Mary Edmonia Lewis , también conocida como "Wildfire" (c. 4 de julio de 1844 - 17 de septiembre de 1907), fue una escultora estadounidense.
Nacida en el norte del estado de Nueva York, de ascendencia mixta afroamericana y nativa americana ( ojibwe de Mississauga ), trabajó durante la mayor parte de su carrera en Roma, Italia. Fue la primera escultora afroamericana y nativa americana en alcanzar prominencia nacional y luego internacional. [1] Comenzó a ganar prominencia en los Estados Unidos durante la Guerra Civil ; a fines del siglo XIX, seguía siendo la única artista negra que había participado y sido reconocida en cierta medida por la corriente artística estadounidense dominante. [2] En 2002, el académico Molefi Kete Asante nombró a Edmonia Lewis en su lista de los 100 afroamericanos más grandes . [3]
Su obra es conocida por incorporar temas relacionados con los negros y los pueblos indígenas de las Américas en esculturas de estilo neoclásico.
Según la American National Biography , la información fiable sobre su vida temprana es limitada, y Lewis "a menudo era inconsistente en las entrevistas incluso con los hechos básicos sobre sus orígenes, prefiriendo presentarse como el producto exótico de una infancia pasada vagando por los bosques con la gente de su madre". [4] En los documentos oficiales, dio 1842, 1844 y 1854 como su año de nacimiento. [5] Nació cerca de Albany, Nueva York . [4] La mayor parte de su niñez aparentemente la pasó en Newark, Nueva Jersey . [6]
Su madre, Catherine Mike Lewis, era afroamericana , de ascendencia ojibwa de Mississauga y afroamericana. [7] [8] Era una excelente tejedora y artesana. En diferentes fuentes se menciona a dos hombres afroamericanos diferentes como su padre. El primero es Samuel Lewis, [4] que era afrohaitiano y trabajaba como valet (sirviente de un caballero). [9] [10] Otras fuentes dicen que su padre era el escritor sobre afroamericanos, Robert Benjamin Lewis . [11] Su medio hermano Samuel, que es tratado con cierta extensión en una historia de Montana, [12] dijo que su padre era "un francés antillano", y su madre "en parte africana y en parte descendiente de los indios narragansett educados del estado de Nueva York". [13] (El pueblo narragansett es originario de Rhode Island ).
Cuando Lewis cumplió nueve años, sus padres habían muerto; Samuel Lewis murió en 1847 [14] y Robert Benjamin Lewis en 1853. Sus dos tías maternas la adoptaron a ella y a su medio hermano mayor Samuel. [7] Samuel nació en 1835, hijo de su padre del mismo nombre y su primera esposa, en Haití . La familia llegó a los Estados Unidos cuando Samuel era un niño pequeño. [14] Samuel se convirtió en barbero a los 12 años después de que su padre muriera. [14]
Los niños vivieron con sus tías cerca de las cataratas del Niágara, Nueva York , durante unos cuatro años. Lewis y sus tías vendían cestas ojibwa y otros artículos, como mocasines y blusas bordadas, a los turistas que visitaban las cataratas del Niágara, Toronto y Buffalo . Durante este tiempo, Lewis usaba su nombre nativo americano, Wildfire, mientras que su hermano se llamaba Sunshine. En 1852, Samuel se fue a San Francisco, California, y dejó a Lewis al cuidado de un capitán, SR Mills.
Los esfuerzos de Samuel en la fiebre del oro de California resultaron exitosos, y cuando Edmonia llegó a la universidad, él "satisfizo todas sus necesidades anticipándose a sus deseos con el estilo y la manera de una persona de amplios ingresos". [13]
En 1856, Lewis se inscribió en un programa preuniversitario en el New York Central College , una escuela abolicionista bautista en McGrawville (ahora McGraw, Nueva York ). [7] Allí, Lewis conoció a muchos de los principales activistas que se convertirían en mentores, mecenas y posibles sujetos para su trabajo a medida que se desarrollaba su carrera artística. [15] En una entrevista posterior, Lewis dijo que dejó la escuela después de tres años, habiendo sido "declarada salvaje". [16]
Hasta los doce años viví esta vida errante, pescando y nadando... y fabricando mocasines. Luego me enviaron a la escuela durante tres años en [McGrawville], pero me declararon salvaje; no podían hacer nada conmigo.
— Edmonia Lewis [17]
Sin embargo, su expediente académico en el Central College (1856-otoño de 1858) muestra que sus notas, su "conducta" y su asistencia fueron ejemplares. Sus clases incluían latín, francés, "gramática", aritmética, dibujo, composición y declamación (habla en público). [18]
En 1859, cuando Edmonia Lewis tenía unos 15 años, su hermano Samuel y los abolicionistas la enviaron a Oberlin, Ohio , donde asistió a la escuela secundaria Oberlin Academy Preparatory School para el curso completo de tres años, [19] antes de ingresar al Oberlin Collegiate Institute (desde 1866, Oberlin College), [20] una de las primeras instituciones de educación superior de EE. UU. en admitir mujeres y personas de diferentes etnias. [21] El Departamento de Damas fue diseñado "para brindarles a las señoritas las instalaciones para la disciplina mental completa y el entrenamiento especial que las calificará para la enseñanza y otros deberes de su esfera". [22] Cambió su nombre a Mary Edmonia Lewis [23] y comenzó a estudiar arte. [24] Lewis se alojó con el reverendo John Keep y su esposa desde 1859 hasta que la obligaron a abandonar la universidad en 1863. En Oberlin, con una población estudiantil de mil, Lewis fue una de los únicos 30 estudiantes de color. [25] El reverendo Keep era blanco, miembro del consejo de administración, un ávido abolicionista y portavoz de la coeducación. [16]
Mary dijo más tarde que sufría racismo y discriminación a diario. A ella y a otras estudiantes rara vez se les daba la oportunidad de participar en el aula o hablar en reuniones públicas. [26]
Durante el invierno de 1862, varios meses después del inicio de la Guerra Civil de Estados Unidos , se produjo un incidente entre Lewis y dos compañeras de clase de Oberlin, Maria Miles y Christina Ennes. Las tres mujeres, todas alojadas en la casa de Keep, planeaban ir a dar un paseo en trineo con algunos jóvenes más tarde ese día. Antes del paseo en trineo, Lewis les sirvió a sus amigas una copa de vino especiado. Poco después, Miles y Ennes enfermaron gravemente. Los médicos las examinaron y concluyeron que las dos mujeres tenían algún tipo de veneno en su sistema, supuestamente cantáridas , un supuesto afrodisíaco. Durante un tiempo no hubo certeza de que sobrevivieran. Días después, se hizo evidente que las dos mujeres se recuperarían del incidente. Las autoridades inicialmente no tomaron ninguna medida.
La noticia del polémico incidente se extendió rápidamente por todo Ohio y fue universalmente conocida en la ciudad de Oberlin , donde la población en general no era tan progresista como la de la universidad. Mientras Lewis caminaba sola a casa una noche, unos asaltantes desconocidos la arrastraron a un campo abierto, la golpearon brutalmente y la dejaron por muerta. [27] Después del ataque, las autoridades locales arrestaron a Lewis, acusándola de envenenar a sus amigos. John Mercer Langston , un exalumno de Oberlin College y el primer abogado afroamericano en Ohio, representó a Lewis durante su juicio. Aunque la mayoría de los testigos hablaron en su contra y ella no testificó, Chapman logró que se desestimaran los cargos: el contenido de los estómagos de las víctimas no había sido analizado y, por lo tanto, no había evidencia de envenenamiento, ni corpus delicti . [28] [29] [6]
El resto de la estancia de Lewis en Oberlin estuvo marcada por el aislamiento y los prejuicios. Aproximadamente un año después del juicio por envenenamiento, Lewis fue acusada de robar material de arte de la universidad. Fue absuelta por falta de pruebas. Sólo unos meses después fue acusada de complicidad en un robo. En ese momento ya se había marchado. [6] Otro informe dice que se le prohibió inscribirse para su último semestre, lo que la dejó sin poder graduarse. [30]
El Oberlin College le otorgó un título póstumo en 2022. [31] [32]
Después de la universidad, Lewis se mudó a Boston a principios de 1864, donde comenzó a seguir su carrera como escultora. En repetidas ocasiones contó la historia de que había encontrado en Boston una estatua de Benjamin Franklin, sin saber qué era ni cómo llamarla, pero que había llegado a la conclusión de que ella misma podía hacer un "hombre de piedra". [33]
Los Keep escribieron una carta de presentación en nombre de Lewis al abolicionista William Lloyd Garrison en Boston, al igual que Henry Highland Garnet . [34] Él le presentó a escultores ya establecidos en el área, así como a escritores que publicitaron a Lewis en la prensa abolicionista. [35] Sin embargo, encontrar un instructor no fue fácil para ella. Tres escultores masculinos se negaron a instruirla antes de que le presentaran al escultor de éxito moderado, Edward Augustus Brackett (1818-1908), que se especializaba en bustos de mármol. [36] [37] [38] Sus clientes fueron algunos de los abolicionistas más importantes de la época, incluidos Henry Wadsworth Longfellow , Wm. Lloyd Garrison , Charles Sumner y John Brown . [37]
Para instruirla, le prestó fragmentos de esculturas para copiar en arcilla, que él criticaba. [38] Bajo su tutela, ella fabricó sus propias herramientas de escultura y vendió su primera pieza, una escultura de la mano de una mujer, por $ 8. [39] Anne Whitney , una compañera escultora y amiga de Lewis, escribió en una carta de 1864 a su hermana que la relación de Lewis con su instructor no terminó amistosamente, pero no reveló el motivo. [37] Lewis abrió su estudio al público con su primera exposición individual en 1864. [40]
Lewis se inspiró en las vidas de los abolicionistas y los héroes de la Guerra Civil. Sus temas en 1863 y 1864 incluyeron a algunos de los abolicionistas más famosos de su época: John Brown y el coronel Robert Gould Shaw . [41] Cuando conoció al coronel de la Unión Shaw, el comandante de un regimiento afroamericano de la Guerra Civil de Massachusetts, se inspiró para crear un busto de su imagen. Impresionó a la familia Shaw, que lo compró. [42] Lewis luego hizo reproducciones de yeso del busto y vendió cien de estas copias a 15 dólares cada una. [43] Fue su trabajo más famoso hasta la fecha y el dinero que ganó de los bustos le permitió mudarse a Roma. [44] [45] Anna Quincy Waterston , una poeta, luego escribió un poema sobre Lewis y Shaw. [46]
Entre 1864 y 1871, Lydia Maria Child , Elizabeth Peabody , Anna Quincy Waterston y Laura Curtis Bullard , todas mujeres importantes de los círculos abolicionistas de Boston y Nueva York, escribieron sobre Lewis o la entrevistaron . [37] Gracias a estas mujeres, aparecieron artículos sobre Lewis en muchas revistas abolicionistas importantes, como Broken Fetter , Christian Register y The Independent . [41] Lewis estaba al tanto de su recepción en Boston. No se oponía a la cobertura que recibía en la prensa abolicionista y no se sabía que rechazara la ayuda financiera, pero no podía tolerar los elogios falsos. Sabía que algunos no apreciaban realmente su arte, pero la veían como una oportunidad para demostrar su apoyo a los derechos humanos. [47]
Entre sus primeras obras, que resultaron muy populares, se encuentran los retratos en medallón de los abolicionistas John Brown , descrito como "su héroe", [34] y Wm. Lloyd Garrison . Lewis también se inspiró en Henry Wadsworth Longfellow y su obra, en particular en su poema épico La canción de Hiawatha . Realizó varios bustos de sus personajes principales, para los que se había inspirado en la leyenda ojibwa. [48]
Me llevaron prácticamente a Roma para obtener oportunidades de cultura artística y para encontrar un ambiente social donde no me recordaran constantemente mi color de piel. En la tierra de la libertad no había lugar para un escultor de color. [34]
El éxito y la popularidad de las obras que creó en Boston (en particular las reproducciones de su busto de Shaw) [50] le permitieron a Lewis pagar el viaje a Roma en 1866. [51] En su pasaporte de 1865 está escrito: "M. Edmonia Lewis es una muchacha negra enviada por suscripción a Italia que ha demostrado un gran talento como escultora". [52] El escultor establecido Hiram Powers le dio espacio para trabajar en su estudio. [53] Entró en un círculo de artistas expatriados y estableció su propio espacio dentro del antiguo estudio del escultor italiano del siglo XVIII Antonio Canova , [54] justo al lado de la Piazza Barberini . [45] Recibió apoyo profesional tanto de Charlotte Cushman , una actriz de Boston y una figura fundamental para los escultores expatriados en Roma, como de Maria Weston Chapman , una trabajadora dedicada a la causa contra la esclavitud. [55]
Lewis pasó la mayor parte de su carrera adulta en Roma, donde el racismo menos pronunciado de Italia permitió mayores oportunidades para un artista negro. [2] Allí Lewis disfrutó de más libertad social, espiritual y artística de la que había tenido en los Estados Unidos. Era católica y Roma le permitió una cercanía tanto espiritual como física a su fe. En Estados Unidos, Lewis habría tenido que seguir dependiendo del mecenazgo abolicionista; pero Italia le permitió hacer su propia obra en el mundo del arte internacional. [56] Comenzó a esculpir en mármol, trabajando dentro del estilo neoclásico , pero centrándose en el naturalismo dentro de temas e imágenes relacionados con los negros y los indios americanos. [57] El entorno del mundo clásico la inspiró mucho e influyó en su trabajo, en el que recreó el estilo del arte clásico, como presentar a las personas en sus esculturas envueltas en túnicas en lugar de en ropa contemporánea. [58]
En su estudio lleva una gorra roja, que resulta muy pintoresca y eficaz; su rostro es brillante, inteligente y expresivo. Sus modales son infantiles, sencillos y sumamente atractivos y agradables... Hay algo en la naturaleza humana... que hace que todos admiren un espíritu valiente y heroico; y si bien la gente no siempre está dispuesta a echar una mano a un genio que lucha, todos están ansiosos por aplaudir cuando esas luchas se ven coronadas por el éxito. Ha llegado la hora de los aplausos para Edmonia Lewis. [59]
Lewis era única en su forma de abordar la escultura en el extranjero. Insistió en agrandar sus modelos de arcilla y cera en mármol ella misma, en lugar de contratar a escultores italianos nativos para que lo hicieran por ella, la práctica común en ese momento. Los escultores masculinos eran en gran medida escépticos sobre el talento de las escultoras, y a menudo las acusaban de no hacer su propio trabajo. [56] Harriet Hosmer , una colega escultora y expatriada, también hizo esto. Lewis también era conocida por hacer esculturas antes de recibir encargos por ellas, o enviar obras no solicitadas a mecenas de Boston solicitando que recaudaran fondos para los materiales y el envío. [57]
Durante su estancia en Roma, Lewis continuó expresando su herencia afroamericana y nativa americana. Una de sus obras más famosas, " Forever Free ", representaba una poderosa imagen de un hombre y una mujer afroamericanos que emergían de las ataduras de la esclavitud. Otra escultura que creó Lewis se llamó "The Arrow Maker" (El fabricante de flechas), que mostraba a un padre nativo americano enseñando a su hija a fabricar una flecha. [44]
Sus obras se vendieron por grandes sumas de dinero. En 1873, un artículo del New Orleans Picayune afirmaba: «Edmonia Lewis había conseguido dos encargos de 50.000 dólares». Su nueva popularidad convirtió su estudio en un destino turístico. [60] Lewis realizó muchas exposiciones importantes durante su ascenso a la fama, entre ellas una en Chicago, Illinois , en 1870, y en Roma en 1871. [24]
En 1872, Edmonia fue convocado a Peterboro, Nueva York , para esculpir al adinerado abolicionista Gerrit Smith , un proyecto concebido por sus amigos. Smith no estaba contento y lo que Lewis completó fue una escultura de las manos entrelazadas de Gerrit y su amada esposa Ann . [61]
Un gran logro en su carrera fue participar en la Exposición del Centenario de 1876 en Filadelfia. [62] Para ello, creó una monumental escultura de mármol de 3015 libras, La muerte de Cleopatra, que retrata a la reina en medio de la agonía , que fue su escultura más grande y significativa. [63] [64] Esta pieza representa el momento popularizado por Shakespeare en Antonio y Cleopatra , en el que Cleopatra se había dejado morder por un áspid venenoso tras la pérdida de su corona. [25] Sobre la pieza, JS Ingraham escribió que Cleopatra era "la pieza de escultura más notable en la sección estadounidense" de la Exposición. [65] Gran parte del público que la vio se sorprendió por la representación franca de la muerte de Lewis, pero la estatua atrajo a miles de espectadores de todos modos. [66] Cleopatra era considerada una mujer de belleza sensual y poder demoníaco, [67] y su autoaniquilación ha sido retratada repetidamente en el arte, la literatura y el cine. En La muerte de Cleopatra , Edmonia Lewis agregó un estilo innovador al retratar a la reina egipcia de una manera desaliñada y poco elegante, un alejamiento del enfoque victoriano refinado y compuesto para representar la muerte. [68] Teniendo en cuenta el interés de Lewis en las imágenes de emancipación como se ve en su obra Forever Free , no es sorprendente que Lewis eliminara las figuras acompañantes habituales de Cleopatra de esclavos leales de su trabajo. La muerte de Cleopatra de Lewis puede haber sido una respuesta a la cultura de la Exposición del Centenario , que celebró cien años de los Estados Unidos construidos en torno a los principios de la libertad y la libertad, una celebración de la unidad a pesar de siglos de esclavitud, la reciente Guerra Civil y los intentos y esfuerzos fallidos de la Reconstrucción . Para evitar cualquier reconocimiento del empoderamiento negro en el Centenario, la escultura de Lewis no podría haber abordado directamente el tema de la Emancipación. [25] Aunque sus contemporáneos blancos también esculpían a Cleopatra y otros temas comparables (como Zenobia de Harriet Hosmer ), Lewis era más propensa al escrutinio sobre la premisa de la raza y el género, ya que ella, como Cleopatra, era mujer:
Las asociaciones entre Cleopatra y un África negra eran tan profundas que... cualquier representación de la antigua reina egipcia tenía que lidiar con la cuestión de su raza y la expectativa potencial de su negritud. La reina blanca de Lewis ganó el aura de precisión histórica a través de una investigación primaria sin sacrificar sus vínculos simbólicos con el abolicionismo, el África negra o la diáspora negra. Pero lo que se negó a facilitar fue la cosificación racial del cuerpo de la artista. Lewis no podía convertirse tan fácilmente en el sujeto de su representación si su sujeto era corporalmente blanco. [69]
Después de ser almacenada, la estatua fue trasladada a la Exposición Interestatal de Chicago de 1878, donde permaneció sin venderse. Luego, la escultura fue adquirida por un jugador llamado "Blind John" Condon, quien la compró en un salón de Clark Street para marcar la tumba de un caballo de carreras llamado "Cleopatra". [70] La tumba estaba frente a la tribuna de su pista de carreras de Harlem en el suburbio de Chicago de Forest Park , donde la escultura permaneció durante casi un siglo hasta que el Servicio Postal de los EE. UU. compró el terreno [71] y la escultura fue trasladada a un patio de almacenamiento de construcción en Cicero, Illinois . [72] [71] Mientras estaba en el patio de almacenamiento, La muerte de Cleopatra sufrió daños importantes a manos de Boy Scouts bien intencionados que pintaron y causaron otros daños a la escultura. El Dr. James Orland, un dentista en Forest Park y miembro de la Sociedad Histórica de Forest Park, adquirió la escultura y la mantuvo en un almacenamiento privado en el Forest Park Mall.
Más tarde, Marilyn Richardson, profesora adjunta del antiguo Programa de Escritura del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y más tarde curadora y académica de arte afroamericano, fue en busca de La muerte de Cleopatra para su biografía de Lewis. Richardson fue dirigida a la Sociedad Histórica de Forest Park y al Dr. Orland por el Museo Metropolitano de Arte , que había sido contactado anteriormente por la sociedad histórica con respecto a la escultura. [50] Richardson, después de confirmar la ubicación de la escultura, se puso en contacto con la bibliógrafa afroamericana Dorothy Porter Wesley , y los dos ganaron la atención de George Gurney de la NMAA . [73] Según Gurney, curador emérito del Museo Smithsoniano de Arte Americano , [74] la escultura estaba en una pista de carreras en Forest Park, Illinois, durante la Segunda Guerra Mundial. Finalmente, la escultura quedó bajo la tutela de la Forest Park Historical Society, que la donó al Museo Smithsonian de Arte Americano en 1994. [72] Andrezej Dajnowski, con sede en Chicago, en colaboración con el Smithsonian, gastó 30.000 dólares para restaurarla a su estado casi original. Las reparaciones fueron extensas, incluyendo la nariz, las sandalias, las manos, el mentón y una extensa "desintegración" (azucarado). [73]
Un testimonio del renombre de Lewis como artista llegó en 1877, cuando el expresidente estadounidense Ulysses S. Grant le encargó que hiciera su retrato. Él posó para ella como modelo y quedó satisfecho con su obra terminada. [75] También contribuyó con un busto del senador abolicionista de Massachusetts Charles Sumner para la Exposición de Atlanta de 1895. [ 76]
A finales de la década de 1880, el neoclasicismo perdió popularidad, al igual que la popularidad de las obras de arte de Lewis. Continuó esculpiendo en mármol y cada vez más creó retablos y otras obras para mecenas católicos. Un busto de Cristo, creado en su estudio de Roma en 1870, fue redescubierto en Escocia en 2015. [45] En el mundo del arte, quedó eclipsada por la historia y perdió fama. En 1901 se había mudado a Londres. [77] [a]
No se conocen los acontecimientos de sus últimos años. [24]
De 1896 a 1901, Lewis vivió en París. [45] Luego se mudó al área de Hammersmith en Londres, Inglaterra, antes de su muerte el 17 de septiembre de 1907, en la enfermería del distrito de Hammersmith. [78] Según su certificado de defunción, la causa de su muerte fue insuficiencia renal crónica ( enfermedad de Bright ). [26] Está enterrada en el cementerio católico de St. Mary , en Londres. [79]
Hubo teorías anteriores de que Lewis murió en Roma en 1907 o, alternativamente, que había muerto en el condado de Marin, California , y fue enterrada en una tumba sin nombre en San Francisco. [80]
En 2017, una campaña GoFundMe de Bobbie Reno, historiadora de la ciudad de East Greenbush, Nueva York , tuvo éxito y se restauró la tumba de Edmonia Lewis. [81] El trabajo fue realizado por EM Lander Co. en Londres.
Como artista negra, Edmonia Lewis tuvo que ser consciente de sus elecciones estilísticas, ya que su público, en su mayoría blanco, a menudo malinterpretaba gravemente su obra como autorretrato. Para evitarlo, sus figuras femeninas suelen tener rasgos europeos. [2] Lewis tuvo que equilibrar su propia identidad personal con su identidad artística, social y nacional, una actividad agotadora que afectó su arte. [82]
En su obra de 2007, Charmaine Nelson escribió sobre Lewis:
Es difícil exagerar la incongruencia visual del cuerpo femenino negro-indígena, y más aún de esa identidad en una escultora, dentro de la colonia romana. Como el primer escultor negro-indígena de cualquier sexo en lograr reconocimiento internacional dentro de una tradición escultórica occidental, Lewis era una anomalía simbólica y social dentro de una comunidad burguesa y aristocrática predominantemente blanca. [2]
Lewis nunca se casó y no tuvo hijos conocidos. [83] Según su biógrafa, la Dra. Marilyn Richardson, no hay información definitiva sobre su relación romántica con nadie. [84] Sin embargo, en 1873 se anunció su compromiso, [85] y en 1875, se reveló que el color de piel de su prometido era el mismo que el de ella, aunque no se da su nombre. [86] No hay más referencias a este compromiso.
Su medio hermano Samuel se convirtió en barbero en San Francisco, y finalmente se mudó a campamentos mineros en Idaho y Montana . En 1868, se estableció en la ciudad de Bozeman, Montana , donde abrió una barbería en Main Street. Prosperó, invirtiendo finalmente en bienes raíces comerciales y, posteriormente, construyó su propia casa que todavía se encuentra en 308 South Bozeman Avenue. En 1999, la Casa Samuel Lewis fue incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos . En 1884, se casó con la Sra. Melissa Railey Bruce, una viuda con seis hijos. La pareja tuvo un hijo, Samuel E. Lewis (1886-1914), que se casó pero murió sin hijos. El mayor de los Lewis murió después de "una breve enfermedad" en 1896 y está enterrado en el cementerio Sunset Hills en Bozeman. [14] El alcalde de Bozeman fue portador del féretro. [14]
Esta escultura se inspiró en la herencia indígena de Lewis. Un fabricante de flechas y su hija se sientan en una base redonda, vestidos con ropas indígenas tradicionales . La figura masculina tiene rasgos faciales nativos americanos reconocibles, pero no la hija. Como el público blanco malinterpretó su trabajo como autorretrato, a menudo eliminó todos los rasgos faciales asociados con las razas "de color" en la representación femenina. [87] Esta estatua más tarde llegó a ser conocida como El cortejo de Hiawatha , ya que parece representar una escena del poema épico de Longfellow donde Minnehaha y su padre son abordados por Hiawatha. Esta interesante perspectiva de la escena (no de una vista en tercera persona de todos, sino más bien una vista en primera persona desde la perspectiva de Hiawatha) es particularmente notable porque parece provenir de la percepción en primera persona de Lewis sobre el carácter de un nativo americano y, por lo tanto, invita a los espectadores a compartir esta perspectiva. [50]
Forever Free es una escultura de la artista estadounidense Edmonia Lewis. Creada en 1867, conmemora la abolición de la esclavitud en los Estados Unidos dos años antes y toma su título de la Proclamación de Emancipación del presidente Lincoln . La escultura de mármol blanco muestra a un hombre de pie, mirando hacia arriba y levantando su brazo izquierdo en el aire. Alrededor de su muñeca izquierda hay una cadena; sin embargo, esta cadena no lo retiene. A su derecha hay una mujer arrodillada con sus manos en posición de oración, la mano derecha del hombre colocada suavemente sobre su hombro derecho. La obra se diferencia de muchas otras representaciones de la abolición de la época al mostrar al hombre negro de pie y sin grilletes en lugar de atado o arrodillado. [88]
Los académicos se han preguntado con frecuencia por la decisión de Lewis de europeizar los rasgos de la figura femenina. [89] Al menos un académico ha sugerido que la elección puede haber sido un reconocimiento de la variada apariencia y herencia de los afroamericanos, como la propia Lewis, que era de ascendencia tanto africana como nativa americana. [90]
Esta pieza se conserva en la Galería de Arte de la Universidad Howard en Washington, DC [91]
Lewis tenía una tendencia a esculpir mujeres históricamente fuertes, como se demuestra no solo en Agar sino también en la pieza Cleopatra de Lewis. Lewis también representó a mujeres comunes en situaciones extremas, enfatizando su fuerza. [83] Agar está inspirada en un personaje del Antiguo Testamento , la sierva o esclava de la esposa de Abraham, Sara . Al no poder concebir un hijo, Sara le dio Agar a Abraham, para que le diera un hijo. Agar dio a luz al primogénito de Abraham , Ismael , y después de que Sara diera a luz a su propio hijo Isaac , se resintió con Agar e hizo que Abraham "la arrojara al desierto". La pieza estaba hecha de mármol blanco, y Agar está de pie como si estuviera a punto de caminar, con las manos entrelazadas en oración y mirando ligeramente hacia arriba pero no directamente. Lewis usa a Agar para simbolizar a la madre africana en los Estados Unidos y el frecuente abuso sexual de mujeres africanas por parte de hombres blancos.
Ya lo hemos comentado anteriormente.
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