En Italia , la música ha sido tradicionalmente uno de los marcadores culturales de la identidad nacional y étnica italiana y ocupa una posición importante en la sociedad y la política . La innovación musical italiana –en escala musical , armonía , notación y teatro– permitió el desarrollo de la ópera a finales del siglo XVI, y gran parte de la música clásica europea moderna –como la sinfonía y el concierto– abarca un amplio espectro de ópera y música clásica instrumental y música popular extraída de fuentes tanto nativas como importadas.
La música folclórica italiana es una parte importante del patrimonio musical del país y abarca una amplia gama de estilos, instrumentos y danzas regionales. La música clásica instrumental y vocal es una parte icónica de la identidad italiana , que abarca música artística experimental y fusiones internacionales con música sinfónica y ópera. La ópera es parte integral de la cultura musical italiana y se ha convertido en un segmento importante de la música popular . La Canzone Napoletana , la canción napolitana, y las tradiciones de cantautores y cantautores también son estilos nacionales populares que forman una parte importante de la industria musical italiana, junto con géneros importados como el jazz , el rock y el hip hop de los Estados Unidos. Italia también fue un país importante en el desarrollo de la música disco y electrónica, siendo el Italo disco uno de los primeros géneros de danza electrónica.
La música italiana ha sido muy apreciada en la historia y muchas piezas de música italiana se consideran arte elevado. Más que otros elementos de la cultura italiana , la música es generalmente ecléctica, pero única en comparación con la música de otras naciones. Las contribuciones históricas del país a la música también son una parte importante del orgullo nacional. La historia relativamente reciente de Italia incluye el desarrollo de una tradición operística que se ha extendido por todo el mundo; Antes del desarrollo de la identidad italiana o de un estado italiano unificado, la península italiana contribuyó a importantes innovaciones en la música, incluido el desarrollo de la notación musical y el canto gregoriano .
Italia tiene un fuerte sentido de identidad nacional a través de una cultura distintiva: un sentido de apreciación de la belleza y la emotividad, que se evidencia fuertemente en la música. Las cuestiones culturales, políticas y sociales también se expresan a menudo a través de la música en Italia. La lealtad a la música está integralmente entretejida en la identidad social de los italianos, pero ningún estilo ha sido considerado un "estilo nacional" característico. La mayor parte de la música folclórica está localizada y es exclusiva de una pequeña región o ciudad. [1] [2] El legado clásico de Italia, sin embargo, es un punto importante de la identidad del país, particularmente la ópera; Las piezas operísticas tradicionales siguen siendo una parte popular de la música y un componente integral de la identidad nacional. La producción musical de Italia sigue caracterizándose por "una gran diversidad e independencia creativa (con) una rica variedad de tipos de expresión". [2]
Con la creciente industrialización que se aceleró durante los siglos XX y XXI, la sociedad italiana pasó gradualmente de una base agrícola a un centro urbano e industrial. Este cambio debilitó la cultura tradicional en muchos sectores de la sociedad; Un proceso similar ocurrió en otros países europeos, pero a diferencia de ellos, Italia no tuvo ninguna iniciativa importante para preservar las músicas tradicionales. La inmigración del norte de África, Asia y otros países europeos condujo a una mayor diversificación de la música italiana. La música tradicional llegó a existir sólo en pequeños sectores, especialmente como parte de campañas dedicadas a conservar las identidades musicales locales. [3]
La música y la política han estado entrelazadas durante siglos en Italia. Así como muchas obras de arte del Renacimiento italiano fueron encargadas por la realeza y la Iglesia católica , mucha música también se compuso sobre la base de dichos encargos: música incidental de la corte, música para coronaciones, para el nacimiento de un heredero real, marchas reales, y otras ocasiones. Los compositores que se desviaban corrían ciertos riesgos. Entre los casos más conocidos se encuentra el compositor napolitano Domenico Cimarosa , quien compuso el himno republicano para la efímera República Napolitana de 1799 . Cuando cayó la república, fue juzgado por traición junto con otros revolucionarios. Cimarosa no fue ejecutado por la monarquía restaurada, pero fue exiliado. [4]
La música también jugó un papel en la unificación de la península. Durante este período, algunos líderes intentaron utilizar la música para forjar una identidad cultural unificadora. Un ejemplo es el coro " Va, pensiero " de la ópera Nabucco de Giuseppe Verdi . La ópera trata sobre el antiguo reino de Babilonia , pero el coro contiene la frase " O mia Patria ", aparentemente sobre la lucha de la confederación de israelitas , pero también una referencia apenas velada al destino de una Italia aún no unida; Todo el coro se convirtió en el himno no oficial del Risorgimento , el impulso para unificar Italia en el siglo XIX. Incluso el nombre de Verdi era sinónimo de unidad italiana porque " Verdi " podía leerse como un acrónimo de Vittorio Emanuele Re d'Italia , Víctor Emanuel Rey de Italia , el monarca de Saboya que eventualmente se convirtió en Víctor Emanuel II , el primer rey de la Italia unida. Así, " Viva Verdi " fue un grito de guerra para los patriotas y apareció a menudo en graffitis en Milán y otras ciudades de lo que entonces formaba parte del territorio austrohúngaro . Verdi tuvo problemas con la censura antes de la unificación de Italia. Su ópera Un ballo in maschera se tituló originalmente Gustavo III y fue presentada en la ópera San Carlo de Nápoles , capital del Reino de las Dos Sicilias , a finales de la década de 1850. Los censores napolitanos objetaron el complot realista sobre el asesinato de Gustavo III , rey de Suecia , en la década de 1790. Incluso después de que se cambió la trama, los censores napolitanos todavía la rechazaron. [5]
Más tarde, en la era fascista de las décadas de 1920 y 1930, se produjo la censura gubernamental y la interferencia con la música, aunque no de forma sistemática. Ejemplos destacados incluyen el notorio manifiesto antimodernista de 1932 [6] y la prohibición por parte de Mussolini de la ópera La favola del figlio cambiato de GF Malipiero después de una actuación en 1934. [7] Los medios musicales a menudo criticaban la música que era percibida como políticamente radical o insuficientemente italiano. [2] Los medios impresos generales, como la Enciclopedia Moderna Italiana , tendían a tratar a los compositores tradicionalmente favorecidos, como Giacomo Puccini y Pietro Mascagni, con la misma brevedad que a los compositores y músicos que no eran tan favorecidos: modernistas como Alfredo Casella y Ferruccio Busoni ; es decir, las entradas de las enciclopedias de la época eran meras listas de hitos profesionales, como composiciones y puestos docentes desempeñados. Incluso el director de orquesta Arturo Toscanini , un oponente declarado del fascismo, [8] recibe el mismo trato neutral y distante sin mencionar en absoluto su postura "contra el régimen". [9] Quizás el episodio más conocido de colisión entre la música y la política involucra a Toscanini. En 1929 se vio obligado a dejar la dirección musical de La Scala de Milán porque se negó a comenzar cada actuación con la canción fascista " Giovinezza ". Por este insulto al régimen, fue atacado y golpeado en la calle frente a la ópera de Bolonia después de una actuación en 1931. [10] Durante la era fascista, la presión política obstaculizó el desarrollo de la música clásica, aunque la censura no fue tan sistemática como en Alemania nazi. En 1938 se aprobó una serie de "leyes raciales" que negaban a los compositores y músicos judíos la membresía en asociaciones profesionales y artísticas. [a] Aunque no hubo una huida masiva de judíos italianos de Italia durante este período (en comparación con la situación en Alemania) [b] el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco , un judío italiano, fue uno de los que emigró. Algunos enemigos no judíos del régimen también emigraron: Toscanini, por ejemplo. [11] [12]
Más recientemente, en la última parte del siglo XX, especialmente en la década de 1970 y más allá, la música se involucró aún más en la política italiana. [12] Un resurgimiento de las raíces estimuló el interés por las tradiciones populares, liderado por escritores, coleccionistas e intérpretes tradicionales. [2] La derecha política en Italia vio con desdén este renacimiento de las raíces, como un producto de las "clases desfavorecidas". [13] La escena revitalizante quedó así asociada con la oposición y se convirtió en un vehículo para la "protesta contra el capitalismo de libre mercado". [2] De manera similar, la escena de la música clásica de vanguardia, desde la década de 1970, ha estado asociada y promovida por el Partido Comunista Italiano , un cambio que se remonta a las revueltas y protestas estudiantiles de 1968. [3]
Italia ha sido durante mucho tiempo un centro para la música clásica europea y, a principios del siglo XX, la música clásica italiana había forjado un sonido nacional distintivo que era decididamente romántico y melódico. Como lo tipifican las óperas de Verdi, se trataba de música en la que "... Las líneas vocales siempre dominan el complejo tonal y nunca son eclipsadas por los acompañamientos instrumentales..." [ 14] La música clásica italiana había resistido al "gigante armónico alemán". " [15] —es decir, las densas armonías de Richard Wagner , Gustav Mahler y Richard Strauss . La música italiana también tenía poco en común con la reacción francesa a esa música alemana: el impresionismo de Claude Debussy , por ejemplo, en el que el desarrollo melódico se abandona en gran medida para la creación de ambiente y atmósfera a través de los sonidos de acordes individuales. [dieciséis]
La música clásica europea cambió mucho en el siglo XX. La nueva música abandonó gran parte de las escuelas históricas de armonía y melodía desarrolladas a nivel nacional en favor de la música experimental , la atonalidad , el minimalismo y la música electrónica , todas las cuales emplean características que se han vuelto comunes a la música europea en general y no a Italia específicamente. [17] Estos cambios también han hecho que la música clásica sea menos accesible para muchas personas. Entre los compositores importantes de la época se encuentran Ottorino Respighi , Ferruccio Busoni , Alfredo Casella , Gian Francesco Malipiero , Franco Alfano , Bruno Maderna , Luciano Berio , Luigi Nono , Sylvano Bussotti , Salvatore Sciarrino , Luigi Dallapiccola , Carlo Jachino , Gian Carlo Menotti , Jacopo Napoli , y Goffredo Petrassi .
La ópera se originó en Italia a finales del siglo XVI durante la época de la Camerata florentina . A lo largo de los siglos siguientes, las tradiciones de la ópera se desarrollaron en Nápoles y Venecia; Florecieron las óperas de Claudio Monteverdi , Alessandro Scarlatti , Giambattista Pergolesi y, más tarde, de Gioacchino Rossini , Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti . La ópera sigue siendo la forma musical más estrechamente vinculada a la música italiana y a la identidad italiana. Esto fue más evidente en el siglo XIX a través de las obras de Giuseppe Verdi , un ícono de la cultura italiana y la unidad panitaliana. Italia conservó una tradición musical operística romántica a principios del siglo XX, ejemplificada por los compositores de la llamada Giovane Scuola , cuya música estaba anclada en el siglo anterior, entre ellos Arrigo Boito , Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni y Francesco Cilea . Giacomo Puccini , que fue un compositor realista , ha sido descrito por la Encyclopædia Britannica Online como el hombre que "prácticamente puso fin a la historia de la ópera italiana". [18]
Sin embargo, después de la Primera Guerra Mundial, la ópera decayó en comparación con los auges populares del siglo XIX y principios del XX. Las causas incluyeron el alejamiento cultural general del romanticismo y el auge del cine, que se convirtió en una importante fuente de entretenimiento. Una tercera causa es el hecho de que el "internacionalismo" había llevado a la ópera italiana contemporánea a un estado en el que ya no era "italiana". [3] Esta fue la opinión de al menos un destacado musicólogo y crítico italiano, Fausto Terrefranca , quien, en un panfleto de 1912 titulado Giaccomo Puccini y la ópera internacional , acusó a Puccini de "comercialismo" y de haber abandonado las tradiciones italianas. La ópera romántica tradicional siguió siendo popular; de hecho, la editorial de ópera dominante a principios del siglo XX fue Casa Ricordi , que se centró casi exclusivamente en óperas populares hasta la década de 1930, cuando la compañía admitió compositores más inusuales con menos atractivo para el público general. El surgimiento de editoriales relativamente nuevas como Carisch y Suvini Zerboni también ayudó a impulsar la diversificación de la ópera italiana. [3] La ópera sigue siendo una parte importante de la cultura italiana; En la década de 1980 comenzó un renovado interés por la ópera en todos los sectores de la sociedad italiana. Entre los compositores respetados de esta época se incluyen el conocido Aldo Clementi y compañeros más jóvenes como Marco Tutino y Lorenzo Ferrero . [3]
Italia, al ser una de las naciones seminales del catolicismo, tiene una larga historia de música para la Iglesia católica . Hasta aproximadamente 1800, era posible escuchar canto gregoriano y polifonía renacentista , como la música de Palestrina , Lassus , Anerio y otros. Aproximadamente entre 1800 y 1900 fue un siglo durante el cual se escuchó un tipo de música religiosa más popular, operística y entretenida, con exclusión del canto y la polifonía antes mencionados. A finales del siglo XIX, el Movimiento Ceciliano fue iniciado por músicos que lucharon por restaurar esta música. Este movimiento cobró impulso no en Italia sino en Alemania, particularmente en Ratisbona . El movimiento alcanzó su apogeo alrededor de 1900 con el ascenso de Don Lorenzo Perosi y su partidario (y futuro santo), el Papa Pío X. [19] El advenimiento del Vaticano II , sin embargo, casi arrasó toda la música en lengua latina de la Iglesia, sustituyéndola una vez más por un estilo más popular. [20]
El predominio de la ópera en la música italiana tiende a eclipsar la importante área de la música instrumental. [21] Históricamente, dicha música incluye la amplia gama de música instrumental sacra, conciertos instrumentales y música orquestal en las obras de Andrea Gabrieli , Giovanni Gabrieli , Girolamo Frescobaldi , Giuseppe Garibaldi , Tomaso Albinoni , Arcangelo Corelli , Antonio Vivaldi , Domenico Scarlatti , Luigi Boccherini , Muzio Clementi , Giuseppe Gariboldi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti y Niccolò Paganini . (Incluso los compositores de ópera trabajaron ocasionalmente en otras formas: el Cuarteto de cuerda en mi menor de Giuseppe Verdi , por ejemplo. Incluso Donizetti , cuyo nombre se identifica con los inicios de la ópera lírica italiana, escribió 18 cuartetos de cuerda ). La música instrumental comenzó a ganar importancia, un proceso que comenzó alrededor de 1904 con la Segunda Sinfonía de Giuseppe Martucci , obra que Gian Francesco Malipiero llamó "el punto de partida del renacimiento de la música italiana no operística". [22] Varios de los primeros compositores de esta época, como Leone Sinigaglia , utilizaron tradiciones populares nativas.
El comienzo del siglo XX también está marcado por la presencia de un grupo de compositores llamado generazione dell'ottanta (generación de 1880), entre ellos Franco Alfano , Alfredo Casella , Gian Francesco Malipiero , Ildebrando Pizzetti y Ottorino Respighi . Estos compositores generalmente se concentraban en escribir obras instrumentales, más que ópera. Los miembros de esta generación fueron las figuras dominantes de la música italiana después de la muerte de Puccini en 1924. [3] Surgieron nuevas organizaciones para promover la música italiana, como el Festival de Música Contemporánea de Venecia y el Maggio Musicale Fiorentino . La fundación por Guido Gatti del periódico Il Pianoforte y luego de La rassegna musicale también ayudó a promover una visión de la música más amplia de lo que permitía el clima político y social. La mayoría de los italianos, sin embargo, preferían piezas más tradicionales y estándares establecidos, y sólo un pequeño público buscaba nuevos estilos de música clásica experimental. [3]
Italia es también la patria de importantes intérpretes, como Arturo Benedetti Michelangeli , Quartetto Italiano , I Musici , Salvatore Accardo , Maurizio Pollini , Uto Ughi , Aldo Ciccolini , Severino Gazzelloni , Arturo Toscanini , Mario Brunello , Ferruccio Busoni , Claudio Abbado , Ruggero Chiesa . , Bruno Canino , Carlo María Giulini , Oscar Ghiglia y Riccardo Muti .
Las contribuciones italianas al ballet son menos conocidas y apreciadas que en otras áreas de la música clásica. Italia, particularmente Milán , fue un centro del ballet de la corte ya en el siglo XV, que estaba influenciado por los entretenimientos comunes en las celebraciones reales y las bodas aristocráticas. Los primeros coreógrafos y compositores de ballet incluyen a Fabritio Caroso y Cesare Negri . El estilo de ballet conocido como "spectáculos all'italiana " importados a Francia desde Italia se hizo popular, y el primer ballet realizado en Francia (1581), Ballet Comique de la Reine , fue coreografiado por un italiano, Baltazarini di Belgioioso, [23 ] más conocido por la versión francesa de su nombre, Balthasar de Beaujoyeulx . El ballet temprano iba acompañado de una instrumentación considerable, con el juego de trompetas, trombones, timbales, dulcémelas, gaitas, etc. Aunque la música no ha sobrevivido, se especula que los propios bailarines pudieron haber tocado instrumentos en el escenario. [24] Luego, a raíz de la Revolución Francesa , Italia volvió a convertirse en un centro del ballet, en gran parte gracias a los esfuerzos de Salvatore Viganò , un coreógrafo que trabajó con algunos de los compositores más destacados de la época. Se convirtió en maestro de ballet de La Scala en 1812. [23] El ejemplo más conocido de ballet italiano del siglo XIX es probablemente Excelsior , con música de Romualdo Marenco y coreografía de Luigi Manzotti . Fue compuesto en 1881 y es un fastuoso homenaje al progreso científico e industrial del siglo XIX. Todavía se representa y se representó en 2002.
Actualmente, los principales teatros de ópera italianos cuentan con compañías de ballet. Existen para ofrecer bailes incidentales y ceremoniales en muchas óperas, como Aida o La Traviata . Estas compañías de danza suelen mantener una temporada de ballet separada e interpretan el repertorio estándar del ballet clásico, del cual una pequeña parte es italiana. El equivalente italiano del Ballet Ruso Bolshoi y compañías similares que existen únicamente para realizar ballet, independientemente de un teatro de ópera matriz, es el Ballet del Teatro La Scala . En 1979, Vittorio Biagi fundó en Reggio Emilia la compañía de danza moderna Aterballetto .
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La música experimental es un campo amplio y vagamente definido que abarca músicas creadas abandonando los conceptos clásicos tradicionales de melodía y armonía y utilizando la nueva tecnología de la electrónica para crear sonidos hasta ahora imposibles. En Italia, uno de los primeros en dedicar su atención a la música experimental fue Ferruccio Busoni , cuya publicación de 1907, Sketch for a New Aesthetic of Music , analizaba el uso de sonidos eléctricos y otros sonidos nuevos en la música del futuro. Habló de su descontento con las limitaciones de la música tradicional:
De manera similar, Luigi Russolo , el pintor y compositor futurista italiano , escribió sobre las posibilidades de la nueva música en sus manifiestos de 1913 El arte de los ruidos y Música futurista . También inventó y construyó instrumentos como los intonarumori , principalmente de percusión, que se utilizaron en un precursor del estilo conocido como música concreta . Uno de los acontecimientos más influyentes en la música de principios del siglo XX fue el regreso de Alfredo Casella de Francia en 1915; Casella fundó la Società Italiana di Musica Moderna , que promovió a varios compositores en estilos dispares, desde lo experimental hasta lo tradicional. Después de una disputa sobre el valor de la música experimental en 1923, Casella formó la Corporazione delle Nuove Musiche para promover la música experimental moderna. [3]
En la década de 1950, Luciano Berio experimentó con instrumentos acompañados de sonidos electrónicos grabados en cintas. En la Italia moderna, una organización importante que fomenta la investigación en música electrónica y de vanguardia es CEMAT , la Federación Italiana de Centros de Música Electroacústica. Fue fundada en 1996 en Roma y es miembro de la CIME, la Confédération Internationale de Musique Electroacoustique . CEMAT promueve las actividades del proyecto "Sonora", lanzado conjuntamente por el Departamento de Artes Escénicas del Ministerio de Asuntos Culturales y la Dirección de Relaciones Culturales del Ministerio de Asuntos Exteriores con el objetivo de promover y difundir la música italiana contemporánea en el extranjero.
La música clásica italiana se volvió gradualmente más experimental y progresista a mediados del siglo XX, mientras que los gustos populares tendieron a apegarse a compositores y composiciones bien establecidos del pasado. [3] La programación de 2004-2005 en el Teatro San Carlo de Nápoles es típica de la Italia moderna: de las ocho óperas representadas, la más reciente fue Puccini. En música sinfónica, de los 26 compositores cuya música se interpretó, 21 de ellos eran del siglo XIX o anteriores, compositores que utilizan las melodías y armonías propias de la época romántica. Este enfoque es común a otras tradiciones europeas y se conoce como posmodernismo , una escuela de pensamiento que se basa en conceptos armónicos y melódicos anteriores que son anteriores a las concepciones de atonalidad y disonancia . [26] Este enfoque en los compositores históricos populares ha ayudado a mantener una presencia continua de la música clásica en un amplio espectro de la sociedad italiana. Cuando la música es parte de una exhibición o reunión pública, a menudo se elige de un repertorio muy ecléctico que probablemente incluya música clásica conocida como música popular.
Algunas obras recientes han pasado a formar parte del repertorio moderno, incluidas partituras y obras teatrales de compositores como Luciano Berio , Luigi Nono , Franco Donatoni y Sylvano Bussotti . Estos compositores no son parte de una escuela o tradición distinta, aunque comparten ciertas técnicas e influencias. En la década de 1970, la música clásica de vanguardia se había vinculado al Partido Comunista Italiano , mientras que un resurgimiento del interés popular continuó durante la década siguiente, con fundaciones, festivales y organizaciones creadas para promover la música moderna. Hacia finales del siglo XX, el patrocinio gubernamental de instituciones musicales comenzó a declinar y se cerraron varios coros de la RAI y orquestas de la ciudad. A pesar de esto, varios compositores ganaron reputación internacional a principios del siglo XXI. [3]
La música folclórica italiana tiene una historia profunda y compleja. [27] Debido a que la unificación nacional llegó tarde a la península italiana , la música tradicional de sus cientos de culturas no exhibe un carácter nacional homogéneo. Más bien, cada región y comunidad posee una tradición musical única que refleja la historia, el idioma y la composición étnica de ese lugar en particular. [28] Estas tradiciones reflejan la posición geográfica de Italia en el sur de Europa y en el centro del Mediterráneo; Las influencias celtas , eslavas , griegas y bizantinas , así como la geografía accidentada y el dominio histórico de las pequeñas ciudades-estado , se han combinado para permitir que diversos estilos musicales coexistan en estrecha proximidad.
Los estilos folclóricos italianos son muy diversos e incluyen canciones monofónicas , polifónicas y responsoriales , música coral, instrumental y vocal, y otros estilos. El canto coral y las formas de canciones polifónicas se encuentran principalmente en el norte de Italia, mientras que al sur de Nápoles, el canto solista es más común y los grupos suelen utilizar el canto al unísono en dos o tres partes interpretadas por un solo intérprete. El canto de baladas del norte es silábico, con un tempo estricto y letras inteligibles, mientras que los estilos del sur usan un tempo de rubato y un estilo vocal tenso y tenso. [29] Los músicos folclóricos utilizan el dialecto de su propia tradición regional; Este rechazo del idioma italiano estándar en las canciones populares es casi universal. Hay poca percepción de una tradición popular italiana común y la música popular del país nunca se convirtió en un símbolo nacional. [30]
La música folclórica a veces se divide en varias esferas de influencia geográfica, un sistema de clasificación de tres regiones, sur, centro y norte, propuesto por Alan Lomax en 1956 [31] y repetido a menudo. Además, Curt Sachs propuso la existencia de dos tipos de música folklórica bastante distintos en Europa: la continental y la mediterránea. [32] Otros han situado la zona de transición del primero al segundo aproximadamente en el centro-norte de Italia, aproximadamente entre Pesaro y La Spezia . [33] Las partes central, norte y sur de la península comparten ciertas características musicales y son distintas de la música de Cerdeña . [29]
En los valles piamonteses y en algunas comunidades de Liguria del noroeste de Italia, la música conserva la fuerte influencia de la antigua Occitania . Las letras de los trovadores occitanos son algunas de las muestras más antiguas conservadas de canciones vernáculas, y bandas modernas como Gai Saber y Lou Dalfin conservan y contemporizan la música occitana. La cultura occitana conserva características de la antigua influencia celta, mediante el uso de flautas de seis o siete agujeros ( fifre ) o gaitas ( piva ). Gran parte del norte de Italia comparte con zonas de Europa más al norte el interés por el canto de baladas (llamado canto epico lirico en italiano) y el canto coral. Incluso las baladas, generalmente consideradas como un vehículo para una voz solista, pueden cantarse en coros. En la provincia de Trento los "coros folclóricos" son la forma más común de hacer música. [34]
Las diferencias musicales notables en el tipo sureño incluyen un mayor uso del canto de partes de intervalo y una mayor variedad de instrumentos folclóricos. Las influencias celtas y eslavas en el grupo y las obras corales de voz abierta del norte dan paso a una monodia estridente del sur con influencias árabes, griegas y norteafricanas más fuertes . [35] En algunas partes de Apulia ( Grecìa Salentina , por ejemplo) el dialecto Griko se usa comúnmente en las canciones. La ciudad de Taranto, en Apulia , es el hogar de la tarantela , una danza rítmica muy representada en el sur de Italia. La música de Apulia en general, y la música salentina en particular, han sido bien investigadas y documentadas por etnomusicólogos y por Aramirè .
La música de la isla de Cerdeña es más conocida por el canto polifónico de los tenores . El sonido de los tenores recuerda las raíces del canto gregoriano y es similar pero distintivo del trallalero de Liguria . Los instrumentos típicos incluyen las launeddas , un triple tubo sardo utilizado de manera sofisticada y compleja. Efisio Melis fue un conocido jugador maestro launeddas de los años 1930. [36]
Las canciones populares italianas incluyen baladas , canciones líricas , canciones de cuna y canciones infantiles, canciones estacionales basadas en días festivos como la Navidad, canciones sobre el ciclo de vida que celebran bodas, bautismos y otros eventos importantes, canciones de baile, cantos de ganado y canciones ocupacionales, vinculadas a profesiones como como pescadores, pastores y soldados. Las baladas ( canti epico-lirici ) y las canciones líricas ( canti lirico-monostrofici ) son dos categorías importantes. Las baladas son más comunes en el norte de Italia, mientras que las canciones líricas prevalecen más al sur. Las baladas están estrechamente ligadas a la forma inglesa, y algunas baladas británicas existen en correspondencia exacta con una canción italiana. Otras baladas italianas se basan más estrechamente en modelos franceses. Las canciones líricas son una categoría diversa que consiste en canciones de cuna, serenatas y canciones de trabajo, y con frecuencia se improvisan, aunque se basan en un repertorio tradicional. [29]
Otras tradiciones de canciones populares italianas son menos comunes que las baladas y las canciones líricas. Ocasionalmente todavía se interpretan laudes estróficas, religiosas , a veces en latín, y también se conocen canciones épicas , especialmente las de la celebración del maggio . Cantantes profesionales interpretan endechas de estilo similar a las del resto de Europa. El yodeling existe en el norte de Italia, aunque se asocia más comúnmente con las músicas folclóricas de otras naciones alpinas. El Carnaval italiano está asociado a varios tipos de canciones, especialmente el Carnaval de Bagolino , Brescia . Los coros y las bandas de música son parte de la festividad de mediados de Cuaresma, mientras que la tradición del canto de mendicidad se extiende a lo largo de muchas festividades durante todo el año. [29]
La instrumentación es una parte integral de todas las facetas de la música folclórica italiana. Hay varios instrumentos que conservan formas más antiguas incluso cuando modelos más nuevos se han generalizado en otras partes de Europa. Muchos instrumentos italianos están vinculados a ciertos rituales u ocasiones, como la gaita zampogna , que normalmente sólo se escucha en Navidad. [37] Los instrumentos populares italianos se pueden dividir en categorías de cuerda , viento y percusión. [38] Los instrumentos comunes incluyen el organetto , un acordeón más estrechamente asociado con el saltarello ; El organetto de botones diatónico es más común en el centro de Italia, mientras que los acordeones cromáticos prevalecen en el norte. Muchos municipios albergan bandas de música , que actúan con grupos de arraigo revival; estos conjuntos se basan en el clarinete , el acordeón, el violín y los pequeños tambores, adornados con campanas. [29]
Los instrumentos de viento de Italia incluyen, sobre todo, una variedad de flautas populares. Entre ellas se incluyen las flautas conducto, globular y transversal, así como diversas variaciones de la flauta de pan . Las flautas dobles son más comunes en Campania, Calabria y Sicilia. [39] Una jarra de cerámica llamada quartara también se utiliza como instrumento de viento, soplando a través de una abertura en el estrecho cuello de la botella; se encuentra en el este de Sicilia y Campania. Las flautas de una sola lengüeta ( ciaramella ) y de doble lengüeta ( piffero ) se tocan comúnmente en grupos de dos o tres. [29] Varias gaitas populares son bien conocidas, incluida la zampogna del centro de Italia ; Los nombres dialectales de la gaita varían en toda Italia: eghet en Bérgamo , piva en Lombardía , müsa en Alessandria , Génova , Pavía y Piacenza , etc.
Numerosos instrumentos de percusión forman parte de la música folclórica italiana, incluidos bloques de madera, campanas , castañuelas y tambores. Varias regiones tienen su propia forma distintiva de sonajero , incluido el sonajero dentado raganella y el conocchie de Calabria , un bastón de pastor o hilado con sonajeros de semillas permanentemente adheridos con un significado ritual de fertilidad. El sonajero napolitano es la triccaballacca , formada por varios mazos en un marco de madera. Panderetas ( tamburini , tamburello ), al igual que varios tipos de tambores, como el tambor de fricción putipù . El tamburello , si bien parece muy similar al pandero occidental contemporáneo, en realidad se toca con una técnica mucho más articulada y sofisticada (influenciada por la interpretación del Medio Oriente), lo que le otorga una amplia gama de sonidos. El arpa de boca , scacciapensieri o arpa de cuidado , es un instrumento distintivo que se encuentra sólo en el norte de Italia y Sicilia. [29]
Los instrumentos de cuerda varían mucho según la localidad, sin ningún representante destacado a nivel nacional. Viggiano es el hogar de una tradición de arpa , que tiene una base histórica en Abruzzi , Lazio y Calabria . Sólo Calabria tiene 30 instrumentos musicales tradicionales, algunos de los cuales tienen características fuertemente arcaicas y están en gran medida extintos en otras partes de Italia. Es el hogar de la guitarra de cuatro o cinco cuerdas llamada chitarra battente , y de un violín de arco de tres cuerdas llamado lira , [40] que también se encuentra en formas similares en la música de Creta y el sudeste de Europa . Un violín de una cuerda y arco llamado torototela , es común en el noreste del país. La zona de Tirol del Sur , mayoritariamente de habla alemana, es conocida por la cítara , y la ghironda ( zanfona ) se encuentra en Emilia , Piamonte y Lombardía . [29] Tradiciones existentes, arraigadas y difundidas confirman la producción de instrumentos efímeros y de juguete hechos de corteza, caña (arundo donax), hojas, fibras y tallos, como se desprende, por ejemplo, de las investigaciones de Fabio Lombardi .
La danza es una parte integral de las tradiciones populares en Italia. Algunas de las danzas son antiguas y, hasta cierto punto, persisten en la actualidad. Hay danzas mágico-rituales de propiciación, así como danzas de la cosecha, incluidas las danzas de la "cosecha del mar" de las comunidades pesqueras de Calabria y las danzas de la cosecha del vino en la Toscana. Los bailes famosos incluyen la tarantela sureña ; Quizás la danza italiana más emblemática, la tarantela está en compás de 6/8 y es parte de un ritual popular destinado a curar el veneno causado por las picaduras de tarántula . Las danzas populares toscanas representan ritualmente la caza de la liebre, o exhiben espadas en danzas con armas que simulan o recuerdan los movimientos del combate, o utilizan las armas como instrumentos estilizados de la danza misma. Por ejemplo, en algunos pueblos del norte de Italia, las espadas se sustituyen por medios aros de madera bordados en verde, similar a las llamadas "danzas de guirnaldas" del norte de Europa. [41] También hay danzas de amor y cortejo, como la danza duru-duru en Cerdeña. [42]
Muchos de estos bailes son actividades grupales, el grupo se organiza en filas o círculos; algunos (los bailes de amor y cortejo) involucran parejas, ya sea una sola pareja o más. La tammuriata (realizada al sonido del pandereta) es un baile en pareja que se realiza en el sur de Italia y se acompaña de una canción lírica llamada strambotto . Otros bailes de parejas se conocen colectivamente como saltarello . [29] Sin embargo, también hay bailes solistas; Los más típicos son los "bailes de la bandera" de varias regiones de Italia, en los que el bailarín pasa una bandera de la ciudad o un banderín alrededor del cuello, a través de las piernas, detrás de la espalda, a menudo arrojándolo alto al aire y atrapándolo. Estos bailes también se pueden realizar en grupos de bailarines solistas actuando al unísono o coordinando el paso de banderas entre los bailarines. El norte de Italia también alberga la monferrina , una danza acompañada que fue incorporada a la música artística occidental por el compositor Muzio Clementi . [29]
El interés académico por el estudio de la danza desde las perspectivas de la sociología y la antropología ha sido tradicionalmente descuidado en Italia, pero actualmente está mostrando una renovada vida a nivel universitario y de posgrado. [43]
La primera música popular italiana fue la ópera del siglo XIX. La ópera ha tenido un efecto duradero en la música clásica y popular de Italia. Las melodías de ópera se difundieron a través de bandas de música y conjuntos itinerantes. Canzone Napoletana , o canción napolitana , es una tradición distinta que pasó a formar parte de la música popular en el siglo XIX y fue una imagen icónica de la música italiana en el extranjero a finales del siglo XX. [29] Los estilos importados también se han convertido en una parte importante de la música popular italiana, comenzando con el Café-chantant francés en la década de 1890 y luego con la llegada del jazz estadounidense en la década de 1910. Hasta que el fascismo italiano se volvió oficialmente "alérgico" a las influencias extranjeras a finales de la década de 1930, la música de baile y los músicos estadounidenses eran bastante populares; El gran jazz Louis Armstrong realizó una gira por Italia en 1935 con gran éxito. [44] En la década de 1950, los estilos estadounidenses se volvieron más prominentes, especialmente el rock. La tradición de cantautori cantautori fue un desarrollo importante a finales de la década de 1960, mientras que la escena del rock italiano pronto se diversificó en estilos progresivos , punk , funk y folk. [29]
La ópera italiana se hizo inmensamente popular en el siglo XIX y era conocida incluso en las zonas más rurales del país. La mayoría de los pueblos tenían producciones de ópera ocasionales y las técnicas utilizadas en la ópera influyeron en la música folclórica rural. La ópera se difundió a través de conjuntos itinerantes y bandas de música , centradas en un pueblo local. Estas bandas cívicas ( banda comunale ) utilizaban instrumentos para interpretar arias de ópera, con trombones o fliscornos para las partes vocales masculinas y cornetas para las partes femeninas. [29]
La música regional del siglo XIX también se hizo popular en toda Italia. Entre estas tradiciones locales se destaca la Canzone Napoletana , la canción napolitana. Aunque hay canciones anónimas documentadas de Nápoles de hace muchos siglos, [45] el término canzone Napoletana ahora generalmente se refiere a un gran cuerpo de música popular compuesta relativamente reciente, como " 'O Sole Mio ", "Torna a Surriento", y " Funiculi Funicula ". En el siglo XVIII, muchos compositores, entre ellos Alessandro Scarlatti , Leonardo Vinci y Giovanni Paisiello , contribuyeron a la tradición napolitana utilizando el idioma local para los textos de algunas de sus óperas cómicas . Más tarde, otros, el más famoso Gaetano Donizetti , compusieron canciones napolitanas que obtuvieron gran renombre en Italia y en el extranjero. [29] La tradición de la canción napolitana se formalizó en la década de 1830 a través de un concurso anual de composición de canciones para el festival anual de Piedigrotta , [46] dedicado a la Virgen de Piedigrotta , una iglesia muy conocida en el área de Mergellina en Nápoles. La música se identifica con Nápoles, pero es famosa en el extranjero, ya que fue exportada durante las grandes oleadas de emigración desde Nápoles y el sur de Italia aproximadamente entre 1880 y 1920. El idioma es un elemento extremadamente importante de la canción napolitana, que siempre se escribe e interpreta en napolitano. , [47] la lengua minoritaria regional de Campania . Las canciones napolitanas suelen utilizar armonías simples y están estructuradas en dos secciones, un estribillo y versos narrativos, a menudo en tonalidades mayores y menores relativas o paralelas contrastantes. [29] En términos no musicales, esto significa que muchas canciones napolitanas pueden sonar alegres en un minuto y melancólicas al siguiente.
La música de Francesco Tosti fue popular a principios del siglo XX y es recordada por sus canciones ligeras y expresivas. Su estilo se hizo muy popular durante la Belle Époque y a menudo se lo conoce como música de salón. Sus obras más famosas son Serenata , Addio y la canción popular napolitana Marechiaro , cuya letra es del destacado poeta dialecto napolitano Salvatore di Giacomo .
La música popular grabada comenzó a finales del siglo XIX, y los estilos internacionales influyeron en la música italiana a finales de la década de 1910; sin embargo, el surgimiento de la autarquía , la política fascista de aislacionismo cultural en 1922, provocó una retirada de la música popular internacional. Durante este período, músicos populares italianos viajaron al extranjero y aprendieron elementos del jazz , la música latinoamericana y otros estilos. Estas músicas influyeron en la tradición italiana, que se extendió por todo el mundo y se diversificó aún más tras la liberalización posterior a la Segunda Guerra Mundial. [29]
Bajo las políticas aislacionistas del régimen fascista, que llegó al poder en 1922, Italia desarrolló una cultura musical insular. Se suprimieron las músicas extranjeras mientras el gobierno de Mussolini fomentaba el nacionalismo y la pureza lingüística y étnica. Sin embargo, los artistas populares viajaron al extranjero y trajeron nuevos estilos y técnicas. [29] El jazz americano fue una influencia importante en cantantes como Alberto Rabagliati , quien se hizo conocido por un estilo swing . En muchas canciones populares se utilizaron elementos de armonía y melodía tanto del jazz como del blues , mientras que los ritmos a menudo provenían de bailes latinos como el tango , la rumba y la beguina . Los compositores italianos incorporaron elementos de estos estilos, mientras que la música italiana, especialmente la canción napolitana, se convirtió en parte de la música popular en toda América Latina. [29]
Entre los músicos pop italianos más conocidos de las últimas décadas se encuentran Domenico Modugno , Mina , Mia Martini , Adriano Celentano , Claudio Baglioni , Ornella Vanoni , Patty Pravo y, más recientemente, Zucchero , Mango , Vasco Rossi , Gianna Nannini y la superestrella internacional. Laura Pausini y Andrea Bocelli . Los músicos que componen y cantan sus propias canciones se denominan cantautori (cantautores). Sus composiciones suelen centrarse en temas de relevancia social y suelen ser canciones de protesta : esta ola comenzó en la década de 1960 con músicos como Fabrizio De André , Paolo Conte , Giorgio Gaber , Umberto Bindi , Gino Paoli y Luigi Tenco .
Los temas sociales, políticos, psicológicos e intelectuales, principalmente a raíz de la obra de Gaber y De André, se volvieron aún más predominantes en los años 1970 a través de autores como Lucio Dalla , Pino Daniele , Francesco De Gregori , Ivano Fossati , Francesco Guccini , Edoardo Bennato , Rino Gaetano y Roberto Vecchioni . Lucio Battisti , desde finales de los años 1960 hasta mediados de los años 1990, fusionó la música italiana con el rock y el pop británico y, últimamente en su carrera, con géneros como el synthpop , el rap, el techno y el eurodance , mientras Angelo Branduardi y Franco Battiato seguían sus carreras. más orientado a la tradición de la música pop italiana. [48] Existe cierto cruce de géneros entre los cantautori y aquellos que son vistos como cantantes de "música de protesta". [49]
Las bandas sonoras de las películas, aunque son secundarias respecto de la película, suelen ser aclamadas por la crítica y muy populares por derecho propio. Entre la música antigua para películas italianas de la década de 1930 se encontraba la obra de Riccardo Zandonai con partituras para las películas La Principessa Tarakanova (1937) y Caravaggio (1941). Los ejemplos de la posguerra incluyen a Goffredo Petrassi con Non c'e pace tra gli ulivi (1950) y Roman Vlad con Giulietta e Romeo (1954). Otro compositor cinematográfico muy conocido fue Nino Rota , cuya carrera de posguerra incluyó las partituras de películas de Federico Fellini y, más tarde, de la serie El Padrino . Otros compositores destacados de bandas sonoras cinematográficas son Ennio Morricone , Riz Ortolani y Piero Umiliani . [50]
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Italia ha sido un país importante en lo que respecta a la música electrónica de baile , especialmente desde la creación del Italo disco a finales de los años 1970 y principios de los 1980. El género, originario de la música disco , mezclaba "melodías melancólicas" con música pop y electrónica , [51] haciendo uso de sintetizadores y cajas de ritmos , que a menudo le daban un sonido futurista. Según un artículo de The Guardian , en ciudades como Verona y Milán , los productores trabajarían con cantantes, utilizando sintetizadores y cajas de ritmos fabricados en masa, e incorporándolos a una mezcla de música experimental con una "sensibilidad pop clásica" [51 ] que estaría dirigido a discotecas . [51] Las canciones producidas a menudo serían vendidas más tarde por sellos y compañías como Discomagic, con sede en Milán. [51]
El italo disco influyó en varios grupos electrónicos, como Pet Shop Boys , Erasure y New Order , [51] así como en géneros como el eurodance , el eurobeat y el estilo libre . Alrededor de 1988, sin embargo, el género se había fusionado con otras formas de danza y música electrónica europeas, una de las cuales era el Italo house . El Italo house combinó elementos del Italo disco con música house tradicional ; su sonido era en general edificante y hacía un fuerte uso de melodías de piano. Las bandas de este género incluyen: Black Box , East Side Beat y 49ers .
En la segunda mitad de la década de 1990, surgió un subgénero de Eurodance conocido como Italo dance . Tomando influencias del Italo disco y del Italo house, el Italo dance generalmente incluía riffs de sintetizador, un sonido melódico y el uso de vocoders . El género se volvió popular después del lanzamiento del sencillo " Blue (Da Ba Dee) " de Eiffel 65 , que se convirtió en uno de los grupos electrónicos más populares de Italia; su álbum Europop fue coronado como el mejor álbum de los años 1990 por Channel 4 . [52] Además, Gigi D'Agostino desarrolló un subgénero de la danza italiana conocido como Lento Violento ("lento y violento") como un tipo de música mucho más lento y duro. El BPM a menudo se reduce a la mitad de las pistas de baile típicas italianas. El bajo suele ser notablemente fuerte y domina la canción. [53]
A lo largo de los años, ha habido varios compositores y productores italianos de música de baile importantes, como Giorgio Moroder , que ganó tres premios de la Academia y cuatro Globos de Oro por su música. Su trabajo con sintetizadores influyó mucho en varios géneros musicales como la new wave, el techno y la house; [54] Allmusic lo acredita como "Uno de los principales arquitectos del sonido disco", [55] y también es apodado el "Padre de la música disco". [56] [57]
Durante la Belle Époque , la moda francesa de interpretar música popular en el café-chantant se extendió por toda Europa. [58] La tradición tenía mucho en común con el cabaret , y hay superposición entre café-chantant , café-concert , cabaret , music hall , vodevil y otros estilos similares, pero al menos en su manifestación italiana, la tradición permaneció en gran medida apolítica. centrándose en música más ligera, a menudo atrevida, pero no obscena. El primer café-chantant de Italia fue el Salone Margherita , inaugurado en 1890 en las instalaciones de la nueva Galleria Umberto de Nápoles. [59] En otras partes de Italia, poco después se abrieron el Gran Salone Eden de Milán y el Music Hall Olympia de Roma. El Café-chantant se conocía alternativamente como el caffè-concerto italianizado . La intérprete principal, normalmente una mujer, se llamaba cantante en francés; el término italiano, sciantosa , es una acuñación directa del francés. Las canciones en sí no eran francesas, sino canciones alegres o ligeramente sentimentales compuestas en italiano. Esa música pasó de moda con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial.
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La influencia de las formas pop estadounidenses ha sido fuerte desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Los lujosos espectáculos de Broadway , las Big Bands , el rock and roll y el hip hop siguen siendo populares. La música latina, especialmente la bossa nova brasileña , también es popular, y el género puertorriqueño del reggaetón se está convirtiendo rápidamente en una forma dominante de música de baile. Ya no es raro que artistas pop italianos modernos como Laura Pausini , Eros Ramazzotti , Zucchero o Andrea Bocelli lancen algunas canciones nuevas en inglés o español además de las versiones originales italianas. El grupo Il Volo canta en italiano, inglés, español y alemán. Así, las revistas musicales, habituales en la televisión italiana actual, pueden pasar fácilmente, en una sola noche, de un número de big band con bailarines a un imitador de Elvis y a un cantante pop actual interpretando un aria de Puccini.
El jazz llegó a Europa durante la Primera Guerra Mundial gracias a la presencia de músicos estadounidenses en bandas militares que tocaban música sincopada . [60] Sin embargo, incluso antes de eso, Italia recibió un indicio de nueva música del otro lado del Atlántico en la forma de cantantes y bailarines criollos que actuaron en el Teatro Eden de Milán en 1904; se anunciaron a sí mismos como los "creadores del pastelito ". Las primeras verdaderas orquestas de jazz en Italia, sin embargo, fueron formadas durante la década de 1920 por directores de orquesta como Arturo Agazzi y gozaron de un éxito inmediato. [44] A pesar de las políticas culturales antiamericanas del régimen fascista durante la década de 1930, el jazz estadounidense siguió siendo popular.
En los años inmediatos a la posguerra, el jazz despegó en Italia. Todos los estilos de jazz americano de posguerra, desde el bebop hasta el free jazz y la fusión , tienen sus equivalentes en Italia. La universalidad de la cultura italiana aseguró que surgieran clubes de jazz en toda la península, que todos los estudios de radio y luego de televisión tuvieran bandas house basadas en jazz, que los músicos italianos comenzaran a cultivar un tipo de jazz local, basado en formas de canciones europeas. , técnicas de composición clásica y música folklórica. Actualmente, todos los conservatorios de música italianos tienen departamentos de jazz, y cada año se celebran festivales de jazz en Italia, el más conocido de los cuales es el Festival de Jazz de Umbría , y existen publicaciones destacadas como la revista Musica Jazz .
El pop rock italiano ha producido grandes estrellas como Zucchero y ha dado lugar a muchos grandes éxitos. Los medios de comunicación de la industria, especialmente la televisión, son vehículos importantes para este tipo de música; Es característico el programa de televisión Sabato Sera . [61] Italia estuvo a la vanguardia del movimiento de rock progresivo de la década de 1970, un estilo que se desarrolló principalmente en Europa pero que también ganó audiencia en otras partes del mundo. A veces se considera un género aparte, el rock progresivo italiano . Bandas italianas como The Trip , Area , Premiata Forneria Marconi (PFM), Banco del Mutuo Soccorso , New Trolls , Goblin , Osanna , Saint Just y Le Orme incorporaron una mezcla de rock sinfónico y música folk italiana y fueron populares en toda Europa y el Estados Unidos también. Otras bandas progresivas como Perigeo , Balletto di Bronzo , Museo Rosenbach , Rovescio della Medaglia , Biglietto per l'Inferno o Alphataurus siguieron siendo poco conocidas, pero sus álbumes son hoy considerados clásicos por los coleccionistas. Algunas bandas o artistas de rock de vanguardia ( Area , Picchio dal Pozzo , Opus Avantra , Stormy Six , Saint Just , Giovanni Lindo Ferretti ) ganaron notoriedad por su sonido innovador. Los conciertos de rock progresivo en Italia tendían a tener un fuerte trasfondo político y una atmósfera enérgica. Las bandas de metal italianas populares incluyen Rhapsody of Fire , Lacuna Coil , Elvenking , Forgotten Tomb y Fleshgod Apocalypse . [62]
La escena del hip hop italiano comenzó a principios de la década de 1990 con Articolo 31 de Milán , cuyo estilo estaba influenciado principalmente por el rap de la costa este . Otros grupos de hip hop tempranos tenían típicamente una orientación política, como 99 Posse , que más tarde se volvió más influenciado por el trip hop británico . Los equipos más recientes incluyen raperos gánsteres como La Fossa de Cerdeña . Otros estilos importados recientemente incluyen techno , trance y electrónica interpretados por artistas como Gabry Ponte , Eiffel 65 y Gigi D`Agostino . [63] El hip hop gusta especialmente en el sur de Italia, junto con el concepto sureño de rispetto ( respeto , honor ), una forma de justa verbal; Ambos hechos han ayudado a identificar la música del sur de Italia con el estilo hip hop afroamericano. [64] Además, hay muchas bandas en Italia que tocan un estilo llamado patchanka , que se caracteriza por una mezcla de música tradicional, punk, reggae, rock y letras políticas. Modena City Ramblers es una de las bandas más populares conocida por su mezcla de música irlandesa, italiana, punk, reggae y muchas otras formas de música. [63]
Italia también se ha convertido en el hogar de una serie de proyectos de fusión mediterránea. Entre ellos se encuentra Al Darawish , una banda multicultural con sede en Sicilia y dirigida por el palestino Nabil Ben Salaméh. La Orquesta de Hipertexto Luigi Cinque Tarantula es otro ejemplo, al igual que el proyecto TaraGnawa de Phaleg y Nour Eddine . Mango es uno de los artistas más conocidos que fusionó el pop con sonidos mundiales y mediterráneos, álbumes como Adesso , Sirtaki y Come l'acqua son ejemplos de su estilo. El cantante popular napolitano Massimo Ranieri también ha editado un CD, Oggi o dimane , de canzone tradicional napoletana con ritmos e instrumentos norteafricanos. [63]
La industria musical en Italia ganó 2.300 millones de euros en 2004. Esta suma se refiere a la venta de CD, música electrónica, instrumentos musicales y la venta de entradas para actuaciones en directo. A modo de comparación, la industria discográfica italiana ocupa el octavo lugar en el mundo; Los italianos poseen 0,7 álbumes de música per cápita, frente a los EE.UU., que ocupan el primer lugar con 2,7. [sesenta y cinco]
A nivel nacional, hay tres cadenas de televisión estatales y tres privadas. Todos ofrecen música en vivo al menos parte del tiempo. Muchas ciudades grandes de Italia también tienen estaciones de televisión locales, que pueden ofrecer música folklórica o dialectal en vivo que a menudo sólo interesa al área inmediata. La mayor de estas cadenas de libros y CD es Feltrinelli .
Los lugares para la música en Italia incluyen conciertos en los numerosos conservatorios de música , salas sinfónicas y teatros de ópera . Italia también celebra cada año muchos festivales de música internacionales de renombre , incluido el Festival de Spoleto , el Festival Puccini y el Festival Wagner en Ravello . Algunos festivales ofrecen lugares a compositores más jóvenes de música clásica mediante la producción y puesta en escena de trabajos ganadores en concursos. El ganador, por ejemplo, del Concurso Internacional de Nueva Ópera y Música de Cámara "Orpheus", además de ganar un premio considerable en metálico, podrá ver su obra musical interpretada en el Festival de Spoleto. [66] También hay docenas de clases magistrales de música patrocinadas de forma privada cada año que organizan conciertos para el público. Italia es también un destino habitual para conocidas orquestas del extranjero; Casi en cualquier momento dado durante la temporada de mayor actividad, al menos una orquesta importante de otras partes de Europa o América del Norte ofrece un concierto en Italia. Además, se puede escuchar música pública en decenas de conciertos de pop y rock durante todo el año. Incluso se puede escuchar ópera al aire libre, por ejemplo, en el antiguo anfiteatro romano, la Arena de Verona .
Las bandas militares también son populares en Italia. A nivel nacional, una de las más conocidas es la banda de concierto de la Guardia di Finanza (Aduanas/Policía de Fronteras italiana); se presenta muchas veces al año.
Muchos teatros también presentan habitualmente no sólo traducciones italianas de musicales estadounidenses, sino auténticas comedias musicales italianas, denominadas con el término inglés musical . En italiano, ese término describe un tipo de drama musical no nativo de Italia, una forma que emplea el lenguaje estadounidense de música y ritmos basados en el jazz, el pop y el rock para hacer avanzar una historia en una combinación de canciones y diálogos.
La música en los rituales religiosos, especialmente los católicos, se manifiesta de diversas formas. Las bandas parroquiales, por ejemplo, son bastante comunes en toda Italia. Pueden ser desde cuatro o cinco miembros hasta 20 o 30. Por lo general, actúan en festivales religiosos específicos de una ciudad en particular, generalmente en honor al santo patrón de la ciudad. Las obras maestras históricas orquestales/corales interpretadas en la iglesia por profesionales son bien conocidas; entre ellas se incluyen obras como el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi y el Réquiem de Verdi . El Concilio Vaticano Segundo de 1962 a 1965 revolucionó la música en la Iglesia Católica, lo que provocó un aumento en el número de coros de aficionados que actúan regularmente en los servicios; El Consejo también alentó el canto de himnos en congregación, y en los últimos 40 años se ha compuesto un vasto repertorio de nuevos himnos. [67]
No hay mucha música navideña italiana nativa. El villancico italiano más popular es " Tu scendi dalle stelle ", cuyas palabras en italiano moderno fueron escritas por el Papa Pío IX en 1870. La melodía es una versión en tono mayor de un villancico napolitano más antiguo en tono menor "Quanno Nascette Ninno". "de Alfonso Ligorio . Aparte de eso, los italianos cantan en gran medida traducciones de villancicos que provienen de la tradición alemana e inglesa (" Noche de paz ", por ejemplo). No existe música navideña secular nativa italiana, lo que explica la popularidad de las versiones en italiano de " Jingle Bells " y " White Christmas ". [68]
El Festival de Música de San Remo es un lugar importante para la música popular en Italia. Se celebra anualmente desde 1951 y actualmente se representa en el Teatro Ariston de San Remo. Tiene una duración de una semana en febrero y brinda a los artistas nuevos y veteranos la oportunidad de presentar nuevas canciones. Ganar el concurso ha sido a menudo un trampolín hacia el éxito de la industria. El festival se televisa a nivel nacional durante tres horas por noche, lo presentan las personalidades más conocidas de la televisión italiana y ha sido un vehículo para artistas como Domenico Modugno , quizás el cantante pop italiano más conocido de los últimos 50 años.
Los programas de variedades de televisión son el lugar más amplio para la música popular. Cambian con frecuencia, pero Buona Domenica , Domenica In y I raccomandati son populares. La retransmisión musical de mayor duración en Italia es La Corrida , un programa semanal de tres horas de duración dirigido a aficionados y aspirantes a músicos. [69] Comenzó en la radio en 1968 y pasó a la televisión en 1988. El público del estudio trae cencerros y sirenas y se le anima a mostrar una desaprobación afable. La ciudad con mayor número de conciertos de rock (de artistas nacionales e internacionales) es Milán, con un número cercano al de otras capitales musicales europeas, como París, Londres y Berlín.
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Numerosos institutos de educación superior enseñan música en Italia. Alrededor de 75 conservatorios de música ofrecen formación avanzada a futuros músicos profesionales. También hay muchas escuelas de música privadas y talleres de construcción y reparación de instrumentos. La enseñanza privada también es bastante común en Italia. Los estudiantes de primaria y secundaria pueden esperar tener una o dos horas semanales de enseñanza de música, generalmente en canto coral y teoría musical básica, aunque las oportunidades extracurriculares son raras. [70] Aunque la mayoría de las universidades italianas tienen clases en materias relacionadas como historia de la música, la interpretación no es una característica común de la educación universitaria.
Italia tiene un sistema especializado de escuelas secundarias; los estudiantes asisten, según su elección, a una escuela secundaria de humanidades, ciencias, lenguas extranjeras o arte y música (en el "liceo musicale", donde se enseñan instrumentos, teoría musical, composición e historia musical como materia principal). Italia tiene programas recientes y ambiciosos para exponer a los niños a más música. Además, con la reciente reforma educativa, los decretos legales indican explícitamente un Liceo musicale e coreutico específico (escuela secundaria de segundo nivel, de 14 a 15 años y de 18 a 19 años). [71] Sin embargo, este tipo de escuela no se ha creado y no funciona eficazmente. La cadena de televisión estatal ha iniciado un programa para utilizar tecnología satelital moderna para transmitir música coral en las escuelas públicas. [d]
Los estudios en el campo de la recopilación, preservación y catalogación de todas las variedades de música son enormes. En Italia, como en otros lugares, estas tareas se reparten entre una serie de agencias y organizaciones. La mayoría de los grandes conservatorios de música mantienen departamentos que supervisan la investigación relacionada con sus propias colecciones. Esta investigación se coordina a escala nacional e internacional a través de Internet. Una institución destacada en Italia es IBIMUS, el Istituto di Bibliografia Musicale , en Roma. Trabaja con otras agencias a escala internacional a través de RISM, el Répertoire International des Sources Musicales , un inventario e índice de material fuente. Además, la Discoteca di Stato (Archivo Nacional de Grabaciones) de Roma, fundada en 1928, posee la mayor colección pública de música grabada en Italia con unos 230.000 ejemplos de música clásica, folk, jazz y rock, grabados en todo tipo de objetos, desde antiguos cilindros de cera hasta los medios electrónicos modernos.
El estudio académico de la música tradicional italiana comenzó alrededor de 1850, con un grupo de etnógrafos filológicos que estudiaron el impacto de la música en una identidad nacional panitaliana. Una identidad italiana unificada recién comenzó a desarrollarse después de la integración política de la península en 1860. La atención en ese momento estaba en el valor lírico y literario de la música, más que en la instrumentación; este enfoque se mantuvo hasta principios de la década de 1960. Dos revistas folclóricas ayudaron a fomentar el floreciente campo de estudio, la Rivista Italiana delle Tradizioni Popolari y Lares , fundadas en 1894 y 1912, respectivamente. Los primeros estudios musicales importantes se realizaron sobre las launeddas sardas en 1913-1914 por Mario Giulio Fara ; sobre la música siciliana, publicado en 1907 y 1921 por Alberto Favara ; y estudios de la música de Emilia Romagna en 1941 por Francesco Balilla Pratella . [29]
Las primeras grabaciones de música tradicional italiana se produjeron en la década de 1920, pero fueron escasas hasta la creación del Centro Nazionale Studi di Musica Popolare en la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma. El Centro patrocinó numerosos viajes de recolección de canciones por toda la península, especialmente al sur y centro de Italia. Giorgio Nataletti fue una figura instrumental en el Centro y también realizó él mismo numerosas grabaciones. El estudioso estadounidense Alan Lomax y el italiano Diego Carpitella hicieron un estudio exhaustivo de la península en 1954. A principios de la década de 1960, un resurgimiento de las raíces fomentó un mayor estudio, especialmente de las culturas musicales del norte, que muchos estudiosos habían asumido previamente que mantenían poca cultura popular. . Los eruditos más destacados de esta época incluyeron a Roberto Leydi , Ottavio Tiby y Leo Levi . Durante la década de 1970, Leydi y Carpitella fueron nombrados para las dos primeras cátedras de etnomusicología en universidades, con Carpitella en la Universidad de Roma y Leydi en la Universidad de Bolonia . En la década de 1980, los académicos italianos comenzaron a centrarse menos en realizar grabaciones y más en estudiar y sintetizar la información ya recopilada. Otros estudiaron música italiana en Estados Unidos y Australia, y la música folclórica de inmigrantes recientes en Italia. [29]
Este disco fue una colaboración entre Philip Oakey, el cantante de gran voz de la banda de tecno-pop Human League, y Giorgio Moroder, el padre italiano de la música disco que pasó los años 80 escribiendo música pop y cinematográfica basada en sintetizadores.
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