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arte ingles

El folio 27r de los Evangelios de Lindisfarne del siglo VIII contiene el incipit del Evangelio de Mateo .

El arte inglés es el conjunto de artes visuales realizadas en Inglaterra . Inglaterra tiene el arte rupestre de la edad de hielo más antiguo y septentrional de Europa . [1] El arte prehistórico en Inglaterra se corresponde en gran medida con el arte realizado en otras partes de la Gran Bretaña contemporánea , pero el arte anglosajón medieval temprano vio el desarrollo de un estilo claramente inglés, [2] y el arte inglés continuó teniendo un carácter distintivo a partir de entonces. El arte inglés realizado después de la formación en 1707 del Reino de Gran Bretaña puede considerarse en la mayoría de los aspectos simultáneamente como arte del Reino Unido .

La pintura medieval inglesa, principalmente religiosa, tenía una fuerte tradición nacional y fue influyente en Europa. [3] La Reforma inglesa , que era antipática hacia el arte, no sólo detuvo abruptamente esta tradición sino que resultó en la destrucción de casi todas las pinturas murales. [4] [5] Sólo los manuscritos iluminados sobreviven ahora en buenas cantidades. [6]

En el arte del Renacimiento inglés existe un fuerte interés por el retrato , y el retrato en miniatura fue más popular en Inglaterra que en cualquier otro lugar. [7] La ​​escultura del Renacimiento inglés fue principalmente arquitectónica y para tumbas monumentales . [8] El interés por la pintura de paisajes inglesa había comenzado a desarrollarse en la época del Acta de Unión de 1707 . [9]

Definiciones sustantivas del arte inglés han sido intentadas, entre otros, por el estudioso del arte Nikolaus Pevsner (en su libro de 1956 The Englishness of English Art ), [10] el historiador del arte Roy Strong (en su libro de 2000 The Spirit of Britain: A narrativa story of las artes ) [11] y el crítico Peter Ackroyd (en su libro Albion de 2002 ). [12]

Arte más temprano

El arte inglés más antiguo, también el arte rupestre más antiguo y más septentrional de Europa , se encuentra en Creswell Crags en Derbyshire y tiene una antigüedad estimada de entre 13.000 y 15.000 años. [13] En 2003, se encontraron allí más de 80 grabados y bajorrelieves que representan ciervos, bisontes, caballos y lo que pueden ser pájaros o personas con cabeza de pájaro . El famoso y gran paisaje ritual de Stonehenge data del Neolítico ; alrededor del 2600 a.C. [14] Alrededor del año 2150 a. C., el pueblo Beaker aprendió a fabricar bronce y utilizó tanto estaño como oro . Se volvieron expertos en el refinado de metales y sus obras de arte, colocadas en tumbas o fosas de sacrificio, han sobrevivido. [15] En la Edad del Hierro , llegó un nuevo estilo artístico como cultura celta y se extendió por las islas británicas. Aunque la orfebrería, especialmente los adornos de oro, seguía siendo importante, también se utilizaba piedra y probablemente madera. [16] Este estilo continuó en el período romano , comenzando en el siglo I a. C., y encontró un renacimiento en el período medieval . La llegada de los romanos trajo el estilo clásico del que se conservan numerosos monumentos, especialmente monumentos funerarios , estatuas y bustos. También trajeron cristalería y mosaicos . [17] En el siglo IV, se introdujo un nuevo elemento cuando se realizó el primer arte cristiano en Gran Bretaña. Se conservan varios mosaicos con símbolos e imágenes cristianos. [18] Inglaterra cuenta con algunas figuras de colinas prehistóricas notables ; un ejemplo famoso es el Caballo Blanco de Uffington en Oxfordshire , que "durante más de 3.000 años... ha sido celosamente guardado como una obra maestra del arte minimalista ". [19]

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arte medieval

Tras el dominio romano , el arte anglosajón trajo la incorporación de tradiciones germánicas, como puede verse en la orfebrería de Sutton Hoo . [25] La escultura anglosajona destacó para su época, al menos en las pequeñas obras en marfil o hueso que son casi todas las que se conservan. [26] Especialmente en Northumbria , el estilo artístico insular compartido en las Islas Británicas produjo las mejores obras producidas en Europa, hasta que las incursiones e invasiones vikingas suprimieron en gran medida el movimiento; [27] el Libro de Lindisfarne es un ejemplo ciertamente producido en Northumbria. [28] El arte anglosajón desarrolló una variación muy sofisticada de los estilos continentales contemporáneos, que se ve especialmente en la orfebrería y los manuscritos iluminados como la Bendición de San Æthelwold . [29] Ninguna de las pinturas y esculturas anglosajonas a gran escala que sabemos que existieron ha sobrevivido. [30]

En la primera mitad del siglo XI, el arte inglés se benefició del generoso patrocinio de una rica élite anglosajona, que valoraba sobre todo las obras en metales preciosos. [31] pero la conquista normanda en 1066 detuvo repentinamente este auge del arte y, en cambio, las obras fueron fundidas o trasladadas a Normandía . [32] El llamado Tapiz de Bayeux , la gran tela bordada de fabricación inglesa que representa los acontecimientos que condujeron a la conquista normanda, data de finales del siglo XI. [33] Algunas décadas después de la conquista normanda, la pintura manuscrita en Inglaterra pronto volvió a estar entre las mejores de Europa; en obras románicas como la Biblia de Winchester y el Salterio de St. Albans , y luego en obras del gótico temprano como el Salterio de Tickhill . [34] El iluminador inglés más conocido de la época es Matthew Paris (c. 1200-1259). [35] Algunos de los raros ejemplos supervivientes de pinturas sobre paneles medievales inglesas , como el Retablo de Westminster y el Díptico de Wilton , son de la más alta calidad. [36] Desde finales del siglo XIV hasta principios del siglo XVI, Inglaterra tuvo una industria considerable en relieves de alabastro de Nottingham para retablos y pequeñas estatuas del mercado medio , que se exportaban a todo el norte de Europa. [37] Otra forma de arte introducida a través de la iglesia fueron las vidrieras , que también se adoptaron para usos seculares. [38]

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Siglos XVI y XVII

Nicholas Hilliard (c. 1547–7 de enero de 1619), "el primer genio nativo de la pintura inglesa" [54] , inició una fuerte tradición inglesa en el retrato en miniatura . [55] La tradición fue continuada por el alumno de Hilliard, Isaac Oliver (c. 1565 – bur. 2 de octubre de 1617), cuyos padres hugonotes franceses habían escapado a Inglaterra en la infancia del artista.

Otros artistas ingleses notables de la época incluyen: Nathaniel Bacon (1585-1627); John Bettes el Viejo (activo c. 1531-1570) y John Bettes el Joven (fallecido en 1616); George Gower (c.1540-1596), William Larkin (principios de la década de 1580-1619) y Robert Peake el Viejo (c. 1551-1619). [56] Los artistas de la corte Tudor y sus sucesores hasta principios del siglo XVIII incluyeron varios talentos importados influyentes: Hans Holbein el Joven , Anthony van Dyck , Peter Paul Rubens , Orazio Gentileschi y su hija Artemisia , Sir Peter Lely (un súbdito inglés naturalizado desde 1662) y Sir Godfrey Kneller (un súbdito inglés naturalizado en el momento de su título de caballero en 1691). [57]

El siglo XVII vio a varios pintores ingleses importantes de retratos de tamaño natural, entre los que destaca William Dobson 1611 (bautizado en 1611 – bur. 1646); otros incluyen a Cornelius Johnson (bautizado en 1593–bur. 1661) [58] y Robert Walker (1599–1658). Samuel Cooper (1609-1672) fue un consumado miniaturista en la tradición de Hilliard, al igual que su hermano Alexander Cooper (1609-1660) y su tío, John Hoskins (1589/1590-1664). Otros retratistas notables de la época incluyen: Thomas Flatman (1635-1688), Richard Gibson (1615-1690), el disoluto John Greenhill (c. 1644-1676), John Riley (1646-1691) y John Michael Wright (1617) . –1694). Francis Barlow (c. 1626-1704) es conocido como "el padre de la pintura deportiva británica"; [59] fue el primer pintor de vida silvestre de Inglaterra , iniciando una tradición que alcanzó un punto culminante un siglo después, en la obra de George Stubbs (1724-1806). [60] Las mujeres inglesas comenzaron a pintar profesionalmente en el siglo XVII; ejemplos notables incluyen Joan Carlile (c. 1606–79) y Mary Beale (de soltera Cradock; 1633–1699). [61]

En la primera mitad del siglo XVII, la nobleza inglesa se convirtió en importantes coleccionistas de arte europeo, liderados por el rey Carlos I y Thomas Howard, vigésimo primer conde de Arundel . [62] A finales del siglo XVII, el Grand Tour , un viaje por Europa que exponía el legado cultural de la antigüedad clásica y el Renacimiento , era de rigor para los jóvenes ingleses ricos. [63]

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Siglos XVIII y XIX

En el siglo XVIII, el estilo y la tradición distintivos de la pintura inglesa continuaron concentrándose frecuentemente en el retrato, pero el interés por los paisajes aumentó y se puso un nuevo enfoque en la pintura de historia , que se consideraba la más alta de la jerarquía de géneros , [79] y queda ejemplificado en la extraordinaria obra de Sir James Thornhill (1675/1676-1734). El pintor de historia Robert Streater (1621-1679) fue muy apreciado en su época. [80]

William Hogarth (1697-1764) reflejó el floreciente temperamento de la clase media inglesa : inglesa en hábitos, disposición y temperamento, así como por nacimiento. Sus obras satíricas , llenas de humor negro , señalan a la sociedad contemporánea las deformidades, debilidades y vicios de la vida londinense . La influencia de Hogarth se puede encontrar en la tradición satírica distintivamente inglesa continuada por James Gillray (1756-1815) y George Cruikshank (1792-1878). [81] Uno de los géneros en los que trabajó Hogarth fue el tema de conversación , forma en la que también sobresalieron algunos de sus contemporáneos: Joseph Highmore (1692-1780), Francis Hayman (1708-1776) y Arthur Devis (1712-1787). ). [82]

Los retratos eran en Inglaterra, como en Europa, la forma más fácil y rentable para que un artista se ganara la vida, y la tradición inglesa continuó mostrando la elegancia relajada del estilo del retrato que se remonta a Van Dyck. Los principales retratistas son: Thomas Gainsborough (1727-1788); Sir Joshua Reynolds (1723-1792), fundador de la Real Academia de las Artes ; George Romney (1734–1802); Lemuel "Francis" Abbott (1760/61–1802); Richard Westall (1765–1836); señor Thomas Lawrence (1769–1830); y Thomas Phillips (1770–1845). También son dignos de mención Jonathan Richardson (1667-1745) y su alumno (y desafiante yerno) Thomas Hudson (1701-1779). Joseph Wright de Derby (1734-1797) era muy conocido por sus cuadros a la luz de las velas; George Stubbs (1724–1806) y, más tarde, Edwin Henry Landseer (1802–1873) por sus pinturas de animales . A finales de siglo, el retrato arrogante inglés era muy admirado en el extranjero. [83]

William Blake (1757-1827) , de Londres, produjo una obra diversa y visionaria que desafía una clasificación sencilla; El crítico Jonathan Jones lo considera "de lejos el mejor artista que jamás haya producido Gran Bretaña". [84] Entre los amigos artistas de Blake se encontraban el neoclásico John Flaxman (1755-1826) y Thomas Stothard (1755-1834), con quien Blake se peleó.

En la imaginación popular, la pintura de paisajes inglesa del siglo XVIII en adelante tipifica el arte inglés, inspirado en gran medida en el amor por lo pastoral y reflejando el desarrollo de casas de campo más grandes ubicadas en un paisaje rural pastoral. [85] Dos románticos ingleses son en gran medida responsables de elevar el estatus de la pintura de paisajes en todo el mundo: John Constable (1776–1837) y JMW Turner (1775–1851), a quien se le atribuye haber elevado la pintura de paisajes a una eminencia que rivaliza con la pintura de historia. [86] [87] Otros pintores paisajistas notables de los siglos XVIII y XIX incluyen: George Arnald (1763–1841); John Linnell (1792–1882), rival de Constable en su época; George Morland (1763–1804), quien desarrolló la tradición de pintura rústica y animal de Francis Barlow ; Samuel Palmer (1805–1881); Paul Sandby (1731–1809), reconocido como el padre de la acuarela inglesa ; [88] y los acuarelistas posteriores John Robert Cozens (1752-1797), el amigo de Turner, Thomas Girtin (1775-1802), y Thomas Heaphy (1775-1835). [89]

A principios del siglo XIX surgió la escuela de pintores de Norwich, el primer movimiento artístico provincial fuera de Londres. De corta duración debido al escaso patrocinio y la disidencia interna, sus miembros destacados fueron el "padre fundador" John Crome (1768–1821), John Sell Cotman (1782–1842), James Stark (1794–1859) y Joseph Stannard (1797– 1830). [90]

El movimiento de la Hermandad Prerrafaelita , establecido en la década de 1840, dominó el arte inglés en la segunda mitad del siglo XIX. Sus miembros –William Holman Hunt (1827–1910), Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), John Everett Millais (1828–1896) y otros– se concentraron en obras religiosas, literarias y de género ejecutadas de forma colorida y minuciosamente detallada, casi estilo fotográfico. [91] Ford Madox Brown (1821–1893) compartió los principios de los prerrafaelitas. [92]

El destacado crítico de arte inglés John Ruskin (1819-1900) fue muy influyente en la segunda mitad del siglo XIX; A partir de la década de 1850 defendió a los prerrafaelitas, que fueron influenciados por sus ideas. [93] William Morris (1834–1896), fundador del Movimiento de Artes y Oficios , enfatizó el valor de las habilidades artesanales tradicionales que parecían estar en declive en la era industrial masiva . Sus diseños, al igual que el trabajo de los pintores prerrafaelitas con los que estuvo asociado, hacían referencia con frecuencia a motivos medievales . [94] El pintor narrativo inglés William Powell Frith (1819-1909) ha sido descrito como el "mayor pintor británico de la escena social desde Hogarth", [95] y el pintor y escultor George Frederic Watts (1817-1904) se hizo famoso por su obra simbolista .

El espíritu galante del arte militar inglés del siglo XIX ayudó a dar forma a la imagen que la Inglaterra victoriana tenía de sí misma. [96] Entre los artistas militares ingleses notables se incluyen: John Edward Chapman 'Chester' Mathews (1843-1927); [97] Señora mayordomo (1846-1933); [98] Frank Dadd (1851-1929); Edward Matthew Hale (1852-1924); Charles Edwin Fripp (1854-1906); [99] Richard Caton Woodville, hijo (1856-1927); [100] Harry Payne (1858-1927); [101] George Delville Rowlandson (1861-1930); y Edgar Alfred Holloway (1870-1941). [102] Thomas Davidson (1842-1919), que se especializó en escenas navales históricas, [103] incorporó notables reproducciones de obras relacionadas con Nelson de Arnald , Westall y Abbott en England's Pride and Glory (1894). [104]

Hasta finales del siglo XIX, el arte de Aubrey Beardsley (1872-1898) contribuyó al desarrollo del Art Nouveau y sugirió, entre otras cosas, un interés por el arte visual de Japón . [105]

Siglos XVIII y XIX: galería

siglo 20

El impresionismo encontró un foco en el New English Art Club , fundado en 1886. [135] Entre los miembros notables se encontraban Walter Sickert (1860-1942) y Philip Wilson Steer (1860-1942), dos pintores ingleses con vidas paralelas que se volvieron influyentes en el siglo XX. siglo. Sickert pasó al posimpresionista Camden Town Group , activo entre 1911 y 1913, y destacó en la transición al modernismo . [136] Las pinturas de mar y paisajes de Steer lo convirtieron en un destacado impresionista, pero sus obras posteriores muestran un estilo inglés más tradicional, influenciado tanto por Constable como por Turner. [137]

Paul Nash (1889-1946) desempeñó un papel clave en el desarrollo del modernismo en el arte inglés. Fue uno de los paisajistas más importantes de la primera mitad del siglo XX, y las obras de arte que produjo durante la Primera Guerra Mundial se encuentran entre las imágenes más emblemáticas del conflicto . [138] Nash asistió a la Escuela de Arte Slade , donde la notable generación de artistas que estudiaron con el influyente Henry Tonks (1862-1937) incluía también a Harold Gilman (1876-1919), Spencer Gore (1878-1914), David Bomberg (1890–1957), Stanley Spencer (1891–1959), Mark Gertler (1891–1939) y Roger Hilton (1911–1975).

El talento inglés más controvertido del modernismo fue el escritor y pintor Wyndham Lewis (1882-1957). Cofundó el movimiento vorticista en el arte y, después de hacerse más conocido por sus escritos que por su pintura en los años 1920 y principios de los 1930, volvió a trabajar más concentrado en el arte visual, siendo las pinturas de los años 1930 y 1940 algunas de sus mejores obras. obra conocida. Walter Sickert llamó a Wyndham Lewis: "el mejor retratista de esta o cualquier otra época". [139] La escultura modernista fue ejemplificada por los artistas ingleses Henry Moore (1898-1986), conocido por sus esculturas de mármol tallado y esculturas abstractas de bronce fundido a gran escala, y Barbara Hepworth (1903-1975), quien fue una figura destacada en la colonia. de artistas que residieron en St Ives, Cornwall durante la Segunda Guerra Mundial . [140]

Lancaster L. S. Lowry (1887-1976) se hizo famoso por sus escenas de la vida en los distritos industriales del noroeste de Inglaterra a mediados del siglo XX. Desarrolló un estilo de pintura distintivo y es mejor conocido por sus paisajes urbanos poblados de figuras humanas a las que a menudo se hace referencia como "hombres de cerillas". [141]

Los artistas ingleses notables de mediados del siglo XX y posteriores incluyen: Graham Sutherland (1903-1980); Peso de Carel (1908-1997); Lanza Ruskin (1911-1990); los pioneros del arte pop Richard Hamilton (1922-2011), Peter Blake (n. 1932) y David Hockney (n. 1937); y la ejemplar del arte óptico Bridget Riley (n. 1931).

Tras el desarrollo del posmodernismo , el arte inglés se convirtió en cierto sentido en sinónimo, hacia finales del siglo XX, del Premio Turner ; El premio, creado en 1984 y que lleva el nombre de JMW Turner con intenciones aparentemente creíbles, le dio al arte inglés moderno una reputación que podría decirse que lo perjudica. [142] Las exhibiciones premiadas han incluido un tiburón en formaldehído y una cama desaliñada . [143] El crítico Matthew Collings observa que: "El arte del Premio Turner se basa en una fórmula en la que algo parece sorprendente al principio y luego resulta que expresa algún tipo de idea banal, que alguien seguramente le contará. Las ideas son "Nunca son ideas importantes ni siquiera realmente, sino nociones, como las nociones de la publicidad. De todos modos, nadie las persigue, porque no hay nada que perseguir". [144]

Si bien el establishment del Premio Turner se conformó con débiles homenajes conceptuales a auténticos iconoclastas como Duchamp y Manzoni , [145] desdeñó talentos originales como Beryl Cook (1926-2008). [146] La ceremonia de premiación ha atraído desde 2000 manifestaciones anuales de los " Stuckists ", un grupo que pide un retorno al arte figurativo y la autenticidad estética . Observando irónicamente que "el único artista que no estaría en peligro de ganar el Premio Turner es Turner", los Stuckists organizaron en 2000 una exposición "Real Turner Prize 2000", prometiendo (por el contrario) "nada de tonterías". [147]

Siglo XX: galería

Siglo 21

El escultor Antony Gormley (n. 1950) expresó dudas una década después de ganar el Premio Turner sobre su "utilidad para la raza humana", [161] y obras como Another Place (2005) y Event Horizon (2012) han logrado tanto elogios como popularidad. El arte urbano pseudosubversivo de Banksy , [162] ha sido muy discutido en los medios. [163]

Una obra de arte público muy visible y muy elogiada, vista durante un breve período en 2014 fue Blood Swept Lands and Seas of Red , una colaboración entre el artista Paul Cummins (n. 1977) y el diseñador teatral Tom Piper . La instalación en la Torre de Londres entre julio y noviembre de 2014 conmemoró el centenario del estallido de la Primera Guerra Mundial ; Consistía en 888.246 amapolas rojas de cerámica , cada una destinada a representar a un militar británico o colonial muerto en la guerra. [164]

Los principales grabadores contemporáneos incluyen a Norman Ackroyd y Richard Spare .

Arte inglés en exhibición

Ver también

Otras lecturas

Referencias

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