La música clásica del siglo XX es música de arte que se escribió entre los años 1901 y 2000, inclusive. El estilo musical divergió durante el siglo XX como nunca antes lo había hecho, por lo que este siglo no tuvo un estilo dominante. El modernismo , el impresionismo y el posromanticismo se pueden rastrear hasta las décadas anteriores al cambio de siglo XX, pero se pueden incluir porque evolucionaron más allá de los límites musicales de los estilos del siglo XIX que formaban parte del período de práctica común anterior . El neoclasicismo y el expresionismo llegaron principalmente después de 1900. El minimalismo comenzó mucho más tarde en el siglo y puede verse como un cambio de la era moderna a la posmoderna, aunque algunos fechan el posmodernismo ya en 1930 aproximadamente. La aleatoria , la atonalidad , el serialismo , la música concreta y la música electrónica se desarrollaron durante el siglo. El jazz y la música folclórica étnica se convirtieron en influencias importantes para muchos compositores durante este siglo.
A finales del siglo XIX, la música se caracterizaba por su estilo romántico tardío . Compositores como Gustav Mahler , Richard Strauss y Jean Sibelius estaban ampliando los límites de la escritura sinfónica posromántica . Al mismo tiempo, se estaba desarrollando en Francia el movimiento impresionista , encabezado por Claude Debussy . De hecho, Debussy detestaba el término impresionismo: "Intento hacer 'algo diferente', en cierto modo realidades; lo que los imbéciles llaman 'impresionismo' es un término que se utiliza lo peor posible, en particular por los críticos de arte". [1] La música de Maurice Ravel , también etiquetada a menudo como impresionista, explora la música en muchos estilos no siempre relacionados con ella (véase la discusión sobre el neoclasicismo, más abajo).
Muchos compositores reaccionaron a los estilos posromántico e impresionista y se movieron en direcciones muy diferentes. El momento más importante en la definición del curso de la música a lo largo del siglo fue la ruptura generalizada con la tonalidad tradicional, realizada de diversas maneras por diferentes compositores en la primera década del siglo. [2] De esto surgió una "pluralidad lingüística" sin precedentes de estilos, técnicas y expresión. [3] En Viena , Arnold Schoenberg desarrolló la atonalidad , a partir del expresionismo que surgió a principios del siglo XX. Más tarde desarrolló la técnica dodecafónica que fue desarrollada aún más por sus discípulos Alban Berg y Anton Webern ; compositores posteriores (incluido Pierre Boulez ) la desarrollaron aún más. [4] Stravinsky (en sus últimas obras) también exploró la técnica dodecafónica, al igual que muchos otros compositores; de hecho, incluso Scott Bradley utilizó la técnica en sus partituras para los dibujos animados de Tom y Jerry . [5]
Después de la Primera Guerra Mundial, muchos compositores comenzaron a regresar al pasado en busca de inspiración y escribieron obras que extraían elementos (forma, armonía, melodía, estructura) de él. Este tipo de música pasó a denominarse neoclasicismo . Igor Stravinsky ( Pulcinella ), Sergei Prokofiev ( Sinfonía clásica ), Ravel ( Le Tombeau de Couperin ), Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro ) y Paul Hindemith ( Sinfonía: Mathis der Maler ) produjeron obras neoclásicas.
Compositores italianos como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo desarrollaron el futurismo musical . Este estilo a menudo intentó recrear sonidos cotidianos y colocarlos en un contexto "futurista". La "música de máquina" de George Antheil (comenzando con su Segunda sonata, "El avión") y Alexander Mosolov (más notoriamente su Fundición de hierro ) se desarrolló a partir de esto. El proceso de ampliar el vocabulario musical explorando todos los tonos disponibles fue impulsado aún más por el uso de microtonos en obras de Charles Ives , Julián Carrillo , Alois Hába , John Foulds , Ivan Wyschnegradsky , Harry Partch y Mildred Couper, entre muchos otros. Los microtonos son aquellos intervalos que son más pequeños que un semitono ; las voces humanas y las cuerdas sin trastes pueden producirlos fácilmente al ir entre las notas "normales", pero otros instrumentos tendrán más dificultades: el piano y el órgano no tienen forma de producirlos en absoluto, aparte de la resintonización y/o una reconstrucción importante.
En los años 1940 y 1950, los compositores, en particular Pierre Schaeffer , comenzaron a explorar la aplicación de la tecnología a la música en la música concreta . [6] El término música electroacústica se acuñó más tarde para incluir todas las formas de música que involucran cintas magnéticas , computadoras , sintetizadores , multimedia y otros dispositivos y técnicas electrónicos. La música electrónica en vivo utiliza sonidos electrónicos en vivo dentro de una interpretación (a diferencia de los sonidos preprocesados que se sobregraban durante una interpretación), siendo Cartridge Music de John Cage un ejemplo temprano. La música espectral ( Gérard Grisey y Tristan Murail ) es un desarrollo posterior de la música electroacústica que utiliza análisis de espectros de sonido para crear música. [7] Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt , Luigi Nono y Edgard Varèse escribieron música electroacústica.
Desde principios de los años 50, Cage introdujo elementos de azar en su música. La música de proceso ( Karlheinz Stockhausen Prozession , Aus den sieben Tagen ; y Steve Reich Piano Phase , Clapping Music ) explora un proceso particular que se pone esencialmente al descubierto en la obra. [ vago ] El término música experimental fue acuñado por Cage para describir obras que producen resultados impredecibles, [8] según la definición "una acción experimental es aquella cuyo resultado no se prevé". [9] El término también se utiliza para describir la música dentro de géneros específicos que empuja contra sus límites o definiciones, o bien cuyo enfoque es un híbrido de estilos dispares, o incorpora ingredientes novedosos, poco ortodoxos y claramente únicos.
Las tendencias culturales importantes a menudo informaron la música de este período, romántica, modernista, neoclásica, posmodernista o de otro tipo. Ígor Stravinski y Serguéi Prokófiev se sintieron particularmente atraídos por el primitivismo en sus primeras carreras, como se exploró en obras como La consagración de la primavera y Chout . Otros rusos, en particular Dmitri Shostakovich , reflejaron el impacto social del comunismo y posteriormente tuvieron que trabajar dentro de las restricciones del realismo socialista en su música. [10] [ página necesaria ] Otros compositores, como Benjamin Britten ( War Requiem ), exploraron temas políticos en sus obras, aunque completamente por su propia voluntad. [11] El nacionalismo también fue un medio de expresión importante en la primera parte del siglo. La cultura de los Estados Unidos de América, especialmente, comenzó a informar un estilo vernáculo estadounidense de música clásica, en particular en las obras de Charles Ives , John Alden Carpenter y (más tarde) George Gershwin . La música folclórica ( Cinco variantes de Dives y Lázaro de Vaughan Williams , A Somerset Rhapsody de Gustav Holst ) y el jazz (Gershwin, Leonard Bernstein , La creación del mundo de Darius Milhaud ) también fueron influyentes.
En el último cuarto del siglo, el eclecticismo y el poliestilismo cobraron importancia. Estos, así como el minimalismo , la Nueva Complejidad y la Nueva Simplicidad , se exploran con más profundidad en sus respectivos artículos.
A finales del siglo XIX (a menudo llamado Fin de Siècle ), el estilo romántico comenzó a desintegrarse y a seguir varios caminos paralelos, como el impresionismo y el posromanticismo . En el siglo XX, los diferentes estilos que surgieron de la música del siglo anterior influyeron en los compositores para que siguieran nuevas tendencias, a veces como reacción a esa música, a veces como una extensión de ella, y ambas tendencias coexistieron hasta bien entrado el siglo XX. [ cita requerida ] Las tendencias anteriores, como el expresionismo , se analizan más adelante.
A principios del siglo XX, muchos compositores escribieron música que era una extensión de la música romántica del siglo XIX, y las agrupaciones instrumentales tradicionales, como la orquesta y el cuarteto de cuerdas, siguieron siendo las más típicas. Las formas tradicionales, como la sinfonía y el concierto, siguieron utilizándose. Gustav Mahler y Jean Sibelius son ejemplos de compositores que tomaron las formas sinfónicas tradicionales y las reelaboraron. (Véase Música romántica .) Algunos autores sostienen que la obra de Schoenberg se inscribe directamente en la tradición tardorromántica de Wagner y Brahms [12] y, de forma más general, que "el compositor que conecta de forma más directa y completa al Wagner tardío con el siglo XX es Arnold Schoenberg". [13]
El neoclasicismo fue un estilo cultivado entre las dos guerras mundiales, que buscaba revivir las formas equilibradas y los procesos temáticos claramente perceptibles de los siglos XVII y XVIII, en un repudio de lo que se consideraban gestos exagerados y falta de forma del Romanticismo tardío. Debido a que estos compositores generalmente reemplazaron la tonalidad funcional de sus modelos con tonalidad extendida, modalidad o atonalidad, el término a menudo se toma para implicar parodia o distorsión del estilo barroco o clásico. [ 14] Los ejemplos famosos incluyen la Sinfonía clásica de Prokofiev y Pulcinella , Sinfonía de los Salmos y Concierto en mi bemol "Dumbarton Oaks" de Stravinsky . Paul Hindemith ( Sinfonía: Mathis der Maler ), Darius Milhaud , Francis Poulenc ( Concert champêtre ) y Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro , Concierto para clave ) también utilizaron este estilo. El cuadro Le Tombeau de Couperin de Maurice Ravel se considera a menudo [ palabras equívocas ] como neobarroco (un término arquitectónico), aunque no siempre se hace la distinción entre los términos.
Varios compositores combinaron elementos del estilo del jazz con estilos compositivos clásicos, en particular:
El impresionismo surgió en Francia como una reacción, liderada por Claude Debussy , contra la exuberancia emocional y los temas épicos del Romanticismo alemán ejemplificado por Wagner . En la visión de Debussy, el arte era una experiencia sensorial, más que intelectual o ética. Instó a sus compatriotas a redescubrir a los maestros franceses del siglo XVIII, para quienes la música estaba destinada a encantar, entretener y servir como una "fantasía de los sentidos". [15]
Otros compositores asociados con el impresionismo incluyen a Maurice Ravel , Albert Roussel , Isaac Albéniz , Paul Dukas , Manuel de Falla , Charles Martin Loeffler , Charles Griffes , Frederick Delius , Ottorino Respighi , Cyril Scott y Karol Szymanowski . [16] Muchos compositores franceses continuaron el lenguaje del impresionismo a lo largo de la década de 1920 y más tarde, incluidos Albert Roussel , Charles Koechlin , André Caplet y, más tarde, Olivier Messiaen . Compositores de culturas no occidentales, como Tōru Takemitsu , y músicos de jazz como Duke Ellington , Gil Evans , Art Tatum y Cecil Taylor también han sido fuertemente influenciados por el lenguaje musical impresionista. [17]
En sus inicios, el futurismo fue un movimiento artístico italiano fundado en 1909 por Filippo Tommaso Marinetti ; fue rápidamente adoptado por la vanguardia rusa. En 1913, el pintor Luigi Russolo publicó un manifiesto, L'arte dei rumori (El arte de los ruidos), en el que pedía la incorporación de ruidos de todo tipo a la música. [18] Además de Russolo, entre los compositores directamente asociados con este movimiento se encuentran los italianos Silvio Mix, Nuccio Fiorda, Franco Casavola y Pannigi (cuyo Ballo meccanico de 1922 incluía dos motocicletas), y los rusos Artur Lourié, Mikhail Matyushin y Nikolai Roslavets .
Aunque pocas de las obras futuristas de estos compositores se interpretan hoy en día, la influencia del futurismo en el desarrollo posterior de la música del siglo XX fue enorme. Sergei Prokofiev , Maurice Ravel , Ígor Stravinsky , Arthur Honegger , George Antheil , Leo Ornstein y Edgard Varèse se encuentran entre los compositores notables de la primera mitad del siglo que fueron influenciados por el futurismo. Los rasgos característicos de la música de finales del siglo XX con orígenes en el futurismo incluyen el piano preparado , el serialismo integral , las técnicas vocales extendidas, la notación gráfica, la improvisación y el minimalismo . [19]
A principios del siglo XX, Charles Ives integró las tradiciones americanas y europeas, así como los estilos vernáculos y eclesiásticos, al tiempo que utilizaba técnicas innovadoras en su ritmo, armonía y forma. [20] Su técnica incluía el uso de politonalidad , polirritmia , grupos de tonos , elementos aleatorios y cuartos de tono . Edgard Varèse escribió piezas altamente disonantes que utilizaban sonoridades inusuales y nombres futuristas que sonaban científicos. Fue pionero en el uso de nuevos instrumentos y recursos electrónicos (ver más abajo).
A finales de la década de 1920, aunque muchos compositores seguían escribiendo en un estilo vagamente expresionista, este estaba siendo reemplazado por el estilo más impersonal de la Neue Sachlichkeit alemana y el neoclasicismo . Debido a que el expresionismo, como cualquier movimiento que había sido estigmatizado por los nazis, ganó una reconsideración comprensiva después de la Segunda Guerra Mundial, la música expresionista resurgió en obras de compositores como Hans Werner Henze , Pierre Boulez , Peter Maxwell Davies , Wolfgang Rihm y Bernd Alois Zimmermann . [21]
El posmodernismo es una reacción al modernismo, pero también puede verse como una respuesta a un cambio profundo en la actitud social. Según esta última perspectiva, el posmodernismo comenzó cuando el optimismo histórico (en contraposición al personal) se convirtió en pesimismo, a más tardar en 1930. [22]
John Cage es una figura prominente en la música del siglo XX, reivindicada con cierta justicia tanto por el modernismo como por el posmodernismo porque las complejas intersecciones entre el modernismo y el posmodernismo no se pueden reducir a simples esquemas. [23] Su influencia creció de manera constante durante su vida. A menudo utiliza elementos del azar: Imaginary Landscape No. 4 para 12 receptores de radio y Music of Changes para piano. Sonatas and Interludes (1946-48) está compuesta para un piano preparado : un piano normal cuyo timbre se altera dramáticamente al colocar cuidadosamente varios objetos dentro del piano en contacto con las cuerdas. Actualmente, el posmodernismo incluye a compositores que reaccionan contra los estilos vanguardistas y experimentales de finales del siglo XX, como Astor Piazzolla , Argentina, y Miguel del Águila , EE. UU.
A finales del siglo XX, compositores como La Monte Young , Arvo Pärt , Philip Glass , Terry Riley , Steve Reich y John Adams comenzaron a explorar lo que ahora se denomina minimalismo , en el que la obra se reduce a sus características más fundamentales; la música a menudo presenta repetición e iteración. Un ejemplo temprano es In C (1964) de Terry Riley, una obra aleatoria en la que los músicos eligen frases cortas de una lista de canciones y las tocan un número arbitrario de veces, mientras que la nota C se repite en corcheas (corcheas) detrás de ellas.
Las obras Piano Phase (1967, para dos pianos) y Drumming (1970-71, para percusión, voces femeninas y flautín) de Steve Reich emplean la técnica llamada phasing, en la que una frase tocada por un intérprete manteniendo un ritmo constante es tocada simultáneamente por otro, pero a un ritmo ligeramente más rápido. Esto hace que los intérpretes se "desfasen" entre sí y la interpretación puede continuar hasta que vuelvan a estar en fase. Según Reich, " la batería es la expansión y el refinamiento final del proceso de phasing, así como el primer uso de cuatro nuevas técnicas: (1) el proceso de sustituir gradualmente los tiempos por silencios (o los silencios por tiempos); (2) el cambio gradual del timbre mientras el ritmo y el tono permanecen constantes; (3) la combinación simultánea de instrumentos de diferente timbre; y (4) el uso de la voz humana para convertirse en parte del conjunto musical imitando el sonido exacto de los instrumentos". [24] La batería fue el uso final de Reich de la técnica de phasing.
1 + 1 (1968) de Philip Glass emplea el proceso aditivo en el que frases cortas se expanden lentamente. Compositions (Composiciones) de La Monte Young (1960) emplea tonos muy largos, volúmenes excepcionalmente altos y técnicas extramusicales como "dibujar una línea recta y seguirla" o "hacer fuego". Michael Nyman sostiene que el minimalismo fue una reacción al serialismo y al indeterminismo y que fue posible gracias a ellos. [25] (Véase también música experimental .)
Arnold Schoenberg es una de las figuras más significativas de la música del siglo XX. Si bien sus primeras obras fueron de estilo romántico tardío influenciado por Wagner ( Verklärte Nacht , 1899), este evolucionó hacia un idioma atonal en los años previos a la Primera Guerra Mundial ( Drei Klavierstücke en 1909 y Pierrot lunaire en 1912). En 1921, después de varios años de investigación, desarrolló la técnica de composición dodecafónica , que describió por primera vez en privado a sus asociados en 1923. [26] Su primera obra a gran escala compuesta íntegramente con esta técnica fue el Quinteto de viento , Op. 26, escrito en 1923-24. Ejemplos posteriores incluyen las Variaciones para orquesta , Op. 31 (1926-28), el Tercer y Cuarto Cuarteto de Cuerdas (1927 y 1936, respectivamente), el Concierto para Violín (1936) y el Concierto para Piano (1942). En años posteriores, volvió intermitentemente a un estilo más tonal ( Sinfonía de cámara n.º 2 , comenzada en 1906 pero completada recién en 1939; Variaciones sobre un recitativo para órgano en 1941).
Fue profesor de Anton Webern y Alban Berg , y estos tres compositores suelen ser considerados los miembros principales de la Segunda Escuela de Viena (Haydn, Mozart y Beethoven, y a veces Schubert, considerados la Primera Escuela de Viena en este contexto). Webern escribió obras utilizando un riguroso método dodecafónico e influyó en el desarrollo del serialismo total . Berg, como Schoenberg, empleó la técnica dodecafónica dentro de un estilo tardorromántico o posromántico ( Concierto para violín , que cita un coral de Bach y utiliza la forma clásica). Escribió dos óperas importantes ( Wozzeck y Lulu ).
El desarrollo de la tecnología de grabación hizo que todos los sonidos estuvieran disponibles para su uso potencial como material musical. La música electrónica generalmente se refiere a un repertorio de música artística desarrollada en la década de 1950 en Europa, Japón y las Américas. La creciente disponibilidad de cinta magnética en esta década proporcionó a los compositores un medio que permitió grabar sonidos y luego manipularlos de varias maneras. Toda la música electrónica depende de la transmisión a través de altavoces, pero hay dos tipos generales: la música acusmática , que existe solo en forma grabada destinada a escucharse a través de altavoces, y la música electrónica en vivo, en la que se utilizan aparatos electrónicos para generar, transformar o activar sonidos durante la interpretación de los músicos utilizando voces, instrumentos tradicionales, instrumentos electroacústicos u otros dispositivos. A partir de 1957, las computadoras cobraron cada vez más importancia en este campo. [27] Cuando el material de origen eran sonidos acústicos del mundo cotidiano, se utilizaba el término música concreta ; cuando los sonidos eran producidos por generadores electrónicos, se denominaba música electrónica .
Después de la década de 1950, el término "música electrónica" pasó a utilizarse para ambos tipos. A veces, esta música electrónica se combinaba con instrumentos más convencionales; por ejemplo, Déserts (1954) de Edgard Varèse , Hymnen (1969) de Stockhausen, Wo bist du Licht! (1981) de Claude Vivier y la serie Synchronisms (1963-2006) de Mario Davidovsky .
Algunos compositores destacados del siglo XX no están asociados a ninguna escuela de composición ampliamente reconocida . La lista que figura a continuación incluye algunos de ellos, así como compositores clasificables notables que no se mencionaron anteriormente en este artículo:
Citas
Fuentes
