menos han sobrevivido debido a la erosión. Un ejemplo bien conocido son las pinturas rupestres de Astuvansalmi en la zona de Saimaa en Finlandia. Cuando Marcelino Sanz de Sautuola encontró por primera vez las pinturas magdalenienses de la cueva de Altamira, Cantabria, España, en 1879, los académicos de la época las consideraron engaños. Desde entonces, recientes reevaluaciones y numerosos descubrimientos adicionales han demostrado su autenticidad, estimulando al mismo tiempo el interés por el arte de los pueblos del Paleolítico superior. Las pinturas rupestres, realizadas sólo con las herramientas más rudimentarias, también pueden proporcionar información valiosa sobre la cultura y las creencias de esa época.
El arte rupestre de la Cuenca Mediterránea Ibérica representa un estilo muy diferente, siendo la figura humana la protagonista, a menudo vista en grandes grupos, con representación de batallas, danzas y caza, además de otras actividades y detalles como la vestimenta. Las figuras generalmente están representadas de forma bastante esquemática con pintura fina, y las relaciones entre los grupos de humanos y animales están representadas con más cuidado que las figuras individuales. Otros grupos menos numerosos de arte rupestre, muchos de ellos grabados en lugar de pintados, muestran características similares. Se cree que los ejemplos ibéricos datan de un largo período que quizás abarque el Paleolítico superior, el Mesolítico y el Neolítico temprano.
El arte celta prehistórico proviene de gran parte de la Europa de la Edad del Hierro y sobrevive principalmente en forma de trabajos en metal de alto estatus hábilmente decorados con diseños complejos, elegantes y en su mayoría abstractos, a menudo utilizando formas curvas y espirales. Hay cabezas humanas y algunos animales completamente representados, pero las figuras humanas de cuerpo entero y de cualquier tamaño son tan raras que su ausencia puede representar un tabú religioso. Cuando los romanos conquistaron territorios celtas, desapareció casi por completo, pero el estilo continuó en uso limitado en las Islas Británicas , y con la llegada del cristianismo revivió allí en el estilo insular de la Alta Edad Media.
La civilización minoica de Creta está considerada la civilización más antigua de Europa. [15] El arte minoico está marcado por imágenes imaginativas y una mano de obra excepcional. Sinclair Hood describió una "cualidad esencial del mejor arte minoico, la capacidad de crear una atmósfera de movimiento y vida siguiendo un conjunto de convenciones altamente formales". [16] Forma parte de un grupo más amplio de arte del Egeo , y en períodos posteriores llegó a tener durante un tiempo una influencia dominante sobre el arte de las Cícladas . La madera y los textiles se han descompuesto, por lo que la mayoría de los ejemplos sobrevivientes de arte minoico son cerámica , sellos minoicos intrincadamente tallados , frescos de palacio que incluyen paisajes), pequeñas esculturas en diversos materiales, joyas y trabajos en metal.
Se ha debatido mucho la relación del arte minoico con el de otras culturas contemporáneas y, posteriormente, con el arte griego antiguo . Dominó claramente el arte micénico y el arte cicládico de los mismos períodos, [17] incluso después de que Creta fuera ocupada por los micénicos, pero sólo algunos aspectos de la tradición sobrevivieron a la Edad Media griega después del colapso de la Grecia micénica . [18]
El arte minoico tiene una variedad de temas, muchos de los cuales aparecen en diferentes medios, aunque sólo algunos estilos de cerámica incluyen escenas figurativas. El salto de toros aparece en la pintura y en varios tipos de escultura, y se cree que tuvo un significado religioso; Las cabezas de toro también son un tema popular en terracota y otros materiales escultóricos. No hay figuras que parezcan retratos de individuos, o que sean claramente reales, y las identidades de las figuras religiosas son a menudo provisionales, [19] y los eruditos no están seguros de si son deidades, clérigos o devotos. [20] Del mismo modo, está lejos de estar claro si las habitaciones pintadas eran "santuarios" o seculares; Se ha argumentado que una habitación en Akrotiri es un dormitorio, con restos de una cama o un santuario. [21]
A menudo se representan animales, incluida una variedad inusual de fauna marina; el " estilo marino " es un tipo de cerámica palaciega pintada de MM III y LM IA que pinta criaturas marinas, incluidos pulpos, esparcidos por todo el recipiente, y probablemente se originó a partir de escenas pintadas con frescos similares; [22] a veces estos aparecen en otros medios. Las escenas de caza y guerra, y de caballos y jinetes, se encuentran principalmente en períodos posteriores, en obras realizadas quizás por cretenses para un mercado micénico, o por señores micénicos de Creta.
Si bien las figuras minoicas, ya sean humanas o animales, tienen un gran sentido de la vida y el movimiento, a menudo no son muy precisas y, en ocasiones, es imposible identificar la especie; en comparación con el arte del Antiguo Egipto, suelen ser más vívidos, pero menos naturalistas. [23] En comparación con el arte de otras culturas antiguas, hay una alta proporción de figuras femeninas, aunque ahora se descarta la idea de que los minoicos sólo tenían diosas y ningún dios. La mayoría de las figuras humanas están de perfil o en una versión de la convención egipcia con la cabeza y las piernas de perfil y el torso visto de frente; pero las figuras minoicas exageran rasgos como cinturas masculinas delgadas y senos femeninos grandes. [24]
La antigua Grecia tuvo grandes pintores, grandes escultores y grandes arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta nuestros días. La escultura de mármol griega a menudo se describe como la forma más elevada de arte clásico . La pintura sobre cerámica y cerámica de la antigua Grecia ofrece una visión particularmente informativa de la forma en que funcionaba la sociedad en la antigua Grecia. La pintura de jarrones de figuras negras y la pintura de jarrones de figuras rojas ofrecen muchos ejemplos supervivientes de lo que era la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos sobre paneles de madera que se mencionan en los textos son Apeles , Zeuxis y Parrasio ; sin embargo, no sobrevive ningún ejemplo de pintura sobre paneles de la antigua Grecia, sólo descripciones escritas de sus contemporáneos o de romanos posteriores. Zeuxis vivió entre el 5 y el 6 a. C. y se dice que fue el primero en utilizar sfumato . Según Plinio el Viejo , el realismo de sus cuadros era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apeles es descrito como el pintor más grande de la Antigüedad por su perfecta técnica en el dibujo, su brillante color y su modelado.
El arte romano fue influenciado por Grecia y en parte puede considerarse descendiente de la pintura y escultura griega antigua, pero también estuvo fuertemente influenciado por el arte etrusco más local de Italia. La escultura romana es principalmente retratos derivados de las clases altas de la sociedad, así como representaciones de los dioses. Sin embargo, la pintura romana sí tiene importantes características singulares. Entre las pinturas romanas supervivientes se encuentran pinturas murales, muchas de ellas de villas de Campania , en el sur de Italia, especialmente en Pompeya y Herculano . Esta pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales [26] y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'œil , pseudoperspectiva y paisaje puro. [27]
Casi todos los retratos pintados del mundo antiguo que se conservan son un gran número de retratos de ataúdes en forma de busto encontrados en el cementerio de la Antigüedad tardía de Al-Fayum . Dan una idea de la calidad que debía tener la mejor obra antigua. También sobrevive un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad tardía, y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano. El arte paleocristiano surgió del arte popular romano, y más tarde del imperial, y adaptó su iconografía a partir de estas fuentes.
La mayor parte del arte superviviente del período medieval tenía un enfoque religioso, a menudo financiado por la Iglesia , poderosos individuos eclesiásticos como obispos , grupos comunales como abadías o mecenas seculares adinerados . Muchos tenían funciones litúrgicas específicas: cruces procesionales y retablos , por ejemplo.
Una de las cuestiones centrales del arte medieval es su falta de realismo. Con la caída de Roma se perdió gran parte del conocimiento de la perspectiva en el arte y de la comprensión de la figura humana . Pero el realismo no fue la principal preocupación de los artistas medievales. Simplemente intentaban enviar un mensaje religioso, una tarea que exige imágenes icónicas claras en lugar de imágenes representadas con precisión.
Periodo de tiempo : Siglo VI al siglo XV.
El arte del período de migración es un término general para el arte de los pueblos "bárbaros" que se trasladaron a territorios anteriormente romanos. El arte celta de los siglos VII y VIII vio una fusión con las tradiciones germánicas a través del contacto con los anglosajones creando lo que se llama estilo hibernosajón o arte insular , que iba a tener una gran influencia en el resto de la Edad Media. El arte merovingio describe el arte de los francos antes del año 800 aproximadamente, cuando el arte carolingio combinó influencias insulares con un renacimiento clásico consciente, desarrollándose hasta convertirse en el arte otoniano . El arte anglosajón es el arte de Inglaterra posterior al período insular. Los manuscritos iluminados contienen casi toda la pintura que se conserva de la época, pero la arquitectura, la orfebrería y los pequeños trabajos tallados en madera o marfil también fueron medios importantes.
El arte bizantino se superpone o se fusiona con lo que llamamos arte paleocristiano hasta el período iconoclasta de 730-843, cuando la gran mayoría de las obras de arte con figuras fueron destruidas; Queda tan poco que hoy cualquier descubrimiento aporta nuevos conocimientos. Desde 843 hasta 1453 existe una clara tradición artística bizantina. A menudo es el mejor arte de la Edad Media en términos de calidad de material y mano de obra, y su producción se centra en Constantinopla. El mayor logro del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos dentro de las iglesias con cúpulas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y la apropiación de iglesias para mezquitas.
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El arte románico se refiere al período comprendido aproximadamente entre el año 1000 y el surgimiento del arte gótico en el siglo XII. Este fue un período de creciente prosperidad y el primero en ver un estilo coherente utilizado en toda Europa, desde Escandinavia hasta Sicilia. El arte románico es vigoroso y directo, originalmente tenía colores brillantes y, a menudo, es muy sofisticado. Las vidrieras y el esmalte sobre metal se convirtieron en medios importantes y se desarrollaron esculturas circulares más grandes, aunque el alto relieve fue la técnica principal. Su arquitectura está dominada por gruesos muros y ventanas y arcos de medio punto, con mucha decoración tallada.
El arte gótico es un término variable según el oficio, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica en 1140, pero la pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas matizaciones), cuando se separó del estilo románico. La escultura gótica nació en Francia en 1144 con la renovación de la iglesia abacial de S. Denis y se extendió por toda Europa; en el siglo XIII se había convertido en el estilo internacional, reemplazando al románico. El gótico internacional describe el arte gótico desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después del cual el arte gótico se fusiona con el arte renacentista en diferentes momentos y diferentes lugares. Durante este período, formas como la pintura, al fresco y sobre tabla, adquieren nueva importancia, y al final del período se incluyen nuevos medios como los grabados.
El Renacimiento se caracteriza por un enfoque en las artes de la Antigua Grecia y Roma , lo que provocó muchos cambios tanto en los aspectos técnicos de la pintura y la escultura, como en su temática. Comenzó en Italia , un país rico en herencia romana y en prosperidad material para financiar a los artistas. Durante el Renacimiento, los pintores comenzaron a potenciar el realismo de sus obras utilizando nuevas técnicas en perspectiva , representando así las tres dimensiones de forma más auténtica. Los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de la luz y la oscuridad, como el contraste de tonos evidente en muchos de los retratos de Tiziano y el desarrollo del sfumato y el claroscuro por Leonardo da Vinci . Los escultores también comenzaron a redescubrir muchas técnicas antiguas como el contrapposto . Siguiendo el espíritu humanista de la época, el arte se volvió más secular en cuanto a sus temas, representando la mitología antigua además de temas cristianos. Este género de arte a menudo se denomina clasicismo renacentista . En el Norte, la innovación renacentista más importante fue el uso generalizado de pinturas al óleo , que permitieron mayor color e intensidad.
Durante finales del siglo XIII y principios del XIV, gran parte de la pintura en Italia era de carácter bizantino , en particular la de Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma era de estilo más gótico . Durante el siglo XIII , los escultores italianos comenzaron a inspirarse no sólo en prototipos medievales, sino también en obras antiguas. [30]
En 1290, Giotto comenzó a pintar de una manera menos tradicional y más basada en la observación de la naturaleza. Su famoso ciclo en la Capilla de los Scrovegni , Padua , se considera el comienzo de un estilo renacentista .
Otros pintores del siglo XIV llevaron el estilo gótico con gran elaboración y detalle. Entre estos pintores destacan Simone Martini y Gentile da Fabriano .
En los Países Bajos , la técnica de pintar al óleo en lugar de témpera condujo a una forma de elaboración que no dependía de la aplicación de pan de oro y relieves, sino de la minuciosa representación del mundo natural. El arte de pintar texturas con gran realismo evolucionó en esta época. Pintores holandeses como Jan van Eyck y Hugo van der Goes tuvieron una gran influencia en la pintura del gótico tardío y del Renacimiento temprano.
Las ideas del Renacimiento surgieron por primera vez en la ciudad-estado de Florencia , Italia . El escultor Donatello volvió a técnicas clásicas como el contrapposto y a temas clásicos como el desnudo sin soporte; su segunda escultura de David fue el primer desnudo de bronce independiente creado en Europa desde el Imperio Romano. El escultor y arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los antiguos edificios romanos en busca de inspiración. Masaccio perfeccionó elementos como la composición, la expresión individual y la forma humana para pintar frescos, especialmente los de la Capilla Brancacci , de sorprendente elegancia, dramatismo y emoción.
Un número notable de estos importantes artistas trabajaron en diferentes partes de la Catedral de Florencia . La cúpula de Brunelleschi para la catedral fue una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias desde el contrafuerte gótico. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuyeron a la catedral.
Entre los artistas del Alto Renacimiento se incluyen figuras como Leonardo da Vinci , Miguel Ángel Buonarroti y Raffaello Sanzio .
Los desarrollos artísticos del siglo XV en Italia (por ejemplo, el interés en los sistemas de perspectiva, en la representación de la anatomía y en las culturas clásicas) maduraron durante el siglo XVI, lo que explica las designaciones de "Renacimiento temprano" para el siglo XV y "Alto Renacimiento". para el siglo XVI. Aunque ningún estilo singular caracteriza el Alto Renacimiento, el arte de los más estrechamente asociados con este período (Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano) exhibe una maestría asombrosa, tanto técnica como estética. Los artistas del Alto Renacimiento crearon obras de tal autoridad que generaciones de artistas posteriores confiaron en estas obras de arte para su instrucción. Estas creaciones artísticas ejemplares elevaron aún más el prestigio de los artistas. Los artistas podían reclamar inspiración divina, elevando así el arte visual a un estatus que antes sólo se otorgaba a la poesía. Así, pintores, escultores y arquitectos se destacaron y reclamaron con éxito para su trabajo una alta posición entre las bellas artes. En cierto sentido, los maestros del siglo XVI crearon una nueva profesión con sus propios derechos de expresión y su propio carácter venerable.
La pintura holandesa temprana desarrolló (pero no inventó estrictamente) la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control al pintar detalles minuciosos con realismo: Jan van Eyck (1366-1441) fue una figura en el movimiento de los manuscritos iluminados a las pinturas sobre paneles .
Hieronymus Bosch (1450?–1516), pintor holandés , es otra figura importante del Renacimiento del Norte . En sus pinturas utilizó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas y leyendas populares campesinas. Sus pinturas reflejan a menudo la confusión y la angustia asociadas con el final de la Edad Media.
Alberto Durero introdujo el estilo renacentista italiano en Alemania a finales del siglo XV y dominó el arte renacentista alemán .
Periodo de tiempo :
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En el arte europeo, el clasicismo renacentista generó dos movimientos diferentes: el manierismo y el barroco . El manierismo, una reacción contra la perfección idealista del clasicismo, empleó la distorsión de la luz y los marcos espaciales para enfatizar el contenido emocional de una pintura y las emociones del pintor. La obra de El Greco es un ejemplo particularmente claro del manierismo en la pintura de finales del siglo XVI y principios del XVII. El manierismo del norte tardó más en desarrollarse y fue en gran medida un movimiento de la segunda mitad del siglo XVI. El arte barroco llevó el representacionalismo del Renacimiento a nuevas alturas, enfatizando el detalle, el movimiento, la iluminación y el dramatismo en su búsqueda de la belleza. Quizás los pintores barrocos más conocidos sean Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens y Diego Velázquez .
Un arte bastante diferente se desarrolló a partir de las tradiciones realistas del norte en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII , que tenía muy poco arte religioso y poca pintura histórica , desempeñando en cambio un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares como la naturaleza muerta y las pinturas de género de escenas cotidianas. y pintura de paisajes . Si bien la naturaleza barroca del arte de Rembrandt es clara, la etiqueta es menos utilizada para Vermeer y muchos otros artistas holandeses. La pintura barroca flamenca participó en esta tendencia, sin dejar de producir las categorías tradicionales.
El arte barroco a menudo se considera parte de la Contrarreforma , el elemento artístico del resurgimiento de la vida espiritual en la Iglesia Católica Romana . Además, el énfasis que el arte barroco puso en la grandeza se considera de naturaleza absolutista . Los temas religiosos y políticos fueron ampliamente explorados dentro del contexto artístico barroco, y tanto las pinturas como las esculturas se caracterizaron por un fuerte elemento de drama, emoción y teatralidad. Entre los artistas barrocos famosos se incluyen Caravaggio o Rubens . [34] Artemisia Gentileschi fue otra artista notable, que se inspiró en el estilo de Caravaggio. El arte barroco era de naturaleza particularmente ornamentada y elaborada, y a menudo usaba colores ricos y cálidos con matices oscuros. La pompa y la grandeza fueron elementos importantes del movimiento artístico barroco en general, como se puede ver cuando Luis XIV dijo: "Soy la grandeza encarnada"; Muchos artistas barrocos sirvieron a reyes que intentaron alcanzar este objetivo. El arte barroco era similar en muchos aspectos al arte renacentista; De hecho, el término se utilizó inicialmente de manera despectiva para describir el arte y la arquitectura posrenacentistas que eran demasiado elaborados. [34] El arte barroco puede verse como una readaptación más elaborada y dramática del arte del Renacimiento tardío.
Sin embargo, en el siglo XVIII, el arte barroco estaba pasando de moda, ya que muchos lo consideraban demasiado melodramático y también lúgubre, y se convirtió en el rococó , que surgió en Francia. El arte rococó era incluso más elaborado que el barroco, pero menos serio y más lúdico. [35] Mientras que el barroco usaba colores ricos y fuertes, el rococó usaba tonos pálidos y cremosos. El movimiento artístico ya no puso énfasis en la política y la religión, sino que se centró en temas más ligeros como el romance, la celebración y la apreciación de la naturaleza. El arte rococó también contrastaba con el barroco, ya que a menudo rechazaba la simetría en favor de diseños asimétricos. Además, buscó inspiración en las formas artísticas y la ornamentación del Lejano Oriente asiático , lo que resultó en el auge de las figurillas de porcelana y la chinoiserie en general. [36] El estilo del siglo XVIII floreció por un corto tiempo; sin embargo, el estilo rococó pronto cayó en desgracia, siendo visto por muchos como un movimiento llamativo y superficial que enfatizaba la estética sobre el significado. El neoclasicismo se desarrolló en muchos sentidos como un contramovimiento del rococó, cuyo impulso fue un sentimiento de disgusto dirigido hacia las floridas cualidades de este último.
A lo largo del siglo XVIII, surgió en diferentes partes de Europa un contramovimiento de oposición al rococó, comúnmente conocido como Neoclasicismo . Despreciaba la aparente superficialidad y frivolidad del arte rococó y deseaba volver a la simplicidad, el orden y el "purismo" de la antigüedad clásica, especialmente la antigua Grecia y Roma. El movimiento también estuvo en parte influenciado por el Renacimiento, que a su vez estuvo fuertemente influenciado por el arte clásico. El neoclasicismo fue el componente artístico del movimiento intelectual conocido como Ilustración ; la Ilustración fue idealista y puso énfasis en la objetividad, la razón y la verdad empírica. El neoclasicismo se había generalizado en Europa a lo largo del siglo XVIII, especialmente en el Reino Unido , que vio surgir durante este período grandes obras de arquitectura neoclásica; La fascinación del neoclasicismo por la antigüedad clásica se puede ver en la popularidad del Grand Tour durante esta década, donde los aristócratas ricos viajaban a las antiguas ruinas de Italia y Grecia. Sin embargo, un momento decisivo para el neoclasicismo llegó durante la Revolución Francesa a finales del siglo XVIII; En Francia, el arte rococó fue reemplazado por el arte neoclásico preferido, que se consideraba más serio que el movimiento anterior. En muchos sentidos, el neoclasicismo puede verse como un movimiento político, además de artístico y cultural. [37] El arte neoclásico pone énfasis en el orden, la simetría y la simplicidad clásica; Los temas comunes en el arte neoclásico incluyen el coraje y la guerra, como se exploraban comúnmente en el arte griego y romano antiguo. Ingres , Canova y Jacques-Louis David se encuentran entre los neoclásicos más conocidos. [38]
Así como el manierismo rechazó el clasicismo, el romanticismo rechazó las ideas de la Ilustración y la estética de los neoclasicistas. El romanticismo rechazó la naturaleza altamente objetiva y ordenada del neoclasicismo y optó por un enfoque más individual y emocional de las artes. [39] El romanticismo puso énfasis en la naturaleza, especialmente cuando pretendía retratar el poder y la belleza del mundo natural y las emociones, y buscó un enfoque muy personal del arte. El arte romántico trataba sobre sentimientos individuales, no sobre temas comunes, como en el neoclasicismo; de esta manera, el arte romántico solía utilizar los colores para expresar sentimientos y emociones. [39] De manera similar al neoclasicismo, el arte romántico se inspiró en gran parte en el arte y la mitología griegos y romanos antiguos; sin embargo, a diferencia del neoclásico, esta inspiración se utilizó principalmente como una forma de crear simbolismo e imágenes. El arte romántico también toma gran parte de sus cualidades estéticas del medievalismo y el gótico , así como de la mitología y el folclore . Entre los más grandes artistas románticos se encuentran Eugène Delacroix , Francisco Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole y William Blake . [38]
La mayoría de los artistas intentaron adoptar un enfoque centrista que adoptó diferentes características de los estilos neoclásico y romántico para sintetizarlos. Los distintos intentos tuvieron lugar en el seno de la Academia Francesa, y en conjunto se denominan Arte académico . Adolphe William Bouguereau es considerado un ejemplo destacado de esta corriente de arte.
Sin embargo, a principios del siglo XIX la faz de Europa quedó radicalmente alterada por la industrialización . La pobreza, la miseria y la desesperación serían el destino de la nueva clase trabajadora creada por la "revolución". En respuesta a estos cambios que se estaban produciendo en la sociedad, surgió el movimiento del Realismo . El realismo buscó retratar con precisión las condiciones y dificultades de los pobres con la esperanza de cambiar la sociedad. En contraste con el romanticismo, que era esencialmente optimista acerca de la humanidad, el realismo ofrecía una visión cruda de la pobreza y la desesperación. De manera similar, mientras el romanticismo glorificaba la naturaleza, el realismo retrataba la vida en las profundidades de un páramo urbano. Al igual que el romanticismo, el realismo fue un movimiento tanto literario como artístico. Entre los grandes pintores realistas se encuentran Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (ambos considerados impresionistas ) y Thomas Eakins , entre otros.
La respuesta de la arquitectura a la industrialización, en marcado contraste con las otras artes, fue virar hacia el historicismo. Aunque las estaciones de ferrocarril construidas durante este período a menudo se consideran el reflejo más fiel de su espíritu (a veces se las llama "las catedrales de la época"), los principales movimientos arquitectónicos durante la Era Industrial fueron resurgimientos de estilos del pasado lejano, como el Renacimiento gótico . Los movimientos relacionados fueron la Hermandad Prerrafaelita , que intentó devolver el arte a su estado de "pureza" anterior a Rafael , y el Movimiento de Artes y Oficios , que reaccionó contra la impersonalidad de los bienes producidos en masa y abogó por un retorno a la artesanía medieval.
Periodo de tiempo :
A partir de la ética naturalista del realismo surgió un importante movimiento artístico, el impresionismo . Los impresionistas fueron pioneros en el uso de la luz en la pintura cuando intentaron capturar la luz tal como la ve el ojo humano. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir estuvieron todos involucrados en el movimiento impresionista. Como consecuencia directa del impresionismo vino el desarrollo del postimpresionismo . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin , Georges Seurat son los postimpresionistas más conocidos.
Después de los impresionistas y postimpresionistas vino el fauvismo , a menudo considerado el primer género de arte "moderno". Así como los impresionistas revolucionaron la luz, los fauvistas repensaron el color y pintaron sus lienzos en tonos brillantes y salvajes. Después de los fauvistas, el arte moderno comenzó a desarrollarse en todas sus formas, desde el expresionismo , preocupado por evocar emociones a través de obras de arte objetivas, hasta el cubismo , el arte de transponer una realidad cuatridimensional en un lienzo plano, hasta el arte abstracto . Estas nuevas formas de arte traspasaron los límites de las nociones tradicionales de "arte" y correspondieron a cambios rápidos similares que estaban teniendo lugar en la sociedad, la tecnología y el pensamiento humanos.
El surrealismo suele clasificarse como una forma de arte moderno. Sin embargo, los propios surrealistas se han opuesto al estudio del surrealismo como una era en la historia del arte, alegando que simplifica demasiado la complejidad del movimiento (que dicen que no es un movimiento artístico), tergiversa la relación del surrealismo con la estética y caracteriza falsamente el surrealismo en curso como una era terminada e históricamente encapsulada. Otras formas de arte moderno (algunas de las cuales rozan el arte contemporáneo ) incluyen:
Periodo de tiempo :
El arte moderno presagiaba varias características de lo que luego se definiría como arte posmoderno; De hecho, varios movimientos de arte moderno a menudo pueden clasificarse como modernos y posmodernos, como el arte pop . El arte posmoderno, por ejemplo, pone un fuerte énfasis en la ironía, la parodia y el humor en general; El arte moderno comenzó a desarrollar un enfoque más irónico del arte que luego avanzaría en un contexto posmoderno. El arte posmoderno ve la confusión entre las altas y bellas artes y el arte comercial y de bajo nivel; El arte moderno comenzó a experimentar con esta confusión. [39] Los desarrollos recientes en el arte se han caracterizado por una expansión significativa de lo que ahora puede considerarse arte, en términos de materiales, medios, actividad y concepto. El arte conceptual en particular ha tenido una amplia influencia. Esto comenzó literalmente como la sustitución del concepto por un objeto hecho, una de cuyas intenciones era refutar la mercantilización del arte. Sin embargo, ahora generalmente se refiere a una obra de arte donde hay un objeto, pero el reclamo principal de la obra se hace por el proceso de pensamiento que la ha informado. El aspecto comercial ha vuelto al trabajo.
También ha aumentado el arte que hace referencia a movimientos y artistas anteriores, y gana vigencia a partir de esa referencia.
El posmodernismo en el arte, que ha crecido desde la década de 1960, se diferencia del modernismo en que los movimientos del arte moderno se centraron principalmente en sus propias actividades y valores, mientras que el posmodernismo utiliza toda la gama de movimientos anteriores como punto de referencia. Esto, por definición, ha generado una perspectiva relativista, acompañada de ironía y cierta incredulidad en los valores, ya que cada uno puede verse reemplazado por otro. Otro resultado de esto ha sido el crecimiento del comercialismo y la celebridad. El arte posmoderno ha cuestionado las reglas y pautas comunes de lo que se considera " bellas artes ", fusionando el arte vulgar con las bellas artes hasta que ninguna es completamente distinguible. [40] [41] Antes del advenimiento del posmodernismo, las bellas artes se caracterizaban por una forma de calidad estética, elegancia, artesanía, delicadeza y estimulación intelectual que pretendía atraer a las clases altas o educadas; esto distinguía el arte elevado del arte bajo, que, a su vez, era visto como vulgar, kitsch , fácil de hacer y carente de mucho o cualquier estímulo intelectual, un arte que estaba destinado a atraer a las masas. El arte posmoderno desdibujó estas distinciones, aportando un fuerte elemento de kitsch, comercialismo y campismo a las bellas artes contemporáneas; [39] lo que hoy en día se considera bellas artes puede haber sido visto como arte vulgar antes de que el posmodernismo revolucionara el concepto de lo que realmente son las bellas artes o las bellas artes. [39] Además, la naturaleza posmoderna del arte contemporáneo deja mucho espacio para el individualismo dentro de la escena artística; por ejemplo, el arte posmoderno a menudo se inspira en movimientos artísticos pasados, como el arte gótico o barroco, y yuxtapone y recicla estilos de estos períodos pasados en un contexto diferente. [39]
Algunos surrealistas , en particular Joan Miró , que pedía el "asesinato de la pintura" (En numerosas entrevistas que datan de los años 1930, Miró expresó su desprecio por los métodos convencionales de pintura y su deseo de "matarlos", "asesinarlos" o "violarlos" a favor de medios de expresión más contemporáneos). [42] han denunciado o intentado "sustituir" la pintura, y también ha habido otras tendencias anti-pintura entre los movimientos artísticos, como la del dadaísmo y el arte conceptual . La tendencia a alejarse de la pintura a finales del siglo XX ha sido contrarrestada por varios movimientos, por ejemplo la continuación del arte minimalista , la abstracción lírica , el arte pop , el arte óptico , el nuevo realismo , el fotorrealismo , el neogeo , el neoexpresionismo , la nueva pintura europea , Stuckismo , Excesivismo y varias otras direcciones pictóricas importantes e influyentes.
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![El Partenón en la Acrópolis de Atenas, el templo griego dórico más emblemático construido con mármol y piedra caliza entre el 460 y el 406 a. C., dedicado a la diosa Atenea[25]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/The_Parthenon_from_the_northeast.,_Acropolis_of_Athens_(13896193092).jpg/1280px-The_Parthenon_from_the_northeast.,_Acropolis_of_Athens_(13896193092).jpg)
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![Púlpito en el Baptisterio de Pisa de Nicola Pisano; 1260; mármol; altura: 4,6 m.[31]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/be/Pisa,_battistero_di_San_Giovanni_(45).jpg/1280px-Pisa,_battistero_di_San_Giovanni_(45).jpg)
![Crucifijo; por Cimabué; alrededor de 1285; témpera sobre tabla; 4,29 x 3,83 m; San Doménico (Arezzo, Italia)[32]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/CrocifissoCimabue-Arezzo-Photo_taken_by_Senet._April_20,_2010-Perspective_correction,_crop_and_blackframe_with_GIMP_by_Paolo_Villa_2019.jpg/1280px-CrocifissoCimabue-Arezzo-Photo_taken_by_Senet._April_20,_2010-Perspective_correction,_crop_and_blackframe_with_GIMP_by_Paolo_Villa_2019.jpg)
![Crucifijo; Giotto; alrededor de 1300; témpera sobre tabla; 5,78 x 4,06 m; Santa María Novella (Florencia, Italia)[33]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c0/Giotto._the-crucifix-1290-1300_Florence,_Santa_Maria_Novella.jpg/1280px-Giotto._the-crucifix-1290-1300_Florence,_Santa_Maria_Novella.jpg)
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