Akira Kurosawa [nota 1] (黒澤明 o 黒沢明, Kurosawa Akira , 23 de marzo de 1910 - 6 de septiembre de 1998) fue un cineasta y pintor japonés que dirigió 30 películas en una carrera que abarca más de cinco décadas. Es ampliamente considerado como uno de los cineastas más grandes e influyentes de la historia del cine . Kurosawa mostró un estilo audaz y dinámico , fuertemente influenciado por el cine occidental pero distinto de él; estuvo involucrado en todos los aspectos de la producción cinematográfica .
Kurosawa entró en la industria cinematográfica japonesa en 1936, tras un breve paso como pintor. Después de años de trabajar en numerosas películas como asistente de dirección y guionista, debutó como director durante la Segunda Guerra Mundial con la popular película de acción Sanshiro Sugata (1943). Después de la guerra, la aclamada por la crítica Drunken Angel (1948), en la que Kurosawa eligió al entonces poco conocido actor Toshiro Mifune para un papel protagónico, consolidó la reputación del director como uno de los jóvenes cineastas más importantes de Japón. Los dos hombres colaborarían en otras quince películas.
Rashomon (1950), que se estrenó en Tokio, se convirtió en la sorpresa ganadora del León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 1951 . El éxito comercial y de crítica de esa película abrió los mercados cinematográficos occidentales por primera vez a los productos de la industria cinematográfica japonesa, lo que a su vez condujo al reconocimiento internacional de otros cineastas japoneses. Kurosawa dirigió aproximadamente una película por año durante la década de 1950 y principios de la de 1960, incluidas varias películas de gran prestigio (y a menudo adaptadas), como Ikiru (1952), Seven Samurai (1954), Throne of Blood (1957), Yojimbo (1961) y Alto y bajo (1963). Después de la década de 1960 se volvió mucho menos prolífico; aun así, sus trabajos posteriores, incluidas dos de sus últimas películas, Kagemusha (1980) y Ran (1985), continuaron recibiendo grandes elogios.
En 1990, aceptó el Premio de la Academia a la trayectoria . Póstumamente, fue nombrado " Asiático del siglo " en la categoría "Arte, literatura y cultura" por la revista AsianWeek y CNN , citado allí como una de las cinco personas que contribuyeron de manera más destacada a la mejora de Asia en el siglo XX. Su carrera ha sido honrada con numerosas retrospectivas, estudios críticos y biografías tanto impresas como en vídeo, y con publicaciones en muchos medios de consumo.
Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910, [3] en Ōimachi en el distrito Ōmori de Tokio. Su padre Isamu (1864-1948), miembro de una familia samurái de la prefectura de Akita , trabajó como director de la escuela secundaria inferior del Instituto de Educación Física del Ejército , mientras que su madre Shima (1870-1952) provenía de una familia de comerciantes que vivía en Osaka . . [4] Akira era el octavo y el más joven de los hijos de una familia moderadamente rica, con dos de sus hermanos ya crecidos en el momento de su nacimiento y uno fallecido, dejando a Kurosawa crecer con tres hermanas y un hermano. [4] [5]
Además de promover el ejercicio físico, Isamu Kurosawa estaba abierto a las tradiciones occidentales y consideraba que el teatro y el cine tenían mérito educativo. Animó a sus hijos a ver películas; El joven Akira vio sus primeras películas a la edad de seis años. [6] Una influencia formativa importante fue su maestro de escuela primaria, el Sr. Tachikawa, cuyas prácticas educativas progresivas encendieron en su joven alumno primero el amor por el dibujo y luego el interés por la educación en general. [7] Durante este tiempo, el niño también estudió caligrafía y manejo de la espada Kendo . [8]
Otra influencia importante de la infancia fue Heigo Kurosawa (1906-1933), el hermano mayor de Akira por cuatro años. A raíz del gran terremoto de Kantō y la posterior masacre de Kantō de 1923, Heigo llevó a Akira, de trece años, a ver la devastación. Cuando el hermano menor quiso apartar la mirada de los cadáveres de humanos y animales esparcidos por todas partes, Heigo le prohibió hacerlo, alentando a Akira a enfrentar sus miedos enfrentándolos directamente. Algunos comentaristas han sugerido que este incidente influiría en la carrera artística posterior de Kurosawa, ya que el director rara vez dudaba en enfrentar verdades desagradables en su trabajo. [9] [10]
Heigo tenía talento académico, pero poco después de no conseguir una plaza en la escuela secundaria más importante de Tokio , empezó a separarse del resto de la familia y prefirió concentrarse en su interés por la literatura extranjera. [5] A finales de la década de 1920, Heigo se convirtió en benshi (narrador de cine mudo) para los cines de Tokio que proyectaban películas extranjeras y rápidamente se hizo un nombre. Akira, que en ese momento planeaba convertirse en pintor, [11] se mudó con él y los dos hermanos se volvieron inseparables. [12] Con la guía de Heigo, Akira devoró no sólo películas sino también espectáculos de teatro y circo, [13] mientras exhibía sus pinturas y trabajaba para la Liga de Artistas Proletarios de izquierda. Sin embargo, nunca pudo ganarse la vida con su arte y, cuando comenzó a percibir que la mayor parte del movimiento proletario "plasmaba ideales políticos incumplidos directamente sobre el lienzo", perdió su entusiasmo por la pintura. [14]
Con la creciente producción de películas sonoras a principios de la década de 1930, los narradores de películas como Heigo comenzaron a perder trabajo y Akira volvió a vivir con sus padres. En julio de 1933, Heigo se suicidó. Kurosawa ha comentado sobre la duradera sensación de pérdida que sintió ante la muerte de su hermano [15] y el capítulo de su autobiografía ( Something Like an Autobiography ) que lo describe, escrito casi medio siglo después del evento, se titula "Una historia que No quiero contarlo". [16] Sólo cuatro meses después, el hermano mayor de Kurosawa también murió, dejando a Akira, a los 23 años, el único de los hermanos Kurosawa que aún vivía, junto con sus tres hermanas supervivientes. [12] [16]
En 1935, el nuevo estudio de cine Photo Chemical Laboratories, conocido como PCL (que más tarde se convirtió en el principal estudio Toho ), anunció la contratación de asistentes de dirección. Aunque no había demostrado ningún interés previo en el cine como profesión, Kurosawa presentó el ensayo requerido, en el que se pedía a los solicitantes que discutieran las deficiencias fundamentales de las películas japonesas y encontraran formas de superarlas. Su opinión medio burlona era que si las deficiencias eran fundamentales, no había manera de corregirlas. El ensayo de Kurosawa le valió una llamada para tomar los exámenes de seguimiento, y el director Kajirō Yamamoto , que estaba entre los examinadores, tomó simpatía por Kurosawa e insistió en que el estudio lo contratara. Kurosawa, de 25 años, se unió al PCL en febrero de 1936. [17] [18]
Durante sus cinco años como asistente de dirección, Kurosawa trabajó con numerosos directores, pero, con diferencia, la figura más importante en su desarrollo fue Yamamoto. De sus 24 películas como AD , trabajó en 17 con Yamamoto, muchas de ellas comedias protagonizadas por el popular actor Ken'ichi Enomoto , conocido como "Enoken". [19] Yamamoto nutrió el talento de Kurosawa, ascendiéndolo directamente de tercer asistente de dirección a director asistente en jefe después de un año. [20] Las responsabilidades de Kurosawa aumentaron y trabajó en tareas que iban desde la construcción del escenario y el desarrollo cinematográfico hasta la búsqueda de locaciones, el pulido de guiones, los ensayos, la iluminación, el doblaje, la edición y la dirección de la segunda unidad. [21] En la última de las películas de Kurosawa como asistente de dirección de Yamamoto, Horse (1941), Kurosawa se hizo cargo de la mayor parte de la producción, ya que su mentor estaba ocupado con el rodaje de otra película. [22]
Yamamoto le advirtió a Kurosawa que un buen director necesitaba dominar la escritura de guiones. [23] Kurosawa pronto se dio cuenta de que las ganancias potenciales de sus guiones eran mucho mayores que lo que le pagaban como asistente de dirección. [24] Posteriormente escribió o coescribió todas sus películas, y frecuentemente escribió guiones para otros directores como la película de Satsuo Yamamoto , A Triumph of Wings ( Tsubasa no gaika , 1942). Esta escritura de guiones externa le serviría a Kurosawa como una actividad lucrativa que duraría hasta bien entrada la década de 1960, mucho después de que se hiciera famoso. [25] [26]
En los dos años posteriores al estreno de Horse en 1941, Kurosawa buscó una historia que pudiera utilizar para lanzar su carrera como director. Hacia finales de 1942, aproximadamente un año después del ataque japonés a Pearl Harbor , el novelista Tsuneo Tomita publicó su novela de judo inspirada en Musashi Miyamoto , Sanshiro Sugata , cuyos anuncios intrigaron a Kurosawa. Compró el libro el día de su publicación, lo devoró de una sola vez e inmediatamente le pidió a Toho que se asegurara los derechos cinematográficos. El instinto inicial de Kurosawa resultó acertado ya que, a los pocos días, otros tres grandes estudios japoneses también se ofrecieron a comprar los derechos. Toho prevaleció y Kurosawa comenzó la preproducción de su trabajo debut como director. [27] [28]
El rodaje de Sanshiro Sugata comenzó en Yokohama en diciembre de 1942. La producción se desarrolló sin problemas, pero lograr que la película completa pasara la censura fue un asunto completamente diferente. La oficina de censura consideró que la obra era inaceptablemente "británica-estadounidense" según los estándares del Japón en tiempos de guerra, y fue sólo gracias a la intervención del director Yasujirō Ozu , quien defendió la película, que Sanshiro Sugata finalmente fue aceptado para su estreno el 25 de marzo. 1943. (Kurosawa acababa de cumplir 33 años). La película se convirtió en un éxito comercial y de crítica. Sin embargo, la oficina de censura decidió posteriormente eliminar unos 18 minutos de metraje, gran parte del cual ahora se considera perdido. [29] [30]
Luego abordó el tema de las trabajadoras de las fábricas en tiempos de guerra en The Most Beautiful , una película de propaganda que filmó en estilo semidocumental a principios de 1944. Para obtener interpretaciones realistas de sus actrices, el director las hizo vivir en una fábrica real durante el rodaje, comer la comida de la fábrica y llamarse unos a otros por los nombres de sus personajes. Utilizaría métodos similares con sus artistas a lo largo de su carrera. [31] [32]
Durante la producción, la actriz que interpreta a la líder de los trabajadores de la fábrica, Yōko Yaguchi , fue elegida por sus compañeros para presentar sus demandas al director. Ella y Kurosawa estaban constantemente en desacuerdo, y fue a través de estas discusiones que, paradójicamente, los dos se volvieron cercanos. Se casaron el 21 de mayo de 1945, con Yaguchi embarazada de dos meses (ella nunca reanudó su carrera como actriz), y la pareja permanecería junta hasta su muerte en 1985. [33] [34] Tuvieron dos hijos, ambos sobrevivieron a Kurosawa a partir de 2018 [actualizar]: un hijo, Hisao, nacido el 20 de diciembre de 1945, que se desempeñó como productor en algunos de los últimos proyectos de su padre, y Kazuko , una hija, nacida el 29 de abril de 1954, que se convirtió en diseñadora de vestuario. [35]
Poco antes de casarse, Kurosawa fue presionado por el estudio contra su voluntad para que dirigiera una secuela de su primera película. Sanshiro Sugata Parte II, a menudo descaradamente propagandística , que se estrenó en mayo de 1945, se considera generalmente una de sus películas más débiles. [36] [37] [38]
Kurosawa decidió escribir el guión de una película que fuera fácil de censurar y menos costosa de producir. Los hombres que pisan la cola del tigre , basada en la obra de Kabuki Kanjinchō y protagonizada por el comediante Enoken, con quien Kurosawa había trabajado a menudo durante sus días como asistente de dirección, se completó en septiembre de 1945. Para entonces, Japón se había rendido y la ocupación de Japón había comenzado. Los nuevos censores estadounidenses interpretaron los valores supuestamente promovidos en la imagen como demasiado "feudales" y prohibieron la obra. No se estrenó hasta 1952, año en el que también se estrenó otra película de Kurosawa, Ikiru . Irónicamente, mientras estaba en producción, la película ya había sido atacada duramente por los censores japoneses de la guerra por considerarla demasiado occidental y "democrática" (les desagradaba especialmente el portero cómico interpretado por Enoken), por lo que lo más probable es que la película no hubiera visto la luz incluso si la guerra había continuado más allá de su finalización. [39] [40]
Después de la guerra, Kurosawa, influenciado por los ideales democráticos de la ocupación, buscó hacer películas que establecieran un nuevo respeto hacia el individuo y hacia uno mismo [ cita necesaria ] . La primera película de este tipo, No Regrets for Our Youth (1946), inspirada tanto en el incidente de Takigawa de 1933 como en el caso de espionaje de Hotsumi Ozaki en tiempos de guerra, criticaba el régimen japonés de antes de la guerra por su opresión política. [nota 2] Atípicamente para el director, el heroico personaje central es una mujer, Yukie ( Setsuko Hara ), quien, nacida en el privilegio de la clase media alta, llega a cuestionar sus valores en una época de crisis política. El guión original tuvo que ser reescrito en profundidad y, debido a su tema controvertido y al género de su protagonista, la obra terminada dividió a la crítica. Sin embargo, logró ganarse la aprobación del público, que convirtió las variaciones del título de la película en un eslogan de posguerra . [42]
Su siguiente película, One Wonderful Sunday , se estrenó en julio de 1947 con críticas mixtas. Es una historia de amor relativamente sencilla y sentimental que trata sobre una pareja empobrecida de posguerra que intenta disfrutar, dentro de la devastación del Tokio de posguerra, de su único día libre semanal. La película tiene la influencia de Frank Capra , DW Griffith y FW Murnau , cada uno de los cuales estaba entre los directores favoritos de Kurosawa. [43] [44] Otra película estrenada en 1947 con la participación de Kurosawa fue el thriller de acción y aventuras Snow Trail , dirigido por Senkichi Taniguchi a partir del guión de Kurosawa. Marcó el debut del joven e intenso actor Toshiro Mifune . Fue Kurosawa quien, con su mentor Yamamoto, intervino para persuadir a Toho de que contratara a Mifune, durante una audición en la que el joven impresionó mucho a Kurosawa, pero logró alienar a la mayoría de los demás jueces. [45]
Ángel borracho a menudo se considera el primer trabajo importante del director. [46] Aunque el guión, como todas las obras de Kurosawa de la era de la ocupación, tuvo que pasar por reescrituras debido a la censura estadounidense, Kurosawa sintió que esta era la primera película en la que podía expresarse libremente. Una cruda historia de un médico que intenta salvar a un gángster ( yakuza ) con tuberculosis , también fue la primera vez que Kurosawa dirigió a Mifune, quien pasó a desempeñar papeles importantes en todas menos una de las siguientes 16 películas del director (con la excepción de Ikiru ). Si bien Mifune no fue elegido como protagonista de Drunken Angel , su explosiva actuación como gángster domina tanto el drama que desvió el foco del personaje principal, el médico alcohólico interpretado por Takashi Shimura , que ya había aparecido en varias películas de Kurosawa. Sin embargo, Kurosawa no quería sofocar la inmensa vitalidad del joven actor, y el personaje rebelde de Mifune electrizó al público de la misma manera que la postura desafiante de Marlon Brando sorprendería al público cinematográfico estadounidense unos años más tarde. [47] La película se estrenó en Tokio en abril de 1948 con excelentes críticas y fue elegida por la prestigiosa encuesta de críticos de Kinema Junpo como la mejor película de su año, la primera de las tres películas de Kurosawa en recibir tal honor. [48] [49] [50] [51]
Después de completar Drunken Angel , Toho se vio envuelto en una huelga laboral que duró meses , en la que el sindicato de Toho ocupó los terrenos del estudio. Cuando la dirección de Toho dejó de pagar los salarios de los trabajadores, Kurosawa formó un grupo de actuación de gira para recaudar fondos, dirigiendo La propuesta de Anton Chejov y una adaptación de Drunken Angel protagonizada por Mifune y Shimura. [52] Desilusionado por la división y la violencia entre los empleados de Toho, las tácticas clandestinas del liderazgo de Toho y la ruptura de la ocupación por la policía y el enfrentamiento militar , Kurosawa dejó Toho, recordando más tarde: "Había llegado a comprender que el estudio que tenía Pensé que mi casa en realidad pertenecía a extraños". [53]
Kurosawa, con el productor Sōjirō Motoki y sus colegas directores y amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse y Senkichi Taniguchi, formaron una nueva unidad de producción independiente llamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para el primer trabajo de esta organización y primera película para los estudios Daiei , Kurosawa recurrió a una obra de teatro contemporánea de Kazuo Kikuta y, junto con Taniguchi, la adaptó para la pantalla. The Quiet Duel fue protagonizada por Toshiro Mifune como un joven médico idealista que lucha contra la sífilis , un intento deliberado de Kurosawa de alejar al actor de ser encasillado como gánsteres. Estrenada en marzo de 1949, fue un éxito de taquilla, pero en general se considera uno de los logros menores del director. [54] [55] [56] [57]
Su segunda película de 1949, también producida por Film Art Association y estrenada por Shintoho , fue Stray Dog . Se trata de una película de detectives (quizás la primera película japonesa importante de ese género) [58] que explora el estado de ánimo de Japón durante su dolorosa recuperación de la posguerra a través de la historia de un joven detective, interpretado por Mifune, y su fijación por la recuperación de su pistola, que fue robada por un veterano de guerra sin un centavo que procede a usarla para robar y asesinar. Adaptada de una novela inédita de Kurosawa al estilo de uno de sus escritores favoritos, Georges Simenon , fue la primera colaboración del director con el guionista Ryuzo Kikushima , quien más tarde ayudaría a escribir el guión de otras ocho películas de Kurosawa. Una famosa secuencia, prácticamente sin palabras, que dura más de ocho minutos, muestra al detective, disfrazado de veterano empobrecido, deambulando por las calles en busca del ladrón de armas; Empleó imágenes documentales reales de los barrios de Tokio devastados por la guerra filmadas por el amigo de Kurosawa, Ishirō Honda , el futuro director de Godzilla . [59] [60] [61] La película se considera un precursor de los géneros cinematográficos policiales contemporáneos procesales y de policías amigos . [62]
Scandal , estrenada por Shochiku en abril de 1950, se inspiró en las experiencias personales del director y en su ira hacia el periodismo amarillo japonés . La obra es una ambiciosa mezcla de drama judicial y película sobre problemas sociales sobre la libertad de expresión y la responsabilidad personal, pero incluso Kurosawa consideró el producto final como dramáticamente desenfocado e insatisfactorio, y casi todos los críticos están de acuerdo. [63] Sin embargo, sería la segunda película de Kurosawa de 1950, Rashomon , la que finalmente le granjearía a él y al cine japonés una audiencia internacional completamente nueva.
Después de terminar Scandal , los estudios Daiei se acercaron a Kurosawa para hacer otra película para ellos. Kurosawa eligió un guión de un joven aspirante a guionista, Shinobu Hashimoto , quien eventualmente trabajaría en nueve de sus películas. Su primer trabajo conjunto se basó en el cuento experimental de Ryūnosuke Akutagawa " In a Grove ", que relata el asesinato de un samurái y la violación de su esposa desde varios puntos de vista diferentes y conflictivos. Kurosawa vio potencial en el guión y, con la ayuda de Hashimoto, lo pulió y amplió y luego se lo presentó a Daiei, quien estuvo feliz de aceptar el proyecto debido a su bajo presupuesto. [64]
El rodaje de Rashomon comenzó el 7 de julio de 1950 y, después de un extenso trabajo de localización en el bosque primitivo de Nara , concluyó el 17 de agosto. Sólo se pasó una semana en la apresurada postproducción, obstaculizada por un incendio en el estudio, y la película terminada. se estrenó en el Teatro Imperial de Tokio el 25 de agosto y se expandió a nivel nacional al día siguiente. La película recibió críticas tibias y muchos críticos quedaron desconcertados por su tema y tratamiento únicos, pero aun así fue un éxito financiero moderado para Daiei. [65] [66] [67]
La siguiente película de Kurosawa, para Shochiku, fue El idiota , una adaptación de la novela del escritor favorito del director, Fyodor Dostoievski . La historia se traslada de Rusia a Hokkaido , pero por lo demás se adhiere estrechamente al original, un hecho visto por muchos críticos como perjudicial para la obra. Una edición ordenada por el estudio lo acortó del corte original de Kurosawa de 265 minutos a solo 166 minutos, lo que hizo que la narrativa resultante fuera extremadamente difícil de seguir. La versión cinematográfica severamente editada se considera ampliamente como uno de los trabajos menos exitosos del director y la versión completa original ya no existe. Las críticas contemporáneas de la versión editada muy abreviada fueron muy negativas, pero la película tuvo un éxito moderado en taquilla, en gran parte debido a la popularidad de una de sus estrellas, Setsuko Hara. [68] [69] [70] [71]
Mientras tanto, sin que Kurosawa lo supiera, Rashomon había sido inscrito en el Festival de Cine de Venecia , debido a los esfuerzos de Giuliana Stramigioli , una representante de una compañía cinematográfica italiana con sede en Japón, que había visto y admirado la película y convenció a Daiei para que la presentara. El 10 de septiembre de 1951, Rashomon recibió el premio más importante del festival, el León de Oro , lo que sorprendió no sólo a Daiei sino al mundo cinematográfico internacional, que en ese momento desconocía en gran medida la tradición cinematográfica japonesa de décadas de antigüedad. [72]
Después de que Daiei exhibiera brevemente una copia subtitulada de la película en Los Ángeles, RKO compró los derechos de distribución de Rashomon en los Estados Unidos. La empresa estaba asumiendo un riesgo considerable. Anteriormente sólo había lanzado una película subtitulada en el mercado estadounidense, y la única película sonora japonesa anterior estrenada comercialmente en Nueva York había sido la comedia de Mikio Naruse, Wife! ¡Sé como una rosa! , en 1937: fracaso de crítica y taquilla. Sin embargo, la carrera comercial de Rashomon , muy ayudada por fuertes críticas de los críticos e incluso del columnista Ed Sullivan , ganó 35.000 dólares en sus primeras tres semanas en un solo teatro de Nueva York, una suma casi inaudita en ese momento.
Este éxito, a su vez, llevó a que las películas japonesas se pusieran de moda en Estados Unidos y Occidente durante la década de 1950, reemplazando el entusiasmo por el cine neorrealista italiano . [73] A finales de 1952, Rashomon fue lanzado en Japón, Estados Unidos y la mayor parte de Europa. Entre los cineastas japoneses cuyo trabajo empezó a ganar premios en festivales y estrenos comerciales en Occidente se encuentran Kenji Mizoguchi ( La vida de Oharu , Ugetsu , Sansho el Bailiff ) y, algo más tarde, Yasujirō Ozu ( Tokyo Story , An Autumn Afternoon ), artistas muy respetados en Japón pero, antes de este período, casi totalmente desconocidos en Occidente. [74] La creciente reputación de Kurosawa entre el público occidental en la década de 1950 haría que el público occidental simpatizara más con la recepción de las generaciones posteriores de cineastas japoneses, desde Kon Ichikawa , Masaki Kobayashi , Nagisa Oshima y Shohei Imamura hasta Juzo Itami , Takeshi Kitano y Takashi. Miike .
Su carrera impulsada por su repentina fama internacional, Kurosawa, ahora reunida con su estudio cinematográfico original, Toho (que produciría sus siguientes 11 películas), se puso a trabajar en su próximo proyecto, Ikiru . La película está protagonizada por Takashi Shimura como Watanabe, un burócrata de Tokio afectado por un cáncer, en una última búsqueda de significado antes de su muerte. Para el guión, Kurosawa contrató a Hashimoto y al escritor Hideo Oguni , quien luego coescribió doce películas de Kurosawa. A pesar del sombrío tema de la obra, los guionistas adoptaron un enfoque satírico, que algunos han comparado con la obra de Brecht , tanto del mundo burocrático de su héroe como de la colonización cultural estadounidense de Japón. (Las canciones pop estadounidenses ocupan un lugar destacado en la película). Debido a esta estrategia, a los realizadores se les suele atribuir el mérito de haber salvado la película del tipo de sentimentalismo común en los dramas sobre personajes con enfermedades terminales. Ikiru se estrenó en octubre de 1952 con excelentes críticas (le valió a Kurosawa su segundo premio Kinema Junpo a la "Mejor película") y un enorme éxito de taquilla. Sigue siendo la más aclamada de todas las películas del artista ambientadas en la era moderna. [75] [76] [77]
En diciembre de 1952, Kurosawa llevó a sus guionistas de Ikiru , Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, a una residencia aislada de cuarenta y cinco días en una posada para crear el guión de su próxima película, Los siete samuráis . El trabajo conjunto fue la primera película de samuráis propiamente dicha de Kurosawa , el género por el que se haría más famoso. La sencilla historia, sobre una aldea agrícola pobre en el Japón del período Sengoku que contrata a un grupo de samuráis para defenderla contra un ataque inminente de bandidos, recibió un tratamiento épico completo, con un elenco enorme (en gran parte compuesto por veteranos de producciones anteriores de Kurosawa). y acción meticulosamente detallada, que se extiende a casi tres horas y media de tiempo en pantalla. [78]
Se dedicaron tres meses a la preproducción y un mes a los ensayos. El rodaje duró 148 días repartidos en casi un año, interrumpidos por problemas de producción y financiación y por los problemas de salud de Kurosawa. La película finalmente se estrenó en abril de 1954, medio año después de su fecha de estreno original y aproximadamente tres veces por encima del presupuesto, lo que la convirtió en ese momento en la película japonesa más cara jamás realizada. (Sin embargo, para los estándares de Hollywood, fue una producción con un presupuesto bastante modesto, incluso para esa época). La película recibió una reacción crítica positiva y se convirtió en un gran éxito, recuperando rápidamente el dinero invertido en ella y brindando al estudio un producto que podía, y lo hizo, comercializar internacionalmente, aunque con ediciones extensas. Con el tiempo, y con los estrenos en cines y vídeos caseros de la versión sin cortes, su reputación ha crecido constantemente. Ahora algunos comentaristas la consideran la mejor película japonesa jamás realizada y, en 1999, una encuesta entre críticos de cine japoneses también la votó como la mejor película japonesa jamás realizada. [78] [79] [80] En la versión más reciente (2022) de la muy respetada encuesta Sight & Sound del British Film Institute (BFI) "Las mejores películas de todos los tiempos", Seven Samurai ocupó el puesto 20 entre todas las películas de todos los países en entre los críticos y empatado en el puesto 14 en las encuestas de directores, recibiendo un lugar en las listas Top Ten de 48 críticos y 22 directores. [81]
En 1954, las pruebas nucleares en el Pacífico causaron tormentas radiactivas en Japón y un incidente particular ocurrido en marzo expuso a un barco pesquero japonés a la lluvia nuclear , con resultados desastrosos. Es en esta atmósfera de ansiedad que se concibió la siguiente película de Kurosawa, Vivo con miedo . La historia trata sobre el anciano propietario de una fábrica (Toshiro Mifune), tan aterrorizado ante la perspectiva de un ataque nuclear que decide trasladar a toda su familia (tanto legal como extramatrimonial) a lo que imagina que es la seguridad de una granja en Brasil. . La producción fue mucho más fluida que la película anterior del director, pero unos días antes de que terminara el rodaje, el compositor, colaborador y amigo cercano de Kurosawa, Fumio Hayasaka, murió (de tuberculosis) a la edad de 41 años. La banda sonora de la película fue terminada por el alumno de Hayasaka, Masaru . Sato , quien luego componería la música de las siguientes ocho películas de Kurosawa. Vivo con miedo se estrenó en noviembre de 1955 con críticas mixtas y una reacción silenciosa del público, convirtiéndose en la primera película de Kurosawa en perder dinero durante su presentación original en cines. Hoy en día, muchos la consideran una de las mejores películas que abordan los efectos psicológicos del estancamiento nuclear mundial. [82] [83] [84]
El siguiente proyecto de Kurosawa, Throne of Blood , una adaptación de Macbeth de William Shakespeare —ambientada, como Los siete samuráis , en la era Sengoku— representó una ambiciosa transposición de la obra inglesa a un contexto japonés. Kurosawa ordenó a su actriz principal, Isuzu Yamada , que considerara la obra como si fuera una versión cinematográfica de un clásico literario japonés y no europeo. Dada la apreciación de Kurosawa por la actuación escénica tradicional japonesa, la actuación de los actores, particularmente Yamada, se basa en gran medida en las técnicas estilizadas del teatro Noh . Fue filmada en 1956 y estrenada en enero de 1957 con una respuesta interna ligeramente menos negativa que la que había tenido con la película anterior del director. En el extranjero, Trono de sangre , independientemente de las libertades que se toma con su material original, rápidamente se ganó un lugar entre las adaptaciones de Shakespeare más célebres. [85] [86] [87] [88]
Casi inmediatamente siguió otra adaptación de una obra teatral europea clásica, con la producción de The Lower Depths , basada en una obra de Maxim Gorky , que tuvo lugar en mayo y junio de 1957. En contraste con el barrido shakesperiano de Throne of Blood , The Lower Depths fue rodada en sólo dos escenarios reducidos, para enfatizar la naturaleza restringida de la vida de los personajes. Aunque fiel a la obra, esta adaptación de material ruso a un escenario completamente japonés (en este caso, a finales del período Edo ), a diferencia de su anterior El idiota , fue considerada un éxito artístico. La película se estrenó en septiembre de 1957, recibiendo una respuesta mixta similar a la de Trono de sangre . Sin embargo, algunos críticos la sitúan entre las obras más subestimadas del director. [89] [90] [91] [92]
Las tres siguientes películas de Kurosawa después de Seven Samurai no lograron capturar al público japonés como lo hizo esa película. El ambiente en el trabajo del director se había vuelto cada vez más pesimista y sombrío incluso cuando Japón entraba en un período de auge de crecimiento de alta velocidad y niveles de vida crecientes. Fuera de sintonía con el estado de ánimo predominante en la época, las películas de Kurosawa cuestionaron la posibilidad de redención a través de la responsabilidad personal, particularmente en El trono de sangre y Las profundidades inferiores . Él reconoció esto y deliberadamente buscó una película más alegre y entretenida para su próxima producción mientras cambiaba al nuevo formato de pantalla ancha que había ido ganando popularidad en Japón. La película resultante, The Hidden Fortress , es una comedia dramática de acción y aventuras sobre una princesa medieval, su leal general y dos campesinos que necesitan viajar a través de líneas enemigas para llegar a su región de origen. Estrenada en diciembre de 1958, The Hidden Fortress se convirtió en un enorme éxito de taquilla en Japón y fue calurosamente recibida por la crítica tanto en Japón como en el extranjero. Hoy en día, la película se considera uno de los esfuerzos más ligeros de Kurosawa, aunque sigue siendo popular, sobre todo porque es una de las principales influencias de la ópera espacial de George Lucas de 1977 , Star Wars . [93] [94] [95] [96]
A partir de Rashomon , las producciones de Kurosawa se habían vuelto cada vez más grandes en alcance y también los presupuestos del director. Toho, preocupado por este desarrollo, sugirió que podría ayudar a financiar sus propios trabajos, reduciendo así las pérdidas potenciales del estudio y, a la vez, permitiéndose una mayor libertad artística como coproductor. Kurosawa estuvo de acuerdo y en abril de 1959 se estableció Kurosawa Production Company, con Toho como accionista mayoritario. [97]
A pesar de arriesgar su propio dinero, Kurosawa eligió una historia que criticaba más directamente a las élites empresariales y políticas japonesas que cualquier trabajo anterior. The Bad Sleep Well , basado en un guión del sobrino de Kurosawa, Mike Inoue, es un drama de venganza sobre un joven que consigue infiltrarse en la jerarquía de una corrupta empresa japonesa con la intención de exponer a los hombres responsables de la muerte de su padre. Su tema resultó de actualidad: mientras la película estaba en producción, se llevaron a cabo protestas masivas de Anpo contra el nuevo tratado de seguridad entre Estados Unidos y Japón , que muchos japoneses, particularmente los jóvenes, consideraban una amenaza a la democracia del país al otorgar demasiado poder a las corporaciones. y políticos. La película se estrenó en septiembre de 1960 con una reacción crítica positiva y un modesto éxito de taquilla. La secuencia inicial de 25 minutos que representa una recepción de boda corporativa es ampliamente considerada como una de las escenas más hábilmente ejecutadas por Kurosawa, pero el resto de la película a menudo se percibe como decepcionante en comparación. La película también ha sido criticada por emplear al héroe convencional de Kurosawan para combatir un mal social que no puede resolverse mediante las acciones de individuos, por valientes o astutos que sean. [98] [99] [100] [101]
Yojimbo ( El guardaespaldas ), la segunda película de Kurosawa Production, se centra en un samurái sin amo, Sanjuro, que se adentra en una ciudad del siglo XIX gobernada por dos facciones violentas opuestas y las provoca para que se destruyan entre sí. El director aprovechó esta obra para jugar con muchas convenciones de género, en particular el western , al mismo tiempo que ofrecía un retrato gráfico de la violencia sin precedentes (para la pantalla japonesa). Algunos comentaristas han visto al personaje de Sanjuro en esta película como una figura fantástica que revierte mágicamente el triunfo histórico de la clase mercantil corrupta sobre la clase samurái. Con Tatsuya Nakadai en su primer papel importante en una película de Kurosawa, y con una fotografía innovadora de Kazuo Miyagawa (quien filmó Rashomon ) y Takao Saito , la película se estrenó en abril de 1961 y fue una empresa de éxito comercial y de crítica, ganando más que cualquier película anterior de Kurosawa. película. La película y su tono negro y cómico también fueron ampliamente imitados en el extranjero. Por un puñado de dólares de Sergio Leone fue una nueva versión virtual (no autorizada) escena por escena en la que Toho presentó una demanda en nombre de Kurosawa y prevaleció. [102] [103] [104]
Tras el éxito de Yojimbo , Kurosawa se vio presionado por Toho para crear una secuela. Kurosawa recurrió a un guión que había escrito antes de Yojimbo y lo reelaboró para incluir al héroe de su película anterior. Sanjuro fue la primera de las tres películas de Kurosawa en ser adaptadas de la obra del escritor Shūgorō Yamamoto (las otras serían Barba Roja y Dodeskaden ). Tiene un tono más ligero y se acerca más a una película de época convencional que Yojimbo , aunque su historia de una lucha de poder dentro de un clan samurái está retratada con un trasfondo fuertemente cómico. La película se estrenó el 1 de enero de 1962, superando rápidamente el éxito de taquilla de Yojimbo y obteniendo críticas positivas. [105] [106] [107]
Mientras tanto, Kurosawa había ordenado a Toho que comprara los derechos cinematográficos de King's Ransom , una novela sobre un secuestro escrita por el autor y guionista estadounidense Evan Hunter , bajo su seudónimo de Ed McBain, como uno de su serie de libros sobre crímenes del Distrito 87 . El director pretendía crear una obra que condenara el secuestro, que consideraba uno de los peores crímenes. La película de suspenso, titulada High and Low , se rodó durante la segunda mitad de 1962 y se estrenó en marzo de 1963. Rompió el récord de taquilla de Kurosawa (la tercera película consecutiva en lograrlo) y se convirtió en la película japonesa más taquillera del año. y obtuvo críticas entusiastas. Sin embargo, su triunfo quedó algo empañado cuando, irónicamente, se culpó a la película por una ola de secuestros que ocurrieron en Japón en esa época (él mismo recibió amenazas de secuestro dirigidas a su pequeña hija, Kazuko). Muchos comentaristas consideran que High and Low se encuentra entre las obras más sólidas del director. [108] [109] [110] [111]
Kurosawa pasó rápidamente a su siguiente proyecto, Barba Roja . Basada en una colección de cuentos de Shūgorō Yamamoto e incorporando elementos de la novela de Dostoievski Los insultados y heridos , es una película de época, ambientada en una clínica para pobres de mediados del siglo XIX, en la que los temas humanistas de Kurosawa reciben quizás su declaración más completa. Yasumoto, un joven médico engreído y materialista formado en el extranjero, se ve obligado a convertirse en interno en la clínica bajo la severa tutela del Doctor Niide, conocido como "Akahige" ("Barba Roja"), interpretado por Mifune. Aunque inicialmente se resiste a Barba Roja, Yasumoto llega a admirar su sabiduría y coraje y a percibir a los pacientes de la clínica, a quienes al principio despreciaba, como dignos de compasión y dignidad. [112]
Yūzō Kayama , que interpreta a Yasumoto, era una estrella de cine y música extremadamente popular en ese momento, particularmente por su serie de comedias musicales "Young Guy" ( Wakadaishō ), por lo que contratarlo para aparecer en la película prácticamente le garantizaba a Kurosawa una fuerte taquilla. El rodaje, el más largo jamás realizado por el cineasta, duró más de un año (después de cinco meses de preproducción) y concluyó en la primavera de 1965, dejando exhaustos al director, a su equipo y a sus actores. Barba Roja se estrenó en abril de 1965, convirtiéndose en la producción japonesa más taquillera del año y la tercera (y última) película de Kurosawa en encabezar la prestigiosa encuesta anual de críticos de Kinema Jumpo . Sigue siendo una de las obras más conocidas y queridas de Kurosawa en su país natal. Fuera de Japón, los críticos han estado mucho más divididos. La mayoría de los comentaristas reconocen sus méritos técnicos y algunos lo elogian como uno de los mejores de Kurosawa, mientras que otros insisten en que carece de complejidad y poder narrativo genuino, y otros afirman que representa un retroceso del compromiso previo del artista con el cambio social y político. [113] [114] [115] [116]
La película marcó una especie de final de una era para su creador. El propio director lo reconoció en el momento de su estreno, diciendo al crítico Donald Richie que una especie de ciclo acababa de terminar y que sus futuras películas y sus métodos de producción serían diferentes. [117] Su predicción resultó bastante precisa. A partir de finales de la década de 1950, la televisión comenzó a dominar cada vez más el tiempo libre de la antes numerosa y leal audiencia del cine japonés. Y a medida que los ingresos de las compañías cinematográficas cayeron, también lo hizo su apetito por el riesgo, particularmente el riesgo representado por los costosos métodos de producción de Kurosawa. [118]
Barba Roja también marcó el punto medio, cronológicamente, en la carrera del artista. Durante sus veintinueve años anteriores en la industria cinematográfica (que incluyen sus cinco años como asistente de dirección), había dirigido veintitrés películas, mientras que durante los veintiocho años restantes, por muchas razones complejas, solo completaría siete más. . Además, por razones nunca explicadas adecuadamente, Barba Roja sería su última película protagonizada por Toshiro Mifune. Yū Fujiki , un actor que trabajó en The Lower Depths , observó, respecto a la cercanía de los dos hombres en el set, "el corazón del Sr. Kurosawa estaba en el cuerpo del Sr. Mifune". [119] Donald Richie ha descrito la relación entre ellos como una "simbiosis" única. [120]
Cuando el contrato exclusivo de Kurosawa con Toho llegó a su fin en 1966, el director de 56 años estaba contemplando seriamente un cambio. Al observar el difícil estado de la industria cinematográfica nacional y haber recibido decenas de ofertas del extranjero, la idea de trabajar fuera de Japón le atrajo como nunca antes. [121]
Para su primer proyecto en el extranjero, Kurosawa eligió una historia basada en un artículo de la revista Life . El thriller de acción de Embassy Pictures , que se filmaría en inglés y se llamaría simplemente Runaway Train , habría sido el primero en color. Pero la barrera del idioma resultó ser un problema importante, y la versión inglesa del guión ni siquiera estaba terminada cuando comenzó el rodaje en el otoño de 1966. El rodaje, que requirió nieve, se trasladó al otoño de 1967 y luego se canceló en 1968. Dos décadas más tarde, otro director extranjero que trabajaba en Hollywood, Andrei Konchalovsky , finalmente hizo Runaway Train (1985), aunque a partir de un nuevo guión basado libremente en el de Kurosawa. [122]
Mientras tanto, el director se había involucrado en un proyecto de Hollywood mucho más ambicioso. ¡Torá! ¡Torá! ¡Torá! , producida por 20th Century Fox y Kurosawa Production, sería una representación del ataque japonés a Pearl Harbor desde el punto de vista estadounidense y japonés, con Kurosawa dirigiendo la mitad japonesa y un cineasta anglófono dirigiendo la mitad estadounidense. Pasó varios meses trabajando en el guión con Ryuzo Kikushima y Hideo Oguni, pero muy pronto el proyecto empezó a desmoronarse. El director de las secuencias americanas resultó no ser David Lean , como estaba previsto inicialmente, sino el estadounidense Richard Fleischer . También se recortó el presupuesto y el tiempo de pantalla asignado para el segmento japonés ahora no excedería los 90 minutos, un problema importante, considerando que el guión de Kurosawa duraba más de cuatro horas. Después de numerosas revisiones con la participación directa de Darryl Zanuck , en mayo de 1968 se acordó un guión más o menos finalizado.
El rodaje comenzó a principios de diciembre, pero Kurosawa duraría sólo poco más de tres semanas como director. Luchó por trabajar con un equipo desconocido y los requisitos de una producción de Hollywood, mientras que sus métodos de trabajo desconcertaron a sus productores estadounidenses, quienes finalmente concluyeron que el director debía estar mentalmente enfermo. Kurosawa fue examinado en el Hospital Universitario de Kyoto por un neuropsicólogo, el Dr. Murakami, cuyo diagnóstico fue enviado a Darryl Zanuck y Richard Zanuck en los estudios Fox indicando un diagnóstico de neurastenia que indicaba que "sufre trastornos del sueño, está agitado con sentimientos de ansiedad". y en excitación maníaca causada por la enfermedad antes mencionada. Es necesario que tenga reposo y tratamiento médico por más de dos meses." [123] En la víspera de Navidad de 1968, los estadounidenses anunciaron que Kurosawa había abandonado la producción debido a "fatiga", despidiéndolo efectivamente. Finalmente fue reemplazado, para las secuencias japonesas de la película, por dos directores, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda . [124]
¡Torá! ¡Torá! ¡Torá! , finalmente publicado con críticas poco entusiastas en septiembre de 1970, fue, como dijo Donald Richie, una "tragedia casi absoluta" en la carrera de Kurosawa. Había pasado años de su vida en un proyecto de pesadilla desde el punto de vista logístico al que finalmente no aportó ni un pie de película rodada por él mismo. (Le quitaron su nombre de los créditos, aunque el guión utilizado para la mitad japonesa seguía siendo suyo y de sus coguionistas). Se separó de su antiguo colaborador, el escritor Ryuzo Kikushima, y nunca volvió a trabajar con él. El proyecto había expuesto inadvertidamente la corrupción en su propia productora (una situación que recuerda a su propia película, The Bad Sleep Well ). Su propia cordura había sido puesta en duda. Lo peor de todo es que la industria cinematográfica japonesa (y tal vez el hombre mismo) comenzaron a sospechar que nunca haría otra película. [125] [126]
¡Sabiendo que su reputación estaba en juego después de la tan publicitada Torá! ¡Torá! ¡Torá! debacle, Kurosawa pasó rápidamente a un nuevo proyecto para demostrar que todavía era viable. En su ayuda acudieron sus amigos y famosos directores Keisuke Kinoshita , Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa , quienes junto con Kurosawa fundaron en julio de 1969 una productora llamada El Club de los Cuatro Caballeros (Yonki no kai). Aunque el plan era que los cuatro directores crearan una película cada uno, se ha sugerido que la verdadera motivación de los otros tres directores era facilitarle a Kurosawa completar con éxito una película y, por lo tanto, encontrar su camino de regreso al negocio. [127] [128]
El primer proyecto propuesto y en el que se trabajó fue una película de época que se llamaría Dora-heita , pero cuando se consideró demasiado costosa, la atención se centró en Dodesukaden , una adaptación de otra obra de Shūgorō Yamamoto, nuevamente sobre los pobres y los indigentes. La película se rodó rápidamente (según los estándares de Kurosawa) en unas nueve semanas, y Kurosawa estaba decidido a demostrar que todavía era capaz de trabajar de forma rápida y eficiente con un presupuesto limitado. Para su primer trabajo en color, se dejó de lado la edición dinámica y las complejas composiciones de sus fotografías anteriores, y el artista se centró en la creación de una paleta audaz, casi surrealista, de colores primarios, para revelar el ambiente tóxico en el que se encuentran los personajes. vivir. Fue lanzado en Japón en octubre de 1970, pero aunque fue un éxito de crítica menor, fue recibido con indiferencia por parte del público. La película perdió dinero y provocó la disolución del Club de los Cuatro Caballeros. La recepción inicial en el extranjero fue algo más favorable, pero desde entonces Dodesukaden se considera un experimento interesante, no comparable con el mejor trabajo del director. [129]
Después de luchar durante la producción de Dodesukaden , Kurosawa se dedicó al trabajo televisivo al año siguiente por única vez en su carrera con Song of the Horse , un documental sobre caballos de carreras de pura sangre. Presentaba una voz en off narrada por un hombre ficticio y un niño (con la voz de los mismos actores que el mendigo y su hijo en Dodesukaden ). Es el único documental de la filmografía de Kurosawa; El pequeño equipo incluía a su frecuente colaborador Masaru Sato, quien compuso la música. Song of the Horse también es única en la obra de Kurosawa porque incluye un crédito de editor, lo que sugiere que es la única película de Kurosawa en la que no cortó él mismo. [130]
Al no poder conseguir financiación para seguir trabajando y supuestamente con problemas de salud, Kurosawa aparentemente llegó al punto de ruptura: el 22 de diciembre de 1971, se cortó las muñecas y la garganta varias veces. El intento de suicidio no tuvo éxito y la salud del director se recuperó bastante rápido, con Kurosawa ahora refugiándose en la vida doméstica, sin saber si alguna vez dirigiría otra película. [131]
A principios de 1973, el estudio soviético Mosfilm se acercó al cineasta para preguntarle si estaría interesado en trabajar con ellos. Kurosawa propuso una adaptación de la obra autobiográfica Dersu Uzala del explorador ruso Vladimir Arsenyev . El libro, sobre un cazador Goldi que vive en armonía con la naturaleza hasta que la civilización invasora lo destruye, era uno que había querido hacer desde la década de 1930. En diciembre de 1973, Kurosawa, de 63 años, partió hacia la Unión Soviética con cuatro de sus colaboradores más cercanos, comenzando una estancia de año y medio en el país. El rodaje comenzó en mayo de 1974 en Siberia, donde el rodaje en condiciones naturales extremadamente duras resultó muy difícil y exigente. La película terminó en abril de 1975, con Kurosawa completamente exhausto y nostálgico regresando a Japón y su familia en junio. Dersu Uzala tuvo su estreno mundial en Japón el 2 de agosto de 1975 y obtuvo buenos resultados de taquilla. Si bien la recepción de la crítica en Japón fue escasa, la película obtuvo mejores críticas en el extranjero, ganando el Premio de Oro en el 9º Festival Internacional de Cine de Moscú , [132] así como un Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera . Hoy en día, los críticos siguen divididos sobre la película: algunos la ven como un ejemplo del supuesto declive artístico de Kurosawa, mientras que otros la consideran una de sus mejores obras. [133] [134]
Aunque le presentaron propuestas para proyectos televisivos, no tenía ningún interés en trabajar fuera del mundo del cine. Sin embargo, el director bebedor accedió a aparecer en una serie de anuncios de televisión del whisky Suntory , que se emitieron en 1976. Aunque temía no poder volver a hacer otra película, el director continuó trabajando en varios proyectos, escribiendo guiones y crear ilustraciones detalladas, con la intención de dejar un registro visual de sus planes en caso de que nunca pudiera filmar sus historias. [135]
En 1977, el director estadounidense George Lucas estrenó Star Wars , una película de ciencia ficción de gran éxito influenciada por La fortaleza oculta de Kurosawa , entre otras obras. Lucas, como muchos otros directores del Nuevo Hollywood , veneraba a Kurosawa y lo consideraba un modelo a seguir, y se sorprendió al descubrir que el cineasta japonés no podía conseguir financiación para ningún nuevo trabajo. Los dos se reunieron en San Francisco en julio de 1978 para discutir el proyecto que Kurosawa consideraba más viable financieramente: Kagemusha , la historia épica de un ladrón contratado como doble de un señor medieval japonés de un gran clan. Lucas, cautivado por el guión y las ilustraciones de Kurosawa, aprovechó su influencia sobre 20th Century Fox para obligar al estudio que había despedido a Kurosawa apenas diez años antes a producir Kagemusha , y luego reclutó a su compañero fan Francis Ford Coppola como coproductor. [136]
La producción comenzó en abril siguiente, con Kurosawa de muy buen humor. El rodaje duró desde junio de 1979 hasta marzo de 1980 y estuvo plagado de problemas, entre ellos el despido del actor principal original, Shintaro Katsu —conocido por interpretar al popular personaje Zatoichi —debido a un incidente en el que el actor insistió, en contra de los deseos del director, al grabar en vídeo su propia actuación. (Fue reemplazado por Tatsuya Nakadai, en su primero de dos papeles protagónicos consecutivos en una película de Kurosawa). La película se completó sólo unas pocas semanas tarde y se estrenó en Tokio en abril de 1980. Rápidamente se convirtió en un gran éxito en Japón. La película también fue un éxito de crítica y taquilla en el extranjero, ganando la codiciada Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1980 en mayo, aunque algunos críticos, entonces y ahora, han criticado la película por su supuesta frialdad. Kurosawa pasó gran parte del resto del año en Europa y América promocionando Kagemusha , recogiendo premios y reconocimientos, y exhibiendo como arte los dibujos que había hecho para que sirvieran como guiones gráficos de la película. [137] [138]
El éxito internacional de Kagemusha permitió a Kurosawa continuar con su siguiente proyecto, Ran , otra epopeya en el mismo sentido. El guión, basado en parte en El rey Lear de William Shakespeare, representaba a un daimyō (señor de la guerra) despiadado y sanguinario , interpretado por Tatsuya Nakadai, quien, después de desterrar tontamente a su único hijo leal, entrega su reino a sus otros dos hijos, quienes luego lo traicionan. hundiendo así a todo el reino en la guerra. Como los estudios japoneses todavía dudaban en producir otra película que estuviera entre las más caras jamás realizadas en el país, nuevamente se necesitaba ayuda internacional. Esta vez vino del productor francés Serge Silberman , que había producido las últimas películas de Luis Buñuel . El rodaje no comenzó hasta diciembre de 1983 y duró más de un año. [139]
En enero de 1985, la producción de Ran se detuvo cuando Yōko, la esposa de Kurosawa, de 64 años, enfermó. Ella murió el 1 de febrero. Kurosawa regresó para terminar su película y Ran se estrenó en el Festival de Cine de Tokio el 31 de mayo, con un estreno amplio al día siguiente. La película tuvo un éxito financiero moderado en Japón, pero mayor en el extranjero y, como había hecho con Kagemusha , Kurosawa se embarcó en un viaje a Europa y América, donde asistió a los estrenos de la película en septiembre y octubre. [140]
Ran ganó varios premios en Japón, pero no fue tan honrado allí como lo habían sido muchas de las mejores películas del director de las décadas de 1950 y 1960. Sin embargo, el mundo del cine se sorprendió cuando Japón pasó por alto la selección de Ran en favor de otra película como su entrada oficial para competir por una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, que finalmente fue rechazada para competir en la 58ª edición de los Premios de la Academia . Tanto el productor como el propio Kurosawa atribuyeron el hecho de no haber presentado siquiera a Ran a competición a un malentendido: debido a las arcanas reglas de la academia, nadie estaba seguro de si Ran calificaba como una película japonesa , una película francesa (debido a su financiación) o ambas. , por lo que no se envió en absoluto. En respuesta a lo que al menos parecía un desaire flagrante por parte de sus propios compatriotas, el director Sidney Lumet lideró una exitosa campaña para que Kurosawa recibiera una nominación al Oscar al Mejor Director ese año ( Sydney Pollack finalmente ganó el premio por dirigir Fuera de África ). . La diseñadora de vestuario de Ran , Emi Wada , ganó el único Oscar de la película. [141] [142]
Kagemusha y Ran , particularmente este último, a menudo se consideran entre las mejores obras de Kurosawa. Tras el estreno de Ran , Kurosawa la señalaría como su mejor película, un importante cambio de actitud para el director que, cuando se le preguntaba cuál de sus obras era la mejor, siempre había respondido anteriormente "mi próxima". [143] [144]
Para su próxima película, Kurosawa eligió un tema muy diferente a cualquiera que hubiera filmado antes. Mientras que algunas de sus películas anteriores (por ejemplo, Drunken Angel y Kagemusha ) incluían breves secuencias de sueños, Dreams se basaría enteramente en los propios sueños del director. Significativamente, por primera vez en más de cuarenta años, Kurosawa, para este proyecto profundamente personal, escribió el guión solo. Aunque su presupuesto estimado era inferior al de las películas inmediatamente anteriores, los estudios japoneses todavía no estaban dispuestos a respaldar una de sus producciones, por lo que Kurosawa recurrió a otro famoso fan estadounidense, Steven Spielberg , quien convenció a Warner Bros. para comprar los derechos internacionales de la película terminada. película. Esto facilitó que el hijo de Kurosawa, Hisao, como coproductor y futuro director de Kurosawa Production, negociara un préstamo en Japón que cubriría los costos de producción de la película. El rodaje tardó más de ocho meses en completarse y Dreams se estrenó en Cannes en mayo de 1990 con una recepción educada pero silenciosa, similar a la reacción que la película generaría en otras partes del mundo. [145] En 1990, aceptó el Premio de la Academia a la trayectoria . En su discurso de aceptación, dijo la famosa frase: "Estoy un poco preocupado porque siento que todavía no entiendo el cine". [146] En ese momento, Bob Thomas de The Daily Spectrum señaló que Kurosawa era "considerado por muchos críticos como el mejor cineasta vivo". [147]
Kurosawa ahora recurrió a una historia más convencional con Rhapsody en agosto , la primera película del director producida íntegramente en Japón desde Dodeskaden más de veinte años antes, que exploraba las cicatrices del bombardeo nuclear que destruyó Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial. Fue una adaptación de una novela de Kiyoko Murata , pero las referencias de la película al bombardeo de Nagasaki provinieron del director y no del libro. Esta fue su única película que incluyó un papel de una estrella de cine estadounidense: Richard Gere , que desempeña un pequeño papel como el sobrino de la anciana heroína. El rodaje tuvo lugar a principios de 1991, y la película se estrenó el 25 de mayo de ese año ante una reacción crítica en gran medida negativa, especialmente en los Estados Unidos, donde el director fue acusado de promulgar ingenuamente sentimientos antiamericanos, [148] [149] aunque Kurosawa rechazó estas acusaciones.
Kurosawa no perdió el tiempo y pasó a su siguiente proyecto: Madadayo , o Todavía no . Basada en ensayos autobiográficos de Hyakken Uchida , la película sigue la vida de un profesor japonés de alemán durante la Segunda Guerra Mundial y más allá. La narrativa se centra en las celebraciones anuales de cumpleaños con sus antiguos alumnos, durante las cuales el protagonista declara que no está dispuesto a morir todavía, un tema que se estaba volviendo cada vez más relevante para el creador de la película, de 81 años. El rodaje comenzó en febrero de 1992 y concluyó a finales de septiembre. Su lanzamiento el 17 de abril de 1993 fue recibido con una reacción aún más decepcionante que la de sus dos obras anteriores. [150]
Sin embargo, Kurosawa continuó trabajando. Escribió los guiones originales The Sea is Watching en 1993 y After the Rain en 1995. Mientras daba los toques finales a este último trabajo en 1995, Kurosawa resbaló y se rompió la base de la columna. Tras el accidente, utilizaría una silla de ruedas por el resto de su vida, poniendo fin a cualquier esperanza de dirigir otra película. [151] Su deseo de mucho tiempo, morir en el set mientras filmaba una película [149] [152] , nunca se cumplió.
Después de su accidente, la salud de Kurosawa comenzó a deteriorarse. Mientras su mente permanecía aguda y vivaz, su cuerpo se daba por vencido, y durante el último medio año de su vida, el director estuvo confinado en cama, escuchando música y mirando televisión en casa. El 6 de septiembre de 1998, Kurosawa murió de un derrame cerebral en Setagaya, Tokio , a la edad de 88 años. [153] [154] En el momento de su muerte, Kurosawa tenía dos hijos, su hijo Hisao Kurosawa , que se casó con Hiroko Hayashi y su hija Kazuko Kurosawa que se casó con Harayuki Kato, junto con varios nietos. [35] Uno de sus nietos, el actor Takayuki Kato y nieto de Kazuko, se convirtió en actor secundario en dos películas desarrolladas póstumamente a partir de guiones escritos por Kurosawa que no se produjeron durante su vida, After the Rain (1999) de Takashi Koizumi y El mar está mirando, de Kei Kumai (2002). [155]
Aunque Kurosawa es conocido principalmente como cineasta, también trabajó en teatro y televisión y escribió libros. Una lista detallada, incluida su filmografía completa, se puede encontrar en la lista de obras de Akira Kurosawa .
Kurosawa mostró un estilo audaz y dinámico, fuertemente influenciado por el cine occidental pero distinto de él; estuvo involucrado en todos los aspectos de la producción cinematográfica . [156] Era un guionista talentoso y trabajó estrechamente con sus coguionistas desde el desarrollo de la película en adelante para garantizar un guión de alta calidad, que consideraba la base firme de una buena película. Con frecuencia se desempeñó como editor de sus propias películas. Su equipo, conocido como "Kurosawa-gumi" (黒澤組, grupo Kurosawa) , que incluía al director de fotografía Asakazu Nakai , el asistente de producción Teruyo Nogami y el actor Takashi Shimura , se destacó por su lealtad y confiabilidad.
El estilo de Kurosawa está marcado por una serie de recursos y técnicas. En sus películas de las décadas de 1940 y 1950, emplea con frecuencia el " corte axial ", en el que la cámara se acerca o se aleja del sujeto a través de una serie de cortes de salto coincidentes en lugar de travellings o disoluciones . [157] Otro rasgo estilístico es el "corte en movimiento", que muestra el movimiento en la pantalla en dos o más tomas en lugar de una sola ininterrumpida. [158] Una forma de puntuación cinematográfica fuertemente identificada con Kurosawa es el barrido , un efecto creado a través de una impresora óptica : una línea o barra parece moverse a través de la pantalla, borrando el final de una escena y revelando la primera imagen de la siguiente. . Como dispositivo de transición, se utiliza como sustituto del corte recto o del disolvente; En su obra madura, la toallita se convirtió en la firma de Kurosawa.
En la banda sonora de la película, Kurosawa favoreció el contrapunto imagen-sonido, en el que la música o los efectos de sonido parecían comentar irónicamente la imagen en lugar de enfatizarla. Las memorias de Teruyo Nogami ofrecen varios ejemplos de este tipo de Drunken Angel y Stray Dog . Kurosawa también estuvo involucrado con varios de los compositores contemporáneos más destacados de Japón, incluidos Fumio Hayasaka y Tōru Takemitsu . [159]
Kurosawa empleó una serie de temas recurrentes en sus películas: la relación maestro-discípulo entre un mentor generalmente mayor y uno o más novicios, que a menudo implica dominio y autodominio tanto espiritual como técnico; el campeón heroico, el individuo excepcional que surge de la masa de gente para producir algo o corregir algún error; la representación de condiciones climáticas extremas como recursos dramáticos y símbolos de la pasión humana; y la recurrencia de ciclos de violencia salvaje a lo largo de la historia. Según Stephen Prince, el último tema, al que él llama "la contratradición al modo heroico y comprometido del cine de Kurosawa", comenzó con El trono de sangre (1957) y se repitió en las películas de los años ochenta. [161]
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Kurosawa es citado a menudo como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. [162] [163] [164] [165] [166] En 1999, la revista AsianWeek y CNN lo nombraron " Asiático del siglo " en la categoría "Arte, literatura y cultura" , citado como "uno de los [cinco] personas que más contribuyeron al mejoramiento de Asia en los últimos 100 años". [167] Kurosawa ocupó el tercer lugar en la encuesta de directores y el quinto en la encuesta de críticos en la lista de 2002 de Sight & Sound de los mejores directores de todos los tiempos. En conmemoración del centenario del nacimiento de Kurosawa en 2010, en 2008 se lanzó un proyecto llamado AK100. El proyecto AK100 tiene como objetivo "exponer a los jóvenes que son los representantes de la próxima generación, y a todas las personas en todas partes, a la luz y el espíritu de Akira Kurosawa y el maravilloso mundo que creó". [168]
Muchos cineastas han sido influenciados por el trabajo de Kurosawa. Ingmar Bergman calificó su propia película The Virgin Spring como una "turística... pésima imitación de Kurosawa", y agregó: "En ese momento mi admiración por el cine japonés estaba en su apogeo. ¡Yo mismo era casi un samurái!" [169] Federico Fellini consideraba a Kurosawa como "el mayor ejemplo vivo de todo lo que debe ser un autor de cine". [170] Steven Spielberg citó la visión cinematográfica de Kurosawa como importante para dar forma a su propia visión cinematográfica. [171] Satyajit Ray , quien recibió póstumamente el Premio Akira Kurosawa a la trayectoria en dirección en el Festival Internacional de Cine de San Francisco en 1992, [172] había dicho anteriormente sobre Rashomon :
El efecto que la película tuvo en mí [al verla por primera vez en Calcuta en 1952] fue eléctrico. La vi tres veces en días consecutivos y cada vez me preguntaba si había otra película en algún lugar que ofreciera una prueba tan sostenida y deslumbrante del dominio de un director sobre todos los aspectos de la realización cinematográfica. [173]
Roman Polanski consideraba a Kurosawa uno de los tres cineastas que más le gustaban, junto con Fellini y Orson Welles , y eligió como elogios a Los siete samuráis , El trono de sangre y La fortaleza oculta . [174] Bernardo Bertolucci consideró que la influencia de Kurosawa era fundamental: "Las películas de Kurosawa y La Dolce Vita de Fellini son las cosas que me empujaron y me absorbieron para convertirme en director de cine". [175] Andrei Tarkovsky citó a Kurosawa como uno de sus favoritos y nombró a Seven Samurai como una de sus diez películas favoritas. [176] Sidney Lumet llamó a Kurosawa el "Beethoven de los directores de cine". [177] Werner Herzog reflexionó sobre los cineastas con los que siente parentesco y las películas que admira:
Griffith –especialmente su Nacimiento de una nación y Flores rotas– , Murnau, Buñuel, Kurosawa y Iván el Terrible de Eisenstein ,... todos me vienen a la mente. ... Me gusta La pasión de Juana de Arco de Dreyer , La tormenta sobre Asia de Pudovkin y La Tierra de Dovzhenko , ... Ugetsu Monogatari de Mizoguchi , The Music Room de Satyajit Ray ... Siempre me he preguntado cómo Kurosawa hizo algo tan bueno como Rashomon ; el equilibrio y el flujo son perfectos y utiliza el espacio de una manera muy equilibrada. Es una de las mejores películas jamás realizadas. [178]
Según un asistente, Stanley Kubrick consideraba a Kurosawa "uno de los grandes directores de cine" y hablaba de él "consecuentemente y con admiración", hasta el punto de que una carta suya "significaba más que cualquier Oscar" y le hacía agonizar durante meses en redactar una respuesta. [179] Robert Altman, al ver a Rashomon por primera vez , quedó tan impresionado por la secuencia de fotogramas del sol que comenzó a filmar las mismas secuencias en su trabajo al día siguiente, afirmó. [180] George Lucas citó la película The Hidden Fortress como la principal inspiración para su película Star Wars . También citó otras películas de Kurosawa como sus favoritas, incluidas Seven Samurai , Yojimbo e Ikiru . También dijo: "Nunca había visto algo tan poderoso o cinematográfico. Las emociones eran tan fuertes que no importaba que no entendiera la cultura o las tradiciones. A partir de ese momento, las películas de Kurosawa han servido como una de mis fuentes más fuertes de inspiración creativa." [181] [182] La película animada de Wes Anderson Isle of Dogs está parcialmente inspirada en las técnicas de filmación de Kurosawa. [183] En el 64º Festival de Cine de Sydney, hubo una retrospectiva de Akira Kurosawa donde se proyectaron películas suyas para recordar el gran legado que ha creado a partir de su trabajo. [184] Zack Snyder lo citó como una de sus influencias para su película de Netflix Rebel Moon . [185]
Kenji Mizoguchi , el aclamado director de Ugetsu (1953) y Sansho the Bailiff (1954), era once años mayor que Kurosawa. Después de mediados de la década de 1950, algunos críticos de la Nueva Ola francesa comenzaron a favorecer a Mizoguchi sobre Kurosawa. El crítico y cineasta de la Nueva Ola Jacques Rivette , en particular, pensaba que Mizoguchi era el único director japonés cuyo trabajo era a la vez enteramente japonés y verdaderamente universal; [186] Se pensaba que Kurosawa, por el contrario, estaba más influenciado por el cine y la cultura occidentales, una opinión que ha sido cuestionada. [187]
En Japón, algunos críticos y cineastas consideraban a Kurosawa elitista. Consideraban que centraba su esfuerzo y atención en personajes excepcionales o heroicos. En su comentario en DVD sobre Los siete samuráis , Joan Mellen argumentó que ciertas tomas de los personajes samuráis Kambei y Kyuzo, que muestran que Kurosawa les había concedido un mayor estatus o validez, constituyen evidencia de este punto de vista. Estos críticos japoneses argumentaron que Kurosawa no era lo suficientemente progresista porque los campesinos no podían encontrar líderes dentro de sus filas. En una entrevista con Mellen, Kurosawa se defendió diciendo:
Quería decir que después de todo los campesinos eran los más fuertes, se aferraban estrechamente a la tierra... Eran los samuráis los que eran débiles porque estaban siendo arrastrados por los vientos del tiempo. [158] [188]
Desde principios de la década de 1950, a Kurosawa también se le encargó atender los gustos occidentales debido a su popularidad en Europa y América. En la década de 1970, el director de izquierda Nagisa Ōshima , políticamente comprometido y conocido por su reacción crítica al trabajo de Kurosawa, acusó a Kurosawa de complacer las creencias e ideologías occidentales. [189] El autor Audie Block, sin embargo, evaluó que Kurosawa nunca había actuado ante un público no japonés y había denunciado a los directores que lo hacían. [190]
Tras la muerte de Kurosawa, se produjeron varias obras póstumas basadas en sus guiones inéditos. After the Rain , dirigida por Takashi Koizumi, se estrenó en 1999, [191] [192] y The Sea Is Watching , dirigida por Kei Kumai, se estrenó en 2002. [193] Un guión creado por Yonki no Kai ("Club de the Four Knights") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa), en la época en que se hizo Dodeskaden , finalmente fue filmado y estrenado (en 2000) como Dora-heita , por el único miembro fundador superviviente del club. , Kon Ichikawa. [194] Huayi Brothers Media y CKF Pictures en China anunciaron en 2017 planes para producir una película del guión póstumo de Kurosawa de La máscara de la muerte roja de Edgar Allan Poe para 2020, que se titulará La máscara de la peste negra . [195] Patrick Frater, que escribió para la revista Variety en mayo de 2017, declaró que se planearon otras dos películas inacabadas de Kurosawa, y que Silvering Spear comenzaría a filmarse en 2018. [196]
En septiembre de 2011, se informó que el Proyecto Akira Kurosawa 100 asignó los derechos de remake de la mayoría de las películas de Kurosawa y guiones no producidos a la empresa Splendent, con sede en Los Ángeles. El director de Splendent, Sakiko Yamada, afirmó que su objetivo era "ayudar a los cineastas contemporáneos a presentar estas historias inolvidables a una nueva generación de cinéfilos". [197]
Kurosawa Production Co., fundada en 1959, continúa supervisando muchos de los aspectos del legado de Kurosawa. El hijo del director, Hisao Kurosawa, es el actual director de la empresa. Su filial estadounidense, Kurosawa Enterprises, tiene su sede en Los Ángeles. Los derechos de las obras de Kurosawa estaban entonces en manos de Kurosawa Production y los estudios cinematográficos en los que trabajaba, sobre todo Toho. Estos derechos luego se asignaron al Proyecto Akira Kurosawa 100 antes de ser reasignados en 2011 a la empresa Splendent, con sede en Los Ángeles. [197] Kurosawa Production trabaja en estrecha colaboración con la Fundación Akira Kurosawa, establecida en diciembre de 2003 y también dirigida por Hisao Kurosawa. La fundación organiza un concurso anual de cortometrajes y encabeza proyectos relacionados con Kurosawa, incluido uno recientemente archivado para construir un museo conmemorativo del director. [198]
En 1981, se inauguró el Kurosawa Film Studio en Yokohama; Desde entonces se han inaugurado dos ubicaciones adicionales en Japón. [199] Una gran colección de material de archivo, incluidos guiones escaneados, fotografías y artículos de noticias, está disponible a través del Archivo Digital Akira Kurosawa, un sitio web japonés mantenido por el Centro de Investigación de Archivos Digitales de la Universidad de Ryukoku en colaboración con Kurosawa Production. [200]
La Universidad de Anaheim, en colaboración con Kurosawa Production y la familia Kurosawa, estableció la Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim en la primavera de 2009. La Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim ofrece una Maestría en Bellas Artes (MFA) en línea en Realización de Cine Digital con el apoyo de muchos de los los mejores cineastas del mundo. [201]
Kurosawa era conocido por ser un conocedor de la cocina japonesa y, como tal, la fundación de la familia Kurosawa estableció el Kurosawa Restaurant Group después de su fallecimiento en 1999, abriendo cuatro restaurantes en el área de Tokio que llevan el apellido de la familia. Nagatacho Kurosawa especializado en Shabu-shabu , Teppanyaki Kurosawa en Tsukiji especializado en Teppanyaki , Keyaki Kurosawa en Nishi-Azabu especializado en soba y Udon Kurosawa especializado en udon en Roppongi. Las cuatro ubicaciones fueron diseñadas para evocar la era Meiji machiya de la juventud de Kurosawa y presentar recuerdos de la carrera de Kurosawa. A partir de 2023, solo la ubicación de Tsukiji sigue en funcionamiento. Varios empresarios de todo el mundo también han abierto restaurantes y negocios en honor a Kurosawa sin ninguna conexión con Akira o la finca. [202] [203]
También se han concedido dos premios cinematográficos en honor a Kurosawa. El Premio Akira Kurosawa a la trayectoria en dirección cinematográfica se otorga durante el Festival Internacional de Cine de San Francisco, mientras que el Premio Akira Kurosawa se otorga durante el Festival Internacional de Cine de Tokio . [204] [205]
Kurosawa también ha recibido numerosos honores estatales, incluido el nombramiento de oficial de la Legión de Honor francesa en 1984, el Caballero de la Gran Cruz de la Orden del Mérito de la República Italiana en 1986 y fue el primer cineasta en recibir la Orden de la Cultura de su Japón natal en 1985. Póstumamente, fue reconocido con el rango de la Tercera Corte Junior , que sería el equivalente moderno de un título nobiliario bajo la aristocracia Kazoku . [206]
Un número significativo de documentales cortos y largos sobre la vida y obra de Kurosawa se realizaron tanto durante su apogeo artístico como después de su muerte. AK , del director de videoensayo francés Chris Marker , fue filmada mientras Kurosawa trabajaba en Ran ; sin embargo, el documental está más preocupado por la personalidad distante pero educada de Kurosawa que por la realización de la película. [207] [208] Otros documentales sobre la vida y obra de Kurosawa producidos póstumamente incluyen:
Además de ser un magistral precursor de las películas de policías amigos y los procedimientos policiales populares hoy en día, Stray Dog es también una película de género complejo que examina la difícil situación de los soldados que regresan a su hogar en el Japón de la posguerra.
