Stanley Kubrick ( 26 de julio de 1928 - 7 de marzo de 1999) fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense. Considerado ampliamente como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos, sus películas fueron casi todas adaptaciones de novelas o cuentos, abarcando varios géneros y ganando reconocimiento por su intensa atención al detalle, cinematografía innovadora , extensa escenografía y humor negro .
Nacido y criado en la ciudad de Nueva York , Kubrick era un estudiante de escuela promedio, pero mostró un gran interés en la literatura, la fotografía y el cine desde una edad temprana; comenzó a aprender por su cuenta todos los aspectos de la producción y dirección cinematográfica después de graduarse de la escuela secundaria. Después de trabajar como fotógrafo para la revista Look a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, comenzó a hacer cortometrajes de bajo presupuesto e hizo su primera película importante de Hollywood, The Killing , para United Artists en 1956. A esto le siguieron dos colaboraciones con Kirk Douglas : la película contra la guerra Paths of Glory (1957) y la película épica histórica Spartacus (1960).
En 1961, Kubrick abandonó los Estados Unidos debido a las preocupaciones sobre el crimen en el país, así como a una creciente aversión por el funcionamiento de Hollywood y a las diferencias creativas con Douglas y los estudios cinematográficos. Se instaló en Inglaterra, de donde solo saldría un puñado de veces durante el resto de su vida. Fijó su hogar en Childwickbury Manor , que compartía con su esposa Christiane , y se convirtió en su lugar de trabajo donde centralizó la escritura, la investigación, la edición y la gestión de sus producciones. Esto le permitió un control artístico casi completo sobre sus películas, con la rara ventaja del apoyo financiero de los principales estudios de Hollywood. Sus primeras producciones en Inglaterra fueron dos películas con Peter Sellers : una adaptación de Lolita (1962) y la comedia negra de la Guerra Fría Dr. Strangelove (1964).
Kubrick, un perfeccionista que asumió el control directo sobre la mayoría de los aspectos de su realización cinematográfica, cultivó una gran experiencia en escritura, edición, gradación de color , promoción y exhibición. Era famoso por el minucioso cuidado que ponía en la investigación de sus películas y la puesta en escena de las escenas, que realizaba en estrecha coordinación con sus actores, equipo y otros colaboradores. Con frecuencia pedía varias docenas de repeticiones de la misma toma en una película, a menudo confundiendo y frustrando a sus actores. A pesar de la notoriedad que esto provocó, muchas de las películas de Kubrick abrieron nuevos caminos cinematográficos y ahora se consideran hitos. El realismo científico y los efectos especiales innovadores en su épica de ciencia ficción 2001: Una odisea del espacio (1968) fue una primicia en la historia del cine, y la película le valió su único premio de la Academia (por Mejores efectos visuales ). El cineasta Steven Spielberg se ha referido a 2001 como el "big bang" de su generación y se considera una de las mejores películas jamás realizadas .
Aunque muchas de las películas de Kubrick fueron controvertidas y recibieron inicialmente críticas mixtas tras su estreno (en particular la brutal La naranja mecánica (1971), que Kubrick retiró de circulación en el Reino Unido tras un frenesí mediático ), la mayoría fueron nominadas a los premios Óscar, Globos de Oro o premios BAFTA , y se sometieron a reevaluaciones críticas. Para la película del siglo XVIII Barry Lyndon (1975), Kubrick obtuvo lentes desarrollados por Carl Zeiss para la NASA para filmar escenas a la luz de las velas. Con la película de terror El resplandor (1980), se convirtió en uno de los primeros directores en utilizar una Steadicam para tomas de seguimiento estabilizadas y fluidas, una tecnología vital para su película sobre la guerra de Vietnam La chaqueta metálica (1987). Unos días después de organizar una proyección para su familia y las estrellas de su última película, el drama erótico Eyes Wide Shut (1999), murió de un ataque cardíaco a la edad de 70 años.
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Kubrick nació en una familia judía en el Lying-In Hospital en el distrito de Manhattan de la ciudad de Nueva York el 26 de julio de 1928. [1] [2] Fue el primero de dos hijos de Jacob Leonard Kubrick (21 de mayo de 1902 - 19 de octubre de 1985), conocido como Jack o Jacques, y su esposa Sadie Gertrude Kubrick (née Perveler; 28 de octubre de 1903 - 23 de abril de 1985), conocida como Gert. Su hermana Barbara Mary Kubrick nació en mayo de 1934. [3] Jack, cuyos padres y abuelos paternos eran de origen judío polaco y judío rumano , [1] fue un médico homeópata , [4] graduándose de la Facultad de Medicina Homeopática de Nueva York en 1927, el mismo año en que se casó con la madre de Kubrick, que era hija de inmigrantes judíos austríacos . [5] El 27 de diciembre de 1899, el bisabuelo de Kubrick, Hersh Kubrick, llegó a Ellis Island vía Liverpool en barco a la edad de 47 años, dejando atrás a su esposa y dos hijos adultos (uno de los cuales era el abuelo de Stanley, Elias) para comenzar una nueva vida con una mujer más joven. [6] Elias lo siguió en 1902. [7] Cuando nació Stanley, los Kubrick vivían en el Bronx . [8] Sus padres se casaron en una ceremonia judía , pero Kubrick no fue criado como religioso y más tarde profesó una visión atea del universo. [9] Su padre era médico y, para los estándares del oeste del Bronx , la familia era bastante rica. [10]
Poco después del nacimiento de su hermana, Kubrick comenzó a asistir a la escuela pública 3 en el Bronx y se mudó a la escuela pública 90 en junio de 1938. Se descubrió que su coeficiente intelectual estaba por encima del promedio, pero su asistencia era pobre. [2] Mostró interés por la literatura desde una edad temprana y comenzó a leer mitos griegos y romanos y las fábulas de los hermanos Grimm , que "le inculcaron una afinidad de por vida con Europa". [11] Pasó la mayoría de los sábados durante el verano viendo a los Yankees de Nueva York y más tarde fotografió a dos niños viendo el juego en una tarea para la revista Look para emular su propia emoción infantil con el béisbol. [10] Cuando Kubrick tenía 12 años, su padre Jack le enseñó ajedrez . El juego siguió siendo un interés de por vida de Kubrick, [12] apareciendo en muchas de sus películas. [13] Kubrick, quien más tarde se convirtió en miembro de la Federación de Ajedrez de los Estados Unidos , explicó que el ajedrez lo ayudó a desarrollar "paciencia y disciplina" para tomar decisiones. [14] Cuando Kubrick tenía 13 años, su padre le compró una cámara Graflex , lo que desencadenó en él una fascinación por la fotografía fija . Se hizo amigo de un vecino, Marvin Traub , que compartía su pasión por la fotografía. [15] Traub tenía su propio cuarto oscuro donde él y el joven Kubrick pasaban muchas horas examinando fotografías y viendo cómo los productos químicos "creaban mágicamente imágenes en papel fotográfico". [3] Los dos se entregaron a numerosos proyectos fotográficos para los que vagaban por las calles en busca de sujetos interesantes para capturar y pasaban tiempo en los cines locales estudiando películas. El fotógrafo independiente Weegee (Arthur Fellig) tuvo una influencia considerable en el desarrollo de Kubrick como fotógrafo; Kubrick más tarde contrató a Fellig como fotógrafo especial de imágenes fijas para Dr. Strangelove (1964). [16] Cuando era adolescente, Kubrick también se interesó por el jazz e intentó brevemente una carrera como baterista. [17]
Kubrick asistió a la escuela secundaria William Howard Taft de 1941 a 1945. [18] Se unió al club de fotografía de la escuela, lo que le permitió fotografiar los eventos de la escuela en su revista. [3] Fue un estudiante mediocre, con un promedio de calificaciones de 67/D+ . [19] Introvertido y tímido, Kubrick tenía un bajo récord de asistencia y a menudo se saltaba la escuela para ver películas de doble función. [20] Se graduó en 1945, pero sus malas calificaciones, combinadas con la demanda de admisiones universitarias de los soldados que regresaban de la Segunda Guerra Mundial , eliminaron cualquier esperanza de educación superior. Más tarde en la vida, Kubrick habló con desdén de su educación y de la educación estadounidense en su conjunto, sosteniendo que las escuelas eran ineficaces para estimular el pensamiento crítico y el interés de los estudiantes. Su padre estaba decepcionado por el fracaso de su hijo en alcanzar la excelencia en la escuela de la que sabía que Stanley era plenamente capaz. Jack también alentó a Stanley a leer de la biblioteca familiar en casa, al tiempo que le permitió tomar la fotografía como un pasatiempo serio. [21]
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Mientras estaba en la escuela secundaria, Kubrick fue elegido fotógrafo oficial de la escuela. A mediados de la década de 1940, dado que no pudo ingresar a las clases de la sesión diurna en las universidades, asistió brevemente a clases nocturnas en el City College de Nueva York , [22] que tenía admisiones abiertas. Finalmente, vendió una serie fotográfica a la revista Look , [23] [a] que se imprimió el 26 de junio de 1945. Kubrick complementó sus ingresos jugando al ajedrez "por monedas" en Washington Square Park y en varios clubes de ajedrez de Manhattan. [25]
En 1946, se convirtió en aprendiz de fotógrafo para Look y más tarde en fotógrafo de plantilla a tiempo completo. G. Warren Schloat, Jr., otro fotógrafo nuevo de la revista en ese momento, recordó que pensaba que a Kubrick le faltaba la personalidad para triunfar como director en Hollywood, y comentó: "Stanley era un tipo tranquilo. No hablaba mucho. Era delgado, flacucho y algo pobre, como todos nosotros". [26] Kubrick rápidamente se hizo conocido por su capacidad para contar historias en fotografías. Su primera, publicada el 16 de abril de 1946, se titulaba "Una historia breve desde el balcón de una película" y escenificaba una pelea entre un hombre y una mujer, durante la cual el hombre recibe una bofetada en la cara, tomado genuinamente por sorpresa. [23] En otro encargo, Kubrick tomó 18 fotografías de varias personas esperando en un consultorio dental. Se ha dicho retrospectivamente que este proyecto demostró un interés temprano de Kubrick por capturar individuos y sus sentimientos en entornos mundanos. [27] En 1948, fue enviado a Portugal para documentar una pieza de viajes, y más tarde ese año cubrió el Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus en Sarasota, Florida . [28] [b]
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Entusiasta del boxeo, Kubrick comenzó a fotografiar combates de boxeo para la revista. Su primera fotografía, "Prizefighter", se publicó el 18 de enero de 1949 y capturó un combate de boxeo y los eventos que lo precedieron, en el que aparecía el peso mediano estadounidense Walter Cartier . [30] El 2 de abril de 1949, publicó el ensayo fotográfico "Chicago-City of Extremes" en Look , que mostraba su talento desde el principio para crear atmósfera con imágenes. Al año siguiente, en julio de 1950, la revista publicó su ensayo fotográfico, "Working Debutante - Betsy von Furstenberg ", que presentaba un retrato de Pablo Picasso de Angel F. de Soto en el fondo. [31] Kubrick también fue asignado para fotografiar a numerosos músicos de jazz, desde Frank Sinatra y Erroll Garner hasta George Lewis , Eddie Condon , Phil Napoleon , Papa Celestin , Alphonse Picou , Muggsy Spanier , Sharkey Bonano y otros. [32]
Kubrick se casó con su novia de la secundaria Toba Metz el 28 de mayo de 1948. Vivieron juntos en un pequeño apartamento en 36 West 16th Street, cerca de la Sexta Avenida , justo al norte de Greenwich Village . [33] Durante este tiempo, Kubrick comenzó a frecuentar proyecciones de películas en el Museo de Arte Moderno y los cines de la ciudad de Nueva York. Se inspiró en el trabajo de cámara complejo y fluido del director francés Max Ophüls , cuyas películas influyeron en el estilo visual de Kubrick, y en el director Elia Kazan , a quien describió como el "mejor director" de Estados Unidos en ese momento, con su capacidad de "hacer milagros" con sus actores. [34] Los amigos comenzaron a notar que Kubrick se había obsesionado con el arte de hacer películas: un amigo, David Vaughan , observó que Kubrick examinaba la película en el cine cuando se quedaba en silencio y volvía a leer su periódico cuando la gente comenzaba a hablar. [23] Pasó muchas horas leyendo libros sobre teoría cinematográfica y escribiendo notas. Se inspiró especialmente en Sergei Eisenstein y Arthur Rothstein , el director técnico fotográfico de la revista Look . [35] [c]
Kubrick compartía su pasión por el cine con su amigo de la escuela, Alexander Singer , quien, después de graduarse de la escuela secundaria, tenía la intención de dirigir una versión cinematográfica de La Ilíada de Homero . A través de Singer, que trabajaba en las oficinas de la productora de noticieros The March of Time , Kubrick se enteró de que hacer un cortometraje en condiciones podía costar 40 000 dólares, dinero que no podía permitirse. Tenía 1500 dólares ahorrados y produjo algunos documentales cortos impulsado por el estímulo de Singer. Comenzó a aprender todo lo que pudo sobre la realización cinematográfica por su cuenta, llamando a proveedores de películas, laboratorios y casas de alquiler de equipos. [36]
Kubrick decidió hacer un cortometraje documental sobre el boxeador Walter Cartier , a quien había fotografiado y sobre quien había escrito para la revista Look un año antes. Alquiló una cámara y produjo un documental en blanco y negro de 16 minutos, Day of the Fight . Kubrick encontró el dinero de forma independiente para financiarlo. Había considerado pedirle a Montgomery Clift que lo narrara, a quien había conocido durante una sesión fotográfica para Look , pero se decidió por el veterano de noticias de CBS Douglas Edwards . [37] Según Paul Duncan, la película estaba "notablemente lograda para una primera película", y utilizó un plano secuencia hacia atrás para filmar una escena en la que Cartier y su hermano caminan hacia la cámara, un dispositivo que más tarde se convirtió en uno de los movimientos de cámara característicos de Kubrick. [38] Vincent Cartier, hermano y representante de Walter, reflexionó más tarde sobre sus observaciones de Kubrick durante el rodaje. Dijo: "Stanley era una persona muy estoica, impasible pero imaginativa, con pensamientos fuertes e imaginativos. Imponía respeto de una manera tranquila y tímida. Cualquiera que quisiera, lo hacías, él simplemente te cautivaba. Cualquiera que trabajara con Stanley hacía exactamente lo que Stanley quería". [36] [d] Después de que el amigo de Singer, Gerald Fried , añadiera una banda sonora , Kubrick había gastado 3900 dólares en hacerla y la vendió a RKO-Pathé por 4000 dólares, que era lo máximo que la compañía había pagado por un cortometraje en ese momento. [38] Kubrick describió su primer esfuerzo en la realización cinematográfica como valioso, ya que creía que se había visto obligado a hacer la mayor parte del trabajo, [39] y más tarde declaró que "la mejor educación en el cine es hacer uno". [3]
Inspirado por este éxito temprano, Kubrick dejó su trabajo en Look y visitó a cineastas profesionales en la ciudad de Nueva York, a los que les hizo muchas preguntas detalladas sobre los aspectos técnicos de la realización cinematográfica. Afirmó que durante este período recibió la confianza para convertirse en cineasta debido a la cantidad de películas malas que había visto, y comentó: "No sé una maldita cosa sobre películas, pero sé que puedo hacer una película mejor que esa". [40] Comenzó a hacer Flying Padre (1951), una película que documenta al reverendo Fred Stadtmueller, que viaja unas 4.000 millas para visitar sus 11 iglesias. La película originalmente se iba a llamar "Sky Pilot", un juego de palabras con el término del argot para referirse a un sacerdote. [41] Durante el transcurso de la película, el sacerdote realiza un servicio funerario, se enfrenta a un niño que intimida a una niña y realiza un vuelo de emergencia para ayudar a una madre enferma y su bebé a subir a una ambulancia. Varias de las vistas desde y hacia el avión en Flying Padre se repiten más tarde en 2001: Odisea del espacio (1968) con las imágenes de la nave espacial y una serie de primeros planos de los rostros de las personas que asisten al funeral probablemente se inspiraron en El acorazado Potemkin (1925) e Iván el Terrible (1944/1958) de Sergei Eisenstein. [38]
A Flying Padre le siguió The Seafarers (1953), la primera película en color de Kubrick, que se rodó para el Sindicato Internacional de Marinos en junio de 1953. Retrataba la logística de un sindicato democrático y se centraba más en las comodidades de la navegación que en el acto. Para la escena de la cafetería de la película, Kubrick eligió un plano con plataforma para establecer la vida de la comunidad de marinos; este tipo de plano se convertiría más tarde en una técnica característica. La secuencia de Paul Hall , secretario-tesorero del distrito del Atlántico y el Golfo de la SIU, hablando con miembros del sindicato se hace eco de escenas de La huelga (1925) y Octubre (1928) de Eisenstein. [42] Day of the Fight , Flying Padre y The Seafarers constituyen las únicas obras documentales supervivientes de Kubrick; algunos historiadores creen que hizo otras. [43]
Después de recaudar $1000 mostrando sus cortometrajes a amigos y familiares, Kubrick encontró las finanzas para comenzar a hacer su primer largometraje, Fear and Desire (1953), que originalmente se estrenó con el título The Trap , escrito por su amigo Howard Sackler . El tío de Kubrick, Martin Perveler, propietario de una farmacia de Los Ángeles, invirtió otros $9000 con la condición de que se le acreditara como productor ejecutivo de la película. [44] Kubrick reunió a varios actores y un pequeño equipo de 14 personas (cinco actores, cinco tripulantes y otras cuatro personas para ayudar a transportar el equipo) y voló a las montañas de San Gabriel en California para un rodaje de cinco semanas de bajo presupuesto. [44] Más tarde rebautizada como The Shape of Fear antes de finalmente llamarse Fear and Desire , es una alegoría ficticia sobre un equipo de soldados que sobreviven a un accidente aéreo y quedan atrapados tras las líneas enemigas en una guerra. Durante el transcurso de la película, uno de los soldados se enamora de una chica atractiva en el bosque y la ata a un árbol. Esta escena es conocida por sus primeros planos del rostro de la actriz. Kubrick tenía la intención de que Miedo y deseo fuera una película muda para asegurar bajos costos de producción; los sonidos, efectos y música agregados finalmente llevaron los costos de producción a alrededor de $ 53,000, excediendo el presupuesto. [45] Fue rescatado por el productor Richard de Rochemont con la condición de que ayudara en la producción de de Rochemont de una serie de televisión de cinco partes sobre Abraham Lincoln en locaciones en Hodgenville, Kentucky . [46]
Miedo y deseo fue un fracaso comercial, pero cosechó varias críticas positivas tras su estreno. Los críticos, como el del New York Times, creían que la profesionalidad de Kubrick como fotógrafo brillaba en la película, y que "captó artísticamente destellos de las actitudes grotescas de la muerte, la lobuna de los hombres hambrientos, así como su bestialidad, y en una escena, el efecto desgarrador de la lujuria en un soldado lastimosamente juvenil y la niña inmovilizada que está custodiando". El académico de la Universidad de Columbia Mark Van Doren quedó muy impresionado por las escenas con la niña atada al árbol, y comentó que viviría como una secuencia "hermosa, aterradora y extraña" que ilustraba el inmenso talento de Kubrick y garantizaba su éxito futuro. [47] El propio Kubrick expresó más tarde su vergüenza con Miedo y deseo , e intentó a lo largo de los años mantener las copias de la película fuera de circulación. [48] [e] Durante la producción de la película, Kubrick casi mata a su elenco con gases venenosos por error. [49]
Después de Miedo y deseo , Kubrick comenzó a trabajar en ideas para una nueva película de boxeo. Debido al fracaso comercial de su primer largometraje, Kubrick evitó pedir más inversiones, pero comenzó un guion de cine negro con Howard O. Sackler. Originalmente bajo el título Kiss Me, Kill Me , y luego The Nymph and the Maniac , Killer's Kiss (1955) es una película negra de 67 minutos sobre la relación de un joven boxeador de peso pesado con una mujer que está siendo abusada por su jefe criminal. Al igual que Miedo y deseo , fue financiada de forma privada por la familia y amigos de Kubrick, con unos 40.000 dólares aportados por el farmacéutico del Bronx Morris Bousse. [42] Kubrick comenzó a filmar metraje en Times Square , y con frecuencia exploró durante el proceso de filmación, experimentando con la cinematografía y considerando el uso de ángulos e imágenes no convencionales. Inicialmente eligió grabar el sonido en el lugar, pero tuvo dificultades con las sombras de los micrófonos, lo que restringió el movimiento de la cámara. Su decisión de dejar de lado el sonido a favor de las imágenes fue costosa; después de 12 a 14 semanas de rodaje de la película, pasó unos siete meses y $35,000 trabajando en el sonido. [50] Blackmail (1929) de Alfred Hitchcock influyó directamente en la película con la pintura riéndose de un personaje, y Martin Scorsese , a su vez, citó los ángulos de filmación innovadores de Kubrick y las tomas atmosféricas en Killer's Kiss como una influencia en Raging Bull (1980). [51] La actriz Irene Kane , la estrella de Killer's Kiss , observó: "Stanley es un personaje fascinante. Cree que las películas deben moverse, con un mínimo de diálogo, y está a favor del sexo y el sadismo". [52] Killer's Kiss tuvo un éxito comercial limitado y ganó muy poco dinero en comparación con su presupuesto de producción de $75,000. [51] Los críticos han elogiado el trabajo de cámara de la película, pero su actuación y su historia generalmente se consideran mediocres. [53] [f]
Mientras jugaba al ajedrez en Washington Square, Kubrick conoció al productor James B. Harris , quien consideraba a Kubrick "la persona más inteligente y creativa con la que he tenido contacto". Los dos formaron Harris-Kubrick Pictures Corporation en 1955. [56] Harris compró los derechos de la novela Clean Break de Lionel White por 10 000 dólares [g] y Kubrick escribió el guion, [58] pero por sugerencia de Kubrick contrataron al novelista de cine negro Jim Thompson para escribir el diálogo de la película, que se convirtió en The Killing (1956), sobre un robo meticulosamente planeado en una pista de carreras que salió mal. La película fue protagonizada por Sterling Hayden , quien había impresionado a Kubrick con su actuación en La jungla de asfalto (1950). [59]
Kubrick y Harris se mudaron a Los Ángeles y firmaron con la Agencia Jaffe para filmar la película, que se convirtió en el primer largometraje de Kubrick filmado con un elenco y equipo profesional. El sindicato de Hollywood declaró que a Kubrick no se le permitiría ser director y director de fotografía a la vez, lo que resultó en la contratación del veterano director de fotografía Lucien Ballard . Kubrick aceptó renunciar a sus honorarios por la producción, que se filmó en 24 días con un presupuesto de 330.000 dólares. [60] Chocó con Ballard durante el rodaje, y en una ocasión Kubrick amenazó con despedir a Ballard después de una disputa por la cámara, a pesar de tener solo 27 años y ser 20 años menor que Ballard. [59] Hayden recordó que Kubrick era "frío y distante. Muy mecánico, siempre confiado. He trabajado con pocos directores que sean tan buenos". [61]
The Killing no logró un estreno adecuado en Estados Unidos; la película ganó poco dinero y fue promocionada solo en el último minuto, como un segundo largometraje de la película western Bandido! (1956). Varios críticos contemporáneos elogiaron la película, y un crítico de Time comparó su trabajo de cámara con el de Orson Welles . [62] Hoy en día, los críticos generalmente consideran que The Killing es una de las mejores películas de la carrera temprana de Kubrick; su narrativa no lineal y su ejecución clínica también tuvieron una gran influencia en directores posteriores de películas policiales , incluido Quentin Tarantino . Dore Schary de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) también quedó muy impresionado y ofreció a Kubrick y Harris $ 75,000 para escribir, dirigir y producir una película, que finalmente se convirtió en Paths of Glory (1957). [63] [h]
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Paths of Glory , ambientada durante la Primera Guerra Mundial , está basada en la novela antibélica de Humphrey Cobb de 1935. Schary estaba familiarizado con la novela, pero declaró que MGM no financiaría otra película de guerra, dado su respaldo a la película antibélica The Red Badge of Courage (1951). [i] Después de que Schary fuera despedido por MGM en una importante reestructuración, Kubrick y Harris lograron interesar a Kirk Douglas en interpretar al coronel Dax. [65] [j] Douglas, a su vez, firmó con Harris-Kubrick Pictures un contrato de coproducción de tres películas con su compañía de producción cinematográfica, Bryna Productions , que aseguró un acuerdo de financiación y distribución para Paths of Glory y dos películas posteriores con United Artists . [66] [67] [68] La película, filmada en Múnich , a partir de marzo de 1957, [69] sigue a una unidad del ejército francés ordenada en una misión imposible, y continúa con un juicio de guerra de tres soldados, elegidos arbitrariamente, por mala conducta. Dax es asignado para defender a los hombres en la Corte Marcial. Para la escena de la batalla, Kubrick alineó meticulosamente seis cámaras una tras otra a lo largo del límite de la tierra de nadie, con cada cámara capturando un campo específico y numerado, y le dio a cada uno de los cientos de extras un número para la zona en la que morirían. [70] Kubrick operó una cámara Arriflex para la batalla, haciendo zoom sobre Douglas. Senderos de gloria se convirtió en el primer éxito comercial significativo de Kubrick y lo estableció como un joven cineasta prometedor. Los críticos elogiaron las escenas de combate sin sentimentalismo, sobrias y sin adornos de la película y su cinematografía cruda en blanco y negro. [71] A pesar de los elogios, la fecha de estreno navideña fue criticada, [72] y el tema fue controvertido en Europa. La película fue prohibida en Francia hasta 1974 por su representación "poco favorecedora" del ejército francés, y fue censurada por el ejército suizo hasta 1970. [71]
En octubre de 1957, después de que Paths of Glory tuviera su estreno mundial en Alemania, Bryna Productions adquirió los derechos de la autobiografía del ministro de la iglesia canadiense convertido en maestro ladrón de cajas fuertes Herbert Emerson Wilsons, I Stole $16,000,000 , especialmente para Stanley Kubrick y James B. Harris. [73] [74] La película iba a ser la segunda en el acuerdo de coproducción entre Bryna Productions y Harris-Kubrick Pictures, que Kubrick escribiría y dirigiría, Harris coproduciría y Douglas coproduciría y protagonizaría. [73] En noviembre de 1957, Gavin Lambert fue contratado como editor de historia para I Stole $16,000,000 , y con Kubrick, terminó un guion titulado God Fearing Man , pero la película nunca se filmó. [75]
Marlon Brando contactó con Kubrick para pedirle que dirigiera una adaptación cinematográfica de la novela western de Charles Neider, La auténtica muerte de Hendry Jones , con Pat Garrett y Billy the Kid . [71] [k] Brando quedó impresionado y dijo: «Stanley es inusualmente perceptivo y delicadamente sintonizado con la gente. Tiene un intelecto hábil y es un pensador creativo, no un repetidor ni un recopilador de hechos. Digiere lo que aprende y aporta a un nuevo proyecto un punto de vista original y una pasión reservada». [77] Los dos trabajaron en un guion durante seis meses, iniciado por un entonces desconocido Sam Peckinpah . Surgieron muchas disputas sobre el proyecto y, al final, Kubrick se distanció de lo que se convertiría en One-Eyed Jacks (1961). [l]
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En febrero de 1959, Kubrick recibió una llamada telefónica de Kirk Douglas pidiéndole que dirigiera Spartacus (1960), basada en la histórica Spartacus and the Third Servile War . Douglas había adquirido los derechos de la novela de Howard Fast y el guionista Dalton Trumbo , incluido en la lista negra, comenzó a escribir el guion. [82] Fue producida por Douglas, quien también protagonizó a Spartacus, y eligió a Laurence Olivier como su enemigo, el general y político romano Marcus Licinius Crassus . Douglas contrató a Kubrick por una tarifa de 150.000 dólares para hacerse cargo de la dirección poco después de que despidiera al director Anthony Mann . [83] Kubrick, a los 31 años, ya había dirigido cuatro largometrajes, y este se convirtió en su más grande con diferencia, con un elenco de más de 10.000 y un presupuesto de 6 millones de dólares. [m] En ese momento, esta fue la película más cara jamás realizada en Estados Unidos, y Kubrick se convirtió en el director más joven en la historia de Hollywood en hacer una epopeya. [85] Fue la primera vez que Kubrick filmó utilizando el proceso Super Technirama horizontal anamórfico de 35 mm para lograr una definición ultra alta, lo que le permitió capturar grandes escenas panorámicas, incluida una con 8.000 soldados entrenados de España representando al ejército romano. [n]
Durante el rodaje de Espartaco estallaron disputas . Kubrick se quejó de no tener un control creativo total sobre los aspectos artísticos, insistiendo en improvisar extensamente durante la producción. [87] [o] Kubrick y Douglas también estaban en desacuerdo sobre el guion, y Kubrick enfureció a Douglas cuando cortó todas sus líneas menos dos de los primeros 30 minutos. [91] A pesar de los problemas en el set, Espartaco recaudó 14,6 millones de dólares en taquilla en su primera exhibición. [87] La película estableció a Kubrick como un director importante, recibiendo seis nominaciones al Premio de la Academia y ganando cuatro; finalmente lo convenció de que si se podía sacar tanto provecho de una producción tan problemática, podría lograr cualquier cosa. [92] Espartaco también marcó el final de la relación laboral entre Kubrick y Douglas. [p]
Kubrick y Harris decidieron filmar la siguiente película de Kubrick, Lolita (1962), en Inglaterra, debido a las cláusulas que los productores Warner Bros. colocaron en el contrato que les daban control total sobre la película, y al hecho de que el plan Eady permitía a los productores cancelar los costos si el 80% del equipo era británico. En cambio, firmaron un contrato de $1 millón con Associated Artists Productions de Eliot Hyman , y una cláusula que les dio la libertad artística que deseaban. [95] Lolita , el primer intento de Kubrick de hacer comedia negra , fue una adaptación de la novela homónima de Vladimir Nabokov , la historia de un profesor universitario de mediana edad que se enamora de una niña de 12 años. Estilísticamente, Lolita , protagonizada por Peter Sellers , James Mason , Shelley Winters y Sue Lyon , fue una película de transición para Kubrick, "marcando el punto de inflexión de un cine naturalista... al surrealismo de las películas posteriores", según el crítico de cine Gene Youngblood . [96] Kubrick quedó impresionado por la variedad del actor Peter Sellers y le dio una de sus primeras oportunidades de improvisar salvajemente durante el rodaje, mientras lo filmaba con tres cámaras. [97] [q]
Kubrick filmó Lolita durante 88 días con un presupuesto de 2 millones de dólares en los estudios Elstree , entre octubre de 1960 y marzo de 1961. [100] Kubrick a menudo chocaba con Shelley Winters, a quien encontraba "muy difícil" y exigente, y casi la despidió en un momento dado. [101] Debido a su provocativa historia, Lolita fue la primera película de Kubrick que generó controversia; finalmente se vio obligado a cumplir con los censores y eliminar gran parte del elemento erótico de la relación entre Humbert (Mason) y Lolita (Lyon), que había sido evidente en la novela de Nabokov. [102] La película no fue un gran éxito crítico o comercial, recaudando 3,7 millones de dólares en taquilla en su estreno. [103] [r] Desde entonces, Lolita ha sido aclamada por la crítica. [104]
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El siguiente proyecto de Kubrick fue Dr. Strangelove o cómo aprendí a dejar de preocuparme y a amar la bomba (1964), otra comedia negra satírica. Kubrick se preocupó por el tema de la guerra nuclear a medida que se desarrollaba la Guerra Fría en la década de 1950, e incluso consideró mudarse a Australia porque temía que la ciudad de Nueva York pudiera ser un objetivo probable para los rusos. Estudió más de 40 libros de investigación militar y política sobre el tema y finalmente llegó a la conclusión de que "nadie sabía realmente nada y toda la situación era absurda". [105]
Después de comprar los derechos de la novela Alerta roja , Kubrick colaboró con su autor, Peter George , en el guion. Originalmente fue escrita como un thriller político serio, pero Kubrick decidió que un "tratamiento serio" del tema no sería creíble, y pensó que algunos de sus puntos más destacados serían material para una comedia. [106] El productor y amigo de Kubrick desde hace mucho tiempo, James B. Harris , pensó que la película debía ser seria, y los dos se separaron, amistosamente, por este desacuerdo: Harris pasó a producir y dirigir el thriller serio sobre la guerra fría The Bedford Incident . [107] [108] [109] Kubrick y el autor de Red Alert, George, reelaboraron el guion como una sátira (titulada provisionalmente "El delicado equilibrio del terror") en la que la trama de Red Alert se situaba como una película dentro de una película hecha por una inteligencia extraterrestre, pero esta idea también fue abandonada, y Kubrick decidió hacer la película como "una comedia negra escandalosa". [110]
Justo antes de que comenzara el rodaje, Kubrick contrató al conocido periodista y autor satírico Terry Southern para transformar el guion en su forma final, una comedia negra, cargada de insinuaciones sexuales, [111] convirtiéndose en una película que mostraba los talentos de Kubrick como un "tipo único de absurdista" según el estudioso de cine Abrams. [112] Southern hizo contribuciones importantes al guion final, y fue co-acreditado (por encima de Peter George) en los títulos de apertura de la película; su papel percibido en la escritura más tarde llevó a una ruptura pública entre Kubrick y Peter George, quien posteriormente se quejó en una carta a la revista Life de que la intensa pero relativamente breve participación de Southern en el proyecto (del 16 de noviembre al 28 de diciembre de 1962) estaba recibiendo una prominencia indebida en los medios, mientras que su propio papel como autor de la novela fuente de la película, y su período de diez meses como coguionista del guion, estaban siendo minimizados, una percepción que Kubrick evidentemente hizo poco por abordar. [113]
Kubrick descubrió que Doctor Strangelove , una producción de 2 millones de dólares que empleó lo que se convirtió en el "primer equipo de efectos visuales importante del mundo", [114] sería imposible de hacer en los EE. UU. por varias razones técnicas y políticas, lo que lo obligó a trasladar la producción a Inglaterra. Se filmó en 15 semanas y finalizó en abril de 1963, después de lo cual Kubrick pasó ocho meses editándola. [115] Peter Sellers aceptó trabajar nuevamente con Kubrick y terminó interpretando tres papeles diferentes en la película. [s]
Tras su estreno, la película desató mucha controversia y opiniones encontradas. El crítico de cine del New York Times, Bosley Crowther, se preocupó de que fuera un "descrédito e incluso desprecio por todo nuestro sistema de defensa... la broma enfermiza más demoledora con la que me he encontrado", [117] mientras que Robert Brustein de Out of This World en un artículo de febrero de 1970 la llamó una " sátira juvenil ". [115] Kubrick respondió a las críticas, afirmando: "Un satírico es alguien que tiene una visión muy escéptica de la naturaleza humana, pero que todavía tiene el optimismo para hacer algún tipo de broma al respecto. Por brutal que sea esa broma". [118] Hoy en día, la película se considera una de las películas de comedia más agudas jamás realizadas y tiene una calificación casi perfecta del 98% en Rotten Tomatoes basada en 91 reseñas a noviembre de 2020 [update]. [119] Fue nombrada la 39.ª mejor película estadounidense y la tercera mejor película de comedia estadounidense de todos los tiempos por el American Film Institute , [120] [121] y en 2010, fue nombrada la sexta mejor película de comedia de todos los tiempos por The Guardian . [122]
Kubrick pasó cinco años desarrollando su siguiente película, 2001: A Space Odyssey (1968), después de haber quedado muy impresionado con la novela Childhood's End del escritor de ciencia ficción Arthur C. Clarke , sobre una raza alienígena superior que ayuda a la humanidad a eliminar sus antiguos yo. Después de conocer a Clarke en la ciudad de Nueva York en abril de 1964, Kubrick le sugirió trabajar en su cuento de 1948 The Sentinel , en el que un monolito encontrado en la Luna alerta a los extraterrestres de la humanidad. [123] Ese año, Clarke comenzó a escribir la novela 2001: A Space Odyssey y colaboró con Kubrick en un guion. El tema de la película, el nacimiento de una inteligencia por otra, se desarrolla en dos historias paralelas que se cruzan en dos escalas de tiempo diferentes. En uno de ellos se representan las transiciones evolutivas entre las distintas etapas del hombre, desde el mono hasta el "niño de las estrellas", a medida que el hombre renace a una nueva existencia, cada paso guiado por una enigmática inteligencia alienígena que sólo se ve en sus artefactos: una serie de monolitos negros aparentemente indestructibles de milenios de antigüedad. En el espacio, el enemigo es una supercomputadora conocida como HAL , que dirige la nave espacial, un personaje que el novelista Clancy Sigal describió como "mucho, mucho más humano, más gracioso y posiblemente decente que cualquier otra cosa que pueda surgir de esta empresa con visión de futuro". [124] [t]
Kubrick investigó intensamente para la película, prestando especial atención a la precisión y los detalles de cómo podría ser el futuro. La NASA le concedió permiso para observar la nave espacial que se utilizaba en la misión Ranger 9 para comprobar la precisión. [126] La filmación comenzó el 29 de diciembre de 1965, con la excavación del monolito en la luna, [127] y el metraje se filmó en el desierto de Namib a principios de 1967, y las escenas de los simios se completaron más tarde ese año. El equipo de efectos especiales continuó trabajando hasta finales de año para completar la película, lo que elevó el coste a 10,5 millones de dólares. [127] 2001: Una odisea del espacio fue concebida como un espectáculo de Cinerama y fue fotografiada en Super Panavision 70 , lo que le dio al espectador una "deslumbrante mezcla de imaginación y ciencia" a través de efectos innovadores, que le valieron a Kubrick su único Oscar personal, un Premio de la Academia por Efectos Visuales . [127] [u] Kubrick dijo sobre el concepto de la película en una entrevista con Rolling Stone : "En el nivel psicológico más profundo, la trama de la película simboliza la búsqueda de Dios, y finalmente postula lo que es poco menos que una definición científica de Dios. La película gira en torno a esta concepción metafísica, y el hardware realista y los sentimientos documentales sobre todo eran necesarios para socavar su resistencia incorporada al concepto poético". [129]
En su estreno en 1968, 2001: A Space Odyssey no fue un éxito inmediato entre los críticos, que criticaron su falta de diálogo, ritmo lento y trama aparentemente impenetrable. [130] La película parecía desafiar las convenciones del género, a diferencia de cualquier película de ciencia ficción anterior, [131] y claramente diferente de cualquiera de las obras anteriores de Kubrick. Kubrick se indignó particularmente por una crítica mordaz de Pauline Kael , quien la llamó "la película amateur más grande de todas", con Kubrick haciendo "realmente todas las cosas tontas que alguna vez quiso hacer". [132] A pesar de las críticas mixtas de la crítica contemporánea, 2001 ganó popularidad gradualmente y recaudó 31 millones de dólares en todo el mundo a fines de 1972. [127] [v] Hoy en día, se considera ampliamente como una de las películas más grandes e influyentes jamás realizadas y es un elemento básico en las listas de las 10 mejores de todos los tiempos. [134] [135] Baxter describe la película como "una de las creaciones más admiradas y discutidas en la historia del cine", [136] y Steven Spielberg se ha referido a ella como "el big bang de su generación cinematográfica". [137] Para el biógrafo Vincent LoBrutto "posicionó a Stanley Kubrick como un artista puro clasificado entre los maestros del cine". [138]
Después de completar 2001: Una odisea del espacio , Kubrick buscó un proyecto que pudiera filmar rápidamente con un presupuesto más modesto. Se decidió por La naranja mecánica (1971) a fines de 1969, una exploración de la violencia y la rehabilitación experimental por parte de las autoridades policiales, basada en el personaje de Alex (interpretado por Malcolm McDowell ). Kubrick había recibido una copia de la novela homónima de Anthony Burgess de Terry Southern mientras trabajaban en Dr. Strangelove , pero la había rechazado con el argumento de que Nadsat , un lenguaje callejero para adolescentes jóvenes, era demasiado difícil de comprender. La decisión de hacer una película sobre la degeneración de la juventud reflejó las preocupaciones contemporáneas en 1969; el movimiento New Hollywood estaba creando una gran cantidad de películas que retrataban la sexualidad y la rebeldía de los jóvenes. [139] La naranja mecánica se filmó entre 1970 y 1971 con un presupuesto de £ 2 millones. [140] Kubrick abandonó el uso del CinemaScope en la filmación, decidiendo que el formato panorámico de 1.66:1 era, en palabras de Baxter, un "compromiso aceptable entre espectáculo e intimidad", y favoreció su "encuadre rigurosamente simétrico", que "aumentaba la belleza de sus composiciones". [141] La película presenta en gran medida "erótica pop" de la época, incluido un gran conjunto de genitales masculinos de plástico blanco, decoración que Kubrick había pretendido darle un aspecto "ligeramente futurista". [142] El papel de McDowell en If... (1968) de Lindsay Anderson fue crucial para su elección como Alex, [x] y Kubrick profesó que probablemente no habría hecho la película si McDowell no hubiera estado disponible. [144]
Debido a su representación de la violencia adolescente, La naranja mecánica se convirtió en una de las películas más controvertidas de su tiempo y parte de un debate en curso sobre la violencia y su glorificación en el cine. Recibió una clasificación X , o certificado, tanto en el Reino Unido como en los EE. UU., en su estreno justo antes de Navidad de 1971, aunque muchos críticos vieron gran parte de la violencia representada en la película como satírica y menos violenta que Perros de paja , que se había estrenado un mes antes. [145] Kubrick personalmente retiró la película del estreno en el Reino Unido después de recibir amenazas de muerte tras una serie de crímenes imitadores basados en la película; [146] [y] John Trevelyan , el censor de la película, consideró personalmente que La naranja mecánica era "quizás la pieza de arte cinematográfico más brillante que he visto nunca", y creía que presentaba un "argumento intelectual en lugar de un espectáculo sádico" en su representación de la violencia, pero reconoció que muchos no estarían de acuerdo. [148] A pesar de la publicidad negativa de los medios sobre la película, La naranja mecánica recibió cuatro nominaciones al Oscar, a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion y Mejor Montaje, y fue nombrada por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como la Mejor Película de 1971. [149] Después de que William Friedkin ganara el premio al Mejor Director por The French Connection ese año, le dijo a la prensa: "Hablando personalmente, creo que Stanley Kubrick es el mejor cineasta estadounidense del año. De hecho, no solo este año, sino el mejor, punto". [150]
Barry Lyndon (1975) es una adaptación de La suerte de Barry Lyndon de William Makepeace Thackeray , una novela picaresca sobre las aventuras de un pícaro y trepador social irlandés del siglo XVIII. John Calley de Warner Bros. aceptó en 1972 invertir 2,5 millones de dólares en la película, con la condición de que Kubrick se acercara a las principales estrellas de Hollywood, para asegurar el éxito. [151] Al igual que en películas anteriores, Kubrick y su departamento de arte llevaron a cabo una enorme cantidad de investigación sobre el siglo XVIII. Se tomaron extensas fotografías de lugares y obras de arte en particular, y se replicaron meticulosamente pinturas de las obras de los grandes maestros de la época en la película. [152] [z] La película se rodó en Irlanda, a partir del otoño de 1973, con un coste de 11 millones de dólares y un reparto y equipo de 170 personas. [154] La decisión de rodar en Irlanda se debió al hecho de que todavía conservaba muchos edificios del siglo XVIII de los que carecía Inglaterra. [155] La producción fue problemática desde el principio, plagada de fuertes lluvias y conflictos políticos que involucraban a Irlanda del Norte en ese momento. [156] Después de que Kubrick recibiera amenazas de muerte del IRA en 1974 debido a las escenas de tiroteos con soldados ingleses, huyó de Irlanda con su familia en un ferry desde Dún Laoghaire bajo una identidad falsa y reanudó el rodaje en Inglaterra. [157]
Baxter señala que Barry Lyndon fue la película que hizo a Kubrick famoso por prestar una atención escrupulosa a los detalles, exigiendo a menudo veinte o treinta repeticiones de la misma escena para perfeccionar su arte. [158] A menudo considerada como su película de aspecto más auténtico, [159] las técnicas de cinematografía e iluminación que Kubrick y el director de fotografía John Alcott utilizaron en Barry Lyndon fueron muy innovadoras. Las escenas de interiores se rodaron con un objetivo de cámara Zeiss f/0,7 de alta velocidad especialmente adaptado , desarrollado originalmente para la NASA para su uso en fotografía por satélite. Los objetivos permitieron que muchas escenas se iluminaran solo con la luz de las velas, creando imágenes bidimensionales de luz difusa que recuerdan a las pinturas del siglo XVIII. [160] El director de fotografía Allen Daviau afirma que el método ofrece a la audiencia una forma de ver los personajes y las escenas como los habrían visto las personas de la época. [161] Muchas de las escenas de lucha se rodaron con una cámara de mano para producir una "sensación de realismo documental e inmediatez". [162]
Barry Lyndon encontró un gran público en Francia, pero fue un fracaso de taquilla, recaudando sólo 9,5 millones de dólares en el mercado estadounidense, ni siquiera cerca de los 30 millones de dólares que Warner Bros. necesitaba para generar ganancias. [163] El ritmo y la duración de Barry Lyndon , de tres horas, desanimaron a muchos críticos y audiencias estadounidenses, pero la película fue nominada a siete premios de la Academia y ganó cuatro, incluyendo Mejor dirección artística, Mejor fotografía, Mejor diseño de vestuario y Mejor banda sonora musical, más que cualquier otra película de Kubrick. Como ocurre con la mayoría de las películas de Kubrick, la reputación de Barry Lyndon ha crecido a lo largo de los años y ahora se considera una de sus mejores, especialmente entre los cineastas y los críticos. Numerosas encuestas, como The Village Voice (1999), Sight & Sound (2002) y Time (2005), la han calificado como una de las mejores películas jamás realizadas. [164] [165] [166] A marzo de 2019 [update], tiene una calificación del 94% en Rotten Tomatoes, basada en 64 reseñas. [167] Roger Ebert se refirió a ella como "una de las películas más hermosas jamás realizadas... ciertamente en cada fotograma una película de Kubrick: técnicamente impresionante, emocionalmente distante, implacable en su duda sobre la bondad humana". [168]
El resplandor , estrenada en 1980, fue una adaptación de la novela homónima del exitoso escritor de terror Stephen King . La película está protagonizada por Jack Nicholson como un escritor que acepta un trabajo como cuidador de invierno de un hotel aislado en las Montañas Rocosas. Pasa el invierno allí con su esposa, interpretada por Shelley Duvall , y su hijo pequeño, que muestra habilidades paranormales . Durante su estadía, se enfrentan tanto al descenso de Jack a la locura como a los aparentes horrores sobrenaturales que acechan en el hotel. Kubrick les dio a sus actores la libertad de extender el guion e incluso improvisar en ocasiones, y como resultado, Nicholson fue responsable de la línea "¡Aquí está Johnny!" y de la escena en la que está sentado frente a la máquina de escribir y desata su ira sobre su esposa. [169] Kubrick a menudo exigía hasta 70 u 80 repeticiones de la misma escena. Duvall, a quien Kubrick aisló intencionalmente y con quien discutió, se vio obligado a realizar la agotadora escena del bate de béisbol 127 veces. [170] La escena del bar con el camarero fantasmal se filmó 36 veces, mientras que la escena de la cocina entre los personajes de Danny ( Danny Lloyd ) y Halloran ( Scatman Crothers ) duró 148 tomas. [171] Las tomas aéreas del Hotel Overlook se filmaron en Timberline Lodge en Mount Hood en Oregon, mientras que los interiores del hotel se filmaron en Elstree Studios en Inglaterra entre mayo de 1978 y abril de 1979. [172] Se hicieron modelos de cartón de todos los decorados de la película, y la iluminación de los mismos fue una tarea enorme, que llevó cuatro meses de cableado eléctrico. [173] Kubrick hizo un uso extensivo de la recién inventada Steadicam , un soporte de cámara con equilibrio de peso, que permitió un movimiento suave de la cámara en mano en escenas en las que una pista de cámara convencional no era práctica. Según Garrett Brown , el inventor de la Steadicam, fue la primera película en utilizar todo su potencial. [174] El resplandor no fue la única película de terror con la que Kubrick había estado vinculado; había rechazado la dirección de El exorcista (1973) y Exorcista II: El hereje (1977), a pesar de haberle dicho una vez en 1966 a un amigo que hacía tiempo que deseaba "hacer la película más aterradora del mundo, que incluyera una serie de episodios que jugaran con los miedos de pesadilla de la audiencia". [175]
Cinco días después de su estreno, el 23 de mayo de 1980, Kubrick ordenó la eliminación de una escena final, en la que el gerente del hotel Ullman ( Barry Nelson ) visita a Wendy (Shelley Duvall) en el hospital, creyéndola innecesaria después de presenciar la emoción de la audiencia en los cines en el clímax de la película. [176] El resplandor se estrenó con fuertes recaudaciones de taquilla, ganando $ 1 millón en el primer fin de semana y ganando $ 30,9 millones en Estados Unidos a fines de año. [172] La respuesta crítica original fue mixta, y King detestó la película y no le gustó Kubrick. [177] El resplandor ahora se considera un clásico del terror, [178] y el American Film Institute la clasificó como la 29.ª mejor película de suspenso de todos los tiempos en 2001. [179]
Kubrick conoció al autor Michael Herr a través de su amigo en común David Cornwell (el novelista John le Carré ) en 1980, y se interesó en su libro Despachos , sobre la guerra de Vietnam . [180] Herr había escrito recientemente la narración de Martin Sheen para Apocalipsis ahora (1979). Kubrick también estaba intrigado por la novela de la guerra de Vietnam de Gustav Hasford , The Short-Timers . Con la visión en mente de filmar lo que se convertiría en Full Metal Jacket (1987), Kubrick comenzó a trabajar con Herr y Hasford por separado en un guion. Finalmente, encontró que la novela de Hasford era "brutalmente honesta" y decidió filmar una película que sigue de cerca la novela. [180] Toda la película se filmó con un costo de $ 17 millones en un radio de 30 millas de su casa entre agosto de 1985 y septiembre de 1986, más tarde de lo programado ya que Kubrick cerró la producción durante cinco meses después de un accidente casi fatal con un jeep en el que estuvo involucrado Lee Ermey. [181] Una fábrica de gas abandonada en Beckton , en la zona de los Docklands de Londres , se hizo pasar por la ciudad en ruinas de Huế , [182] lo que hace que la película sea visualmente muy diferente de otras películas de la Guerra de Vietnam. Se importaron alrededor de 200 palmeras en remolques de 40 pies por carretera desde el norte de África, a un costo de £ 1000 por árbol, y se ordenaron miles de plantas de plástico de Hong Kong para proporcionar follaje para la película. [183] Kubrick explicó que hizo que la película pareciera realista al usar luz natural y logró un "efecto de noticiero" al hacer que las tomas de Steadicam fueran menos estables, [184] lo que los críticos y comentaristas pensaron que contribuyó a la desolación y seriedad de la película. [185]
Según el crítico Michel Ciment , la película contenía algunas de las características distintivas de Kubrick, como su selección de música irónica, representaciones de hombres deshumanizados y atención al detalle extremo para lograr realismo. En una escena posterior, los marines de los Estados Unidos patrullan las ruinas de una ciudad abandonada y destruida cantando la canción principal al Mickey Mouse Club como un contrapunto sardónico. [186] La película se estrenó con fuerza en junio de 1987, recaudando más de 30 millones de dólares solo en los primeros 50 días, [187] pero críticamente se vio eclipsada por el éxito de Platoon de Oliver Stone , estrenada un año antes. [188] El coprotagonista Matthew Modine afirmó que una de las críticas favoritas de Kubrick decía: "La primera mitad de FMJ es brillante. Luego, la película degenera en una obra maestra". [189] Roger Ebert no quedó particularmente impresionado con ella, y le otorgó un mediocre 2,5 sobre 4. Concluyó: " Full Metal Jacket de Stanley Kubrick se parece más a un libro de cuentos que a una novela", una "película extrañamente informe del hombre cuyo trabajo generalmente impone una visión ferozmente consistente sobre su material". [190]
La última película de Kubrick fue Eyes Wide Shut (1999), protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, en el papel de una pareja de Manhattan que se embarca en una odisea sexual. Tom Cruise interpreta a un médico que presencia un extraño ritual orgiástico casi religioso enmascarado en una mansión de campo, un descubrimiento que más tarde amenaza su vida. La historia está basada en la novela freudiana Traumnovelle ( Historia de un sueño en español) de Arthur Schnitzler de 1926 , que Kubrick trasladó de la Viena de principios del siglo XX a la ciudad de Nueva York en la década de 1990. Kubrick dijo sobre la novela: "Un libro difícil de describir; ¿qué buen libro no lo es? Explora la ambivalencia sexual de un matrimonio feliz e intenta equiparar la importancia de los sueños sexuales y los "podría haber sido" con la realidad. Toda la obra de Schnitzler es psicológicamente brillante". [191] Kubrick tenía casi 70 años, pero trabajó incansablemente durante 15 meses para sacar la película en la fecha de estreno prevista del 16 de julio de 1999. Comenzó un guión con Frederic Raphael , [162] y trabajó 18 horas al día, manteniendo al mismo tiempo una total confidencialidad sobre la película. [192]
Eyes Wide Shut , al igual que Lolita y La naranja mecánica antes que ella, enfrentó censura antes de su estreno. Kubrick envió una copia de vista previa sin terminar a las estrellas y productores unos meses antes del estreno, pero su repentina muerte el 7 de marzo de 1999 se produjo unos días después de que terminara de editar. Nunca vio la versión final lanzada al público, [193] pero sí vio el avance de la película con Warner Bros., Cruise y Kidman, y supuestamente le había dicho al ejecutivo de Warner Julian Senior que era su "mejor película de todos los tiempos". [194] En ese momento, la opinión crítica de la película era mixta, y fue vista menos favorablemente que la mayoría de las películas de Kubrick. Roger Ebert le otorgó 3,5 de 4 estrellas, comparando la estructura con un thriller y escribiendo que es "como un sueño erótico sobre oportunidades perdidas y evitadas", y pensó que el uso de iluminación de Kubrick en Navidad hizo que la película "fuera un poco estridente, como un espectáculo urbano". [195] A Stephen Hunter del Washington Post no le gustó la película, y escribió que "en realidad es triste, más que mala. Se siente chirriante, antigua, irremediablemente desfasada, encaprichada con los tabúes candentes de su juventud e incapaz de conectarse con esa cosa retorcida en la que se ha convertido la sexualidad contemporánea". [196]
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A lo largo de la década de 1980 y principios de la de 1990, Kubrick colaboró con Brian Aldiss en la expansión de su cuento " Supertoys Last All Summer Long " para convertirlo en una película de tres actos. Se trataba de un cuento de hadas futurista sobre un robot que se parece y se comporta como un niño, y sus esfuerzos por convertirse en un "niño de verdad" de una manera similar a Pinocho. Kubrick se acercó a Spielberg en 1995 con el guion de IA con la posibilidad de que Steven Spielberg lo dirigiera y Kubrick lo produjera. [188] Se dice que Kubrick mantuvo largas conversaciones telefónicas con Spielberg sobre la película y, según Spielberg, en un momento declaró que el tema estaba más cerca de la sensibilidad de Spielberg que de la suya. [197]
Tras la muerte de Kubrick en 1999, Spielberg tomó los borradores y notas que habían dejado Kubrick y sus guionistas y compuso un nuevo guion basado en un tratamiento de la historia anterior de 90 páginas de Ian Watson escrito bajo la supervisión y las especificaciones de Kubrick. [198] En asociación con lo que quedaba de la unidad de producción de Kubrick, dirigió la película AI Artificial Intelligence (2001) [198] [199] que fue producida por el productor de Kubrick (y cuñado) Jan Harlan . [200] Los decorados, el vestuario y la dirección artística se basaron en las obras del artista conceptual Chris Baker, que también había realizado gran parte de su trabajo bajo la supervisión de Kubrick. [201]
Spielberg pudo funcionar de manera autónoma en ausencia de Kubrick, pero dijo que se sintió "inhibido para honrarlo" y siguió el esquema visual de Kubrick con tanta fidelidad como pudo. Spielberg, quien una vez se refirió a Kubrick como "el maestro más grande al que he servido", ahora con la producción en marcha, admitió: "Me sentí como si estuviera siendo entrenado por un fantasma". [202] La película se estrenó en junio de 2001. Contiene un crédito de producción póstumo para Stanley Kubrick al principio y la breve dedicatoria "Para Stanley Kubrick" al final. La banda sonora de John Williams contiene muchas alusiones a piezas escuchadas en otras películas de Kubrick. [203]
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Después de 2001: Una odisea del espacio , Kubrick planeó hacer una película sobre la vida de Napoleón . Fascinado por la vida del líder francés y su "autodestrucción", [204] Kubrick pasó mucho tiempo planeando el desarrollo de la película y realizó cerca de dos años de investigación sobre la vida de Napoleón, leyendo varios cientos de libros y obteniendo acceso a sus memorias personales y comentarios. Intentó ver todas las películas sobre Napoleón y no encontró ninguna atractiva, incluida la película de Abel Gance de 1927 , que generalmente se considera una obra maestra, pero para Kubrick, una película "realmente terrible". [205] LoBrutto afirma que Napoleón era un tema ideal para Kubrick, ya que abarcaba la "pasión de Kubrick por el control, el poder, la obsesión, la estrategia y el ejército", mientras que la intensidad y profundidad psicológica de Napoleón, el genio logístico y la guerra, el sexo y la naturaleza malvada del hombre eran ingredientes que atrajeron profundamente a Kubrick. [206]
Kubrick redactó un guion en 1961 y se planteó hacer una epopeya «grandiosa», con hasta 40.000 soldados de infantería y 10.000 de caballería. Tenía la intención de contratar a las fuerzas armadas de un país entero para hacer la película, ya que consideraba que las batallas napoleónicas eran «tan hermosas, como vastos ballets letales», con una «brillantez estética que no requiere una mente militar para apreciarlas». Quería que se replicaran de la forma más auténtica posible en la pantalla. [207] Kubrick envió equipos de investigación para explorar localizaciones en toda Europa y encargó al guionista y director Andrew Birkin , uno de sus jóvenes asistentes en 2001 , que fuera a la isla de Elba , Austerlitz y Waterloo , donde tomó miles de fotografías para su posterior lectura. Kubrick se acercó a numerosas estrellas para interpretar papeles protagonistas, incluida Audrey Hepburn para Emperatriz Josefina , un papel que no pudo aceptar debido a su semiretiro. [208] Los actores británicos David Hemmings e Ian Holm fueron considerados para el papel principal de Napoleón, antes de que Jack Nicholson fuera elegido. [209] La película estaba en plena preproducción y lista para comenzar a filmarse en 1969 cuando MGM canceló el proyecto. Se han citado numerosas razones para el abandono del proyecto, incluido su costo proyectado, un cambio de propiedad en MGM, [204] y la mala recepción que recibió la película soviética de 1970 sobre Napoleón, Waterloo . En 2011, Taschen publicó el libro Stanley Kubrick's Napoleon: The Greatest Movie Never Made , una compilación de gran volumen de literatura y documentos fuente de Kubrick, como ideas de fotos de escenas y copias de cartas que Kubrick escribió y recibió. En marzo de 2013, Steven Spielberg, quien anteriormente colaboró con Kubrick en AI Artificial Intelligence y es un apasionado admirador de su trabajo, anunció que desarrollaría Napoleon como una miniserie de televisión basada en el guion original de Kubrick. [210]
En la década de 1950, Kubrick y Harris desarrollaron una comedia protagonizada por Ernie Kovacs y una adaptación cinematográfica del libro I Stole $16,000,000 , pero no se concretaron. [71] Tony Frewin, un asistente que trabajó con el director durante un largo período de tiempo, reveló en un artículo de The Atlantic de 2013 : "[Kubrick] estaba ilimitadamente interesado en cualquier cosa que tuviera que ver con los nazis y quería desesperadamente hacer una película sobre el tema". Kubrick tenía la intención de hacer una película sobre Dietrich Schulz-Köhn , un oficial nazi que usó el seudónimo de "Dr. Jazz" para escribir reseñas de escenas musicales alemanas durante la era nazi. A Kubrick le habían dado una copia del libro de Mike Zwerin Swing Under the Nazis después de que terminó la producción de Full Metal Jacket , cuya portada presentaba una fotografía de Schulz-Köhn. Nunca se completó un guion y nunca se inició la adaptación de Kubrick. [211] La inconclusa Aryan Papers , basada en la novela debut de Louis Begley , Wartime Lies , fue un factor en el abandono del proyecto. El trabajo en Aryan Papers deprimió enormemente a Kubrick, y finalmente decidió que La lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg cubría gran parte del mismo material. [188]
Según el biógrafo John Baxter , Kubrick había mostrado interés en dirigir una película pornográfica basada en una novela satírica escrita por Terry Southern, titulada Blue Movie , sobre un director que hace la primera película pornográfica de gran presupuesto de Hollywood. Baxter afirma que Kubrick concluyó que no tenía la paciencia ni el temperamento para involucrarse en la industria del porno, y Southern afirmó que Kubrick era "demasiado ultra conservador" con respecto a la sexualidad como para haber seguido adelante con eso, pero le gustó la idea. [212] Kubrick no pudo dirigir una película de El péndulo de Foucault de Umberto Eco ya que Eco había dado instrucciones a su editor de nunca vender los derechos cinematográficos de ninguno de sus libros después de su insatisfacción con la versión cinematográfica de El nombre de la rosa . [213] Además, cuando los derechos cinematográficos de El señor de los anillos de Tolkien se vendieron a United Artists, los Beatles se acercaron a Kubrick para que los dirigiera en una adaptación cinematográfica, pero Kubrick no estaba dispuesto a producir una película basada en un libro muy popular. [214]
Cualquiera que haya tenido el privilegio de dirigir una película sabe que, aunque puede ser como intentar escribir Guerra y paz en un autito chocador en un parque de diversiones, cuando finalmente lo logras, no hay muchas alegrías en la vida que puedan igualar esa sensación.
— Stanley Kubrick, aceptando el premio DW Griffith [215]
De joven, Kubrick se sintió fascinado por las películas de cineastas soviéticos como Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin . [216] Kubrick leyó la obra teórica fundamental de Pudovkin, Film Technique, que sostiene que el montaje hace del cine una forma de arte única y que debe emplearse para manipular el medio al máximo. Kubrick recomendó este trabajo a otros durante muchos años. Thomas Nelson describe este libro como "la mayor influencia de cualquier obra escrita en la evolución de la estética privada [de Kubrick]". Kubrick también encontró que las ideas de Konstantin Stanislavski eran esenciales para su comprensión de los conceptos básicos de la dirección, y se dio un curso intensivo para aprender sus métodos. [217]
La familia de Kubrick y muchos críticos consideraron que su ascendencia judía pudo haber contribuido a su visión del mundo y aspectos de sus películas. Después de su muerte, tanto su hija como su esposa declararon que no era religioso, pero "no negaban su judaísmo, en absoluto". Su hija señaló que quería hacer una película sobre el Holocausto, los Documentos Arios , después de haber pasado años investigando el tema. [218] La mayoría de los amigos de Kubrick y sus primeros colaboradores de fotografía y cine eran judíos, y sus dos primeros matrimonios fueron con hijas de inmigrantes judíos recientes de Europa. El guionista británico Frederic Raphael , que trabajó estrechamente con Kubrick en sus últimos años, cree que la originalidad de las películas de Kubrick se debió en parte a que "tenía un respeto (¿judío?) por los académicos". Declaró que era "absurdo tratar de entender a Stanley Kubrick sin tener en cuenta el judaísmo como un aspecto fundamental de su mentalidad". [219] Walker señala que Kubrick se vio influenciado por los estilos de seguimiento y "cámara fluida" del director Max Ophüls , y los utilizó en muchas de sus películas, incluidas Senderos de gloria y 2001: Odisea del espacio . Kubrick señaló cómo en las películas de Ophüls "la cámara atravesaba cada pared y cada piso". [220] Una vez nombró a Le Plaisir (1952) de Ophüls como su película favorita. Según el historiador de cine John Wakeman, el propio Ophüls aprendió la técnica del director Anatole Litvak en la década de 1930, cuando era su asistente, y cuyo trabajo estaba "repleto de seguimientos de cámara, panorámicas y swoops que luego se convirtieron en la marca registrada de Max Ophüls". [221] Geoffrey Cocks cree que Kubrick también estuvo influenciado por las historias de amor frustrado y preocupación por hombres depredadores de Ophüls, mientras que Herr señala que Kubrick se inspiró profundamente en G. W. Pabst , quien anteriormente intentó, pero no pudo, adaptar la Traumnovelle de Schnitzler , la base de Eyes Wide Shut . [222] El historiador y crítico de cine Robert Kolker ve la influencia de las tomas de cámara en movimiento de Welles en el estilo de Kubrick. LoBrutto señala que Kubrick se identificó con Welles y que esto influyó en la realización de The Killing , con sus "múltiples puntos de vista, ángulos extremos y enfoque profundo". [223] [224]
Kubrick admiraba el trabajo de Ingmar Bergman y lo expresó en una carta personal: "Tu visión de la vida me ha conmovido profundamente, mucho más profundamente de lo que me ha conmovido jamás ninguna película. Creo que eres el mejor cineasta en activo hoy [...], nadie lo supera en la creación de estados de ánimo y atmósferas, la sutileza de la interpretación, la evitación de lo obvio, la veracidad y la integridad de la caracterización. A esto hay que añadir también todo lo demás que entra en juego a la hora de hacer una película; [...] y esperaré con impaciencia cada una de tus películas". [225]
Cuando la revista estadounidense Cinema le pidió a Kubrick en 1963 que nombrara sus películas favoritas, incluyó I Vitelloni del director italiano Federico Fellini en el número uno de su lista Top 10. [226]
Las películas de Kubrick suelen ser expresiones de una lucha interior, examinadas desde diferentes perspectivas. [215] Fue muy cuidadoso a la hora de no presentar sus propias opiniones sobre el significado de sus películas y de dejarlas abiertas a la interpretación. En una entrevista de 1960 con Robert Emmett Ginna explicó :
"Una de las cosas que siempre me resulta extremadamente difícil, cuando una película está terminada, es cuando un escritor o un crítico de cine pregunta: 'Ahora bien, ¿qué es lo que intentabas decir en esa película?' Y sin que parezca demasiado presuntuoso por utilizar esta analogía, me gusta recordar lo que TS Eliot le dijo a alguien que le había preguntado (creo que se trataba de La tierra baldía ) qué quería decir con el poema. Él respondió: 'Quise decir lo que dije'. Si hubiera podido decirlo de otra manera, lo habría hecho". [227]
Kubrick comparó la comprensión de sus películas con la música popular, en el sentido de que, independientemente de los antecedentes o el intelecto del individuo, un disco de los Beatles, por ejemplo, puede ser apreciado tanto por el camionero de Alabama como por el joven intelectual de Cambridge, porque sus "emociones y subconscientes son mucho más similares que sus intelectos". Creía que la reacción emocional subconsciente experimentada por el público era mucho más poderosa en el medio cinematográfico que en cualquier otra forma verbal tradicional, y esta era una de las razones por las que a menudo dependía de largos períodos en sus películas sin diálogo, poniendo énfasis en las imágenes y el sonido. [227] En una entrevista de la revista Time de 1975 , Kubrick afirmó además: "La esencia de una forma dramática es dejar que una idea llegue a la gente sin que se exprese claramente. Cuando dices algo directamente, simplemente no es tan potente como cuando permites que la gente lo descubra por sí misma". [40] También dijo: "El realismo es probablemente la mejor manera de dramatizar argumentos e ideas. La fantasía puede tratar mejor los temas que se encuentran principalmente en el inconsciente". [228]
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Diane Johnson , quien coescribió el guion de El resplandor con Kubrick, señala que "siempre dijo que era mejor adaptar un libro en lugar de escribir un guion original, y que debes elegir una obra que no sea una obra maestra para poder mejorarla. Que es lo que siempre ha hecho, excepto con Lolita ". [229] Al decidir sobre un tema para una película, había muchos aspectos que buscaba, y siempre hacía películas que "atrajeran a todo tipo de espectadores, cualquiera que fuera su expectativa cinematográfica". [230] Según su coproductor Jan Harlan , Kubrick principalmente "quería hacer películas sobre cosas que importaran, que no solo tuvieran forma, sino sustancia". [231] Kubrick creía que el público a menudo se sentía atraído por "enigmas y alegorías" y no le gustaban las películas en las que todo estaba explicado con claridad. [232]
La sexualidad en las películas de Kubrick suele representarse fuera de las relaciones matrimoniales en situaciones hostiles. Baxter afirma que Kubrick explora los "furtivos y violentos callejones secundarios de la experiencia sexual: voyeurismo, dominación, esclavitud y violación" en sus películas. [233] Señala además que películas como La naranja mecánica son "poderosamente homoeróticas", desde Alex caminando por el piso de sus padres en calzoncillos tipo Y, con un ojo "maquillado con pestañas postizas como las de una muñeca", hasta su inocente aceptación de los avances sexuales de su asesor post-correctivo Deltroid ( Aubrey Morris ). [234] De hecho, se cree que la película estuvo fuertemente influenciada por los numerosos visionados de Kubrick de la obra emblemática del cine queer de 1969 de Matsumoto Toshio , Funeral Parade of Roses . [235] El crítico de cine Adrian Turner señala que las películas de Kubrick parecen estar "preocupadas por cuestiones del mal universal y heredado", y Malcolm McDowell se refirió a su humor como "negro como el carbón", cuestionando su visión de la humanidad. [236] Algunas de sus películas eran sátiras obvias y comedias negras, como Lolita y Dr. Strangelove ; muchas de sus otras películas también contenían elementos menos visibles de sátira o ironía. Sus películas son impredecibles, examinando "la dualidad y las contradicciones que existen en todos nosotros". [237] Ciment señala cómo Kubrick a menudo trató de confundir las expectativas de la audiencia al establecer estados de ánimo radicalmente diferentes de una película a la siguiente, remarcando que estaba casi "obsesionado con contradecirse a sí mismo, con hacer de cada obra una crítica de la anterior". [238] Kubrick afirmó que "no hay un patrón deliberado en las historias que he elegido convertir en películas. El único factor en juego cada vez es que trato de no repetirme". [239] Como resultado, Kubrick fue a menudo malinterpretado por los críticos, y solo una vez tuvo críticas unánimemente positivas tras el estreno de una película: por Paths of Glory . [240]
El autor de películas Patrick Webster considera que los métodos de escritura y desarrollo de escenas de Kubrick encajan con la teoría clásica de dirección de autor, permitiendo la colaboración e improvisación con los actores durante el rodaje. [241] Malcolm McDowell recordó el énfasis colaborativo de Kubrick durante sus discusiones y su disposición a permitirle improvisar una escena, afirmando que "había un guion y lo seguíamos, pero cuando no funcionaba él lo sabía, y teníamos que seguir ensayando sin parar hasta que nos aburriéramos". [242] Una vez que Kubrick estaba seguro de la puesta en escena general de una escena y sentía que los actores estaban preparados, desarrollaba los aspectos visuales, incluida la colocación de la cámara y la iluminación. Walker cree que Kubrick era uno de los "pocos directores de cine competentes para instruir a sus fotógrafos de iluminación en el efecto preciso que querían". [243] Baxter cree que Kubrick estuvo fuertemente influenciado por su ascendencia y siempre tuvo una perspectiva europea del cine, particularmente el imperio austrohúngaro y su admiración por Max Ophuls y Richard Strauss . [244]
Gilbert Adair , escribiendo en una reseña de Full Metal Jacket , comentó que "el enfoque de Kubrick hacia el lenguaje siempre ha sido de naturaleza reductiva e inflexiblemente determinista. Parece verlo como el producto exclusivo del condicionamiento ambiental, influenciado solo muy marginalmente por conceptos de subjetividad e interioridad, por todos los caprichos, matices y modulaciones de la expresión personal". [245] Johnson señala que aunque Kubrick era un "cineasta visual", también amaba las palabras y era como un escritor en su enfoque, muy sensible a la historia en sí, que encontraba única. [246] Antes de comenzar el rodaje, Kubrick intentó tener el guion lo más completo posible, pero aún así se permitió suficiente espacio para hacer cambios durante la filmación, encontrando que era "más rentable evitar encerrar cualquier idea sobre la puesta en escena o la cámara o incluso el diálogo antes de los ensayos", como él lo expresó. [243] Kubrick le dijo a Robert Emmett Ginna: "Creo que hay que ver el problema completo de poner la historia que quieres contar ahí arriba en ese cuadrado de luz. Comienza con la selección de los elementos; continúa con la creación de la historia, los decorados, el vestuario, la fotografía y la actuación. Y cuando se rueda la película, sólo está parcialmente terminada. Creo que el montaje es sólo una continuación de la dirección de una película. Creo que el uso de efectos musicales, ópticos y finalmente los títulos principales son todos parte de contar la historia. Y creo que la fragmentación de estos trabajos, por parte de diferentes personas, es algo muy malo". [159] Kubrick también dijo: "Creo que la mejor trama es la que no tiene una trama aparente. Me gusta un comienzo lento, el comienzo que se mete bajo la piel del público y lo involucra para que pueda apreciar las notas de gracia y los tonos suaves y no tenga que ser golpeado en la cabeza con puntos de la trama y herramientas de suspenso". [154]
En cuanto a los guiones y las narrativas de Kubrick, los análisis póstumos de sus películas a menudo destacan una "misantropía" generalizada, un estilo poco sentimental y un menor interés en las emociones específicas o los rasgos de personalidad de sus personajes. [247] El cineasta Quentin Tarantino describe la manera en que Kubrick escribe personajes y películas como "fría" y distante. [248]
Trabajan con Stanley y pasan por infiernos para los que nada en sus carreras podría haberlos preparado, piensan que deben haber estado locos para involucrarse, piensan que morirían antes de volver a trabajar con él, ese maníaco obsesionado; y cuando todo haya quedado atrás y la profunda fatiga de tanta intensidad haya desaparecido, harán cualquier cosa en el mundo para volver a trabajar para él. Durante el resto de sus vidas profesionales anhelan trabajar con alguien que se preocupara como lo hizo Stanley, alguien de quien pudieran aprender. Buscan a alguien a quien respetar de la misma manera que ellos llegaron a respetarlo a él, pero nunca pueden encontrar a nadie... He escuchado esta historia tantas veces.
— Michael Herr, guionista de Full Metal Jacket, sobre los actores que trabajaron con Kubrick. [249]
Kubrick era conocido por filmar muchas más tomas de lo que es habitual durante la producción de largometrajes y su enfoque implacable a menudo imponía grandes exigencias a sus actores. Jack Nicholson comentó que Kubrick con frecuencia exigía hasta cincuenta tomas de una escena antes de que el director sintiera que se había hecho justicia al material. [250] Nicole Kidman explicó que las docenas de tomas que a menudo exigía tenían el efecto de suprimir los pensamientos conscientes de un actor sobre la técnica, difuminar la concentración que Kubrick decía que podía ver en los ojos de un actor que aún no estaba actuando en la cima de su capacidad y ayudarlo a entrar en un "lugar más profundo". [251] Kubrick se hizo eco de este sentimiento, diciendo: "[l]os actores son esencialmente instrumentos que producen emociones, y algunos siempre están afinados y listos, mientras que otros alcanzarán un tono fantástico en una toma y nunca lo igualarán de nuevo, sin importar cuánto se esfuercen". [252]
Aunque algunos críticos consideraban que la elevada tasa de participación de Kubrick era irracional, él creía firmemente que los actores estaban en su mejor momento durante el rodaje, a diferencia de los ensayos, y decía: "Cuando haces una película, lleva unos días acostumbrarse al equipo, porque es como desvestirse frente a cincuenta personas. Una vez que te acostumbras a ellos, la presencia de incluso una sola persona más en el set es discordante y tiende a producir timidez en los actores, y ciertamente en sí misma". [253] [254]
En 1987, cuando la revista Rolling Stone le preguntó a Kubrick sobre su reputación de hacer tomas excesivas , respondió que era exagerada, pero que cuando era verdad, "sucede cuando los actores no están preparados. No se puede actuar sin conocer el diálogo. Si los actores tienen que pensar en las palabras, no pueden trabajar en la emoción. Así que terminas haciendo treinta tomas de algo. Y aún así puedes ver la concentración en sus ojos; no saben sus líneas. Así que simplemente lo filmas y lo filmas y esperas poder sacar algo de ello en pedazos". [255] Asimismo, le dijo a su biógrafo Michel Ciment que "un actor sólo puede hacer una cosa a la vez, y cuando sólo se aprendió sus líneas lo suficientemente bien como para decirlas mientras las estaba pensando, siempre tendrá problemas tan pronto como tenga que trabajar en las emociones de la escena o encontrar marcas de cámara. En una escena con mucha emoción, siempre es mejor poder filmar en tomas completas para permitirle al actor una continuidad de emoción, y es raro que la mayoría de los actores alcancen su punto máximo más de una o dos veces. Ocasionalmente, hay escenas que se benefician de tomas adicionales, pero incluso entonces, no estoy seguro de que las primeras tomas no sean simplemente ensayos glorificados con la adrenalina adicional de la película corriendo a través de la cámara". [256]
Matthew Modine , quien interpretó al Joker en Full Metal Jacket , se hace eco de estas valoraciones incluso de la interpretación de un actor de renombre mundial en una película de Kubrick. En una historia oral recopilada por Peter Bogdanovich después de la muerte del director, Modine recordó que "una vez le pregunté [a Kubrick] por qué hacía tantas tomas. [...] Y habló de Jack Nicholson [diciendo] ''Jack entraba durante el rodaje y se le escapaban las líneas. Se las iba aprendiendo mientras estaba allí. Y luego empezabas a rodar y después de la toma 3 o 4 o 5 obtenías al Jack Nicholson que todo el mundo conoce y con el que la mayoría de los directores estarían contentos. Y luego llegabas a la 10 o 15 y era realmente horrible y luego empezaba a entender cuáles eran las líneas, qué significaban, y luego perdía la conciencia de lo que estaba diciendo. Así que en la toma 30 o 40 las líneas se convertían en otra cosa''. [257]
En cambio, durante el rodaje de Full Metal Jacket, el ex instructor de instrucción del Cuerpo de Marines R. Lee Ermey a menudo satisfacía a Kubrick en tan solo dos o tres tomas. El director elogió a Ermey como un excelente intérprete, y más tarde dijo a Rolling Stone que la intensa familiaridad de Ermey con el papel había perfeccionado su interpretación y fluidez de improvisación a un nivel que no podría haber esperado descubrir en un actor profesional, sin importar cuántas tomas le dieran. [255] Kubrick repitió sus elogios al Washington Post , diciendo que "siempre había descubierto que algunas personas pueden actuar y otras no, hayan tenido o no entrenamiento. Y sospecho que ser instructor de instrucción es, en cierto sentido, ser actor. Porque están diciendo las mismas cosas cada ocho semanas, a chicos nuevos, como si lo estuvieran diciendo por primera vez, y eso es actuar". [258]
En el set, Kubrick dedicaba sus descansos personales a largas discusiones con sus actores. Entre aquellos que valoraban su atención estaba Tony Curtis , estrella de Spartacus , quien dijo que Kubrick era su director favorito, y agregó: "su mayor efectividad era su relación uno a uno con los actores". [94] Añadió además: "Kubrick tenía su propio enfoque para hacer películas. Quería ver las caras de los actores. No quería cámaras siempre en un plano general a siete metros de distancia, quería primeros planos, quería mantener la cámara en movimiento. Ese era su estilo". [85] De manera similar, Malcolm McDowell recuerda las largas discusiones que tuvo con Kubrick para ayudarlo a desarrollar su personaje en La naranja mecánica , y señaló que en el set se sentía completamente desinhibido y libre, que es lo que hizo de Kubrick "un gran director". [250] Kubrick también permitió a los actores improvisar y "romper las reglas" en ocasiones, particularmente con Peter Sellers en Lolita , que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera, ya que le permitió trabajar creativamente durante el rodaje, en lugar de en la etapa de preproducción. [259] Durante una entrevista, Ryan O'Neal recordó el estilo de dirección de Kubrick: "Dios, te hace trabajar duro. Te mueve, te empuja, te ayuda, se enoja contigo, pero sobre todo te enseña el valor de un buen director. Stanley sacó a la luz aspectos de mi personalidad e instintos de actuación que habían estado latentes... Mi fuerte sospecha [era] que estaba involucrado en algo grandioso". [260] Añadió además que trabajar con Kubrick fue "una experiencia asombrosa" y que nunca se recuperó de trabajar con alguien de tanta magnificencia. [261]
Kubrick atribuyó la facilidad con la que filmaba escenas a sus primeros años como fotógrafo. [262] Rara vez añadía instrucciones de cámara en el guion, prefiriendo encargarse de eso después de crear una escena, ya que la parte visual de la realización cinematográfica le resultaba más fácil. [263] Incluso al decidir qué accesorios y escenarios se utilizarían, Kubrick prestaba una atención meticulosa a los detalles e intentaba recopilar la mayor cantidad de material de fondo posible, actividades que el director comparó con ser "un detective". [264] El director de fotografía John Alcott, que trabajó estrechamente con Kubrick en cuatro de sus películas y ganó un Óscar a la mejor fotografía por Barry Lyndon , comentó que Kubrick "cuestiona todo", [265] y que estaba involucrado en los aspectos técnicos de la realización cinematográfica, incluida la colocación de la cámara, la composición de la escena, la elección de la lente e incluso el manejo de la cámara, que normalmente se dejaría en manos del director de fotografía. Alcott consideraba a Kubrick "lo más cercano a un genio con el que he trabajado, con todos los problemas de un genio". [266]
Entre las innovaciones de Kubrick en la cinematografía se encuentran su uso de efectos especiales, como en 2001 , donde utilizó tanto la fotografía de rendija como la proyección en pantalla frontal , que le valió a Kubrick su único Oscar por efectos especiales. Algunos críticos han descrito e ilustrado con videoclips el uso de Kubrick de la " perspectiva de un punto ", que lleva la mirada del espectador hacia un punto de fuga central. La técnica se basa en la creación de una simetría visual compleja utilizando líneas paralelas en una escena que convergen en ese único punto, alejándose del espectador. Combinado con el movimiento de la cámara, podría producir un efecto que un escritor describe como "hipnótico y emocionante". [267] El resplandor fue una de las primeras media docena de largometrajes en utilizar la entonces revolucionaria Steadicam (después de las películas de 1976 Bound for Glory , Marathon Man y Rocky ). Kubrick lo utilizó en todo su potencial, lo que le dio al público un seguimiento de movimiento suave y estabilizado por parte de la cámara. Kubrick describió a Steadicam como una especie de "alfombra mágica" que permitía "movimientos de cámara rápidos y fluidos" en el laberinto de El resplandor , que de otra manera habrían sido imposibles. [268]
Kubrick fue uno de los primeros directores en utilizar la asistencia de vídeo durante el rodaje. Cuando empezó a utilizarla en 1966, se consideraba una tecnología de vanguardia, lo que le obligaba a construir su propio sistema. Al tenerla instalada durante el rodaje de 2001 , pudo ver un vídeo de una toma inmediatamente después de filmarla. [269] En algunas películas, como Barry Lyndon , utilizó lentes zoom hechas a medida, lo que le permitió comenzar una escena con un primer plano y alejarse lentamente para capturar el panorama completo del paisaje y filmar tomas largas en condiciones de iluminación exterior cambiantes haciendo ajustes de apertura mientras las cámaras rodaban. LoBrutto señala que el conocimiento técnico de Kubrick sobre las lentes "deslumbró a los ingenieros del fabricante, que lo consideraron sin precedentes entre los cineastas contemporáneos". [270] Para Barry Lyndon también utilizó una lente de cámara Zeiss de alta velocidad (f/0,7) especialmente adaptada, desarrollada originalmente para la NASA, para filmar numerosas escenas iluminadas solo con luz de velas. El actor Steven Berkoff recuerda que Kubrick quería que las escenas se filmaran utilizando "luz pura de velas", y al hacerlo Kubrick "hizo una contribución única al arte de hacer películas que se remonta a la pintura ... Casi posabas como para retratos". [271] LoBrutto señala que los directores de fotografía de todo el mundo querían saber sobre la "lente mágica" de Kubrick y que se convirtió en una "leyenda" entre los camarógrafos de todo el mundo. [272]
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Kubrick pasaba muchas horas editando, a menudo trabajando siete días a la semana, y más horas al día a medida que se acercaba la fecha de entrega. [273] Para Kubrick, el diálogo escrito era un elemento que había que equilibrar con la puesta en escena (arreglos de escenario), la música y, especialmente, el montaje. Inspirado por el tratado de Pudovkin sobre montaje cinematográfico, Kubrick se dio cuenta de que uno podía crear una actuación en la sala de montaje y, a menudo, "redirigir" una película, y comentó: "Me encanta el montaje. Creo que me gusta más que cualquier otra fase de la realización cinematográfica... El montaje es el único aspecto único de la realización cinematográfica que no se parece a ninguna otra forma de arte, un punto tan importante que no se puede enfatizar lo suficiente... Puede hacer o deshacer una película". [273] El biógrafo John Baxter afirmó que "en lugar de encontrar la columna vertebral intelectual de una película en el guion antes de empezar a trabajar, Kubrick fue tanteando el camino hacia la versión final de la película filmando cada escena desde muchos ángulos y exigiendo decenas de tomas de cada línea. Luego, a lo largo de meses... ordenó y reordenó las decenas de miles de fragmentos de película para que encajaran en una visión que realmente sólo empezó a surgir durante la edición". [274]
La atención de Kubrick a la música era un aspecto de lo que muchos llamaban su "perfeccionismo" y su extrema atención a los detalles minuciosos, que su esposa Christiane atribuía a una adicción a la música. En sus últimas seis películas, Kubrick solía elegir música de fuentes existentes, especialmente composiciones clásicas. Prefería seleccionar música grabada en lugar de encargarla para una película, creyendo que ningún compositor contratado podía hacerlo tan bien como los compositores clásicos del dominio público. También sentía que construir escenas a partir de gran música a menudo creaba las "escenas más memorables" en las mejores películas. [275] En un caso, para una escena de Barry Lyndon que estaba escrita en el guion simplemente como "Barry se bate a duelo con Lord Bullingdon", pasó cuarenta y dos días laborales en la fase de edición. Durante ese período, escuchó lo que LoBrutto describe como "todas las grabaciones disponibles de música de los siglos XVII y XVIII, adquiriendo miles de discos para encontrar la zarabanda de Handel utilizada para musicalizar la escena". [276] Nicholson también observó su atención a la música, afirmando que Kubrick "escuchaba música constantemente hasta que descubría algo que sentía que era correcto o que lo emocionaba". [240]
A Kubrick se le atribuye haber presentado al compositor húngaro György Ligeti a una amplia audiencia occidental al incluir su música en 2001 , El resplandor y Eyes Wide Shut . Según Baxter, la música en 2001 estaba "en la vanguardia de la mente de Kubrick" cuando concibió la película. [277] Durante la proyección anterior, tocó música de Mendelssohn [aa] y Vaughan Williams , y Kubrick y el escritor Clarke habían escuchado la transcripción de Carl Orff de Carmina Burana , que consiste en canciones sacras y seculares del siglo XIII. [277] La música de Ligeti empleó el nuevo estilo de micropolifonía , que usaba acordes disonantes sostenidos que cambiaban lentamente con el tiempo, un estilo que él originó. Su inclusión en la película se convirtió en una "bendición para el compositor relativamente desconocido" en parte porque fue presentada junto con el fondo de Johann Strauss y Richard Strauss . [279]
Además de Ligeti, Kubrick colaboró con la compositora Wendy Carlos , cuyo álbum de 1968 Switched-On Bach , que reinterpretaba la música barroca mediante el uso de un sintetizador Moog , llamó su atención. En 1971, Carlos compuso y grabó música para la banda sonora de La naranja mecánica . En 1972 se estrenó música adicional que no se utilizó en la película con el título Wendy Carlos's Clockwork Orange . Kubrick colaboró más tarde con Carlos en El resplandor (1980). La apertura de la película emplea la interpretación de Carlos de "Dies Irae" (El día de la ira) de la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz . [280]
Kubrick se casó con su novia de la secundaria Toba Metz, una caricaturista, el 29 de mayo de 1948, cuando tenía 19 años. [23] La pareja vivió junta en Greenwich Village y se divorció tres años después en 1951. Conoció a su segunda esposa, la bailarina y diseñadora teatral nacida en Austria Ruth Sobotka , en 1952. Vivieron juntos en el East Village de la ciudad de Nueva York a partir de 1952, se casaron en enero de 1955 y se mudaron a Hollywood en julio de 1955, donde ella interpretó un breve papel como bailarina de ballet en la película de Kubrick Killer's Kiss (1955). Al año siguiente, fue directora de arte de su película The Killing (1956). Se divorciaron en 1957. [281]
Durante la producción de Senderos de gloria en Múnich a principios de 1957, Kubrick conoció y tuvo un romance con la actriz alemana Christiane Harlan , que interpretó un papel pequeño pero memorable en la película. Kubrick se casó con Harlan en 1958 y la pareja permaneció junta durante 40 años, hasta su muerte en 1999. Además de su hijastra, tuvieron dos hijas juntos: Anya Renata (6 de abril de 1959 - 7 de julio de 2009) y Vivian Vanessa (nacida el 5 de agosto de 1960). [282] En 1959, se establecieron en una casa en 316 South Camden Drive en Beverly Hills con la hija de Harlan, Katherina, de seis años. [283] También vivieron en la ciudad de Nueva York, tiempo durante el cual Christiane estudió arte en la Art Students League de Nueva York , convirtiéndose más tarde en una artista independiente. [284] La pareja se mudó al Reino Unido en 1961 para hacer Lolita , y Kubrick contrató a Peter Sellers para protagonizar su siguiente película, Dr. Strangelove . Sellers no pudo abandonar el Reino Unido, por lo que Kubrick hizo de Gran Bretaña su hogar permanente a partir de entonces. La mudanza fue bastante conveniente para Kubrick, ya que rechazaba el sistema de Hollywood y su maquinaria publicitaria y él y Christiane se habían alarmado con el aumento de la violencia en la ciudad de Nueva York. [285]
En 1965, los Kubrick compraron Abbots Mead en Barnet Lane, justo al suroeste del complejo de estudios Elstree/Borehamwood en Inglaterra. Kubrick trabajó casi exclusivamente desde esta casa durante 14 años, donde investigó, inventó técnicas de efectos especiales, diseñó lentes de luz ultrabaja para cámaras especialmente modificadas, preprodujo, editó, posprodujo, publicitó, distribuyó y gestionó cuidadosamente todos los aspectos de cuatro de sus películas. En 1978, Kubrick se mudó a Childwickbury Manor en Hertfordshire, una mansión señorial del siglo XVIII que alguna vez fue propiedad de un rico propietario de caballos de carreras, a unos 50 km al norte de Londres y a 10 minutos en auto de su hogar anterior en Abbotts Mead. Su nuevo hogar se convirtió en un lugar de trabajo para Kubrick y su esposa, "una fábrica familiar perfecta", como la llamó Christiane, [286] y Kubrick convirtió los establos en salas de producción adicionales además de las que tenía dentro de la casa para edición y almacenamiento. [287]
Kubrick, un adicto al trabajo, rara vez se tomó vacaciones o salió de Inglaterra durante los cuarenta años anteriores a su muerte. [288] LoBrutto señala que el estilo de vida confinado de Kubrick y su deseo de privacidad han dado lugar a historias falsas sobre su reclusión, similares a las de Greta Garbo , Howard Hughes y JD Salinger . [289] Michael Herr, coguionista de Kubrick en Full Metal Jacket , que lo conocía bien, considera que su "reclusión" es un mito: "[Él] fue de hecho un completo fracaso como recluso, a menos que creas que un recluso es simplemente alguien que rara vez sale de su casa. Stanley vio a mucha gente... era uno de los hombres más sociables que he conocido y no cambió nada que la mayor parte de esta convivencia se desarrollara por teléfono". [290] LoBrutto afirma que una de las razones por las que adquirió reputación de recluso fue que insistía en permanecer cerca de su casa, pero la razón de esto era que para Kubrick solo había tres lugares en el planeta donde podía hacer películas de alta calidad con la experiencia técnica y el equipo necesarios: Los Ángeles, la ciudad de Nueva York o los alrededores de Londres. No le gustaba vivir en Los Ángeles y pensaba que Londres era un centro de producción cinematográfica superior a la ciudad de Nueva York. [291]
Como persona, Norman Lloyd describió a Kubrick como "un tipo muy oscuro, una especie de tipo ceñudo que era muy serio". [292] Marisa Berenson , que protagonizó Barry Lyndon , recordó con cariño: "Había una gran ternura en él y era un apasionado de su trabajo. Lo sorprendente era su enorme inteligencia, pero también tenía un gran sentido del humor. Era una persona muy tímida y autoprotectora, pero estaba lleno de algo que lo impulsaba las veinticuatro horas del día". [293] A Kubrick le gustaban especialmente las máquinas y el equipo técnico, hasta el punto de que su esposa Christiane afirmó una vez que "Stanley estaría feliz con ocho grabadoras y un par de pantalones". [294] Kubrick había obtenido una licencia de piloto en agosto de 1947 y algunos han afirmado que más tarde desarrolló un miedo a volar, derivado de un incidente a principios de la década de 1950 cuando un colega murió en un accidente aéreo. A Kubrick le habían enviado los restos carbonizados de su cámara y sus cuadernos, lo que, según Paul Duncan, lo traumatizó de por vida. [87] [ab] Kubrick también tenía una fuerte desconfianza hacia los médicos y la medicina. [296]
El 7 de marzo de 1999, seis días después de proyectar una versión final de Eyes Wide Shut para su familia y las estrellas de la película, Kubrick murió de un ataque cardíaco mientras dormía a la edad de 70 años. [297] Su funeral se celebró cinco días después en Childwickbury Manor, con solo amigos cercanos y familiares presentes, un total de unas 100 personas. Los medios de comunicación se mantuvieron a una milla de distancia fuera de la puerta de entrada. [298] Alexander Walker , que asistió al funeral, lo describió como una "despedida familiar, ... casi como un picnic inglés" con violonchelistas, clarinetistas y cantantes que ofrecieron música de muchas de las composiciones clásicas favoritas de Kubrick. Se recitó el Kaddish , la oración judía que suelen decir los dolientes y en otros contextos. Algunos de sus obituarios mencionaron su origen judío. [299] Entre los que dieron panegíricos se encontraban su cuñado Jan Harlan , Terry Semel , Steven Spielberg , Nicole Kidman y Tom Cruise . Fue enterrado junto a su árbol favorito de la finca. En el libro que le dedicó, su esposa Christiane incluyó una de sus citas favoritas de Oscar Wilde : "La tragedia de la vejez no es que uno sea viejo, sino que uno sea joven". [300]
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Las películas de Kubrick, que forman parte de la nueva ola cinematográfica de Hollywood, son consideradas por el historiador de cine Michel Ciment como "una de las contribuciones más importantes al cine mundial del siglo XX", [34] y se le cita con frecuencia como uno de los directores más grandes e influyentes de la historia del cine. [323] [324] Según el historiador de cine y estudioso de Kubrick Robert Kolker, [325] [326] [327] [328] las películas de Kubrick eran "intelectualmente más rigurosas que el trabajo de cualquier otro cineasta estadounidense". [325] Directores destacados, entre ellos Martin Scorsese , [329] [330] Steven Spielberg , [331] Wes Anderson , [332] George Lucas , [333] James Cameron , [334] Terry Gilliam , [335] los hermanos Coen , [336] Ridley Scott , [337] y George A. Romero , [338] han citado a Kubrick como fuente de inspiración, y adicionalmente en el caso de Spielberg y Scott, de colaboración. [331] [339] En el DVD de Eyes Wide Shut , Steven Spielberg comenta que la forma en que Kubrick "cuenta una historia es antitética a la forma en que estamos acostumbrados a recibir historias" y que "nadie podría rodar una película mejor en la historia". [340] Orson Welles, una de las mayores influencias personales de Kubrick y su director favorito, dijo que: "Entre aquellos a quienes yo llamaría 'generación más joven', Kubrick me parece un gigante". [341]
Kubrick sigue siendo citado como una gran influencia por muchos directores, entre ellos Christopher Nolan , [342] Todd Field , [343] David Fincher , Guillermo del Toro , David Lynch , [344] Lars von Trier , [345] Tim Burton , [346] Michael Mann , [347] y Gaspar Noé . [348] Muchos cineastas imitan el uso inventivo y único del movimiento de cámara y el encuadre de Kubrick, así como su uso de la música, incluido Frank Darabont . [349]
Artistas de otros campos además del cine también han expresado su admiración por Kubrick. El músico y poeta inglés PJ Harvey , en una entrevista sobre su álbum de 2011 Let England Shake , argumentó que "hay algo sobre [...] lo que no se dice en sus películas... hay tanto espacio, tantas cosas que están en silencio - y de alguna manera, en ese espacio y silencio todo se vuelve claro. Con cada película, parece capturar la esencia de la vida misma, particularmente en películas como Paths of Glory , 2001: A Space Odyssey , Barry Lyndon ... esas son algunas de mis favoritas". [350] El video musical de la canción de 2010 de Kanye West " Runaway " se inspiró en Eyes Wide Shut . [351] Los conciertos de la cantante pop Lady Gaga han incluido el uso de diálogos, vestuario y música de La naranja mecánica . [352]
En 2000, la BAFTA rebautizó su premio Britannia a la trayectoria como " Premio Stanley Kubrick Britannia ", [353] uniéndose a D.W. Griffith , Laurence Olivier , Cecil B. DeMille e Irving Thalberg , todos ellos con premios anuales que llevan su nombre. Kubrick ganó este premio en 1999, y entre los destinatarios posteriores se encuentran George Lucas , Warren Beatty , Tom Cruise, Robert De Niro , Clint Eastwood y Daniel Day-Lewis . Muchas de las personas que trabajaron con Kubrick en sus películas crearon el documental de 2001 Stanley Kubrick: A Life in Pictures , producido y dirigido por el cuñado de Kubrick, Jan Harlan, que había sido productor ejecutivo de las últimas cuatro películas de Kubrick. [354]
La primera exposición pública de material de los archivos personales de Kubrick fue presentada conjuntamente en 2004 por el Deutsches Filmmuseum y el Deutsches Architekturmuseum en Frankfurt, Alemania, en cooperación con Christiane Kubrick y Jan Harlan / The Stanley Kubrick Estate. [355] En 2009, se realizó una exposición de pinturas y fotografías inspiradas en las películas de Kubrick en Dublín , Irlanda, titulada "Stanley Kubrick: Taming Light". [356] El 30 de octubre de 2012, se inauguró una exposición dedicada a Kubrick en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) y concluyó en junio de 2013. Las exhibiciones incluyen una amplia colección de documentos, fotografías y material del set reunidos a partir de 800 cajas de archivos personales que se almacenaron en el lugar de trabajo en casa de Kubrick en el Reino Unido. [357] Muchas celebridades asistieron y hablaron en la gala previa a la inauguración del museo, incluidos Steven Spielberg, Tom Hanks y Jack Nicholson, [358] mientras que la viuda de Kubrick, Christiane, apareció en la revisión de prensa previa a la gala. [359] En octubre de 2013, el Festival Internacional de Cine de São Paulo, Brasil , rindió homenaje a Kubrick, organizando una exhibición de su trabajo y una retrospectiva de sus películas. La exhibición se inauguró en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) a fines de 2014 y finalizó en enero de 2015. [360]
Kubrick es ampliamente referenciado en la cultura popular; por ejemplo, se dice que la serie de televisión Los Simpsons contiene más referencias a las películas de Kubrick que cualquier otro fenómeno de la cultura pop. Cuando el Sindicato de Directores de Gran Bretaña le otorgó a Kubrick un premio a la trayectoria, incluyeron una secuencia cortada de todos los homenajes del programa. [361] [362] Se han creado varias obras relacionadas con la vida de Kubrick, incluido el falso documental hecho para televisión Dark Side of the Moon (2002), que es una parodia de la omnipresente teoría de la conspiración de que Kubrick había estado involucrado en las imágenes falsas de los alunizajes de la NASA durante el rodaje de 2001: A Space Odyssey . Colour Me Kubrick (2005) fue autorizada por la familia de Kubrick y protagonizada por John Malkovich como Alan Conway , un estafador que había asumido la identidad de Kubrick en la década de 1990. [363] En la película de 2004 La vida y muerte de Peter Sellers , Kubrick fue interpretado por Stanley Tucci ; la película documenta el rodaje de Dr. Strangelove . [364]
En abril de 2018, mes en el que se cumplió el 50.° aniversario de 2001: Una odisea del espacio , la Unión Astronómica Internacional nombró a la montaña más grande de la luna Caronte de Plutón en honor a Kubrick. [365] [366]
Desde octubre de 2019 hasta marzo de 2020, el Centro Cultural Skirball albergó una exposición llamada Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs , una muestra centrada en la carrera temprana de Kubrick. [367] [368] [369]
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