Walt Disney Animation Studios ( WDAS ), [6] a veces abreviado como Disney Animation , es un estudio de animación estadounidense que crea largometrajes animados y cortometrajes para The Walt Disney Company . El logotipo de producción actual del estudio presenta una escena de su primera caricatura con sonido sincronizado, Steamboat Willie (1928). Fundado el 16 de octubre de 1923 por los hermanos Walt Disney y Roy O. Disney , [1] es el estudio de animación en funcionamiento más antiguo del mundo. Actualmente está organizado como una división de Walt Disney Studios y tiene su sede en el Roy E. Disney Animation Building en el lote de Walt Disney Studios en Burbank, California . [7] Desde su fundación, el estudio ha producido 62 largometrajes , desde Blancanieves y los siete enanitos (1937) hasta Wish (2023), [8] y cientos de cortometrajes .
Fundado como Disney Brothers Cartoon Studio en 1923, rebautizado como Walt Disney Studio en 1926 e incorporado como Walt Disney Productions en 1929, el estudio se dedicó a producir cortometrajes hasta que entró en la producción de largometrajes en 1934, lo que dio como resultado Blancanieves y los siete enanitos de 1937 . uno de los primeros largometrajes de animación y el primero con sede en Estados Unidos. En 1986, durante una gran reestructuración corporativa, Walt Disney Productions, que había pasado de ser un único estudio de animación a convertirse en un conglomerado de medios internacional , pasó a llamarse The Walt Disney Company y el estudio de animación se convirtió en Walt Disney Feature Animation para diferenciarlo de la compañía. otras divisiones. Su nombre actual fue adoptado en 2006 después de que Disney adquiriera Pixar .
Para muchas personas, Disney Animation es sinónimo de animación, porque "en ningún otro medio las prácticas de una sola empresa han podido dominar las normas estéticas" de forma tan abrumadora. [9] El estudio fue reconocido como el principal estudio de animación estadounidense durante gran parte de su existencia [10] y fue "durante muchas décadas el líder mundial indiscutible en películas animadas"; [11] desarrolló muchas de las técnicas, conceptos y principios que se convirtieron en prácticas estándar de la animación tradicional . [12] El estudio también fue pionero en el arte del guión gráfico , que ahora es una técnica estándar utilizada tanto en el cine animado como en el de acción en vivo. [13] El catálogo de películas animadas del estudio se encuentra entre los activos más notables de Disney, con las estrellas de sus cortos animados ( Mickey Mouse , Minnie Mouse , el Pato Donald , la Pata Daisy , Goofy y Plutón) convirtiéndose en figuras reconocibles en la cultura popular y mascotas de la Compañía Walt Disney en su conjunto.
Tres de las películas del estudio, Frozen (2013), Zootopia (2016) y Frozen II (2019), se encuentran entre las 50 películas más taquilleras de todos los tiempos , y esta última se convierte en el segundo largometraje animado más taquillero de la historia. todo el tiempo . También tuvo el estreno mundial con mayor recaudación de todos los tiempos para una película animada hasta el lanzamiento de The Super Mario Bros. Movie (2023) de Nintendo e Illumination .
En 2013, el estudio ya no desarrollaba funciones animadas dibujadas a mano como resultado de que la animación por computadora en 3D era más rentable y había despedido a la mayor parte de su división de animación dibujada a mano. [14] [15] Sin embargo, el estudio declaró en 2019 y 2023 que estaría abierto a propuestas de cineastas para futuros proyectos de largometrajes dibujados a mano. [16] [17]
Walt Disney y Roy O. Disney , nativos de Kansas City, Missouri , fundaron Disney Brothers Cartoon Studio en Los Ángeles en 1923 y comenzaron a producir una serie de cortometrajes mudos de Alice Comedies que presentaban a una actriz infantil de acción real en un mundo animado. [19] Las comedias de Alicia fueron distribuidas por Winkler Pictures de Margaret J. Winkler , que más tarde también distribuyó una segunda serie corta de Disney, la totalmente animada Oswald the Lucky Rabbit , a través de Universal Pictures a partir de 1927. [19] [20 ] Al mudarse a California, los hermanos Disney inicialmente comenzaron a trabajar en el garaje de su tío Robert Disney en 4406 Kingswell Avenue en el vecindario Los Feliz de Los Ángeles, luego, en octubre de 1923, inauguraron formalmente su estudio en una pequeña oficina en la parte trasera de oficina de una agencia de bienes raíces en 4651 Kingswell Avenue. En febrero de 1924, el estudio se mudó al lado de su propia oficina en 4649 Kingswell Avenue. En 1925, Disney hizo un depósito para una nueva ubicación en 2719 Hyperion Avenue en el cercano vecindario de Silver Lake , que llegó a ser conocida como Hyperion Studio para distinguirlo de otras ubicaciones del estudio y, en enero de 1926, el estudio se mudó. allí y adoptó el nombre de Walt Disney Studio . [21]
Mientras tanto, después del primer año de Oswalds , Walt Disney intentó renovar su contrato con Winkler Pictures, pero Charles Mintz , que se había hecho cargo del negocio de Margaret Winkler después de casarse con ella, quería obligar a Disney a aceptar un pago por adelantado más bajo por cada corto de Oswald . . Disney se negó y, como Universal poseía los derechos de Oswald en lugar de Disney, Mintz creó su propio estudio de animación para producir dibujos animados de Oswald . Mintz contrató a la mayor parte del personal de Disney para mudarse una vez que expiró el contrato de Oswald con Disney a mediados de 1928. [22]
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Trabajando en secreto mientras el resto del personal terminaba los Oswald restantes bajo contrato, Disney y su animador principal Ub Iwerks lideraron a un pequeño grupo de empleados leales en la producción de dibujos animados protagonizados por un nuevo personaje llamado Mickey Mouse . [23] Los dos primeros dibujos animados de Mickey Mouse , Plane Crazy y The Galloping Gaucho , se presentaron en presentaciones limitadas durante el verano de 1928. Sin embargo, para el tercer dibujo animado de Mickey , Disney produjo una banda sonora, colaborando con el músico Carl Stalling y el empresario Pat Powers. , quien proporcionó a Disney su proceso de sonido en película pirateado "Cinephone". Posteriormente, la tercera caricatura de Mickey Mouse , Steamboat Willie , se convirtió en la primera caricatura de Disney con sonido sincronizado y fue un gran éxito en su debut en noviembre de 1928 en el West 57th Theatre de la ciudad de Nueva York. [24] La serie de dibujos animados sonoros de Mickey Mouse , distribuida por Powers a través de Celebrity Productions, se convirtió rápidamente en la serie de dibujos animados más popular en los Estados Unidos. [25] [26] Una segunda serie de dibujos animados sonoros de Disney, Silly Symphonies , debutó en 1929 con The Skeleton Dance . [27]
En 1929, las disputas por las finanzas entre Disney y Powers llevaron a que la productora de animación de Disney, reincorporada el 16 de diciembre de 1929, como Walt Disney Productions , firmara un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures . [28] [29] [30] Powers, a cambio, contrató a Ub Iwerks, quien comenzó a producir dibujos animados en su propio estudio, aunque regresaría a Disney en 1940. [31]
Columbia distribuyó los cortos de Disney durante dos años antes de que el estudio de Disney firmara un nuevo acuerdo de distribución con United Artists en 1932. El mismo año, Disney firmó un acuerdo exclusivo de dos años con Technicolor para utilizar su nuevo proceso de película en color de 3 tiras , [32] lo que permitió una reproducción a todo color donde los procesadores de películas en color anteriores no podían. [33] El resultado fue la caricatura de Silly Symphony Flowers and Trees , la primera película lanzada comercialmente en tecnicolor completo. [33] [34] Flowers and Trees fue un gran éxito [33] [35] y todas las Silly Symphonies se produjeron posteriormente en Technicolor. [36] [37]
A principios de la década de 1930, Walt Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente apasionantes que atraparan a la audiencia y no la soltaran, [38] [39] y esta comprensión lo llevó a crear un "departamento de historias" separado. con artistas de guiones gráficos dedicados al desarrollo de la historia. [40] Con personajes bien desarrollados y una historia interesante, la caricatura en tecnicolor Silly Symphony de 1933, Three Little Pigs, se convirtió en un gran éxito de taquilla y de la cultura pop, [33] [41] con su tema principal " Quién teme al lobo feroz". ? " convirtiéndose en un éxito popular en las listas. [42]
En 1934, Walt Disney reunió a varios miembros clave de su personal y anunció sus planes de realizar su primer largometraje de animación. A pesar de las burlas de la mayor parte de la industria cinematográfica, que apodó la producción "La locura de Disney", Disney procedió impávido a la producción de Blancanieves y los siete enanitos , [43] que se convertiría en la primera película animada en inglés y tecnicolor. Se invirtió una considerable capacitación y desarrollo en la producción de Blancanieves y los siete enanitos y el estudio se expandió enormemente, con animadores establecidos, artistas de otros campos y recién graduados universitarios que se unieron al estudio para trabajar en la película. Las clases de formación, supervisadas por animadores principales como Les Clark , Norm Ferguson y Art Babbit e impartidas por Donald W. Graham , profesor de arte del cercano Chouinard Art Institute , [12] [43] habían comenzado en el estudio en 1932 y se ampliaron enormemente a la formación de orientación y clases de educación continua. [12] [43] En el curso de la enseñanza de las clases, Graham y los animadores crearon o formalizaron muchas de las técnicas y procesos que se convirtieron en los principios y principios clave de la animación tradicional. [12] Sinfonías tontas como La diosa de la primavera (1934) y El viejo molino (1937) sirvieron como campo de experimentación para nuevas técnicas como la animación de figuras humanas realistas, la animación de efectos especiales y el uso de la cámara multiplano , [44 ] un invento que divide las capas de ilustraciones de animación en varios planos, lo que permite que la cámara parezca moverse dimensionalmente a través de una escena animada. [45]
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Blancanieves y los siete enanitos le costó a Disney una entonces costosa suma de 1,4 millones de dólares para completarla (incluidos 100.000 dólares sólo para el desarrollo de la historia) y fue un éxito sin precedentes cuando fue estrenada en febrero de 1938 por RKO Radio Pictures , que había asumido la distribución de los productos de Disney desde Estados Unidos. Artistas en 1937. Fue brevemente la película más taquillera de todos los tiempos antes del éxito sin precedentes de Lo que el viento se llevó dos años después, [46] [47] recaudando más de 8 millones de dólares en su estreno inicial, el equivalente a 166.316.780 dólares en 1999. . [47]
Durante la producción de Blancanieves , se continuó trabajando en la serie de cortos Mickey Mouse y Silly Symphonies . Mickey Mouse cambió a Technicolor en 1935, momento en el que la serie había agregado varios personajes secundarios importantes, entre ellos el perro de Mickey, Plutón , y sus amigos el Pato Donald y Goofy . Donald, Goofy y Plutón aparecerían en sus propias series en 1940, y los dibujos animados del Pato Donald eclipsaron en popularidad a la serie de Mickey Mouse . [48] Silly Symphonies , que obtuvo siete premios de la Academia , cesó en 1939, hasta que los cortos regresaron a los cines con algunas reediciones y reestrenos. [49]
El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir un estudio nuevo y más grande en Buena Vista Street en Burbank, donde The Walt Disney Company sigue teniendo su sede hasta el día de hoy. Walt Disney Productions tuvo su oferta pública inicial el 2 de abril de 1940, con Walt Disney como presidente y presidente y Roy Disney como director ejecutivo. [50]
El estudio se lanzó a la producción de nuevas películas animadas, la primera de las cuales fue Pinocho , estrenada en febrero de 1940. Inicialmente, Pinocho no fue un éxito de taquilla. [51] Los ingresos de taquilla del estreno inicial de la película estuvieron por debajo tanto del éxito sin precedentes de Blancanieves como de las expectativas del estudio. [51] [52] Del costo de 2.289 millones de dólares de la película, el doble que Blancanieves , Disney sólo recuperó 1 millón de dólares a finales de 1940, y los informes de los estudios sobre la recaudación final de taquilla original de la película variaron entre 1,4 millones y 1,9 millones de dólares. [53] Sin embargo, Pinocho fue un éxito de crítica, ganando el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original y Mejor Banda Sonora Original , convirtiéndola en la primera película del estudio en ganar no solo uno de los Oscar, sino ambos al mismo tiempo. [54]
Fantasia , una película experimental producida con un arreglo orquestal dirigido por Leopold Stokowski , fue estrenada en noviembre de 1940 por la propia Disney en una serie de giras con asientos limitados. La producción de la película costó 2 millones de dólares y, aunque ganó 1,4 millones de dólares en sus giras, [55] el alto costo ($85.000 por sala) [55] de instalar Fantasound colocó a Fantasia en una pérdida aún mayor que a Pinocho . [56] RKO asumió la distribución de Fantasia en 1941, [57] luego lo reeditó en versiones severamente editadas a lo largo de los años. [58] [59] A pesar de su fracaso financiero, Fantasia fue objeto de dos premios honoríficos de la Academia el 26 de febrero de 1942: uno por el desarrollo del innovador sistema Fantasound utilizado para crear la banda sonora estereoscópica de la película , y el otro por Stokowski y su contribuciones a la película. [60]
Gran parte de la animación de personajes en estas producciones y todas las películas posteriores hasta finales de la década de 1970 fue supervisada por un grupo de animadores que Walt Disney apodó los " Nueve viejos ", muchos de los cuales también sirvieron como directores y posteriormente productores de las películas de Disney: Frank Thomas , Ollie Johnston , Woolie Reitherman , Les Clark, Ward Kimball , Eric Larson , John Lounsbery , Milt Kahl y Marc Davis . [61] Otros animadores principales de Disney durante este período incluyeron a Norm Ferguson, Bill Tytla y Fred Moore . El desarrollo del departamento de animación de largometrajes creó un sistema de castas en el estudio de Disney: se asignaron animadores menores (y animadores de largometrajes entre tareas) para trabajar en los temas cortos, mientras que animadores de mayor estatus, como los Nueve Viejos, trabajaron en los características. La preocupación por que Walt Disney aceptara crédito por el trabajo de los artistas, así como los debates sobre la compensación, llevaron a muchos de los animadores más nuevos y de menor rango a buscar sindicalizar el estudio de Disney. [62]
En mayo de 1941 comenzó una amarga huelga sindical , que se resolvió sin la participación del enojado Walt Disney en julio y agosto de ese año. [62] Mientras Walt Disney Productions se estaba estableciendo como una tienda sindical, [62] Walt Disney y varios empleados del estudio fueron enviados por el gobierno de los Estados Unidos en un viaje de política de Buen Vecino a América Central y del Sur. [63] La huelga de Disney y sus consecuencias provocaron un éxodo de varios profesionales de la animación del estudio, desde animadores de primer nivel como Art Babbitt y Bill Tytla hasta artistas más conocidos por su trabajo fuera del estudio de Disney como Frank Tashlin , Maurice Noble , Walt Kelly , Bill Meléndez y John Hubley . [62] Hubley, junto con varios otros huelguistas de Disney, fundó el estudio United Productions of America , el principal rival de animación de Disney en la década de 1950. [62]
Dumbo , en producción durante la huelga de animadores, se estrenó en octubre de 1941 y resultó ser un éxito financiero. La producción de esta sencilla película sólo costó 950.000 dólares, la mitad del coste de Blancanieves y los siete enanitos , menos de un tercio del coste de Pinocho y dos quintas partes del coste de Fantasía . Dumbo finalmente recaudó 1,6 millones de dólares durante su lanzamiento original. [64] En agosto de 1942, Bambi se estrenó y, al igual que Pinocho y Fantasía , no tuvo buenos resultados en taquilla. De su presupuesto de 1,7 millones de dólares, recaudó 1,64 millones de dólares. [sesenta y cinco]
La producción de largometrajes animados se suspendió temporalmente después del estreno de Bambi . Dados los fracasos financieros de algunas de las películas recientes y la Segunda Guerra Mundial que cortó gran parte del mercado cinematográfico extranjero, los financistas del estudio en el Bank of America sólo prestarían capital de trabajo al estudio si se restringía temporalmente a la producción de cortometrajes. [66] Por lo tanto, películas que entonces estaban en producción, como Peter Pan , Alicia en el país de las maravillas y La dama y el vagabundo , quedaron en suspenso hasta después de la guerra. [66] Tras la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial tras el ataque a Pearl Harbor , el estudio albergó a más de 500 soldados del ejército estadounidense que eran responsables de proteger las fábricas de aviones cercanas de los bombarderos enemigos. Además, varios animadores de Disney fueron reclutados para luchar en la guerra y el estudio fue contratado para producir contenido de tiempos de guerra para cada rama del ejército estadounidense , particularmente entrenamiento militar y películas de propaganda civil. De 1942 a 1943, el 95 por ciento de la producción de animación del estudio fue para el ejército. [67] Durante la guerra, Disney produjo la película de propaganda militar animada y de acción real Victory Through Air Power (1943), [68] y una serie de cortos con temas de cultura latina resultantes del viaje del Buen Vecino de 1941 se compilaron en dos largometrajes. , Saludos Amigos (1942) y Los Tres Caballeros (1944). [68]
Saludos y Caballeros establecieron el modelo para varios otros lanzamientos de "películas empaquetadas" de Disney de la década de 1940: películas de bajo presupuesto compuestas por temas cortos animados con material puente animado o de acción real. [69] [70] Estas películas fueron Make Mine Music (1946), Fun and Fancy Free (1947), Melody Time (1948) y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949). El estudio también produjo dos largometrajes, Song of the South (1946) y So Dear to My Heart (1948), que utilizaban historias de acción en vivo más amplias que aún incluían secuencias animadas y secuencias que combinaban acción en vivo y personajes animados. La producción de cortometrajes también continuó durante este período, siendo los dibujos animados del Pato Donald , Goofy y Plutón la producción principal, acompañados de dibujos animados protagonizados por Mickey Mouse, Figaro y, en la década de 1950, Chip 'n' Dale y Humphrey the Bear . [71]
Además, Disney comenzó a reeditar las películas anteriores, comenzando con las reediciones de Blancanieves en 1944, [72] Pinocho en 1945 y Fantasía en 1946. [73] Esto llevó a la tradición de reeditar las películas de Disney cada siete años. que duró hasta la década de 1990 antes de traducirse en el manejo por parte del estudio de los lanzamientos de vídeos domésticos . [72]
En 1948, Disney volvió a la producción de largometrajes con Cenicienta , largometraje basado en el cuento de hadas de Charles Perrault . Con un coste de casi 3 millones de dólares, el futuro del estudio dependía del éxito de esta película. [74] Tras su estreno en 1950, Cenicienta demostró ser un éxito de taquilla, y las ganancias del estreno de la película permitieron a Disney continuar produciendo películas animadas durante la década de 1950. [75] Tras su éxito, se reanudó la producción de las películas en el limbo Alicia en el país de las maravillas , Peter Pan y La dama y el vagabundo . Además, se inició un nuevo y ambicioso proyecto, una adaptación del cuento de hadas de los hermanos Grimm " La Bella Durmiente " con la partitura clásica de Tchaikovsky , pero tardó gran parte del resto de la década en completarse. [76]
Alicia en el país de las maravillas , estrenada en 1951, tuvo una tibia respuesta en taquilla y fue una gran decepción crítica en su estreno inicial. [77] Peter Pan , estrenada en 1953, por el contrario, fue un éxito comercial y la sexta película más taquillera del año . En 1955, La dama y el vagabundo se estrenó con mayor éxito de taquilla que cualquier otra película animada de Disney desde Blancanieves y los siete enanitos , [78] ganando aproximadamente 6,5 millones de dólares en alquileres en la taquilla norteamericana en 1955. [79] La dama y el vagabundo es importante como la primera película animada de pantalla ancha de Disney , producida en el proceso CinemaScope , [78] y fue la primera película animada de Disney lanzada por la propia compañía distribuidora de Disney, Buena Vista Distribution . [80]
A mediados de la década de 1950, con la atención de Walt Disney centrada principalmente en nuevos proyectos como las películas de acción real, la televisión y el parque temático Disneyland , [61] la producción de las películas animadas quedó principalmente en manos de los "Nueve Viejos". confianza de los animadores y directores principales. Esto provocó varios retrasos en las aprobaciones durante la producción de La Bella Durmiente , [61] que finalmente se estrenó en 1959. Con un precio de 6 millones de dólares, [81] fue la película más cara de Disney hasta la fecha, producida en un estilo artístico muy estilizado ideado por artista Eyvind Earle [81] y presentado en Super Technirama 70 de gran formato con sonido estereofónico de seis pistas. [81] Sin embargo, a pesar de ser la película animada más taquillera del estudio desde Blancanieves y los siete enanitos , los grandes costos de producción de la película y el bajo rendimiento de taquilla de la otra producción de Disney de 1959 dieron como resultado que el estudio registrara su primera pérdida anual en una década por año fiscal 1960, [82] lo que provocó despidos masivos en todo el estudio. [83]
A finales de la década, los temas cortos de Disney ya no se producían de forma regular, y gran parte del personal de las divisiones de cortos dejó la empresa o fue reasignado para trabajar en programas de televisión de Disney como The Mickey Mouse Club y Disneyland. . Si bien los cortos de Silly Symphonies habían dominado el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje (dibujos animados) durante la década de 1930, su reinado sobre la mayoría de los premios había terminado con los dibujos animados de Tom y Jerry de MGM , los Looney Tunes y Merrie Melodies de Warner Bros , y el obras de United Productions of America (UPA), cuyo estilo artístico plano y técnicas de animación estilizadas fueron elogiados como alternativas más modernas al antiguo estilo de Disney. [84] Durante la década de 1950, sólo un corto de Disney, el estilizado Toot, Whistle, Plunk and Boom , ganó el Oscar al Mejor Cortometraje (dibujos animados). [85]
Los cortos de Mickey Mouse , Plutón y Goofy habían dejado de producirse regularmente en 1953, y el Pato Donald y Humphrey continuaron y se convirtieron a CinemaScope de pantalla ancha antes de que se cerrara la división de cortometrajes en 1956. Después de eso, todos los cortos futuros fueron producidos por la división de largometrajes. hasta 1969. El último corto de Disney de la época dorada de la animación fue Es difícil ser un pájaro . Los cortometrajes de Disney solo se producirían de forma esporádica a partir de ese momento, [71] con cortos posteriores notables que incluyen [86] Runaway Brain (1995, protagonizado por Mickey Mouse) [87] y Paperman (2012). [88]
A pesar de los despidos de 1959 y la competencia por la atención de Walt Disney por parte de los departamentos ampliados de películas de acción real, televisión y parques temáticos de la compañía, la producción de largometrajes de animación continuó a un nivel reducido. [76]
En 1961, el estudio lanzó Ciento un dálmatas , una película animada que popularizó el uso de la xerografía durante el proceso de entintado y pintura de las células de animación tradicionales . [89] Utilizando la xerografía, los dibujos de animación podrían transferirse fotoquímicamente en lugar de calcarse desde los dibujos en papel a las hojas de acetato transparente (" cels ") utilizadas en la producción final de la animación. [89] El estilo artístico resultante, una línea más rasposa que revelaba las líneas de construcción en los dibujos de los animadores, tipificó las películas de Disney en la década de 1980. [89] La película fue un éxito, siendo la décima película más taquillera de 1961 con alquileres de 6,4 millones de dólares. [90]
El programa de capacitación en animación de Disney comenzó en el estudio en 1932 antes de que el desarrollo de Blancanieves finalmente llevara a Walt Disney a ayudar a fundar el Instituto de las Artes de California (CalArts) . [91] Esta universidad se formó mediante la fusión del Chouinard Art Institute y el Conservatorio de Música de Los Ángeles. Incluía un programa de estudio de animación desarrollado por Disney entre sus ofertas de grado. CalArts se convirtió en el alma mater de muchos de los animadores que trabajarían en Disney y otros estudios de animación desde la década de 1970 hasta la actualidad. [91]
La espada en la piedra se estrenó en 1963 y fue la sexta película más taquillera del año en Norteamérica con alquileres estimados en 4,75 millones de dólares. [92] En 1966 se estrenóuna adaptación cinematográfica de una de las historias de Winnie-the-Pooh de AA Milne , Winnie the Pooh y el árbol de la miel , [93] a la que siguieron varios otros largometrajes de Pooh a lo largo de los años y una versión completa de Largometraje recopilatorio de larga duración, Las muchas aventuras de Winnie the Pooh , que se lanzó en 1977. [93]
Walt Disney murió en diciembre de 1966, diez meses antes de que se completara y estrenara la siguiente película del estudio , El libro de la selva . [94] La película fue un éxito, [95] terminando 1967 como la cuarta película más taquillera del año. [96]
Tras la muerte de Walt Disney, Wolfgang Reitherman continuó como productor y director de las películas. [97] [98] El estudio comenzó la década de 1970 con el lanzamiento de Los Aristogatos , el último proyecto cinematográfico aprobado por Walt Disney. [98] En 1971, Roy O. Disney, el cofundador del estudio, murió y Walt Disney Productions quedó en manos de Donn Tatum y Card Walker , quienes se alternaron como presidente y director ejecutivo en términos superpuestos hasta 1978. [ 99 ] La siguiente película, Robin Hood (1973), se produjo con un presupuesto significativamente reducido y la animación se reutilizó a partir de películas anteriores. [97] Tanto Los Aristogatos como Robin Hood fueron éxitos de taquilla y de crítica menores. [97] [98]
The Rescuers , estrenada en 1977, fue un éxito que superó los logros de las dos películas anteriores de Disney. [98] Recibiendo críticas positivas, altos retornos comerciales y una nominación al Premio de la Academia, terminó siendo la tercera película más taquillera del año y la película animada de Disney más exitosa y mejor reseñada desde El libro de la selva . [97] [98] La película fue reeditada en 1983, acompañada de un nuevo largometraje de Disney, Mickey's Christmas Carol . [100]
La producción de The Rescuers marcó el inicio de un proceso de cambio de guardia en el personal del estudio de animación de Disney, [98] al retirarse veteranos como Milt Kahl y Les Clark; fueron reemplazados gradualmente por nuevos talentos como Don Bluth , Ron Clements , John Musker y Glen Keane . [98] [101] Los nuevos animadores, seleccionados del programa de animación de CalArts y entrenados por Eric Larson, Frank Thomas, Ollie Johnston y Woolie Reitherman, [98] [101] tuvieron su primera oportunidad de demostrar su valía como grupo con el secuencias animadas en la película híbrida animada y de acción en vivo de Disney Pete's Dragon (1977), [102] cuya animación fue dirigida por Bluth. [97] En septiembre de 1979, insatisfechos con lo que sentían que era un estancamiento en el desarrollo del arte de la animación en Disney, [103] Bluth y varios de los otros nuevos animadores de la guardia renunciaron para comenzar su propio estudio, Don Bluth Productions , [ 103] que se convirtió en el principal competidor de Disney en el campo de la animación durante la década de 1980. [101]
Retrasada medio año por la deserción del grupo Bluth, [101] The Fox and the Hound se estrenó en 1981 después de cuatro años de producción. La película fue considerada un éxito financiero por el estudio y el desarrollo continuó con The Black Cauldron , una adaptación de larga gestación de la serie de novelas Chronicles of Prydain de Lloyd Alexander [101] producida en Super Technirama 70.
The Black Cauldron tenía como objetivo ampliar el atractivo de las películas animadas de Disney a audiencias mayores y mostrar los talentos de la nueva generación de animadores de Disney de CalArts. Además de Keane, Musker y Clements, este nuevo grupo de artistas incluía a otros animadores prometedores como Andreas Deja , Mike Gabriel , John Lasseter , Brad Bird y Tim Burton . Lasseter fue despedido de Disney en 1983 por impulsar al estudio a explorar la producción de animación por computadora , [104] [105] pero se convirtió en el jefe creativo de Pixar , un estudio pionero de animación por computadora que comenzaría una estrecha asociación con Disney a finales de 1983. Década de 1980. [104] [106] [107] De manera similar, Burton fue despedido en 1984 después de producir un corto de acción en vivo archivado por el estudio, Frankenweenie , luego se convirtió en un productor y director de alto perfil de acción en vivo y stop-motion. Funciones para Disney y otros estudios. Algunos de los proyectos de alto perfil de Burton para Disney incluirían el stop-motion The Nightmare Before Christmas (1993), una adaptación en vivo de Alicia en el país de las maravillas (2010) y una nueva versión en stop-motion de Frankenweenie (2012). [108] [109] Bird también fue despedido después de algunos años trabajando en la compañía por criticar a la alta dirección de Disney porque sentía que estaban jugando a lo seguro y no asumiendo riesgos en la animación. Posteriormente se convirtió en director de animación en otros estudios, incluidos Warner Bros. Animation y Pixar. [110]
Ron Miller , yerno de Walt Disney, se convirtió en presidente de Walt Disney Productions en 1980 y director ejecutivo en 1983. [111] Ese año, amplió las divisiones de producción de cine y televisión de la compañía, creando el estandarte de Walt Disney Pictures bajo el cual se desarrollarán futuras películas. del departamento de animación de largometrajes sería lanzado. [111]
Después de una serie de intentos de adquisición corporativa en 1984, Roy E. Disney , hijo de Roy O. y sobrino de Walt, renunció a la junta directiva de la compañía y lanzó una campaña llamada "SaveDisney", logrando convencer a la junta de que despidiera a Miller. Roy E. Disney contrató a Michael Eisner como nuevo director ejecutivo de Disney y a Frank Wells como presidente. [99] [112] Eisner, a su vez, nombró a Jeffrey Katzenberg presidente de la división cinematográfica de The Walt Disney Studios . [101] Casi terminada cuando el régimen de Eisner se hizo cargo de Disney, The Black Cauldron (1985) llegó a representar lo que más tarde se conocería como el punto "bajo" de la animación de Disney. [101] The Black Cauldron , la película más cara del estudio hasta ese momento con 44 millones de dólares, fue un fracaso comercial y de crítica. [101] Los 21 millones de dólares brutos de taquilla de la película provocaron una pérdida para el estudio, poniendo en peligro el futuro de la división de animación. [101]
Entre los años 1950 y 1980, la importancia de la animación para los resultados de Disney se redujo significativamente a medida que la compañía se expandió hacia la producción de acción en vivo, la televisión y los parques temáticos. [101] Como nuevo director ejecutivo, Michael Eisner consideró seriamente cerrar el estudio de animación y subcontratar la animación futura. Roy E. Disney intervino, ofreciéndose a encabezar la división de animación y cambiar su suerte, [101] mientras que Eisner estableció Walt Disney Pictures Television Animation Group para producir animación de menor costo para televisión. [99] Roy E. Disney, nombrado presidente de animación por Eisner, nombró a Peter Schneider presidente de animación para dirigir las operaciones diarias en 1985. [113]
El 6 de febrero de 1986, los ejecutivos de Disney trasladaron la división de animación del estudio de Disney en Burbank a una variedad de almacenes, hangares y remolques ubicados a unas dos millas al este (3,2 kilómetros) en 1420 Flower Street en la cercana Glendale, California . Aproximadamente un año después, el creciente grupo de gráficos por computadora (CG) también se mudaría allí. [101] [114] El primer largometraje de animación de la división de animación en su nueva ubicación fue The Great Mouse Detective (1986), iniciado por John Musker y Ron Clements como Basil of Baker Street después de que ambos dejaron la producción de The Black Cauldron . [115] La película fue un éxito comercial y de crítica suficiente para infundir confianza a los ejecutivos en el estudio de animación. [101] Sin embargo, más tarde ese mismo año, Universal Pictures y Amblin Entertainment de Steven Spielberg lanzaron An American Tail de Don Bluth , que superó a The Great Mouse Detective en taquilla y se convirtió en la película animada de primer número con mayor recaudación hasta ese momento. . [116]
Katzenberg, Schneider y Roy Disney se propusieron cambiar la cultura del estudio, aumentando el personal y la producción para que se estrenara una nueva película animada cada año en lugar de cada dos o cuatro. [101] El primero de los lanzamientos en el calendario de producción acelerada fue Oliver & Company (1988), que contó con un elenco de estrellas que incluía a Billy Joel y Bette Midler y un énfasis en una banda sonora pop moderna. [101] Oliver & Company se estrenó en los cines el mismo día que otra película animada de Bluth/Amblin/Universal, The Land Before Time ; sin embargo, Oliver & Company superó a The Land Before Time en los EE. UU. y se convirtió en la película animada de mayor éxito en los EE. UU. hasta esa fecha, aunque la taquilla mundial bruta de esta última fue mayor que la de la primera. [101]
Al mismo tiempo, en 1988, Disney comenzó a ingresar a la antigua industria de la animación de Australia al comprar el estudio australiano de Hanna-Barbera para iniciar Disney Animation Australia . [117]
Mientras Oliver & Company y la siguiente película La Sirenita estaban en producción, Disney colaboró con Amblin Entertainment de Steven Spielberg y el maestro animador Richard Williams para producir ¿Quién engañó a Roger Rabbit ?, un innovador híbrido de acción en vivo y animación dirigido por Robert Zemeckis , que contó con licencia. personajes animados de otros estudios (como Warner Bros., MGM y Universal). [118] [119] Disney estableció un nuevo estudio de animación bajo la supervisión de Williams en Londres para crear los personajes de dibujos animados de Roger Rabbit , y muchos de los artistas del estudio de California viajaron a Inglaterra para trabajar en la película. [101] [120] Un importante éxito comercial y de crítica, [120] Roger Rabbit ganó tres premios de la Academia por logros técnicos. [121] y fue clave para renovar el interés general en la animación estadounidense. [101] Además de la película en sí, el estudio también produjo tres cortos de Roger Rabbit a finales de los 80 y principios de los 90. [122] [123]
Un segundo estudio satélite, Walt Disney Feature Animation Florida , abrió sus puertas en 1989 con 40 empleados. Sus oficinas estaban ubicadas dentro del parque temático Disney-MGM Studios en Walt Disney World en Bay Lake, Florida , y los visitantes podían recorrer el estudio y observar a los animadores trabajando. [124] Ese mismo año, el estudio lanzó La Sirenita , que se convirtió en un logro clave en la historia de Disney como su mayor éxito comercial y de crítica en décadas. Dirigida por John Musker y Ron Clements, quienes habían sido codirectores de The Great Mouse Detective , The Little Mermaid recaudó 84 millones de dólares en la taquilla norteamericana, un récord para el estudio. La película se construyó en torno a una banda sonora de los compositores de Broadway Alan Menken y Howard Ashman , quien también fue coproductor y consultor de historia de la película. [101] La Sirenita ganó dos premios de la Academia, por Mejor Canción Original y Mejor Banda Sonora Original . [125]
La Sirenita relanzó vigorosamente un nuevo y profundo interés por los géneros cinematográficos de animación y musical. [101] [126] La película también fue la primera en presentar el uso del sistema de producción de animación por computadora de Disney (CAPS). Desarrollado para Disney por Pixar, [101] que se había convertido en una empresa comercial de desarrollo de tecnología y animación por computadora, CAPS/tinta y pintura llegaría a ser importante al permitir que las futuras películas de Disney integraran más perfectamente imágenes generadas por computadora y alcanzaran valores de producción más altos. con tinta y pintura digitales y técnicas de composición . [101] La Sirenita fue el primero de una serie de éxitos de taquilla que serían lanzados durante la siguiente década por Walt Disney Feature Animation, un período más tarde designado con el término Disney Renaissance . [127]
Acompañado en los cines por el largometraje de Mickey Mouse El príncipe y el mendigo , The Rescuers Down Under (1990) fue la primera secuela de un largometraje animado de Disney y la primera película del estudio completamente coloreada y compuesta por computadora utilizando el sistema CAPS/tinta y pintura. . [101] Sin embargo, la película no duplicó el éxito de La Sirenita . [101] La siguiente película animada de Disney, La Bella y la Bestia , había comenzado su producción en Londres, pero se trasladó de nuevo a Burbank después de que Disney decidiera cerrar la oficina satélite de Londres y reestructurar la película en un formato de comedia musical similar a La Sirenita . [101] Alan Menken y Howard Ashman fueron contratados para escribir las canciones y la música, aunque Ashman murió antes de que se completara la producción. [101]
Debutando por primera vez en una versión de trabajo en progreso en el Festival de Cine de Nueva York de 1991 antes de su estreno general en noviembre de 1991, La Bella y la Bestia , dirigida por Kirk Wise y Gary Trousdale , fue un éxito comercial y de crítica sin precedentes y más tarde sería considerada como Una de las mejores películas del estudio. [128] La película obtuvo seis nominaciones al Premio de la Academia, incluida una a Mejor Película , la primera para una obra animada, ganando por Mejor Canción y Mejor Banda Sonora Original. [129] Sus 145 millones de dólares brutos de taquilla establecieron nuevos récords, y el merchandising de la película, incluidos juguetes, promociones cruzadas y ventas de bandas sonoras, también fue lucrativo. [130]
Los éxitos de La Sirenita y La Bella y la Bestia establecieron el modelo para futuros estrenos de Disney durante la década de 1990: un formato de comedia musical con canciones al estilo de Broadway y secuencias de acción de gran éxito, impulsado por marketing y merchandising de promoción cruzada, todo cuidadosamente diseñado para atraer a audiencias de todas las edades y tipos a los cines. [130] Además de John Musker, Ron Clements, Kirk Wise y Gary Trousdale, la nueva guardia de artistas de Disney que crearon estas películas incluía a los artistas y directores de historias Roger Allers , Rob Minkoff , Chris Sanders y Brenda Chapman , y los animadores principales Glen Keane. Andreas Deja, Eric Goldberg , Nik Ranieri , Will Finn y muchos otros. [130]
Aladdin , estrenada en noviembre de 1992, continuó la tendencia ascendente del éxito de la animación de Disney, recaudando 504 millones de dólares en taquilla en todo el mundo, [131] y dos premios Oscar más a la mejor canción y mejor banda sonora. [132] Con canciones de Menken, Ashman y Tim Rice (quien reemplazó a Ashman después de su muerte) [133] y protagonizada por la voz de Robin Williams , [134] Aladdin también estableció la tendencia de contratar actores y actrices famosos para proporcionar las voces de Personajes de Disney, [134] que se habían explorado hasta cierto punto con El libro de la selva y Oliver & Company , pero que ahora se convirtieron en una práctica habitual. [134]
En junio de 1994, Disney estrenó El Rey León , dirigida por Roger Allers y Rob Minkoff. Una historia totalmente animal ambientada en África, El Rey León contó con un elenco de voces estelar que incluía a James Earl Jones , Matthew Broderick y Jeremy Irons , con canciones escritas por Tim Rice y la estrella del pop Elton John . El Rey León ganó 768 millones de dólares en la taquilla mundial, [135] hasta la fecha un récord para una película de animación tradicional, [136] ganando millones más en merchandising, promociones y ventas récord por su banda sonora. [130]
Aladdin y El Rey León fueron las películas más taquilleras a nivel mundial en cada uno de sus respectivos años de estreno. [137] [138] Entre estas producciones internas, Disney diversificó sus métodos de animación y produjo Pesadilla antes de Navidad con el ex animador de Disney Tim Burton ; Walt Disney Feature Animation contribuyó proporcionando la animación tradicional de segunda capa de la película. [139] Con la animación convirtiéndose nuevamente en una parte cada vez más importante y lucrativa del negocio de Disney, la compañía comenzó a expandir sus operaciones. El estudio insignia de California se dividió en dos unidades y se amplió, [130] y se inició la construcción de un nuevo edificio de Disney Feature Animation adyacente al lote principal de Disney en Burbank, que se inauguró en 1995. [101] [130] también uno de Los estudios de animación televisiva de Disney en el suburbio de Montreuil [140] en París, Francia, el antiguo estudio de los hermanos Brizzi [140] , se convirtieron en Walt Disney Feature Animation Paris, donde se produjeron A Goofy Movie (1995) y partes importantes de películas posteriores de Disney. [101] Disney también comenzó a producir secuelas directas a video de menor costo para sus exitosas películas animadas utilizando los servicios de sus estudios de animación televisiva bajo el nombre de Disney MovieToons . El regreso de Jafar (1994), secuela de Aladdin y piloto del spin-off del programa de televisión Aladdin , fue la primera de estas producciones. [141] Walt Disney Feature Animation también estuvo muy involucrado en las adaptaciones de La Bella y la Bestia en 1994 y El Rey León en 1997 a los musicales de Broadway . [130]
Jeffrey Katzenberg y el equipo de historia de Disney estuvieron muy involucrados en el desarrollo y producción de Toy Story , [142] la primera película totalmente animada por computadora jamás producida. [142] Toy Story fue producida para Disney por Pixar y dirigida por el ex animador de Disney John Lasseter , [142] a quien Peter Schneider había intentado sin éxito contratar nuevamente después de su éxito con cortos de Pixar como Tin Toy (1988). [101] Estrenada en 1995, Toy Story se abrió con elogios de la crítica [142] [143] [144] y éxito comercial, [142] [145] lo que llevó a Pixar a firmar un contrato de cinco películas con Disney, que tuvo un éxito crítico y financiero. películas animadas por computadora como Bichos (1998), Toy Story 2 (1999), Monsters, Inc. (2001), [146] Buscando a Nemo (2003) y Los Increíbles (2004).
Además, los éxitos de Aladdin y El Rey León estimularon un aumento significativo en el número de películas animadas producidas en Estados Unidos durante el resto de la década, y los principales estudios cinematográficos establecieron nuevas divisiones de animación como Fox Animation Studios , Sullivan Bluth Studios , Amblimation , Rich Animation Studios , Turner Feature Animation y Warner Bros. Animation se están formando para producir películas en un formato de comedia musical al estilo de Disney, como We're Back! La historia de un dinosaurio (1993), Pulgarcita (1994), La princesa cisne (1994), Un troll en Central Park (1994), El guijarro y el pingüino (1995), Los gatos no bailan (1997), Anastasia (1997) , En busca de Camelot (1998) y El rey y yo (1999). De estas películas animadas que no son de Disney, sólo Anastasia fue un éxito de taquilla. [147]
Surgieron preocupaciones internas en el estudio de Disney, particularmente de Roy E. Disney, acerca de que el jefe del estudio, Jeffrey Katzenberg, se atribuía demasiado crédito por el éxito de los estrenos de Disney de principios de la década de 1990. [101] El presidente de Disney Company, Frank Wells, murió en un accidente de helicóptero en 1994, y Katzenberg presionó al director ejecutivo Michael Eisner para el puesto vacante de presidente. En cambio, las tensiones entre Katzenberg, Eisner y Disney provocaron que Katzenberg se viera obligado a dimitir de la empresa el 24 de agosto de ese año, [148] y Joe Roth ocupó su lugar. [148] El 12 de octubre de 1994, Katzenberg se convirtió en uno de los fundadores de DreamWorks SKG , cuya división de animación se convirtió en el principal rival de Disney en largometrajes de animación, [130] [149] con películas animadas por computadora como Antz (1998). y películas de animación tradicional como El príncipe de Egipto (1998). [147] En diciembre de 1994, se completó el edificio de animación en Burbank para la división de animación. [150]
A diferencia de las producciones de principios de los años 1990, no todas las películas de la segunda mitad del renacimiento tuvieron éxito. Pocahontas , estrenada en el verano de 1995, fue la primera película del renacimiento en recibir críticas mixtas, pero siguió siendo popular entre el público y exitosa comercialmente, ganando 346 millones de dólares en todo el mundo [151] y ganó dos premios de la Academia por su música de Alan. Menken y Stephen Schwartz . [152] La siguiente película, El jorobado de Notre Dame (1996) fue producida parcialmente en el estudio de París [140] y, aunque se considera la película más oscura de Disney, El jorobado de Notre Dame tuvo mejores críticas que Pocahontas y recaudó 325 millones de dólares en todo el mundo. . [153] El verano siguiente, Hércules (1997) obtuvo buenos resultados en taquilla, recaudando 252 millones de dólares en todo el mundo, pero tuvo un rendimiento inferior en comparación con las películas anteriores de Disney. [154] Recibió críticas positivas por su actuación, pero la animación y la música fueron mixtas. [155] Hércules fue responsable de iniciar el declive de las películas de animación tradicional. El declive del éxito de taquilla se volvió doblemente preocupante dentro del estudio, ya que la competencia salarial de DreamWorks había aumentado significativamente los gastos generales del estudio, [112] [130] con costos de producción que aumentaron de $79 millones en costos totales (producción, marketing y gastos generales) para The Lion. King en 1994 a 179 millones de dólares por Hércules tres años después. [149] Además, Disney dependía de la popularidad de sus nuevas características para desarrollar merchandising, atracciones de parques temáticos, secuelas directas en video y programación de televisión en sus otras divisiones. [130] El cronograma de producción se redujo [149] y se contrató a un mayor número de ejecutivos creativos para supervisar más de cerca la producción, una medida que no fue popular entre el personal de animación. [130] [156] [157]
Mulan (1998), la primera película producida principalmente en el estudio de Florida , [158] se estrenó con críticas positivas del público y los críticos y obtuvo una exitosa recaudación de 305 millones de dólares en la taquilla mundial, restaurando el éxito comercial y de crítica del estudio. La siguiente película, Tarzán (1999), dirigida por Kevin Lima y Chris Buck , tuvo un alto coste de producción de 130 millones de dólares, [149] volvió a recibir críticas positivas y recaudó 448 millones de dólares en taquilla. [159] La banda sonora de Tarzán, de la estrella del pop Phil Collins, generó importantes ventas de discos y un Premio de la Academia a la Mejor Canción. [160]
Fantasía 2000 , una secuela de la película de 1940 que había sido el proyecto favorito de Roy E. Disney desde 1990, [161] [162] se estrenó el 17 de diciembre de 1999 en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York como parte de una gira de conciertos que También visitó Londres, París, Tokio y Pasadena, California. Luego, la película se estrenó en 75 salas IMAX en todo el mundo del 1 de enero al 30 de abril de 2000, lo que la convirtió en el primer largometraje animado que se estrenó en este formato; un estreno teatral estándar siguió el 15 de junio de 2000. Producida en piezas cuando los artistas estaban disponibles entre producciones, [161] Fantasia 2000 fue la primera película animada producida y lanzada en formato IMAX. [163] El total de taquilla mundial de 90 millones de dólares de la película frente a su costo de producción de 90 millones de dólares [162] resultó en una pérdida de 100 millones de dólares para el estudio. [162] [164] Peter Schneider dejó su puesto como presidente de Walt Disney Feature Animation en 1999 para convertirse en presidente de The Walt Disney Studios bajo Joe Roth. [165] Thomas Schumacher , que había sido vicepresidente de animación de Schneider durante varios años, se convirtió en el nuevo presidente de Walt Disney Feature Animation. [165] En ese momento, la competencia de otros estudios había impulsado los ingresos de los animadores a máximos históricos, [130] haciendo que las funciones de animación tradicional fueran aún más costosas de producir. [149] A Schumacher se le encomendó la tarea de reducir costos, y los despidos masivos comenzaron a recortar salarios y reducir el personal del estudio, que alcanzó un máximo de 2.200 personas en 1999, a aproximadamente 1.200 empleados. [166] [167]
En octubre de 1999, Dream Quest Images , un estudio de efectos especiales adquirido previamente por The Walt Disney Company en abril de 1996 para reemplazar a Buena Vista Visual Effects, [168] se fusionó con la operación de gráficos por computadora de Walt Disney Feature Animation para formar una división llamada El laboratorio secreto . [169] The Secret Lab produjo un largometraje, Dinosaur , que se estrenó en mayo de 2000 [170] y presentaba criaturas prehistóricas CGI contra fondos filmados de acción real. [171] La producción de 128 millones de dólares recaudó 349 millones de dólares en todo el mundo, por debajo de las expectativas del estudio, [171] y The Secret Lab se cerró en 2001. [172]
En diciembre de 2000, se lanzó The Emperor's New Groove . Había sido una epopeya musical llamada El Reino del Sol antes de ser revisada a mitad de producción para convertirla en una comedia más pequeña. [173] [174] La película ganó 169 millones de dólares en todo el mundo en su estreno, [175] aunque tuvo buenas críticas y tuvo un mejor rendimiento en video; [176] [177] Atlantis: The Lost Empire (2001), un intento de romper la fórmula de Disney pasando a la acción y la aventura, recibió críticas mixtas y ganó 186 millones de dólares en todo el mundo frente a unos costes de producción de 120 millones de dólares. [166] [178] [179]
En 2001 y principios de 2002, los notables éxitos de las películas animadas por computadora de Pixar (gracias a su acuerdo de distribución con Disney), junto con Shrek de DreamWorks y Ice Age de Blue Sky Studios , respectivamente, frente a los menores retornos de Disney por The Emperor's New Groove y Atlantis: The Lost Empire llevó a la especulación de que la animación dibujada a mano se estaba volviendo obsoleta. [130] [180] [181] Disney despidió a la mayoría de los empleados del estudio Feature Animation en Burbank, lo redujo a una sola unidad y comenzó a planear pasar a películas totalmente animadas por computadora. [130] [182] A un puñado de empleados se les ofrecieron puestos haciendo animación por computadora. La moral cayó a un nivel no visto desde el inicio del exilio de diez años del estudio en Glendale en 1985. [130] [183] El estudio de París también se cerró en 2003. [184]
Las restantes producciones dibujadas a mano del estudio de Burbank, Treasure Planet y Home on the Range , continuaron con la producción. Treasure Planet , una versión espacial de La isla del tesoro de Robert Louis Stevenson , fue un proyecto favorito de los guionistas y directores Ron Clements y John Musker. Recibió un lanzamiento IMAX y críticas generalmente positivas, pero no tuvo éxito financiero tras su lanzamiento en noviembre de 2002, lo que resultó en una amortización de 74 millones de dólares para The Walt Disney Company en el año fiscal 2003. [183] [185] Los departamentos 2D del estudio de Burbank cerraron a las a finales de 2002, tras la finalización de Home on the Range , [130] [186] un largometraje en producción que anteriormente se conocía como Sweating Bullets . [187]
Mientras tanto, la producción de largometrajes de animación dibujados a mano continuó en el estudio Feature Animation Florida, donde las películas podían producirse a menores costos. [182] Lilo & Stitch , una comedia dramática poco convencional escrita y dirigida por Chris Sanders y Dean DeBlois , [181] se convirtió en el primer éxito auténtico del estudio desde Tarzán tras su estreno en el verano de 2002, [188] ganando 273 millones de dólares en todo el mundo frente a 80 millones de dólares. Presupuesto de produccion. [189]
En ese momento, la mayoría de las películas de Disney de la década de 1990 se habían convertido en secuelas directas en video, series de televisión o ambas, producidas por la unidad de Disney Television Animation . A partir del estreno en febrero de 2002 de Regreso al país de Nunca Jamás , una secuela de Peter Pan (1953), Disney comenzó a lanzar en los cines secuelas de películas anteriores de menor presupuesto, que habían sido pensadas para estrenos en vídeo, [141] un proceso ridiculizado por algunos miembros del personal de animación de Disney y fanáticos de las películas de Disney. [130] [190]
En 2003, Tom Schumacher fue nombrado presidente de Buena Vista Theatrical Group , la división de teatro musical y teatro de Disney , y David Stainton , entonces presidente de Walt Disney Television Animation, fue designado como su reemplazo. Stainton continuó supervisando la división directa a video de Disney, Disneytoon Studios , que había sido parte del departamento de animación televisiva, [5] aunque transferida en ese momento a la gerencia de Walt Disney Feature Animation. [191]
Bajo la dirección de Stainton, el estudio de Florida completó Brother Bear , que no tuvo un desempeño tan bueno como Lilo & Stitch ni crítica ni financieramente. [188] Disney cerró el estudio de Florida el 12 de enero de 2004, [130] [188] y la película My Peoples , entonces en progreso , quedó inconclusa cuando el estudio cerró dos meses después. [156] [181] [186] [192] Home on the Range , lanzado en abril de 2004, tampoco tuvo tanto éxito comercial ni de crítica como Lilo & Stitch . [193] Disney anunció oficialmente la conversión de Walt Disney Feature Animation en un estudio totalmente CGI, un proceso que comenzó dos años antes [180] [194] , ahora con una plantilla de 600 personas [180] y comenzó a vender todos sus productos tradicionales. Equipo de animación. [130]
Justo después del lanzamiento de Brother Bear en noviembre de 2003, el presidente de Feature Animation, Roy E. Disney, renunció a The Walt Disney Company y lanzó, junto con su socio comercial Stanley Gold , una segunda campaña externa "SaveDisney" similar a la que había obligado a Ron Miller a dimitir en 1984. , esta vez para expulsar a Michael Eisner. [190] Dos de sus puntos de discusión contra Eisner incluyeron su manejo de Feature Animation y el deterioro de la relación del estudio con Pixar. [180] El mismo año, el estudio colaboró con Walt Disney Imagineering en la película del parque temático 4D Mickey's PhilharMagic . En uno de los primeros intentos del estudio en la animación generada por computadora, el estudio trajo de vuelta a varios animadores del período del Renacimiento para trabajar en la película; cada animador trabajó en una secuencia en la que había trabajado previamente, como Glen Keane animando a Ariel para la secuencia " Part of Your World ". [195]
Las conversaciones entre Eisner y el CEO de Pixar, Steve Jobs, sobre los términos de renovación del altamente lucrativo acuerdo de distribución Pixar-Disney fracasaron en enero de 2004. [180] [196] [197] Jobs, en particular, no estuvo de acuerdo con la insistencia de Eisner en que secuelas como la entonces Toy Story 3 (2010) en desarrollo no contaría para la cantidad de películas requeridas en el nuevo acuerdo del estudio. [196] Con ese fin, Disney anunció el lanzamiento de Circle 7 Animation , una división de Feature Animation que habría producido secuelas de las películas de Pixar, mientras Pixar comenzaba a buscar un nuevo acuerdo de distribución. [196]
En 2005, Disney lanzó su primera película totalmente animada por computadora, Chicken Little . La película fue un éxito de taquilla, recaudando 315 millones de dólares en todo el mundo, [198] pero recibió críticas mixtas a negativas. [199] Más tarde ese año, después de dos años de la campaña "SaveDisney" de Roy E. Disney, Eisner anunció que dimitiría y nombró a Bob Iger , entonces presidente de Walt Disney Company, su sucesor como presidente y director ejecutivo. [190]
Iger dijo más tarde: "Todavía no tenía una idea completa de cuán rota estaba la animación de Disney". Describió su historia desde principios de la década de 1990 como "salpicada de una serie de costosos fracasos" como Hércules y Chicken Little ; Los "éxitos modestos" como Mulan y Lilo & Stitch todavía no tuvieron éxito comercial ni de crítica en comparación con las películas anteriores del Renacimiento de Disney. [197] Después de que Iger se convirtió en director ejecutivo, Jobs reanudó las negociaciones para Pixar con Disney. [200] El 24 de enero de 2006, Disney anunció que adquiriría Pixar por 7.400 millones de dólares en un acuerdo de acciones, [201] y el acuerdo se cerraría en mayo, [200] [202] [203] y el estudio Circle 7 lanzado para producir Toy Story 3 fue cerrado, [204] [205] y la mayoría de sus empleados regresaron a Feature Animation y Toy Story 3 volvió al control de Pixar. [206] Iger dijo más tarde que era "un acuerdo que deseaba desesperadamente y que [Disney] necesitaba desesperadamente". Creía que Disney Animation necesitaba un nuevo liderazgo [197] y, como parte de la adquisición, Edwin Catmull y John Lasseter fueron nombrados presidente y director creativo , respectivamente, de Feature Animation y Pixar. [202]
Si bien los ejecutivos de Disney habían discutido el cierre de Feature Animation como redundante, Catmull y Lasseter se negaron y, en cambio, resolvieron intentar cambiar las cosas en el estudio. [207] Lasseter dijo: "No íbamos a permitir que ese [cierre] ocurriera bajo nuestra supervisión. Estábamos decididos a salvar el legado del increíble estudio de Walt Disney y devolverlo al nivel creativo que tenía que tener. esta herencia recaía directamente sobre nuestros hombros". [208] Lasseter y Catmull se propusieron reconstruir la moral del personal de Feature Animation, [209] [210] y volvieron a contratar a varios miembros de la generación de animadores estrella de la "nueva guardia" de la década de 1980 que habían abandonado el estudio, incluidos Ron Clements, John Musker. , Eric Goldberg , [105] Mark Henn , Andreas Deja , Bruce W. Smith y Chris Buck . [211] Para mantener la separación de Walt Disney Feature Animation y Pixar a pesar de su propiedad y administración ahora comunes, Catmull y Lasseter "trazaron una línea dura" según la cual cada estudio era el único responsable de sus propios proyectos y no se le permitiría tomar prestado personal de o prestarle tareas al otro. Catmull dijo que él y Lasseter "se asegurarían de que los estudios sean bastante distintos entre sí. No queremos que se fusionen; ese sería definitivamente un enfoque equivocado. Cada uno debería tener su propia personalidad". [212] [213]
Catmull y Lasseter también trajeron a Disney Feature Animation el modelo de Pixar de un "estudio dirigido por cineastas" en lugar de un "estudio dirigido por ejecutivos"; abolieron el sistema anterior de Disney de exigir a los directores que respondieran a notas "obligatorias" de los ejecutivos de desarrollo que estaban por encima de los productores en favor de un sistema más o menos análogo a la revisión por pares , en el que las notas no obligatorias provienen principalmente de otros productores, directores y escritores. [208] [214] [215] Se eliminaron la mayoría de las capas de "guardianes" (ejecutivos de nivel medio), y Lasseter estableció una rutina de reunirse personalmente semanalmente con los cineastas sobre todos los proyectos en el último año de producción y brindar comentarios sobre el lugar. [216] El equipo de los mejores creativos del estudio que trabajan juntos en estrecha colaboración en el desarrollo de sus películas se conoce como Disney Story Trust; es algo similar al Pixar Braintrust, [214] [217] pero, según se informa, sus reuniones son "más educadas" que las de su contraparte de Pixar. [218]
En 2007, Lasseter cambió el nombre de Walt Disney Feature Animation a Walt Disney Animation Studios , [219] y reposicionó el estudio como una casa de animación que producía proyectos tanto tradicionales como animados por computadora. Para mantener bajos los costos de las producciones dibujadas a mano, la animación, el diseño y la maquetación se realizaron internamente en Disney, mientras que la animación de limpieza y la tinta y pintura digitales se encargaron a proveedores y trabajadores independientes. [220] [ fuente autoeditada ]
El estudio estrenó Meet the Robinsons en 2007, su segunda película totalmente generada por computadora, que recaudó 169,3 millones de dólares en todo el mundo. [221] Ese mismo año, Disneytoon Studios también se reestructuró y comenzó a operar como una unidad separada bajo el control de Lasseter y Catmull. [222] La intervención directa de Lasseter con la siguiente película del estudio, American Dog , resultó en la salida del director Chris Sanders , [223] quien se convirtió en director de DreamWorks Animation. [224] La película fue reestructurada por los nuevos directores Byron Howard y Chris Williams como Bolt , que se estrenó en 2008 y tuvo la mejor recepción crítica de cualquier película animada de Disney desde Lilo & Stitch [225] y se convirtió en un éxito financiero moderado, recibiendo una Nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. [226]
La princesa y el sapo , basada libremente en el cuento de hadas El príncipe sapo y la novela de 2002 La princesa rana , y dirigida por Ron Clements y John Musker, fue la primera película animada dibujada a mano del estudio en cinco años. Un regreso al formato de comedia musical de la década de 1990 con canciones de Randy Newman , [227] la película se estrenó en 2009 con una recepción crítica positiva y también fue nominada a tres premios de la Academia, incluidos dos a la Mejor Canción. [228] El rendimiento en taquilla de La princesa y el sapo (un total de 267 millones de dólares recaudados en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 105 millones de dólares) se consideró un rendimiento inferior debido a la competencia con Avatar . [226] El bajo rendimiento también se atribuyó a la palabra "Princesa" en el título, lo que resultó en que futuras películas de Disney que entonces estaban en producción sobre princesas recibieran títulos simbólicos y neutrales en cuanto al género: Rapunzel se convirtió en Enredada y La Reina de las Nieves se convirtió en Congelada . [209] [229] [230] [231] En 2014, el animador de Disney Tom Sito comparó el desempeño de taquilla de la película con el de El gran detective ratón (1986), que fue un paso adelante con respecto a la presentación teatral de la película de 1985. El Caldero Negro . [232] En 2009, el estudio también produjo el especial navideño animado por computadora Prep & Landing para la cadena de televisión ABC . [233]
Después de La princesa y el sapo , el estudio lanzó Enredados , una adaptación musical CGI del cuento de hadas " Rapunzel " de los hermanos Grimm con canciones de Alan Menken y Glenn Slater . En desarrollo activo desde 2002 bajo la dirección de Glen Keane, [194] Enredados , dirigida por Byron Howard y Nathan Greno , se estrenó en 2010 y se convirtió en un importante éxito comercial y de crítica [234] [235] y fue nominada a varios premios. La película obtuvo 592 millones de dólares en ingresos de taquilla mundial, convirtiéndose en el tercer estreno más exitoso del estudio hasta la fecha. [236]
El largometraje dibujado a mano Winnie the Pooh , un nuevo largometraje basado en las historias homónimas de AA Milne, siguió en 2011 con críticas positivas; sigue siendo la característica dibujada a mano más reciente del estudio. [237] La película se estrenó en los cines junto con el cortometraje dibujado a mano The Ballad of Nessie . [238] Ralph el Demoledor , dirigida por Rich Moore , se estrenó en 2012 con gran éxito comercial y aclamación de la crítica. Una comedia de aventuras sobre un villano de un videojuego que se redime como un héroe, ganó numerosos premios, incluidos los premios Annie , Critics' Choice y Kids' Choice a la mejor película de animación, y recibió nominaciones al Globo de Oro y al Premio de la Academia . [239] La película obtuvo 471 millones de dólares en ingresos de taquilla en todo el mundo. [240] [241] [242] Además, el estudio ganó su primer Premio de la Academia por un cortometraje en cuarenta y cuatro años con Paperman , que se estrenó en los cines con Wreck-It Ralph . [243] [244] Dirigida por John Kahrs , Paperman utilizó un nuevo software desarrollado internamente en el estudio llamado Meander, que fusiona técnicas de animación por computadora y dibujadas a mano dentro del mismo personaje para crear un "híbrido" único. Según la productora Kristina Reed, el estudio continúa desarrollando la técnica para proyectos futuros, [244] incluida una película animada. [237]
En 2013, el estudio despidió a nueve de sus animadores dibujados a mano, incluidos Nik Ranieri y Ruben A. Aquino , [245] lo que generó especulaciones en los blogs de animación de que el estudio estaba abandonando la animación tradicional, una idea que el estudio descartó. [246] Ese mismo año, Frozen , una película musical CGI inspirada en el cuento de hadas de Hans Christian Andersen " La reina de las nieves ", se estrenó con gran éxito y se convirtió en un éxito de taquilla. Dirigida por Chris Buck y Jennifer Lee con canciones del equipo de Broadway formado por Robert López y Kristen Anderson-Lopez , [247] fue la primera película animada de Disney en ganar más de mil millones de dólares en ingresos de taquilla en todo el mundo. [239] [247] [248] Frozen también se convirtió en la primera película de Walt Disney Animation Studios en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación (una categoría que comenzó en 2001), así como el primer largometraje del estudio. en ganar un Premio de la Academia desde Tarzán y el primero en ganar múltiples Premios de la Academia desde Pocahontas . [249] Se estrenó en cines con Get a Horse! , una nueva caricatura de Mickey Mouse que combina animación dibujada a mano en blanco y negro y animación CGI a todo color. [250]
La siguiente película del estudio, Big Hero 6 , una película de comedia y aventuras CGI inspirada en la serie de Marvel Comics del mismo nombre , se estrenó en noviembre de 2014. [251] Para la película, el estudio desarrolló un nuevo software de renderizado de luz llamado Hyperion, que el estudio continuó usándolo en todas las películas posteriores. [252] Big Hero 6 recibió elogios de la crítica y fue la película animada más taquillera de 2014, y también ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película Animada. [253] [254] [255] [256] La película estuvo acompañada en los cines por el corto animado Feast , que ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación. [257] [258] En el mismo mes en que se lanzó Big Hero 6 , se anunció que el Gerente General, Andrew Millstein, había sido ascendido a presidente de Walt Disney Animation Studios. [203] [259] [260] [261]
En marzo de 2016, el estudio estrenó Zootopia , una película de comedia de amigos CGI ambientada en un mundo moderno habitado por animales antropomórficos . [262] La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudó más de mil millones de dólares en todo el mundo y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. [263] [264] [265] [266]
Moana , una película CGI de aventuras y fantasía, se estrenó en noviembre de 2016. [267] La película se proyectó en los cines con el corto animado Inner Workings . [268] Moana fue otro éxito comercial y de crítica para el estudio, recaudando más de 600 millones de dólares en todo el mundo y recibiendo dos nominaciones al Premio de la Academia. [269] [270]
En noviembre de 2017, John Lasseter anunció que tomaría una licencia de seis meses después de reconocer lo que llamó "pasos en falso" en su comportamiento con los empleados en un memorando al personal. Según varios medios de comunicación, Lasseter tenía antecedentes de presunta conducta sexual inapropiada hacia los empleados. [271] [272] [273] El 8 de junio de 2018, se anunció que Lasseter dejaría Disney y Pixar a finales de año después de que la compañía decidiera no renovar su contrato, pero asumiría un rol de consultor hasta expiró. [274] [275] Jennifer Lee fue anunciada como reemplazo de Lasseter como directora creativa de Disney Animation el 19 de junio de 2018. [275] [276]
El 28 de junio de 2018, la división del estudio, Disneytoon Studios, cerró, lo que provocó el despido de 75 animadores y personal. [277] El 23 de octubre de 2018, se anunció que Ed Catmull se jubilaría a finales de año y permanecería en el cargo de asesor hasta julio de 2019. [278]
En noviembre de 2018, el estudio lanzó una secuela de Wreck-It Ralph , titulada Ralph Breaks the Internet . [279] La película recaudó más de 529 millones de dólares en todo el mundo y recibió nominaciones para un Globo de Oro y un Premio de la Academia, ambos a la Mejor Película de Animación. [280] [281] [282] [283]
En agosto de 2019, se anunció que Andrew Millstein dejaría su cargo de presidente, antes de pasar a ser copresidente de Blue Sky Studios junto a Robert Baird, mientras que Clark Spencer fue nombrado presidente de Disney Animation, reportando a Walt Disney. El presidente de los estudios, Alan Bergman, y trabajando junto a la directora creativa, Jennifer Lee . [3] [4]
Frozen II , una secuela de Frozen , se estrenó en noviembre de 2019. [284] La película recaudó más de mil millones de dólares en todo el mundo y recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Canción Original. [285] [286]
De 2020 a 2022, Disney Animation produjo una serie de cortos experimentales llamada Short Circuit para el servicio de streaming Disney+ . El primer paquete de cortos se lanzó en enero de 2020, [287] [288] [289] y un segundo paquete se lanzó en agosto de 2021. [290] [291] Durante ese período, Disney Animation volvió a trabajar en animación dibujada a mano. , habiendo lanzado el corto web "Ice" "En casa con Olaf " dibujado a mano, [292] así como tres cortos animados de Goofy dibujados a mano para Disney+, [293] y un "Cortocircuito" animado dibujado a mano titulado " Dinosaurio Bárbaro." [294] En abril de 2022, Eric Goldberg confirmó planes dentro del estudio para desarrollar películas y series animadas dibujadas a mano. [295] Ese año se lanzaron los cortos dibujados a mano Mickey in a Minute , lanzados como parte del documental de Disney+ Mickey: The Story of a Mouse , y Oswald the Lucky Rabbit , que marcó el primer corto animado del personaje principal. producido por Disney Animation desde que Disney adquirió los derechos del personaje en 2006. [296] [297]
En diciembre de 2020, el estudio anunció que se estaba expandiendo a la producción de series de televisión, un negocio generalmente manejado por la división Disney Television Animation . La mayoría de los proyectos en desarrollo son para Disney+. [298] ¡La serie CG producida incluye Baymax! (un spin-off de Big Hero 6 ) y una antología televisiva llamada Zootopia+ (ambientada en el universo de Zootopia ). Las próximas series incluyen Tiana , protagonizada por el personaje principal de La princesa y el sapo . También anunciaron que se asociarían con la compañía de entretenimiento panafricana con sede en Gran Bretaña Kugali Media en una antología de ciencia ficción llamada Iwájú . [299] Además, los empleados de Disney Animation participan en la serie de Disney Television Animation Monsters at Work , basada en Monsters, Inc. de Pixar . [300]
Raya and the Last Dragon , una película CGI de aventuras y fantasía, se estrenó en marzo de 2021. Debido a la pandemia de COVID-19 , se estrenó simultáneamente en cines y en Disney+ con Premier Access . [301] La película fue acompañada en los cines con el corto animado Us Again . [302] Raya and the Last Dragon recaudó más de $ 130 millones en taquilla [303] y se convirtió en un éxito en las listas de transmisión después de que expiró su cargo Premier Access en Disney + y se convirtió en el tercer título de película más reproducido de 2021. [304] [ 305] [306] La película también recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. [307]
En agosto de 2021, se informó que Disney Animation abriría un nuevo estudio de animación en Vancouver . [308] Las operaciones en el estudio de Vancouver comenzaron en 2022, con el ex director financiero de Disney Animation, Amir Nasrabadi, como director del estudio. [308] El estudio de Vancouver trabajará en la animación de la serie larga exclusiva de Disney+ y futuros especiales de Disney+, mientras que la serie corta será animada en el estudio de Burbank. [308] La preproducción y el guión gráfico de las series de larga duración y los especiales también se llevarán a cabo en el estudio de Burbank. [308]
En noviembre de 2021, el estudio estrenó Encanto , una película de fantasía musical CGI. [309] Debido a la pandemia de COVID-19, la película recibió una presentación teatral exclusiva de 30 días en los cines y se estrenó en Disney+ el 24 de diciembre de 2021. [310] Se estrenó en los cines con el corto híbrido 2D/CG. Lejos del árbol . [311] Aunque Encanto no pudo alcanzar el punto de equilibrio en taquilla al recaudar 256 millones de dólares frente a su presupuesto de 120 a 150 millones de dólares, [312] [313] [314] [315] [316] se volvió viral durante el 2021. temporada navideña y logró un mayor éxito comercial después de su lanzamiento digital en Disney+. [317] [318] [319] La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación y recibió nominaciones al Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original y a la Mejor Canción Original . [320]
En noviembre de 2022, el estudio estrenó la película de acción y aventuras CGI Strange World . [321] Recibió críticas positivas, pero fue un fracaso de taquilla, recaudando 73 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 135 a 180 millones de dólares, con una pérdida estimada de 100 a 147 millones de dólares. [322] [323]
Para 2023, el estudio había abierto un nuevo programa de aprendizaje para animadores dibujados a mano. [324] Ese mismo año, se estrenó el cortometraje animado/de acción real Once Upon a Studio para celebrar el centenario de Disney, que ocurrió en octubre de 2023. [325]
Wish , la película de fantasía musical 2D/CG, se estrenó en noviembre de 2023. El tema de la película está inspirado en el centenario de Disney. [326] [327] Recibió críticas mixtas de los críticos y recaudó 246,6 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de producción de 175 a 200 millones de dólares. [328] [329] [330] La película fue nominada a varios premios, incluido el Globo de Oro a la mejor película de animación . [331]
Hasta 2007, Walt Disney Animation Studios no utilizó un logotipo de producción tradicional, sino que utilizó el logotipo estándar de Walt Disney Pictures . A partir de ese año, se agregó un logotipo de producción en pantalla basado en Steamboat Willie después del logotipo de Disney de 2006. Representa a Mickey Mouse , en su forma clásica, dibujado sobre un fondo de papel beige. A medida que las páginas pasan como en un libro animado , el dibujo se anima en una escena del corto antes mencionado en la que Mickey está silbando. La cámara se acerca a un fondo de foco amarillo dorado y la marca denominativa del nombre del estudio se muestra debajo de la escena.
El logo ha aparecido en todas las películas desde Meet the Robinsons (2007). Se utilizaron variantes de hitos para Enredados (2010) y Encanto (2021), con un texto que decía "Película animada número 50" y "Película animada número 60", respectivamente, y con Mickey en el "0"; este último utilizó una versión abreviada. Se utilizó una versión de 8 bits del logotipo para Wreck-It Ralph (2012). Además, el silbido de Mickey se silenció para permitir que se reproduzca un tema de apertura sobre el logotipo, en películas como Frozen (2013), Moana (2016), Frozen II (2019), Raya y el último dragón (2021), el ya mencionado Encanto . y Deseo (2023).
El logotipo actualmente permanece en uso a pesar de que Steamboat Willie entró en el dominio público el 1 de enero de 2024, debido a que la caricatura es un trabajo publicado en 1928. [332]
Walt Disney Animation Studios está actualmente dirigido por Jennifer Lee (directora creativa, junio de 2018 hasta el presente) y Clark Spencer (presidente, agosto de 2019 hasta el presente). Stacey Snider es directora ejecutiva, John Nallen es director de operaciones, Viet Dinh es director de operaciones, Steve Tomsic es director financiero (anteriormente 20th Century Fox, ahora parte de Disney), John Gelke es vicepresidente de operaciones globales, J Young es vicepresidente senior de crecimiento, Gerard Devan es ejecutivo del grupo APAC , Stephanie Gruber es ejecutiva del grupo de televisión y Christopher Greavu es vicepresidente de ventas.
Los ex presidentes del estudio incluyen a Andrew Millstein (noviembre de 2014 a julio de 2019), [3] [276] Edwin Catmull (junio de 2007 a julio de 2019), David Stainton (enero de 2003 a enero de 2006), Thomas Schumacher (enero de 1999 a diciembre de 2002). ) y Peter Schneider (1985–enero de 1999). [333]
Otros ejecutivos de Disney que también ejercieron mucha influencia dentro del estudio fueron John Lasseter (2006–18, director creativo de Walt Disney Animation Studios), Roy E. Disney (1985–2003, presidente de Walt Disney Animation Studios), Jeffrey Katzenberg (1984 –94, presidente de The Walt Disney Studios), Michael Eisner (1984–2005, director ejecutivo de The Walt Disney Company) y Frank Wells (1984–94, presidente y director de operaciones de The Walt Disney Company). Tras la muerte de Roy Disney en 2009, la sede de WDAS en Burbank se volvió a dedicar como Roy E. Disney Animation Building en mayo de 2010. [334]
Desde 1995, Walt Disney Animation Studios tiene su sede en el Roy E. Disney Animation Building en Burbank, California , frente a Riverside Drive desde Walt Disney Studios , donde se encuentra el edificio de animación original (que ahora alberga oficinas corporativas). El vestíbulo del Disney Animation Building está coronado por una versión grande del famoso sombrero del segmento "El aprendiz de brujo" de Fantasía (1940), y el edificio se llama informalmente "edificio del sombrero" por esa razón. [335] Disney Animation comparte su sitio con ABC Studios , cuyo edificio está ubicado inmediatamente al oeste.
Hasta mediados de la década de 1990, Disney Animation operaba anteriormente desde el complejo Air Way, un grupo de antiguos hangares, edificios de oficinas y remolques [101] en el Grand Central Business Centre, un parque industrial en el sitio del antiguo Aeropuerto Grand Central. [336] a unas dos millas (3,2 km) al este de la ciudad de Glendale. La unidad de Disneytoon Studios tenía su sede en Glendale. El archivo de Disney Animation, anteriormente conocido como "la morgue" (basado en una analogía con un archivo de morgue ) y hoy conocido como Animation Research Library, [337] también se encuentra en Glendale. [338] A diferencia de los edificios de Burbank, la ARL está ubicada en un edificio de oficinas anodino cerca del Grand Central Creative Campus de Disney. El ARL de 12,000 pies cuadrados alberga más de 64 millones de obras de arte de animación que datan de 1924; Debido a su importancia para la empresa, los visitantes deben aceptar no revelar su ubicación exacta dentro de Glendale. [338]
Anteriormente, los estudios satélite de animación estaban ubicados en todo el mundo en Montreuil, Seine-Saint-Denis , Francia (un suburbio de París), [140] y en Bay Lake, Florida (cerca de Orlando , en el parque temático Disney's Hollywood Studios ). [181] El estudio de París se cerró en 2002, [192] mientras que el estudio de Florida se cerró en 2004. [192] El edificio de animación de Florida sobrevive como un edificio de oficinas, mientras que la antigua sección Magic of Disney Animation del edificio es hogar de la Bahía de Lanzamiento de Star Wars .
En noviembre de 2014, Disney Animation comenzó una mejora de 16 meses del edificio Roy E. Disney Animation, [339] [340] para arreglar lo que el entonces presidente del estudio, Edwin Catmull, había llamado su interior "parecido a una mazmorra". [341] Por ejemplo, el interior era tan estrecho que no podía albergar fácilmente reuniones de "ayuntamiento" con la asistencia de todos los empleados. [340] Debido a la renovación, los empleados del estudio fueron trasladados temporalmente desde Burbank al espacio de estudio disponible más cercano controlado por Disney: el edificio Disneytoon Studios en el parque industrial de Glendale y el antiguo almacén de Imagineering en North Hollywood bajo el acceso occidental a Bob. Aeropuerto Hope (el edificio Tujunga). [217] [342] La renovación se completó en octubre de 2016. [342]
Walt Disney Animation Studio ha producido largometrajes animados en una serie de técnicas de animación, incluida la animación tradicional , la animación por computadora , la combinación de ambas y la animación combinada con escenas de acción real . La primera película del estudio, Blancanieves y los siete enanitos , se estrenó el 21 de diciembre de 1937, [343] y su película más reciente, Wish , se estrenó el 22 de noviembre de 2023.
Comenzando con Chicken Little (2005), la mayoría de sus películas han costado entre 150 y 175 millones de dólares. Enredados (2010) es la película más cara del estudio, con un presupuesto de 260 millones de dólares.
La próxima película del estudio será la secuela Moana 2 , cuyo estreno está previsto para noviembre de 2024. El proyecto estaba originalmente en desarrollo como una serie de televisión antes de ser reelaborado en un largometraje teatral. [344] . Zootopia 2 se lanzará en noviembre de 2025. Le seguirá Frozen 3 en 2026. [345]
Desde Alice Comedies en la década de 1920, Walt Disney Animation Studios ha producido una serie de cortometrajes destacados, incluidos los dibujos animados de Mickey Mouse y la serie Silly Symphonies , hasta que la división de estudios de dibujos animados se cerró en 1956. Muchos de estos cortometrajes proporcionaron un medio para la estudio para experimentar con nuevas tecnologías que utilizarían en su proceso cinematográfico, como la sincronización del sonido en Steamboat Willie (1928), [24] la integración del proceso Technicolor de tres tiras en Flowers and Trees (1932), [33 ] la cámara multiplano en The Old Mill (1937), [45] el proceso de xerografía en Goliath II (1960), [346] y la animación híbrida dibujada a mano/CGI en Off His Rockers (1992), [347] Paperman ( 2012), [244] y ¡Consigue un caballo! (2013). [250]
De 2001 a 2008, Disney lanzó Walt Disney Treasures , una serie limitada en DVD para coleccionistas, que celebraba lo que habría sido el centenario de Walt Disney.
El 18 de agosto de 2015, Disney lanzó doce cortometrajes de animación en una compilación de videos caseros titulada Walt Disney Animation Studios Short Films Collection , que incluye, entre otros, Tick Tock Tale y Prep & Landing – Operation: Secret Santa (ambos de 2010).
Walt Disney Animation Studios anunció su expansión a la programación televisiva en 2020 y actualmente está produciendo programas originales para Disney+ , incluidos Iwájú y Tiana (ambos en 2024). [348] [349]
Esta lista solo incluye series de películas y/o franquicias que presentan películas teatrales, cortometrajes y series de televisión producidas por Walt Disney Animation Studios o seguimientos de ellos realizados por unidades de televisión/directo a video de Disney, como Disney Television Animation o Disneytoon Studios a través de los años, así como películas de acción real.
Combinando arte magistral...
bob thomas disney arte de la animación.
Bruto norteamericano después de la primera ejecución: $312,825,889;
Bruto en el extranjero antes del relanzamiento: $ 455,800,000
El jefe de animación de Disney, David Stainton, a quien depende la unidad de secuelas, se negó a comentar sobre sus planes.
Y
Ralph Breaks the Internet
de Walt Disney ha recaudado 505 millones de dólares en todo el mundo.
Entonces, a pesar de las expectativas, podría decirse que es un éxito.
Y
Ralph Breaks the Internet
también fue nominado a Mejor Película Animada, por lo que debo señalar que ayer superó los 200 millones de dólares a nivel nacional.
La secuela de Disney con un presupuesto de 165 millones de dólares ha recaudado 515 millones de dólares en todo el mundo, lo cual es una suma bastante sólida.
Nuevamente muestra que una secuela de Disney no necesariamente funcionará tan bien como un "original" de Disney como
Coco
o
Moana
, pero eso es para otro día.
Por último,
Ralph Breaks the Internet
de Disney finalmente superó los 200 millones de dólares a nivel nacional este fin de semana después de haber superado ya a la primera película, que alcanzó los 189,4 millones de dólares a nivel nacional en 2012. A nivel internacional, la secuela de Ralph está ahora apenas por debajo de los 320 millones de dólares para un total global de 520 millones de dólares. .
La primera película terminó con más de 471 millones de dólares a nivel mundial.
34°09′20″N 118°19′23″O / 34.15556°N 118.32306°W / 34.15556; -118.32306
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