La animación es una técnica cinematográfica mediante la cual se manipulan imágenes fijas para crear imágenes en movimiento . En la animación tradicional , las imágenes se dibujan o pintan a mano sobre láminas de celuloide transparente ( cels ) para ser fotografiadas y exhibidas en película. La animación ha sido reconocida como un medio artístico, específicamente dentro de la industria del entretenimiento . Muchas animaciones son animaciones por computadora realizadas con imágenes generadas por computadora (CGI). La animación stop motion , en particular la animación con plastilina , ha seguido existiendo junto con estas otras formas.
La animación se contrasta con el cine de acción real , aunque las dos no existen de forma aislada. Muchos cineastas han producido películas que son un híbrido de ambas . A medida que CGI se aproxima cada vez más a las imágenes fotográficas , los cineastas pueden componer fácilmente animaciones 3D en sus películas en lugar de utilizar efectos prácticos para efectos visuales llamativos (VFX).
La animación por computadora puede ser una animación 3D muy detallada , mientras que la animación por computadora 2D (que puede tener el aspecto de una animación tradicional) se puede utilizar por razones estilísticas, bajo ancho de banda o representaciones más rápidas en tiempo real . Otros métodos de animación comunes aplican una técnica de stop motion a objetos bidimensionales y tridimensionales, como recortes de papel , títeres o figuras de arcilla .
Una caricatura es una película animada, generalmente un cortometraje , que presenta un estilo visual exagerado . El estilo se inspira en las historietas , que a menudo presentan animales antropomórficos , superhéroes o las aventuras de protagonistas humanos. Especialmente con animales que forman una relación natural depredador/presa (por ejemplo, gatos y ratones, coyotes y pájaros), la acción a menudo se centra en caídas violentas , como caídas, colisiones y explosiones que serían letales en la vida real.
La ilusión de la animación, como ocurre en las películas en general, se ha atribuido tradicionalmente a la persistencia de la visión y más tarde al fenómeno phi y al movimiento beta , pero las causas neurológicas exactas aún son inciertas. La ilusión de movimiento provocada por una rápida sucesión de imágenes que difieren mínimamente entre sí, con interrupciones imperceptibles, es un efecto estroboscópico . Mientras que los animadores tradicionalmente dibujaban cada parte de los movimientos y cambios de las figuras en celdas transparentes que podían moverse sobre un fondo separado, la animación por computadora generalmente se basa en la programación de rutas entre fotogramas clave para maniobrar figuras creadas digitalmente en un entorno creado digitalmente.
Los medios de animación mecánicos analógicos que se basan en la visualización rápida de imágenes secuenciales incluyen el fenaquisticope , el zoótropo , el libro animado , el praxinoscopio y la película. La televisión y el vídeo son medios de animación electrónicos populares que originalmente eran analógicos y ahora funcionan digitalmente . Para su visualización en computadoras, se desarrollaron tecnologías como el GIF animado y la animación Flash .
Además de los cortometrajes, largometrajes , series de televisión , GIF animados y otros medios dedicados a la visualización de imágenes en movimiento, la animación también prevalece en los videojuegos , los gráficos en movimiento , las interfaces de usuario y los efectos visuales . [1]
El movimiento físico de las partes de la imagen mediante mecanismos simples (por ejemplo, imágenes en movimiento en espectáculos de linterna mágica ) también puede considerarse animación. La manipulación mecánica de marionetas y objetos tridimensionales para emular a seres vivos tiene una muy larga historia en los autómatas . Los autómatas electrónicos fueron popularizados por Disney como animatronics .
La palabra "animación" proviene del latín "animātiōn", raíz de "animātiō", que significa "un otorgamiento de vida". [2] El significado anterior de la palabra inglesa es "vivacidad" y se ha utilizado durante mucho más tiempo que el significado de "medio de imagen en movimiento".
Mucho antes de que comenzara la animación moderna, el público de todo el mundo quedó cautivado por la magia de los personajes en movimiento. Durante siglos, maestros artistas y artesanos han dado vida a títeres, autómatas , títeres de sombras y linternas fantásticas , inspirando la imaginación a través de maravillas manipuladas físicamente. [3]
En 1833, el disco estroboscópico (más conocido como fenaquisticope ) introdujo el principio de la animación moderna, que también se aplicaría en el zoótropo (introducido en 1866), el libro animado (1868), el praxinoscopio (1877) y el cine .
Cuando la cinematografía finalmente se abrió paso en la década de 1890, la maravilla de los detalles realistas en el nuevo medio fue vista como su mayor logro. Pasaron años antes de que la animación llegara a los cines. El exitoso cortometraje The Haunted Hotel (1907) de J. Stuart Blackton popularizó el stop-motion y supuestamente inspiró a Émile Cohl a crear Fantasmagorie (1908), considerado como el ejemplo más antiguo conocido de una animación tradicional (dibujada a mano) completa en una película cinematográfica estándar. . Otros grandes cortometrajes artísticos y muy influyentes fueron creados por Ladislas Starevich con sus animaciones de títeres desde 1910 y por Winsor McCay con detalladas animaciones dibujadas a mano en películas como Little Nemo (1911) y Gertie the Dinosaur (1914). [4]
Durante la década de 1910, la producción de " caricaturas " animadas se convirtió en una industria en Estados Unidos. [5] El exitoso productor John Randolph Bray y el animador Earl Hurd , patentaron el proceso de animación cel que dominó la industria de la animación durante el resto del siglo. [6] [7] El gato Félix , que debutó en 1919, se convirtió en el primer personaje animal completamente realizado en la historia de la animación estadounidense. [8]
En 1928, Steamboat Willie , con Mickey Mouse y Minnie Mouse , popularizó el cine con sonido sincronizado y puso al estudio de Walt Disney a la vanguardia de la industria de la animación. Aunque la producción real de Disney Animation en relación con la producción total de animación global siempre ha sido muy pequeña, el estudio ha dominado abrumadoramente las "normas estéticas" de la animación desde entonces. [9]
El enorme éxito de Mickey Mouse se considera el inicio de la época dorada de la animación estadounidense que duraría hasta la década de 1960. Estados Unidos dominó el mercado mundial de la animación con una gran cantidad de cortos teatrales de animación celular. [10] Varios estudios presentarían personajes que se volverían muy populares y tendrían carreras duraderas, incluidos Walt Disney Productions ' Goofy (1932) y Donald Duck (1934), Fleischer Studios / Paramount Cartoon Studios ' Out of the Inkwell ' Koko . el Payaso (1918), Bimbo y Betty Boop (1930), Popeye (1933) y Casper (1945), Warner Bros. Cartoons ' Looney Tunes ' Porky Pig (1935), Pato Lucas (1937), Elmer Fudd (1937-1940) ), Bugs Bunny (1938-1940), Tweety (1942), Wile E. Coyote y Road Runner (1949), Tom y Jerry (1940) del estudio de dibujos animados MGM y Woody Woodpecker de Droopy , Walter Lantz Productions / Universal Studio Cartoons (1940), Terrytoons / Mighty Mouse de 20th Century Fox (1942) y Pink Panther de United Artists (1963).
En 1917, el director italo-argentino Quirino Cristiani realizó el primer largometraje El Apóstol (hoy perdido ), que se convirtió en un éxito comercial y de crítica. Le siguió Sin dejar rastros de Cristiani en 1918, pero un día después de su estreno, la película fue confiscada por el gobierno. [12]
Después de trabajar en él durante tres años, Lotte Reiniger estrenó en 1926 el largometraje alemán de animación de siluetas Die Abenteuer des Prinzen Achmed , el largometraje de animación más antiguo que se conserva. [ cita necesaria ] [13]
En 1937, Walt Disney Studios estrenó su primera película animada (utilizando la técnica del rotoscopio inventada por Max Fleischer en 1915), Blancanieves y los siete enanitos , que sigue siendo una de las películas de animación tradicional más taquilleras en mayo de 2020 [actualizar]. [14] [15] Los estudios Fleischer siguieron este ejemplo en 1939 con Los viajes de Gulliver con cierto éxito. En parte debido a que los mercados extranjeros quedaron aislados por la Segunda Guerra Mundial, las próximas películas de Disney, Pinocho , Fantasía (ambas de 1940), la segunda película animada de Fleischer Studios, Mr. Bug Goes to Town (1941-1942) y las películas de Disney, Cenicienta (1950). , Alicia en el país de las maravillas (1951) y La dama y el vagabundo (1955) fracasaron en taquilla. Durante décadas, Disney sería el único estudio estadounidense que producía regularmente películas animadas, hasta que Ralph Bakshi se convirtió en el primero en lanzar también más de un puñado de películas. Sullivan-Bluth Studios comenzó a producir regularmente películas animadas a partir de An American Tail en 1986. [ cita necesaria ]
Aunque relativamente pocos títulos tuvieron tanto éxito como las películas de Disney, otros países desarrollaron sus propias industrias de animación que produjeron animaciones teatrales cortas y de largometraje en una amplia variedad de estilos, incluyendo relativamente a menudo técnicas de animación stop motion y cutout . El estudio de animación ruso Soyuzmultfilm , fundado en 1936, produjo una media de 20 películas (cortometrajes incluidos) al año y alcanzó 1.582 títulos en 2018. China, Checoslovaquia/República Checa, Italia, Francia y Bélgica fueron otros países que estrenaron largometrajes más que ocasionalmente. , mientras que Japón se convirtió en una verdadera potencia de la producción de animación, con su propio estilo anime reconocible e influyente de animación limitada efectiva . [ cita necesaria ]
La animación se hizo muy popular en la televisión desde la década de 1950, cuando los televisores comenzaron a ser comunes en la mayoría de los países desarrollados. Los dibujos animados se programaban principalmente para niños, en horarios convenientes, y especialmente los jóvenes estadounidenses pasaban muchas horas viendo dibujos animados los sábados por la mañana . Muchos dibujos animados clásicos encontraron una nueva vida en la pantalla chica y, a finales de la década de 1950, la producción de nuevos dibujos animados comenzó a pasar de los estrenos teatrales a las series de televisión. Hanna-Barbera Productions fue especialmente prolífica y tuvo series de gran éxito, como Los Picapiedra (1960-1966) (la primera serie animada en horario de máxima audiencia ), Scooby-Doo (desde 1969) y la coproducción belga Los Pitufos (1981-1989). . Las limitaciones de la programación televisiva estadounidense y la demanda de una enorme cantidad dieron como resultado métodos de animación limitados más baratos y rápidos y guiones mucho más formulados. La calidad disminuyó hasta que a finales de los años 80 y principios de los 90 surgieron animaciones más atrevidas con series de éxito, la primera caricatura de Los Simpson (1987), series de televisión animadas como Los Simpson (desde 1989) y Bob Esponja (desde 1999) como parte de un "renacimiento" de la animación estadounidense. [ cita necesaria ]
Si bien las series animadas estadounidenses también generaron éxito a nivel internacional, muchos otros países produjeron su propia programación orientada a los niños, prefiriendo con relativa frecuencia el stop motion y los títeres a la animación celular. Las series de televisión de anime japonesas tuvieron mucho éxito a nivel internacional desde la década de 1960, y los productores europeos que buscaban animadores de cel a precios asequibles comenzaron con relativa frecuencia coproducciones con estudios japoneses, lo que dio como resultado series de éxito como Barbapapa (Países Bajos/Japón/Francia, 1973-1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky the Viking) (Austria/Alemania/Japón 1974), Maya the Bee (Japón/Alemania 1975) y El libro de la selva (Italia/Japón 1989). [ cita necesaria ]
La animación por ordenador se desarrolló gradualmente desde la década de 1940. La animación alámbrica 3D comenzó a aparecer en la corriente principal en la década de 1970, con una aparición temprana (corta) en el thriller de ciencia ficción Futureworld (1976). [dieciséis]
The Rescuers Down Under fue el primer largometraje creado completamente digitalmente sin cámara. [17] Fue producido utilizando el Sistema de Producción de Animación por Computadora (CAPS), desarrollado por Pixar en colaboración con The Walt Disney Company a fines de la década de 1980, en un estilo similar a la animación celular tradicional. [18] [19] [20]
El llamado estilo 3D, más a menudo asociado con la animación por computadora, se convirtió en la técnica dominante tras el éxito de Toy Story (1995) de Pixar, la primera película animada por computadora en este estilo. [21]
La mayoría de los estudios de animación celular pasaron a producir principalmente películas animadas por computadora alrededor de la década de 1990, ya que resultó más barato y rentable. No sólo el muy popular estilo de animación 3D se generó con computadoras, sino también la mayoría de las películas y series con una apariencia más tradicional hecha a mano, en las que las encantadoras características de la animación celular podían emularse con software, mientras que las nuevas herramientas digitales ayudaban a desarrollarse. Nuevos estilos y efectos. [22] [23] [24] [25] [26] [27]
En 2010, se estimó que el mercado de la animación valía alrededor de 80 mil millones de dólares. [28] Para 2020, el valor había aumentado a un estimado de 270 mil millones de dólares. [29] Los largometrajes de animación obtuvieron los márgenes brutos más altos (alrededor del 52%) de todos los géneros cinematográficos entre 2004 y 2013. [30] La animación como arte e industria continúa prosperando desde principios de la década de 2020. [31] [32] [33]
La claridad de la animación la convierte en una poderosa herramienta de instrucción, mientras que su total maleabilidad también permite la exageración que puede emplearse para transmitir emociones fuertes y frustrar la realidad. Por lo tanto, se ha utilizado ampliamente para otros fines además del mero entretenimiento. [ cita necesaria ]
Durante la Segunda Guerra Mundial, la animación fue ampliamente explotada con fines propagandísticos. Numerosos estudios americanos , incluidos Warner Bros. y Disney, prestaron su talento y sus personajes de dibujos animados para transmitir al público ciertos valores bélicos. Algunos países, incluidos China, Japón y el Reino Unido, produjeron su primer largometraje de animación para sus esfuerzos bélicos. [ cita necesaria ]
La animación ha sido muy popular en los comerciales de televisión, tanto por su atractivo gráfico como por el humor que puede aportar. Algunos personajes animados de los comerciales han sobrevivido durante décadas, como Snap, Crackle y Pop en los anuncios de cereales Kellogg's. [34] Tex Avery fue el productor de los primeros comerciales de Raid " Kills Bugs Dead " en 1966, que tuvieron mucho éxito para la empresa. [35]
Además de su éxito en cines y series de televisión, muchos personajes de dibujos animados también resultarían lucrativos si se les concediera licencia para todo tipo de mercancías y otros medios.
La animación ha estado tradicionalmente muy relacionada con el cómic . Si bien muchos personajes de cómics llegaron a la pantalla (lo que suele ser el caso en Japón, donde muchos manga se adaptan al anime ), los personajes animados originales también suelen aparecer en cómics y revistas. De manera algo similar, los personajes y las tramas de los videojuegos (una forma interactiva de animación que se convirtió en su propio medio) se han derivado de películas y viceversa. [36]
Parte del contenido original producido para la pantalla se puede utilizar y comercializar en otros medios. Las historias y las imágenes se pueden adaptar fácilmente a libros infantiles y otros medios impresos. Las canciones y la música han aparecido en discos y como medios de transmisión. [ cita necesaria ]
Si bien muchas empresas de animación explotan comercialmente sus creaciones fuera de los medios de imágenes en movimiento, The Walt Disney Company es el ejemplo más conocido y extremo. Desde que obtuvo la licencia para una tableta de escritura infantil en 1929, su mascota Mickey Mouse ha aparecido en una enorme cantidad de productos , al igual que muchos otros personajes de Disney. Esto puede haber influido en algún uso peyorativo del nombre de Mickey , pero los productos con licencia de Disney se venden bien, y la llamada Disneyana tiene muchos coleccionistas ávidos, e incluso un dedicado Club de Fans de Disneyana (desde 1984). [37]
Disneyland abrió sus puertas en 1955 y cuenta con muchas atracciones basadas en los personajes de dibujos animados de Disney. Su enorme éxito generó varios otros parques temáticos y complejos turísticos de Disney . Las ganancias de Disney de los parques temáticos han sido relativamente a menudo más altas que las de sus películas.
Como ocurre con cualquier otra forma de medio, la animación ha instituido premios a la excelencia en el campo. Muchos forman parte de programas de premios cinematográficos generales o regionales, como el Premio Gallo de Oro de China a la mejor animación (desde 1981). Los programas de premios dedicados a la animación, con numerosas categorías, incluyen los premios Annie de ASIFA-Hollywood , los premios Emile en Europa y los premios Anima Mundi en Brasil. [38] [39] [40]
Además de los Premios de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación (desde 1932) y a la Mejor Película de Animación (desde 2002), las películas animadas han sido nominadas y premiadas en otras categorías, con relativa frecuencia como Mejor Canción Original y Mejor Banda Sonora Original .
La Bella y la Bestia fue la primera película animada nominada a Mejor Película , en 1991. Up (2009) y Toy Story 3 (2010) también recibieron nominaciones a Mejor Película, después de que la academia ampliara el número de nominadas de cinco a diez. [41]
La creación de obras de animación no triviales (es decir, de más de unos pocos segundos) se ha desarrollado como una forma de realización cinematográfica , con ciertos aspectos únicos. [42] Los rasgos comunes tanto a los largometrajes animados como a los de acción real son la intensidad de la mano de obra y los altos costos de producción. [43]
La diferencia más importante es que una vez que una película está en la fase de producción, el costo marginal de una toma más es mayor para las películas animadas que para las películas de acción real. [44] Es relativamente fácil para un director pedir una toma más durante la fotografía principal de una película de acción real, pero cada toma de una película animada debe ser renderizada manualmente por los animadores (aunque la tarea de renderizar tomas ligeramente diferentes ha sido hecho menos tedioso por la animación por computadora moderna). [45] No tiene sentido que un estudio pague los salarios de docenas de animadores para que pasen semanas creando una escena visualmente deslumbrante de cinco minutos si esa escena no logra avanzar efectivamente la trama de la película. [46] Así, los estudios de animación, empezando por Disney, comenzaron en la década de 1930 la práctica de mantener departamentos de guiones donde los artistas de guiones gráficos desarrollaban cada escena a través de guiones gráficos , y luego entregaban la película a los animadores sólo después de que el equipo de producción estuviera satisfecho de que todas las escenas encajaban. sentido en su conjunto. [47] Si bien las películas de acción real ahora también cuentan con guiones gráficos, disfrutan de más libertad para apartarse de los guiones gráficos (es decir, improvisación en tiempo real). [ cita necesaria ] [48]
Otro problema exclusivo de la animación es el requisito de mantener la coherencia de una película de principio a fin, incluso cuando las películas se han hecho más largas y los equipos han aumentado. Los animadores, como todos los artistas, necesariamente tienen estilos individuales, pero deben subordinar su individualidad de manera consistente a cualquier estilo que se emplee en una película en particular. [49] Desde principios de la década de 1980, equipos de aproximadamente 500 a 600 personas, de las cuales 50 a 70 son animadores, normalmente han creado largometrajes animados. Es relativamente fácil para dos o tres artistas combinar sus estilos; sincronizar los de decenas de artistas es más difícil. [50]
Este problema generalmente se resuelve haciendo que un grupo separado de artistas de desarrollo visual desarrolle una apariencia y una paleta generales para cada película antes de que comience la animación. Los diseñadores de personajes del equipo de desarrollo visual dibujan hojas modelo para mostrar cómo debería verse cada personaje con diferentes expresiones faciales, posados en diferentes posiciones y vistos desde diferentes ángulos. [51] [52] En proyectos tradicionalmente animados, a menudo se esculpían maquetas para ayudar aún más a los animadores a ver cómo se verían los personajes desde diferentes ángulos. [53] [51]
A diferencia de las películas de acción real, las películas animadas se desarrollaban tradicionalmente más allá de la etapa de sinopsis a través del formato de guión gráfico; Los artistas del guión gráfico recibirían crédito por escribir la película. [54] A principios de la década de 1960, los estudios de animación comenzaron a contratar guionistas profesionales para escribir guiones (sin dejar de utilizar departamentos de historia) y los guiones se habían convertido en algo común para las películas animadas a finales de la década de 1980. [ cita necesaria ]
La animación tradicional (también llamada animación cel o animación dibujada a mano) fue el proceso utilizado para la mayoría de las películas animadas del siglo XX. [55] Los fotogramas individuales de una película de animación tradicional son fotografías de dibujos, primero dibujados en papel. [56] Para crear la ilusión de movimiento, cada dibujo difiere ligeramente del anterior. Los dibujos de los animadores se calcan o fotocopian en hojas de acetato transparente llamadas cels , [57] que se rellenan con pinturas en colores o tonos asignados en el lado opuesto a los dibujos lineales. [58] Los personajes completos son fotografiados uno por uno contra un fondo pintado por una cámara de tribuna en una película cinematográfica. [59]
El proceso tradicional de animación de células quedó obsoleto a principios del siglo XXI. Hoy en día, los dibujos y los fondos de los animadores se escanean o se dibujan directamente en un sistema informático. [1] [60] Se utilizan varios programas de software para colorear los dibujos y simular el movimiento y los efectos de la cámara. [61] La pieza animada final se envía a uno de varios medios de entrega, incluida la película tradicional de 35 mm y los medios más nuevos con video digital . [62] [1] El "aspecto" de la animación celular tradicional aún se conserva, y el trabajo de los animadores de personajes se ha mantenido esencialmente igual durante los últimos 90 años. [53] Algunos productores de animación han utilizado el término "tradigital" (un juego de palabras "tradicional" y "digital") para describir la animación celular que utiliza importante tecnología informática.
Ejemplos de largometrajes de animación tradicional incluyen Pinocho (Estados Unidos, 1940), [63] Animal Farm (Reino Unido, 1954), Lucky and Zorba (Italia, 1998) y The Illusionist (británico-francés, 2010). Las películas tradicionalmente animadas producidas con la ayuda de tecnología informática incluyen El Rey León (Estados Unidos, 1994), El Príncipe de Egipto (Estados Unidos, 1998), Akira (Japón, 1988), [64] El viaje de Chihiro (Japón, 2001), Las Trillizas. de Belleville (Francia, 2003), y El secreto de Kells (irlandés-franco-belga, 2009).
La animación completa es el proceso de producir películas tradicionalmente animadas de alta calidad que utilizan regularmente dibujos detallados y movimientos plausibles, [65] con una animación fluida. [66] Las películas completamente animadas se pueden hacer en una variedad de estilos, desde obras animadas más realistas como las producidas por el estudio Walt Disney ( La Sirenita , La Bella y la Bestia , Aladdin , El Rey León ) hasta las más 'caricaturas'. Estilos del estudio de animación Warner Bros. Muchas de las películas animadas de Disney son ejemplos de animación completa, al igual que obras que no son de Disney, The Secret of NIMH (EE.UU., 1982), The Iron Giant (EE.UU., 1999) y Nocturna (España, 2007). Las películas totalmente animadas suelen estar animadas en "dos", a veces en "unos", lo que significa que se necesitan de 12 a 24 dibujos para un solo segundo de película. [67]
La animación limitada implica el uso de dibujos y métodos de movimiento menos detallados o más estilizados, generalmente una animación de movimiento entrecortado o "salto". [68] La animación limitada utiliza menos dibujos por segundo, lo que limita la fluidez de la animación. Esta es una técnica más económica. Iniciada por los artistas del estudio estadounidense United Productions of America , [69] la animación limitada puede utilizarse como método de expresión artística estilizada, como en Gerald McBoing-Boing (Estados Unidos, 1951), Yellow Submarine (Reino Unido, 1968) y Cierto anime producido en Japón. [70] Sin embargo, su uso principal ha sido la producción de contenido animado rentable para medios de televisión (el trabajo de Hanna-Barbera, [71] Filmation , [72] y otros estudios de animación televisiva [73] ) y más tarde el Internet ( dibujos animados web ).
La rotoscopia es una técnica patentada por Max Fleischer en 1917 en la que los animadores trazan el movimiento de la acción en vivo, cuadro por cuadro. [74] La película original puede copiarse directamente de los contornos de los actores en dibujos animados, [75] como en El Señor de los Anillos (EE.UU., 1978), o usarse de manera estilizada y expresiva, como en Waking Life (EE.UU., 1978). 2001) y A Scanner Darkly (Estados Unidos, 2006). Algunos otros ejemplos son Fire and Ice (Estados Unidos, 1983), Heavy Metal (1981) y Aku no Hana (Japón, 2013). [ cita necesaria ]
La acción en vivo/animación es una técnica que combina personajes dibujados a mano en tomas de acción en vivo o actores de acción en vivo en tomas animadas. [76] Uno de los usos anteriores fue en Koko the Clown cuando Koko fue dibujado sobre imágenes de acción en vivo. [77] Walt Disney y Ub Iwerks crearon una serie de Alice Comedies (1923-1927), en la que una chica de acción real entra en un mundo animado. Otros ejemplos incluyen Allegro Non Troppo (Italia, 1976), ¿Quién engañó a Roger Rabbit (Estados Unidos, 1988), Volere volare (Italia 1991), Space Jam (Estados Unidos, 1996) y Osmosis Jones (Estados Unidos, 2001). [ cita necesaria ]
El stop motion se utiliza para describir la animación creada mediante la manipulación física de objetos del mundo real y fotografiarlos fotograma a fotograma de la película para crear la ilusión de movimiento. [78] Hay muchos tipos diferentes de animación stop-motion, generalmente con el nombre de los materiales utilizados para crear la animación. [79] Hay software informático ampliamente disponible para crear este tipo de animación; La animación stop-motion tradicional suele ser menos costosa pero su producción requiere más tiempo que la animación por computadora actual. [79]
La animación por computadora abarca una variedad de técnicas, siendo el factor unificador que la animación se crea digitalmente en una computadora. [61] [101] Las técnicas de animación 2D tienden a centrarse en la manipulación de imágenes, mientras que las técnicas 3D suelen construir mundos virtuales en los que personajes y objetos se mueven e interactúan. [102] La animación 3D puede crear imágenes que parecen reales para el espectador. [103]
Las figuras de animación 2D se crean o editan en la computadora utilizando gráficos de mapa de bits 2D y gráficos vectoriales 2D . [104] Esto incluye versiones computarizadas automatizadas de técnicas de animación tradicionales, morphing interpolado , [105] desollado de cebolla [106] y rotoscopia interpolada. La animación 2D tiene muchas aplicaciones, incluida la animación After Effects, la animación analógica por computadora , la animación Flash y la animación PowerPoint . Los cinemagraphs son fotografías fijas en forma de un archivo GIF animado del cual una parte está animada. [107]
La animación de advección de línea final es una técnica utilizada en la animación 2D, [108] para brindar a los artistas y animadores más influencia y control sobre el producto final, ya que todo se hace dentro del mismo departamento. [109] Hablando sobre el uso de este enfoque en Paperman , John Kahrs dijo que "Nuestros animadores pueden cambiar cosas, en realidad borrar la capa inferior CG si así lo desean, y cambiar el perfil del brazo". [110]
La animación 3D es modelada y manipulada digitalmente por un animador. El creador de modelos 3D generalmente comienza creando una malla poligonal 3D para que la manipule el animador. [111] Una malla normalmente incluye muchos vértices que están conectados por bordes y caras, que dan la apariencia visual de forma a un objeto 3D o un entorno 3D. [111] A veces, a la malla se le da una estructura esquelética digital interna llamada armadura que se puede usar para controlar la malla ponderando los vértices. [112] [113] Este proceso se llama rigging y se puede utilizar junto con fotogramas clave para crear movimiento. [114]
Se pueden aplicar otras técnicas, funciones matemáticas (por ejemplo, gravedad, simulaciones de partículas), pieles o cabellos simulados y efectos, simulaciones de fuego y agua . [115] Estas técnicas entran en la categoría de dinámica 3D. [116]
Hasta ahora, ha recaudado alrededor de 330 millones de dólares en todo el mundo, por lo que sigue siendo una de las películas más populares jamás realizadas.
Lanzamiento de 1987: 46.594.212 dólares;
Lanzamiento de 1993: 41.634.471 dólares
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