Las artes visuales de los pueblos indígenas de las Américas abarca las prácticas artísticas visuales de los pueblos indígenas de las Américas desde la antigüedad hasta la actualidad. Estos incluyen obras de América del Sur y América del Norte , que incluye Centroamérica y Groenlandia . También se incluyen los yupiit siberianos , que tienen una gran superposición cultural con los yupiit nativos de Alaska .
Las artes visuales indígenas americanas incluyen artes portátiles, como pintura, cestería, textiles o fotografía, así como obras monumentales, como arquitectura , land art , escultura pública o murales. Algunas formas de arte indígena coinciden con formas de arte occidental ; sin embargo, algunos, como las púas del puercoespín o las mordeduras de corteza de abedul, son exclusivas de América.
El arte indígena de las Américas ha sido coleccionado por los europeos desde el contacto sostenido en 1492 y se ha unido a colecciones en gabinetes de curiosidades y primeros museos. Los museos de arte occidentales más conservadores han clasificado el arte indígena de las Américas dentro de las artes de África, Oceanía y las Américas, con obras de arte anteriores al contacto clasificadas como arte precolombino , término que a veces se refiere únicamente al arte anterior al contacto de los pueblos indígenas de América Latina . Los eruditos y aliados nativos se esfuerzan por que el arte indígena se comprenda e interprete desde perspectivas indígenas.
La etapa Lítica o período Paleoindio se define aproximadamente entre el 18.000 y el 8.000 a.C. El período comprendido aproximadamente entre el 8000 y el 800 a. C. se denomina generalmente período Arcaico . Si bien la gente de este período trabajaba con una amplia gama de materiales, los materiales perecederos, como fibras vegetales o pieles, rara vez se habían conservado a lo largo de los milenios. Los pueblos indígenas crearon estandartes , puntas de proyectil , estilos de reducción lítica y pinturas rupestres pictográficas, algunas de las cuales han sobrevivido en el presente.
Perteneciente a la etapa lítica, el arte más antiguo conocido en América es un hueso de megafauna fosilizado , posiblemente de un mamut, tallado con un perfil de mamut o mastodonte andante que data del año 11.000 a.C. [1] El hueso fue encontrado a principios del siglo XXI cerca de Vero Beach, Florida , en un área donde se habían encontrado huesos humanos ( hombre Vero ) en asociación con animales extintos del pleistoceno a principios del siglo XX. El hueso está demasiado mineralizado para fecharlo, pero se ha autentificado que la talla se realizó antes de que el hueso se mineralizara. La exactitud anatómica del tallado y la fuerte mineralización del hueso indican que el tallado se realizó cuando aún vivían mamuts y/o mastodontes en la zona, hace más de 10.000 años. [2] [3] [4] [5]
El objeto pintado más antiguo conocido en América del Norte es el cráneo de Cooper Bison de aproximadamente 8.050 a. C. [6] [ página necesaria ] El arte de la edad lítica en América del Sur incluye pinturas rupestres de la cultura Monte Alegre creadas en Caverna da Pedra Pintada que datan del 9250 al 8550 a.C. [7] [8] La cueva Guitarrero en Perú tiene los textiles más antiguos conocidos en América del Sur, que datan del 8000 a. C. [9]
El suroeste de Estados Unidos y ciertas regiones de los Andes tienen la mayor concentración de pictografías (imágenes pintadas) y petroglifos (imágenes talladas) de este período. Tanto las pictografías como los petroglifos se conocen como arte rupestre .
Los Yup'ik de Alaska tienen una larga tradición de tallar máscaras para usar en rituales chamánicos . Los pueblos indígenas del ártico canadiense han producido objetos que podrían clasificarse como arte desde la época de la cultura Dorset . Si bien las tallas de marfil de morsa de Dorset eran principalmente chamánicas, el arte del pueblo Thule que las reemplazó alrededor del año 1000 d.C. tenía un carácter más decorativo. Con el contacto europeo comenzó el período histórico del arte inuit. En este período, que alcanzó su apogeo a finales del siglo XIX, los artesanos inuit crearon recuerdos para las tripulaciones de los barcos balleneros y los exploradores. Los ejemplos comunes incluyen tablas de cribbage . El arte moderno inuit comenzó a finales de la década de 1940, cuando, con el apoyo del gobierno canadiense, comenzaron a producir grabados y esculturas serpentinas para la venta en el sur. Los inuit groenlandeses tienen una tradición textil única que integra la costura de pieles, pieles y aplicaciones de pequeños trozos de órganos de mamíferos marinos teñidos de colores brillantes en diseños de mosaico, llamados avittat. Las mujeres crean elaborados collares con cuentas en red. Tienen una fuerte tradición en la fabricación de máscaras y también son conocidos por una forma de arte llamada tupilaq o "objeto de espíritu maligno". Las prácticas tradicionales de creación de arte prosperan en Ammassalik . [10] El marfil de cachalote sigue siendo un medio valioso para tallar. [11]
Las culturas del interior de Alaska y Canadá que viven al sur del Círculo Polar Ártico son pueblos subárticos . Si bien los humanos han vivido en la región durante mucho más tiempo, el arte subártico más antiguo que se conoce es un sitio de petroglifos en el noroeste de Ontario , que data del año 5000 a. C. El caribú y, en menor medida , los alces , son recursos importantes que proporcionan pieles, astas, tendones y otros materiales artísticos. Las plumas de puercoespín embellecen las pieles y la corteza de abedul. Después del contacto europeo con la influencia de las Monjas Grises , los mechones de pelo de alce y los adornos florales de vidrio se hicieron populares en todo el Subártico. [12]
El arte de los Haida , Tlingit , Heiltsuk , Tsimshian y otras tribus más pequeñas que viven en las zonas costeras del estado de Washington , Oregón y Columbia Británica , se caracteriza por un vocabulario estilístico extremadamente complejo expresado principalmente en el medio del tallado en madera. Ejemplos famosos incluyen tótems , máscaras de transformación y canoas. Además de la carpintería, la pintura bidimensional y las joyas grabadas en plata, oro y cobre adquirieron importancia después del contacto con los europeos.
Las culturas de los Bosques del Este , o simplemente bosques, habitaron las regiones de América del Norte al este del río Mississippi al menos desde el año 2500 a.C. Si bien había muchas culturas regionales distintas, el comercio entre ellas era común y compartían la práctica de enterrar a sus muertos en montículos de tierra, lo que ha preservado una gran cantidad de su arte. Debido a este rasgo, las culturas se conocen colectivamente como constructores de montículos .
El período Woodland (1000 a. C.-1000 d. C.) se divide en períodos temprano, medio y tardío, y estuvo formado por culturas que dependían principalmente de la caza y la recolección para su subsistencia. Las cerámicas elaboradas por la cultura Deptford (2500 a. C.-100 d. C.) son la evidencia más antigua de una tradición artística en esta región. La cultura Adena es otro ejemplo bien conocido de una cultura Woodland temprana. Tallaron tablillas de piedra con diseños zoomorfos , crearon cerámica y confeccionaron trajes con pieles de animales y astas para rituales ceremoniales. Los mariscos eran un pilar de su dieta y se han encontrado conchas grabadas en sus túmulos.
El período de Middle Woodland estuvo dominado por culturas de la tradición Hopewell (200–500). Su obra de arte abarcó una amplia variedad de joyas y esculturas en piedra, madera e incluso hueso humano.
El período de los bosques tardíos (500-1000 d. C.) vio una disminución en el comercio y en el tamaño de los asentamientos, y la creación de arte también disminuyó.
A partir del siglo XII, los Haudenosaunee y las tribus costeras cercanas fabricaron wampum a partir de conchas y cuerdas; se trataba de dispositivos mnemotécnicos , moneda y registros de tratados.
Los iroqueses tallan máscaras faciales falsas para rituales curativos, pero los representantes tradicionales de las tribus, el Gran Consejo de los Haudenosaunee , tienen claro que estas máscaras no están a la venta ni a la exhibición pública. [13] Lo mismo puede decirse de las máscaras de la Iroquois Corn Husk Society. [14]
Una escultora de bellas artes de mediados del siglo XIX fue Edmonia Lewis (afroamericana/ojibwe). Dos de sus obras se encuentran en el Museo de Newark . [15]
Los pueblos nativos de los bosques del noreste continuaron creando arte visual durante los siglos XX y XXI. Uno de esos artistas es Sharol Graves, cuyas serigrafías se han exhibido en el Museo Nacional del Indio Americano . [16] Graves también es el ilustrador de The People Shall Continue de Lee & Low Books .
La cultura Poverty Point habitó partes del estado de Luisiana desde 2000 hasta 1000 a. C. durante el período Arcaico . [17] Muchos objetos excavados en los sitios de Poverty Point estaban hechos de materiales que se originaron en lugares distantes, incluidas puntas y herramientas de proyectiles de piedra tallada, plomadas, gorgueras y vasijas de piedra molida, y cuentas de concha y piedra. Las herramientas de piedra encontradas en Poverty Point estaban hechas de materias primas que se originaban en las relativamente cercanas montañas Ouachita y Ozark y en los valles de los ríos Ohio y Tennessee, mucho más lejanos . Las vasijas se fabricaban con esteatita procedente de las estribaciones de los Apalaches de Alabama y Georgia . [18] Los objetos de arcilla cocida a baja temperatura modelados a mano se presentan en una variedad de formas, incluidas figuras antropomorfas y bolas de cocina. [17]
La cultura del Misisipio floreció en lo que hoy es el medio oeste , el este y el sureste de los Estados Unidos desde aproximadamente el año 800 d.C. al 1500 d.C., variando según la región. [19] Después de adoptar la agricultura del maíz, la cultura del Mississippi se volvió completamente agraria, a diferencia de la caza y la recolección complementadas con la agricultura a tiempo parcial practicada por las culturas forestales anteriores. Construyeron montículos de plataformas más grandes y complejos que los de sus predecesores, y terminaron y desarrollaron técnicas cerámicas más avanzadas, comúnmente utilizando conchas de mejillón molidas como agente templador . Muchos estaban involucrados con el Complejo Ceremonial del Sureste , una red comercial y religiosa panregional y panlingüística. La mayor parte de la información conocida sobre el SECC se deriva del examen de las elaboradas obras de arte dejadas por sus participantes, incluyendo cerámica , gorgueras y copas de concha, estatuas de piedra , placas de cobre repujadas como el escondite de Wulfing , placas de Rogan y placas de nariz larga. máscaras de dios . En el momento del contacto europeo, las sociedades del Mississippi ya estaban experimentando una grave tensión social, y con los trastornos políticos y las enfermedades introducidas por los europeos, muchas de las sociedades colapsaron y dejaron de practicar un estilo de vida del Mississippi, con excepciones notables como la cultura Plaquemine, Natchez y los Taensa relacionados. pueblos. Otras tribus descendientes de las culturas del Misisipio incluyen a los caddo , los choctaw , los muscogee creek , los wichita y muchos otros pueblos del sureste.
En Florida se ha encontrado una gran cantidad de artefactos de madera precolombinos. Mientras que los artefactos de madera más antiguos tienen hasta 10.000 años de antigüedad, los objetos de madera tallados y pintados sólo se conocen desde hace 2.000 años. Se han encontrado efigies de animales y máscaras faciales en varios sitios de Florida. Se encontraron efigies de animales que datan de entre 200 y 600 en un estanque mortuorio en Fort Center , en el lado oeste del lago Okeechobee . Particularmente impresionante es la talla de un águila de 66 cm de altura. [20]
En 1896 se excavaron más de 1.000 objetos de madera tallados y pintados, entre ellos máscaras, tablillas, placas y efigies, en Key Marco , en el suroeste de Florida . Han sido descritos como uno de los mejores arte prehistórico de los nativos americanos de América del Norte. Los objetos no están bien fechados, pero pueden pertenecer al primer milenio de la era actual. Los misioneros españoles describieron máscaras y efigies similares utilizadas por los Calusa a finales del siglo XVII y en el antiguo sitio de Tequesta en el río Miami en 1743, aunque no ha sobrevivido ningún ejemplo de objetos Calusa del período histórico. Se conoce un estilo de efigie del sur de Florida a partir de tallas de madera y hueso de varios sitios en las áreas culturales de Belle Glade , Caloosahatchee y Glades . [21] [22]
Los Seminoles son más conocidos por sus creaciones textiles, especialmente ropa de retazos. La fabricación de muñecas es otro oficio notable. [23]
Las tribus han vivido en las Grandes Llanuras durante miles de años. Las primeras culturas de las llanuras se dividen comúnmente en cuatro períodos: paleoindia (al menos c. 10 000 a 4000 a. C.), llanuras arcaicas (c. 4000 a 250 a. C.), llanuras boscosas (c. 250 a. C.-950 d. C.), aldea de las llanuras (c. 950-1850 d.C.). [24] El objeto pintado más antiguo conocido en América del Norte se encontró en las llanuras del sur, el cráneo de Cooper Bison , encontrado en Oklahoma y fechado entre 10.900 y 10.200 a.C. Está pintado con un zig-zag rojo. [6]
En el período de las aldeas de las llanuras, las culturas de la zona se asentaron en grupos cerrados de casas rectangulares y cultivaron maíz . Surgieron varias diferencias regionales, incluidas las Llanuras del Sur, las Llanuras Centrales, Oneota y el Medio Missouri. Las tribus eran a la vez cazadores nómadas y agricultores seminómadas. Durante el período de coalición de las llanuras (1400-contacto europeo), algunos cambios, posiblemente una sequía, provocaron la migración masiva de la población a la región de los Bosques del Este, y las Grandes Llanuras estuvieron escasamente pobladas hasta que la presión de los colonos estadounidenses obligó a las tribus a ingresar al área nuevamente.
La llegada del caballo revolucionó las culturas de muchas tribus históricas de las Llanuras. La cultura del caballo permitió a las tribus vivir una existencia completamente nómada, cazando búfalos. La ropa de piel de búfalo estaba decorada con bordados de plumas de puercoespín y cuentas; las conchas de dentalium y los dientes de alce eran materiales preciados. Posteriormente, las monedas y cuentas de vidrio adquiridas mediante el comercio se incorporaron al arte de las llanuras. El trabajo con abalorios de las llanuras ha florecido hasta la época contemporánea.
El búfalo era el material preferido para pintar pieles de las llanuras . Los hombres pintaban diseños pictóricos narrativos que registraban hazañas o visiones personales. También pintaron calendarios históricos pictográficos conocidos como cuentas de invierno . Las mujeres pintaban diseños geométricos en túnicas bronceadas y parfleches de cuero crudo , que a veces servían como mapas. [25]
Durante la Era de las Reservas de finales del siglo XIX, los cazadores no nativos destruyeron sistemáticamente las manadas de búfalos. Debido a la escasez de pieles, los artistas de las Llanuras adoptaron nuevas superficies para pintar, como la muselina o el papel, dando origen al arte Ledger , llamado así por los omnipresentes libros de contabilidad utilizados por los artistas de las Llanuras.
Desde el período arcaico, la región de la Meseta, también conocida como Intermontaine y Gran Cuenca superior , había sido un centro de comercio. Los habitantes de la meseta tradicionalmente se asentaron cerca de los principales sistemas fluviales. [26] Debido a esto, su arte tiene influencias de otras regiones, de las costas del noroeste del Pacífico y las Grandes Llanuras. Las mujeres Nez Perce , Yakama , Umatilla y Cayuse tejen hojas de maíz planas y rectangulares o bolsas de cáñamo , que están decoradas con "diseños geométricos audaces" en falsos bordados. [27] Los trabajadores de abalorios de Plateau son conocidos por sus abalorios de estilo de contorno y sus elaboradas insignias de caballo.
Las tribus de la Gran Cuenca tienen una sofisticada tradición de fabricación de cestas, como lo ejemplifican Dat So La Lee /Louisa Keyser ( Washoe ), Lucy Telles , Carrie Bethel y Nellie Charlie . Después de ser desplazado de sus tierras por colonos no nativos, Washoe tejió cestas para el mercado de productos básicos, especialmente entre 1895 y 1935. [28] Los cesteros Paiute , Shoshone y Washoe son conocidos por sus cestas que incorporan cuentas de semillas en la superficie y por sus cestas impermeables. . [29]
Los nativos americanos de California han utilizado diferentes medios y formas para sus diseños tradicionales que se encuentran en artefactos que expresan su historia y cultura. Algunas formas de arte tradicionales y evidencia arqueológica incluyen cestería, pictografías pintadas y petroglifos encontrados en las paredes de las cuevas y estatuillas de efigies.
Los nativos americanos de California tienen una tradición de tejido de cestas exquisitamente detalladas . A finales del siglo XIX, las cestas californianas de artistas de las tribus Cahuilla , Chumash , Pomo , Miwok , Hupa y muchas otras tribus se hicieron populares entre coleccionistas, museos y turistas. Esto resultó en una gran innovación en la forma de las cestas. Muchas piezas de tejedores de cestas nativos americanos de todas partes de California se encuentran en colecciones de museos, como el Museo Peabody de Arqueología y Etnología de la Universidad de Harvard , el Museo del Suroeste y el Museo Nacional del Indio Americano de la Institución Smithsonian .
California tiene una gran cantidad de pictografías y petroglifos de arte rupestre . Una de las mayores densidades de petroglifos en América del Norte, obra del pueblo Coso , se encuentra en los cañones de petroglifos grandes y pequeños en el distrito de arte rupestre de Coso en el norte del desierto de Mojave en California.
Se considera que las pictografías más elaboradas de EE. UU. son el arte rupestre del pueblo Chumash , que se encuentra en pinturas rupestres en los actuales condados de Santa Bárbara , Ventura y San Luis Obispo . La pintura rupestre de Chumash incluye ejemplos en el Parque Histórico Estatal Chumash Painted Cave y en la Cueva Pintada de Burro Flats .
Una práctica artística utilizada por las tribus nativas americanas de California, como los Chumash, es tallar y dar forma a estatuillas en forma de efigie. A partir de múltiples estudios arqueológicos realizados en varios sitios históricos (las Islas del Canal , Malibú , Santa Bárbara y más), se descubrieron muchas figuras en efigies que representaban varias formas zoomorfas, como peces, ballenas, ranas y aves. [30] [31] Como resultado del análisis de estas figuras de efigie en estos estudios, se sacaron varias conclusiones sólidas que proporcionaron contexto a los nativos americanos de California, como los atributos sociales entre los Chumash y otras tribus, la importancia económica y el posible uso. en rituales. [30] [31] [32] Algunas estatuillas de efigie se encontraron en entierros, y otras se encontraron en relación con características estilísticas similares con fechas que sugieren esferas de interacción social en el Holoceno Medio y Tardío entre tribus. [30] [31]
En el suroeste de Estados Unidos se crearon numerosas pictografías y petroglifos. La cultura Fremont y las creaciones de los pueblos ancestrales y de las tribus posteriores, en el estilo Barrier Canyon y otros, se ven en la actualidad en el panel pictográfico Buckhorn Draw y el Horseshoe Canyon , entre otros sitios. Los petroglifos de estos y los artistas de la cultura Mogollón están representados en el Monumento Nacional Dinosaurio y en Newspaper Rock .
Los ancestrales pueblo , o anasazi, (1000 a. C.-700 d. C.) son los antepasados de las tribus pueblo actuales . Su cultura se formó en el suroeste de Estados Unidos, después de que se introdujera el cultivo de maíz desde México alrededor del año 1200 a. C. La gente de esta región desarrolló un estilo de vida agrario, cultivando alimentos, calabazas de almacenamiento y algodón con técnicas de riego o xerojardinería . Vivían en ciudades sedentarias, por lo que la cerámica, utilizada para almacenar agua y cereales, era omnipresente.
Durante cientos de años, Ancestral Pueblo creó cerámica gris utilitaria y cerámica negra sobre blanca y ocasionalmente cerámica naranja o roja. En tiempos históricos, los Hopi crearon ollas , cuencos de masa y cuencos de comida de diferentes tamaños para uso diario, pero también fabricaron tazas ceremoniales, jarras, cucharones, tarros de semillas y aquellos recipientes para uso ritual más elaborados, y estos generalmente estaban terminados con pulido. superficies y decoradas con diseños pintados de negro. A principios del siglo XX, el alfarero hopi Nampeyo revivió la famosa cerámica de estilo Sikyátki , originada en la Primera Mesa entre los siglos XIV y XVII. [33]
La arquitectura del suroeste incluye viviendas en los acantilados , asentamientos de varios pisos tallados en roca viva ; casas de pozo ; y pueblos de adobe y arenisca . Uno de los asentamientos antiguos más grandes y elaborados es Chaco Canyon en Nuevo México , que incluye 15 complejos importantes de arenisca y madera. Estos están conectados por una red de carreteras. La construcción del mayor de estos asentamientos, Pueblo Bonito , comenzó 1080 años antes del presente . Pueblo Bonito contiene más de 800 habitaciones. [34]
La turquesa , el azabache y la concha de ostra espinosa han sido utilizados tradicionalmente por los Pueblo Ancestral para joyería, y desarrollaron sofisticadas técnicas de incrustación hace siglos.
Alrededor del año 200 d.C., la cultura Hohokam se desarrolló en Arizona. Son los antepasados de las tribus Tohono O'odham y Akimel O'odham o Pima. Los Mimbres , un subgrupo de la cultura Mogollón , destacan especialmente por las pinturas narrativas de su cerámica.
En el último milenio, los pueblos athabaskan emigraron desde el norte de Canadá hacia el suroeste. Estos incluyen a los navajos y apaches . La pintura con arena es un aspecto de las ceremonias curativas navajo que inspiró una forma de arte. Los navajos aprendieron a tejer en telares verticales de los Pueblos y tejieron mantas que fueron recolectadas con entusiasmo por las tribus de la Gran Cuenca y las Llanuras en los siglos XVIII y XIX. Después de la introducción del ferrocarril en la década de 1880, las mantas importadas se volvieron abundantes y económicas, por lo que los tejedores navajos pasaron a producir alfombras para el comercio.
En la década de 1850, los navajos adoptaron la platería de los mexicanos. Atsidi Sani (Old Smith) fue el primer platero navajo, pero tuvo muchos estudiantes y la tecnología se extendió rápidamente a las tribus circundantes. Hoy en día miles de artistas producen joyas de plata con turquesa. Los hopi son famosos por sus trabajos en plata superpuesta y tallas de álamo. Los artistas zuñi son admirados por sus joyas en racimo, que muestran diseños de turquesa, así como por sus elaboradas incrustaciones pictóricas de piedras en plata.
El desarrollo cultural de la antigua Mesoamérica estuvo generalmente dividido entre oriente y occidente. "Los arqueólogos han fechado la presencia humana en Mesoamérica posiblemente ya en el año 21.000 a. C." (Jeff Wallenfeldt ) [35] . La cultura maya estable fue más dominante en el este, especialmente en la península de Yucatán, mientras que en el oeste se produjeron desarrollos más variados en subregiones. Estos incluyeron el oeste de México (1000-1), Teotihuacán (1-500), mixteco (1000-1200) y azteca (1200-1521).
Las civilizaciones centroamericanas generalmente vivieron en las regiones al sur del actual México, aunque hubo cierta superposición entre los lugares.
Mesoamérica fue hogar de las siguientes culturas, entre otras:
Los olmecas (1500-400 a. C.), que vivieron en la costa del golfo, fueron la primera civilización que se desarrolló plenamente en Mesoamérica. Su cultura fue la primera en desarrollar muchos rasgos que permanecieron constantes en Mesoamérica hasta los últimos días de los aztecas: un calendario astronómico complejo, la práctica ritual de un juego de pelota y la erección de estelas para conmemorar victorias u otros eventos importantes.
Las creaciones artísticas más famosas de los olmecas son las colosales cabezas de basalto , que se cree que son retratos de gobernantes que fueron erigidos para anunciar su gran poder. Los olmecas también esculpieron figuras votivas que enterraron bajo el piso de sus casas por razones desconocidas. Estos fueron modelados con mayor frecuencia en terracota, pero ocasionalmente también fueron tallados en jade o serpentina .
Teotihuacán fue una ciudad construida en el Valle de México , que contiene algunas de las estructuras piramidales más grandes construidas en la América precolombina . Establecida alrededor del año 200 a. C., la ciudad cayó entre los siglos VII y VIII d. C. Teotihuacán cuenta con numerosos murales bien conservados .
En su libro de 1957 sobre arte mesoamericano, Miguel Covarrubias habla de las "magníficas figuras huecas de Remojadas con rostros expresivos, en posturas majestuosas y vistiendo parafernalia elaborada indicada por elementos de arcilla agregados". [37]
"El Dios Murciélago era una de las deidades importantes de los mayas, muchos elementos de cuya religión también eran compartidos por los zapotecas . Se sabe que el Dios Murciélago en particular fue venerado también por los zapotecas... Estaba especialmente asociado... . con el inframundo." [ atribución necesaria ] [38] Un importante centro zapoteca fue Monte Albán , en la actual Oaxaca , México. Los períodos Monte Albán se dividen en I, II y III, que van desde el 200 a.C. hasta el 600 d.C.
La civilización maya ocupó el sur de México , toda Guatemala y Belice , y la parte occidental de Honduras y El Salvador .
![Piedra del calendario azteca; 1502-1521; basalto; diámetro: 358 cm (141 pulg.); espesor: 98 cm (39 pulg.); descubierto el 17 de diciembre de 1790 durante las reparaciones de la Catedral de la Ciudad de México; Museo Nacional de Antropología (Ciudad de México). El propósito y significado exactos de la Piedra del Calendario no están claros. Arqueólogos e historiadores han propuesto numerosas teorías, y es probable que su interpretación tenga varios aspectos[40].](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/1479_Stein_der_f%C3%BCnften_Sonne,_sog._Aztekenkalender,_Ollin_Tonatiuh_anagoria.JPG/1280px-1479_Stein_der_f%C3%BCnften_Sonne,_sog._Aztekenkalender,_Ollin_Tonatiuh_anagoria.JPG)
Gran Chiriquí
Gran Nicoya Los antiguos pueblos de la Península de Nicoya en la actual Costa Rica esculpían tradicionalmente pájaros en jade , que eran utilizados como adornos funerarios. [41] Alrededor del año 500 d.C., los adornos de oro reemplazaron al jade, posiblemente debido al agotamiento de los recursos de jade. [42]
Las civilizaciones nativas se desarrollaron más en la región andina , donde se dividen aproximadamente en civilizaciones de los Andes del norte de los actuales Colombia y Ecuador y civilizaciones de los Andes del sur de los actuales Perú y Chile .
Las tribus de cazadores-recolectores de la selva amazónica de Brasil también han desarrollado tradiciones artísticas que incluyen tatuajes y pintura corporal. Debido a su lejanía, estas tribus y su arte no han sido estudiados tan a fondo como las culturas andinas, y muchas incluso permanecen aisladas .
El Área Istmocolombiana incluye algunos países centroamericanos (como Costa Rica y Panamá ) y algunos países sudamericanos cercanos a ellos (como Colombia ).
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Los pueblos indígenas amazónicos, tradicionalmente limitados en el acceso a la piedra y los metales, destacan en el trabajo de plumas, la pintura, los textiles y la cerámica. La Caverna da Pedra Pintada (Cueva de la Roca Pintada), en el estado brasileño de Pará , alberga el arte fechado más antiguo de América: pinturas rupestres que datan de hace 11.000 años. La cueva es también el sitio de la cerámica más antigua de América, del 5000 a.C. [44]
La isla de Marajó , en la desembocadura del río Amazonas , fue un importante centro de tradiciones cerámicas ya en el año 1000 d.C. [44] y continúa produciendo cerámica hoy en día, caracterizada por bases de color crema pintadas con diseños lineales y geométricos de rojo, negro , y engobes blancos .
Con acceso a una amplia gama de especies de aves nativas, los pueblos indígenas amazónicos se destacan en el trabajo con plumas, creando tocados, joyas, ropa y abanicos de colores brillantes. Las alas de escarabajo iridiscentes se incorporan a aretes y otras joyas. El tejido y la cestería también prosperan en el Amazonas, como se observa entre los urarina del Perú. [45]
Es problemático señalar el momento exacto del surgimiento del arte nativo "moderno" y contemporáneo. En el pasado, los historiadores del arte occidentales han considerado el uso de medios artísticos occidentales o las exhibiciones en el ámbito artístico internacional como criterios para la historia del arte nativo americano "moderno". [46] La historia del arte nativo americano es una disciplina académica nueva y muy controvertida, y estos puntos de referencia eurocéntricos se siguen cada vez menos en la actualidad. Los artistas nativos emplearon durante siglos muchos medios considerados apropiados para el arte de caballete, como la escultura en piedra y madera y la pintura mural. Artistas de los pueblos ancestrales pintaron con témpera sobre tela de algodón, hace al menos 800 años. [47] Ciertos artistas nativos utilizaron materiales artísticos no indios tan pronto como estuvieron disponibles. Por ejemplo, el artista texcocano Fernando de Alva Cortés Ixtlilxóchitl pintó con tinta y acuarela sobre papel a finales del siglo XVI. Reunidos en el Códice Ixtlilxóchitl, estos retratos de líderes históricos de Texcoca están representados con sombreado, modelado y precisión anatómica. [48] La Escuela Cuzco del Perú contó con pintores de caballete quechuas en los siglos XVII y XVIII. Los primeros gabinetes de curiosidades del siglo XVI, precursores de los museos modernos, presentaban arte nativo americano.
La noción de que las bellas artes no pueden ser funcionales no ha ganado una aceptación generalizada en el mundo del arte nativo americano, como lo demuestra la alta estima y el valor que se otorga a las alfombras, mantas, cestería, armas y otros artículos utilitarios en las exposiciones de arte nativo americano. Una dicotomía entre bellas artes y artesanía no se encuentra comúnmente en el arte nativo contemporáneo. Por ejemplo, la Nación Cherokee honra a sus más grandes artistas como Tesoros Vivientes, incluidos los fabricantes de ranas y peces , talladores de pedernal y tejedores de cestas , junto con escultores, pintores y artistas textiles. [49] La historiadora del arte Dawn Ades escribe: "Lejos de ser inferiores o puramente decorativas, las artesanías como los textiles o la cerámica, siempre han tenido la posibilidad de ser portadoras de conocimientos, creencias y mitos vitales". [50]
Tras el contacto surgieron mercados de arte reconocibles entre nativos y no nativos, pero la década de 1820-1840 fue una época muy prolífica. En el noroeste del Pacífico y la región de los Grandes Lagos, las tribus que dependían del comercio de pieles en rápida disminución adoptaron la producción artística como medio de apoyo financiero. Un movimiento pictórico conocido como Escuela Realista Iroquesa surgió entre los Haudenosaunee de Nueva York en la década de 1820, encabezado por los hermanos David y Dennis Cusick . [51]
La escultora africana-ojibwe, Edmonia Lewis, mantuvo un estudio en Roma, Italia, y talló escultores de mármol neoclásicos de las décadas de 1860 a 1880. Su madre pertenecía a la banda Mississauga de la Reserva India Credit River . Lewis expuso ampliamente, y un testimonio de su popularidad durante su época fue que el presidente Ulysses S. Grant le encargó que tallara su retrato en 1877. [52]
Angel De Cora , artista Ho-Chunk , fue el artista nativo americano más conocido antes de la Primera Guerra Mundial. [53] La llevaron de su reserva y de su familia al Instituto Hampton , donde comenzó su larga formación artística formal. [54] Activa en el movimiento Arts and Crafts , De Cora exhibió ampliamente sus pinturas y diseños e ilustró libros de autores nativos. Se esforzó por ser tribalmente específica en su trabajo y fue revolucionaria al retratar a los indios con ropa contemporánea de principios del siglo XX. Enseñó arte a jóvenes estudiantes nativos en la Carlisle Indian Industrial School y fue una abierta defensora del arte como medio para que los nativos americanos mantuvieran el orgullo cultural y al mismo tiempo encontraran un lugar en la sociedad en general. [55]
Los Kiowa Six , un grupo de pintores Kiowa de Oklahoma, alcanzaron el éxito internacional cuando su mentor, Oscar Jacobson , mostró sus pinturas en la Primera Exposición Internacional de Arte en Praga, Checoslovaquia, en 1928. [56] También participaron en la Bienal de Venecia de 1932 . donde su exhibición de arte, según Dorothy Dunn , "fue aclamada como la exhibición más popular entre todas las ricas y variadas exhibiciones reunidas". [57]
El Mercado Indígena de Santa Fe comenzó en 1922. John Collier se convirtió en Comisionado de Asuntos Indígenas en 1933 y revirtió temporalmente las políticas asimilacionistas de la BIA fomentando las artes y la cultura de los nativos americanos. En ese momento, las exhibiciones de arte de los nativos americanos y el mercado del arte aumentaron, ganando un público más amplio. En las décadas de 1920 y 1930, los movimientos artísticos indigenistas florecieron en Perú , Ecuador , Bolivia y México , siendo los más famosos los movimientos muralistas mexicanos .
La cestería es una de las formas de arte antiguas y más extendidas en América. Desde cestas enrolladas de hierba de tilo marino en Nunavut hasta cestas de corteza en Tierra del Fuego, los artistas nativos tejen cestas con una amplia gama de materiales. Normalmente las cestas están hechas de fibras vegetales, pero los Tohono O'odham son conocidos por sus cestas de crin y los artistas Inupiaq tejen cestas con barbas , placas filtrantes de ciertas ballenas. [58] Grand Traverse Band Kelly Church , Wasco-Wishram Pat Gold y Eastern Band Cherokee Joel Queen tejen cestas con láminas o alambre de cobre, y la artista conceptual Mi'kmaq - Onondaga Gail Tremblay teje cestas con los patrones tradicionales de fantasía de sus tribus. de la película expuesta. La cestería puede adoptar muchas formas. La artista haida Lisa Telford utiliza corteza de cedro para tejer cestas funcionales tradicionales y vestidos de noche y zapatos de tacón alto de cedro, poco prácticos pero hermosos. [59]
Una variedad de pastos nativos proporciona material para las cestas árticas, al igual que las barbas, que es un desarrollo del siglo XX. Las cestas con barbas suelen estar adornadas con tallas de marfil de morsa. [58] La corteza de cedro se utiliza a menudo en cestas de la costa noroeste. En los Grandes Lagos y el noreste, el fresno negro y la hierba dulce se tejen en trabajos elegantes, con puntas de "puercoespín" o decorados como fresas. Las cestas de corteza son tradicionales para recoger bayas. La caña de río es el material preferido en el sureste y los chitimachas son considerados los mejores tejedores de caña de río. En Oklahoma, la caña de río es muy apreciada pero poco común, por lo que las cestas suelen estar hechas de tallos de madreselva o arbustos. Las cestas enrolladas son populares en el suroeste y los Hopi y Apache en particular son conocidos por sus placas pictóricas de cestería enrollada. Los Tohono O'odham son bien conocidos por su destreza en el tejido de cestas, como lo demuestra el éxito de Annie Antone y Terrol Dew Johnson .
Las tribus de California y la Gran Cuenca son consideradas algunos de los mejores tejedores de cestas del mundo. Juncus es un material común en el sur de California, mientras que también se utilizan juncia, sauce, redbud y garra del diablo. Se sabe que los tejedores de cestas pomo tejen entre 60 y 100 puntadas por pulgada y sus cestas redondeadas y enrolladas adornadas con moños de codorniz, plumas, abulón y discos de concha se conocen como "cestas del tesoro". Tres de las tejedoras de cestas californianas más famosas fueron Elsie Allen (Pomo), Laura Somersal ( Wappo ) y la fallecida curandera Pomo- Patwin , Mabel McKay , [60] conocida por su biografía, Weaving the Dream . Louisa Keyser fue una tejedora de cestas Washoe muy influyente .
Las tribus choctaw , cherokee, chitimacha, tarahumara y venezolana comparten una técnica compleja llamada "tejido doble", que implica tejer continuamente una superficie interior y exterior. Mike Dart , Cherokee Nation , es un practicante contemporáneo de esta técnica. Los Tarahumara, o Raramuri, de Barrancas del Cobre , México, típicamente tejen con agujas de pino y sotol . En Panamá , los pueblos Embera-Wounaan son famosos por sus cestas pictóricas de palma chunga , conocidas como hösig di , coloreadas con vívidos espectros completos de tintes naturales .
Los tejedores de cestas yanomamo de la Amazonia venezolana pintan sus bandejas tejidas y cargan cestas con diseños geométricos en carbón y sobre una baya roja. [61] Mientras que en la mayoría de las tribus los tejedores de cestas suelen ser mujeres, entre la tribu Waura en Brasil, los hombres tejen cestas. Tejen una amplia gama de estilos, pero los más grandes se llaman mayaku , que pueden medir dos pies de ancho y presentan tejidos apretados con una impresionante variedad de diseños. [62]
Hoy en día, el tejido de cestas conduce a menudo al activismo medioambiental. La fumigación indiscriminada con pesticidas pone en peligro la salud de los tejedores de cestas. El fresno negro , utilizado por los tejedores de cestas desde Michigan hasta Maine, está amenazado por el barrenador esmeralda del fresno . La tejedora de cestas Kelly Church ha organizado dos conferencias sobre la amenaza y enseña a los niños cómo cosechar semillas de fresno negro. [63] Muchas plantas nativas que utilizan los tejedores de cestas están en peligro de extinción. La caña de río sólo crece en el 2% de su territorio original. Shawna Cain, tejedora de cestas y etnobotánica Cherokee, está trabajando con su tribu para formar la Sociedad de Plantas Nativas de la Nación Cherokee. [64] Terrol Dew Johnson , tejedor de cestas Tohono O'odham , conocido por su uso experimental de calabazas, pasto oso y otras plantas del desierto, se interesó por las plantas nativas y fundó Tohono O'odham Community Action, que proporciona alimentos silvestres tradicionales del desierto para su tribu. [sesenta y cinco]
El trabajo con abalorios es una forma de arte esencialmente nativa americana, pero, irónicamente, utiliza abalorios importados de Europa y Asia. Las cuentas de vidrio se utilizan desde hace casi cinco siglos en América. Hoy en día florece una amplia gama de estilos de abalorios.
En los Grandes Lagos, las monjas ursulinas introdujeron los patrones florales a las tribus, que rápidamente los aplicaron a los abalorios. [66] Las tribus de los Grandes Lagos son conocidas por sus bandoleras, que podrían tardar un año entero en completarse. [67] Durante el siglo XX, las tribus de Plateau, como los Nez Perce, perfeccionaron el trabajo con cuentas de estilo de contorno, en el que las líneas de cuentas se cosen para enfatizar las imágenes pictóricas. Las tribus de las llanuras son maestros en abalorios y, hoy en día, los atuendos de baile para hombres y mujeres presentan una variedad de estilos de abalorios. Mientras que las tribus de las Llanuras y la Meseta son famosas por sus adornos de cuentas para caballos, las tribus subárticas, como los Dene , adornan lujosas mantas florales para perros. [68] Las tribus orientales tienen una estética de abalorios completamente diferente, y las tribus Innu , Mi'kmaq , Penobscot y Haudenosaunee son conocidas por motivos de volutas simétricas en cuentas blancas, llamadas "doble curva". [69] Los iroqueses también son conocidos por sus cuentas "en relieve" en las que las cuerdas tensas fuerzan que las cuentas salgan de la superficie, creando un bajorrelieve. Tammy Rahr (Cayuga) es una practicante contemporánea de este estilo. Los artistas zuñi han desarrollado una tradición de esculturas tridimensionales con cuentas.
Los indios huicholes de Jalisco y Nayarit , México, tienen un enfoque único para el trabajo con abalorios. Adhieren cuentas, una a una, a una superficie, como madera o una calabaza, con una mezcla de resina y cera de abejas. [70]
La mayoría de los trabajos con abalorios nativos se crean para uso tribal, pero los trabajadores con abalorios también crean trabajos conceptuales para el mundo del arte. Richard Aitson ( Kiowa - Apache ) tiene un público tanto indio como no indio por su trabajo y es conocido por sus cunas con cuentas . Otra artesana de abalorios kiowa, Teri Greeves, ha ganado los máximos honores por su trabajo con abalorios, que integra conscientemente motivos tradicionales y contemporáneos, como bailarinas con abalorios en zapatillas Converse. Greeves también habla de piel de ante y explora temas como la guerra o los derechos de voto de los nativos americanos. [71]
Marcus Amerman , Choctaw , uno de los artistas de cuentas más famosos de la actualidad, fue pionero en un movimiento de retratos con cuentas altamente realistas. [72] Su imaginería abarca desde líderes nativos del siglo XIX hasta íconos del pop como Janet Jackson y Brooke Shields.
Roger Amerman, hermano de Marcus, y Martha Berry , cherokee , han revivido efectivamente el trabajo con abalorios del sudeste, un estilo que se había perdido debido al traslado forzoso de las tribus al territorio indio. Su trabajo con cuentas comúnmente presenta contornos de cuentas blancas, un eco de las cuentas de concha o perlas que las tribus del sureste usaban antes del contacto. [73]
Jamie Okuma ( Luiseño - Shoshone - Bannock ) ganó los principales premios con sus muñecos de cuentas, que pueden incluir familias enteras o caballos y jinetes, todos con atuendos de cuentas. Las cuentas venecianas antiguas que utiliza pueden ser tan pequeñas como 22°, aproximadamente del tamaño de un grano de sal. [74] Juanita Growing Thunder Fogarty , Rhonda Holy Bear y Charlene Holy Bear también son destacadas fabricantes de muñecas con cuentas.
La gran popularidad de las cuentas de vidrio no significa que la fabricación de cuentas aborígenes esté muerta. Quizás la cuenta nativa más famosa sea el wampum , un tubo cilíndrico de quahog o concha de buccino. Ambas conchas producen cuentas blancas, pero sólo partes del quahog producen cuentas de color púrpura. Estos son ceremonial y políticamente importantes para una variedad de tribus de los bosques del noreste . [75] Elizabeth James Perry ( Aquinnah Wampanoag - Eastern Band Cherokee ) crea hoy joyas de wampum, incluidos cinturones de wampum. [76]
La cerámica se ha creado en América durante los últimos 8000 años, como lo demuestra la cerámica encontrada en Caverna da Pedra Pintada, en el corazón de la Amazonía brasileña. [77] La isla de Marajó en Brasil sigue siendo un importante centro de arte cerámico en la actualidad. [78] En México, la cerámica de Mata Ortiz continúa la antigua tradición de las Casas Grandes de cerámica policromada. Juan Quezada es uno de los principales alfareros de Mata Ortiz. [79]
En el sureste, la tribu Catawba es conocida por su cerámica moteada de color canela y negro. La cerámica de Eastern Band Cherokees tiene influencias Catawba. [80] En Oklahoma, los cherokees perdieron sus tradiciones alfareras hasta que Anna Belle Sixkiller Mitchell las revivió. La centenaria tradición alfarera de la tribu Caddo se extinguió a principios del siglo XX, pero Jereldine Redcorn la revivió efectivamente .
Los pueblos son particularmente conocidos por sus tradiciones cerámicas. Nampeyo (c. 1860 – 1942) fue una alfarera hopi que colaboró con antropólogos para revivir las formas y diseños tradicionales de la cerámica, y muchos de sus parientes son alfareros exitosos en la actualidad. María y Julián Martínez , ambos San Ildefonso Pueblo , revivieron la tradición de la cerámica de su tribu a principios del siglo XX. Julian inventó un estilo de cerámica mate brillante por el que su tribu todavía es conocida hoy en día. Lucy Lewis (1898–1992) de Acoma Pueblo obtuvo reconocimiento por su cerámica en blanco y negro a mediados del siglo XX. Cochiti Pueblo era conocido por sus figuras grotescas a principios del siglo XX, y Virgilio Ortiz las ha revivido. La alfarera Cochiti Helen Cordero (1915-1994) inventó las figuras de narradores , que presentan una figura grande y única de un anciano sentado que cuenta historias a grupos de figuras más pequeñas. [81]
Si bien los alfareros del norte no son tan conocidos como sus homólogos del sur, las artes cerámicas se extienden hasta el norte del Ártico. La alfarera inuit Makituk Pingwartok de Cabo Dorset utiliza un torno de alfarero para crear sus cerámicas premiadas. [82]
Hoy en día, los alfareros nativos contemporáneos crean una amplia gama de cerámicas, desde cerámica funcional hasta esculturas cerámicas monumentales. Roxanne Swentzell de Santa Clara Pueblo es una de las artistas ceramistas más importantes de América. Crea figuras en espiral y cargadas de emociones que comentan sobre la sociedad contemporánea. Nora Naranjo-Morse , también del Pueblo de Santa Clara, es mundialmente reconocida por sus figuras individuales así como por sus instalaciones conceptuales con cerámica. [83] Diego Romero de Cochiti Pueblo es conocido por sus cuencos de cerámica, pintados con escenas satíricas que combinan imágenes de los pueblos ancestrales, la griega y la cultura pop. Cientos más de ceramistas nativos contemporáneos están llevando la cerámica en nuevas direcciones.
El arte escénico es una nueva forma de arte que surgió en la década de 1960 y, por lo tanto, no conlleva el bagaje cultural de muchos otros géneros artísticos. El arte escénico puede recurrir a tradiciones narrativas, así como a música y danza, y a menudo incluye elementos de instalación, vídeo, cine y diseño textil. Rebecca Belmore , artista canadiense de performance ojibway , ha representado a su país en la prestigiosa Bienal de Venecia . James Luna , artista de performance luiseño - mexicano , también participó en la Bienal de Venecia en 2005, [84] representando al Museo Nacional del Indio Americano .
La performance permite a los artistas confrontar directamente a su audiencia, desafiar estereotipos arraigados desde hace mucho tiempo y plantear problemas actuales, a menudo de una manera cargada de emociones. "La gente simplemente aúlla en sus asientos, y hay despotricaciones, abucheos o silbidos entre el público", dice Rebecca Belmore sobre la respuesta a su trabajo. [85] Ha creado actuaciones para llamar la atención sobre la violencia y muchos asesinatos sin resolver de mujeres de las Primeras Naciones. Tanto Belmore como Luna crean atuendos y accesorios elaborados, a menudo extravagantes, para sus actuaciones y se mueven a través de una variedad de personajes. Por ejemplo, un personaje repetido de Luna es el tío Jimmy, [86] un veterano discapacitado que critica la codicia y la apatía en su reserva.
Por otro lado, Marcus Amerman , artista de performance choctaw , mantiene un consistente papel del Hombre Búfalo, cuya ironía y comentario social surgen de las extrañas situaciones en las que se encuentra, por ejemplo una película de James Bond o perdido en un laberinto del desierto. . [87] Jeff Marley, Cherokee , se inspira en la tradición del " baile del moco " para crear intervenciones subversivas, aunque humorísticas, que tienen en cuenta la historia y el lugar. [88]
Erica Lord , Inupiaq - Athabaskan , explora su identidad mestiza y los conflictos sobre las ideas de hogar a través de su arte escénico. En sus palabras, "Para sostener un yo genuino, creo un mundo en el que cambio para convertirme en una o todas mis múltiples visiones de mí mismo". [89] Ha bronceado frases en su piel, se ha puesto disfraces multiculturales y de género e incorporado canciones, que van desde cantos de garganta Inupiaq hasta rimas infantiles racistas en su trabajo.
Una cooperativa anarcafeminista boliviana , Mujeres Creando o "Mujeres Creando", presenta a muchos artistas indígenas. Crean espectáculos públicos o teatro callejero para llamar la atención sobre cuestiones relacionadas con los derechos de las mujeres, los pueblos indígenas y las lesbianas, así como sobre cuestiones de lucha contra la pobreza. Julieta Paredes, María Galindo y Mónica Mendoza son miembros fundadores.
El arte escénico ha permitido a los nativos americanos acceder al mundo del arte internacional, y Rebecca Belmore menciona que su público no es nativo; [85] sin embargo, el público nativo americano también responde a este género. Bringing It All Back Home, una colaboración cinematográfica de 1997 entre James Luna y Chris Eyre , documenta la primera actuación de Luna en su propia casa, la Reserva India de La Jolla. Luna describe la experiencia como "probablemente el momento más aterrador de mi vida como artista... actuando para los miembros de mi reserva en el salón tribal". [90]
Los nativos americanos adoptaron la fotografía en el siglo XIX. Algunos incluso poseían sus propios estudios de fotografía, como Benjamin Haldane (1874-1941), Tsimshian de Metlakatla Village en Annette Island, Alaska , [91] Jennie Ross Cobb ( Nación Cherokee , 1881-1959) de Park Hill, Oklahoma , y Richard Throssel ( Cree , 1882-1933) de Montana . Sus primeras fotografías contrastan marcadamente con las imágenes románticas de Edward Curtis y otros contemporáneos. La beca de Mique'l Askren (Tsimshian/Tlingit) sobre las fotografías de BA Haldane ha analizado las funciones que las fotografías de Haldane sirvieron para su comunidad: como marcadores de éxito al tomar retratos formales de estilo anglo, y como marcadores de la continuidad del potlatching. y ceremonias tradicionales al tomar fotografías con atuendos ceremoniales. Esta segunda categoría es particularmente significativa porque el uso de insignias ceremoniales era ilegal en Canadá entre 1885 y 1951. [92]
Martín Chambi ( quechua , 1891–1973), fotógrafo peruano, fue uno de los fotógrafos indígenas pioneros de América del Sur. Peter Pitseolak ( Inuk , 1902–1973), de Cabo Dorset, Nunavut , documentó la vida inuit a mediados del siglo XX mientras enfrentaba los desafíos presentados por el duro clima y las condiciones extremas de luz del Ártico canadiense. Él mismo reveló su película en su iglú y algunas de sus fotografías fueron tomadas con lámparas de aceite. Siguiendo los pasos de los primeros fotógrafos aficionados kiowa Parker McKenzie (1897–1999) y Nettie Odlety McKenzie (1897–1978), Horace Poolaw ( Kiowa , 1906–1984) tomó más de 2000 imágenes de sus vecinos y familiares en el oeste de Oklahoma desde la década de 1920. adelante. Jean Fredericks ( Hopi , 1906-1990) negoció cuidadosamente las opiniones culturales Hopi hacia la fotografía y no ofreció sus retratos del pueblo Hopi a la venta al público. [93]
Hoy en día, innumerables nativos son fotógrafos de arte profesionales; sin embargo, la aceptación del género ha enfrentado desafíos. Hulleah Tsinhnahjinnie ( Navajo / Muscogee / Seminole ) no sólo ha establecido una exitosa carrera con su propio trabajo, sino que también ha sido una defensora de todo el campo de la fotografía de nativos americanos. Ha comisariado exposiciones y organizado conferencias en el Museo CN Gorman de UC Davis con fotógrafos nativos americanos. Tsinhnahjinnie escribió el libro Nuestra gente, nuestra tierra, nuestras imágenes: fotógrafos indígenas internacionales. Los fotógrafos nativos han llevado sus habilidades a los campos de la videografía artística, el fotocollage, la fotografía digital y el arte digital.
Aunque se especula ampliamente que las antiguas tablillas de piedra de Adena se utilizaron para el grabado, no se sabe mucho sobre el grabado aborigen americano . Los artistas nativos del siglo XX han tomado prestadas técnicas de Japón y Europa, como la xilografía , el linograbado , la serigrafía , la monotipificación y otras prácticas.
El grabado ha florecido especialmente entre las comunidades inuit . El europeo-canadiense James Houston creó un programa de artes gráficas en Cape Dorset, Nunavut en 1957. [94] Houston enseñó a los talladores de piedra inuit locales cómo crear impresiones a partir de bloques de piedra y plantillas. Pidió a artistas locales que hicieran dibujos y la tienda generó impresiones de edición limitada, basadas en el sistema de taller ukiyo-e de Japón. También se establecieron imprentas cooperativas en comunidades cercanas, incluidas Baker Lake , Puvirnituq , Holman y Pangnirtung . Estos talleres han experimentado con el aguafuerte , el grabado , la litografía y la serigrafía. Las tiendas elaboraban catálogos anuales anunciando sus colecciones. Las aves y animales locales, los seres espirituales y las escenas de caza son los temas más populares, [94] pero son de naturaleza alegórica. [95] Los fondos tienden a ser mínimos y las perspectivas son mixtas. [96] Uno de los artistas más destacados de Cape Dorset es Kenojuak Ashevak (nacido en 1927), que ha recibido numerosos encargos públicos y dos doctorados honoris causa. [96] Otros grabadores y artistas gráficos inuit destacados incluyen a Parr , Osuitok Ipeelee , Germaine Arnaktauyok , Pitseolak Ashoona , Tivi Etok , Helen Kalvak , Jessie Oonark , Kananginak Pootoogook , Pudlo Pudlat , Irene Avaalaaqiaq Tiktaalaaq y Simon Tookoome . El grabador inuit Andrew Qappik diseñó el escudo de armas de Nunavut .
Muchos pintores nativos transformaron sus pinturas en impresiones artísticas. El artista potawatomi Woody Crumbo creó serigrafías y grabados atrevidos a mediados del siglo XX que combinaban el estilo Bacone tradicional y plano con influencias Art Déco . Pintor kiowa - caddo - choctaw , TC Cannon viajó a Japón para estudiar la impresión en bloques de madera con maestros impresores.
En Chile, el grabador mapuche Santos Chávez (1934-2001) fue uno de los artistas más célebres de su país, con más de 85 exposiciones individuales durante su vida. [97]
Melanie Yazzie ( Navajo ), Linda Lomahaftewa ( Hopi - Choctaw ), Fritz Scholder y Debora Iyall ( Cowlitz ) han construido carreras exitosas con su impresión y han pasado a enseñar a la próxima generación de impresores. El artista de Walla Walla , James Lavadour, fundó el Crow's Shadow Institute of the Arts en la Reserva Umatilla en Oregon en 1992. Crow's Shadow cuenta con un estudio de grabado de última generación y ofrece talleres, espacio de exhibición y residencias de grabado para artistas nativos, en donde juntan a artistas visitantes con maestros impresores. [98]
Los nativos americanos han creado esculturas, tanto monumentales como pequeñas, durante milenios. Las esculturas de piedra son omnipresentes en América, en forma de estelas , inuksuit y estatuas. El tallado en piedra de alabastro es popular entre las tribus occidentales, donde el tallado en catlinita es tradicional en las llanuras del norte y el tallado de fetiches es tradicional en el suroeste, particularmente entre los Zuni . Los taínos de Puerto Rico y la República Dominicana son conocidos por sus zemis , esculturas sagradas de piedra de tres puntas.
Los artistas inuit esculpen con marfil de morsa, astas de caribú, huesos, esteatita, serpentinita y argilita. A menudo representan fauna local y humanos dedicados a la caza o actividades ceremoniales.
Edmonia Lewis allanó el camino para que los artistas nativos americanos esculpieran siguiendo las tradiciones principales utilizando materiales no nativos. Allan Houser ( Warms Springs Chiricahua Apache ) se convirtió en uno de los escultores nativos más destacados del siglo XX. Aunque trabajó en madera y piedra, Houser es más conocido por sus monumentales escultores de bronce, tanto representativos como abstractos. Houser influyó en una generación de escultores nativos al enseñar en el Instituto de Artes Indígenas Americanas . Sus dos hijos, Phillip y Bob Haozous, son escultores en la actualidad. Roxanne Swentzell ( Pueblo de Santa Clara ) es conocida por sus esculturas cerámicas expresivas y figurativas, pero también se ha diversificado en la fundición de bronce, y su trabajo se exhibe permanentemente en el Museo Nacional del Indio Americano .
Las tribus de la costa noroeste son conocidas por sus tallas en madera, más famosas por sus monumentales tótems que exhiben escudos de clanes. Durante el siglo XIX y principios del XX, esta forma de arte estuvo amenazada, pero efectivamente revivió. Los talladores de tótems de Kwakwaka'wakw , como Charlie James, Mungo Martin , Ellen Neel y Willie Seaweed, mantuvieron vivo el arte y también tallaron máscaras, muebles, cajas de madera curvada y joyas. Los talladores haida incluyen a Charles Edenshaw , Bill Reid y Robert Davidson . Además de trabajar la madera, Haida también trabaja con argilita . Los diseños de líneas tradicionales se traducen bien en esculturas de vidrio, que son cada vez más populares gracias a los esfuerzos de artistas del vidrio contemporáneos como Preston Singletary ( Tlingit ), Susan Point ( Coast Salish ) y Marvin Oliver ( Quinault / Isleta Pueblo ). [99]
En el Sudeste, la talla en madera domina la escultura. Willard Stone , de ascendencia Cherokee, expuso internacionalmente a mediados del siglo XX. Amanda Crowe ( Eastern Band Cherokee ) estudió escultura en el Instituto de Arte de Chicago y regresó a su reserva para enseñar tallado en madera a más de 2000 estudiantes durante un período de 40 años, asegurando que la escultura prospere como forma de arte en Qualla Boundary. [100]
Se han desenterrado piezas de fibra que datan de hace 10.000 años en la cueva Guitarrero en Perú. [101] El algodón y la lana de alpaca, llamas y vicuñas se han tejido en elaborados textiles durante miles de años en los Andes y todavía hoy son partes importantes de la cultura quechua y aymara . Coroma en la provincia de Antonio Quijarro , Bolivia, es un importante centro de producción textil ceremonial. [102] Un anciano aymara de Coroma dijo: "En nuestros tejidos sagrados hay expresiones de nuestra filosofía y la base de nuestra organización social... Los tejidos sagrados también son importantes para diferenciar una comunidad o grupo étnico de un grupo vecino. ..." [103]
Los miembros de las tribus Kuna de Panamá y Colombia son famosos por sus molas , paneles de algodón con elaborados diseños geométricos creados mediante una técnica de aplicación inversa . Los diseños se originaron a partir de diseños tradicionales de pintura de piel, pero hoy en día exhiben una amplia gama de influencias, incluida la cultura pop . Dos paneles de mola forman una blusa, pero cuando una mujer kuna se cansa de una blusa, puede desmontarla y vender las molas a coleccionistas de arte. [104]
Las mujeres mayas han tejido algodón en telares de cintura durante siglos, creando prendas como huipiles o blusas tradicionales. Los elaborados textiles mayas presentaban representaciones de animales, plantas y figuras de la historia oral. [105] Organizarse en colectivos de tejedores ha ayudado a las mujeres mayas a ganar más dinero por su trabajo y a ampliar enormemente el alcance de los textiles mayas en el mundo.
Las costureras seminolas , al tener acceso a las máquinas de coser a finales del siglo XIX y principios del XX, inventaron una elaborada tradición de patchwork con aplicaciones. El mosaico Seminole, por el que hoy se conoce a la tribu, alcanzó su máximo apogeo en la década de 1920. [106]
Las tribus de los Grandes Lagos y las Praderas son conocidas por sus cintas , que se encuentran en ropa y mantas. Se cortan y aplican tiras de cintas de seda en capas, creando diseños definidos por el espacio negativo. Los colores y diseños pueden reflejar el clan o el género del usuario. Powwow y otras vestimentas de baile de estas tribus a menudo presentan cintas. Estas tribus también son conocidas por sus fajas tejidas con los dedos .
Los hombres del pueblo tejen con algodón en telares verticales. Sus mantas y fajas suelen estar hechas para uso ceremonial de la comunidad, no para coleccionistas externos.
Las alfombras navajo son tejidas hoy por mujeres navajo con ovejas navajo-churro o lana comercial. Los diseños pueden ser pictóricos o abstractos, basados en diseños tradicionales navajos, españoles, orientales o persas. Entre los tejedores navajos del siglo XX se encuentran Clara Sherman y Hosteen Klah , quienes cofundaron el Museo Wheelwright del Indio Americano .
En 1973, el Departamento de Estudios Navajo del Diné College en Many Farms, Arizona , quería determinar cuánto tiempo le tomaba a un tejedor navajo crear una alfombra o manta desde la esquila de ovejas hasta el mercado. El estudio determinó que la cantidad de tiempo total fue de 345 horas. De estas 345 horas, el experto tejedor navajo necesitó: 45 horas para esquilar las ovejas y procesar la lana; 24 horas para hilar la lana ; 60 horas para preparar el tinte y teñir la lana; 215 horas para tejer la pieza; y sólo una hora para vender el artículo en su tienda. [107]
Los textiles tradicionales de los pueblos de la costa noroeste que utilizan materiales y técnicas no occidentales están disfrutando de un espectacular renacimiento. El tejido Chilkat y el tejido Ravenstail se consideran algunas de las técnicas de tejido más difíciles del mundo. Se puede tardar un año entero en tejer una sola manta Chilkat. En ambas técnicas, se combinan lana de perro, cabra montesa u oveja y corteza de cedro triturada para crear textiles con diseños de líneas curvilíneas . La tejedora tlingit Jennie Thlunaut (1982-1986) jugó un papel decisivo en este resurgimiento.
Entre los artistas textiles experimentales del siglo XXI se encuentran Lorena Lemunguier Quezada, una tejedora mapuche de Chile, y Martha Gradolf ( Winnebago ), cuyo trabajo es de naturaleza abiertamente política. [108] Valencia, Joseph y Ramona Sakiestewa ( Hopi ) [109] y Melissa Cody ( Navajo ) exploran la abstracción no representacional y utilizan materiales experimentales en su tejido.
Como en la mayoría de las culturas, los pueblos nativos crean algunas obras que deben usarse únicamente en ceremonias sagradas y privadas. Muchos objetos sagrados o artículos que contienen medicinas deben ser vistos o tocados por determinadas personas con conocimientos especializados. Muchas figuras Pueblo y Hopi katsina ( tihü en Hopi y kokko en Zuni ) y katsinam regalia no deben ser vistas por personas que no han recibido instrucción sobre esa katsina en particular. Muchas instituciones no los muestran públicamente por respeto a los tabúes tribales. [110]
Los rollos de corteza de abedul de Midewiwin se consideran demasiado sensibles culturalmente para su exhibición pública, [111] al igual que los paquetes de medicinas , ciertas pipas sagradas y bolsas para pipas, y otras herramientas de los curanderos . [112]
La pintura de arena navajo es un componente de las ceremonias curativas, pero las pinturas de arena se pueden convertir en arte permanente que es aceptable para vender a no nativos, siempre y cuando no se representen personas santas. [113] Varias tribus prohíben la fotografía de muchas ceremonias sagradas, como solía ser el caso en muchas culturas occidentales. Como varios de los primeros fotógrafos violaron las leyes locales, están en circulación fotografías de ceremonias delicadas, pero las tribus prefieren que no se muestren. Lo mismo puede decirse de las fotografías o bocetos del contenido de los paquetes de medicamentos.
Dos líderes Mohawk demandaron a un museo, tratando de retirar una máscara de la False Face Society o Ga:goh:sah de una exhibición porque "era un objeto medicinal destinado a ser visto sólo por miembros de la comunidad y que su exhibición pública causaría un daño irreparable a la comunidad". Mohicano." [114] El Gran Consejo de Haudenosaunee ha dictaminado que dichas máscaras no están para la venta ni para exhibición pública, [13] ni tampoco las máscaras de la Corn Husk Society. [14]
Las tribus y los individuos dentro de las tribus no siempre están de acuerdo sobre lo que es o no apropiado mostrar al público. Muchas instituciones no exhiben insignias de Ghost Dance . A petición de los líderes tribales, el Museo de Brooklyn se encuentra entre los que no exhiben escudos de guerreros de las Llanuras ni "artefactos imbuidos del poder de un guerrero". [115] Muchas tribus no quieren ajuares funerarios o artículos asociados con entierros, como urnas funerarias, en los museos, y muchas quisieran que los ajuares funerarios asociados se vuelvan a enterrar. El proceso a menudo se facilita dentro de los Estados Unidos en virtud de la Ley de Repatriación y Protección de Tumbas de Nativos Americanos (NAGPRA). [116] En Canadá, la repatriación se negocia entre las tribus y los museos o mediante leyes de reclamación de tierras. [117] En situaciones internacionales, las instituciones no siempre están obligadas legalmente a repatriar elementos culturales indígenas a su lugar de origen; algunos museos lo hacen voluntariamente, como ocurrió con la decisión de la Universidad de Yale de devolver 5.000 artefactos y restos humanos a Cusco, Perú . [118]
Las artes indígenas americanas han tenido una relación larga y complicada con la representación en los museos desde principios del siglo XX. En 1931, la Exposición de Artes Tribales Indias fue la primera exposición a gran escala que exhibió arte indígena. Su representación en los museos se hizo más común a finales del siglo XX como reacción al Movimiento por los Derechos Civiles. Con la tendencia creciente de representación en la atmósfera política, las voces de las minorías también ganaron más representación en los museos. [119]
Aunque se exhibía arte indígena, las decisiones curatoriales sobre cómo exhibir su trabajo no siempre se tomaron con las mejores intenciones. Por ejemplo, las piezas de arte y artefactos de los nativos americanos a menudo se muestran junto con huesos de dinosaurios, lo que implica que son un pueblo del pasado e inexistentes o irrelevantes en el mundo actual. [120] Los restos de nativos americanos se exhibieron en museos hasta la década de 1960. [121]
Aunque muchos todavía no veían el arte nativo americano como parte de la corriente principal en el año 1992, desde entonces ha habido un gran aumento en el volumen y la calidad tanto del arte como de los artistas nativos, así como de las exposiciones, lugares y curadores individuales. . Líderes como el director del Museo Nacional del Indio Americano insisten en que la representación de los nativos americanos se haga desde una perspectiva de primera mano. [122] El establecimiento de museos como el Museo Heard y el Museo Nacional del Indio Americano , ambos enfocados específicamente en las artes nativas americanas, permitió a un gran número de artistas nativos exhibir y desarrollar su trabajo. [123] Durante cinco meses a partir de octubre de 2017, tres obras de arte de nativos americanos seleccionadas de la Colección Charles y Valerie Diker se exhibirán en el Ala Americana del Museo Metropolitano de Arte . [124]
La representación en museos de artistas indígenas exige una gran responsabilidad por parte de los curadores y las instituciones museísticas. La Ley de Artes y Oficios Indios de 1990 prohíbe a los artistas no indígenas exponer como artistas nativos americanos. Las instituciones y los curadores trabajan discutiendo a quién representar, por qué se los elige, cómo es el arte indígena y cuál es su propósito. Los museos, como instituciones educativas, dan luz a culturas y narrativas que de otro modo pasarían desapercibidas; Proporcionan un foco de atención necesario y a quién eligen representar es fundamental para la historia de los artistas y la cultura representados.
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![Urna de cerámica, 200 a. C. - 800 d. C., Museo Británico.[39]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/British_Museum_Zapotec_funerary_urn_1.jpg/1280px-British_Museum_Zapotec_funerary_urn_1.jpg)
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![Taíno zemi, palo fierro con incrustaciones de concha, República Dominicana, cuenco de los siglos XV-XVI utilizado para rituales de cohoba[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cc/Zemi_figure_Metropolitan.jpg/1280px-Zemi_figure_Metropolitan.jpg)
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