En Italia , la música ha sido tradicionalmente uno de los marcadores culturales de las culturas nacionales y la identidad étnica italiana y ocupa una posición importante en la sociedad y en la política . La innovación musical italiana (en escala musical , armonía , notación y teatro ) permitió el desarrollo de la ópera y gran parte de la música clásica europea moderna (como la sinfonía y el concierto) abarca un amplio espectro de ópera y música clásica instrumental y música popular extraída tanto de fuentes nativas como importadas. Los instrumentos asociados con la música clásica, incluido el piano y el violín, se inventaron en Italia. [1]
Entre los compositores italianos más famosos se encuentran los renacentistas Palestrina , Monteverdi y Gesualdo ; los barrocos Scarlatti y Vivaldi ; los clásicos Paganini y Rossini ; y los románticos Verdi y Puccini . La música clásica tiene una fuerte presencia en Italia, como lo demuestra la fama de sus teatros de ópera como La Scala, y de intérpretes como el pianista Maurizio Pollini y el tenor Luciano Pavarotti . Italia es conocida como la cuna de la ópera. [2] Se cree que la ópera italiana se fundó en el siglo XVII. [2]
La música folclórica italiana es una parte importante del patrimonio musical del país y abarca una amplia variedad de estilos regionales, instrumentos y bailes. La música clásica instrumental y vocal es una parte emblemática de la identidad italiana , que abarca la música experimental y las fusiones internacionales hasta la música sinfónica y la ópera. La ópera es parte integral de la cultura musical italiana y se ha convertido en un segmento importante de la música popular . La Canzone Napoletana (la canción napolitana) y las tradiciones de los cantautores también son estilos nacionales populares que forman una parte importante de la industria musical italiana.
Introducido a principios de la década de 1920, el jazz ganó una fuerte presencia en Italia y siguió siendo popular a pesar de las políticas xenófobas de los fascistas. Italia estuvo representada en los movimientos de rock progresivo y pop de la década de 1970, con bandas como PFM , Banco del Mutuo Soccorso , Le Orme , Goblin y Pooh . [3] El mismo período vio la diversificación en el cine de Italia , y las películas de Cinecittà incluyeron partituras complejas de compositores como Ennio Morricone . En la década de 1980, la primera estrella que surgió del hip hop italiano fue el cantante Jovanotti . [4] Las bandas de metal italianas incluyen Rhapsody of Fire , Lacuna Coil , Elvenking , Forgotten Tomb y Fleshgod Apocalypse . [5]
Italia contribuyó al desarrollo de la música disco y electrónica , con el italo disco, conocido por su sonido futurista y el uso destacado de sintetizadores y cajas de ritmos, uno de los primeros géneros de música electrónica de baile. [6] Productores como Giorgio Moroder , que ganó tres premios Óscar y cuatro Globos de Oro, fueron influyentes en el desarrollo de la música electrónica de baile. [7] El pop italiano está representado anualmente con el Festival de Música de San Remo , que sirvió de inspiración para el Festival de la Canción de Eurovisión . [8] Gigliola Cinquetti , Toto Cutugno y Måneskin ganaron Eurovisión, en 1964 , 1990 y 2021 respectivamente. Cantantes como Domenico Modugno , Mina , Andrea Bocelli , Raffaella Carrà , Il Volo , Al Bano , Toto Cutugno , Nek , Umberto Tozzi , Giorgia , la ganadora del Grammy Laura Pausini , Eros Ramazzotti , Tiziano Ferro , Måneskin, Mahmood , Ghali han recibido elogios internacionales. [9]
La música italiana ha sido muy apreciada a lo largo de la historia y muchas de sus piezas se consideran arte. Más que otros elementos de la cultura italiana , la música es generalmente ecléctica, pero única en comparación con la música de otras naciones. Las contribuciones históricas del país a la música también son una parte importante del orgullo nacional. La historia relativamente reciente de Italia incluye el desarrollo de una tradición operística que se ha extendido por todo el mundo; antes del desarrollo de la identidad italiana o de un estado italiano unificado, la península italiana contribuyó a importantes innovaciones en la música, incluido el desarrollo de la notación musical y el canto gregoriano .
Italia tiene un fuerte sentido de identidad nacional a través de una cultura distintiva, un sentido de apreciación de la belleza y la emotividad, que se evidencia fuertemente en la música. Las cuestiones culturales, políticas y sociales también se expresan a menudo a través de la música en Italia. La lealtad a la música está entretejida integralmente en la identidad social de los italianos, pero ningún estilo en particular ha sido considerado un "estilo nacional" característico. La mayor parte de la música folclórica es local y exclusiva de una pequeña región o ciudad. [10] [11] Sin embargo, el legado clásico de Italia es un punto importante de la identidad del país, en particular la ópera; las piezas operísticas tradicionales siguen siendo una parte popular de la música y un componente integral de la identidad nacional. La producción musical de Italia sigue caracterizándose por "una gran diversidad e independencia creativa (con) una rica variedad de tipos de expresión". [11]
Con la creciente industrialización que se aceleró durante los siglos XX y XXI, la sociedad italiana pasó gradualmente de una base agrícola a un centro urbano e industrial. Este cambio debilitó la cultura tradicional en muchos sectores de la sociedad; un proceso similar ocurrió en otros países europeos, pero a diferencia de ellos, Italia no tuvo ninguna iniciativa importante para preservar las músicas tradicionales. La inmigración procedente del norte de África, Asia y otros países europeos condujo a una mayor diversificación de la música italiana. La música tradicional llegó a existir solo en pequeños grupos, especialmente como parte de campañas dedicadas a conservar las identidades musicales locales. [12]
La música y la política han estado entrelazadas durante siglos en Italia. Así como muchas obras de arte en el Renacimiento italiano fueron encargadas por la realeza y la Iglesia Católica , mucha música también se compuso sobre la base de tales encargos: música incidental de la corte, música para coronaciones, para el nacimiento de un heredero real, marchas reales y otras ocasiones. Los compositores que se desviaron corrían ciertos riesgos. Uno de los casos más conocidos de este tipo fue el del compositor napolitano Domenico Cimarosa , que compuso el himno republicano para la efímera República napolitana de 1799. Cuando cayó la república, fue juzgado por traición junto con otros revolucionarios. Cimarosa no fue ejecutado por la monarquía restaurada, pero fue exiliado. [15]
La música también jugó un papel en la unificación de la península. Durante este período, algunos líderes intentaron usar la música para forjar una identidad cultural unificadora. Un ejemplo es el coro " Va, pensiero " de la ópera Nabucco de Giuseppe Verdi . La ópera trata sobre el antiguo reino de Babilonia , pero el coro contiene la frase " O mia Patria ", aparentemente sobre la lucha de la confederación de los israelitas , pero también una referencia apenas velada al destino de una Italia aún no unificada; todo el coro se convirtió en el himno no oficial del Risorgimento , el impulso para unificar Italia en el siglo XIX. Incluso el nombre de Verdi era sinónimo de unidad italiana porque " Verdi " podía leerse como un acrónimo de Vittorio Emanuele Re d'Italia , Victor Emanuele Rey de Italia , el monarca de Saboya que eventualmente se convirtió en Victor Emanuel II , el primer rey de la Italia unificada. Así, " Viva Verdi " era un grito de guerra para los patriotas y a menudo aparecía en grafitis en Milán y otras ciudades de lo que entonces era parte del territorio austrohúngaro . Verdi tuvo problemas con la censura antes de la unificación de Italia. Su ópera Un ballo in maschera se tituló originalmente Gustavo III y se presentó en la ópera San Carlo de Nápoles , la capital del Reino de las Dos Sicilias , a finales de la década de 1850. Los censores napolitanos objetaron la trama realista sobre el asesinato de Gustavo III , rey de Suecia , en la década de 1790. Incluso después de que se cambiara la trama, los censores napolitanos todavía la rechazaron. [16]
Más tarde, en la era fascista de los años 1920 y 1930, se produjo la censura y la interferencia del gobierno en la música, aunque no de forma sistemática. Ejemplos destacados incluyen el notorio manifiesto antimodernista de 1932 [17] y la prohibición por parte de Mussolini de la ópera de GF Malipiero La favola del figlio cambiato después de una actuación en 1934. [18] Los medios musicales a menudo criticaban la música que se percibía como políticamente radical o insuficientemente italiana. [11] Los medios impresos generales, como la Enciclopedia Moderna Italiana , tendían a tratar a los compositores tradicionalmente favorecidos, como Giacomo Puccini y Pietro Mascagni, con la misma brevedad que a los compositores y músicos que no eran tan favorecidos (modernistas como Alfredo Casella y Ferruccio Busoni) ; es decir, las entradas de la enciclopedia de la época eran meras listas de hitos profesionales, como composiciones y puestos docentes ocupados. Incluso el director Arturo Toscanini , un opositor declarado del fascismo, [19] recibe el mismo tratamiento neutral y distante sin mencionar en absoluto su postura "anti-régimen". [20] Tal vez el episodio más conocido de la música que choca con la política involucra a Toscanini. Había sido obligado a dejar la dirección musical de La Scala de Milán en 1929 porque se negó a comenzar cada actuación con la canción fascista, " Giovinezza ". Por este insulto al régimen, fue atacado y golpeado en la calle fuera de la ópera de Bolonia después de una actuación en 1931. [21] Durante la era fascista, la presión política bloqueó el desarrollo de la música clásica, aunque la censura no fue tan sistemática como en la Alemania nazi. Una serie de "leyes raciales" se aprobaron en 1938, negando así a los compositores y músicos judíos la membresía en asociaciones profesionales y artísticas. [a] Aunque no hubo una huida masiva de judíos italianos de Italia durante este período (en comparación con la situación en Alemania), [b] el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco , un judío italiano, fue uno de los que emigraron. Algunos enemigos no judíos del régimen también emigraron, como Toscanini. [22] [23]
Más recientemente, en la última parte del siglo XX, especialmente en la década de 1970 y más allá, la música se enredó aún más en la política italiana. [23] Un resurgimiento de las raíces estimuló el interés en las tradiciones populares, liderado por escritores, coleccionistas e intérpretes tradicionales. [11] La derecha política en Italia vio este resurgimiento de las raíces con desdén, como un producto de las "clases no privilegiadas". [24] La escena revivalista, por lo tanto, se asoció con la oposición y se convirtió en un vehículo para la "protesta contra el capitalismo de libre mercado". [11] De manera similar, la escena de música clásica de vanguardia, desde la década de 1970, ha estado asociada y promovida por el Partido Comunista Italiano , un cambio que se remonta a las revueltas y protestas estudiantiles de 1968. [12]
Italia ha sido durante mucho tiempo un centro de música clásica europea y, a principios del siglo XX, la música clásica italiana había forjado un sonido nacional distintivo que era decididamente romántico y melódico. Como lo ejemplifican las óperas de Verdi, era una música en la que "... Las líneas vocales siempre dominan el complejo tonal y nunca se ven eclipsadas por los acompañamientos instrumentales..." [25] La música clásica italiana había resistido al "gigante armónico alemán" [26] , es decir, las densas armonías de Richard Wagner , Gustav Mahler y Richard Strauss . La música italiana también tenía poco en común con la reacción francesa a esa música alemana: el impresionismo de Claude Debussy , por ejemplo, en el que el desarrollo melódico se abandona en gran medida para la creación de estados de ánimo y atmósfera a través de los sonidos de acordes individuales. [27]
La música clásica europea cambió mucho en el siglo XX. La nueva música abandonó gran parte de las escuelas históricas de armonía y melodía desarrolladas a nivel nacional en favor de la música experimental , la atonalidad , el minimalismo y la música electrónica , todas las cuales emplean características que se han vuelto comunes a la música europea en general y no a Italia específicamente. [28] Estos cambios también han hecho que la música clásica sea menos accesible para muchas personas. Entre los compositores importantes del período se incluyen Ottorino Respighi , Ferruccio Busoni , Alfredo Casella , Gian Francesco Malipiero , Franco Alfano , Bruno Maderna , Luciano Berio , Luigi Nono , Sylvano Bussotti , Salvatore Sciarrino , Luigi Dallapiccola , Carlo Jachino , Gian Carlo Menotti , Jacopo Napoli y Goffredo Petrassi .
La ópera se originó en Italia a finales del siglo XVI durante la época de la Camerata florentina . A lo largo de los siglos siguientes, las tradiciones operísticas se desarrollaron en Nápoles y Venecia; florecieron las óperas de Claudio Monteverdi , Alessandro Scarlatti , Giambattista Pergolesi y, más tarde, de Gioacchino Rossini , Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti . La ópera ha seguido siendo la forma musical más estrechamente vinculada con la música italiana y la identidad italiana. Esto fue más evidente en el siglo XIX a través de las obras de Giuseppe Verdi , un ícono de la cultura italiana y la unidad panitaliana. Italia conservó una tradición musical operística romántica a principios del siglo XX, ejemplificada por los compositores de la llamada Giovane Scuola , cuya música estaba anclada en el siglo anterior, incluidos Arrigo Boito , Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni y Francesco Cilea . Giacomo Puccini , un compositor realista , ha sido descrito por la Encyclopædia Britannica Online como el hombre que "prácticamente puso fin a la historia de la ópera italiana". [29]
Sin embargo, después de la Primera Guerra Mundial, la ópera decayó en comparación con el auge popular de los siglos XIX y principios del XX. Las causas incluyeron el cambio cultural general que se alejaba del Romanticismo y el auge del cine, que se convirtió en una importante fuente de entretenimiento. Una tercera causa es el hecho de que el "internacionalismo" había llevado a la ópera italiana contemporánea a un estado en el que ya no era "italiana". [12] Esta fue la opinión de al menos un destacado musicólogo y crítico italiano, Fausto Terrefranca , quien, en un panfleto de 1912 titulado Giaccomo Puccini y la ópera internacional , acusó a Puccini de "comercialismo" y de haber abandonado las tradiciones italianas. La ópera romántica tradicional siguió siendo popular; de hecho, la editorial de ópera dominante a principios del siglo XX fue Casa Ricordi , que se centró casi exclusivamente en óperas populares hasta la década de 1930, cuando la compañía permitió compositores más inusuales con un atractivo menos general. El surgimiento de editoriales relativamente nuevas como Carisch y Suvini Zerboni también ayudó a impulsar la diversificación de la ópera italiana. [12] La ópera sigue siendo una parte importante de la cultura italiana; el renovado interés por la ópera en todos los sectores de la sociedad italiana comenzó en la década de 1980. Entre los compositores respetados de esta época se incluyen el conocido Aldo Clementi y colegas más jóvenes como Marco Tutino y Lorenzo Ferrero . [12]
Italia, siendo una de las naciones seminales del catolicismo, tiene una larga historia de música para la Iglesia Católica . Hasta aproximadamente 1800, era posible escuchar el canto gregoriano y la polifonía renacentista , como la música de Palestrina , Lassus , Anerio y otros. Aproximadamente de 1800 a aproximadamente 1900 fue un siglo durante el cual se escuchó un tipo de música de iglesia más popular, operística y entretenida, con exclusión del canto y la polifonía antes mencionados. A fines del siglo XIX, el Movimiento Ceciliano fue iniciado por músicos que lucharon por restaurar esta música. Este movimiento ganó impulso no en Italia sino en Alemania, particularmente en Ratisbona . El movimiento alcanzó su apogeo alrededor de 1900 con el ascenso de Don Lorenzo Perosi y su partidario (y futuro santo), el Papa Pío X. [30] Sin embargo, la llegada del Vaticano II prácticamente eliminó toda la música en lengua latina de la Iglesia, sustituyéndola una vez más por un estilo más popular. [31]
El predominio de la ópera en la música italiana tiende a eclipsar la importante área de la música instrumental. [32] Históricamente, dicha música incluye la amplia gama de música instrumental sacra, conciertos instrumentales y música orquestal en las obras de Andrea Gabrieli , Giovanni Gabrieli , Girolamo Frescobaldi , Giuseppe Garibaldi , Tomaso Albinoni , Arcangelo Corelli , Antonio Vivaldi , Domenico Scarlatti , Luigi Boccherini , Muzio Clementi , Giuseppe Gariboldi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti y Niccolò Paganini . (Incluso los compositores de ópera trabajaron ocasionalmente en otras formas: el Cuarteto de cuerdas en mi menor de Giuseppe Verdi , por ejemplo. Incluso Donizetti , cuyo nombre se identifica con los inicios de la ópera lírica italiana, escribió 18 cuartetos de cuerda ). A principios del siglo XX, La música instrumental comenzó a adquirir importancia, un proceso que comenzó alrededor de 1904 con la Segunda Sinfonía de Giuseppe Martucci , una obra que Gian Francesco Malipiero llamó "el punto de partida del renacimiento de la música italiana no operística". [33] Varios compositores tempranos de Esta época, como Leone Sinigaglia , utilizó las tradiciones populares nativas.
El comienzo del siglo XX también está marcado por la presencia de un grupo de compositores llamado la generazione dell'ottanta (generación de 1880), que incluía a Franco Alfano , Alfredo Casella , Gian Francesco Malipiero , Ildebrando Pizzetti y Ottorino Respighi . Estos compositores generalmente se concentraron en escribir obras instrumentales, en lugar de ópera. Los miembros de esta generación fueron las figuras dominantes en la música italiana después de la muerte de Puccini en 1924. [12] Surgieron nuevas organizaciones para promover la música italiana, como el Festival de Música Contemporánea de Venecia y el Maggio Musicale Fiorentino . La fundación por Guido M. Gatti del periódico Il Pianoforte y luego La rassegna musicale también ayudó a promover una visión más amplia de la música de la que permitía el clima político y social. Sin embargo, la mayoría de los italianos preferían piezas más tradicionales y estándares establecidos, y solo una pequeña audiencia buscaba nuevos estilos de música clásica experimental. [12]
Italia es también la patria de importantes intérpretes, como Arturo Benedetti Michelangeli , Quartetto Italiano , I Musici , Salvatore Accardo , Maurizio Pollini , Uto Ughi , Aldo Ciccolini , Severino Gazzelloni , Arturo Toscanini , Mario Brunello , Ferruccio Busoni , Claudio Abbado , Ruggero Chiesa. , Bruno Canino , Carlo María Giulini , Oscar Ghiglia y Riccardo Muti .
Las contribuciones italianas al ballet son menos conocidas y apreciadas que en otras áreas de la música clásica. Italia, particularmente Milán , fue un centro de ballet de la corte ya en el siglo XV, que fue influenciado por los entretenimientos comunes en las celebraciones reales y las bodas aristocráticas. Los primeros coreógrafos y compositores de ballet incluyen a Fabritio Caroso y Cesare Negri . El estilo de ballet conocido como los "espectáculos all'italiana " importado a Francia desde Italia se popularizó, y el primer ballet representado en Francia (1581), Ballet Comique de la Reine , fue coreografiado por un italiano, Baltazarini di Belgioioso, [34] más conocido por la versión francesa de su nombre, Balthasar de Beaujoyeulx . El ballet temprano fue acompañado por una instrumentación considerable, con la ejecución de trompas, trombones, timbales, dulcémeles, gaitas, etc. Aunque la música no ha sobrevivido, se especula que los propios bailarines pueden haber tocado instrumentos en el escenario. [35] Luego, a raíz de la Revolución Francesa , Italia volvió a convertirse en un centro de ballet, en gran parte gracias a los esfuerzos de Salvatore Viganò , un coreógrafo que trabajó con algunos de los compositores más destacados de la época. Se convirtió en maestro de ballet en La Scala en 1812. [34] El ejemplo más conocido del ballet italiano del siglo XIX es probablemente Excelsior , con música de Romualdo Marenco y coreografía de Luigi Manzotti . Fue compuesto en 1881 y es un generoso homenaje al progreso científico e industrial del siglo XIX. Todavía se representa y se representó tan recientemente como en 2002.
En la actualidad, los principales teatros de ópera italianos mantienen compañías de ballet. Su función es ofrecer danzas incidentales y ceremoniales en muchas óperas, como Aida o La Traviata . Estas compañías de danza suelen mantener una temporada de ballet independiente e interpretan el repertorio estándar del ballet clásico, del cual poco es italiano. El equivalente italiano del Ballet Bolshoi ruso y compañías similares que existen solo para interpretar ballet, independientemente de un teatro de ópera matriz, es el Ballet del Teatro La Scala . En 1979, Vittorio Biagi fundó una compañía de danza moderna, Aterballetto , en Reggio Emilia.
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La música experimental es un campo amplio y poco definido que abarca las músicas creadas abandonando los conceptos clásicos tradicionales de melodía y armonía y utilizando la nueva tecnología de la electrónica para crear sonidos hasta entonces imposibles. En Italia, uno de los primeros en dedicar su atención a la música experimental fue Ferruccio Busoni , cuya publicación de 1907, Sketch for a New Aesthetic of Music , analizaba el uso de sonidos eléctricos y otros nuevos en la música del futuro. Habló de su insatisfacción con las limitaciones de la música tradicional:
De manera similar, Luigi Russolo , el pintor y compositor futurista italiano , escribió sobre las posibilidades de la nueva música en sus manifiestos de 1913 El arte de los ruidos y Musica Futurista . También inventó y construyó instrumentos como los intonarumori , en su mayoría de percusión, que se utilizaron en un precursor del estilo conocido como música concreta . Uno de los eventos más influyentes en la música de principios del siglo XX fue el regreso de Alfredo Casella de Francia en 1915; Casella fundó la Società Italiana di Musica Moderna , que promovió a varios compositores en estilos dispares, que iban desde lo experimental hasta lo tradicional. Después de una disputa sobre el valor de la música experimental en 1923, Casella formó la Corporazione delle Nuove Musiche para promover la música experimental moderna. [12]
En los años 50, Luciano Berio experimentó con instrumentos acompañados de sonidos electrónicos en cinta. En la Italia moderna, una organización importante que fomenta la investigación en la música de vanguardia y electrónica es la CEMAT , la Federación de Centros Italianos de Música Electroacústica. Fue fundada en 1996 en Roma y es miembro de la CIME, la Confédération Internationale de Musique Electroacoustique . La CEMAT promueve las actividades del proyecto "Sonora", lanzado conjuntamente por el Departamento de Artes Escénicas del Ministerio de Asuntos Culturales y la Dirección de Relaciones Culturales del Ministerio de Asuntos Exteriores con el objetivo de promover y difundir la música contemporánea italiana en el extranjero.
La música clásica italiana se volvió gradualmente más experimental y progresista hasta mediados del siglo XX, mientras que los gustos populares han tendido a quedarse con compositores y composiciones bien establecidos del pasado. [12] El programa 2004-2005 en el Teatro San Carlo de Nápoles es típico de la Italia moderna: de las ocho óperas representadas, la más reciente fue Puccini. En música sinfónica, de los 26 compositores cuya música se interpretó, 21 de ellos eran del siglo XIX o antes, compositores que usan las melodías y armonías típicas de la era romántica. Este enfoque es común a otras tradiciones europeas, y se conoce como posmodernismo , una escuela de pensamiento que se basa en conceptos armónicos y melódicos anteriores que anteceden a las concepciones de atonalidad y disonancia . [37] Este enfoque en compositores históricos populares ha ayudado a mantener una presencia continua de la música clásica en un amplio espectro de la sociedad italiana. Cuando la música forma parte de una exhibición o reunión pública, a menudo se elige de un repertorio muy ecléctico que probablemente incluya tanto música clásica conocida como música popular.
Algunas obras recientes han pasado a formar parte del repertorio moderno, incluidas partituras y obras teatrales de compositores como Luciano Berio , Luigi Nono , Franco Donatoni y Sylvano Bussotti . Estos compositores no forman parte de una escuela o tradición diferenciada, aunque sí comparten ciertas técnicas e influencias. En la década de 1970, la música clásica de vanguardia se había vinculado al Partido Comunista Italiano , mientras que un resurgimiento del interés popular continuó en la década siguiente, con fundaciones, festivales y organizaciones creadas para promover la música moderna. Cerca del final del siglo XX, el patrocinio gubernamental de las instituciones musicales comenzó a declinar y se cerraron varios coros de la RAI y orquestas de la ciudad. A pesar de esto, varios compositores ganaron reputación internacional a principios del siglo XXI. [12]
La música folclórica italiana tiene una historia profunda y compleja. [38] Debido a que la unificación nacional llegó tarde a la península italiana , la música tradicional de sus cientos de culturas no exhibe un carácter nacional homogéneo. Más bien, cada región y comunidad posee una tradición musical única que refleja la historia, el idioma y la composición étnica de ese lugar en particular. [39] Estas tradiciones reflejan la posición geográfica de Italia en el sur de Europa y en el centro del Mediterráneo; las influencias celtas , eslavas , griegas y bizantinas , así como la geografía accidentada y el dominio histórico de las pequeñas ciudades-estado , se han combinado para permitir que diversos estilos musicales coexistan en estrecha proximidad.
Los estilos folclóricos italianos son muy diversos e incluyen canciones monofónicas , polifónicas y responsoriales , música coral, instrumental y vocal, y otros estilos. El canto coral y las formas de canciones polifónicas se encuentran principalmente en el norte de Italia, mientras que al sur de Nápoles, el canto en solitario es más común y los grupos suelen utilizar el canto al unísono en dos o tres partes llevado a cabo por un solo intérprete. El canto de baladas del norte es silábico, con un tempo estricto y letras inteligibles, mientras que los estilos del sur utilizan un tempo rubato y un estilo vocal tenso y forzado. [40] Los músicos folclóricos utilizan el dialecto de su propia tradición regional; este rechazo del idioma italiano estándar en las canciones folclóricas es casi universal. Hay poca percepción de una tradición folclórica italiana común, y la música folclórica del país nunca se convirtió en un símbolo nacional. [41]
La música folclórica se divide a veces en varias esferas de influencia geográfica, un sistema de clasificación de tres regiones, sur, centro y norte, propuesto por Alan Lomax en 1956 [42] y repetido a menudo. Además, Curt Sachs propuso la existencia de dos tipos bastante distintos de música folclórica en Europa: continental y mediterránea. [43] Otros han situado la zona de transición de la primera a la segunda aproximadamente en el centro-norte de Italia, aproximadamente entre Pesaro y La Spezia . [44] Las partes central, norte y sur de la península comparten ciertas características musicales, y cada una es distinta de la música de Cerdeña . [40]
En los valles piamonteses y algunas comunidades ligures del noroeste de Italia, la música conserva la fuerte influencia de la antigua Occitania . Las letras de los trovadores occitanos son algunas de las muestras más antiguas conservadas de canción vernácula, y bandas modernas como Gai Saber y Lou Dalfin preservan y contemporizan la música occitana. La cultura occitana conserva características de la antigua influencia celta, a través del uso de flautas de seis o siete agujeros ( fifre ) o las gaitas ( piva ). Gran parte del norte de Italia comparte con áreas de Europa más al norte un interés en el canto de baladas (llamado canto epico lirico en italiano) y el canto coral. Incluso las baladas, generalmente consideradas como un vehículo para una voz solista, pueden cantarse en coros. En la provincia de Trento, los "coros folclóricos" son la forma más común de hacer música. [45]
Las diferencias musicales notables en el tipo sureño incluyen un mayor uso del canto con intervalos y una mayor variedad de instrumentos folclóricos. Las influencias celtas y eslavas en las obras corales de grupo y de voz abierta del norte dan paso a una monodia estridente más fuerte con influencia árabe, griega y norteafricana del sur. [46] En partes de Apulia ( Grecìa Salentina , por ejemplo) el dialecto Griko se usa comúnmente en las canciones. La ciudad apuliana de Taranto es el hogar de la tarantela , una danza rítmica ampliamente interpretada en el sur de Italia. La música apuliana en general, y la música salentina en particular, ha sido bien investigada y documentada por etnomusicólogos y por Aramirè .
La música de la isla de Cerdeña es más conocida por el canto polifónico de los tenores . El sonido de los tenores recuerda las raíces del canto gregoriano y es similar al del trallalero de Liguria, aunque distinto . Los instrumentos típicos incluyen la launeddas , una flauta triple sarda utilizada de manera sofisticada y compleja. Efisio Melis fue un conocido maestro intérprete de launeddas de la década de 1930. [47]
Las canciones populares italianas incluyen baladas , canciones líricas , canciones de cuna y canciones infantiles, canciones estacionales basadas en festividades como la Navidad, canciones del ciclo de vida que celebran bodas, bautismos y otros eventos importantes, canciones de baile, reclamos y canciones ocupacionales, vinculadas a profesiones como pescadores, pastores y soldados. Las baladas ( canti epico-lirici ) y las canciones líricas ( canti lirico-monostrofici ) son dos categorías importantes. Las baladas son más comunes en el norte de Italia, mientras que las canciones líricas prevalecen más al sur. Las baladas están estrechamente ligadas a la forma inglesa, y algunas baladas británicas existen en correspondencia exacta con una canción italiana. Otras baladas italianas se basan más estrechamente en modelos franceses. Las canciones líricas son una categoría diversa que consiste en canciones de cuna, serenatas y canciones de trabajo, y con frecuencia se improvisan aunque se basan en un repertorio tradicional. [40]
Otras tradiciones de canciones populares italianas son menos comunes que las baladas y las canciones líricas. Todavía se interpretan ocasionalmente laudes religiosas estróficas, a veces en latín, y también se conocen canciones épicas , especialmente las de la celebración del maggio . Las cantantes profesionales interpretan cantos fúnebres de estilo similar a los de otras partes de Europa. El yodeling existe en el norte de Italia, aunque se asocia más comúnmente con las músicas folclóricas de otras naciones alpinas. El carnaval italiano está asociado con varios tipos de canciones, especialmente el carnaval de Bagolino , Brescia . Los coros y las bandas de música son parte de la festividad de mediados de Cuaresma, mientras que la tradición de la canción de mendicidad se extiende a través de muchas festividades a lo largo del año. [40]
La instrumentación es una parte integral de todas las facetas de la música folclórica italiana. Hay varios instrumentos que conservan formas antiguas, aunque los modelos más nuevos se han generalizado en otras partes de Europa. Muchos instrumentos italianos están vinculados a ciertos rituales u ocasiones, como la gaita zampogna , que normalmente se escucha solo en Navidad. [48] Los instrumentos folclóricos italianos se pueden dividir en categorías de cuerda , viento y percusión. [49] Los instrumentos comunes incluyen el organetto , un acordeón más estrechamente asociado con el saltarello ; el organetto de botones diatónico es más común en el centro de Italia, mientras que los acordeones cromáticos prevalecen en el norte. Muchos municipios albergan bandas de metales , que actúan con grupos de resurgimiento de raíces; estos conjuntos se basan en el clarinete , el acordeón, el violín y los pequeños tambores, adornados con campanas. [40]
Los instrumentos de viento de Italia incluyen principalmente una variedad de flautas populares. Estas incluyen flautas de conducto, globulares y transversales, así como varias variaciones de la flauta de pan . Las flautas dobles son más comunes en Campania, Calabria y Sicilia. [50] Una jarra de cerámica llamada quartara también se usa como instrumento de viento, soplando a través de una abertura en el estrecho cuello de la botella; se encuentra en el este de Sicilia y Campania. Las flautas de lengüeta simple ( ciaramella ) y doble ( piffero ) se tocan comúnmente en grupos de dos o tres. [40] Varias gaitas populares son bien conocidas, incluida la zampogna del centro de Italia ; los nombres dialectales de la gaita varían en toda Italia: eghet en Bérgamo , piva en Lombardía , müsa en Alessandria , Génova , Pavía y Piacenza , etc.
Numerosos instrumentos de percusión forman parte de la música folclórica italiana, incluidos bloques de madera, campanas , castañuelas y tambores. Varias regiones tienen su propia forma distintiva de sonajero , incluido el sonajero de engranaje raganella y el conocchie calabrés , un bastón giratorio o de pastor con sonajeros de semillas adheridos permanentemente con significado ritual de fertilidad. El sonajero napolitano es el triccaballacca , hecho de varios mazos en un marco de madera. Panderetas ( tamburini , tamburello ), al igual que varios tipos de tambores, como el tambor de fricción putipù . El tamburello , aunque parece muy similar a la pandereta occidental contemporánea, en realidad se toca con una técnica mucho más articulada y sofisticada (influenciada por la interpretación de Medio Oriente), lo que le da una amplia gama de sonidos. El arpa de boca , scacciapensieri o cazador de cuidados , es un instrumento distintivo, que se encuentra solo en el norte de Italia y Sicilia. [40]
Los instrumentos de cuerda varían ampliamente según la localidad, sin un representante destacado a nivel nacional. Viggiano es el hogar de una tradición de arpa , que tiene una base histórica en Abruzzi , Lazio y Calabria . Calabria, por sí sola, tiene 30 instrumentos musicales tradicionales, algunos de los cuales tienen características fuertemente arcaicas y están en gran parte extintos en otras partes de Italia. Es el hogar de la guitarra de cuatro o cinco cuerdas llamada chitarra battente , y un violín de arco de tres cuerdas llamado lira , [51] que también se encuentra en formas similares en la música de Creta y el sudeste de Europa . Un violín de arco de una cuerda llamado torototela , es común en el noreste del país. El área de habla mayoritariamente alemana del Tirol del Sur es conocida por la cítara , y la ghironda ( zanfona ) se encuentra en Emilia , Piamonte y Lombardía . [40] Tradiciones existentes, arraigadas y difundidas confirman la producción de instrumentos efímeros y de juguete realizados con corteza, caña (arundo donax), hojas, fibras y tallos, como surge, por ejemplo, de las investigaciones de Fabio Lombardi .
La danza es parte integral de las tradiciones populares en Italia. Algunas de las danzas son antiguas y, hasta cierto punto, persisten hoy en día. Existen danzas mágico-rituales de propiciación, así como danzas de la cosecha, incluidas las danzas de la "cosecha del mar" de las comunidades pesqueras de Calabria y las danzas de la cosecha de vino en Toscana. Entre las danzas famosas se encuentra la tarantela del sur ; quizás la más icónica de las danzas italianas, la tarantela está en compás de 6/8 y es parte de un ritual popular destinado a curar el veneno causado por las picaduras de tarántula . Las danzas populares toscanas representan ritualmente la caza de la liebre, o exhiben espadas en danzas de armas que simulan o recuerdan los movimientos del combate, o usan las armas como instrumentos estilizados de la danza misma. Por ejemplo, en algunos pueblos del norte de Italia, las espadas se reemplazan por aros de madera bordados con verde, similares a las llamadas "danzas de guirnaldas" del norte de Europa. [52] También hay danzas de amor y cortejo, como la danza duru-duru en Cerdeña. [53]
Muchos de estos bailes son actividades grupales, en las que el grupo se forma en filas o círculos; algunos (los bailes de amor y cortejo) involucran parejas, ya sea una sola pareja o más. La tammuriata (interpretada al son de la pandereta) es un baile en pareja que se realiza en el sur de Italia y se acompaña de una canción lírica llamada strambotto . Otros bailes en pareja se conocen colectivamente como saltarello . [40] Sin embargo, también hay bailes en solitario; los más típicos de estos son los "bailes de la bandera" de varias regiones de Italia, en los que el bailarín pasa una bandera de la ciudad o un banderín alrededor del cuello, a través de las piernas, detrás de la espalda, a menudo arrojándolo al aire y atrapándolo. Estos bailes también se pueden realizar en grupos de bailarines solistas que actúan al unísono o coordinando el paso de la bandera entre bailarines. El norte de Italia también es el hogar de la monferrina , un baile acompañado que fue incorporado a la música artística occidental por el compositor Muzio Clementi . [40]
El interés académico en el estudio de la danza desde las perspectivas de la sociología y la antropología ha sido tradicionalmente descuidado en Italia, pero actualmente está mostrando una vida renovada a nivel universitario y de posgrado. [54]
La primera música popular italiana fue la ópera del siglo XIX. La ópera ha tenido un efecto duradero en la música clásica y popular de Italia. Las melodías de ópera se difundieron a través de bandas de metales y conjuntos itinerantes. La Canzone Napoletana , o canción napolitana , es una tradición distintiva que se convirtió en parte de la música popular en el siglo XIX y fue una imagen icónica de la música italiana en el extranjero a fines del siglo XX. [40] Los estilos importados también se han convertido en una parte importante de la música popular italiana, comenzando con el Café-chantant francés en la década de 1890 y luego la llegada del jazz estadounidense en la década de 1910. Hasta que el fascismo italiano se volvió oficialmente "alérgico" a las influencias extranjeras a fines de la década de 1930, la música de baile y los músicos estadounidenses eran bastante populares; el gran jazzista Louis Armstrong realizó una gira por Italia hasta 1935 con gran éxito. [55] En la década de 1950, los estilos estadounidenses se volvieron más prominentes, especialmente el rock. La tradición de los cantautores fue un desarrollo importante de finales de la década de 1960, mientras que la escena del rock italiano pronto se diversificó en estilos progresivos , punk , funk y folk. [40]
La ópera italiana se hizo inmensamente popular en el siglo XIX y era conocida incluso en las zonas más rurales del país. La mayoría de los pueblos tenían producciones de ópera ocasionales, y las técnicas utilizadas en la ópera influyeron en la música folclórica rural. La ópera se difundió a través de conjuntos itinerantes y bandas de metales , centradas en un pueblo local. Estas bandas cívicas ( banda communale ) usaban instrumentos para interpretar arias operísticas, con trombones o fliscornos para las partes vocales masculinas y cornetas para las partes femeninas. [40]
La música regional del siglo XIX también se hizo popular en toda Italia. Entre estas tradiciones locales destacaba la Canzone Napoletana , la canción napolitana. Aunque existen canciones anónimas y documentadas de Nápoles de muchos siglos atrás, [56] el término canzone napolitana ahora se refiere generalmente a un gran cuerpo de música popular compuesta relativamente reciente, como canciones como « O Sole Mio », «Torna a Surriento» y « Funiculi Funicula ». En el siglo XVIII, muchos compositores, incluidos Alessandro Scarlatti , Leonardo Vinci y Giovanni Paisiello , contribuyeron a la tradición napolitana al usar la lengua local para los textos de algunas de sus óperas cómicas . Más tarde, otros, el más famoso Gaetano Donizetti , compusieron canciones napolitanas que obtuvieron gran renombre en Italia y en el extranjero. [40] La tradición de la canción napolitana se formalizó en la década de 1830 a través de un concurso anual de composición de canciones para el festival anual de Piedigrotta , [57] dedicado a la Madonna de Piedigrotta , una iglesia muy conocida en el área de Mergellina en Nápoles. La música se identifica con Nápoles, pero es famosa en el extranjero, habiendo sido exportada en las grandes olas de emigración de Nápoles y el sur de Italia aproximadamente entre 1880 y 1920. El idioma es un elemento extremadamente importante de la canción napolitana, que siempre se escribe e interpreta en napolitano , [58] la lengua minoritaria regional de Campania . Las canciones napolitanas suelen utilizar armonías simples y están estructuradas en dos secciones, un estribillo y versos narrativos, a menudo en tonalidades mayores y menores relativas o paralelas contrastantes. [40] En términos no musicales, esto significa que muchas canciones napolitanas pueden sonar alegres un minuto y melancólicas al siguiente.
La música de Francesco Tosti fue popular a principios del siglo XX y se la recuerda por sus canciones ligeras y expresivas. Su estilo se hizo muy popular durante la Belle Époque y a menudo se lo conoce como música de salón. Sus obras más famosas son Serenata , Addio y la popular canción napolitana Marechiaro , cuya letra es del destacado poeta dialectal napolitano Salvatore di Giacomo .
La música popular grabada comenzó a fines del siglo XIX, con estilos internacionales que influyeron en la música italiana a fines de la década de 1910; sin embargo, el auge de la autarquía , la política fascista de aislacionismo cultural en 1922 condujo a un retiro de la música popular internacional. Durante este período, los músicos populares italianos viajaron al extranjero y aprendieron elementos del jazz , la música latinoamericana y otros estilos. Estas músicas influyeron en la tradición italiana, que se extendió por todo el mundo y se diversificó aún más después de la liberalización después de la Segunda Guerra Mundial. [40]
Bajo las políticas aislacionistas del régimen fascista, que llegó al poder en 1922, Italia desarrolló una cultura musical insular. Las músicas extranjeras fueron suprimidas mientras que el gobierno de Mussolini alentó el nacionalismo y la pureza lingüística y étnica. Sin embargo, los intérpretes populares viajaron al extranjero y trajeron nuevos estilos y técnicas. [40] El jazz estadounidense fue una influencia importante en cantantes como Alberto Rabagliati , quien se hizo conocido por su estilo swing . Elementos de armonía y melodía tanto del jazz como del blues se utilizaron en muchas canciones populares, mientras que los ritmos a menudo provenían de bailes latinos como el tango , la rumba y la beguina . Los compositores italianos incorporaron elementos de estos estilos, mientras que la música italiana, especialmente la canción napolitana, se convirtió en parte de la música popular en América Latina. [40]
Entre los músicos pop italianos más conocidos de las últimas décadas se encuentran Domenico Modugno , Mina , Mia Martini , Adriano Celentano , Claudio Baglioni , Ornella Vanoni , Patty Pravo y, más recientemente, Zucchero , Mango , Vasco Rossi , Gianna Nannini y las superestrellas internacionales Laura Pausini y Andrea Bocelli . Los músicos que componen y cantan sus propias canciones se denominan cantautori (cantautores). Sus composiciones suelen centrarse en temas de relevancia social y, a menudo, son canciones de protesta : esta ola comenzó en la década de 1960 con músicos como Fabrizio De André , Paolo Conte , Giorgio Gaber , Umberto Bindi , Gino Paoli y Luigi Tenco .
Los temas sociales, políticos, psicológicos e intelectuales, principalmente a raíz de la obra de Gaber y De André, se hicieron aún más predominantes en la década de 1970 a través de autores como Lucio Dalla , Pino Daniele , Francesco De Gregori , Ivano Fossati , Francesco Guccini , Edoardo Bennato , Rino Gaetano y Roberto Vecchioni . Lucio Battisti , desde finales de la década de 1960 hasta mediados de la década de 1990, fusionó la música italiana con el rock y el pop británicos y, últimamente en su carrera, con géneros como el synthpop , el rap, el techno y el eurodance , mientras que Angelo Branduardi y Franco Battiato siguieron carreras más orientadas a la tradición de la música pop italiana. [59] Hay cierto cruce de géneros entre los cantautori y aquellos que son vistos como cantantes de "música de protesta". [60]
Las bandas sonoras de películas, aunque son secundarias a la película, suelen ser aclamadas por la crítica y muy populares por derecho propio. Entre las primeras bandas sonoras para películas italianas de la década de 1930 se encuentra el trabajo de Riccardo Zandonai con las bandas sonoras de las películas La Principessa Tarakanova (1937) y Caravaggio (1941). Los ejemplos de posguerra incluyen a Goffredo Petrassi con Non c'e pace tra gli ulivi (1950) y Roman Vlad con Giulietta e Romeo (1954). Otro compositor de música para películas muy conocido fue Nino Rota, cuya carrera de posguerra incluyó las bandas sonoras de las películas de Federico Fellini y, más tarde, la serie El Padrino. Otros compositores destacados de bandas sonoras para películas incluyen a Ennio Morricone , Riz Ortolani y Piero Umiliani . [61]
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Italia ha sido un país importante en lo que respecta a la música electrónica de baile , especialmente desde la creación del italo disco a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980. El género, que se originó a partir del disco , mezcló "melodías melancólicas" con música pop y electrónica , [62] haciendo uso de sintetizadores y cajas de ritmos , que a menudo le dieron un sonido futurista. Según un artículo en The Guardian , en ciudades como Verona y Milán , los productores trabajaban con cantantes, utilizando sintetizadores y cajas de ritmos fabricados en masa, e incorporándolos a una mezcla de música experimental con una "sensibilidad clásica-pop" [62] que estaría destinada a clubes nocturnos . [62] Las canciones producidas a menudo se venderían más tarde por sellos y empresas como Discomagic, con sede en Milán. [62]
El italo disco influyó en varios grupos electrónicos, como Pet Shop Boys , Erasure y New Order , [62] así como en géneros como el eurodance , el eurobeat y el freestyle . Sin embargo, hacia 1988, el género se había fusionado con otras formas de música electrónica y dance europea, una de las cuales era el italo house . El italo house mezclaba elementos del italo disco con la música house tradicional ; su sonido era generalmente estimulante y hacía un fuerte uso de melodías de piano. Las bandas de este género incluyen: Black Box , East Side Beat y 49ers .
En la segunda mitad de la década de 1990, surgió un subgénero de eurodance conocido como italo dance . Tomando influencias del italo disco y el italo house, el italo dance generalmente incluía riffs de sintetizador, un sonido melódico y el uso de vocoders . El género se volvió popular después del lanzamiento del sencillo " Blue (Da Ba Dee) " de Eiffel 65 , que se convirtió en uno de los grupos electrónicos más populares de Italia; su álbum Europop fue coronado como el mejor álbum de la década de 1990 por Channel 4. [ 63] Además, Gigi D'Agostino desarrolló un subgénero de italo dance conocido como Lento Violento ("lento y violento") como un tipo de música mucho más lenta y dura. El BPM a menudo se reduce a la mitad de las pistas típicas de italo dance. El bajo a menudo es notablemente fuerte y domina la canción. [64]
A lo largo de los años, ha habido varios compositores y productores importantes de música de baile italiana, como Giorgio Moroder , que ganó tres premios Óscar y cuatro Globos de Oro por su música. Su trabajo con sintetizadores influyó en gran medida en varios géneros musicales como la new wave, el techno y la música house; [65] Allmusic lo acredita como "uno de los principales arquitectos del sonido disco", [66] y también se le conoce como el "padre del disco". [67] [68]
Durante la Belle Époque , la moda francesa de interpretar música popular en el café-chantant se extendió por toda Europa. [69] La tradición tenía mucho en común con el cabaret , y hay superposición entre café-chantant , café-concert , cabaret , music hall , vodevil y otros estilos similares, pero al menos en su manifestación italiana, la tradición permaneció en gran medida apolítica, centrándose en música más ligera, a menudo atrevida, pero no obscena. El primer café-chantant en Italia fue el Salone Margherita , que abrió en 1890 en las instalaciones de la nueva Galleria Umberto en Nápoles. [70] En otras partes de Italia, el Gran Salone Eden en Milán y el Music Hall Olympia en Roma abrieron poco después. El café-chantant era conocido alternativamente como el caffè-concerto italianizado . La intérprete principal, generalmente una mujer, era llamada chanteuse en francés; el término italiano, sciantosa , es una acuñación directa del francés. Las canciones en sí no eran francesas, sino canciones alegres o ligeramente sentimentales compuestas en italiano. Esa música pasó de moda con la llegada de la Primera Guerra Mundial.
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La influencia de las formas pop estadounidenses ha sido fuerte desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Los números suntuosos de Broadway , las big bands , el rock and roll y el hip hop siguen siendo populares. La música latina, especialmente la bossa nova brasileña , también es popular, y el género puertorriqueño del reggaetón se está convirtiendo rápidamente en una forma convencional de música de baile. Ahora no es raro que los artistas pop italianos modernos como Laura Pausini , Eros Ramazzotti , Zucchero o Andrea Bocelli publiquen algunas canciones nuevas en inglés o español además de las versiones originales en italiano. El grupo Il Volo canta en italiano, inglés, español y alemán. Por lo tanto, las revistas musicales, que son un plato estándar en la televisión italiana actual, pueden pasar fácilmente, en una sola noche, de un número de big band con bailarines a un imitador de Elvis o a un cantante pop actual haciendo una interpretación de un aria de Puccini.
El jazz llegó a Europa durante la Primera Guerra Mundial gracias a la presencia de músicos estadounidenses en bandas militares que tocaban música sincopada . [71] Sin embargo, incluso antes de eso, Italia recibió un atisbo de nueva música procedente del otro lado del Atlántico en forma de cantantes y bailarines criollos que actuaron en el Teatro Edén de Milán en 1904; se autodenominaron los "creadores del cakewalk ". Sin embargo, las primeras orquestas de jazz reales en Italia se formaron durante la década de 1920 por directores de banda como Arturo Agazzi y disfrutaron de un éxito inmediato. [55] A pesar de las políticas culturales antiamericanas del régimen fascista durante la década de 1930, el jazz estadounidense siguió siendo popular.
En los años inmediatamente posteriores a la guerra, el jazz despegó en Italia. Todos los estilos de jazz estadounidenses de posguerra, desde el bebop hasta el free jazz y la fusión, tienen sus equivalentes en Italia. La universalidad de la cultura italiana aseguró que los clubes de jazz surgieran por toda la península, que todos los estudios de radio y luego de televisión tuvieran bandas locales basadas en el jazz, que los músicos italianos comenzaran a cultivar un tipo de jazz local, basado en formas de canciones europeas, técnicas de composición clásica y música folclórica. Actualmente, todos los conservatorios de música italianos tienen departamentos de jazz y hay festivales de jazz cada año en Italia, el más conocido de los cuales es el Festival de Jazz de Umbria , y hay publicaciones importantes como la revista Musica Jazz .
El pop rock italiano ha producido grandes estrellas como Zucchero , y ha dado lugar a muchos grandes éxitos. Los medios de comunicación de la industria, especialmente la televisión, son vehículos importantes para este tipo de música; el programa de televisión Sabato Sera es característico. [72] Italia estuvo a la vanguardia del movimiento de rock progresivo de la década de 1970, un estilo que se desarrolló principalmente en Europa pero que también ganó audiencia en otras partes del mundo. A veces se considera un género separado, el rock progresivo italiano . Bandas italianas como The Trip , Area , Premiata Forneria Marconi (PFM), Banco del Mutuo Soccorso , New Trolls , Goblin , Osanna , Saint Just y Le Orme incorporaron una mezcla de rock sinfónico y música folclórica italiana y fueron populares en toda Europa y Estados Unidos también. Otras bandas progresivas como Perigeo , Balletto di Bronzo , Museo Rosenbach , Rovescio della Medaglia , Biglietto per l'Inferno o Alphataurus permanecieron poco conocidas, pero sus álbumes son considerados hoy clásicos por los coleccionistas. Unas pocas bandas o artistas de rock de vanguardia ( Area , Picchio dal Pozzo , Opus Avantra , Stormy Six , Saint Just , Giovanni Lindo Ferretti ) ganaron notoriedad por su sonido innovador. Los conciertos de rock progresivo en Italia tendían a tener un fuerte trasfondo político y una atmósfera enérgica. Las bandas de metal italianas populares incluyen Rhapsody of Fire , Lacuna Coil , Elvenking , Forgotten Tomb y Fleshgod Apocalypse . [73]
La escena del hip hop italiano comenzó a principios de los años 1990 con Articolo 31 de Milán , cuyo estilo estaba principalmente influenciado por el rap de la Costa Este . Otros grupos de hip hop tempranos tenían una orientación típicamente política, como 99 Posse , que luego se vio más influenciado por el trip hop británico . Los grupos más recientes incluyen raperos gánsteres como La Fossa de Cerdeña . Otros estilos importados recientemente incluyen techno , trance y electrónica interpretados por artistas como Gabry Ponte , Eiffel 65 y Gigi D`Agostino . [74] El hip hop es especialmente apreciado en el sur de Italia, unido al concepto sureño de rispetto ( respeto , honor ), una forma de justa verbal; ambos hechos han ayudado a identificar la música del sur de Italia con el estilo de hip hop afroamericano. [75] Además, hay muchas bandas en Italia que tocan un estilo llamado patchanka , que se caracteriza por una mezcla de música tradicional, punk, reggae, rock y letras políticas. Modena City Ramblers es una de las bandas más populares conocidas por su mezcla de música irlandesa, italiana, punk, reggae y muchas otras formas de música. [74]
Italia también se ha convertido en el hogar de una serie de proyectos de fusión mediterránea. Estos incluyen Al Darawish , una banda multicultural con sede en Sicilia y liderada por el palestino Nabil Ben Salaméh. La Luigi Cinque Tarantula Hypertext Orchestra es otro ejemplo, al igual que el proyecto TaraGnawa de Phaleg y Nour Eddine . Mango es uno de los artistas más conocidos que fusionó el pop con sonidos mundiales y mediterráneos, álbumes como Adesso , Sirtaki y Come l'acqua son ejemplos de su estilo. El popular cantante napolitano, Massimo Ranieri también ha lanzado un CD, Oggi o dimane , de canzone napoletana tradicional con ritmos e instrumentos del norte de África. [74]
En 2004, la industria musical italiana facturó 2.300 millones de euros, cifra que se refiere a la venta de CD, aparatos electrónicos, instrumentos musicales y entradas para actuaciones en directo. A modo de comparación, la industria discográfica italiana ocupa el octavo puesto a nivel mundial: los italianos poseen 0,7 álbumes de música per cápita, frente a los 2,7 que ocupan el primer puesto en Estados Unidos. [76]
En todo el país, hay tres cadenas de televisión estatales y tres privadas. Todas ofrecen música en vivo al menos durante parte del tiempo. Muchas ciudades grandes de Italia también tienen estaciones de televisión locales, que pueden ofrecer música folklórica o dialectal en vivo, a menudo de interés solo para el área inmediata. La cadena de librerías y CD más grande de estas es Feltrinelli .
Los lugares para la música en Italia incluyen conciertos en los numerosos conservatorios de música , salas sinfónicas y teatros de ópera . Italia también tiene muchos festivales de música internacionales conocidos cada año, incluido el Festival de Spoleto , el Festival Puccini y el Festival Wagner en Ravello . Algunos festivales ofrecen lugares para compositores más jóvenes en música clásica al producir y poner en escena las obras ganadoras en concursos. El ganador, por ejemplo, del Concurso Internacional "Orfeo" de Nueva Ópera y Música de Cámara, además de ganar un premio considerable en dinero, puede ver su obra musical interpretada en el Festival de Spoleto. [77] También hay docenas de clases magistrales de música patrocinadas de forma privada cada año que ofrecen conciertos para el público. Italia también es un destino común para orquestas conocidas del extranjero; en casi cualquier momento durante la temporada más ocupada, al menos una orquesta importante de otra parte de Europa o América del Norte está tocando un concierto en Italia. Además, la música pública se puede escuchar en docenas de conciertos de pop y rock durante todo el año. Incluso se puede escuchar ópera al aire libre, por ejemplo, en el antiguo anfiteatro romano, la Arena de Verona .
En Italia también son populares las bandas militares. A nivel nacional, una de las más conocidas es la banda de conciertos de la Guardia di Finanza (Policía de Aduanas y Fronteras italiana), que actúa muchas veces al año.
Muchos teatros también presentan rutinariamente no sólo traducciones italianas de musicales estadounidenses, sino también comedias musicales italianas auténticas, que reciben el nombre de musical . En italiano, ese término describe un tipo de drama musical no originario de Italia, una forma que emplea el idioma estadounidense de la música y los ritmos basados en el jazz, el pop y el rock para hacer avanzar una historia mediante una combinación de canciones y diálogos.
La música en los rituales religiosos, especialmente en los católicos, se manifiesta de diversas maneras. Las bandas parroquiales, por ejemplo, son bastante comunes en toda Italia. Pueden tener desde cuatro o cinco miembros hasta veinte o treinta. Suelen actuar en festivales religiosos específicos de una ciudad en particular, generalmente en honor al santo patrón de la ciudad. Las obras maestras orquestales y corales históricas interpretadas en la iglesia por profesionales son bien conocidas; entre ellas se incluyen obras como el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi y el Réquiem de Verdi . El Concilio Vaticano II de 1962 a 1965 revolucionó la música en la Iglesia católica, lo que llevó a un aumento en el número de coros amateurs que actúan regularmente en los servicios; el Concilio también alentó el canto congregacional de himnos, y en los últimos 40 años se ha compuesto un vasto repertorio de himnos nuevos. [78]
No hay mucha música navideña italiana nativa. El villancico italiano más popular es " Tu scendi dalle stelle ", cuya letra en italiano moderno fue escrita por el Papa Pío IX en 1870. La melodía es una versión en tono mayor de un villancico napolitano más antiguo en tono menor "Quanno Nascette Ninno" de Alfonso María de Ligorio . Aparte de eso, los italianos cantan en gran medida traducciones de villancicos que provienen de la tradición alemana e inglesa (" Noche de paz ", por ejemplo). No hay música navideña secular nativa italiana, lo que explica la popularidad de las versiones en italiano de " Jingle Bells " y " White Christmas ". [79]
El Festival de Música de San Remo es un importante evento de música popular en Italia. Se celebra anualmente desde 1951 y actualmente se lleva a cabo en el Teatro Ariston de San Remo. Se lleva a cabo durante una semana en febrero y ofrece a los artistas veteranos y nuevos la oportunidad de presentar nuevas canciones. Ganar el concurso ha sido a menudo un trampolín hacia el éxito en la industria. El festival se televisa a nivel nacional durante tres horas por noche, lo presentan las personalidades más conocidas de la televisión italiana y ha sido un vehículo para artistas como Domenico Modugno , quizás el cantante pop italiano más conocido de los últimos 50 años.
Los programas de variedades de televisión son el lugar más amplio para la música popular. Cambian a menudo, pero Buona Domenica , Domenica In y I raccomandati son populares. La emisión musical de mayor duración en Italia es La Corrida , un programa semanal de tres horas de aficionados y aspirantes a músicos. [80] Comenzó en la radio en 1968 y se trasladó a la televisión en 1988. La audiencia del estudio trae cencerros y sirenas y se les anima a mostrar una desaprobación afable. La ciudad con el mayor número de conciertos de rock (de artistas nacionales e internacionales) es Milán, con un número cercano a las otras capitales musicales europeas, como París, Londres y Berlín.
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En Italia, muchos institutos de educación superior imparten clases de música. Unos 75 conservatorios de música ofrecen formación avanzada para futuros músicos profesionales. También hay muchas escuelas de música privadas y talleres de construcción y reparación de instrumentos. La enseñanza privada también es bastante común en Italia. Los estudiantes de primaria y secundaria pueden esperar recibir una o dos horas semanales de enseñanza musical, generalmente de canto coral y teoría musical básica, aunque las oportunidades extracurriculares son escasas. [81] Aunque la mayoría de las universidades italianas tienen clases de materias relacionadas, como historia de la música, la interpretación no es una característica común de la educación universitaria.
Italia tiene un sistema especializado de escuelas secundarias; los estudiantes asisten, según su elección, a una escuela secundaria de humanidades, ciencias, lenguas extranjeras o arte y música (en el "liceo musicale", donde se enseñan instrumentos, teoría musical, composición e historia de la música como materia principal). Italia tiene programas ambiciosos y recientes para exponer a los niños a más música. Además, con la reciente reforma educativa, los decretos de ley indican explícitamente un Liceo musicale e coreutico (escuela secundaria de segundo nivel, de 14-15 a 18-19 años) específico. [82] Sin embargo, este tipo de escuela no se ha creado y no está en funcionamiento de manera efectiva. La red de televisión estatal ha iniciado un programa para utilizar tecnología satelital moderna para transmitir música coral a las escuelas públicas. [d]
La investigación en el campo de la recopilación, conservación y catalogación de todas las variedades de música es muy amplia. En Italia, como en otros lugares, estas tareas se reparten entre una serie de agencias y organizaciones. La mayoría de los grandes conservatorios de música mantienen departamentos que supervisan la investigación relacionada con sus propias colecciones. Dicha investigación se coordina a escala nacional e internacional a través de Internet. Una institución destacada en Italia es el IBIMUS, el Istituto di Bibliografia Musicale , en Roma. Trabaja con otras agencias a escala internacional a través de RISM, el Répertoire International des Sources Musicales , un inventario e índice de material de origen. Además, la Discoteca di Stato (Archivo Nacional de Grabaciones) en Roma, fundada en 1928, posee la colección pública más grande de música grabada en Italia con unos 230.000 ejemplos de música clásica, música folclórica, jazz y rock, grabados en todo tipo de soportes, desde antiguos cilindros de cera hasta modernos medios electrónicos.
El estudio académico de la música tradicional italiana comenzó alrededor de 1850, con un grupo de etnógrafos filólogos que estudiaron el impacto de la música en una identidad nacional panitaliana. Una identidad italiana unificada recién comenzó a desarrollarse después de la integración política de la península en 1860. El enfoque en ese momento estaba en el valor lírico y literario de la música, más que en la instrumentación; este enfoque se mantuvo hasta principios de la década de 1960. Dos revistas folclóricas ayudaron a alentar el floreciente campo de estudio, la Rivista Italiana delle Tradizioni Popolari y Lares , fundadas en 1894 y 1912, respectivamente. Los primeros estudios musicales importantes fueron sobre las launeddas sardas en 1913-1914 por Mario Giulio Fara ; sobre la música siciliana, publicados en 1907 y 1921 por Alberto Favara ; y estudios de la música de Emilia Romagna en 1941 por Francesco Balilla Pratella . [40]
Las primeras grabaciones de música tradicional italiana se remontan a la década de 1920, pero eran poco frecuentes hasta la creación del Centro Nazionale Studi di Musica Popolare en la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma. El Centro patrocinó numerosos viajes de recopilación de canciones por toda la península, especialmente al sur y centro de Italia. Giorgio Nataletti fue una figura instrumental en el Centro, y también realizó numerosas grabaciones él mismo. El erudito estadounidense Alan Lomax y el italiano Diego Carpitella realizaron un estudio exhaustivo de la península en 1954. A principios de la década de 1960, un resurgimiento de las raíces fomentó un mayor estudio, especialmente de las culturas musicales del norte, que muchos académicos habían asumido anteriormente que mantenían poca cultura popular. Los académicos más destacados de esta época incluyeron a Roberto Leydi , Ottavio Tiby y Leo Levi . Durante la década de 1970, Leydi y Carpitella fueron designados para las dos primeras cátedras de etnomusicología en las universidades, con Carpitella en la Universidad de Roma y Leydi en la Universidad de Bolonia . En la década de 1980, los académicos italianos comenzaron a centrarse menos en la realización de grabaciones y más en el estudio y la síntesis de la información ya recopilada. Otros estudiaron la música italiana en los Estados Unidos y Australia, y la música folclórica de los inmigrantes recientes en Italia. [40]
Este disco fue una colaboración entre Philip Oakey, el vocalista principal de la banda de techno-pop Human League, y Giorgio Moroder, el padre de la música disco nacido en Italia que pasó los años 80 escribiendo música pop y cinematográfica basada en sintetizadores.
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