La pintura es un arte visual , que se caracteriza por la práctica de aplicar pintura , pigmento , color u otro medio a una superficie sólida (llamada "matriz" [1] o " soporte "). [2] El medio se aplica comúnmente a la base con un pincel , pero se pueden utilizar otros instrumentos, como cuchillos, esponjas y aerógrafos . A quien produce pinturas se le llama pintor .
En el arte , el término "pintura" describe tanto el acto como el resultado de la acción (la obra final se denomina "pintura"). El soporte de las pinturas incluye superficies como paredes, papel, lienzo, madera, vidrio, laca , cerámica, hojas , cobre y hormigón , y la pintura puede incorporar muchos otros materiales, como arena, arcilla , papel, yeso , pan de oro e incluso objetos enteros.
La pintura es una forma importante de arte visual , que incorpora elementos como el dibujo , la composición , el gesto , la narración y la abstracción . [3] Las pinturas pueden ser naturalistas y representativas (como en la naturaleza muerta y la pintura de paisajes ), fotográficas , abstractas, narrativas, simbolistas (como en el arte simbolista ), emotivas (como en el expresionismo ) o de naturaleza política (como en el artivismo ).
Una parte de la historia de la pintura , tanto en el arte oriental como en el occidental, está dominada por el arte religioso . Los ejemplos de este tipo de pintura abarcan desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica hasta escenas bíblicas en el techo de la Capilla Sixtina y escenas de la vida de Buda (u otras imágenes de origen religioso oriental ).
Las pinturas más antiguas conocidas tienen aproximadamente 40.000 años de antigüedad y se han encontrado tanto en la región franco-cantábrica en Europa occidental como en las cuevas del distrito de Maros ( Sulawesi , Indonesia ). Sin embargo, en noviembre de 2018, los científicos informaron del descubrimiento de la pintura de arte figurativo más antigua conocida hasta entonces, de más de 40.000 (quizás hasta 52.000) años de antigüedad, de un animal desconocido, en la cueva de Lubang Jeriji Saléh en la isla indonesia de Borneo ( Kalimantan ). [4] [5] En diciembre de 2019, se estimó que las pinturas rupestres figurativas que representan la caza de cerdos en el karst de Maros-Pangkep en Sulawesi eran incluso más antiguas, de al menos 43.900 años de antigüedad. El hallazgo se señaló como "el registro pictórico más antiguo de narración de historias y la obra de arte figurativa más antigua del mundo". [6] [7] Más recientemente, en 2021, se ha informado del arte rupestre de un cerdo encontrado en una isla de Indonesia, y que data de hace más de 45.500 años. [8] [9] Sin embargo, la evidencia más antigua del acto de pintar se ha descubierto en dos refugios rocosos en Arnhem Land , en el norte de Australia. En la capa más baja de material de estos sitios, hay piezas usadas de ocre que se estima que tienen 60.000 años de antigüedad. Los arqueólogos también han encontrado un fragmento de pintura rupestre conservado en un refugio rocoso de piedra caliza en la región de Kimberley , en el noroeste de Australia, que data de hace 40.000 años. [10] Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Indonesia , Francia , España , Portugal , Italia , China , India , Australia , México , [11] etc. En las culturas occidentales, la pintura al óleo y la acuarela tienen tradiciones ricas y complejas en estilo y temática. En Oriente, la tinta y el color han sido históricamente los medios de expresión predominantes, con tradiciones igualmente ricas y complejas.
La invención de la fotografía tuvo un gran impacto en la pintura. En las décadas posteriores a la producción de la primera fotografía en 1829, los procesos fotográficos mejoraron y se hicieron más comunes, privando a la pintura de gran parte de su propósito histórico de proporcionar un registro preciso del mundo observable. Una serie de movimientos artísticos a fines del siglo XIX y principios del XX, en particular el impresionismo , el posimpresionismo , el fauvismo , el expresionismo , el cubismo y el dadaísmo , desafiaron la visión renacentista del mundo. Sin embargo, la pintura oriental y africana continuó una larga historia de estilización y no experimentó una transformación equivalente al mismo tiempo. [ cita requerida ]
El arte moderno y contemporáneo se ha alejado del valor histórico de la artesanía y la documentación en favor del concepto . Esto no ha disuadido a la mayoría de los pintores vivos de seguir practicando la pintura, ya sea como un todo o como parte de su trabajo. La vitalidad y versatilidad de la pintura en el siglo XXI desafían las "declaraciones" anteriores de su desaparición. En una época caracterizada por la idea del pluralismo , no hay consenso en cuanto a un estilo representativo de la época. Los artistas siguen haciendo obras de arte importantes en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos ; sus méritos quedan en manos del público y del mercado para que los juzguen.
El movimiento artístico feminista [12] comenzó en la década de 1960 durante la segunda ola del feminismo. El movimiento buscaba lograr la igualdad de derechos y oportunidades para las artistas femeninas a nivel internacional.
El color , compuesto de tono , saturación y valor , disperso sobre una superficie es la esencia de la pintura, así como el tono y el ritmo son la esencia de la música . El color es altamente subjetivo, pero tiene efectos psicológicos observables, aunque estos pueden diferir de una cultura a otra. El negro se asocia con el duelo en Occidente, pero en Oriente, el blanco. Algunos pintores, teóricos, escritores y científicos, incluidos Goethe , [13] Kandinsky , [14] y Newton , [15] han escrito su propia teoría del color .
Además, el uso del lenguaje es sólo una abstracción para un equivalente de color. La palabra " rojo ", por ejemplo, puede cubrir una amplia gama de variaciones del rojo puro del espectro de luz visible . No existe un registro formalizado de diferentes colores de la misma manera que existe un acuerdo sobre diferentes notas en música, como F o C♯ . Para un pintor, el color no se divide simplemente en colores básicos (primarios) y derivados (complementarios o mixtos) (como rojo, azul, verde, marrón, etc.).
Los pintores trabajan prácticamente con pigmentos , [16] por lo que " azul " para un pintor puede ser cualquiera de los azules: azul de ftalocianina , azul de Prusia , índigo , azul cobalto , ultramar , etc. Los significados psicológicos y simbólicos del color no son, estrictamente hablando, medios de pintura. Los colores solo se suman al contexto potencial derivado de significados y, debido a esto, la percepción de una pintura es altamente subjetiva. La analogía con la música es bastante clara: el sonido en la música (como una nota C) es análogo a la "luz" en la pintura, las "sombras" a la dinámica y la "coloración" es a la pintura como el timbre específico de los instrumentos musicales es a la música. Estos elementos no necesariamente forman una melodía (en la música) por sí mismos; más bien, pueden agregarle diferentes contextos.
Los artistas modernos han ampliado considerablemente la práctica de la pintura para incluir, por ejemplo, el collage , que comenzó con el cubismo y no es pintura en sentido estricto. Algunos pintores modernos incorporan diferentes materiales como metal, plástico, arena , cemento , paja , hojas o madera para su textura. Ejemplos de esto son las obras de Jean Dubuffet y Anselm Kiefer . Existe una creciente comunidad de artistas que utilizan computadoras para "pintar" color sobre un "lienzo" digital utilizando programas como Adobe Photoshop , Corel Painter y muchos otros. Estas imágenes se pueden imprimir en lienzo tradicional si es necesario.
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La técnica divisionista de Jean Metzinger , de tipo mosaico , tuvo su paralelo en la literatura: una característica de la alianza entre escritores simbolistas y artistas neoimpresionistas:
No pido a la pincelada dividida la reproducción objetiva de la luz, sino iridiscencias y ciertos aspectos del color todavía ajenos a la pintura. Hago una especie de versificación cromática y, para las sílabas, utilizo trazos que, variables en cantidad, no pueden diferir en dimensión sin modificar el ritmo de una fraseología pictórica destinada a traducir las diversas emociones que suscita la naturaleza. (Jean Metzinger, c. 1907 ) [17]
El ritmo , para artistas como Piet Mondrian , [18] [19] es importante en la pintura como lo es en la música. Si uno define el ritmo como "una pausa incorporada en una secuencia", entonces puede haber ritmo en las pinturas. Estas pausas permiten que la fuerza creativa intervenga y agregue nuevas creaciones: forma, melodía, coloración. La distribución de la forma o cualquier tipo de información es de importancia crucial en la obra de arte dada, y afecta directamente el valor estético de esa obra. Esto se debe a que el valor estético depende de la funcionalidad, es decir, la libertad (de movimiento) de percepción se percibe como belleza. El flujo libre de energía, tanto en el arte como en otras formas de " techne ", contribuye directamente al valor estético. [18]
La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto , ya que la música es abstracta por naturaleza: no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa de manera inmediata los sentimientos internos del alma. Wassily Kandinsky a menudo usaba términos musicales para identificar sus obras; llamaba a sus pinturas más espontáneas "improvisaciones" y describía las obras más elaboradas como "composiciones". Kandinsky teorizó que "la música es el maestro supremo", [20] y posteriormente se embarcó en las primeras siete de sus diez Composiciones . Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del do central en una trompeta metálica; el negro es el color del cierre y el final de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871, el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. [21] [22] La escenografía de Kandinsky para una representación de Cuadros de una exposición de Mussorgsky ilustra su concepto "sinestésico" de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. [23]
La música define gran parte de la pintura abstracta modernista. Jackson Pollock subraya ese interés con su cuadro de 1950 Ritmo de otoño (número 30) . [24]
La estética es el estudio del arte y la belleza ; fue un tema importante para los filósofos de los siglos XVIII y XIX como Kant y Hegel . Los filósofos clásicos como Platón y Aristóteles también teorizaron sobre el arte y la pintura en particular. Platón ignoró a los pintores (así como a los escultores) en su sistema filosófico; sostuvo que la pintura no puede representar la verdad : es una copia de la realidad (una sombra del mundo de las ideas) y no es más que un oficio , similar a la fabricación de zapatos o la fundición de hierro. [25] En la época de Leonardo, la pintura se había convertido en una representación más cercana de la verdad de lo que era la pintura en la Antigua Grecia . Leonardo da Vinci , por el contrario, dijo que " en italiano : La Pittura è cosa mentale " ("en español: la pintura es una cosa de la mente "). [26] Kant distinguió entre la Belleza y lo Sublime , en términos que claramente dieron prioridad a la primera. [ cita requerida ] Aunque no se refirió a la pintura en particular, este concepto fue retomado por pintores como JMW Turner y Caspar David Friedrich .
Hegel reconoció el fracaso de alcanzar un concepto universal de belleza y, en su ensayo estético, escribió que la pintura es una de las tres artes "románticas", junto con la poesía y la música , por su propósito simbólico y altamente intelectual. [27] [28] Los pintores que han escrito obras teóricas sobre la pintura incluyen a Kandinsky y Paul Klee . [29] [30] En su ensayo, Kandinsky sostiene que la pintura tiene un valor espiritual y atribuye colores primarios a sentimientos o conceptos esenciales, algo que Goethe y otros escritores ya habían intentado hacer.
La iconografía es el estudio del contenido de las pinturas, más que de su estilo. Erwin Panofsky y otros historiadores del arte primero intentan comprender las cosas representadas, antes de analizar su significado para el espectador en ese momento y, finalmente, analizar su significado cultural, religioso y social más amplio. [31]
En 1890, el pintor parisino Maurice Denis afirmó: «Recuerde que una pintura, antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o una historia u otra, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores reunidos en un cierto orden». [32] Por lo tanto, muchos desarrollos del siglo XX en la pintura, como el cubismo , fueron reflexiones sobre los medios de la pintura en lugar de sobre el mundo externo —la naturaleza— que anteriormente había sido su tema central. El pintor y escritor Julian Bell ha ofrecido contribuciones recientes al pensamiento sobre la pintura. En su libro ¿Qué es la pintura?, Bell analiza el desarrollo, a lo largo de la historia, de la noción de que las pinturas pueden expresar sentimientos e ideas. [33] En El espejo del mundo, Bell escribe:
Una obra de arte busca captar tu atención y mantenerla fija: una historia del arte la impulsa a seguir adelante, abriendo una autopista a través de las casas de la imaginación. [34]
Los diferentes tipos de pintura generalmente se identifican por el medio en el que está suspendido o incrustado el pigmento, lo que determina las características generales de trabajo de la pintura, como la viscosidad , la miscibilidad , la solubilidad , el tiempo de secado, etc.
La pintura encáustica , también conocida como pintura a la cera caliente, implica el uso de cera de abejas calentada a la que se añaden pigmentos de colores. Luego, el líquido/pasta se aplica a una superficie, generalmente madera preparada, aunque a menudo se utilizan lienzos y otros materiales. La mezcla encáustica más simple se puede hacer agregando pigmentos a la cera de abejas, pero hay otras recetas que se pueden usar, algunas de las cuales contienen otros tipos de ceras , resina de damar , aceite de linaza u otros ingredientes. Se pueden comprar y usar pigmentos puros en polvo, aunque algunas mezclas usan pinturas al óleo u otras formas de pigmento. Se pueden usar herramientas de metal y pinceles especiales para dar forma a la pintura antes de que se enfríe, o se pueden usar herramientas de metal calentadas para manipular la cera una vez que se ha enfriado sobre la superficie. Se pueden encapsular o pegar otros materiales en la superficie, o colocarlos en capas, usando el medio encáustico para adherirlo a la superficie.
La técnica era la habitual para las pinturas sobre tabla de la antigua Grecia y Roma, y siguió utilizándose en la tradición iconográfica ortodoxa oriental.
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La acuarela es un método de pintura en el que las pinturas están hechas de pigmentos suspendidos en un vehículo soluble en agua. El soporte tradicional y más común para las pinturas de acuarela es el papel; otros soportes incluyen papiro , papeles de corteza, plásticos, vitela o cuero , tela , madera y lienzo . En el este de Asia, la pintura de acuarela con tintas se conoce como pintura con pincel o pintura con pergamino. En la pintura china , coreana y japonesa ha sido el medio dominante, a menudo en negro o marrón monocromo. India, Etiopía y otros países también tienen largas tradiciones. La pintura a dedo con pinturas de acuarela se originó en China . Hay varios tipos de acuarelas utilizadas por los artistas. Algunos ejemplos son acuarelas en pastilla, acuarelas líquidas, rotuladores de pincel de acuarela y lápices de acuarela . Los lápices de acuarela (lápices de colores solubles en agua) se pueden usar húmedos o secos.
El gouache es una pintura a base de agua que consta de pigmentos y otros materiales diseñados para usarse en un método de pintura opaca. El gouache se diferencia de la acuarela en que las partículas son más grandes, la proporción de pigmento a agua es mucho mayor y también está presente un pigmento blanco inerte adicional, como la tiza . Esto hace que el gouache sea más pesado y opaco, con mayores cualidades reflectantes. Como todos los medios de agua, se diluye con agua. [35] El gouache era una pintura popular utilizada por los egipcios, [36] Pintores como Francois Boucher usaban este medio. Esta pintura se aplica mejor con pinceles de marta.
Esmalte cerámico El esmaltado se conoce comúnmente como vidrio líquido prefundido. Este esmaltado se puede aplicar por inmersión o con pincel. Este esmaltado tiene un aspecto calcáreo y existe una gran diferencia entre el resultado inicial y el final. Para activarse, la cerámica esmaltada debe colocarse en un horno para cocerse. Esto derrite el vidrio de sílice en el esmaltado y lo transforma en una versión brillante y vibrante de sí mismo. [37] [38]
Las pinturas con tinta se realizan con un líquido que contiene pigmentos o tintes y se utiliza para colorear una superficie para producir una imagen, texto o diseño . La tinta se utiliza para dibujar con un bolígrafo , pincel o pluma . La tinta puede ser un medio complejo, compuesto de disolventes , pigmentos, tintes, resinas , lubricantes , solubilizantes, surfactantes , partículas , fluorescentes y otros materiales. Los componentes de las tintas sirven para muchos propósitos; el portador de la tinta, los colorantes y otros aditivos controlan el flujo y el espesor de la tinta y su apariencia cuando se seca.
Los esmaltes se hacen pintando un sustrato, típicamente metal, con vidrio en polvo; los minerales llamados óxidos de color proporcionan coloración. Después de hornear a una temperatura de 750 a 850 grados Celsius (1380 a 1560 grados Fahrenheit), el resultado es una laminación fusionada de vidrio y metal. A diferencia de la mayoría de las técnicas pintadas, la superficie se puede manipular y humedecer Los esmaltes se han utilizado tradicionalmente para la decoración de objetos preciosos, [39] pero también se han utilizado para otros fines. El esmalte de Limoges fue el centro principal de la pintura de esmalte renacentista, con pequeñas escenas religiosas y mitológicas en entornos decorados, en placas u objetos como sales o ataúdes. En el siglo XVIII, la pintura de esmalte gozó de una moda en Europa, especialmente como medio para miniaturas de retratos . [40] A fines del siglo XX, la técnica del esmalte de porcelana sobre metal se ha utilizado como un medio duradero para murales al aire libre. [41]
El temple , también conocido como témpera al huevo, es un medio de pintura permanente y de secado rápido que consiste en pigmento de color mezclado con un medio aglutinante soluble en agua (generalmente un material glutinoso como yema de huevo u otro aglutinante ). El témpera también se refiere a las pinturas realizadas en este medio. Las pinturas al temple son muy duraderas y aún existen ejemplos de los primeros siglos d. C. El temple al huevo fue un método principal de pintura hasta después de 1500, cuando fue reemplazado por la invención de la pintura al óleo . Una pintura comúnmente llamada témpera (aunque no lo es) que consiste en pigmento y cola se usa comúnmente y algunos fabricantes en Estados Unidos se refieren a ella como pintura para carteles .
Fresco es uno de los muchos tipos de pintura mural relacionados, realizada sobre yeso en paredes o techos. La palabra fresco proviene de la palabra italiana affresco [afˈfresːko] , que deriva de la palabra latina para fresco . Los frescos se hacían a menudo durante el Renacimiento y otros períodos tempranos. La técnica del buon fresco consiste en pintar con pigmento mezclado con agua sobre una fina capa de mortero de cal o yeso húmedo y fresco , para lo cual se utiliza la palabra italiana para yeso, intonaco . Una pintura secco , en cambio, se realiza sobre yeso seco ( secco es "seco" en italiano). Los pigmentos requieren un medio aglutinante, como huevo ( témpera ), cola o aceite para fijar el pigmento a la pared.
La pintura al óleo es el proceso de pintar con pigmentos que se unen con un medio de aceite secante , como el aceite de linaza o el aceite de amapola , que se usaban ampliamente en la Europa moderna temprana. A menudo, el aceite se hervía con una resina como la resina de pino o incluso el incienso ; estos se llamaban "barnices" y eran apreciados por su cuerpo y brillo. La pintura al óleo finalmente se convirtió en el medio principal utilizado para crear obras de arte a medida que sus ventajas se hicieron ampliamente conocidas. La transición comenzó con la pintura neerlandesa temprana en el norte de Europa, y en el apogeo del Renacimiento, las técnicas de pintura al óleo habían reemplazado casi por completo las pinturas al temple en la mayor parte de Europa.
El pastel es un medio pictórico en forma de barra, que consiste en pigmento puro en polvo y un aglutinante. [42] Los pigmentos utilizados en los pasteles son los mismos que los que se utilizan para producir todos los medios artísticos coloreados, incluidas las pinturas al óleo ; el aglutinante es de un tono neutro y baja saturación . El efecto de color de los pasteles es más cercano a los pigmentos secos naturales que el de cualquier otro proceso. [43] Debido a que la superficie de una pintura al pastel es frágil y se mancha fácilmente, su conservación requiere medidas de protección como enmarcarla bajo un vidrio; también se puede rociar con un fijador . No obstante, cuando se hace con pigmentos permanentes y se cuida adecuadamente, una pintura al pastel puede durar sin cambios durante siglos. Los pasteles no son susceptibles, como lo son las pinturas hechas con un medio fluido, al agrietamiento y la decoloración que resultan de los cambios en el color, la opacidad o las dimensiones del medio a medida que se seca.
La pintura acrílica es una pintura de secado rápido que contiene una suspensión de pigmentos en una emulsión de polímero acrílico . Las pinturas acrílicas se pueden diluir con agua, pero se vuelven resistentes al agua cuando se secan. Dependiendo de cuánto se diluya la pintura (con agua) o se modifique con geles, medios o pastas acrílicas, la pintura acrílica terminada puede parecerse a una acuarela o una pintura al óleo , o tener sus propias características únicas que no se pueden lograr con otros medios. La principal diferencia práctica entre la mayoría de las pinturas acrílicas y al óleo es el tiempo de secado inherente. [44] Los óleos permiten más tiempo para mezclar colores y aplicar veladuras uniformes sobre las pinturas de base. Este aspecto de secado lento del óleo puede verse como una ventaja para ciertas técnicas, pero también puede impedir la capacidad del artista para trabajar rápidamente. Otra diferencia es que las acuarelas deben pintarse sobre una superficie porosa, principalmente papel de acuarela. Las pinturas acrílicas se pueden usar en muchas superficies diferentes. [44] [45] Tanto el acrílico como la acuarela son fáciles de limpiar con agua. La pintura acrílica debe limpiarse con agua y jabón inmediatamente después de su uso. La pintura de acuarela se puede limpiar solo con agua. [46] [47] [48]
Entre 1946 y 1949, Leonard Bocour y Sam Golden inventaron una pintura acrílica en solución bajo la marca Magna Paint . Se trataba de pinturas a base de aguarrás . Las pinturas acrílicas a base de agua se vendieron posteriormente como pinturas de látex para el hogar. [49] En 1963, George Rowney (parte de Daler-Rowney desde 1983) fue el primer fabricante en introducir pinturas acrílicas para artistas en Europa, bajo la marca "Cryla". [50] Los acrílicos son las pinturas más comunes que se utilizan en el grattage , una técnica surrealista que comenzó a utilizarse con la llegada de este tipo de pintura. Los acrílicos se utilizan para este propósito porque se raspan o despegan fácilmente de una superficie. [51]
La pintura en aerosol (también llamada pintura en aerosol) [52] es un tipo de pintura que viene en un recipiente presurizado sellado y se libera en una fina niebla de pulverización al presionar un botón de válvula . Una forma de pintura en aerosol , la pintura en aerosol deja una superficie lisa y uniformemente cubierta. Las latas de tamaño estándar son portátiles, económicas y fáciles de almacenar. La imprimación en aerosol se puede aplicar directamente sobre metal desnudo y muchos plásticos.
La velocidad, la portabilidad y la permanencia también hacen que la pintura en aerosol sea un medio común para los grafitis . A finales de los años 70, las firmas y los murales de los grafitis callejeros se volvieron más elaborados y se desarrolló un estilo único como factor del medio en aerosol y la velocidad requerida para el trabajo ilícito. Muchos reconocen ahora el grafiti y el arte callejero como una forma de arte única y se fabrican pinturas en aerosol específicamente para los artistas del grafiti. Una plantilla protege una superficie, excepto la forma específica que se va a pintar. Las plantillas se pueden comprar como letras móviles, encargar como logotipos cortados por profesionales o cortarlas a mano por los artistas.
Las pinturas al óleo miscibles en agua (también llamadas "solubles en agua" o "miscibles con agua") son una variedad moderna de pintura al óleo diseñada para diluirse y limpiarse con agua, [53] [54] en lugar de tener que usar productos químicos como la trementina . Se puede mezclar y aplicar utilizando las mismas técnicas que la pintura tradicional a base de aceite, pero mientras aún está húmeda se puede quitar eficazmente de pinceles, paletas y trapos con agua y jabón común. Su solubilidad en agua proviene del uso de un medio de aceite en el que un extremo de la molécula ha sido alterado para unirse de forma flexible a las moléculas de agua, como en una solución .
La pintura con arena es el arte de verter arenas coloreadas y pigmentos en polvo de minerales o cristales, o pigmentos de otras fuentes naturales o sintéticas sobre una superficie para hacer una pintura de arena fija o no fija.
La pintura digital es un método para crear un objeto de arte (pintura) digitalmente o una técnica para hacer arte digital en la computadora. Como método para crear un objeto de arte, adapta el medio de pintura tradicional como la pintura acrílica , los óleos , la tinta , la acuarela , etc. y aplica el pigmento a los portadores tradicionales, como tela de lona tejida, papel, poliéster, etc. por medio de un software que controla la maquinaria industrial robótica o de oficina (impresoras). Como técnica, se refiere a un programa de software de gráficos de computadora que utiliza un lienzo virtual y una caja de pintura virtual de pinceles, colores y otros suministros. La caja virtual contiene muchos instrumentos que no existen fuera de la computadora y que le dan a una obra de arte digital un aspecto y una sensación diferentes a los de una obra de arte hecha de la manera tradicional. Además, la pintura digital no es arte "generado por computadora", ya que la computadora no crea automáticamente imágenes en la pantalla utilizando algunos cálculos matemáticos. Por otro lado, el artista usa su propia técnica de pintura para crear una obra de arte particular en la computadora. [55]
Otros métodos de pintura rebeldes. La pintura no se limita a un método u otro. Artistas como Andy Warhol exploraron los límites de la pintura. Andy Warhol utilizó la oxidación [56] mientras pintaba lienzos esparcidos en el suelo. Luego hizo que sus asistentes y amigos orinaran sobre la pintura aún húmeda [57] para presenciar los cambios visibles que se producirían.
Pintura menstrual Otros medios pictóricos interesantes han ayudado a las mujeres y a las personas que menstrúan a ganar libertad y autonomía sobre sus cuerpos. La sangre de los períodos menstruales se ha utilizado para pintar imágenes en todo el mundo durante siglos [58] Sarah Maple, una artista contemporánea, ha utilizado su sangre menstrual para crear retratos que ayuden a borrar el tabú que cubre el tema de los períodos menstruales.
El término estilo se utiliza en dos sentidos: puede referirse a los elementos visuales, técnicas y métodos distintivos que caracterizan la obra de un artista en particular . También puede referirse al movimiento o escuela con el que está asociado un artista. Puede provenir de un grupo real con el que el artista participó conscientemente o puede ser una categoría en la que los historiadores del arte han colocado al pintor. La palabra "estilo" en este último sentido ha caído en desuso en los debates académicos sobre la pintura contemporánea, aunque sigue utilizándose en contextos populares. Dichos movimientos o clasificaciones incluyen los siguientes:
El modernismo describe tanto un conjunto de tendencias culturales como una serie de movimientos culturales asociados , que originalmente surgieron de cambios de gran escala y de largo alcance en la sociedad occidental a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. El modernismo fue una revuelta contra los valores conservadores del realismo . [59] [60] El término abarca las actividades y la producción de quienes sentían que las formas "tradicionales" de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, organización social y vida cotidiana se estaban volviendo obsoletas en las nuevas condiciones económicas, sociales y políticas de un mundo emergente completamente industrializado. Una característica destacada del modernismo es la autoconciencia. Esto a menudo condujo a experimentos con la forma y un trabajo que llama la atención sobre los procesos y materiales utilizados (y sobre la tendencia adicional de la abstracción). [61]
El primer ejemplo de modernismo en la pintura fue el impresionismo , una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en estudios, sino al aire libre ( en plein air ). Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió adeptos a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados del salón comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones grupales anuales en lugares comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, coincidiendo con el Salón oficial. Un evento significativo de 1863 fue el Salón de los Rechazados , creado por el emperador Napoleón III para exhibir todas las pinturas rechazadas por el Salón de París.
La pintura abstracta utiliza un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de las referencias visuales del mundo. [62] [63] El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial que combinó la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo , y la imagen de ser rebelde, anárquico, altamente idiosincrásico y, según algunos, nihilista. [64]
La pintura de acción , a veces llamada abstracción gestual , es un estilo de pintura en el que la pintura se gotea, salpica o unta espontáneamente sobre el lienzo, en lugar de aplicarse con cuidado. [65] La obra resultante a menudo enfatiza el acto físico de pintar en sí como un aspecto esencial de la obra terminada o la preocupación de su artista. El estilo se extendió desde la década de 1940 hasta principios de la década de 1960 y está estrechamente asociado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado los términos "pintura de acción" y "expresionismo abstracto" indistintamente).
Otros estilos modernistas incluyen:
El término arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 como sinónimo en inglés de art brut ( en francés: [aʁ bʁyt] , "arte crudo" o "arte áspero"), una etiqueta creada por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial; Dubuffet se centró particularmente en el arte de los reclusos de manicomios . [66] El arte marginal ha surgido como una categoría de marketing de arte exitosa (desde 1992 se lleva a cabo una Feria de Arte Marginal anual en Nueva York). El término a veces se aplica incorrectamente como una etiqueta de marketing general para el arte creado por personas fuera del "mundo del arte" convencional, independientemente de sus circunstancias o el contenido de su trabajo.
El fotorrealismo es el género de pintura basado en el uso de la cámara y fotografías para recopilar información y luego, a partir de esta información, crear una pintura que parezca muy realista como una fotografía . El término se aplica principalmente a las pinturas del movimiento artístico de los Estados Unidos que comenzó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. Como movimiento artístico en toda regla, el fotorrealismo evolucionó a partir del arte pop [67] [68] [69] y como contraposición al expresionismo abstracto .
El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a una fotografía de alta resolución . El hiperrealismo es una escuela de arte completamente desarrollada y puede considerarse un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados para crear las pinturas o esculturas resultantes. El término se aplica principalmente a un movimiento artístico independiente y un estilo artístico en los Estados Unidos y Europa que se ha desarrollado desde principios de la década de 2000. [70]
El surrealismo es un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es más conocido por la producción artística y literaria de aquellos afiliados al movimiento surrealista . Las obras de arte surrealistas presentan el elemento sorpresa, lo siniestro, lo inconsciente, las yuxtaposiciones inesperadas y el non-sequitur ; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su trabajo como una expresión del movimiento filosófico en primer lugar y ante todo, y las obras son un artefacto. El líder André Breton fue explícito al afirmar que el surrealismo era sobre todo un movimiento revolucionario.
El surrealismo surgió a partir de las actividades dadaístas de la Primera Guerra Mundial y su centro más importante fue París . A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo y acabó afectando a las artes visuales , la literatura , el cine y la música de muchos países, así como al pensamiento y la práctica política , la filosofía y la teoría social .
Las pinturas en miniatura eran la forma principal de pintura en la India precolonial. Se hacían en un papel especial (conocido como wasli) y se utilizaban colores minerales y naturales. La pintura en miniatura no es un estilo único, sino un grupo de varios estilos de escuelas de pintura, como el estilo mogol, pahari, rajasthani, de la Compañía, etc.
La pintura en miniatura mogol es un estilo particular de la pintura del sur de Asia , particularmente del norte de la India (más específicamente, la India y Pakistán actuales), confinada a miniaturas, ya sea como ilustraciones de libros o como obras individuales para guardar en álbumes ( muraqqa ). Surgió [71] de la pintura en miniatura persa (en parte de origen chino ) y se desarrolló en la corte del Imperio mogol de los siglos XVI al XVIII. La pintura mogol inmediatamente mostró un interés mucho mayor en el retrato realista de lo que era típico de las miniaturas persas. Los animales y las plantas fueron el tema principal de muchas miniaturas para álbumes, y fueron representados de manera más realista. [72] [73] [74]
La pintura rajasthani evolucionó y floreció en las cortes reales de Rajputana [75] en el norte de la India, principalmente durante el siglo XVII. Los artistas formados en la tradición de la miniatura mogol se dispersaron desde el
corte imperial mogol, y desarrolló estilos que también se basaban en las tradiciones locales de pintura, especialmente las que ilustraban las epopeyas sánscritas, el Mahabharata y el Ramayana . Los temas variaban, pero los retratos de la familia gobernante, a menudo dedicada a la caza o sus actividades diarias, eran generalmente populares, al igual que las escenas narrativas de las epopeyas o la mitología hindú , así como algunas escenas de género de paisajes y humanos. [76] [77] Pintura de las colinas de Punjab o Pahari de la que Kangra, Guller, Basholi fueron subestilos principales. La pintura Kangra es el arte pictórico de Kangra , llamado así por Kangra , Himachal Pradesh , un antiguo estado principesco , que patrocinó el arte. Se hizo frecuente con el desvanecimiento de la escuela de pintura Basohli a mediados del siglo XVIII. [78] [79] El tema central de la pintura Kangra es Shringar (el sentimiento erótico). Los temas que se ven en la pintura Kangra exhiben el gusto y los rasgos del estilo de vida de la sociedad de ese período. [80] Los artistas adoptaron temas de la poesía de amor de Jayadeva y Keshav Das , quienes escribieron extáticamente sobre el amor de Radha y Krishna , siendo Bhakti la fuerza impulsora. [81] [82]
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El estilo de compañía es un término que designa un estilo híbrido indoeuropeo de pinturas realizadas en la India por artistas indios, muchos de los cuales trabajaron para mecenas europeos en la Compañía Británica de las Indias Orientales u otras compañías extranjeras en los siglos XVIII y XIX. [83] Tres estilos distintos de pintura de compañía surgieron en tres centros de poder británicos: Delhi , Calcuta y Madrás . El tema de las pinturas de compañía realizadas para mecenas occidentales era a menudo documental en lugar de imaginativo y, como consecuencia, los artistas indios se vieron obligados a adoptar un enfoque más naturalista de la pintura de lo que tradicionalmente había sido habitual. [84] [85]
El estilo Sikh y el estilo Deccan son otros estilos destacados de pintura en miniatura de la India.
Las pinturas Pichwai son pinturas sobre tela que, por lo general, representan historias de la vida del Señor Krishna. [86] Se hacían en gran formato y, a menudo, se usaban como fondo del ídolo principal en templos o casas. Las pinturas Pichwai se hicieron y todavía se hacen principalmente en Rajastán, India. Sin embargo, se hicieron muy pocas en la región de Deccan, pero son extremadamente raras. El propósito de los pichhwais, además del atractivo artístico, es narrar cuentos de Krishna a los analfabetos. Los templos tienen conjuntos con diferentes imágenes, que se cambian según el calendario de festivales que celebran a la deidad . [87]
Pattachitra es un término general para la pintura tradicional sobre tela, basada en pergaminos , con sede en los estados de Odisha y Bengala Occidental , en el este de la India . [88] La tradición de la pintura Pattachitra está estrechamente vinculada con el culto al Señor Jagannath en Odisha. [89] El tema de Pattachitra se limita a temas religiosos. La forma de arte Patachitra es conocida por sus intrincados detalles, así como por las narraciones mitológicas y los cuentos populares inscritos en ella. Todos los colores utilizados en las pinturas son naturales y las pinturas están hechas completamente a la antigua usanza por Chitrakaras, es decir, pintores de Odiya. El estilo de pintura Pattachitra es una de las formas de arte más antiguas y populares de Odisha . Las patachitras son un componente de un antiguo arte narrativo bengalí , que originalmente servía como dispositivo visual durante la interpretación de una canción. [90] [91] [92]
El arte Madhubani es un estilo de pintura india que se practica en la región de Mithila en India y Nepal. El estilo se caracteriza por patrones geométricos complejos; estas pinturas son famosas por representar contenido ritual utilizado para ocasiones particulares como festivales, rituales religiosos, etc. [93]
Warli es otra forma de arte tribal popular de la India.
La Escuela de Bengala [94] fue un movimiento artístico y un estilo de pintura india que se originó en Bengala , principalmente Calcuta y Shantiniketan , y floreció en todo el subcontinente indio , durante el Raj británico a principios del siglo XX. [95] La escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionaba contra los estilos de arte académico promovidos previamente en la India, tanto por artistas indios como Raja Ravi Varma como en las escuelas de arte británicas. La escuela quería establecer un estilo indio distintivo que celebrara la herencia cultural indígena. En un intento de rechazar la estética colonial, Abanindranath Tagore también recurrió a China y Japón con la intención de promover una estética panasiática e incorporó elementos del arte del Lejano Oriente, como la técnica de lavado japonesa . [96] [97] [98]
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La alegoría es un modo figurativo de representación que transmite un significado distinto del literal. La alegoría comunica su mensaje por medio de figuras simbólicas , acciones o representaciones simbólicas. La alegoría se considera generalmente una figura retórica , pero no tiene por qué expresarse mediante el lenguaje : puede dirigirse a la vista y suele encontrarse en la pintura realista. Un ejemplo de una alegoría visual sencilla es la imagen de la parca . Los espectadores entienden que la imagen de la parca es una representación simbólica de la muerte.
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En el arte español , un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa elementos de despensa, como víveres, caza y bebida, a menudo dispuestos sobre una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero con elementos significativos de naturaleza muerta, generalmente ubicada en una cocina o taberna. A partir del período barroco , estas pinturas se hicieron populares en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de naturalezas muertas parece haber comenzado y fue mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos , hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que en el sur de Europa . Las naturalezas muertas del norte tenían muchos subgéneros: la pieza del desayuno se amplió con el trampantojo , el ramo de flores y la vanitas . En España, había muchos menos mecenas de este tipo de cosas, pero un tipo de pieza de desayuno se hizo popular, presentando algunos objetos de comida y vajilla colocados sobre una mesa.
Una pintura de figuras es una obra de arte en cualquiera de los medios pictóricos cuyo tema principal es la figura humana, ya sea vestida o desnuda . La pintura de figuras también puede referirse a la actividad de crear dicha obra. La figura humana ha sido uno de los temas de contraste del arte desde las primeras pinturas rupestres de la Edad de Piedra y ha sido reinterpretada en varios estilos a lo largo de la historia. [100] Algunos artistas conocidos por la pintura de figuras son Peter Paul Rubens , Edgar Degas y Édouard Manet .
Las pinturas de ilustración son aquellas que se utilizan como ilustraciones en libros, revistas, carteles de teatro o cine y cómics. Hoy en día, existe un creciente interés por coleccionar y admirar las obras de arte originales. Varias exposiciones de museos, revistas y galerías de arte han dedicado espacio a los ilustradores del pasado. En el mundo de las artes visuales, a veces se ha considerado a los ilustradores menos importantes en comparación con los artistas plásticos y los diseñadores gráficos . Pero como resultado del crecimiento de la industria de los videojuegos y del cómic, las ilustraciones se están valorando como obras de arte populares y rentables que pueden adquirir un mercado más amplio que las otras dos, especialmente en Corea , Japón, Hong Kong y Estados Unidos.
Las ilustraciones de los códices medievales se conocían como iluminaciones y eran dibujadas y pintadas a mano individualmente. Con la invención de la imprenta durante el siglo XV, los libros se distribuyeron más ampliamente y, a menudo, se ilustraban con xilografías . [101] [102] En Estados Unidos , esto condujo a una "época dorada de la ilustración" desde antes de la década de 1880 hasta principios del siglo XX. Un pequeño grupo de ilustradores tuvo mucho éxito y las imágenes que crearon se consideraron un retrato de las aspiraciones estadounidenses de la época. [103] Entre los ilustradores más conocidos de ese período se encontraban NC Wyeth y Howard Pyle de la Escuela Brandywine , James Montgomery Flagg , Elizabeth Shippen Green , JC Leyendecker , Violet Oakley , Maxfield Parrish , Jessie Willcox Smith y John Rea Neill . En Francia , en 1905, la Sociedad del Libro Contemporáneo encargó a Paul Jouve que ilustrara El libro de la selva de Rudyard Kipling . Paul Jouve dedicará diez años a las 130 ilustraciones de este libro que quedará como una de las obras maestras de la bibliofilia. [104]
La pintura de paisajes es un término que abarca la representación de paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos, lagos y bosques, y especialmente el arte donde el tema principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otras obras, los fondos de paisajes para las figuras todavía pueden formar una parte importante de la obra. El cielo casi siempre está incluido en la vista, y el clima es a menudo un elemento de la composición. Los paisajes detallados como tema diferenciado no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representación de otros temas. Las dos tradiciones principales surgen de la pintura occidental y el arte chino , remontándose en ambos casos a más de mil años.
Los retratos son representaciones de una persona en las que predomina el rostro y su expresión. La intención es mostrar la semejanza, la personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. El arte del retrato floreció en la escultura griega antigua y especialmente en la romana , donde los retratados exigían retratos individualizados y realistas, incluso poco favorecedores. Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es la pintura de Leonardo da Vinci titulada Mona Lisa , que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini , la esposa de Francesco del Giocondo. [107]
Warhol fue uno de los retratistas más prolíficos del siglo XX. Su cuadro Orange Shot Marilyn, de Marilyn Monroe, es un ejemplo emblemático de su obra de la década de 1960, y Orange Prince (1984) , del cantante pop Prince , es un ejemplo posterior; ambos muestran el estilo gráfico único de Warhol en sus retratos. [108] [109] [110]
Una naturaleza muerta es una obra de arte que representa principalmente temas inanimados, por lo general objetos cotidianos, que pueden ser naturales (comida, flores, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (vasos para beber, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.). Con orígenes en la Edad Media y el arte griego/romano antiguo, las pinturas de naturaleza muerta le dan al artista más libertad en la disposición de los elementos de diseño dentro de una composición que las pinturas de otros tipos de temas, como paisajes o retratos . Las pinturas de naturaleza muerta, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismo religioso y alegórico relacionado con los objetos representados. Algunas naturalezas muertas modernas rompen la barrera bidimensional y emplean medios mixtos tridimensionales, y utilizan objetos encontrados, fotografía, gráficos de computadora, así como video y sonido.
Una veduta es una pintura muy detallada, generalmente a gran escala, de un paisaje urbano o alguna otra vista. Este género de paisaje se originó en Flandes , donde artistas como Paul Bril pintaron vedutas ya en el siglo XVI. A medida que el itinerario del Grand Tour se estandarizó un poco, las vedutas de escenas familiares como el Foro Romano o el Gran Canal recordaron las primeras incursiones al continente para los ingleses aristocráticos. A finales del siglo XIX, las impresiones más personales de los paisajes urbanos reemplazaron el deseo de precisión topográfica, que se satisfizo en cambio con panoramas pintados .
La pintura y la música son las artes especialmente románticas. Por último, como unión de la pintura y la música surge la poesía, donde el elemento sensual está más que nunca subordinado al espíritu.
