Una película documental o documental es una película de ficción cuyo objetivo es "documentar la realidad, principalmente con fines educativos, educativos o de mantenimiento de un registro histórico ". [1] Bill Nichols ha caracterizado el documental en términos de "una práctica cinematográfica , una tradición cinematográfica y un modo de recepción por parte del público [que sigue siendo] una práctica sin límites claros". [2]
Los primeros documentales, llamados originalmente " películas de actualidad ", duraban un minuto o menos. Con el tiempo, los documentales han evolucionado para tener una mayor duración e incluir más categorías. Algunos ejemplos son los educativos , los de observación y los documentales de ficción . Los documentales son muy informativos y, a menudo, se utilizan en las escuelas como un recurso para enseñar diversos principios . Los realizadores de documentales tienen la responsabilidad de ser fieles a su visión del mundo sin tergiversar intencionalmente un tema.
Las plataformas de redes sociales (como YouTube ) han proporcionado una vía para el crecimiento del género de películas documentales . Estas plataformas han aumentado el área de distribución y la facilidad de acceso.
El escritor y cineasta polaco Bolesław Matuszewski fue uno de los que identificó el género del cine documental. Escribió dos de los primeros textos sobre cine, Une nouvelle source de l'histoire ("Una nueva fuente de la historia") y La photographie animée ("La fotografía animada"). Ambos fueron publicados en 1898 en francés y se encuentran entre las primeras obras escritas que consideran el valor histórico y documental del cine. [3] Matuszewski también es uno de los primeros cineastas que propuso la creación de un Archivo Fílmico para recopilar y conservar materiales visuales de forma segura. [4]
La palabra "documental" fue acuñada por el cineasta documental escocés John Grierson en su reseña de la película Moana (1926) de Robert Flaherty , publicada en el New York Sun el 8 de febrero de 1926, escrita por "The Moviegoer" (un seudónimo de Grierson). [5] [6]
Los principios de Grierson sobre el documental eran que el potencial del cine para observar la vida podía explotarse en una nueva forma de arte; que el actor "original" y la escena "original" son mejores guías que sus contrapartes de ficción para interpretar el mundo moderno; y que los materiales "así tomados de la nada" pueden ser más reales que el artículo actuado. En este sentido, la definición de Grierson del documental como "tratamiento creativo de la realidad" [7] ha ganado cierta aceptación; sin embargo, esta posición está en desacuerdo con los credos del cineasta soviético Dziga Vertov de provocación para presentar "la vida como es" (es decir, la vida filmada subrepticiamente) y "la vida tomada por sorpresa" (la vida provocada o sorprendida por la cámara).
El crítico de cine estadounidense Pare Lorentz define una película documental como "una película factual que es dramática". [8] Otros afirman además que un documental se destaca de los otros tipos de películas de no ficción porque proporciona una opinión y un mensaje específico, junto con los hechos que presenta. [9] La académica Betsy McLane afirmó que los documentales sirven para que los cineastas transmitan sus puntos de vista sobre eventos históricos, personas y lugares que consideran significativos. [10] Por lo tanto, la ventaja de los documentales radica en introducir nuevas perspectivas que pueden no ser frecuentes en los medios tradicionales, como las publicaciones escritas y los programas escolares. [11]
La práctica documental es el proceso complejo de creación de proyectos documentales. Se refiere a lo que las personas hacen con los dispositivos mediáticos, el contenido, la forma y las estrategias de producción para abordar los problemas y las decisiones creativas, éticas y conceptuales que surgen a medida que realizan documentales.
El cine documental se puede utilizar como una forma de periodismo, de defensa de derechos o de expresión personal.
El cine primitivo (anterior a 1900) estaba dominado por la novedad de mostrar un acontecimiento. Se capturaban en película momentos de una sola toma, como un tren entrando en una estación, un barco atracando o trabajadores de una fábrica saliendo del trabajo. Estos cortometrajes se llamaban películas de "actualidad"; el término "documental" no se acuñó hasta 1926. Muchas de las primeras películas, como las realizadas por Auguste y Louis Lumière , duraban un minuto o menos, debido a limitaciones tecnológicas. Se pueden ver ejemplos en YouTube.
Las películas en las que aparecían muchas personas (por ejemplo, saliendo de una fábrica) solían realizarse por motivos comerciales: las personas que se filmaban estaban ansiosas por ver, a cambio de un pago, la película que las mostraba. Una película notable duraba más de una hora y media: La pelea Corbett-Fitzsimmons . Utilizando una tecnología pionera de reproducción en bucle de películas, Enoch J. Rector presentó la totalidad de una famosa pelea por un premio de 1897 en las pantallas de cine de todo Estados Unidos.
En mayo de 1896, Bolesław Matuszewski filmó algunas operaciones quirúrgicas en hospitales de Varsovia y San Petersburgo . En 1898, el cirujano francés Eugène-Louis Doyen invitó a Matuszewski y Clément Maurice a filmar sus operaciones quirúrgicas. Comenzaron en París una serie de películas quirúrgicas en algún momento antes de julio de 1898. [12] Hasta 1906, el año de su última película, Doyen grabó más de 60 operaciones. Doyen dijo que sus primeras películas le enseñaron a corregir errores profesionales de los que no era consciente. Con fines científicos, después de 1906, Doyen combinó 15 de sus películas en tres compilaciones, dos de las cuales sobreviven, la serie de seis películas Extirpation des tumeurs encapsulées (1906), y la serie de cuatro películas Les Opérations sur la cavité crânienne (1911). Estas y otras cinco películas de Doyen sobreviven. [13]
Entre julio de 1898 y 1901, el profesor rumano Gheorghe Marinescu realizó varias películas científicas en su clínica de neurología de Bucarest : [14] Problemas de la marcha de la hemiplejía orgánica (1898), Problemas de la marcha de las paraplejías orgánicas (1899), Un caso de hemiplejía histérica curada mediante hipnosis (1899), Problemas de la marcha de la ataxia progresiva de la locomoción (1900) y Enfermedades de los músculos (1901). Todos estos cortometrajes se han conservado. El profesor llamó a sus trabajos «estudios con la ayuda del cinematógrafo», y publicó los resultados, junto con varios fotogramas consecutivos, en números de la revista La Semaine Médicale de París, entre 1899 y 1902. [15] En 1924, Auguste Lumière reconoció los méritos de las películas científicas de Marinescu: «He visto sus informes científicos sobre el uso del cinematógrafo en estudios de enfermedades nerviosas, cuando todavía recibía La Semaine Médicale , pero en ese entonces tenía otras preocupaciones, lo que no me dejó tiempo libre para comenzar estudios biológicos. Debo decir que olvidé esos trabajos y le agradezco que me los haya recordado. Desafortunadamente, no muchos científicos han seguido su camino». [16] [17] [18]
Las películas de viajes fueron muy populares a principios del siglo XX. Los distribuidores las llamaban a menudo "scenics" (películas escénicas). Las películas escénicas eran uno de los tipos de películas más populares en esa época. [19] Una película temprana importante que fue más allá del concepto de lo escénico fue En la tierra de los cazadores de cabezas (1914), que adoptó el primitivismo y el exotismo en una historia escenificada presentada como recreaciones veraces de la vida de los nativos americanos .
La contemplación es un área aparte. [ Se necesita más explicación ] Pathé fue el productor mundial más conocido de este tipo de películas a principios del siglo XX. Un claro ejemplo es Moscú cubierto de nieve (1909).
Durante esta época aparecieron documentales biográficos, como el largometraje Eminescu-Veronica-Creangă (1914) sobre la relación entre los escritores Mihai Eminescu , Veronica Micle e Ion Creangă (todos fallecidos en el momento de la producción), estrenado por el capítulo de Bucarest de Pathé .
Los primeros procesos cinematográficos en color, como Kinemacolor (conocido por el largometraje With Our King and Queen Through India [Con nuestro rey y nuestra reina por la India ], 1912) y Prizma Color (conocido por Everywhere With Prizma [En todas partes con Prizma ], 1919, y el largometraje de cinco carretes Bali the Unknown [Bali, el desconocido], 1921), utilizaban documentales de viajes para promocionar los nuevos procesos de color. En cambio, Technicolor se concentró principalmente en lograr que los estudios de Hollywood adoptaran su proceso para largometrajes de ficción.
También durante este período se estrenó el largometraje documental de Frank Hurley , South (1919), sobre la Expedición Imperial Transantártica , que documentaba la fallida expedición antártica dirigida por Ernest Shackleton en 1914.
Con Nanook of the North de Robert J. Flaherty en 1922, el cine documental abrazó el romanticismo . Flaherty filmó una serie de documentales románticos muy escenificados durante este período de tiempo, a menudo mostrando cómo habrían vivido sus protagonistas 100 años antes y no cómo vivían en ese momento. Por ejemplo, en Nanook of the North , Flaherty no permitió que sus protagonistas dispararan a una morsa con una escopeta cercana, sino que les hizo usar un arpón. Algunas de las puestas en escena de Flaherty, como la construcción de un iglú sin techo para tomas interiores, se hicieron para adaptarse a la tecnología de filmación de la época.
Paramount Pictures intentó repetir el éxito de Nanook y Moana de Flaherty con dos documentales romantizados, Grass (1925) y Chang (1927), ambos dirigidos por Merian C. Cooper y Ernest Schoedsack .
El subgénero cinematográfico de " sinfonía urbana " consistió en películas de vanguardia durante las décadas de 1920 y 1930. Estas películas estaban particularmente influenciadas por el arte moderno , a saber, el cubismo , el constructivismo y el impresionismo . [20] Según el historiador de arte y autor Scott MacDonald , [21] las películas de sinfonía urbana pueden describirse como "una intersección entre el documental y el cine de vanguardia: un avant-doc "; sin embargo, AL Rees sugiere considerarlas como películas de vanguardia. [20]
Los primeros títulos producidos dentro de este género incluyen: Manhatta (Nueva York; dir. Paul Strand , 1921); Rien que les heures / Nada más que las horas ( Francia ; dir. Alberto Cavalcanti , 1926); La isla de los veinticuatro dólares (dir. Robert J. Flaherty , 1927); Moscú (dir. Mikhail Kaufman , 1927); Études sur Paris (dir. André Sauvage, 1928); El puente (1928) y Lluvia (1929), ambas de Joris Ivens ; São Paulo, Sinfonia da Metrópole (dir. Adalberto Kemeny, 1929), Berlín: Sinfonía de una metrópolis (dir. Walter Ruttmann , 1927); El hombre de la cámara de cine (dir. Dziga Vertov , 1929); Duero, Faina Fluvial (dir. Manoel de Oliveira , 1931); y Rapsodia en dos idiomas (dir. Gordon Sparling , 1934).
Una película sinfónica urbana, como sugiere su nombre, suele estar basada en una gran zona metropolitana y busca capturar la vida, los eventos y las actividades de la ciudad. Puede utilizar una cinematografía abstracta ( Berlín , de Walter Ruttman ) o puede utilizar la teoría del montaje soviético ( El hombre de la cámara , de Dziga Vertov ). Lo más importante es que una película sinfónica urbana es una forma de cinepoesía , filmada y editada al estilo de una " sinfonía ".
La tradición continental europea ( ver: Realismo ) se centró en los seres humanos dentro de entornos creados por el hombre, e incluyó las llamadas películas sinfónicas de ciudades como Berlín: Sinfonía de una metrópolis de Walter Ruttmann (sobre la cual Grierson señaló en un artículo [22] que Berlín representaba lo que un documental no debería ser); Rien que les heures de Alberto Cavalcanti; y El hombre de la cámara de Dziga Vertov . Estas películas tienden a presentar a las personas como productos de su entorno y se inclinan hacia la vanguardia.
Dziga Vertov fue una figura central en la serie de noticieros soviéticos Kino-Pravda (literalmente, "la verdad cinematográfica") de la década de 1920. Vertov creía que la cámara, con sus lentes variadas, edición toma-contra-toma, time-lapse, capacidad de cámara lenta, stop-motion y cámara rápida, podía reproducir la realidad con mayor precisión que el ojo humano, y creó una filosofía cinematográfica a partir de ella.
La tradición de los noticieros es importante en el cine documental. En esa época, los noticieros a veces se escenificaban, pero normalmente eran recreaciones de hechos que ya habían sucedido, no intentos de manipular los acontecimientos mientras estaban sucediendo. Por ejemplo, gran parte de las imágenes de batallas de principios del siglo XX eran escenificadas; los camarógrafos solían llegar al lugar después de una batalla importante y recreaban las escenas para filmarlas.
La tradición propagandística consiste en películas realizadas con el propósito explícito de persuadir a una audiencia sobre un punto. Una de las películas propagandísticas más celebradas y controvertidas es la película de Leni Riefenstahl El triunfo de la voluntad (1935), que narra el Congreso del Partido Nazi de 1934 y fue encargada por Adolf Hitler . Los cineastas izquierdistas Joris Ivens y Henri Storck dirigieron Borinage (1931) sobre la región minera de carbón belga. Luis Buñuel dirigió un documental " surrealista " Las Hurdes (1933).
El arado que rompió las llanuras (1936) y El río (1938) de Pare Lorentz y La ciudad (1939) de Willard Van Dyke son producciones notables del New Deal , cada una presentando combinaciones complejas de conciencia social y ecológica, propaganda gubernamental y puntos de vista izquierdistas. La serie Por qué luchamos (1942-1944) de Frank Capra fue una serie de noticieros en los Estados Unidos, encargada por el gobierno para convencer al público estadounidense de que era hora de ir a la guerra. Constance Bennett y su esposo Henri de la Falaise produjeron dos largometrajes documentales, Legong: Dance of the Virgins (1935) filmado en Bali , y Kilou the Killer Tiger (1936) filmado en Indochina .
En Canadá, la Film Board , creada por John Grierson, se creó con las mismas razones propagandísticas. También creó noticieros que los gobiernos nacionales consideraron una contrapropaganda legítima a la guerra psicológica de la Alemania nazi orquestada por Joseph Goebbels .
En Gran Bretaña, varios cineastas diferentes se unieron bajo el liderazgo de John Grierson. Se los conoció como el Movimiento del Cine Documental . Grierson, Alberto Cavalcanti , Harry Watt , Basil Wright y Humphrey Jennings, entre otros, lograron mezclar propaganda, información y educación con un enfoque estético más poético del documental. Algunos ejemplos de su trabajo incluyen Drifters (John Grierson), Song of Ceylon (Basil Wright), Fires Were Started y A Diary for Timothy (Humphrey Jennings). Su trabajo involucró a poetas como WH Auden , compositores como Benjamin Britten y escritores como JB Priestley . Entre las películas más conocidas del movimiento se encuentran Night Mail y Coal Face .
Calling Mr. Smith (1943) es una película en color antinazi [23] [24] [25] creada por Stefan Themerson que es a la vez un documental y una película de vanguardia contra la guerra. Fue una de las primeras películas antinazis de la historia. [ cita requerida ]
El cine vérité (o el cine directo , estrechamente relacionado con él ) dependía de algunos avances técnicos para existir: cámaras ligeras, silenciosas y fiables, y sonido sincronizado portátil.
El cine de verdad y otras tradiciones documentales similares pueden verse, en una perspectiva más amplia, como una reacción contra las limitaciones de la producción cinematográfica basada en estudios. En la Nouvelle Vague francesa también se rodaba en exteriores, con equipos más reducidos, y los cineastas aprovechaban los avances tecnológicos que permitían utilizar cámaras más pequeñas, portátiles, y sonido sincronizado para filmar los acontecimientos en exteriores a medida que se desarrollaban.
Aunque a veces los términos se usan indistintamente, existen diferencias importantes entre el cinéma vérité ( Jean Rouch ) y el " cine directo " norteamericano (o más exactamente "cinéma direct"), iniciado, entre otros, por los canadienses Michel Brault, Pierre Perrault y Allan King , [29] y los estadounidenses Robert Drew , Richard Leacock , Frederick Wiseman y Albert y David Maysles .
Los directores del movimiento adoptan distintos puntos de vista sobre el grado de implicación con sus personajes. Kopple y Pennebaker, por ejemplo, optan por la no implicación (o al menos por una implicación nula), y Perrault, Rouch, Koenig y Kroitor prefieren la implicación directa o incluso la provocación cuando lo consideran necesario.
Las películas Crónica de un verano ( Jean Rouch ), Dont Look Back ( DA Pennebaker ), Grey Gardens ( Albert y David Maysles ), Titicut Follies ( Frederick Wiseman ), Primary y Crisis: Behind a Presidential Commitment (ambas producidas por Robert Drew ), Harlan County, USA (dirigida por Barbara Kopple ), Lonely Boy ( Wolf Koenig y Roman Kroitor ) son consideradas frecuentemente películas de cinéma vérité .
Los fundamentos del estilo incluyen seguir a una persona durante una crisis con una cámara en movimiento, a menudo cámara en mano, para capturar reacciones más personales. No hay entrevistas personales y la proporción de filmación (la cantidad de película filmada en relación con el producto final) es muy alta, a menudo alcanzando 80 a uno. A partir de ahí, los editores encuentran y esculpen el trabajo en una película. Los editores del movimiento, como Werner Nold , Charlotte Zwerin , Muffie Meyer , Susan Froemke y Ellen Hovde , a menudo se pasan por alto, pero su contribución a las películas fue tan vital que a menudo se les dio créditos de codirectores.
Las películas famosas de cinéma vérité/cine directo incluyen Les Raquetteurs , [30] Showman , Salesman , Near Death y The Children Were Watching .
En las décadas de 1960 y 1970, el cine documental se consideró a menudo un arma política contra el neocolonialismo y el capitalismo en general, especialmente en América Latina, pero también en una sociedad cambiante. La Hora de los hornos ( 1968 ), dirigida por Octavio Getino y Fernando Solanas , influyó en toda una generación de cineastas. Entre los muchos documentales políticos producidos a principios de la década de 1970 se encontraba "Chile: un informe especial", la primera mirada expositiva en profundidad de la televisión pública sobre el derrocamiento del gobierno de Salvador Allende en Chile en septiembre de 1973 por los líderes militares bajo Augusto Pinochet , producido por los documentalistas Ari Martínez y José García.
Un artículo de junio de 2020 en The New York Times reseñó el documental político And She Could Be Next , dirigido por Grace Lee y Marjan Safinia. El Times describió el documental no solo como un documental centrado en las mujeres en la política, sino más específicamente en las mujeres de color, sus comunidades y los cambios significativos que han generado en Estados Unidos. [31]
Los analistas de taquilla han señalado que el género del cine documental ha tenido cada vez más éxito en los estrenos en salas, con películas como Fahrenheit 9/11 , Super Size Me , Food, Inc. , Earth , March of the Penguins y An Inconvenient Truth entre los ejemplos más destacados. En comparación con las películas narrativas dramáticas, los documentales suelen tener presupuestos mucho más bajos, lo que los hace atractivos para las compañías cinematográficas porque incluso un estreno limitado en salas puede ser muy rentable.
La naturaleza de las películas documentales se ha expandido en los últimos 30 años desde el estilo de cinéma vérité introducido en la década de 1960, en el que el uso de cámaras portátiles y equipos de sonido permitía una relación íntima entre el cineasta y el sujeto. La línea entre documental y narrativa se difumina y algunas obras son muy personales, como Tongues Untied (1989) y Black Is...Black Ain't (1995) de Marlon Riggs , que mezclan elementos expresivos, poéticos y retóricos y enfatizan las subjetividades en lugar de los materiales históricos. [32]
Los documentales históricos, como el emblemático Eyes on the Prize : America's Civil Rights Years (1986 – Part 1 y 1989 – Part 2) de Henry Hampton, 4 Little Girls (1997) de Spike Lee , The Civil War de Ken Burns y la película independiente sobre la esclavitud premiada por la UNESCO 500 Years Later , expresan no solo una voz distintiva sino también una perspectiva y puntos de vista. Algunas películas como The Thin Blue Line de Errol Morris incorporan recreaciones estilizadas, y Roger & Me de Michael Moore otorgan mucho más control interpretativo al director. El éxito comercial de estos documentales puede derivar de este cambio narrativo en la forma documental, lo que lleva a algunos críticos a cuestionar si tales películas realmente pueden llamarse documentales; los críticos a veces se refieren a estas obras como " películas mondo " o "docu-ganda". [33] Sin embargo, la manipulación directoral de temas documentales se ha observado desde el trabajo de Flaherty, y puede ser endémica de la forma debido a fundamentos ontológicos problemáticos.
Los realizadores de documentales utilizan cada vez más campañas de impacto social con sus películas. [34] Las campañas de impacto social buscan aprovechar los proyectos mediáticos convirtiendo la conciencia pública sobre los problemas y causas sociales en compromiso y acción, en gran medida ofreciendo a la audiencia una forma de involucrarse. [35] Algunos ejemplos de dichos documentales incluyen Kony 2012 , Salam Neighbor , Gasland , Living on One Dollar y Girl Rising .
Aunque los documentales son financieramente más viables con la creciente popularidad del género y la llegada del DVD, la financiación para la producción de documentales sigue siendo difícil de conseguir. En la última década, las mayores oportunidades de exhibición han surgido dentro del mercado de la radiodifusión, lo que ha obligado a los cineastas a depender de los gustos e influencias de las emisoras, que se han convertido en su principal fuente de financiación. [36]
Los documentales modernos tienen algunas similitudes con los formatos televisivos, con el desarrollo de la "televisión de la realidad" que a veces roza lo documental, pero más a menudo se inclina hacia lo ficticio o lo teatral. El documental "making of" muestra cómo se produjo una película o un juego de computadora . Generalmente se realiza con fines promocionales y se parece más a un anuncio que a un documental clásico.
Las modernas y ligeras cámaras de vídeo digitales y la edición por ordenador han ayudado enormemente a los documentalistas, al igual que la drástica caída de los precios de los equipos. La primera película que aprovechó al máximo este cambio fue Voices of Iraq , de Martin Kunert y Eric Manes , en la que se enviaron 150 cámaras DV a Iraq durante la guerra y se distribuyeron entre los iraquíes para que se grabaran a sí mismos.
Se han realizado películas en formato documental sin palabras. Listen to Britain , dirigida por Humphrey Jennings y Stuart McAllister en 1942, es una meditación sin palabras sobre la Gran Bretaña en tiempos de guerra. A partir de 1982, la trilogía Qatsi y la similar Baraka podrían describirse como poemas visuales sinfónicos, con música relacionada con las imágenes, pero sin contenido hablado. Koyaanisqatsi (parte de la trilogía Qatsi ) consiste principalmente en fotografías en cámara lenta y time-lapse de ciudades y muchos paisajes naturales en todo Estados Unidos. Baraka intenta capturar el gran pulso de la humanidad mientras se reúne y pulula en la actividad diaria y las ceremonias religiosas.
Bodysong se realizó en 2003 y ganó un premio de cine independiente británico como "Mejor documental británico".
La película Génesis de 2004 muestra la vida animal y vegetal en estados de expansión, decadencia, sexo y muerte, con algo de narración, pero poca.
El estilo tradicional de narración consiste en contar con un narrador dedicado que lee un guión que se dobla en la pista de audio. El narrador nunca aparece ante la cámara y no necesariamente tiene conocimiento del tema o participación en la escritura del guión.
Este estilo de narración utiliza pantallas de título para narrar visualmente el documental. Las pantallas se mantienen durante unos 5 a 10 segundos para que el espectador tenga tiempo suficiente para leerlas. Son similares a las que se muestran al final de las películas basadas en historias reales, pero se muestran durante todo el documental, generalmente entre escenas.
En este estilo, hay un presentador que aparece frente a la cámara, realiza entrevistas y también hace doblajes.
El estreno de The Thin Blue Line (1988), dirigida por Errol Morris, introdujo posibilidades para formas emergentes del documental híbrido. De hecho, fue descalificada para un premio de la Academia debido a las recreaciones estilizadas. El cine documental tradicional generalmente elimina los signos de ficcionalización para distinguirse de los géneros cinematográficos de ficción. Recientemente, el público se ha vuelto más desconfiado de la producción tradicional de hechos de los medios, lo que los hace más receptivos a formas experimentales de contar hechos. El documental híbrido implementa juegos de verdad para desafiar la producción tradicional de hechos. Aunque se basa en hechos, el documental híbrido no es explícito sobre lo que debe entenderse, creando un diálogo abierto entre el sujeto y el público. [37] The Arbor (2010) de Clio Barnard , The Act of Killing (2012) de Joshua Oppenheimer , The Ambassador (2011) de Mads Brügger y Bombay Beach (2011) de Alma Har'el son algunos ejemplos notables. [37]
La docuficción es un género híbrido de dos básicos, el cine de ficción y el documental, practicado desde que se realizaron las primeras películas documentales.
La fake-ficción es un género que presenta deliberadamente hechos reales, no guionados, en forma de película de ficción, haciéndolos parecer una puesta en escena. El concepto fue introducido [38] por Pierre Bismuth para describir su película de 2016 ¿Dónde está Rocky II?
Un documental en DVD es una película documental de duración indeterminada que se ha producido con la única intención de lanzarla para su venta directa al público en DVD, lo que es diferente de un documental que se realiza y se lanza primero en televisión o en una pantalla de cine (también conocido como estreno en salas ) y posteriormente en DVD para consumo público.
Esta forma de estreno de documentales se está volviendo más popular y aceptada a medida que aumentan los costos y la dificultad de encontrar espacios para estrenos en televisión o cines. También se usa comúnmente para documentales más "especializados", que podrían no tener interés general para una audiencia televisiva más amplia. Algunos ejemplos son los militares, las artes culturales, el transporte, los deportes, los animales, etc.
Las películas recopilatorias fueron iniciadas en 1927 por Esfir Schub con La caída de la dinastía Romanov . Ejemplos más recientes incluyen ¡Punto de orden! (1964), dirigida por Emile de Antonio sobre las audiencias de McCarthy. De manera similar, El último cigarrillo combina el testimonio de varios ejecutivos de compañías tabacaleras ante el Congreso de los Estados Unidos con propaganda de archivo que ensalza las virtudes del tabaquismo.
Los documentales poéticos, que aparecieron por primera vez en la década de 1920, fueron una especie de reacción contra el contenido y la gramática de las primeras películas de ficción, que se cristalizaba rápidamente. El modo poético se alejó del montaje de continuidad y, en su lugar, organizó imágenes del mundo material por medio de asociaciones y patrones, tanto en términos de tiempo como de espacio. No había personajes bien definidos, "personas que parecieran reales", sino que las personas aparecían en estas películas como entidades, como cualquier otra, que se encuentran en el mundo material. Las películas eran fragmentarias, impresionistas, líricas. Su alteración de la coherencia del tiempo y el espacio (una coherencia favorecida por las películas de ficción de la época) también puede verse como un elemento del contramodelo modernista de la narrativa cinematográfica. El "mundo real" (Nichols lo llama el "mundo histórico") se dividió en fragmentos y se reconstituyó estéticamente utilizando la forma cinematográfica. Ejemplos de este estilo incluyen Rain (1928) de Joris Ivens, que registra un chaparrón de verano que pasa sobre Ámsterdam; Play of Light: Black, White, Grey (1930) de László Moholy-Nagy , en la que filma una de sus propias esculturas cinéticas, enfatizando no la escultura en sí sino el juego de luz que la rodea; las películas animadas abstractas de Oskar Fischinger ; NY, NY (1957) de Francis Thompson, una película sinfónica urbana ; y Sans Soleil (1982) de Chris Marker .
Los documentales expositivos hablan directamente al espectador, a menudo en forma de un comentario autoritario que emplea voces en off o títulos, proponiendo un argumento y un punto de vista sólidos. Estas películas son retóricas y tratan de persuadir al espectador (pueden utilizar una voz masculina rica y sonora). El comentario (la voz de Dios) a menudo suena "objetivo" y omnisciente. Las imágenes no suelen ser primordiales; existen para hacer avanzar el argumento. La retórica nos presiona insistentemente para que leamos las imágenes de una determinada manera. Los documentales históricos de este tipo ofrecen un relato e interpretación no problemáticos y "objetivos" de los acontecimientos pasados.
Ejemplos: programas de televisión y películas como Biography , America's Most Wanted , muchos documentales de ciencia y naturaleza, The Civil War (1990) de Ken Burns, The Shock of the New (1980) de Robert Hughes , Ways of Seeing (1972) de John Berger , la serie de guerra Why We Fight (Por qué luchamos ) de Frank Capra y The Plow That Broke the Plains (1936) de Pare Lorentz .
Los documentales de observación intentan observar espontáneamente a sus sujetos con una mínima intervención. Los cineastas que trabajaron en este subgénero a menudo consideraban que el modo poético era demasiado abstracto y el modo expositivo demasiado didáctico. Los primeros documentales de observación datan de la década de 1960; los avances tecnológicos que los hicieron posibles incluyen cámaras ligeras móviles y equipos portátiles de grabación de sonido para el sonido sincronizado. A menudo, este modo de cine evitaba los comentarios en off, el diálogo y la música possincronizados o las recreaciones. Las películas buscaban la inmediatez, la intimidad y la revelación del carácter humano individual en situaciones de la vida cotidiana.
Los documentales participativos creen que es imposible que el acto de hacer una película no influya o altere los acontecimientos que se filman. Lo que hacen estas películas es emular el enfoque del antropólogo: la observación participante. El cineasta no sólo es parte de la película, sino que también obtenemos una idea de cómo las situaciones en la película se ven afectadas o alteradas por su presencia. Nichols: "El cineasta sale de detrás del manto del comentario en off, se aleja de la meditación poética, baja de su posición de mosca en la pared y se convierte en un actor social (casi) como cualquier otro. (Casi como cualquier otro porque el cineasta retiene la cámara y, con ella, un cierto grado de poder potencial y control sobre los acontecimientos.)" El encuentro entre el cineasta y el sujeto se convierte en un elemento crítico de la película. Rouch y Morin llamaron a este enfoque cinéma vérité, traduciendo la kinopravda de Dziga Vertov al francés; la "verdad" se refiere a la verdad del encuentro más que a una verdad absoluta.
Los documentales reflexivos no se consideran una ventana transparente al mundo, sino que llaman la atención sobre su propia construcción y el hecho de que son representaciones. ¿Cómo se representa el mundo en los documentales? Esta pregunta es central para este subgénero de películas. Nos incitan a "cuestionar la autenticidad del documental en general". Es el más consciente de todos los modos y es muy escéptico respecto del "realismo". Puede utilizar estrategias de alienación brechtianas para sacudirnos, con el fin de "desfamiliarizarnos" con lo que estamos viendo y cómo lo estamos viendo.
Los documentales performativos enfatizan la experiencia subjetiva y la respuesta emocional al mundo. Son fuertemente personales, poco convencionales, tal vez poéticos y/o experimentales, y pueden incluir representaciones hipotéticas de eventos diseñados para hacernos experimentar cómo sería para nosotros poseer cierta perspectiva específica sobre el mundo que no es la nuestra, por ejemplo, la de los hombres negros y homosexuales en Tongues Untied (1989) de Marlon Riggs o Paris Is Burning (1991) de Jenny Livingston . Este subgénero también puede prestarse a ciertos grupos (por ejemplo, mujeres, minorías étnicas, gays y lesbianas, etc.) para "hablar de sí mismos". A menudo, se utiliza una batería de técnicas, muchas de ellas tomadas de la ficción o del cine de vanguardia. Los documentales performativos a menudo vinculan relatos o experiencias personales con realidades políticas o históricas más amplias.
Los documentales se proyectan en escuelas de todo el mundo para educar a los estudiantes. Se utilizan para presentarles diversos temas a los niños y suelen utilizarse en una lección escolar o se proyectan muchas veces para reforzar una idea.
La traducción de documentales plantea diversos desafíos. Los dos principales son las condiciones de trabajo y los problemas con la terminología.
Los traductores de documentales suelen tener que cumplir plazos muy ajustados. Normalmente, el traductor tiene entre cinco y siete días para entregar la traducción de un programa de 90 minutos. Los estudios de doblaje suelen dar a los traductores una semana para traducir un documental, pero para ganar un buen salario, los traductores tienen que entregar sus traducciones en un plazo mucho más corto, normalmente cuando el estudio decide entregar el programa final al cliente antes o cuando el canal de televisión establece un plazo ajustado, por ejemplo, en documentales que tratan las últimas noticias. [39]
Otro problema es la falta de un guión de postproducción o la mala calidad de la transcripción. Una transcripción correcta es esencial para que un traductor pueda hacer bien su trabajo, sin embargo muchas veces el guión ni siquiera se entrega al traductor, lo que es un impedimento importante ya que los documentales se caracterizan por "la abundancia de unidades terminológicas y nombres propios muy específicos". [40] Cuando se entrega el guión al traductor, normalmente está mal transcrito o directamente es incorrecto, lo que hace que la traducción sea innecesariamente difícil y exigente porque todos los nombres propios y la terminología específica tienen que ser correctos en un programa documental para que sea una fuente de información fiable, por lo que el traductor tiene que comprobar cada término por su cuenta. Algunos errores en los nombres propios son, por ejemplo: "Jungle Reinhard en lugar de Django Reinhart, Jorn Asten en lugar de Jane Austen y Magnus Axle en lugar de Aldous Huxley". [40]
El proceso de traducción de un programa documental requiere trabajar con una terminología muy específica, a menudo científica. Los traductores documentales no suelen ser especialistas en un campo determinado, por lo que se ven obligados a realizar una investigación exhaustiva cuando se les pide que traduzcan un programa documental específico para comprenderlo correctamente y entregar el producto final sin errores ni imprecisiones. Por lo general, los documentales contienen una gran cantidad de términos específicos, con los que los traductores deben familiarizarse por sí mismos, por ejemplo:
El documental Beetles, Record Breakers hace uso de 15 términos diferentes para referirse a los escarabajos en menos de 30 minutos (escarabajo de cuernos largos, escarabajo de bodega, escarabajo ciervo, escarabajo enterrador o sepulturero, escarabajo sacristán, escarabajo tigre, escarabajo nariz sangrienta, escarabajo tortuga, escarabajo buceador, caballo del diablo, gorgojo, escarabajo chasqueador, escarabajo malaquita, escarabajo del aceite, abejorro), además de mencionar a otros animales como los murciélagos de herradura o las mariposas pardas de los prados. [41]
Esto supone un auténtico reto para los traductores, ya que tienen que traducir el significado, es decir, encontrar un equivalente, de un término científico muy específico en la lengua de destino y, con frecuencia, el narrador utiliza un nombre más general en lugar de un término específico y el traductor tiene que basarse en la imagen presentada en el programa para entender de qué término se está hablando y poder transponerlo en consecuencia a la lengua de destino. [42] Además, los traductores de lenguas minorizadas a menudo tienen que enfrentarse a otro problema: algunos términos pueden no existir ni siquiera en la lengua de destino. En tales casos, tienen que crear una nueva terminología o consultar a especialistas para encontrar soluciones adecuadas. Además, a veces la nomenclatura oficial difiere de la terminología utilizada por los verdaderos especialistas, lo que deja al traductor la decisión entre utilizar el vocabulario oficial que se puede encontrar en el diccionario o, más bien, optar por expresiones espontáneas utilizadas por verdaderos expertos en situaciones de la vida real. [43]
Incluso después de que la palabra "documental" comenzara a designar algo que parecía una práctica cinematográfica, una tradición cinematográfica y un modo de recepción del público, sigue siendo, hasta el día de hoy, una práctica sin límites claros.
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