Frank Vincent Zappa [ nb 1] ( / ˈzæpə / ZAP -ə ; 21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993) fue un músico, compositor y director de banda estadounidense. En una carrera que abarcó más de 30 años, Zappa compuso obras de rock , pop , jazz , jazz fusión , orquestales y música concreta ; también produjo casi todos los más de 60 álbumes que lanzó con su banda Mothers of Invention y como solista. [2] Su trabajo se caracteriza por el inconformismo, la improvisación [3] la experimentación sonora, el virtuosismo musical y la sátira de la cultura estadounidense. [4] Zappa también dirigió largometrajes y videos musicales , y diseñó portadas de álbumes. Es considerado uno de los músicos más innovadores y estilísticamente diversos de su generación. [5] [6]
Como compositor e intérprete mayoritariamente autodidacta, Zappa tuvo diversas influencias musicales que lo llevaron a crear música que a veces era difícil de categorizar. Mientras era adolescente, adquirió un gusto por el modernismo clásico del siglo XX, el rhythm and blues afroamericano y la música doo-wop . [7] Comenzó a escribir música clásica en la escuela secundaria, mientras tocaba simultáneamente la batería en bandas de rhythm and blues, y luego cambió a la guitarra eléctrica. Su álbum de estudio debut con Mothers of Invention, Freak Out! (1966), combinó canciones de rock and roll satíricas pero aparentemente convencionales con collages de sonido extendidos. Continuó con este enfoque ecléctico y experimental a lo largo de su carrera.
La producción de Zappa está unificada por una continuidad conceptual que él denominó "Proyecto/Objeto", con numerosas frases musicales, ideas y personajes que reaparecen en sus álbumes. [4] Sus letras reflejaban sus puntos de vista iconoclastas de los procesos, estructuras y movimientos sociales y políticos establecidos, a menudo con humor, y se lo ha descrito como el "padrino" del rock cómico . [8] Fue un crítico estridente de la educación convencional y la religión organizada , y un defensor directo y apasionado de la libertad de expresión , la autoeducación , la participación política y la abolición de la censura. A diferencia de muchos otros músicos de rock de su generación, desaprobó el uso recreativo de drogas, pero apoyó la despenalización y la regulación.
Zappa fue un artista altamente productivo y prolífico con una posición crítica controvertida; los partidarios de su música admiraron su complejidad compositiva, mientras que los detractores la encontraron carente de profundidad emocional. [9] Tuvo un mayor éxito comercial fuera de los EE. UU., particularmente en Europa. Aunque trabajó como artista independiente , Zappa dependía principalmente de los acuerdos de distribución que había negociado con los principales sellos discográficos . Sigue siendo una gran influencia en músicos y compositores. Sus muchos honores incluyen su inducción póstuma en 1995 al Salón de la Fama del Rock and Roll y el Premio Grammy a la trayectoria de 1997 .
Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore , Maryland, hijo de Rose Marie ( née Colimore) y Francis Vincent Zappa. Era de ascendencia siciliana, griega, árabe y francesa. [nb 2]
Frank, el mayor de cuatro hijos, fue criado en un hogar italoamericano donde sus abuelos hablaban italiano a menudo. [1] : 6 [10] La familia se mudaba a menudo porque su padre, químico y matemático, trabajaba en la industria de defensa. Después de un tiempo en Florida en la década de 1940, la familia regresó a Maryland , donde el padre de Zappa trabajaba en las instalaciones de guerra química Edgewood Arsenal del Aberdeen Proving Ground dirigido por el ejército de los EE . UU . Debido a la proximidad de su casa al arsenal, que almacenaba gas mostaza , se guardaban máscaras de gas en el hogar en caso de accidente. [1] : 20–23 Este arreglo de vida tuvo un profundo efecto en Zappa, y las referencias a gérmenes, guerra bacteriológica, enfermedades y la industria de defensa ocurren con frecuencia a lo largo de su trabajo. [11] : 8–9
El padre de Zappa a menudo traía a casa equipos de laboratorio llenos de mercurio desde su lugar de trabajo y se los daba a Zappa para que jugara con ellos. [1] : 19 Zappa dijo que cuando era niño "solía jugar con ellos todo el tiempo", a menudo colocando mercurio líquido en el suelo y usando un martillo para rociar gotas de mercurio en un patrón circular, cubriendo finalmente todo el piso de su dormitorio con ellas. [12]
De niño, Zappa enfermaba a menudo: sufría asma , dolores de oído y problemas sinusales . Un médico trató su sinusitis insertando una bolita de radio en cada uno de los orificios nasales de Zappa. En ese momento, se sabía poco sobre los posibles peligros de incluso pequeñas cantidades de radiación terapéutica y la exposición al mercurio. [11] : 10
Las imágenes y referencias nasales aparecen en su música y letras, así como en las portadas de álbumes de collage creadas por su colaborador de mucho tiempo Cal Schenkel . Zappa creía que sus enfermedades infantiles podrían haberse debido a la exposición al gas mostaza, liberado por la instalación de guerra química cercana, y su salud empeoró cuando vivió en Baltimore. [1] : 20–23 [11] : 10 En 1952, su familia se mudó por razones de salud a Monterey, California , donde su padre enseñaba metalurgia en la Escuela Naval de Postgrado . [1] : 22 Pronto se mudaron al vecindario de Clairemont en San Diego , [13] : 46 y luego a la cercana ciudad de El Cajón , antes de regresar finalmente a San Diego. [14]
Como no tenía ningún tipo de formación formal, no me importaba si escuchaba a Lightnin' Slim , a un grupo vocal llamado Jewels..., a Webern, a Varèse o a Stravinsky . Para mí todo era buena música.
— Frank Zappa, 1989 [1] : 34
Zappa comenzó a tocar la batería a los 12 años en un curso grupal de verano en Monterey, California, con un profesor llamado Keith McKillop. Frank dijo: "En lugar de tambores, nos hacía practicar sobre tablones de madera". [1] : 13 Zappa se unió a su primera banda en Mission Bay High School en San Diego como baterista. [1] : 29 Casi al mismo tiempo, sus padres compraron un fonógrafo , lo que le permitió desarrollar su interés por la música y comenzar a construir su colección de discos. [11] : 22 Según The Rough Guide to Rock (2003), "cuando era adolescente, Zappa estaba cautivado simultáneamente por el R&B negro ( Johnny 'Guitar' Watson , Guitar Slim ), el doo-wop ( The Channels , The Velvets ) y los compositores modernos, como Igor Stravinsky , Anton Webern y Edgard Varèse ". [7]
Los sencillos de R&B fueron una de las primeras adquisiciones de Zappa, con lo que comenzó una gran colección que conservó durante el resto de su vida. [11] : 36 Estaba interesado en los sonidos por sí mismos, en particular los sonidos de los tambores y otros instrumentos de percusión. A los doce años, había conseguido un tambor y comenzó a aprender los conceptos básicos de la percusión orquestal. [1] : 29 El profundo interés de Zappa por la música clásica moderna comenzó [15] cuando leyó un artículo de la revista LOOK sobre la cadena de tiendas de discos Sam Goody que elogiaba su capacidad para vender un LP tan oscuro como The Complete Works of Edgard Varèse, Volume One . [1] : 30–33 El artículo describía la composición de percusión de Varèse Ionisation , producida por EMS Recordings , como "una extraña mezcla de tambores y otros sonidos desagradables". Zappa decidió buscar la música de Varèse. Después de buscar durante más de un año, Zappa encontró una copia (se fijó en el LP por la foto de Varèse que parecía un "científico loco" en la portada). Como no tenía suficiente dinero, convenció al vendedor para que le vendiera el disco con descuento. [1] : 30–33 Así comenzó su pasión de toda la vida por la música de Varèse y la de otros compositores clásicos modernos. También le gustaba la música clásica italiana que escuchaban sus abuelos, especialmente las arias de ópera de Puccini .
En 1956, la familia Zappa se había mudado a Lancaster , una pequeña ciudad agrícola y aeroespacial en el Valle Antílope del Desierto de Mojave , cerca de la Base de la Fuerza Aérea Edwards ; más tarde se referiría a Sun Village (una ciudad cercana a Lancaster) en la canción de 1973 "Village of the Sun". [16] La madre de Zappa lo alentó en sus intereses musicales. Aunque no le gustaba la música de Varèse, fue lo suficientemente indulgente como para darle a su hijo una llamada de larga distancia al compositor de Nueva York como regalo de cumpleaños número quince. [1] : 30–33 Desafortunadamente, Varèse estaba en Europa en ese momento, por lo que Zappa habló con la esposa del compositor y ella le sugirió que volviera a llamar más tarde. En una carta, Varèse le agradeció su interés y le contó sobre una composición en la que estaba trabajando llamada " Déserts ". Viviendo en la ciudad desértica de Lancaster, Zappa encontró esto muy emocionante. Varèse lo invitó a visitarlo si alguna vez venía a Nueva York. El encuentro nunca tuvo lugar (Varèse murió en 1965), pero Zappa enmarcó la carta y la mantuvo en exposición durante el resto de su vida. [15] [nb 3]
En Antelope Valley High School , Zappa conoció a Don Glen Vliet (quien más tarde cambió su nombre a Don Van Vliet y adoptó el nombre artístico de Captain Beefheart ). Zappa y Vliet se hicieron amigos cercanos, compartieron un interés en los discos de R&B e influyeron mutuamente musicalmente a lo largo de sus carreras. [13] : 29–30 Casi al mismo tiempo, Zappa comenzó a tocar la batería en una banda local, los Blackouts. [18] : 13 La banda era racialmente diversa e incluía a Euclid James "Motorhead" Sherwood, quien más tarde se convirtió en miembro de Mothers of Invention. El interés de Zappa por la guitarra creció y en 1957 le regalaron su primer instrumento. Entre sus primeras influencias estaban Johnny "Guitar" Watson , Howlin' Wolf y Clarence "Gatemouth" Brown . En la década de 1970/1980, invitó a Watson a actuar en varios álbumes. Zappa consideraba que tocar solos era el equivalente a formar "esculturas aéreas", [19] y desarrolló un estilo ecléctico, innovador y muy personal. [20] También estuvo influenciado por el compositor egipcio Halim El-Dabh . [21]
El interés de Zappa por la composición y los arreglos floreció en sus últimos años de secundaria. En su último año, escribía, arreglaba y dirigía piezas de interpretación de vanguardia para la orquesta de la escuela. [11] : 40 Se graduó de Antelope Valley High School en 1958, y más tarde reconoció a dos de sus profesores de música en la portada del álbum de 1966 Freak Out! [22] : 23 Debido a las frecuentes mudanzas de su familia, Zappa asistió al menos a seis escuelas secundarias diferentes, y como estudiante a menudo se aburría y distraía al resto de la clase con travesuras juveniles. [11] : 48 En 1959, asistió al Chaffey College , pero lo dejó después de un semestre, y mantuvo a partir de entonces un desdén por la educación formal, sacando a sus hijos de la escuela a los 15 años y negándose a pagar su universidad. [11] : 345 Mientras estaba en la universidad, Zappa conoció a Terry Kirkman y tocó en cafeterías locales con él. [23]
Zappa se fue de casa en 1959 y se mudó a un pequeño apartamento en Echo Park, Los Ángeles . Después de conocer a Kathryn J. "Kay" Sherman durante su corto período de estudio privado de composición con el profesor Karl Kohn de Pomona College , se mudaron juntos a Ontario y se casaron el 28 de diciembre de 1960. [11] : 58 Zappa trabajó durante un corto período en publicidad como redactor publicitario. Su estancia en el mundo comercial fue breve, pero le proporcionó información valiosa sobre su funcionamiento. [1] : 40 [24] A lo largo de su carrera, mostró un gran interés en la presentación visual de su trabajo, diseñando algunas de las portadas de sus álbumes y dirigiendo sus propias películas y videos.
Zappa intentó ganarse la vida como músico y compositor, y tocó en diferentes clubes nocturnos, algunos con una nueva versión de los Blackouts. [11] : 59 Las primeras grabaciones profesionales de Zappa, dos bandas sonoras para las películas de bajo presupuesto The World's Greatest Sinner (1962) y Run Home, Slow (1965) fueron más gratificantes económicamente. La primera banda sonora fue encargada por el actor y productor Timothy Carey y grabada en 1961. Contiene muchos temas que aparecieron en discos posteriores de Zappa. [11] : 63 La última banda sonora se grabó en 1963 después de que se completara la película, pero fue encargada por uno de los antiguos profesores de secundaria de Zappa en 1959 y es posible que Zappa haya trabajado en ella antes de que se filmara la película. [11] : 55 Se pueden escuchar extractos de la banda sonora en el álbum póstumo The Lost Episodes (1996).
A principios de los años 1960, Zappa escribió y produjo canciones para otros artistas locales, a menudo trabajando con el cantautor Ray Collins y el productor Paul Buff. Su « Memories of El Monte » fue grabado por los Penguins , aunque solo Cleve Duncan del grupo original apareció. [25] Buff era dueño del pequeño Pal Recording Studio en Cucamonga , que incluía una grabadora de cinta de cinco pistas única que había construido. En ese momento, solo un puñado de los estudios comerciales más sofisticados tenían instalaciones multipista ; el estándar de la industria para los estudios más pequeños todavía era mono o de dos pistas. [1] : 42 Aunque ninguna de las grabaciones de la época logró un gran éxito comercial, Zappa ganó suficiente dinero como para permitirle en 1963 realizar un concierto de su música orquestal y transmitirlo y grabarlo. [11] : 74 En marzo de ese mismo año, Zappa apareció en el programa nocturno sindicado de Steve Allen tocando una bicicleta como instrumento musical [26] [27] : 35–36 —usando baquetas y un arco prestado por el bajista de la banda, procedió a puntear, golpear y arquear los radios de la bicicleta, produciendo sonidos extraños y cómicos de su nuevo instrumento. Con Captain Beefheart, Zappa grabó algunas canciones bajo el nombre de Soots. Fueron rechazadas por Dot Records . Más tarde, los Mothers también fueron rechazados por Columbia Records por no tener "ningún potencial comercial", un veredicto que Zappa posteriormente citó en la portada de Freak Out! [18] : 27
En 1964, después de que su matrimonio comenzara a desintegrarse, se mudó al estudio Pal y comenzó a trabajar rutinariamente 12 horas o más por día grabando y experimentando con doblajes y manipulación de cintas de audio . Esto estableció un patrón de trabajo que perduró durante la mayor parte de su vida. [1] : 43 Con la ayuda de sus ingresos por la composición de películas, Zappa se hizo cargo del estudio de Paul Buff, quien ahora trabajaba con Art Laboe en Original Sound . Pasó a llamarse Studio Z. [11] : 80–81 El Studio Z rara vez era contratado para grabaciones de otros músicos. En cambio, se mudaban amigos, en particular James "Motorhead" Sherwood. [11] : 82–83 Zappa comenzó a actuar en bares locales como guitarrista con un trío de poder , los Muthers, para mantenerse. [18] : 26
Un artículo en la prensa local que describía a Zappa como "el rey del cine de Cucamonga" llevó a la policía local a sospechar que estaba haciendo películas pornográficas . [11] : 85 En marzo de 1965, un oficial encubierto de la brigada antivicio se acercó a Zappa y aceptó una oferta de $100 (equivalente a $970 en 2023) para producir una cinta de audio sugerente para una supuesta despedida de soltero . Zappa y una amiga grabaron un episodio erótico falso. Cuando Zappa estaba a punto de entregar la cinta, fue arrestado y la policía despojó al estudio de todo el material grabado. [11] : 85 La prensa fue avisada de antemano y The Daily Report del día siguiente escribió que "los investigadores de la brigada antivicio detuvieron las grabadoras de un estudio de grabación y cine de movimiento libre y a go-go aquí el viernes y arrestaron a un productor de películas autodenominado". [28] Zappa fue acusado de "conspiración para cometer pornografía". [1] : 57 Este cargo de delito grave se redujo y fue sentenciado a seis meses de prisión por un delito menor , con todos los días suspendidos excepto diez. [11] : 86–87 Su breve encarcelamiento dejó una marca permanente y fue central para la formación de su postura antiautoritaria. [11] : xv Zappa perdió varias grabaciones hechas en Studio Z en el proceso, ya que la policía devolvió solo 30 de las 80 horas de cinta incautadas. [11] : 87 Finalmente, ya no pudo pagar el alquiler del estudio y fue desalojado. [27] : 40 Zappa logró recuperar algunas de sus posesiones antes de que el estudio fuera demolido en 1966. [11] : 90–91
En abril de 1965, Ray Collins , uno de los amigos de Zappa durante los primeros días de Studio Z, era el cantante de una banda de R&B llamada Soul Giants, con sede en Pomona, California . Ese mes, le pidió a Zappa que asumiera como guitarrista de los Soul Giants, luego de una pelea entre Collins y el guitarrista original del grupo. [10] Zappa aceptó y pronto asumió el liderazgo y el papel de co-cantante principal (aunque nunca se consideró un cantante, ni entonces ni más tarde [29] ). Convenció a los otros miembros de que debían tocar su música para aumentar las posibilidades de obtener un contrato discográfico. [1] : 65–66 La banda, compuesta por Zappa, Collins, Roy Estrada y Jimmy Carl Black , debutó en el Broadside Club y pasó a llamarse Mothers ya que este concierto tuvo lugar el 10 de mayo de 1965, el Día de la Madre . [13] : 42 Aumentaron sus reservas después de comenzar una asociación con el manager Herb Cohen , y gradualmente ganaron atención en la floreciente escena musical underground de Los Ángeles. [22] : 58 A principios de 1966, fueron vistos por el productor discográfico líder Tom Wilson cuando tocaban "Trouble Every Day", una canción sobre los disturbios de Watts . [11] : 103 Wilson se había ganado elogios como productor de Bob Dylan y Simon & Garfunkel , y era uno de los pocos afroamericanos que trabajaban como productor de música pop de un sello importante en ese momento. Wilson firmó a los Mothers para la división Verve de MGM , que se había ganado una sólida reputación por sus lanzamientos de grabaciones de jazz moderno en las décadas de 1940 y 1950, pero estaba tratando de diversificarse en audiencias de pop y rock. Verve insistió en que la banda se rebautizara oficialmente como Mothers of Invention , ya que Mother era la abreviatura de motherfucker ( hijo de puta ), un término que, además de sus significados profanos, puede denotar a un músico habilidoso. [30] Bajo el liderazgo de Zappa, la formación de los Mothers cambiaría constantemente durante su tiempo juntos, con miembros que incluían a Collins, Estrada, Black, Elliot Ingber , los hermanos Bunk y Buzz Gardner , Don Preston , Billy Mundi , Jim Fielder , Jim "Motorhead" Sherwood , Ian Underwood , Art Tripp y Lowell George .
Con Wilson acreditado como productor, Mothers of Invention, aumentados por una orquesta de estudio, grabaron el innovador Freak Out! (1966), que, después de Blonde on Blonde de Bob Dylan , fue el segundo álbum doble de rock jamás lanzado. Mezclaba R&B, doo-wop , música concreta , [31] : 25 y collages de sonido experimental que capturaron la subcultura "freak" de Los Ángeles en ese momento. [22] : 60–61 Aunque no estaba satisfecho con el producto final, Freak Out estableció inmediatamente a Zappa como una nueva voz radical en la música rock, proporcionando un antídoto a la "cultura consumista implacable de Estados Unidos". [11] : 115 El sonido era crudo, pero los arreglos eran sofisticados. Mientras grababan en el estudio, algunos de los músicos de sesión adicionales se sorprendieron de que se esperara que leyeran las notas en partituras de gráficos con Zappa dirigiéndolas, ya que no era estándar cuando se grababa música rock. [11] : 112 Las letras elogiaban el no conformismo, menospreciaban a las autoridades y tenían elementos dadaístas . Sin embargo, había un lugar para canciones de amor aparentemente convencionales. [32] : 10–11 La mayoría de las composiciones son de Zappa, lo que sentó un precedente para el resto de su carrera discográfica. Tenía control total sobre los arreglos y las decisiones musicales e hizo la mayoría de las sobregrabaciones . Wilson proporcionó la influencia y las conexiones de la industria y pudo proporcionar al grupo los recursos financieros necesarios. [11] : 123 Aunque Wilson pudo brindar a Zappa y a los Mothers un extraordinario grado de libertad artística para la época, la grabación no salió del todo como estaba planeado. En una entrevista de radio de 1967, Zappa explicó que la extravagante canción de cierre de 11 minutos del álbum, "Return of the Son of Monster Magnet", no estaba terminada. La canción tal como aparece en el álbum era solo una pista de acompañamiento para una pieza mucho más compleja, pero MGM se negó a permitir el tiempo de grabación adicional necesario para completarla. Para gran disgusto de Zappa, el disco se publicó inacabado. [33]
Durante la grabación de Freak Out!, Zappa se mudó a una casa en Laurel Canyon con su amiga Pamela Zarubica, quien apareció en el álbum. [11] : 112 La casa se convirtió en un lugar de reunión (y de convivencia) para muchos músicos y groupies de Los Ángeles de la época, a pesar de la desaprobación de Zappa por su consumo de drogas ilícitas. [11] : 122 Después de una breve gira promocional tras el lanzamiento de Freak Out!, Zappa conoció a Adelaide Gail Sloatman . Se enamoró en "un par de minutos", y ella se mudó a la casa durante el verano. [1] : 65–66 Se casaron en 1967, tuvieron cuatro hijos y permanecieron juntos hasta la muerte de Zappa.
Wilson produjo nominalmente el segundo álbum de las Mothers, Absolutely Free (1967), que se grabó en noviembre de 1966 y luego se mezcló en Nueva York, aunque en ese momento Zappa tenía el control de facto de la mayoría de las facetas de la producción. Incluía interpretaciones extendidas de las Mothers of Invention y se centraba en canciones que definían el estilo compositivo de Zappa de introducir cambios de ritmo abruptos en canciones que se construían a partir de diversos elementos. [31] : 5 Algunos ejemplos son "Plastic People" y "Brown Shoes Don't Make It", que contenían letras que satirizaban la hipocresía y el conformismo de la sociedad estadounidense, pero también de la contracultura de los años 1960. [ 31] : 38–43 Como dijo Zappa, "Somos satíricos y estamos dispuestos a satirizar todo". [11] : 135–138 En esa época, Zappa también había grabado material para un álbum de obras orquestales que se lanzaría bajo su propio nombre, Lumpy Gravy , que sería lanzado por Capitol Records en 1967. Debido a problemas contractuales, el álbum se retrasó. Zappa aprovechó la oportunidad para reestructurar radicalmente el material, añadiendo diálogos improvisados recién grabados. Después de que se resolvieron los problemas contractuales, Verve publicó un nuevo álbum con el mismo nombre en 1968. [11] : 140–141 Es un "proyecto musical increíblemente ambicioso", [31] : 56 un "monumento a John Cage ", [22] : 86 que entrelaza temas orquestales, palabras habladas y ruidos electrónicos a través de técnicas radicales de edición de audio . [31] : 56 [34] [nb 4]
Las Mothers of Invention tocaron en Nueva York a finales de 1966 y se les ofreció un contrato en el Teatro Garrick (en 152 Bleecker Street , encima del Café au Go Go ) durante la Pascua de 1967. Esto resultó exitoso y Herb Cohen extendió la reserva, que finalmente duró medio año. [35] : 62–69 Como resultado, Zappa y su esposa Gail, junto con las Mothers of Invention, se mudaron a Nueva York. [11] : 140–141 Sus espectáculos se convirtieron en una combinación de actos improvisados que mostraban talentos individuales de la banda, así como interpretaciones ajustadas de la música de Zappa. Todo fue dirigido por Zappa usando señales con las manos. [11] : 147 Los artistas invitados y la participación del público se convirtieron en una parte habitual de los espectáculos del Teatro Garrick. Una noche, Zappa logró atraer a algunos marines estadounidenses de la audiencia al escenario, donde procedieron a desmembrar un muñeco de bebé grande, habiéndoles dicho Zappa que fingieran que era un " bebé gook ". [1] : 94
En 1967, el cineasta Ed Seeman pagó a Zappa 2000 dólares para producir música para un anuncio de televisión de pastillas para la tos de Luden . [36] La música de Zappa se combinó con la animación de Seeman y el anuncio ganó un premio Clio por "Mejor uso del sonido". [37] [38] Una versión alternativa de la banda sonora, llamada "The Big Squeeze", apareció más tarde en el álbum póstumo de Zappa de 1996, The Lost Episodes . Esta versión carece de la narración de Seeman.
Mientras vivían en la ciudad de Nueva York, e interrumpidos por la primera gira europea de la banda, Mothers of Invention grabaron el álbum ampliamente considerado como el pico del trabajo del grupo a fines de la década de 1960, We're Only in It for the Money (lanzado en 1968). [39] Fue producido por Zappa, con Wilson acreditado como productor ejecutivo. A partir de entonces, Zappa produjo todos los álbumes lanzados por Mothers of Invention y como artista solista. We're Only in It for the Money presentó algunas de las ediciones y producciones de audio más creativas que se hayan escuchado hasta ahora en la música pop, y las canciones satirizaron sin piedad los fenómenos hippies y flower power . [22] : 90 [32] : 15 Sampleó música surf de sus días en Studio Z en el collage de audio Nasal Retentive Caliope Music . La foto de portada parodiaba la de Sgt . Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles . [nb 5] La portada fue obra de Cal Schenkel, a quien Zappa conoció en Nueva York. Esto dio inicio a una colaboración que duraría toda la vida, en la que Schenkel diseñó portadas para numerosos álbumes de Zappa y Mothers. [18] : 88
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El siguiente álbum, Cruising with Ruben & the Jets (1968), que reflejaba el enfoque ecléctico de Zappa hacia la música, fue muy diferente. Representaba una colección de canciones doo-wop ; los oyentes y los críticos no estaban seguros de si el álbum era una sátira o un homenaje. [31] : 58 Zappa comentó más tarde que el álbum fue concebido como las composiciones de Stravinsky en su período neoclásico: "Si podía tomar las formas y los clichés de la era clásica y pervertirlos, ¿por qué no hacer lo mismo... con el doo-wop en los años cincuenta?" [1] : 88 El tema de apertura de La consagración de la primavera de Stravinsky se canta en "Fountain of Love".
En 1967 y 1968, Zappa hizo dos apariciones con los Monkees . La primera aparición fue en un episodio de su serie de televisión , "The Monkees Blow Their Minds", donde Zappa, vestido como Mike Nesmith , entrevista a Nesmith, quien está vestido como Zappa. Después de la entrevista, Zappa destruye un automóvil con un mazo mientras suena la canción "Mother People". Más tarde proporcionó un cameo en la película Head de los Monkees donde, guiando a una vaca, le dice a Davy Jones "la juventud de Estados Unidos depende de ti para mostrarles el camino". Zappa respetaba a los Monkees e intentó reclutar a Micky Dolenz para los Mothers, pero RCA/Columbia/Colgems no liberaron a Dolenz de su contrato. [11] : 158–159
A finales de los años 1960, Zappa continuó desarrollando el lado comercial de su carrera. Él y Herb Cohen formaron los sellos Bizarre y Straight para aumentar el control creativo y producir grabaciones de otros artistas. Estos sellos fueron distribuidos en los EE. UU. por Warner Bros. Records . Las grabaciones de Zappa/Mothers aparecieron en Bizarre junto con Wild Man Fischer y Lenny Bruce . [11] : 173–175 Straight lanzó el álbum doble Trout Mask Replica para Captain Beefheart , y lanzamientos de Alice Cooper , The Persuasions y los GTOs . El primer álbum de los Mothers en Bizarre fue Uncle Meat de 1969 , que Zappa describió como "la mayor parte de la música de la película de los Mothers del mismo nombre que aún no tenemos suficiente dinero para terminar". En 1987 se estrenó una versión de la película Uncle Meat directamente en formato vídeo. Como la fotografía principal nunca se completó, la cinta de vídeo VHS es un documental del "making of" que muestra ensayos y material de archivo de 1968 y entrevistas con personas involucradas en la producción inacabada. [40]
Durante la segunda gira europea de las Madres en septiembre/octubre de 1968, actuaron para el Internationale Essener Songtage en el Grugahalle de Essen , Alemania; en el Tivoli de Copenhague, Dinamarca; para programas de televisión en Alemania ( Beat-Club ), Francia e Inglaterra; en el Concertgebouw de Ámsterdam; en el Royal Festival Hall de Londres; y en el Olympia de París. [41]
Zappa y las Mothers of Invention regresaron a Los Ángeles a mediados de 1968, y los Zappa se mudaron a una casa en Laurel Canyon Boulevard, solo para mudarse nuevamente a Woodrow Wilson Drive. [11] : 178 Este fue el hogar de Zappa por el resto de su vida. A pesar de tener éxito en Europa, las Mothers of Invention no lo estaban haciendo bien económicamente. [22] : 116 Sus primeros discos estaban orientados a la voz, pero a medida que Zappa escribía más jazz instrumental y música de estilo clásico para los conciertos de la banda, el público estaba confundido. Zappa sintió que el público no apreciaba su "música de cámara eléctrica". [11] : 185–187 [13] : 119–120
En 1969, había nueve miembros de la banda y Zappa apoyaba al grupo con sus regalías editoriales , ya sea que tocaran o no. [22] : 116 A fines de 1969, Zappa disolvió la banda. A menudo citó la tensión financiera como la razón principal, [1] : 107 pero también comentó sobre la falta de diligencia de los miembros de la banda. [13] : 120 Muchos miembros de la banda estaban amargados por la decisión de Zappa, y algunos lo tomaron como una señal del perfeccionismo de Zappa a expensas del sentimiento humano. [11] : 185–187 Otros estaban irritados por 'sus formas autocráticas ', [11] : 123 ejemplificadas por Zappa que nunca se alojaba en el mismo hotel que los miembros de la banda. [11] : 116 Varios miembros tocarían con Zappa nuevamente en los años siguientes, mientras que Lowell George y Roy Estrada formaron la banda Little Feat . Zappa reunió grabaciones inéditas restantes de la banda en los álbumes Burnt Weeny Sandwich y Weasels Ripped My Flesh , ambos lanzados en 1970.
Después de disolverse The Mothers of Invention, Zappa lanzó el aclamado álbum en solitario Hot Rats (1969). [11] : 194 [43] Presenta, por primera vez en un disco, a Zappa tocando solos de guitarra extendidos y contiene una de sus composiciones más perdurables, " Peaches en Regalia ", que reapareció varias veces en grabaciones futuras. [31] : 74 Fue respaldado por músicos de sesión de jazz, blues y R&B, incluido el violinista Don "Sugarcane" Harris , los bateristas John Guerin y Paul Humphrey , el multiinstrumentista y ex miembro de Mothers of Invention Ian Underwood, y el multiinstrumentista Shuggie Otis en el bajo, junto con una aparición especial de Captain Beefheart en la única pista vocal, "Willie the Pimp". Se convirtió en un álbum popular en Inglaterra, [1] : 109 y tuvo una gran influencia en el desarrollo de la fusión jazz-rock . [11] : 194 [31] : 74
En 1970, Zappa conoció al director Zubin Mehta . Organizaron un concierto para mayo de 1970 en el que Mehta dirigió la Filarmónica de Los Ángeles con la participación de una banda de rock. Según Zappa, la música fue escrita principalmente en habitaciones de motel durante una gira con Mothers of Invention. Parte de ella apareció más tarde en la película 200 Motels . [1] : 109 Aunque el concierto fue un éxito, la experiencia de Zappa trabajando con una orquesta sinfónica no fue feliz. [1] : 88 Su insatisfacción se convirtió en un tema recurrente a lo largo de su carrera; a menudo sentía que la calidad de la interpretación de su material interpretado por las orquestas no era acorde con el dinero que gastaba en conciertos y grabaciones orquestales. [1] : 142–156
Más tarde, en 1970, Zappa formó una nueva versión de los Mothers (a partir de entonces, abandonó en su mayoría el "of Invention"). Junto con Ian Underwood, la nueva banda también incluyó al baterista británico Aynsley Dunbar , al tecladista de jazz George Duke , al bajista Jeff Simmons y a los dos cantantes principales de los Turtles , Mark Volman y Howard Kaylan , quienes, debido a persistentes problemas legales y contractuales, adoptaron el nombre artístico de "The Phlorescent Leech and Eddie" o " Flo & Eddie " para abreviar. [11] : 201 Otro miembro de los Turtles, Jim Pons , se uniría al bajo en febrero de 1971, tras la salida de Simmons el mes anterior y su breve reemplazo por Martin Lickert.
Esta versión de las Mothers debutó en el siguiente álbum en solitario de Zappa, Chunga's Revenge (1970), [11] : 205 , al que siguió la banda sonora del álbum doble de la película 200 Motels (1971), con las Mothers, la Royal Philharmonic Orchestra , Ringo Starr , Theodore Bikel y Keith Moon . Codirigida por Zappa y Tony Palmer , se filmó en una semana en Pinewood Studios en las afueras de Londres. [18] : 183 Las tensiones entre Zappa y varios miembros del elenco y el equipo surgieron antes y durante el rodaje. [18] : 183 La película trata vagamente sobre la vida en la carretera como músico de rock. [11] : 207 Fue el primer largometraje fotografiado en cinta de vídeo y transferido a película de 35 mm , un proceso que permitió efectos visuales novedosos. [44] Fue lanzado con críticas mixtas. [31] : 94 La banda sonora dependía en gran medida de la música orquestal, y la insatisfacción de Zappa con el mundo de la música clásica se intensificó cuando un concierto, programado en el Royal Albert Hall después del rodaje, se canceló porque un representante del lugar encontró algunas de las letras obscenas. En 1975, perdió una demanda contra el Royal Albert Hall por incumplimiento de contrato. [1] : 119–137
Después de 200 Motels , la banda se fue de gira, lo que resultó en dos álbumes en vivo, Fillmore East – June 1971 y Just Another Band from LA ; este último incluía la canción de 20 minutos " Billy the Mountain ", la sátira de Zappa sobre la ópera rock ambientada en el sur de California. Esta canción era representativa de las actuaciones teatrales de la banda, que usaban canciones para construir sketches basados en escenas de 200 Motels , así como nuevas situaciones que a menudo retrataban los encuentros sexuales de los miembros de la banda en la carretera. [11] : 203–204 [nb 6]
El 4 de diciembre de 1971, Zappa sufrió el primero de sus dos reveses graves. Mientras actuaba en el Casino de Montreux en Suiza, el equipo de los Mothers quedó destruido cuando una bengala encendida por un miembro de la audiencia provocó un incendio que quemó el casino. [1] : 112–115 Deep Purple estaba entre el público esa noche, e inmortalizarían el evento en su clásica canción de 1972 " Smoke on the Water ". Se puede escuchar una grabación del incidente y sus consecuencias inmediatas en el álbum pirata Swiss Cheese/Fire , publicado legalmente como parte del box set Beat the Boots II de Zappa . Después de perder $50,000 (equivalentes a $376,000 en 2023) en equipos y una semana de descanso, los Mothers tocaron en el Rainbow Theatre de Londres con equipo alquilado. Durante el bis, un miembro de la audiencia, celoso por el enamoramiento de su novia con Zappa, lo empujó fuera del escenario y hacia el foso de la orquesta con piso de concreto. [45] La banda pensó que Zappa había sido asesinado: había sufrido fracturas graves, traumatismo craneoencefálico y lesiones en la espalda, la pierna y el cuello, así como una laringe aplastada , lo que finalmente provocó que su voz cayera un tercio después de sanar. [1] : 112–115 Una grabación de todo el concierto, incluido el ataque, fue lanzada en el álbum póstumo The Mothers 1971 en 2022.
Después del ataque, Zappa tuvo que usar una silla de ruedas durante un período prolongado, lo que le hizo imposible realizar giras durante más de medio año. Al regresar a los escenarios en septiembre de 1972, Zappa todavía llevaba un aparato ortopédico en la pierna, tenía una cojera notable y no podía permanecer de pie durante mucho tiempo mientras estaba en el escenario. Zappa notó que una pierna se curó "más rápido que la otra" (una referencia que luego se encontró en la letra de las canciones "Zomby Woof" y " Dancin' Fool "), lo que resultó en un dolor de espalda crónico. [1] : 112–115 Mientras tanto, los Mothers quedaron en el limbo y eventualmente formaron el núcleo de la banda de Flo y Eddie mientras se embarcaban en su propio camino.
En 1972, Zappa lanzó dos LP en solitario fuertemente orientados al jazz, Waka/Jawaka y The Grand Wazoo , que se grabaron durante el descanso forzado de las giras de conciertos, utilizando formaciones flotantes de músicos de sesión y ex alumnos de Mothers. [31] : 101 Musicalmente, los álbumes eran similares a Hot Rats, ya que presentaban pistas instrumentales extendidas con solos extendidos. [11] : 225–226 Zappa comenzó a realizar giras nuevamente a fines de 1972. [11] : 225–226 Su primer esfuerzo fue una serie de conciertos en septiembre de 1972 con una gran banda de 20 miembros conocida como Grand Wazoo. Esto fue seguido por una versión reducida conocida como Petit Wazoo que realizó una gira por los EE. UU. durante cinco semanas desde octubre a diciembre de 1972. [46]
En diciembre de 1972, [47] David Walley publicó la primera biografía de Zappa, titulada No Commercial Potential . Zappa fue muy crítico con ella, calificándola de "un libro de bolsillo, rápido y sensacionalista". Dijo que contenía "graves imprecisiones", describió la redacción como "una obra de arte de mala calidad" y afirmó que Walley "simplemente había juntado un montón de citas". [48] A pesar de las quejas de Zappa, el libro se publicó más tarde en una edición actualizada en 1980 [22] y nuevamente en 1996 después de la muerte de Zappa.
Luego, Zappa formó y realizó giras con grupos más pequeños que incluían a Ian Underwood (cañas, teclados), Ruth Underwood (vibráfono, marimba), Sal Márquez (trompeta, voz), Napoleon Murphy Brock (saxo, flauta y voz), Bruce Fowler (trombón), Tom Fowler (bajo), Chester Thompson (batería), Ralph Humphrey (batería), George Duke (teclados, voz) y Jean-Luc Ponty (violín).
En 1973, los sellos Bizarre y Straight se suspendieron. Zappa y Cohen crearon DiscReet , también distribuido por Warner. [11] : 231 Zappa continuó con un alto ritmo de producción durante la primera mitad de la década de 1970, incluido el álbum Apostrophe (') (1974), que alcanzó el puesto número 10 en las listas de álbumes pop de Billboard , [49] ayudado por el éxito número 86 de la lista " Don't Eat The Yellow Snow ". [50] Otros álbumes de este período son Over-Nite Sensation (1973), que contenía varios de los futuros favoritos de los conciertos como "Dinah-Moe Humm" y " Montana ", así como Roxy & Elsewhere (1974) y One Size Fits All (1975), que son notables por las interpretaciones ajustadas de canciones de jazz fusión altamente difíciles en piezas como " Inca Roads ", "Echidna's Arf (Of You)" y "Be-Bop Tango (Of the Old Jazzmen's Church)". [31] : 114–122 Una grabación en vivo de 1974, You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 2 (1988), captura "el espíritu completo y la excelencia de la banda de 1973-1975". [31] : 114–122
En abril de 1975, Zappa se quejó de los continuos problemas contractuales entre DiscReet y Warner. [51] Zappa lanzó Bongo Fury (1975), que incluía una grabación en vivo en la sede mundial de Armadillo en Austin de una gira del mismo año que lo reunió con Captain Beefheart por un breve período. [11] : 248 Más tarde se distanciaron por un período de años, pero estuvieron en contacto al final de la vida de Zappa. [11] : 372
En 1976, Zappa produjo el álbum Good Singin', Good Playin' para Grand Funk Railroad . La relación de Zappa con su antiguo manager Herb Cohen terminó en mayo de 1976. [52] Después de que Cohen cobrara uno de los cheques de regalías de Zappa de Warner y se quedara con el dinero, Zappa demandó a Cohen. [53] Zappa también estaba molesto con Cohen por contratar artistas que no aprobaba. [11] : 250 [54] Cohen presentó una demanda contra Zappa a cambio, que congeló el dinero que la pareja esperaba recibir de un acuerdo extrajudicial con MGM / Verve sobre los derechos de las primeras grabaciones de Mothers of Invention de Zappa . El acuerdo con MGM se finalizó a mediados de 1977 después de dos años de negociaciones. [55] El litigio con Cohen también impidió que Zappa tuviera acceso a cualquiera de sus materiales grabados previamente durante los juicios. Por lo tanto, Zappa llevó sus copias maestras personales del álbum Zoot Allures (1976) directamente a Warner, sin pasar por DiscReet. [11] : 253, 258–259 Después de la separación con Cohen, Zappa contrató a Bennett Glotzer como nuevo manager. [56]
A finales de 1976, Zappa estaba molesto con Warner por la promoción inadecuada de sus grabaciones y estaba ansioso por seguir adelante lo antes posible. [57] En marzo de 1977, Zappa entregó cuatro álbumes (cinco LP de larga duración) a Warner para completar su contrato: Zappa in New York (un set de 2 LP), Studio Tan , Sleep Dirt y Orchestral Favorites . [54] Estos álbumes contenían grabaciones realizadas principalmente entre 1972 y 1976. Warner no cumplió con las obligaciones contractuales con Zappa y, en respuesta, presentó una demanda multimillonaria por incumplimiento de contrato. [58] Durante un largo debate legal, Warner finalmente lanzó los cuatro álbumes en disputa durante 1978 y 1979, y Zappa in New York fue censurado para eliminar las referencias al guitarrista Punky Meadows . Tras la disputa con Warner, Zappa reconfiguró los cuatro álbumes en disputa, junto con otro material, en un álbum cuádruple llamado Läther (pronunciado "leather") y negoció la distribución con Phonogram Inc. para su lanzamiento en el nuevo sello Zappa Records . Läther estaba programado para su lanzamiento en Halloween de 1977, pero las acciones legales de Warner obligaron a Zappa a archivar este proyecto. [11] : 261
En diciembre de 1977, Zappa apareció en la estación de radio KROQ-FM de Pasadena, California y tocó el álbum Läther completo, mientras alentaba a los oyentes a hacer grabaciones en cinta de la transmisión. [13] : 248 El álbum integra muchos aspectos del trabajo de Zappa de la década de 1970: rock pesado, obras orquestales e instrumentales de jazz complejos, junto con los solos de guitarra distintivos de Zappa. Läther fue lanzado oficialmente póstumamente en 1996. Se ha debatido si Zappa había concebido el material como un conjunto de cuatro LP desde el principio, o solo más tarde cuando trabajaba con Phonogram. [11] : 267 [nb 7] Gail Zappa afirmó en 1996 que Läther era la intención original de Frank. [59] Sin embargo, el propio Zappa declaró en una entrevista radial en octubre de 1978 que " Läther se componía de cuatro álbumes. Warners ya ha lanzado dos de ellos y tienen dos más que probablemente lanzarán". [60]
Aunque Zappa finalmente obtuvo los derechos de todo su material creado bajo los contratos de MGM y Warner, [32] : 49 las diversas demandas significaron que durante un período el único ingreso de Zappa provenía de giras, que por lo tanto hizo extensivamente en 1975-1977 con bandas relativamente pequeñas, principalmente orientadas al rock. [11] : 261 El baterista Terry Bozzio se convirtió en un miembro regular de la banda, Napoleon Murphy Brock se quedó por un tiempo y el bajista original de Mothers of Invention, Roy Estrada , se unió. Entre otros músicos estaban el bajista Patrick O'Hearn , el cantante y guitarrista Ray White y el ex tecladista/violinista de Roxy Music Eddie Jobson . En diciembre de 1976, Zappa apareció como invitado musical destacado en el programa de televisión de la NBC Saturday Night Live . [11] : 262 La canción de Zappa " I'm the Slime " fue interpretada con una voz en off por el locutor de cabina de SNL Don Pardo , quien también presentó "Peaches En Regalia" en la misma transmisión. En 1978, Zappa se desempeñó como presentador y acto musical en el programa, y como actor en varios sketches. Las actuaciones incluyeron una colaboración musical improvisada con el miembro del elenco John Belushi durante la pieza instrumental "The Purple Lagoon". Belushi apareció como su personaje Samurai Futaba tocando el saxo tenor con Zappa dirigiendo. [61] Sin embargo, se ganó una prohibición del programa después del último episodio porque había hecho lo que los productores llamaron "un trabajo desastroso como presentador" (Zappa supuestamente no se llevaba bien con el elenco y el equipo en el período previo a la grabación, luego le dijo a la audiencia que simplemente estaba leyendo tarjetas de referencia). [62]
La banda de Zappa tuvo una serie de shows navideños en la ciudad de Nueva York en 1976, grabaciones de los cuales aparecen en Zappa in New York y Läther . La banda incluía a Ruth Underwood y una sección de vientos (con Michael y Randy Brecker ). Mezcla instrumentales complejas como " The Black Page " y canciones humorísticas como "Titties and Beer". [31] : 132 La primera composición, escrita originalmente para batería pero luego desarrollada para bandas más grandes, es notoria por su complejidad en la estructura rítmica y pasajes cortos y densamente arreglados. [63] [64]
Zappa en Nueva York también presentó una canción sobre el criminal sexual Michael H. Kenyon , "The Illinois Enema Bandit", en la que Don Pardo proporciona la narrativa de apertura. Como muchas canciones del álbum, contenía numerosas referencias sexuales, [31] : 132 lo que llevó a muchos críticos a objetar y sentirse ofendidos por el contenido. [31] : 134 [31] : 261–262 Zappa desestimó las críticas al señalar que era un periodista que informaba sobre la vida como la veía. [11] : 234 Antes de su posterior lucha contra la censura, comentó: "¿Qué opinas de una sociedad que es tan primitiva que se aferra a la creencia de que ciertas palabras en su idioma son tan poderosas que podrían corromperte en el momento en que las escuchas?" [29] Los álbumes restantes lanzados por Warner sin la aprobación de Zappa fueron Studio Tan en 1978 y Sleep Dirt y Orchestral Favorites en 1979. Estos lanzamientos no fueron promocionados y fueron en gran medida pasados por alto en medio de la prensa sobre los problemas legales de Zappa. [31] : 138 Los lanzamientos en CD de 1991 de estos álbumes marcaron la primera vez que se publicaron con la aprobación total de Zappa. [65]
Zappa lanzó dos de sus proyectos más importantes en 1979. El LP doble Sheik Yerbouti apareció en marzo y fue el primer lanzamiento de Zappa Records. Se convirtió en el álbum más vendido de su carrera. [66] El álbum contenía el sencillo nominado al Grammy "Dancin' Fool", que alcanzó el puesto número 45 en las listas de Billboard . [67] También contenía " Jewish Princess ", que recibió atención cuando la Liga Antidifamación (ADL) intentó evitar que la canción recibiera difusión radial debido a su supuesta letra antisemita . [11] : 234 Zappa negó vehementemente cualquier sentimiento antisemita y descartó a la ADL como una "organización ruidosa que intenta ejercer presión sobre la gente para fabricar una imagen estereotipada de los judíos que se adapte a su idea de un buen momento". [68] El éxito comercial del álbum fue atribuible en parte a " Bobby Brown ". Debido a sus letras explícitas, la canción no se transmitió en los EE. UU., pero encabezó las listas en varios países europeos donde el inglés no es el idioma principal. [18] : 351
Joe's Garage ha sido descrito como una "obra maestra de buena fe". [31] : 140 El proyecto inicialmente tuvo que ser lanzado en dos partes debido a las condiciones económicas. [69] El primero fue un LP sencillo Joe's Garage Act I en septiembre de 1979, seguido por un LP doble Joe's Garage Acts II y III en noviembre de 1979. La historia presenta al cantante Ike Willis como el personaje principal de una ópera rock sobre el peligro de los sistemas políticos , [31] : 140 la supresión de la libertad de expresión y música, inspirada en parte por la revolución islámica iraní de 1979 que había ilegalizado la música [11] : 277 —y sobre la "extraña relación que tienen los estadounidenses con el sexo y la franqueza sexual". [31] : 140 El álbum Act I alcanzó el puesto número 27 en la lista Billboard 200 . Contiene la canción "Catholic Girls" (una respuesta a las controversias de "Jewish Princess"), [32] : 59 y la canción principal, que también fue lanzada como sencillo. El segundo y tercer acto tienen improvisaciones de guitarra extendidas, que se grabaron en vivo, luego se combinaron con pistas de acompañamiento de estudio. Zappa describió este proceso como xenochrony . La banda incluía al baterista Vinnie Colaiuta (con quien Zappa tenía una relación musical particularmente fuerte) [1] : 180 Se incluye una de las "piezas de firma" de guitarra más famosas de Zappa, " Watermelon in Easter Hay ". [32] : 61 [70] En 1987, los tres actos fueron reeditados juntos como un conjunto de 3 LP y 2 CD.
Zappa era conocido por su pelo largo desde mediados de los años 1960, pero Gail se lo cortó alrededor de agosto de 1979. [69] Ese otoño canceló sus planes de gira para quedarse en casa con su hija recién nacida, Diva, y celebrar los cumpleaños de sus hijos Moon y Dweezil en septiembre. [71] En esa época, Zappa también completó los estudios Utility Muffin Research Kitchen (UMRK), que estaban ubicados en su casa, [72] lo que le dio total libertad en su trabajo. [11] : 269
El 21 de diciembre de 1979, la película Baby Snakes de Zappa se estrenó en la ciudad de Nueva York. La describió como "Una película sobre personas que hacen cosas que no son normales". [73] La película de 2 horas y 40 minutos tiene imágenes de conciertos en Nueva York alrededor de Halloween de 1977, con una banda que incluía al tecladista Tommy Mars y al percusionista Ed Mann (quienes regresarían en giras posteriores), así como al guitarrista Adrian Belew . También contenía varias secuencias extraordinarias de animación en arcilla de Bruce Bickford , quien anteriormente había proporcionado secuencias de animación a Zappa para un especial de televisión de 1974 (que estuvo disponible en el video de 1982 The Dub Room Special ). [11] : 282 La película no tuvo un buen desempeño en la distribución en salas, [74] pero ganó el Premier Grand Prix en el Primer Festival Internacional de Música en París en 1981. [11] : 282
Zappa cortó lazos con Phonogram después de que el distribuidor se negara a lanzar su canción " I Don't Wanna Get Drafted ", que fue grabada en febrero de 1980. [75] El sencillo fue lanzado independientemente por Zappa en los Estados Unidos y fue recogido por CBS Records a nivel internacional. [76]
Después de pasar gran parte de 1980 en la carretera, Zappa lanzó Tinsel Town Rebellion en 1981. Fue el primer lanzamiento de su propio sello Barking Pumpkin Records , [31] : 161 y presentó grabaciones en vivo de 1979 y 1980, así como una nueva canción de estudio, "Fine Girl". El álbum es una mezcla de instrumentales complicados y el uso de Zappa de sprechstimme (canción hablada o voz), una técnica de composición utilizada por compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg , que muestra algunas de las bandas más exitosas que Zappa tuvo (en su mayoría con el baterista Vinnie Colaiuta). [31] : 161 Si bien algunas letras aún generaron controversia entre los críticos, algunos de los cuales las encontraron sexistas, [11] : 284 la sátira política y sociológica en canciones como la canción principal y "The Blue Light" han sido descritas como una "crítica hilarante de la voluntad del pueblo estadounidense de creer cualquier cosa". [31] : 165 El álbum también es notable por la presencia del guitarrista Steve Vai , quien se unió a la banda de gira de Zappa a fines de 1980. [11] : 283
En 1981, Zappa también lanzó tres álbumes instrumentales, Shut Up 'n Play Yer Guitar , Shut Up 'N Play Yer Guitar Some More y The Return of the Son of Shut Up 'N Play Yer Guitar , que inicialmente se vendieron por correo, pero luego se lanzaron a través de CBS Records (ahora Sony Music Entertainment ) debido a la demanda popular. [77]
Los álbumes se centran exclusivamente en Frank Zappa como solista de guitarra, y las pistas son predominantemente grabaciones en vivo de 1979 a 1980; resaltan las habilidades de improvisación de Zappa con "hermosas actuaciones del grupo de acompañamiento también". [78] Otro álbum solo de guitarra, Guitar , fue lanzado en 1988, y un tercero, Trance-Fusion , que Zappa completó poco antes de su muerte, fue lanzado en 2006. [79]
El mismo año, se lanzó el álbum doble You Are What You Is . El álbum incluía un instrumental complejo, "Theme from the 3rd Movement of Sinister Footwear", pero consistía principalmente en canciones de rock con el comentario social sardónico de Zappa: letras satíricas dirigidas a los adolescentes, los medios de comunicación y la hipocresía religiosa y política. [80] "Dumb All Over" es una diatriba sobre la religión, al igual que "Heavenly Bank Account", en la que Zappa despotrica contra los evangelistas de la televisión como Jerry Falwell y Pat Robertson por su supuesta influencia en la administración estadounidense, así como por su uso de la religión como medio para recaudar dinero. [31] : 169–175 Canciones como "Society Pages" y "I'm a Beautiful Guy" muestran la consternación de Zappa con la era Reagan y su "obscena búsqueda de riqueza y felicidad". [31] : 169–175 Zappa hizo su único video musical para una canción de este álbum, "You Are What You Is", dirigido por Jerry Watson y producido por Paul Flattery. El video fue prohibido en MTV , aunque luego Mike Judge lo presentó en el episodio "Canoe" de Beavis & Butthead . [81]
Zappa luego amplió sus apariciones en televisión en un papel no musical. Fue actor o artista de voz en episodios de Shelley Duvall's Faerie Tale Theatre , [82] Miami Vice [11] : 343 y The Ren & Stimpy Show . [82] Un papel de voz en Los Simpson nunca se materializó, para decepción del creador Matt Groening (Groening era vecino de Zappa y fan de toda la vida). [83]
En mayo de 1982, Zappa lanzó Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch , que incluía su sencillo más vendido hasta la fecha, la canción nominada al premio Grammy « Valley Girl » (que alcanzó el puesto número 32 en las listas de Billboard ). [67] En su letra improvisada de la canción, la hija de Zappa, Moon, satirizó el dialecto de las adolescentes del Valle de San Fernando , que popularizó muchas expresiones del « Valleyspeak » como «gag me with a spoon», «fer sure, fer sure», «grody to the max» y «barf out». [84]
Un álbum de 1983, The Man from Utopia , presentó un sencillo antidrogas " Cocaine Decisions ". "The Dangerous Kitchen" y "The Jazz Discharge Party Hats" son continuaciones de las excursiones vocales sprechstimme en Tinseltown Rebellion , y el álbum también tiene instrumentales de jazz rock "Mōggio" y "We Are Not Alone". Un segundo álbum de 1983, London Symphony Orchestra, Vol. I , incluye composiciones orquestales de Zappa dirigidas por Kent Nagano e interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Londres (LSO). Un segundo registro de estas sesiones, London Symphony Orchestra, Vol. II fue lanzado en 1987. El material fue grabado bajo un cronograma ajustado con Zappa proporcionando toda la financiación, ayudado por el éxito comercial de "Valley Girl". [1] : 146–156 Zappa no estaba satisfecho con las grabaciones de la LSO. Una de las razones es "Strictly Genteel", que se grabó después de que la sección de trompetas había salido a tomar algo en un descanso: la pista necesitó 40 ediciones para ocultar las notas desafinadas. [1] : 146–156
El director Nagano, que estaba satisfecho con la experiencia, señaló que "para ser justos con la orquesta, la música es humanamente muy, muy difícil". [11] : 315 Algunas críticas señalaron que las grabaciones eran la mejor representación del trabajo orquestal de Zappa hasta el momento. [85] En 1984, Zappa se asoció nuevamente con Nagano y la Orquesta Sinfónica de Berkeley [86] para una presentación en vivo de A Zappa Affair con orquesta aumentada, marionetas de tamaño natural y escenarios móviles. Aunque aclamada por la crítica, la obra fue un fracaso financiero y solo se interpretó dos veces. Zappa fue invitado por el organizador de la conferencia Thomas Wells para ser el orador principal en la Sociedad Estadounidense de Compositores Universitarios en la Universidad Estatal de Ohio . Fue allí donde Zappa pronunció su famoso discurso "¡Bingo! Ahí va tu mandato", [87] e hizo que dos de sus piezas para orquesta, "Dupree's Paradise" y "Naval Aviation in Art?", fueran interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Columbus y la Orquesta de Cámara ProMusica de Columbus. [11] : 323 [88] La relación de gestión de Zappa con Bennett Glotzer terminó en 1984. [89] A partir de 1985, Gail comenzó a gestionar gran parte del imperio empresarial de Zappa, que incluía un sello discográfico, una empresa de pedidos por correo, una empresa de vídeos y una editorial musical. [90]
Durante el resto de su carrera, gran parte de la obra de Zappa estuvo influenciada por su uso del Synclavier , un sintetizador digital temprano, como herramienta de composición e interpretación. [1] : 172–173 Según Zappa, "con el Synclavier, cualquier grupo de instrumentos imaginarios puede ser invitado a tocar los pasajes más difíciles... con una precisión de un milisegundo , cada vez". [1] : 172–173 Aunque esencialmente eliminó la necesidad de músicos, [11] : 319 Zappa veía al Synclavier y a los músicos de la vida real como separados. [1] : 172–173
A finales de 1984, publicó cuatro álbumes. Boulez Conducts Zappa: The Perfect Stranger contiene obras orquestales encargadas y dirigidas por el célebre director, compositor y pianista Pierre Boulez (que fue mencionado como una influencia en Freak Out! ), e interpretadas por su Ensemble intercontemporain . Estas fueron yuxtapuestas con piezas de estreno de Synclavier. Una vez más, Zappa no estaba satisfecho con las interpretaciones de sus obras orquestales, considerándolas poco ensayadas, pero en las notas del álbum agradece respetuosamente las demandas de precisión de Boulez. [32] : 73 Las piezas de Synclavier contrastaban con las obras orquestales, ya que los sonidos se generaban electrónicamente y no, como se hizo posible poco después, se muestreaban .
Them or Us es un conjunto de dos LP de grabaciones de rock en estudio y en vivo. Incluye una versión de lacanción de Allman Brothers Band « Whipping Post » y «Be in My Video», la versión satírica de Zappa sobre los clichés visuales percibidos delcanal MTV . Francesco Zappa , una versión en Synclavier de obras del compositor del siglo XVIII Francesco Zappa , también fue lanzada en 1984. [91]
El álbum Thing-Fish fue un ambicioso conjunto de tres discos al estilo de una obra de Broadway que trataba sobre un escenario distópico de "qué pasaría si..." que involucraba feminismo, homosexualidad, fabricación y distribución del virus del SIDA y un programa de eugenesia llevado a cabo por el gobierno de los Estados Unidos. [92] Las nuevas voces se combinaron con temas lanzados previamente y nueva música de Synclavier; "la obra es un extraordinario ejemplo de bricolaje ". [93]
El negocio de venta por correo de artículos de Zappa, Barfko-Swill, fundado en los años 80 por la esposa de Zappa, Gail, ofrece camisetas, vídeos, pósters, partituras y grabaciones de colección, la mayoría de ellos no disponibles a través de otros medios. [94] Gail ha explicado por qué se fundó Barfko-Swill: "Sólo montones y montones de cartas de fans sin respuesta o sin respuesta. Lo primero que hicimos fue confeccionar una lista con las cartas de fans y poner a disposición una camiseta de Barking Pumpkin que todavía tenemos -la misma camiseta de siempre, el mismo logo de siempre, el mismo precio de siempre- sólo para ver qué pasaba. Todo el mundo nos escribía y nos preguntaba si había algo que pudieran conseguir además de discos... Ésa era realmente la razón principal para entrar en el negocio -para crear Barfko-Swill- en aquellos días: ser independiente. No tener que depender del interés y la capacidad de una gran compañía discográfica para promocionar tu producto. Y ese era el reto para mí. Prefiero la autonomía". [95]
De 1983 a 1993, Barfko-Swill estuvo a cargo de Gerry Fialka , [96] quien también trabajó para Zappa como archivista, asistente de producción, asistente de gira y factótum , [97] [98] [99] [100] y respondió el teléfono de la línea directa de Zappa, Barking Pumpkin Records . [101] [102] El lanzamiento en VHS de 1987 de la película Baby Snakes de Zappa incluye, como característica adicional, a Fialka dando un recorrido por Barfko-Swill. Se le acredita en pantalla como "Gerald Fialka, el tipo genial que envuelve cosas para que no se rompan". [103] Un breve clip de esta gira también se incluye en el documental de 2020 Zappa .
A partir de mediados de la década de 1980, Zappa emprendió un programa integral de reediciones de sus primeras grabaciones en vinilo. [11] : 340 Supervisó personalmente la remasterización de todos sus álbumes de las décadas de 1960, 1970 y principios de 1980 para el nuevo medio de disco compacto (CD) digital. [nb 8] Algunos fanáticos han criticado ciertos aspectos de estas reediciones por ser infieles a las grabaciones originales, y los cambios realizados en We're Only in It for the Money , Cruising with Ruben & the Jets , Uncle Meat y Sleep Dirt son los más criticados. [104] Casi veinte años antes de la llegada de las tiendas de música en línea, Zappa había propuesto reemplazar la "comercialización de discos fonográficos" de música por una "transferencia directa de digital a digital" a través del teléfono o la televisión por cable (con pagos de regalías y facturación al consumidor integrados automáticamente en el software adjunto). [1] : 337–339 En 1989, Zappa consideró su idea un "fracaso miserable". [1] : 337–339
El álbum Jazz from Hell , publicado en 1986, le valió a Zappa su primer premio Grammy en 1988 a la Mejor Interpretación Instrumental de Rock . A excepción de un solo de guitarra en vivo ("St. Etienne"), el álbum incluía exclusivamente composiciones interpretadas por Synclavier.
La última gira de Zappa en formato de banda de rock y jazz tuvo lugar en 1988 con un grupo de 12 integrantes que tenía un repertorio de más de 100 composiciones (en su mayoría de Zappa), pero que se separó en circunstancias amargas antes de que la gira se completara. [11] : 346–350 La gira fue documentada en los álbumes Broadway the Hard Way (material nuevo que presenta canciones con un fuerte énfasis político); The Best Band You Never Heard in Your Life (los "estándares" de Zappa y una colección ecléctica de versiones, que van desde el Boléro de Maurice Ravel hasta " Stairway to Heaven " de Led Zeppelin ); y Make a Jazz Noise Here (el material más complejo instrumentalmente y orientado al jazz de Zappa). Un álbum de solos de guitarra de esta gira también apareció como el álbum póstumo de 2006 Trance-Fusion , una continuación de los álbumes Shut Up 'n Play Yer Guitar y Guitar .
Más grabaciones de la gira de 1988 aparecerían como parte de You Can't Do That on Stage Anymore , una serie de seis CD dobles recopilados por Zappa a partir de grabaciones en vivo inéditas, que se remontan a las primeras grabaciones de Mothers de 1965. Los seis volúmenes se lanzaron entre 1988 y 1992. Dos álbumes en vivo de archivo más, Playground Psychotics y Ahead of Their Time , se lanzaron en 1992 y 1993 respectivamente. El primero recopilaba grabaciones de los Mothers de la era "Flo & Eddie" de principios de la década de 1970, mientras que el segundo era un concierto completo de los Mothers originales de la década de 1960 en el Royal Festival Hall en 1968 (metraje del cual se ha utilizado en la película Uncle Meat ).
El libro The Real Frank Zappa , coescrito con Peter Occhiogrosso, fue publicado por Poseidon Press en 1989. Zappa apareció en el programa de entrevistas de televisión Larry King Live para promocionarlo. Explicó el título diciendo que lo escribió en respuesta a libros anteriores no autorizados, que consideraba estúpidos y explotadores. [105]
En 1990, a Zappa le diagnosticaron un cáncer de próstata terminal . La enfermedad se había estado desarrollando sin que nadie se diera cuenta durante años y se consideraba inoperable. [106] [107] Después del diagnóstico, Zappa dedicó la mayor parte de su energía a obras orquestales modernas y de Synclavier . Poco antes de su muerte en 1993, completó Civilization Phaze III , una importante obra de Synclavier que había comenzado en la década de 1980. [11] : 374–375 [nb 9]
En 1991, Zappa fue elegido para ser uno de los cuatro compositores destacados en el Festival de Frankfurt de 1992 (los otros fueron John Cage , Karlheinz Stockhausen y Alexander Knaifel ). [108] Zappa fue abordado por el conjunto de cámara alemán Ensemble Modern , que estaba interesado en tocar su música para el evento. Aunque estaba enfermo, los invitó a Los Ángeles para ensayar nuevas composiciones y nuevos arreglos de material más antiguo. [11] : 369 Zappa también se llevó bien con los músicos, y los conciertos en Alemania y Austria se programaron para más adelante en el año. [11] : 369 Zappa también actuó en 1991 en Praga , afirmando que "era la primera vez que tenía una razón para tocar su guitarra en 3 años", y que ese momento era solo "el comienzo de un nuevo país", y pidió al público que "trate de mantener su país único, no lo convierta en otra cosa". [109] [110]
En septiembre de 1992, los conciertos se llevaron a cabo según lo programado, pero Zappa solo pudo aparecer en dos en Frankfurt debido a una enfermedad. En el primer concierto, dirigió la "Obertura" de apertura y la " G-Spot Tornado " final, así como las teatrales "Food Gathering in Post-Industrial America, 1992" y "Welcome to the United States" (el resto del programa fue dirigido por el director habitual del conjunto, Peter Rundel ). Zappa recibió una ovación de 20 minutos. [11] : 371 "G-Spot Tornado" fue interpretada con la bailarina canadiense Louise Lecavalier . Fue la última aparición pública profesional de Zappa, ya que el cáncer se estaba extendiendo a tal punto que tenía demasiado dolor para disfrutar de un evento que de otra manera encontraba "emocionante". [11] : 371 Grabaciones de los conciertos aparecieron en The Yellow Shark (1993), el último lanzamiento de Zappa durante su vida, y algo de material de los ensayos de estudio apareció en el póstumo Everything Is Healing Nicely (1999).
Zappa murió de cáncer de próstata el 4 de diciembre de 1993, en su casa con su esposa e hijos a su lado. El 6 de diciembre, su familia anunció públicamente que "el compositor Frank Zappa partió para su última gira justo antes de las 6:00 p. m. del sábado". [13] : 320 Fue enterrado en una ceremonia privada en una tumba en el cementerio Westwood Village Memorial Park , en Los Ángeles. Desde entonces, la tumba no ha sido marcada. [11] : 379–380 [32] : 552
Las fases generales de la música de Zappa se han categorizado de diversas formas: blues rock , [111] rock experimental , [112] jazz , [112] clásica , [112] avant-pop , [113] pop experimental , [114] comedia rock , [8] doo-wop , [6] [115] jazz fusión , [4] rock progresivo , [4] proto-prog , [116] avant-jazz , [4] y rock psicodélico . [4]
Zappa creció influenciado por compositores de vanguardia como Edgard Varèse, Igor Stravinsky y Anton Webern; los artistas de blues de los años 50 Clarence "Gatemouth" Brown , Guitar Slim , Howlin' Wolf , Johnny "Guitar" Watson y BB King ; [117] el compositor egipcio Halim El-Dabh ; [21] grupos de R&B y doo-wop (particularmente grupos locales de pachuco ); y jazz moderno. Su propio origen étnico heterogéneo y la diversa mezcla social y cultural en el área metropolitana de Los Ángeles y sus alrededores fueron cruciales en la formación de Zappa como practicante de la música underground y de su posterior actitud desconfiada y abiertamente crítica hacia los movimientos sociales, políticos y musicales "mainstream". Con frecuencia satirizó modas musicales como la psicodelia , la ópera rock y la música disco . [18] : 13 [nb 10] La televisión también ejerció una fuerte influencia, como lo demuestran las citas de temas de programas y jingles publicitarios que se encuentran en sus obras posteriores. [119]
En su libro The Real Frank Zappa Book , Zappa atribuyó al compositor Spike Jones el uso frecuente de efectos de sonido divertidos, ruidos de boca e interjecciones de percusión humorísticas. Después de explicar sus ideas al respecto, dijo: "Le debo esta parte de mi existencia musical a Spike Jones". [120]
Los álbumes de Zappa hacen un uso extensivo de pistas enlazadas , uniendo sin interrupción los elementos de sus álbumes. [121] Su producción total está unificada por una continuidad conceptual que él denominó "Proyecto/Objeto", con numerosas frases musicales, ideas y personajes que reaparecen en sus álbumes. [4] También lo llamó una "continuidad conceptual", lo que significa que cualquier proyecto o álbum era parte de un proyecto más grande. Todo estaba conectado, y los temas musicales y las letras reaparecieron en diferentes formas en álbumes posteriores. Las pistas de continuidad conceptual se encuentran en toda la obra de Zappa. [11] : 160 [119]
Zappa es ampliamente reconocido como uno de los solistas de guitarra eléctrica más importantes. En un número de 1983 de Guitar World , John Swenson declaró: "el hecho es que [Zappa] es uno de los mejores guitarristas que tenemos y es muy poco apreciado como tal". [122] Su estilo idiosincrásico se desarrolló gradualmente y maduró a principios de la década de 1980, momento en el que sus presentaciones en vivo presentaban largos solos improvisados durante muchas canciones. Un artículo de noviembre de 2016 de los editores de la revista Guitar Player escribió: "Rebosantes de motivos sofisticados y ritmos enrevesados, las excursiones prolongadas de Zappa son más parecidas a sinfonías que a solos de guitarra". La comparación sinfónica se debe a su hábito de introducir temas melódicos que, como las melodías principales de una sinfonía, se repetían con variaciones a lo largo de sus solos. Además, se lo describió como un músico que usaba una amplia variedad de escalas y modos, animados por "combinaciones rítmicas inusuales". Su mano izquierda era capaz de realizar una técnica de legato suave , mientras que la derecha de Zappa era "una de las manos de púa más rápidas del sector". [123] En 2016, Dweezil Zappa explicó que un elemento distintivo de la técnica de improvisación de guitarra de su padre era depender en gran medida de los golpes ascendentes mucho más que muchos otros guitarristas, que son más propensos a utilizar golpes descendentes con su púa. [3]
Su canción "Outside Now" de Joe's Garage se burlaba de la recepción negativa de la técnica de guitarra de Zappa por parte de aquellos con una mentalidad más comercial, ya que el narrador de la canción vive en un mundo donde la música está prohibida e imagina "notas de guitarra imaginarias que irritarían/a un tipo ejecutivo", letras que son seguidas por uno de los solos característicamente extravagantes de Zappa en compás de 11/8. [124] El transcriptor de Zappa, Kasper Sloots, escribió: "Los solos de guitarra de Zappa no están destinados a presumir técnicamente (Zappa no ha afirmado ser un gran virtuoso del instrumento), sino por el placer que da tratar de construir una composición frente a una audiencia sin saber cuál será el resultado". [125]
El estilo de guitarra de Zappa no estuvo exento de críticas. El guitarrista y director de orquesta inglés John McLaughlin , cuya banda Mahavishnu Orchestra estuvo de gira con Mothers of Invention en 1973, opinó que Zappa era "muy interesante como ser humano y un compositor muy interesante" y que "era un muy buen músico pero era un dictador en su banda", y que "hacía solos de guitarra muy largos [cuando tocaba en vivo], solos de guitarra de 10 a 15 minutos y realmente debería haber hecho solos de guitarra de dos o tres minutos, porque eran un poco aburridos". [126]
En 2000, ocupó el puesto número 36 en la lista de los 100 mejores artistas de hard rock de VH1 . [127] En 2004, la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto número 71 en su lista de los "100 mejores artistas de todos los tiempos" , [128] y en 2011 en el puesto número 22 en su lista de los "100 mejores guitarristas de todos los tiempos". [129]
Durante las sesiones de grabación en Nueva York en 1967, Zappa utilizó cada vez más la edición de cintas como herramienta de composición. [11] : 160 Un excelente ejemplo se encuentra en el álbum doble Uncle Meat (1969), [35] : 104 donde la pista "King Kong" está editada de varias actuaciones en estudio y en vivo. Zappa había comenzado a grabar conciertos regularmente, [nb 11] y debido a su insistencia en la afinación y el tiempo precisos, pudo aumentar sus producciones de estudio con extractos de espectáculos en vivo, y viceversa. [72] Más tarde, combinó grabaciones de diferentes composiciones en nuevas piezas, independientemente del tempo o el compás de las fuentes. A este proceso lo denominó " xenochronía " (sincronizaciones extrañas [130] ), que refleja el griego "xeno" (alienígena o extraño) y "chronos" (tiempo). [72]
Los padres de Zappa fueron Francis Vincent Zappa y Rose Marie Zappa (apellido de soltera Colimore). Frank era el mayor de cuatro hijos, seguido por sus hermanos Bobby y Carl y su hermana Patrice.
Zappa estuvo casado con Kathryn J. "Kay" Sherman de 1960 a 1963. En 1967, se casó con Adelaide Gail Sloatman . [132] [133] Él y su segunda esposa tuvieron cuatro hijos: Moon (nacida en 1967), Dweezil (nacida en 1969), Ahmet (nacida en 1974) y Diva (nacida en 1979). [134] Moon y Ahmet cantaron en el álbum de Frank de 1981 You Are What You Is , mientras que Moon también proporcionó la voz de " Valley girl " en la canción del mismo nombre en Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch de 1982. La canción se convirtió en el único sencillo de Frank en el Top 40 de Estados Unidos y se le atribuye la popularización del valspeak y la cultura de las valley girls, a pesar de que Frank y Moon la concibieron como una parodia y una crítica de ella. [135] [136] [137] Un guitarrista consumado por derecho propio, Dweezil hizo varias apariciones especiales en el escenario con Frank durante las giras de 1984 y 1988, y Frank produjo el primer álbum de Dweezil, Havin' a Bad Day en 1986.
Tras la muerte de Zappa, su viuda Gail creó el Zappa Family Trust, que posee los derechos de la música de Zappa y alguna otra producción creativa: 62 álbumes lanzados durante la vida de Zappa y 67 póstumamente a partir de septiembre de 2024. Tras la muerte de Gail en octubre de 2015, los hijos de Zappa recibieron acciones del fideicomiso; Ahmet y Diva recibieron el 30% cada uno, Moon y Dweezil recibieron el 20% cada uno. [138] El fideicomiso original, firmado por Frank y Gail en 1990, aseguró que los cuatro hijos recibirían partes iguales, pero Gail lo modificó en algún momento después de la muerte de Frank. [139]
Zappa y Don Van Vliet se conocieron cuando ambos eran adolescentes y compartían un interés por el rhythm and blues y el blues de Chicago . [140] Colaboraron desde esta etapa temprana con los guiones de Zappa para "operetas adolescentes", como "Captain Beefheart & the Grunt People", y Vliet finalmente adoptó el nombre de Captain Beefheart. La primera grabación conocida de Zappa o Beefheart es una colaboración entre ellos, "Lost in a Whirlpool", grabada alrededor de 1958/1959 e incluida en el álbum póstumo de Zappa The Lost Episodes en 1996. En 1963, la pareja grabó una demo en el Pal Recording Studio en Cucamonga como The Soots, buscando el apoyo de un sello importante. Sus esfuerzos no tuvieron éxito, ya que el estilo vocal de Vliet con influencias de Howlin' Wolf y la guitarra distorsionada de Zappa "no estaban en la agenda" en ese momento. [140] En 1965, mientras Zappa formaba Mothers of Invention, Beefheart reunió a Captain Beefheart and His Magic Band. Su tercer álbum, Trout Mask Replica de 1969, aclamado por la crítica , fue producido por Zappa. Ese mismo año, Beefheart prestó su voz en "Willie the Pimp" en el álbum Hot Rats . Beefheart también tocó la armónica en "San Ber'dino" (acreditada como "Bloodshot Rollin' Red") en One Size Fits All (1975) y " Find Her Finer " en Zoot Allures (1976). [141]
A lo largo de los años, la amistad entre Zappa y Beefheart se expresó a veces en forma de rivalidad, ya que los músicos iban y venían entre sus grupos. Beefheart se unió a la banda de Zappa en la gira de 1975, documentada en el álbum Bongo Fury , [142] principalmente porque las obligaciones contractuales conflictivas hicieron que Beefheart no pudiera hacer giras o grabar de forma independiente en ese momento. Su relación se volvió agria en la gira hasta el punto de que se negaron a hablar entre sí. Zappa se irritó con Beefheart, que dibujaba constantemente, incluso mientras estaba en el escenario, llenando uno de sus grandes cuadernos de bocetos con retratos ejecutados rápidamente y caricaturas deformadas de Zappa. Musicalmente, el estilo primitivo de Beefheart contrastaba marcadamente con la disciplina compositiva de Zappa y su abundante técnica. El baterista de Mothers of Invention, Jimmy Carl Black, describió la situación como "dos genios" en "viajes del ego". [143] Se distanciaron durante años después, pero se reconciliaron al final de la vida de Zappa.
Zappa afirmó: "Las drogas no se convierten en un problema hasta que la persona que las consume te hace algo, o hace algo que afectaría tu vida y que no quieres que te pase, como un piloto de avión que se estrella porque estaba drogado". [144] Zappa fue un gran fumador de tabaco durante la mayor parte de su vida y criticó las campañas contra el tabaco. [nb 12]
Aunque desaprobaba el consumo de drogas, criticaba la Guerra contra las Drogas , comparándola con la prohibición del alcohol , y afirmaba que el Tesoro de los Estados Unidos se beneficiaría de la despenalización y regulación de las drogas. [1] : 329 Al describir sus puntos de vista filosóficos, Zappa afirmó: "Creo que las personas tienen derecho a decidir sus propios destinos; las personas son dueñas de sí mismas. También creo que, en una democracia, el gobierno existe porque (y solo mientras) los ciudadanos individuales le dan una 'licencia temporal para existir', a cambio de una promesa de que se comportará como corresponde. En una democracia, usted es dueño del gobierno, el gobierno no es dueño de usted". [1] : 315–316, 323–324, 329–330
En una entrevista de 1991, Zappa informó que era un demócrata registrado , pero agregó "eso podría no durar mucho, voy a destruirlo". [146] Al describir sus opiniones políticas, Zappa se categorizó a sí mismo como un " conservador práctico ". [nb 13] Favorecía un gobierno limitado y bajos impuestos ; también declaró que aprobaba la defensa nacional, la seguridad social y otros programas federales, pero solo si los destinatarios de dichos programas están dispuestos y pueden pagarlos. [1] : 315–316, 323–324, 329–330 Se opuso al reclutamiento militar, diciendo que el servicio militar debería ser voluntario. [147] Favorecía el capitalismo, el espíritu empresarial y los negocios independientes, afirmando que los músicos podrían ganar más siendo dueños de sus propios negocios que cobrando regalías. [148] Se opuso al comunismo, afirmando: "Un sistema que no permite la propiedad... tiene, por decirlo suavemente, un defecto de diseño fatal". [1] : 315–316, 323–324, 329–330 Había usado las portadas de sus álbumes para alentar a sus fans a registrarse para votar , y durante todo 1988, tuvo cabinas de registro en sus conciertos. [11] : 348 Incluso consideró postularse para presidente de los Estados Unidos como independiente. [11] : 365 [149]
Zappa era ateo . [150] [151] Recordó que sus padres eran "bastante religiosos" y que intentaban obligarlo a ir a una escuela católica a pesar de su resentimiento. Sentía repugnancia hacia la religión organizada (el cristianismo en particular) porque creía que promovía la ignorancia y el antiintelectualismo . Sostenía la opinión de que la historia del Jardín del Edén muestra que la esencia del cristianismo es oponerse a la adquisición de conocimientos. [152] Algunas de sus canciones, actuaciones en conciertos, entrevistas y debates públicos en la década de 1980 criticaron y ridiculizaron a los republicanos y sus políticas (el presidente Ronald Reagan , la Iniciativa de Defensa Estratégica (IDE) , el teleevangelismo y la derecha cristiana ) y advirtieron que el gobierno de los Estados Unidos estaba en peligro de convertirse en una "teocracia fascista". [153] [154]
A principios de 1990, Zappa visitó Checoslovaquia a petición del presidente Václav Havel . La reunión había sido organizada por el tecladista Michael Kocáb . Un admirador de larga data del compromiso de Zappa con el individualismo, Havel lo designó como "Embajador Especial de Checoslovaquia en Occidente para el Comercio, la Cultura y el Turismo". [155] Havel fue un fan de toda la vida de Zappa, quien tuvo una gran influencia en la escena vanguardista y underground en Europa Central en los años 1970 y 1980. The Plastic People of the Universe , un grupo de jazz rock checoslovaco asociado con la cultura underground de Praga , tomó su nombre de la canción de Zappa de 1967 " Plastic People ". [156] Bajo presión del Secretario de Estado, James Baker , el puesto de Zappa (como "Embajador Especial" checo) fue retirado. [157] Havel nombró a Zappa un agregado cultural no oficial en su lugar. [11] : 357–361 Zappa planeó desarrollar una empresa de consultoría internacional para facilitar el comercio entre el antiguo Bloque del Este y las empresas occidentales. [107]
Zappa expresó opiniones sobre la censura cuando apareció en la serie de televisión Crossfire de CNN y debatió temas con el comentarista del Washington Times John Lofton en 1986. [154] El 19 de septiembre de 1985, Zappa testificó ante el comité de Comercio, Tecnología y Transporte del Senado de los Estados Unidos , atacando al Parents Music Resource Center o PMRC, una organización musical cofundada por Tipper Gore , esposa del entonces senador Al Gore . [158] El PMRC estaba formado por muchas esposas de políticos, incluidas las esposas de cinco miembros del comité, y se fundó para abordar el problema de las letras de canciones con contenido sexual o satánico. [159] Durante el testimonio de Zappa, afirmó que había un claro conflicto de intereses entre el PMRC debido a las relaciones de sus fundadores con los políticos que entonces intentaban aprobar lo que él llamó el "Impuesto a la cinta en blanco". Kandy Stroud, portavoz del PMRC, anunció que el senador Gore (cofundador del comité) era uno de los patrocinadores de esa legislación. Zappa sugirió que las discográficas estaban tratando de conseguir que el proyecto de ley se aprobara rápidamente a través de comités, uno de los cuales estaba presidido por el senador Strom Thurmond, que también estaba afiliado al PMRC. Zappa dijo además que este comité estaba siendo utilizado como una distracción para evitar que se aprobara ese proyecto de ley, lo que sólo beneficiaría a unos pocos elegidos en la industria de la música. [160] [161]
Zappa consideró que sus actividades iban encaminadas a la censura [1] : 267 y calificó su propuesta de etiquetado voluntario de discos con contenido explícito como una "extorsión" a la industria musical. [1] : 262
En su declaración preparada, dijo:
La propuesta del PMRC es una pieza de absurdo mal concebida que no aporta ningún beneficio real a los niños, infringe las libertades civiles de personas que no son niños y promete mantener a los tribunales ocupados durante años lidiando con los problemas de interpretación y aplicación inherentes al diseño de la propuesta. Entiendo que, en derecho, las cuestiones relativas a la Primera Enmienda se deciden con preferencia por la alternativa menos restrictiva. En este contexto, las exigencias del PMRC son el equivalente a tratar la caspa mediante la decapitación ... El establecimiento de un sistema de calificación, voluntario o no, abre la puerta a un desfile interminable de programas de control de calidad moral basados en cosas que a ciertos cristianos no les gustan. ¿Qué pasaría si el próximo grupo de esposas de Washington exigiera una gran "J" amarilla en todo el material escrito o interpretado por judíos, con el fin de salvar a niños indefensos de la exposición a la doctrina sionista oculta? [160] [161] [162]
Zappa puso extractos de las audiencias del PMRC en música de Synclavier en su composición "Porn Wars" en el álbum de 1985 Frank Zappa Meets the Mothers of Prevention , y la grabación completa fue lanzada en 2010 como Congress Shall Make No Law... Se escucha a Zappa interactuando con los senadores Fritz Hollings , Slade Gorton y Al Gore . [163]
Zappa fue una figura controvertida. Como señaló Geoffrey Himes en 1993 tras la muerte del artista, Zappa fue aclamado como un genio por el director de orquesta Kent Nagano y nominado por el presidente checoslovaco Václav Havel como embajador cultural del país, pero en vida fue rechazado dos veces para su admisión en el Salón de la Fama del Rock and Roll . En Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981), Robert Christgau desestimó la música de Zappa como "tonterías sexistas adolescentes... con métricas, voces y cambios de tonalidad que son tan difíciles de tocar como fáciles de olvidar". [9] Según Himes:
Admiradores y detractores coinciden en que la música de Zappa —con sus compases extraños, armonías poco ortodoxas y líneas endiabladamente difíciles— ostenta una complejidad cerebral poco común. Pero ahí termina el acuerdo. Algunos admiradores consideran que sus chistes de inmaduros ("Don't Eat the Yellow Snow") y sus parodias de música pop ("Sheik Yerbouti") son un contrapeso crucial a la densidad enrarecida de la música; otros devotos consideran que los chistes son un espectáculo secundario irrelevante para una música que se aprecia mejor en un entorno de cámara u orquestal. Los críticos consideran que la iconoclasia petulante del humor es un síntoma del vacío esencial de los ejercicios intelectuales de Zappa. [9]
Frank Zappa fue uno de los primeros en intentar derribar las barreras entre el rock, el jazz y la música clásica. A finales de los años sesenta, su Mothers of Invention pasaría de "Petroushka" de Stravinsky a " Bristol Stomp " de The Dovells, antes de descomponerse en chillidos de saxofón inspirados en Albert Ayler.
— La historia ilustrada del rock & roll de The Rolling Stone , pág. 497
La guía de álbumes de Rolling Stone (2004) escribe: «Frank Zappa incursionó en prácticamente todo tipo de música y, ya fuera disfrazado de rockero satírico, fusionista de jazz-rock, virtuoso de la guitarra, mago de la electrónica o innovador orquestal, su genio excéntrico era innegable». [164] Aunque su obra se inspiró en muchos géneros diferentes, se consideró que Zappa estableció una expresión coherente y personal. En 1980, el biógrafo David Walley señaló que «toda la estructura de su música está unificada, no está claramente dividida por fechas o secuencias de tiempo y todo se va construyendo en un compuesto». [22] : 3 Al comentar sobre la música, la política y la filosofía de Zappa, Barry Miles señaló en 2004 que no se pueden separar: «Todo era uno; todo formaba parte de su 'continuidad conceptual'». [11] : 383
Guitar Player dedicó un número especial a Zappa en 1992, y preguntó en la portada "¿Es FZ el secreto musical mejor guardado de Estados Unidos?" El editor Don Menn comentó que el número trataba sobre "El compositor más importante que ha surgido de la música popular moderna". [165] Entre los que contribuyeron al número estaba el compositor y musicólogo Nicolas Slonimsky , quien dirigió interpretaciones de estreno de obras de Ives y Varèse en la década de 1930. [166] Se hizo amigo de Zappa en la década de 1980, [167] y dijo: "Admiro todo lo que hace Frank, porque prácticamente creó el nuevo milenio musical. Hace un trabajo hermoso, hermoso... Ha sido mi suerte haber vivido para ver el surgimiento de este tipo de música totalmente nuevo". [168] El director Kent Nagano comentó en el mismo número que "Frank es un genio. Esa es una palabra que no uso a menudo... En el caso de Frank no es demasiado fuerte... Es extremadamente culto musicalmente. No estoy seguro de si el público en general lo sabe". [169] Pierre Boulez dijo en el artículo de homenaje póstumo a Zappa de la revista Musician que Zappa "era una figura excepcional porque era parte de los mundos del rock y la música clásica y que ambos tipos de su trabajo sobrevivirían". [170] En 1994, la encuesta de críticos de la revista de jazz DownBeat colocó a Zappa en su Salón de la Fama. [171] Zappa fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995. Allí, se escribió que "Frank Zappa fue la mente musical más aguda del rock and roll y el crítico social más astuto. Fue el compositor más prolífico de su época, y unió géneros (rock, jazz, música clásica, de vanguardia e incluso novedosa) con una facilidad magistral". [172] Ocupó el puesto número 36 en la lista de los 100 mejores artistas de hard rock de VH1 [127] en 2000. En 2005, la Junta Nacional de Preservación de Grabaciones de EE. UU. incluyó We're Only in It for the Money en el Registro Nacional de Grabaciones porque "el álbum inventivo e iconoclasta de Frank Zappa presenta una postura política única, tanto anticonservadora como anticontracultura, y presenta una sátira mordaz sobre el hippismo y las reacciones de Estados Unidos ante él". [173] El mismo año, la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto número 71 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. [174] En 2011, fue clasificado en el puesto número 22 en la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos por la misma revista. [175] En 2016,Mundo de la guitarraLa revista colocó a Zappa en lo más alto de su lista de "15 de los mejores guitarristas de rock progresivo de todos los años". [176] La calle de Partinico donde vivía su padre en el número 13, Via Zammatà, ha sido renombrada como Via Frank Zappa. [177] Desde su muerte, varios músicos han sido considerados por los críticos como llenadores del nicho artístico dejado por Zappa, en vista de su prolífica producción, eclecticismo y otras cualidades, incluyendo a Devin Townsend , [178] [179] [180] [181] Mike Patton [182] [183] [184] y Omar Rodríguez-López . [185] [186]
A lo largo de su carrera, Zappa fue nominado a nueve premios Grammy competitivos , de los cuales ganó dos (uno póstumo). En 1998, recibió el premio Grammy a la trayectoria . [187]
Muchos músicos, bandas y orquestas de diversos géneros han sido influenciados por la música de Zappa. Artistas de rock como The Plastic People of the Universe , [188] Alice Cooper , [189] Larry LaLonde de Primus , [190] Fee Waybill de The Tubes [191] citan la influencia de Zappa, al igual que artistas de rock progresivo , alternativo , electrónico y de vanguardia / experimental como Can , [nb 14] Pere Ubu , [nb 15] Yes , [192] [193] Soft Machine , [194] [195] Henry Cow , [196] Faust , [197] Devo , [198] Kraftwerk , [199] Trey Anastasio y Jon Fishman de Phish , [174] Jeff Buckley , [200] John Frusciante , [201] Steven Wilson , [202] y The Aristocrats . [203]
Paul McCartney consideraba a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band como el Freak Out! de los Beatles . [204] Jimi Hendrix [205] y grupos de heavy rock y metal como Black Sabbath , [206] Living Colour , [207] Simon Phillips , [208] Mike Portnoy , [209] Warren DeMartini , [210] Alex Skolnick , [211] Steve Vai , [212] Strapping Young Lad , [213] System of a Down , [214] y Clawfinger [215] han reconocido a Zappa como inspiración. En la escena de la música clásica, Tomas Ulrich, [216] Meridian Arts Ensemble , [217] Ensemble Ambrosius [218] y Fireworks Ensemble [219] interpretan regularmente las composiciones de Zappa y citan su influencia. Los músicos y compositores de jazz contemporáneo Bobby Sanabria , Bill Frisell [220] y John Zorn [221] se inspiran en Zappa, al igual que la leyenda del funk George Clinton . [222]
Otros artistas afectados por Zappa incluyen al compositor ambiental Brian Eno , [223] [224] el pianista new age George Winston , [225] el compositor electrónico Bob Gluck , [226] el artista parodista y disc jockey Dr. Demento , [227] el parodista y compositor de novedades "Weird Al" Yankovic , [228] el pionero de la música industrial Genesis P-Orridge , [229] la cantante Cree Summer , [230] [231] el artista de música noise Masami Akita de Merzbow , [232] el pianista italiano Stefano Bollani , [233] [234] la banda italiana Elio e le Storie Tese [235] [236] [237] y el compositor chileno Cristián Crisosto de Fulano y Mediabanda . [238] [239] [240]
Científicos de diversos campos han honrado a Zappa nombrando nuevos descubrimientos en su honor. En 1967, el paleontólogo Leo P. Plas Jr. identificó un molusco extinto en Nevada y lo llamó Amaurotoma zappa con la motivación de que "el nombre específico, zappa , honra a Frank Zappa". [241]
En la década de 1980, el biólogo Ed Murdy nombró a un género de peces gobios de Nueva Guinea Zappa , con una especie llamada Zappa confluentus . [242] El biólogo Ferdinando Boero nombró a una medusa californiana Phialella zappai (1987), señalando que tuvo "placer en nombrar a esta especie en honor al compositor de música moderno". [243]
Los biólogos belgas Bosmans y Bosselaers descubrieron a principios de los años 1980 una araña camerunesa, a la que llamaron en 1994 Pachygnatha zappa porque "el lado ventral del abdomen de la hembra de esta especie se parece sorprendentemente al legendario bigote del artista". [244]
En 1995 , tres biólogos de Maryland denominaron zapA a un gen de la bacteria Proteus mirabilis que causa infecciones del tracto urinario. En su artículo científico, "agradecen especialmente al difunto Frank Zappa por su inspiración y ayuda con la nomenclatura genética". [245] En 1996, Yuan Chang y Patrick S. Moore , que descubrieron el virus , denominaron frnk , vnct y zppa a regiones repetidas del genoma del virus tumoral humano KSHV . Además, una secuencia repetida de 143 pares de bases que se encuentra en dos posiciones se denominó waka/jwka . [246] A finales de los años 1990, los paleontólogos estadounidenses Marc Salak y Halard L. Lescinsky descubrieron un fósil de metazoo y lo denominaron Spygori zappania para honrar al "difunto Frank Zappa... cuya misión era paralela a la de los primeros paleontólogos: desafiar las creencias convencionales y tradicionales cuando dichas creencias carecían de raíces en la lógica y la razón". [247]
En 1994, los esfuerzos de cabildeo iniciados por el psiquiatra John Scialli llevaron al Centro de Planetas Menores de la Unión Astronómica Internacional a nombrar un asteroide en honor a Zappa: 3834 Zappafrank . [248] El asteroide fue descubierto en 1980 por el astrónomo checoslovaco Ladislav Brožek , y la cita para su denominación dice que "Zappa fue un artista y compositor ecléctico y autodidacta... Antes de 1989 era considerado un símbolo de democracia y libertad por muchas personas en Checoslovaquia". [249] En 1995, un busto de Zappa del escultor Konstantinas Bogdanas fue instalado en Vilna , la capital de Lituania 54°40′59″N 25°16′33″E / 54.683, -25.2759 . La elección de Zappa fue explicada como "un símbolo que marcaría el fin del comunismo, pero al mismo tiempo expresaría que no siempre fue pesimismo". [155] Se ofreció una réplica a la ciudad de Baltimore en 2008, y el 19 de septiembre de 2010 (el vigésimo quinto aniversario del testimonio de Zappa ante el Senado de los Estados Unidos) se celebró una ceremonia para dedicar la réplica y el busto fue presentado en una biblioteca de la ciudad. [250] [251]
En 2002, se instaló un busto de bronce en la ciudad alemana de Bad Doberan , sede del Zappanale desde 1990, un festival musical anual que celebra a Zappa. [252] Por iniciativa de la comunidad de músicos ORWOhaus , la ciudad de Berlín nombró una calle en el distrito de Marzahn "Frank-Zappa-Straße" en 2007. [253] El mismo año, la alcaldesa de Baltimore, Sheila Dixon, proclamó el 9 de agosto como el "Día de Frank Zappa" oficial de la ciudad, citando los logros musicales de Zappa, así como su defensa de la Primera Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos . [254]
El documental biográfico Zappa , dirigido por Alex Winter y estrenado el 27 de noviembre de 2020, incluye imágenes inéditas de la bóveda personal de Zappa, a la que el Zappa Family Trust le otorgó acceso. [255] [256]
Durante su vida, Zappa lanzó 62 álbumes. Desde 1994, Zappa Family Trust ha lanzado 67 álbumes póstumos, lo que hace un total de 129 álbumes. [257] El distribuidor de la producción grabada de Zappa es Universal Music Enterprises . [258] En junio de 2022, Zappa Trust anunció que había vendido todo el catálogo de Zappa a Universal Music, incluidas las cintas maestras, los derechos de autor de las canciones y las marcas comerciales. [259]
Recorrido y vídeo relativo:
Zappa utilizó con regularidad la improvisación estructurada en un contexto similar al del jazz, pero también utilizó ocasionalmente lo que él llamaba "composición espontánea".
, Zappa quedó fascinado simultáneamente por el R&B negro (Johnny 'Guitar' Watson, Guitar Slim), el doo-wop (The Channels, The Velvets) y los compositores modernistas del siglo XX, como Igor Stravinsky, Anton Webern y Edgard Varèse.
También fue el año en que Zappa y su banda, un grupo de blues-rock llamado Mothers of Invention.
Yo era ateo. Zappa era ateo.
los numerosos músicos de rock ateos, Frank Zappa se encuentra entre los más francos.
con The Velvet Underground, Frank Zappa es la influencia más obvia en Faust. Los miembros del grupo estudiaron y admiraron su música. Si Faust tuvo algún tipo de líder o centro en los primeros días, aparte de Uwe, fue Rudolf Sosna, y Sosna estaba seriamente interesado en Zappa, siempre tratando de resolver y deshacer su "sistema" musical para poder ponerlo a funcionar él mismo.
GC: No conocíamos a los Tubes en ese momento, probablemente no hasta que estábamos en la canción número veinte o algo así, pero nos dimos cuenta de que estaban muy involucrados en lo que estábamos haciendo, mientras que tanto Zappa como Captain Beefheart fueron una inspiración para nosotros.
Demento llamó a Zappa "la mayor inspiración musical para mí cuando comencé el Dr. Demento Show, y sigue siendo uno de nuestra media docena de artistas más solicitados hasta el día de hoy".
