Igor Fyodorovich Stravinsky [a] (17 de junio [ OS 5 de junio] 1882 - 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso con ciudadanía francesa (desde 1934) y ciudadanía estadounidense (desde 1945). Es ampliamente considerado uno de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX y una figura fundamental de la música modernista .
Nacido de un famoso bajo en San Petersburgo , Rusia, Stravinsky creció tomando lecciones de piano y teoría musical . Mientras estudiaba derecho en la Universidad de San Petersburgo , conoció a Nikolai Rimsky-Korsakov y estudió música con él hasta la muerte de este último en 1908. Stravinsky conoció poco después al empresario Sergei Diaghilev , quien le encargó al compositor que escribiera tres ballets para los Ballets Rusos . Temporadas de París: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), la última de las cuales casi provocó un revuelo en el estreno debido a su carácter vanguardista y luego cambió la forma en que los compositores entendían estructura rítmica.
La carrera compositiva de Stravinsky a menudo se divide en tres períodos principales: su período ruso (1913-1920), su período neoclásico (1920-1951) y su período serial (1954-1968). Durante su período ruso, Stravinsky estuvo fuertemente influenciado por los estilos y el folclore rusos. Obras como Renard (1916) y Les noces (1923) se basaron en la poesía popular rusa, mientras que composiciones como L'Histoire du soldat (1918) integraron estos elementos populares con formas musicales populares, incluidos el tango, el vals, el ragtime y el coral . Su período neoclásico exhibió temas y técnicas del período clásico , como el uso de la forma sonata en su Octeto (1923) y el uso de temas mitológicos griegos en obras como Apollon musagète (1927), Edipo Rey (1927) y Perséfone (1935). ). En su período serial, Stravinsky recurrió a técnicas de composición de la Segunda Escuela de Viena como la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg . In Memoriam Dylan Thomas (1954) fue la primera de sus composiciones que se basó íntegramente en esta técnica, y Canticum Sacrum (1956) fue la primera que se basó en una fila de tonos . La última obra importante de Stravinsky fueron los Cánticos de Réquiem (1966), que se representaron en su funeral.
Si bien muchos seguidores estaban confundidos por los constantes cambios estilísticos de Stravinsky, escritores posteriores reconocieron que su lenguaje versátil era importante en el desarrollo de la música modernista. Las ideas revolucionarias de Stravinsky influyeron en compositores tan diversos como Aaron Copland , Philip Glass , Béla Bartók y Pierre Boulez , quienes tuvieron el desafío de innovar la música en áreas más allá de la tonalidad , especialmente el ritmo y la forma . En 1998, la revista Time incluyó a Stravinsky como una de las 100 personas más influyentes del siglo. Stravinsky murió de edema pulmonar el 6 de abril de 1971 en la ciudad de Nueva York, habiendo dejado seis memorias escritas con su amigo y asistente Robert Craft , así como una autobiografía anterior y una serie de conferencias.
Igor Fyodorovich Stravinsky nació en Oranienbaum, Rusia, una ciudad que ahora se llama Lomonosov , a unas treinta millas (cincuenta kilómetros) al oeste de San Petersburgo , el 17 de junio [ OS 5 de junio] de 1882. [1] [2] Su madre, Anna Kirillovna Stravinskaya (de soltera Kholodovsky), era un cantante y pianista aficionado de una familia establecida de terratenientes. [3] [4] Su padre, Fyodor Ignatyevich Stravinsky , era un famoso bajo del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, descendiente de una línea de terratenientes polacos. [4] [5] El nombre "Stravinsky" es de origen polaco y deriva del río Strava en el este de Polonia. La familia originalmente se llamaba "Soulima-Stravinsky", y llevaba las armas de Soulima, pero "Soulima" fue abandonada después de la anexión de Rusia durante las particiones de Polonia . [6] [7]
Oranienbaum, el lugar de nacimiento del compositor, era el lugar donde su familia vacacionaba durante los veranos; [8] [9] su residencia principal era un apartamento a lo largo del Canal Kryukov en el centro de San Petersburgo, cerca del Teatro Mariinsky. Fue bautizado horas después de nacer y se unió a la Iglesia Ortodoxa Rusa en la Catedral de San Nicolás . [5] Constantemente temeroso de su malhumorado padre e indiferente hacia su madre, Igor vivió allí durante los primeros 27 años de su vida con tres hermanos: Roman y Yury, sus hermanos mayores que lo irritaban inmensamente, y Gury, su amigo cercano. hermano menor con quien dijo haber encontrado "el amor y la comprensión que nos negaron nuestros padres". [5] [10] Igor fue educado por la institutriz de la familia hasta los once años, cuando comenzó a asistir al Segundo Gimnasio de San Petersburgo , una escuela que recordaba odiar porque tenía pocos amigos. [11] [12]
Desde los nueve años, Stravinsky estudió en privado con un profesor de piano. [13] Más tarde escribió que sus padres no veían talento musical en él debido a su falta de habilidades técnicas; [14] el joven pianista frecuentemente improvisaba en lugar de practicar las piezas asignadas. [15] La excelente habilidad de lectura a primera vista de Stravinsky lo impulsó a leer con frecuencia partituras vocales de la vasta biblioteca personal de su padre. [4] [16] Alrededor de los diez años, comenzó a asistir regularmente a representaciones en el Teatro Mariinsky, donde conoció el repertorio ruso, así como la ópera italiana y francesa; [17] a los dieciséis años, asistía a ensayos en el teatro cinco o seis días a la semana. [18] A los catorce años, Stravinsky había dominado la parte solista del Concierto para piano n.° 1 de Mendelssohn y, a los quince, transcribió para piano solo un cuarteto de cuerda de Alexander Glazunov . [19] [20]
A pesar de su pasión y habilidad musicales, los padres de Stravinsky esperaban que estudiara derecho en la Universidad de San Petersburgo , y se matriculó allí en 1901. Sin embargo, según su propio relato, era un mal estudiante y asistió a pocas de las conferencias opcionales. [21] [22] A cambio de aceptar asistir a la facultad de derecho, sus padres le permitieron recibir lecciones de armonía y contrapunto . [23] En la universidad, Stravinsky se hizo amigo de Vladimir Rimsky-Korsakov, hijo del principal compositor ruso Nikolai Rimsky-Korsakov . [b] Durante las vacaciones de verano de 1902, Stravinsky viajó con Vladimir Rimsky-Korsakov a Heidelberg , donde se alojaba la familia de este último, trayendo una cartera de piezas para mostrárselas a Nikolai Rimsky-Korsakov. Si bien el compositor mayor no quedó atónito, sí quedó lo suficientemente impresionado como para insistir en que Stravinsky continuara con sus lecciones, pero le desaconsejó ingresar al Conservatorio de San Petersburgo debido a su ambiente riguroso. Es importante destacar que Rimsky-Korsakov acordó personalmente asesorar a Stravinsky sobre sus composiciones. [23] [26]
Después de la muerte del padre de Stravinsky en 1902 y el joven compositor se volvió más independiente, se involucró cada vez más en el círculo de artistas de Rimsky-Korsakov. [27] [28] Su primera tarea importante para su nuevo maestro fue la Sonata para piano de cuatro movimientos en fa sostenido menor al estilo de Glazunov y Tchaikovsky ; hizo una pausa temporal para escribir una cantata para la celebración del 60 cumpleaños de Rimsky-Korsakov, que el compositor mayor lo describió como "nada mal". Poco después de terminar la sonata, el estudiante comenzó su Sinfonía en mi bemol de gran escala , [c] cuyo primer borrador terminó en 1905. Ese año, el dedicatario de la Sonata para piano, Nikolay Richter, la interpretó en un recital. organizado por los Rimsky-Korsakov, marcando el primer estreno público de una pieza de Stravinsky. [23]
Después de que los acontecimientos del Domingo Sangriento de enero de 1905 provocaran el cierre de la universidad, Stravinsky no pudo realizar sus exámenes finales, lo que le llevó a graduarse con medio diploma. A medida que empezó a pasar más tiempo en el círculo de artistas de Rimsky-Korsakov, el joven compositor se sintió cada vez más apretado en la atmósfera estilísticamente conservadora: se cuestionaba la música moderna y se despreciaban los conciertos de música contemporánea. El grupo asistía ocasionalmente a conciertos de cámara orientados a la música moderna, y aunque Rimsky-Korsakov y su colega Anatoly Lyadov odiaban asistir, Stravinsky recordaba los conciertos como intrigantes e intelectualmente estimulantes, siendo el primer lugar donde estuvo expuesto a compositores franceses como Franck , Dukas , Fauré. y Debussy . [23] [31] Sin embargo, Stravinsky permaneció leal a Rimsky-Korsakov: el musicólogo Eric Walter White sospechaba que el compositor creía que el cumplimiento de Rimsky-Korsakov era necesario para tener éxito en el mundo de la música rusa. [28] Stravinsky escribió más tarde que el conservadurismo musical de sus profesores estaba justificado y le ayudó a construir las bases que se convertirían en la base de su estilo. [32]
En agosto de 1905, Stravinsky anunció su compromiso con Yekaterina Nosenko , su prima hermana a quien había conocido en 1890 durante un viaje familiar. [23] Más tarde recordó:
Desde nuestra primera hora juntos, ambos parecieron darnos cuenta de que algún día nos casaríamos, o eso nos dijimos más tarde. Quizás siempre fuimos más como hermano y hermana. Era una niña profundamente solitaria y quería tener una hermana propia. Catherine, que era mi prima hermana, entró en mi vida como una especie de hermana largamente deseada ... Desde entonces hasta su muerte fuimos extremadamente unidas, y más de lo que a veces lo son los amantes, porque los simples amantes pueden ser extraños aunque vivan y Se aman juntos toda su vida ... Catherine era mi amiga y compañera de juegos más querida... hasta que crecimos y nos casamos. [33]
Los dos se habían hecho cercanos durante los viajes familiares, fomentando el interés mutuo por la pintura y el dibujo, nadando juntos a menudo, recogiendo frambuesas silvestres, ayudando a construir una cancha de tenis, tocando piano a dúo y luego organizando lecturas grupales con sus otros primos de libros. y tratados políticos de la biblioteca personal de Fyodor Stravinsky. [34] En julio de 1901, Stravinsky expresó su enamoramiento con Lyudmila Kuxina, la mejor amiga de Nosenko, pero después de que terminó el autodenominado "romance de verano", la relación de Nosenko y Stravinsky comenzó a convertirse en un romance furtivo. [35] Entre sus intermitentes visitas familiares, Nosenko estudió pintura en la Académie Colarossi de París. [36] Los dos se casaron el 24 de enero de 1906, en la Iglesia de la Anunciación, cinco millas (ocho kilómetros) al norte de San Petersburgo ; como el matrimonio entre primos hermanos estaba prohibido, consiguieron un sacerdote que no preguntó sus identidades, y el único Los invitados presentes fueron los hijos de Rimsky-Korsakov. [37] La pareja pronto tuvo dos hijos: Théodore , nacido en 1907, y Ludmila, nacida al año siguiente. [38]
Después de terminar las numerosas revisiones de la Sinfonía en mi bemol en 1907, Stravinsky escribió Fauno y la pastora , una composición de tres poemas de Pushkin para mezzosoprano y orquesta. [29] Rimsky-Korsakov organizó el primer estreno público de la obra de su alumno con la Orquesta de la Corte Imperial en abril de 1907, programando la Sinfonía en mi bemol y Fauno y la pastora . [23] [39] La muerte de Rimsky-Korsakov en junio de 1908 provocó un profundo luto en Stravinsky, y más tarde recordó que Canción fúnebre , que compuso en memoria de su maestro, era "la mejor de mis obras antes de El pájaro de fuego ". [40] [41]
En 1898, el empresario Sergei Diaghilev fundó la revista de arte rusa Mir iskusstva , [42] pero después de que dejó de publicarse en 1904, se dirigió a París en busca de oportunidades artísticas en lugar de a su Rusia natal. [43] [44] En 1907, Diaghilev presentó una serie de cinco conciertos de música rusa en la Ópera de París ; al año siguiente, organizó el estreno en París de la versión de Boris Godunov de Rimsky-Korsakov . [43] [45] Diaghilev asistió al estreno en febrero de 1909 de dos nuevas obras de Stravinsky: Scherzo fantastique y Feu d'artifice , ambos movimientos orquestales animados que presentaban una orquestación brillante y técnicas armónicas únicas. [23] [42] El color y el tono vívidos de las obras de Stravinsky intrigaron a Diaghilev, y posteriormente el empresario encargó a Stravinsky que orquestara la música de Chopin para partes del ballet Les Sylphides . [46] [47] Este ballet fue presentado por la compañía de ballet de Diaghilev, los Ballets Russes , en abril de 1909, y mientras la compañía obtuvo éxitos entre el público parisino, Stravinsky estaba trabajando en el Acto I de su primera ópera El ruiseñor . [48]
Mientras los Ballets Russes enfrentaban problemas financieros, Diaghilev quería un nuevo ballet con música y diseño claramente rusos, algo que recientemente se había vuelto popular entre el público francés y otros occidentales (probablemente debido al grupo de compositores clásicos rusos conocidos como Los Cinco , según el musicólogo Richard Taruskin ); La empresa de Diaghilev se centró en el tema del mítico Firebird . [49] [50] Diaghilev pidió a varios compositores que escribieran la partitura del ballet, incluidos Lyadov y Nikolai Tcherepnin , pero después de que ninguno se comprometió con el proyecto, [51] el empresario recurrió a Stravinsky, de 27 años, quien aceptó con gusto la tarea. . [52] [53] Durante la producción del ballet, Stravinsky se hizo cercano al círculo artístico de Diaghilev, quienes quedaron impresionados por su entusiasmo por aprender más sobre las formas de arte no musical. [52] El pájaro de fuego se estrenó en París (como L'Oiseau de feu ) el 25 de junio de 1910 con gran éxito de crítica y convirtió a Stravinsky en una sensación de la noche a la mañana. [54] [55] Muchos críticos elogiaron la alineación del compositor con la música nacionalista rusa. [56] Stravinsky recordó más tarde que después del estreno y las representaciones posteriores, conoció a muchas figuras de la escena artística de París; Debussy subió al escenario después del estreno e invitó a Stravinsky a cenar, comenzando una amistad para toda la vida entre los dos compositores. [d] [55] [59]
La familia Stravinsky se mudó a Lausana , Suiza, para el nacimiento de su tercer hijo, Soulima , y fue allí donde Stravinsky comenzó a trabajar en un Konzertstück para piano y orquesta que representa la historia de un títere que cobra vida. [55] [60] Después de que Diaghilev escuchó los primeros borradores, convenció a Stravinsky para que lo convirtiera en un ballet para la temporada de 1911. [61] [62] La obra resultante, Petrushka (bajo la ortografía francesa Petrouchka ), [63] se estrenó en París el 13 de junio de 1911 con la misma popularidad que El pájaro de fuego , y Stravinsky se estableció como uno de los jóvenes compositores de teatro más avanzados de su tiempo. [64] [65]
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Mientras componía El pájaro de fuego , Stravinsky concibió la idea de una obra sobre lo que llamó "un solemne rito pagano: sabios ancianos, sentados en círculo, observaban a una joven bailar hasta morir". [60] Inmediatamente compartió la idea con Nicholas Roerich , un amigo y pintor de temas paganos. Cuando Stravinsky le contó la idea a Diaghilev, el empresario aceptó entusiasmado encargar el trabajo. [60] [66] Después del estreno de Petrushka , Stravinsky se instaló en la residencia de su familia en Ustilug y desarrolló los detalles del ballet con Roerich, terminando más tarde el trabajo en Clarens , Suiza. [67] El resultado fue La consagración de la primavera ( Le sacre du printemps ), que describía rituales paganos en las tribus eslavas y utilizaba muchas técnicas de vanguardia , incluidos ritmos y metros desiguales , armonías superpuestas, atonalidad e instrumentación extensa . [68] [69] Con coreografía radical del joven Vaslav Nijinsky , la naturaleza experimental del ballet casi causó disturbios en su estreno en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913. [67] [70] [f]
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Poco después, Stravinsky fue ingresado en un hospital por fiebre tifoidea y permaneció recuperándose durante cinco semanas; Lo visitaron numerosos colegas, entre ellos Debussy, Manuel de Falla , Maurice Ravel , [g] y Florent Schmitt . Al regresar con su familia en Ustilug, continuó trabajando en su ópera El ruiseñor , ahora con un encargo oficial del Teatro Libre de Moscú. [67] [72] A principios de 1914, su esposa Yekaterina contrajo tuberculosis y fue ingresada en un sanatorio en Leysin , Suiza, donde nació la cuarta hija de la pareja, María Milena. [73] Aquí Stravinsky terminó El ruiseñor , pero después de que el Teatro Libre de Moscú cerró antes del estreno, Diaghilev aceptó montar la ópera. [74] El estreno de mayo de 1914 tuvo un éxito moderado; Las altas expectativas de los críticos después de la tumultuosa Consagración de la Primavera no se cumplieron, aunque otros compositores quedaron impresionados por la emoción de la música y el tratamiento libre del contrapunto y los temas . [75]
A principios de julio de 1914, mientras su familia residía en Suiza cerca de su esposa enferma, el compositor viajó a Rusia para recuperar textos para su siguiente obra, una cantata de ballet que representa las tradiciones nupciales rusas titulada Les noces . Poco después de su regreso, comenzó la Primera Guerra Mundial y los Stravinsky vivieron en Suiza hasta 1920, [h] inicialmente residiendo en Clarens y más tarde en Morges . [77] [78] [79] Durante los primeros meses de la guerra, el compositor investigó intensamente la poesía popular rusa y preparó libretos para numerosas obras que se componerían en los años siguientes, entre ellas Les noces , Renard , Pribaoutki y otros ciclos de canciones. . [80] Stravinsky conoció a numerosos artistas suizo-franceses durante su estancia en Morges, incluido el autor Charles F. Ramuz , con quien colaboró en la obra teatral de pequeña escala L'Histoire du soldat . El espectáculo de once músicos y dos bailarines estaba diseñado para facilitar los viajes, pero después de un estreno financiado por Werner Reinhart , todas las demás funciones fueron canceladas debido a la epidemia de gripe española . [79]
Los ingresos de Stravinsky por regalías de ejecución se cortaron repentinamente cuando su editor con sede en Alemania suspendió sus operaciones debido a la guerra. [81] Para mantener a flote a su familia, el compositor vendió numerosos manuscritos y aceptó encargos de empresarios adinerados; uno de esos encargos incluyó Renard , una obra teatral terminada en 1916 a petición de la princesa Edmond de Polignac . [82] Además, Stravinsky hizo una nueva suite de concierto de The Firebird y la vendió a un editor de Londres en un intento de recuperar el control de los derechos de autor sobre el ballet. [i] [79] Diaghilev continuó organizando espectáculos de los Ballets Rusos en toda Europa, incluidos dos conciertos benéficos para la Cruz Roja donde Stravinsky hizo su debut como director con The Firebird . [85] Cuando los Ballets Rusos viajaron a Roma en abril de 1917, Stravinsky conoció al artista Pablo Picasso , y los dos se aventuraron por Italia; una commedia dell'arte que vieron en Nápoles inspiró el ballet Pulcinella , [j] que se estrenó en París en mayo de 1920 con diseños de Picasso. [79] [86]
Después de que terminó la guerra, Stravinsky decidió que su residencia en Suiza estaba demasiado lejos de la actividad musical europea y trasladó brevemente a su familia a Carantec , Francia. [87] En septiembre de 1920, se trasladaron a la casa de Coco Chanel , una asociada de Diaghilev, donde Stravinsky compuso su primera obra neoclásica , las Sinfonías de instrumentos de viento . [88] [89] Después de que su relación con Chanel se convirtió en una aventura, Stravinsky trasladó a su familia al centro de emigrados blancos de Biarritz en mayo de 1921, en parte debido a la presencia de su otra amante, Vera de Bosset . [88] En ese momento, de Bosset estaba casada con el ex escenógrafo del Ballet Ruso Serge Sudeikin , aunque más tarde de Bosset se divorció de Sudeikin para casarse con Stravinsky. Aunque Yekaterina Stravinsky se dio cuenta de la infidelidad de su marido, los Stravinsky nunca se divorciaron, probablemente debido a la negativa del compositor a separarse. [k] [91] [92]
En 1921, Stravinsky firmó un contrato con la compañía de pianistas Pleyel para crear arreglos de pianola de su música. [93] Recibió un estudio en su fábrica en la Rue Rochechouart, donde reorquestó Les noces para un pequeño conjunto que incluía pianola. El compositor transcribió muchas de sus obras principales para pianos mecánicos, y las instalaciones de Pleyel siguieron siendo su base en París hasta 1933, incluso después de que la pianola hubiera sido suplantada en gran medida por la grabación en gramófono eléctrico . [91] [94] Stravinsky firmó otro contrato en 1924, esta vez con la Aeolian Company de Londres, produciendo rollos que incluían comentarios sobre el trabajo de Stravinsky que estaban grabados en los rollos. [95] Dejó de trabajar con pianolas en 1930 cuando se disolvió la sucursal de Londres de la Aeolian Company. [94]
El interés en Pushkin compartido por Stravinsky y Diaghilev condujo a Mavra , una ópera cómica iniciada en 1921 que exhibía el rechazo del compositor al estilo de Rimsky-Korsakov y su giro hacia los operarios clásicos rusos como Tchaikovsky, Glinka y Dargomyzhsky . [91] [96] Sin embargo, después del estreno en 1922, la naturaleza mansa de la obra, en comparación con la música innovadora por la que Stravinsky había llegado a ser conocido, decepcionó a los críticos. [97] En 1923, Stravinsky terminó de orquestar Les noces , decidiéndose por un conjunto de percusión que incluía cuatro pianos. Los Ballets Russes representaron el ballet-cantata en junio, [l] y aunque inicialmente recibió críticas moderadas, [99] la producción de Londres recibió una avalancha de ataques críticos, lo que llevó al escritor HG Wells a publicar una carta abierta en apoyo de la obra. . [100] [101] Durante este período, Stravinsky amplió su participación en la dirección y la interpretación del piano. Dirigió el estreno de su Octeto en 1923 y actuó como solista en el estreno de su Concierto para piano en 1924. Después de su debut, se embarcó en una gira, interpretando el concierto en más de 40 conciertos. [91] [102] [103]
La familia Stravinsky se mudó nuevamente en septiembre de 1924 a Niza , Francia. La agenda del compositor se dividió entre pasar tiempo con su familia en Niza, actuar en París y realizar giras por otros lugares, a menudo acompañado por De Bosset. [91] En ese momento, Stravinsky estaba atravesando una crisis espiritual iniciada al conocer al padre Nicolas, un sacerdote cerca de su nuevo hogar. [98] Había abandonado la Iglesia Ortodoxa Rusa durante su adolescencia, pero después de conocer al padre Nicolás en 1926 y reconectarse con su fe, comenzó a asistir regularmente a los servicios. [104] [105] Desde entonces hasta que se mudó a los Estados Unidos, [m] Stravinsky asistió diligentemente a la iglesia, participó en obras de caridad y estudió textos religiosos. [107] El compositor escribió más tarde que fue contactado por Dios en un servicio en la Basílica de San Antonio de Padua , lo que lo llevó a escribir su primera composición religiosa, el Pater Noster para coro a capella . [108]
En 1925, Stravinsky pidió al escritor y artista francés Jean Cocteau que escribiera el libreto para una ambientación operística de la tragedia de Sófocles Edipo Rey en latín. [109] El estreno en mayo de 1927 de su ópera-oratorio Edipo Rey se realizó como un concierto ya que había muy poco tiempo y dinero para presentarla como una ópera completa, y Stravinsky atribuyó el fracaso crítico de la obra a su programación entre dos ballets relucientes. . [110] [111] Además, la influencia de la música vocal ortodoxa rusa y de compositores del siglo XVIII como Handel no fue bien recibida en la prensa después del estreno de mayo de 1927; El neoclasicismo no era popular entre los críticos parisinos y Stravinsky tuvo que afirmar públicamente que su música no formaba parte del movimiento. [112] [113] Esta recepción por parte de los críticos no mejoró con el siguiente ballet de Stravinsky, Apollon musagète , que representó el nacimiento y la apoteosis de Apolo utilizando un estilo musical de ballet de cour del siglo XVIII . George Balanchine coreografió el estreno, iniciando décadas de colaboraciones entre Stravinsky y el coreógrafo. [114] [115] Sin embargo, algunos críticos lo consideraron un punto de inflexión en la música neoclásica de Stravinsky, describiéndolo como una obra pura que combinaba ideas neoclásicas con métodos modernos de composición. [109]
Un nuevo encargo para un ballet a Ida Rubinstein en 1928 llevó a Stravinsky nuevamente a Tchaikovsky. Basando la música en ballets románticos como El lago de los cisnes y tomando prestados muchos temas de Tchaikovsky, Stravinsky escribió El beso del hada con el cuento de Hans Christian Andersen La doncella de hielo como tema. [109] [116] El estreno de noviembre de 1928 no fue bien recibido, probablemente debido a la desconexión entre cada una de las secciones del ballet y la coreografía mediocre, que Stravinsky desaprobó. [117] [118] La furia de Diaghilev con Stravinsky por aceptar un encargo de ballet de otra persona provocó una intensa disputa entre los dos, que duró hasta la muerte del empresario en agosto de 1929. [n] [120] La mayor parte de ese año lo pasó componiendo una nueva obra para piano solo, el Capriccio , y una gira por Europa para dirigir e interpretar piano; [109] [121] El éxito del Capriccio después del estreno en diciembre de 1929 provocó una avalancha de solicitudes de interpretación por parte de muchas orquestas. [122] Un encargo de la Orquesta Sinfónica de Boston en 1930 para una obra sinfónica llevó a Stravinsky de nuevo a los textos latinos, esta vez del libro de los Salmos . [123] Entre conciertos de gira, compuso la Sinfonía coral de los Salmos , una obra profundamente religiosa que se estrenó en diciembre de ese año. [124]
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Mientras estaba de gira por Alemania, Stravinsky visitó la casa de su editor y conoció al violinista Samuel Dushkin , quien lo convenció de componer el Concierto para violín con la ayuda de Dushkin en la parte solista. [109] [125] Impresionado por la capacidad virtuosa y la comprensión de la música de Dushkin , el compositor escribió más música para violín y piano y reorganizó parte de su música anterior para interpretarla junto con el Concierto durante su gira hasta 1933. [126] [127] Ese año, Stravinsky recibió otro encargo de ballet de Ida Rubenstein para la adaptación de un poema de André Gide . El melodrama resultante Perséphone sólo recibió tres representaciones en 1934 debido a su tibia recepción, y el desdén de Stravinsky hacia la obra fue evidente en su sugerencia posterior de reescribir el libreto. [109] [128] [129] En junio de ese año, Stravinsky se naturalizó como ciudadano francés, protegiendo todas sus obras futuras bajo derechos de autor en Francia y Estados Unidos. Posteriormente, su familia se mudó a un apartamento en la Rue du Faubourg Saint-Honoré en París, donde comenzó a escribir una autobiografía en dos volúmenes con la ayuda de Walter Nouvel , publicada en 1935 y 1936 como Chroniques de ma vie . [109] [130]
Tras la corta duración de Perséphone , Stravinsky se embarcó en una exitosa gira de tres meses por Estados Unidos con Dushkin; Visitó Sudamérica por primera vez al año siguiente. [131] [132] El hijo del compositor, Soulima, era un excelente pianista y había interpretado el Capriccio en concierto con su padre dirigiendo. Continuando con una línea de obras para piano solo, Stravinsky padre compuso el Concierto para dos pianos para que ambos lo interpretaran, y realizaron una gira con la obra hasta 1936. [133] Por esta época llegaron tres obras encargadas por Estados Unidos: [132] el ballet Jeu de cartes para Balanchine, [134] la obra tipo Concierto de Brandeburgo Dumbarton Oaks , [135] y la lamentable Sinfonía en do para el 50 aniversario de la Orquesta Sinfónica de Chicago . [136] [137] Los últimos años de Stravinsky en Francia, desde finales de 1938 hasta 1939, estuvieron marcados por la muerte de su hija mayor, su esposa y su madre, las dos primeras por tuberculosis. [129] [138] Además, las críticas cada vez más hostiles a su música en las principales publicaciones [o] y su fallida candidatura a un puesto en el Institut de France lo disoció aún más de Francia, [84] [140] [141] y poco después tras el inicio de la Segunda Guerra Mundial, en septiembre de 1939 se trasladó a los Estados Unidos. [132]
Al llegar a los Estados Unidos, Stravinsky residió con Edward W. Forbes , director de la serie de Conferencias Charles Eliot Norton en la Universidad de Harvard . El compositor fue contratado para impartir seis conferencias para la serie, que comenzaron en octubre de 1939 y finalizaron en abril de 1940. [142] [143] [144] Las conferencias, escritas con la ayuda de Pyotr Suvchinsky y Alexis Roland-Manuel , se publicaron en francés. bajo el título Poétique musicale ( Poética de la música ) en 1941, con una traducción al inglés en 1947. [145] [146] Entre conferencias, Stravinsky terminó la Sinfonía en Do y realizó una gira por todo el país, conociendo a De Bosset a su llegada a Nueva York. York. Stravinsky y de Bosset finalmente se casaron el 9 de marzo de 1940 en Bedford, Massachusetts . Después de completar su serie de conferencias, la pareja se mudó a Los Ángeles, donde solicitaron la naturalización estadounidense . [147]
El dinero se volvió escaso cuando la guerra impidió que el compositor recibiera regalías europeas, lo que le obligó a asumir numerosos compromisos como director y componer obras comerciales para la industria del entretenimiento, incluido el Scherzo à la russe para Paul Whiteman y las Scènes de ballet para una revista de Broadway . [148] [149] Parte de la música de cine descartada se convirtió en obras más grandes, como la Sinfonía en tres movimientos inspirada en la guerra , cuyo movimiento medio utilizó música de una partitura no utilizada para La canción de Bernadette (1943). [150] El pobre inglés de la pareja condujo a la formación de un círculo social y una vida hogareña predominantemente europeos: el personal de la finca estaba formado en su mayoría por rusos, y los invitados frecuentes incluían a los músicos Joseph Szigeti , Arthur Rubinstein y Sergei Rachmaninoff . [151] [148] Sin embargo, Stravinsky finalmente se unió a los círculos populares de Hollywood, asistiendo a fiestas con celebridades y conociendo de cerca a los autores europeos Aldous Huxley , WH Auden , Christopher Isherwood y Dylan Thomas . [152] [153]
En 1945, Stravinsky recibió la ciudadanía estadounidense y posteriormente firmó un contrato con la editorial británica Boosey & Hawkes , que acordó publicar todos sus trabajos futuros. Además, revisó muchas de sus obras más antiguas e hizo que Boosey & Hawkes publicara las nuevas ediciones para volver a tener derechos de autor sobre sus obras más antiguas. [148] [154] Alrededor del estreno en 1948 de otra colaboración de Balanchine, el ballet Orfeo , el compositor conoció al joven director Robert Craft en Nueva York; Craft había pedido a Stravinsky que explicara la revisión de las Sinfonías de instrumentos de viento para un próximo concierto. Los dos rápidamente se hicieron amigos y Stravinsky invitó a Craft a Los Ángeles; El joven director pronto se convirtió en asistente, colaborador y amanuense de Stravinsky hasta la muerte del compositor. [p] [148] [156]
A medida que Stravinsky se familiarizó con el inglés, desarrolló la idea de escribir una ópera en inglés basada en una serie de pinturas del artista del siglo XVIII William Hogarth titulada The Rake's Progress . [157] El compositor se unió a Auden para escribir el libreto en noviembre de 1947; Posteriormente se contrató al escritor estadounidense Chester Kallman para ayudar a Auden. [158] [159] Stravinsky terminó la ópera del mismo nombre en 1951 y, a pesar de sus amplias interpretaciones y éxito, [160] el compositor quedó consternado al descubrir que su música más nueva no cautivaba a los compositores jóvenes. [161] Craft había introducido a Stravinsky en la música por entregas de la Segunda Escuela de Viena poco después del estreno de The Rake's Progress , y el compositor de la ópera comenzó a estudiar y escuchar la música de Anton Webern y Arnold Schoenberg . [162] [163]
Durante la década de 1950, Stravinsky continuó realizando numerosas giras por todo el mundo, regresando ocasionalmente a Los Ángeles para componer. [164] En 1953, aceptó componer una nueva ópera con libreto de Dylan Thomas, pero el desarrollo del proyecto llegó a un final repentino tras la muerte de Thomas en noviembre de ese año. Stravinsky completó In Memoriam Dylan Thomas , su primera obra basada íntegramente en la técnica dodecafónica en serie , al año siguiente. [161] [165] La cantata Canticum Sacrum de 1956 se estrenó en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Venecia, lo que inspiró a Norddeutscher Rundfunk a encargar el escenario musical Threni en 1957. [166] Con el ballet Agon de Balanchine , Stravinsky fusionó temas neoclásicos con los doce -Técnica de tono, y Threni mostró su cambio completo hacia el uso de filas de tono . [161] En 1959, Craft entrevistó a Stravinsky para un artículo titulado Respuestas a 35 preguntas , en el que el compositor buscaba corregir los mitos que lo rodeaban y discutir sus relaciones con otros artistas. Posteriormente, el artículo se amplió a un libro y, durante los siguientes cuatro años, se publicaron tres libros más estilo entrevista. [q] [167]
Las continuas giras internacionales llevaron a Stravinsky a Washington, DC en enero de 1962, donde asistió a una cena en la Casa Blanca con el entonces presidente John F. Kennedy en honor del 80 cumpleaños del compositor. Aunque fue en gran medida un truco político antisoviético , Stravinsky recordó el evento con cariño y compuso la Elegía para JFK después del asesinato del presidente un año después . [168] [169] En septiembre de 1962, regresó a Rusia por primera vez desde 1914, aceptando una invitación de la Unión de Compositores Soviéticos para dirigir seis representaciones en Moscú y Leningrado . [170] Después del éxito de El pájaro de fuego y La consagración de la primavera en la década de 1910, la música de Stravinsky fue respetada y interpretada con frecuencia en la Unión Soviética, influyendo en jóvenes compositores soviéticos de la época como Dmitri Shostakovich . [171] Sin embargo, después de que Stalin comenzó a consolidar el poder a principios de la década de 1930, la música de Stravinsky casi desapareció y fue formalmente prohibida en 1948. [172] Un nuevo interés en sus obras nació durante el Deshielo de Khrushchev , en parte debido a la visita del compositor en 1962. [173] Durante su visita de tres semanas se reunió con el primer ministro soviético Nikita Khrushchev y varios compositores soviéticos destacados, incluidos Shostakovich y Aram Khachaturian . [170] [174] Stravinsky no regresó a Los Ángeles hasta diciembre de 1962 después de ocho meses de viajes casi continuos. [175]
Stravinsky revisó temas bíblicos para muchas de sus obras posteriores, en particular en la cantata de cámara de 1961 Un sermón, una narración y una oración , la producción musical televisiva de 1962 El diluvio , la cantata hebrea de 1963 Abraham e Isaac , y los Cánticos de réquiem de 1966 , el último de la cual fue su última gran composición. [s] [177] [178] Entre giras, el compositor trabajó incansablemente para idear nuevas filas de tonos, incluso trabajando en papel higiénico de los baños de los aviones. [179] La intensa agenda de giras comenzó a pasarle factura al anciano compositor; Enero de 1967 marcó su última sesión de grabación y su último concierto público se produjo en mayo siguiente.
Después de pasar el otoño de 1967 en el hospital debido a úlceras estomacales sangrantes y trombosis , Stravinsky volvió a realizar giras nacionales en 1968 (apareciendo sólo como miembro del público), pero dejó de componer debido al deterioro gradual de su salud física. [180] [181]
En sus últimos años, los Stravinsky y Craft se mudaron a Nueva York para estar más cerca de la atención médica, y el viaje del compositor se limitó a visitar a su familia en Europa. [182] Poco después de ser dados de alta del Hospital Lenox Hill después de contraer un edema pulmonar , los Stravinsky se mudaron a un nuevo apartamento en la Quinta Avenida , donde el compositor murió el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años. [183] [184] Un funeral Se llevó a cabo tres días después en la Capilla Funeraria Frank E. Campbell . [185] Después de un servicio en Santi Giovanni e Paolo con una interpretación de los Cánticos de Réquiem dirigida por Craft, Stravinsky fue enterrado en el cementerio de la isla de San Michele en Venecia, a varios metros de la tumba de Sergei Diaghilev. [177] [186]
Gran parte de la música de Stravinsky se caracteriza por articulaciones cortas y agudas con un mínimo de rubato o vibrato . [187] Sus trabajos de estudiante fueron principalmente asignaciones de su maestro Rimsky-Korsakov y fueron influenciados principalmente por compositores rusos. [188] Sus primeros tres ballets, El pájaro de fuego , Petrushka y La consagración de la primavera , marcaron el comienzo de su fama internacional y un alejamiento de los estilos del siglo XIX. [188] [189] La música de Stravinsky a menudo se divide en tres períodos de composición: [190] [191] su período ruso (1913-1920), donde estuvo muy influenciado por los artistas y el folclore rusos; [192] su período neoclásico (1920-1951), donde giró hacia técnicas y temas del período clásico ; [89] [193] y su período en serie (1954-1968), donde utilizó técnicas de composición altamente estructuradas de las que fueron pioneras los compositores de la Segunda Escuela de Viena . [165] [194]
Stravinsky pasó el tiempo antes de conocer a Diaghilev aprendiendo de Rimsky-Korsakov y sus colaboradores. [188] Sólo sobreviven tres obras anteriores a que Stravinsky conoció a Rimsky-Korsakov en agosto de 1902: " Tarantella " (1898), Scherzo en sol menor (1902) y La nube de tormenta , siendo las dos primeras obras para piano y la última para voz. y piano. [195] [196] El primer encargo de Stravinsky por parte de Rimsky-Korsakov fue la Sonata para piano de cuatro movimientos en fa sostenido menor , que también fue su primera obra interpretada en público. [197] [198] Rimsky-Korsakov a menudo le dio a Stravinsky la tarea de orquestar varias obras para permitirle analizar la forma y estructura de las obras. [199] Muchas de las primeras obras de Stravinsky también mostraron influencia de compositores franceses, especialmente en el uso mínimo de grandes duplicaciones y diferentes combinaciones de colores tonales. [200] Varias composiciones de estudiantes de Stravinsky se interpretaron en las reuniones de Rimsky-Korsakov en su casa; estos incluyen un conjunto de bagatelas , una "chanson comique" y una cantata , que muestran el uso de técnicas musicales clásicas que más tarde definirían el período neoclásico de Stravinsky. [199] El musicólogo Stephen Walsh describió esta época de la carrera musical de Stravinsky como "estéticamente estrecha" debido al "conservadurismo cínico" de Rimsky-Korsakov y su música. [201] Rimsky-Korsakov pensó que la Sinfonía en mi bemol (1907) estaba demasiado influenciada por el estilo de Glazunov y no le gustaba la influencia modernista de Fauno y la pastora (1907); [202] sin embargo, los críticos encontraron que las obras no se destacaban de la música de su maestro. [203]
Los compositores rusos solían utilizar una gran orquestación para presentar muchos timbres diferentes , y Stravinsky aprovechó esta idea en sus tres primeros ballets, sorprendiendo a menudo a los músicos e intérpretes debido a la gran fuerza de la orquesta en ciertos momentos. [67] El pájaro de fuego utilizó una estructura armónica que Stravinsky llamó "leit-harmony", un acrónimo de leitmotiv y armonía utilizado por Rimsky-Korsakov en su ópera El gallo de oro . [204] La "armonía leit" se utilizó para yuxtaponer al protagonista, el pájaro de fuego , y al antagonista, Koschei el Inmortal : el primero se asoció con frases de tonos completos y el segundo con la armonía octatónica . [205] Stravinsky escribió más tarde cómo compuso El pájaro de fuego en un estado de "rebelión contra Rimsky", y que "trató de superarlo con efectos de ponticello , col legno , flautando , glissando y fluttertongue ". [206]
Stravinsky definió su carácter musical en su segundo ballet Petrushka . [207] La influencia rusa se puede ver en el uso de varias melodías populares rusas, además de dos valses del compositor vienés Joseph Lanner y una melodía de music hall francesa. [t] Stravinsky también utilizó una melodía popular de la ópera La doncella de nieve de Rimsky-Korsakov , mostrando la continua reverencia del primero por su maestro. [208]
El tercer ballet de Stravinsky, La consagración de la primavera , casi causó revuelo en el estreno debido a su carácter vanguardista . [60] Había comenzado a experimentar con la politonalidad en El pájaro de fuego y Petrushka , pero para La consagración de la primavera , "lo llevó a su conclusión lógica", como lo describió Eric Walter White. [209] Además, la métrica compleja de la música consta de frases que combinan compases conflictivos y acentos extraños , como los "cortes irregulares" en la "Danza del sacrificio". [210] [209] Tanto la politonalidad como los ritmos inusuales se pueden escuchar en los acordes que abren el segundo episodio, "Augurs of Spring", que consiste en un 7 en mi bemol dominante superpuesto a una tríada en fa bemol mayor escrita en un ritmo desigual. Stravinsky cambia los acentos aparentemente al azar para crear asimetría. [211] [212] La Consagración de la Primavera es una de las obras más famosas e influyentes del siglo XX; el musicólogo Donald Jay Grout lo describió como "el efecto de una explosión que dispersó tanto los elementos del lenguaje musical que nunca más pudieron volver a juntarse como antes". [213]
El musicólogo Jeremy Noble dijo que las "investigaciones intensivas de Stravinsky sobre material folclórico ruso" tuvieron lugar durante su estancia en Suiza de 1914 a 1920. [192] Béla Bartók consideró que el período ruso de Stravinsky había comenzado en 1913 con La consagración de la primavera debido a su uso. de canciones, temas y técnicas populares rusas. [214] El uso de metros dobles o triples fue especialmente frecuente en la música de época rusa de Stravinsky; Si bien el pulso puede haber permanecido constante, el compás a menudo cambiaba para cambiar constantemente los acentos. [215]
Si bien Stravinsky no utilizó tantas melodías populares como en sus primeros tres ballets, a menudo utilizó poesía popular. [216] [217] El ballet-cantata Les noces se basó en textos de una colección de poesía popular rusa de Pyotr Kireevsky , [80] [218] y su ópera-ballet Renard se basó en un cuento popular recopilado por Alexander Afanasyev . [219] [220] Muchas de las obras del período ruso de Stravinsky presentaban personajes y temas de animales, probablemente debido a la inspiración de las canciones infantiles que leía con sus hijos. [221] Stravinsky también utilizó estilos teatrales únicos. Les noces combinó la puesta en escena de ballets con la pequeña instrumentación de las primeras cantatas, una producción única descrita en la partitura como "Escenas coreográficas rusas". [222] En Renard , las voces se colocaron en la orquesta, ya que estaban destinadas a acompañar la acción en el escenario. [221] L'Histoire du soldat fue compuesta en 1918 con el novelista suizo Charles F. Ramuz como una pequeña producción de teatro musical para bailarines, un narrador y un septeto . [223] Mezcló los cuentos populares rusos en la narrativa con estructuras musicales comunes de la época, como el tango , el vals , el trapo y el coral . [224] Incluso cuando su estilo cambió en años posteriores, Stravinsky mantuvo una conexión musical con sus raíces rusas. [79] [225]
El ballet Pulcinella fue encargado por Diaghilev en 1919 después de que propusiera la idea de un ballet basado en música de compositores italianos del siglo XVIII como Giovanni Battista Pergolesi ; Al imponer una obra basada en los sistemas armónicos y rítmicos de los compositores del Barroco tardío , Stravinsky marcó el inicio de su giro hacia la música del siglo XVIII. [86] [226] [227] Aunque el musicólogo Jeremy Noble consideró que el período neoclásico de Stravinsky había comenzado en 1920 con sus Sinfonías de instrumentos de viento , [89] Bartók argumentó que el período "realmente comienza con su Octeto para instrumentos de viento, seguido de su Concierto para piano ". [228] Durante este período, Stravinsky utilizó técnicas y temas del período clásico de la música . [228]
La mitología griega era un tema común en las obras neoclásicas de Stravinsky. Su primera obra basada en la mitología griega fue el ballet Apollon musagète (1927), eligiendo como sujetos al líder de las Musas y al dios del arte Apolo . [229] Stravinsky utilizaría temas de la mitología griega en obras futuras como Edipo Rey (1927), Perséfone (1935) y Orfeo (1947). [230] Richard Taruskin escribió que Edipo Rey era "el producto del estilo neoclásico de Stravinsky en su forma más extrema", y que las técnicas musicales "consideradas obsoletas" se yuxtaponían a ideas contemporáneas. [231] Además, Stravinsky se volvió hacia estructuras musicales más antiguas y las modernizó. [232] [233] Su Octeto (1923) utiliza la forma sonata , modernizándola al ignorar el orden estándar de los temas y las relaciones tonales tradicionales para las diferentes secciones. [232] El contrapunto barroco se utilizó en toda la Sinfonía coral de los Salmos (1930). [234] En el Concierto para ébano (1945), con influencia del jazz , Stravinsky fusionó la orquestación de big band con formas y armonías barrocas. [235]
El período neoclásico de Stravinsky terminó en 1951 con la ópera El progreso del libertino . [236] [237] Taruskin describió la ópera como "el centro y la esencia del 'neoclasicismo'". Señaló cómo la ópera contiene numerosas referencias a la mitología griega y otras óperas como Don Giovanni de Mozart y Carmen de Bizet , pero aún así "encarna la estructura distintiva de un cuento de hadas". Stravinsky se inspiró en las óperas de Mozart para componer la música, particularmente Così fan tutte , [u] pero otros estudiosos también señalan la influencia de Handel , Gluck , Beethoven , Schubert , Weber , Rossini , Donizetti y Verdi . [239] [240] El progreso del libertino se ha convertido en una obra importante en el repertorio de ópera , siendo "[más representada] que cualquier otra ópera escrita después de la muerte de Puccini ", según Taruskin. [241]
En la década de 1950, Stravinsky comenzó a utilizar técnicas de composición en serie, como la técnica dodecafónica ideada originalmente por Arnold Schoenberg . [242] Noble escribió que esta vez fue "el cambio más profundo en el vocabulario musical de Stravinsky", en parte debido al nuevo interés de Stravinsky en la música de la Segunda Escuela de Viena después de conocer a Robert Craft. [194] El tratamiento que dio el compositor a la técnica dodecafónica fue único: mientras que la técnica de Schoenberg era muy estricta y no permitía repeticiones de una fila de tonos hasta que estuviera completa, Stravinsky repetía notas libremente, incluso separando la fila en celdas y reordenando las notas. Además, el estilo de orquestación de su período en serie se volvió oscuro y con muchos graves, con los vientos y el piano utilizando con frecuencia sus registros más bajos. [161]
Stravinsky experimentó por primera vez con técnicas seriales no dodecafónicas en obras de pequeña escala como la Cantata (1952), el Septeto (1953) y Tres canciones de Shakespeare (1953). La primera de sus composiciones basada íntegramente en tales técnicas fue In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-1957) fue la primera de sus obras en incluir una serie de doce tonos, mientras que el segundo movimiento de Canticum Sacrum (1956) fue la primera pieza en contener un movimiento enteramente basado en una fila de tonos. [165] La estructura tonal única de Agon fue significativa para la música en serie de Stravinsky; comienza diatónico , avanza hacia el serialismo total de 12 tonos en el medio y regresa al diatonicismo al final. [243] Stravinsky volvió a temas sagrados en obras como Canticum Sacrum , Threni (1958), Un sermón, una narrativa y una oración (1961) y El diluvio (1962). Stravinsky utilizó varios conceptos de trabajos anteriores en sus piezas seriadas; por ejemplo, la voz de Dios siendo dos voces bajas en homofonía vista en The Flood fue utilizada anteriormente en Les noces . [243] La última obra a gran escala de Stravinsky, los Cánticos de Réquiem (1966), utilizó una compleja serie de filas tonales de cuatro partes, mostrando la evolución de la música serialista de Stravinsky. [243] [244] Noble describió los Cánticos de Réquiem como "una destilación tanto del texto litúrgico como de sus propios medios musicales para configurarlo, evolucionado y refinado a lo largo de una carrera de más de 60 años". [245]
La influencia de otros compositores en Stravinsky se puede observar a lo largo de este período. Estuvo fuertemente influenciado por Schoenberg, no sólo en su uso de la técnica dodecafónica, sino también en la instrumentación claramente "schoenbergiana" del Septeto y las similitudes entre la Klangfarbenmelodie de Schoenberg y las Variaciones de Stravinsky . [194] [243] Stravinsky también utilizó una serie de temas que se encuentran en obras de Benjamin Britten , [243] comentando más tarde sobre los "muchos títulos y temas [que ya he compartido] con el Sr. Britten". [246] Además, estaba muy familiarizado con las obras de Anton Webern , siendo una de las figuras que inspiraron a Stravinsky a considerar el serialismo como una posible forma de composición. [247]
Stravinsky trabajó con algunos de los artistas más famosos de su tiempo, a muchos de los cuales conoció tras alcanzar el éxito internacional con El pájaro de fuego . [55] [189] Diaghilev fue una de las influencias artísticas más destacadas del compositor, ya que lo introdujo en la composición para teatro y le dio fama internacional con sus tres primeros ballets. [248] A través de los Ballets Rusos y Diaghilev, Stravinsky trabajó con figuras como Vaslav Nijinsky , Léonide Massine , [189] Alexandre Benois , [189] Michel Fokine y Léon Bakst . [43]
El interés del compositor por el arte lo impulsó a desarrollar una fuerte relación con Picasso, a quien conoció en 1917. [249] En los años siguientes, los dos entablaron un diálogo artístico en el que intercambiaron obras de arte de pequeña escala entre sí como un signo de intimidad, que incluía el famoso retrato de Stravinsky de Picasso, [250] y un breve esbozo de música para clarinete de Stravinsky. [251] Este intercambio fue esencial para establecer cómo los artistas abordarían su espacio colaborativo en Ragtime y Pulcinella . [252] [253]
Stravinsky mostró un gusto por la literatura amplio y reflejaba su constante deseo de nuevos descubrimientos. [254] Los textos y fuentes literarias de su obra comenzaron con el interés por el folclore ruso . [192] [255] Después de mudarse a Suiza en 1914, Stravinsky comenzó a recopilar historias populares de numerosas colecciones, que luego se utilizaron en obras como Les noces , Renard , Pribaoutki y varias canciones. [80] Muchas de las obras de Stravinsky, incluidas El pájaro de fuego , Renard y L'Histoire du soldat, se inspiraron en la famosa colección de Cuentos populares rusos de Alexander Afanasyev . [219] [256] [257] Las colecciones de música folclórica influyeron en la música de Stravinsky; Se encontraron numerosas melodías de La consagración de la primavera en una antología de canciones populares lituanas. [258]
El interés por la liturgia latina comenzó poco después de que Stravinsky se reincorporara a la iglesia en 1926, comenzando con la composición de su primera obra religiosa en 1926, Pater Noster , escrita en antiguo eslavo eclesiástico . [259] [260] Más tarde utilizó tres salmos de la Vulgata Latina en su Sinfonía de Salmos para orquesta y coro mixto. [261] [262] Muchas obras de los períodos neoclásico y serial del compositor utilizaron (o se basaron en) textos litúrgicos. [260] [263]
Stravinsky trabajó con muchos autores a lo largo de su carrera. Trabajó por primera vez con el novelista suizo Charles F. Ramuz en L'Histoire du soldat en 1918, con quien formó la idea y escribió el texto. [223] En 1933, Ida Rubinstein encargó a Stravinsky que le pusiera música a un poema de André Gide , que más tarde se convertiría en el melodrama Perséphone . [264] La colaboración Stravinsky-Gide fue aparentemente tensa: a Gide no le gustó que la música no siguiera la prosodia de su poema y no asistiera a los ensayos, y Stravinsky ignoró muchas de las ideas de Gide. [265] Gide abandonó más tarde el proyecto y no asistió al estreno. [266] La historia de El progreso del libertino fue concebida por primera vez por Stravinsky y WH Auden , este último escribió el libreto con Chester Kallman . [267] [268] Stravinsky también se hizo amigo de muchos otros autores, incluidos TS Eliot, [254] Aldous Huxley, Christopher Isherwood y Dylan Thomas , [153] el último de los cuales Stravinsky comenzó a trabajar en una ópera en 1953, pero dejó de hacerlo debido hasta la muerte de Tomás. [269]
Stravinsky es ampliamente considerado como uno de los más grandes compositores del siglo XX. [193] [270] En 1998, la revista Time lo incluyó como una de las 100 personas más influyentes del siglo. [271] Stravinsky no sólo fue reconocido por su composición; también alcanzó fama como pianista y director de orquesta. Philip Glass escribió en Time : "Dirigió con una energía y una viveza que transmitía completamente cada una de sus intenciones musicales. Aquí estaba Stravinsky, un revolucionario musical cuya propia evolución nunca se detuvo. No hay un solo compositor que haya vivido durante su época o que esté vivo hoy en día, que "No fue tocado, y a veces transformado, por su trabajo." [270] Stravinsky también era conocido por su precisa orquestación : el crítico Alexis Roland-Manuel escribió que Stravinsky y el compositor francés Maurice Ravel eran los "[dos hombres] del mundo que mejor conocen el peso de una nota de trombón, los armónicos". de un 'violonchelo o un tam-tam de pp en las relaciones de un grupo orquestal con otro". [272]
Stravinsky se destacó por su uso distintivo del ritmo, especialmente en La consagración de la primavera . [273] El ritmo en The Rite se extendía a lo largo de los compases y carecía de ritmos distintos, lo que abrió la puerta para que futuros compositores hicieran el ritmo más fluido en metros. [274] [275] Sin embargo, muchos vieron su período neoclásico posterior como un regreso al pasado mientras otros compositores intentaban hacer avanzar la música moderna. [276] Su posterior giro hacia el serialismo lo alejó aún más del público, y los académicos vieron este cambio estilístico como no lo suficientemente innovador, ya que creían que la muerte de Schoenberg también marcó el final de la música dodecafónica. Stephen Walsh relacionó la naturaleza cambiante de la música de Stravinsky con la naturaleza del compositor: como exiliado de su Rusia natal, Stravinsky se adaptó a su entorno y absorbió la música de quienes lo rodeaban. [277] Martha Hyde afirmó que un análisis más reciente "juzgó el estilo neoclásico de Stravinsky como el presagio del posmodernismo musical". [278] Después de su muerte, la importancia de Stravinsky en la música modernista se hizo evidente: [279] aunque muchos estilos modernos rápidamente pasaron de moda (como la música dodecafónica), la música de Stravinsky se destacó como un cuerpo de ingenio único, según Walsh. [v] [281] [282]
Stravinsky influyó en muchos compositores y músicos. [283] Su música continúa ofreciendo inspiración y un método único a los compositores jóvenes. [277] Las innovaciones rítmicas en La consagración de la primavera llevaron el ritmo a la vanguardia de la música moderna en lugar de la tonalidad, estableciendo un nuevo estándar en el movimiento modernista en el que futuros compositores como Varèse y Ligeti se inspiraron para innovar. [284] [285] El ritmo y la vitalidad de Stravinsky influyeron mucho en Aaron Copland y Pierre Boulez , y la combinación de folclore y modernismo que se encuentra en muchas de las obras de Stravinsky también influyó en Béla Bartók . [286] [287] [288] Las obras menos populares de Stravinsky también fueron muy influyentes: la forma desconectada de las Sinfonías de instrumentos de viento se puede ver de manera similar en obras posteriores de maestros de vanguardia como Messiaen , Tippett , Andriessen y Xenakis . [289] Stravinsky también influyó en compositores como Elliott Carter , Harrison Birtwistle y John Tavener . [283] Además de Craft, sus estudiantes incluyen a Robert Strassburg , Armando José Fernandes , Mordecai Seter y Warren Zevon . [290] [291]
La necesidad de dinero de Stravinsky durante las Guerras Mundiales lo llevó a firmar muchos contratos con compañías discográficas para dirigir su música. [292] Su exposición temprana a la tecnología del pianola guió su opinión de que los discos eran muy inferiores a la interpretación en vivo, pero actuaron como documentación histórica de cómo se debían interpretar sus obras. [293] [294] Como resultado, Stravinsky dejó un archivo masivo de grabaciones de su propia música, rara vez grabando música de otros compositores. [295] [296] Aunque la mayoría de sus grabaciones fueron realizadas con músicos de estudio, también trabajó con la Orquesta Sinfónica de Chicago , la Orquesta de Cleveland , la Orquesta Sinfónica de CBC , la Filarmónica de Nueva York , la Orquesta Filarmónica Real y la Sinfónica de la Radio de Baviera. Orquesta . [297] Stravinsky recibió cinco premios Grammy y un total de once nominaciones por sus grabaciones, y tres de sus álbumes fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Grammy . [298] [299] Recibió póstumamente el premio Grammy Lifetime Achievement Award en 1987. [300]
Durante su vida, Stravinsky apareció en varias transmisiones de televisión y documentales. [301] El primero, Una conversación con Igor Stravinsky , fue estrenado en 1957 por NBC y producido por Robert Graff, quien más tarde encargó y produjo The Flood . El formato similar a una entrevista influyó más tarde en los distintos volúmenes que Craft escribió con Stravinsky. [302] El documental Stravinsky del National Film Board of Canada de 1965 , dirigido por Roman Kroitor y Wolf Koenig , siguió a Stravinsky dirigiendo la Orquesta Sinfónica de la CBC en una grabación de la Sinfonía de los Salmos , con entrevistas anecdóticas intercaladas a lo largo. [303] El documental de la CBS de 1966 Retrato de Stravinsky llevó al compositor de regreso al Théâtre des Champs-Élysées (donde se estrenó La consagración de la primavera ) y a su antigua casa en Clarens, Suiza. [304] Otros documentales capturaron el proceso de colaboración entre Balanchine y Stravinsky. [305]
Stravinsky publicó varios libros a lo largo de su carrera. En su autobiografía de 1936, Crónica de mi vida , escrita con la ayuda de Walter Nouvel , Stravinsky incluyó su conocida afirmación de que "la música es, por su propia naturaleza, esencialmente incapaz de expresar nada en absoluto". [306] Con Alexis Roland-Manuel y Pierre Souvtchinsky , escribió sus Conferencias Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard de 1939-40, que fueron pronunciadas en francés y recopiladas por primera vez bajo el título Poétique musicale en 1942 y luego traducidas en 1947 como Poética de la música . [w] En 1959, se publicaron varias entrevistas entre el compositor y Craft como Conversaciones con Igor Stravinsky . Durante la década siguiente se publicaron cinco volúmenes más de formato similar. [307]
Los libros y artículos se enumeran en el Apéndice E de Stravinsky: The Composer and His Works de Eric Walter White , [308] referencias en Stravinsky: His Thoughts and Music de Alicja Jarzębska , [309] y el perfil de Stravinsky de Stephen Walsh en Oxford Music Online . [310]
