La edad de oro de la animación estadounidense fue un período en la historia de la animación estadounidense que comenzó con la popularización de los dibujos animados con sonido sincronizado en 1928, comenzó a declinar alrededor de 1957 y terminó en 1969, cuando los cortos animados teatrales comenzaron a perder popularidad frente al medio más nuevo. de la televisión. Los medios animados posteriores a la Edad de Oro fueron producidos con presupuestos más baratos y con técnicas de animación más limitadas por empresas como Terrytoons , UPA , Famous Studios , Jay Ward Productions , Hanna-Barbera , DePatie-Freleng Enterprises , Rankin/Bass y Filmation . [1] De hecho, la historia de la animación se volvió muy importante en los Estados Unidos . [2] [3]
Muchos personajes de dibujos animados populares y famosos surgieron de este período, incluidos Mickey Mouse , Minnie Mouse , el Pato Donald , la Pata Daisy , Goofy y Plutón de Disney ; Popeye , Koko , Bimbo , Betty Boop y Superman de Fleischer Studios ; Bugs Bunny , el Pato Lucas , Elmer Fudd , Porky Pig , Wile E. Coyote , Yosemite Sam , Tweety y Sylvester de Warner Bros .; Tom y Jerry y Droopy de MGM ; El gato Félix de Van Beuren Studios ; El pájaro carpintero , de Walter Lantz ; El poderoso ratón de Terrytoons ; el Sr. Magoo de la UPA ; Rocky y Bullwinkle de Jay Ward Productions ; y La Pantera Rosa de DePatie-Freleng .
La animación de largometrajes comenzó durante este período, sobre todo con las películas de la "era Walt " de Disney , [4] [5] que abarcan desde Blancanieves y los siete enanitos de 1937 y Pinocho de 1940 hasta El libro de la selva de 1967 y Los Aristogatos de 1970 ( últimas películas de animación producidas antes de su muerte en 1966). [6] [7] Durante este período se realizaron varias películas de acción real que incluían animación, como Fantasia (1940), Anchors Aweigh (1945), Dangerous When Wet (1953), Mary Poppins (1964) y Bedknobs and Broomsticks. (1971). Siendo estas dos últimas las últimas películas teatrales en recibir premios de la Academia por sus efectos especiales animados. [8] [9]
La animación también comenzó en televisión durante este período con Crusader Rabbit , la primera serie animada transmitida en 1948 . [10] El auge de la animación televisiva a menudo se considera un factor que aceleró el fin de la edad de oro. [1] Sin embargo, varios autores incluyen las primeras series animadas de Hanna-Barbera hasta 1962 como parte de la edad de oro, con programas como Ruff and Reddy (1957), Huckleberry Hound (1958), Quick Draw McGraw (1959), Los Picapiedra (1960 ). ), El oso Yogi (1961), Top Cat (1961), Wally Gator (1962) y Los Supersónicos (1962). [11] [12] Varias de estas series animadas fueron las primeras en ganar premios Emmy por su contribución a la televisión estadounidense. [13] Otras producciones de Hanna-Barbera relacionadas con la época dorada fueron Wacky Races (1968) y animaciones teatrales con Columbia Pictures , como Loopy De Loop (1959) y los largometrajes estrenados entre 1964 y 1966. [14]
Walt Disney había decidido convertirse en dibujante de periódicos dibujando caricaturas políticas e historietas. [15] Sin embargo, nadie contrataría a Disney, por lo que su hermano mayor Roy , que trabajaba como banquero en ese momento, le consiguió un trabajo en el Pesmen-Rubin Art Studio, donde creó anuncios para periódicos, revistas y salas de cine. [16] Aquí conoció al también dibujante Ub Iwerks , los dos rápidamente se hicieron amigos y en enero de 1920, cuando expiró su tiempo en el estudio, decidieron abrir juntos su propia agencia de publicidad llamada Iwerks-Disney Commercial Artists . [17] Sin embargo, el negocio tuvo un comienzo difícil y Walt se fue temporalmente a Kansas City Film and Ad Co. para recaudar dinero para la empresa fugaz y pronto lo siguió Iwerks, ya que no podía administrar el negocio solo. [18]
Mientras trabajaba allí, hizo comerciales para teatros locales utilizando animaciones recortadas toscas . Disney quedó fascinado por el arte y decidió convertirse en animador. [19] Luego tomó prestada una cámara del trabajo y alquiló un libro de la biblioteca local llamado Dibujos animados animados: cómo se hacen, su origen y desarrollo por Edwin G. Lutz y decidió que la animación celular produciría una mejor calidad y decidió abrirse. su propio estudio de animación. [20] Disney luego se asoció con Fred Harman e hizo su primera película, The Little Artist , que no era más que un artista (Disney) tomando un descanso para fumar un cigarrillo en su escritorio. Harman pronto abandonó la empresa, pero Disney pudo llegar a un acuerdo con el propietario del cine local Frank L. Newman y animó solo una caricatura titulada Newman Laugh-O-Grams que se proyectó aproximadamente en febrero de 1921. [21] [22] Luego, Walt renunció a su trabajo en la compañía de cine y publicidad e incorporó Laugh-O-Gram Films en mayo de 1922, y contrató a antiguos colegas de publicidad como "estudiantes" de animación no remunerados, incluidos Ub Iwerks y el hermano de Fred Harman, Hugh Harman . [23]
A lo largo de 1922, la compañía Disney produjo una serie de adaptaciones "modernizadas" de cuentos de hadas, entre ellos Caperucita Roja , Los cuatro músicos de Bremen , Jack y las habichuelas mágicas , Jack el matagigantes , Goldielocks y los tres osos , El gato con botas , Cenicienta. y Tooth de Tommy Tucker , siendo esta última principalmente una película de acción real sobre higiene dental. Ninguna de estas películas obtuvo ganancias. [24] La última película realizada por la compañía Disney fue un corto llamado Alice's Wonderland . Inspirado libremente en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll ; El corto presentaba a una niña de cinco años de acción real llamada Alice ( Virginia Davis ) que vivía aventuras en un mundo completamente animado. Sin embargo, la película nunca estuvo completamente completa ya que el estudio quebró en el verano de 1923. [23] [25]
Tras el cierre de Laugh-O-Grams, Walt Disney trabajó como cineasta independiente antes de vender su cámara por un billete de ida a Los Ángeles. [26] Una vez que llegó, se mudó con su tío Robert y su hermano Roy, quien se estaba recuperando en un hospital gubernamental cercano de la tuberculosis que había sufrido durante la guerra. [27] Después de no conseguir un trabajo como director de películas de acción real, envió el carrete inacabado de Alice's Wonderland a la distribuidora de cortometrajes Margaret J. Winkler de Winkler Pictures en Nueva York. Winkler estaba distribuyendo los dibujos animados Felix the Cat y Out of the Inkwell en ese momento, pero los hermanos Fleischer estaban a punto de irse para crear su propia compañía de distribución, Red Seal Films , y el productor de Felix, Pat Sullivan , peleaba constantemente con Winkler; por lo tanto, Winkler acordó distribuir Alice Comedies de Disney como una especie de póliza de seguro. [28]
Una vez que Walt Disney recibió el aviso el 15 de octubre, convenció a Roy para que abandonara el hospital y lo ayudara a montar su negocio. [29] Al día siguiente, el 16 de octubre de 1923, Disney Bros. Cartoon Studio abrió sus puertas en una pequeña oficina alquilada a dos cuadras de la casa de su tío, con Roy a cargo de los negocios y Walt a cargo de los asuntos creativos. [28] Convenció a los padres de Virginia Davis, lo que provocó que el primer corto oficial de Alice , Alice's Day at Sea , se estrenara el 1 de enero de 1924; con un retraso de once días. [28] Ub Iwerks fue recontratado en febrero de 1925 y la calidad de la animación de la serie Alice mejoró; esto llevó a Hugh Harman, Rudolf Ising y Carman Maxwell a seguir a Disney hacia el oeste en junio de 1925. [30] [31] Por esa época, Davis fue reemplazada por Maggie Gay y los dibujos animados comenzaron a centrarse menos en las escenas de acción en vivo y más en las escenas completamente animadas, particularmente aquellas que presentan al compañero mascota de Alice, Julius , que tenía un extraño parecido con el gato Félix. [32] En febrero de 1926, Disney construyó un estudio más grande en 2719 Hyperion Avenue y cambió el nombre de la compañía a Walt Disney Cartoons . [33] [34]
En noviembre de 1923, Winkler se casó con Charles Mintz y le entregó el negocio cuando ella quedó embarazada unos meses más tarde. [35] [36] Mintz fue a menudo descrito como un tirano frío, severo y despiadado, fumador empedernido; un empleado lo recordaba como "un hombre de rostro sombrío, con un par de ojos fríos que brillaban detrás de los quevedos" y "nunca hablaba con el personal. Nos miraba como un almirante contemplando una hilera de postes". [37] Mientras que Winkler había ofrecido críticas amables y aliento, Mintz se comunicó con Disney en un tono duro y cruel. [36] [38] En 1927, Mintz ordenó a Disney que dejara de producir Alice Comedies debido a los costos de combinar acción en vivo y animación.
Mintz logró conseguir un acuerdo de distribución con Universal Studios ; sin embargo, fue Mintz, no Disney, quien firmó el acuerdo. Disney y el animador principal Ub Iwerks crearon Oswald the Lucky Rabbit , que debutó en el corto Trolley Troubles en 1927. La serie de Oswald fue un éxito y se convirtió en el primer éxito del estudio de Walt Disney.
En la primavera de 1928, Disney viajó a Nueva York para pedirle a Mintz un aumento de presupuesto. Su solicitud fue duramente rechazada por Mintz, quien señaló que en el contrato que Mintz había firmado con Universal, era Universal, no Disney, la propietaria de los derechos del personaje. Mintz reveló a Disney que había contratado a la mayor parte de su personal fuera del estudio (excepto Ub Iwerks, Les Clark y Wilfred Jackson , que se negaron a irse) y amenazó con que, a menos que aceptara una reducción presupuestaria del 20 por ciento, abandonaría Disney y Continúa la serie de Oswald por sí mismo. Walt se negó y Winkler Pictures abandonó su distribución.
Mientras Disney estaba terminando los dibujos animados restantes para Mintz, Disney y su personal idearon en secreto un nuevo personaje de dibujos animados para reemplazar a Oswald: Mickey Mouse .
La inspiración para Mickey nunca ha estado clara. Walt Disney dijo que se le ocurrió la idea en el viaje en tren de regreso a Los Ángeles poco después del enfrentamiento con Mintz, pero otros registros dicen que se le ocurrió la idea después de regresar al estudio. Walt Disney dijo una vez que se inspiró en un ratón como mascota que alguna vez tuvo en el antiguo estudio Laugh-O-Grams, pero más comúnmente dijo que eligió un ratón porque un ratón nunca antes había sido el personaje central de una serie de dibujos animados.
En 1928, Plane Crazy se convirtió en la primera entrada de la serie Mickey Mouse; sin embargo, no se lanzó debido a una mala reacción en las proyecciones de prueba y no logró conseguir un distribuidor. La segunda caricatura de Mickey Mouse, The Gallopin' Gaucho, tampoco logró llamar la atención de la audiencia ni del distribuidor. Disney sabía lo que faltaba: sonido. El cine sonoro había cautivado al público desde 1927 con El cantante de jazz y Walt decidió que el próximo dibujo animado Steamboat Willie tendría sonido. Steamboat Willie no fue la primera caricatura sonora; Max y Dave Fleischer habían producido Song Car-Tunes desde 1926 después del estreno de la película sonora Don Juan . Sin embargo, no lograron mantener el sonido sincronizado con la animación y el enfoque principal de los dibujos animados fueron los cantos de la pelota que rebota . Los Song Car-Tunes no tuvieron éxito y algunos miembros del personal dudaron del éxito de una caricatura con sonido. Así que Disney organizó una proyección especial con la música y los efectos de sonido reproducidos en vivo detrás del escenario a través de un micrófono. La proyección de prueba de Steamboat Willie fue un éxito y logró conseguir un distribuidor, el jefe de Celebrity Pictures , Pat Powers . Sin embargo, el primer intento de sincronizar el sonido con la animación fue un desastre ya que el tiempo fue incorrecto. Para financiar la segunda grabación, Walt vendió su coche. Esta vez usó una pista de clic para mantener a sus músicos al ritmo (Disney luego descubrió que era más fácil grabar primero el diálogo, la música y los efectos de sonido y animarlos con el sonido). Poco más de un mes antes del estreno de Steamboat Willie , Paul Terry lanzó su caricatura sonora Dinner Time ; sin embargo, no fue un éxito financiero y Walt Disney lo describió como "un montón de escándalo".
Steamboat Willie se estrenó el 18 de noviembre de 1928 y fue un gran éxito. Disney rápidamente ganó un gran dominio en el campo de la animación utilizando el sonido en sus futuros dibujos animados al doblar Plane Crazy , The Gallopin' Gaucho y The Barn Dance , casi terminado . La popularidad de Mickey Mouse colocó al personaje animado entre las personalidades de la pantalla más populares del mundo. El mayor competidor de Disney, Pat Sullivan con su gato Félix , fue eclipsado por la popularidad de Mickey y el estudio cerró en 1932. El merchandising basado en los dibujos animados de Disney rescató a varias empresas de la quiebra durante lo más profundo de la Depresión, y Disney aprovechó esta popularidad. seguir adelante con más innovaciones en animación. En 1929, lanzó una nueva serie titulada Silly Symphonies , que se basaba en música sin personajes recurrentes. Sin embargo, no se hicieron tan populares como la serie de dibujos animados de Mickey Mouse. En 1930, después de una pelea con Powers, Disney cambió de distribuidor a Columbia Pictures . Sin embargo, Ub Iwerks dejó Walt Disney tras una oferta de Powers para estar a cargo de su propio estudio. [39] En 1932, Mickey Mouse se había convertido en una sensación internacional, pero las Silly Symphonies no. Columbia Pictures se había retirado de la distribución de la serie y Disney se sintió atraído a trasladar Silly Symphonies a United Artists mediante un aumento de presupuesto. Luego, Walt Disney trabajó con la compañía Technicolor para crear la primera caricatura en color de tres tiras , Flores y árboles . Otro gran éxito, se convirtió en el primer dibujo animado en ganar el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación. Poco después, Disney negoció un acuerdo exclusivo, pero temporal, con Technicolor para que solo él pudiera usar el proceso de tres tiras en películas animadas; a ningún otro estudio se le permitió usarlo. [40] [41] Sin embargo, se abstuvo de hacer Mickey Mouse en color porque pensó que Technicolor podría aumentar la popularidad de Silly Symphonies . En 1932, Walt Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente apasionantes que captaran al público y no lo soltaran. [42] [43] Esta comprensión condujo a una innovación importante alrededor de 1932-1933: un "departamento de historia", separado de los animadores, con artistas de guiones gráficos que se dedicarían a trabajar en una fase de "desarrollo de la historia" del proceso de producción. [44]A su vez, el continuo énfasis de Disney en el desarrollo de la historia y la caracterización resultó en otro éxito en 1933: Three Little Pigs , que se considera la primera caricatura en la que múltiples personajes mostraban personalidades únicas e individuales y todavía se considera el corto animado de mayor éxito. de todos los tiempos, [45] y también incluyó la exitosa canción que se convirtió en el himno en la lucha contra la Gran Depresión : " Who's Afraid of the Big Bad Wolf ". [46] En la serie de Mickey Mouse, continuó agregando personalidad a sus personajes; esto resultó en la creación de nuevos personajes como Plutón con The Chain Gang en 1930, Goofy con Mickey's Revue en 1932 y el Pato Donald en 1934 con The Wise Little Hen (bajo la serie Silly Symphony ). Cuando expiró el contrato de Disney con Technicolor, la serie de Mickey Mouse se trasladó a Technicolor a partir de The Band Concert en 1935. Además, Mickey fue parcialmente rediseñado para Technicolor más tarde ese año. [47] En 1937, Disney inventó la cámara multiplano , que daba una ilusión de profundidad al mundo animado. Lo utilizó por primera vez en la caricatura de Silly Symphony, ganadora del Premio de la Academia , The Old Mill . [48] Gran parte del trabajo de Disney estuvo fuertemente influenciado por historias y mitos europeos, y el trabajo de ilustradores como Doré y Busch . También en 1937, Disney cambió de distribuidora de Silly Symphonies a RKO Radio Pictures , permaneciendo con esta distribuidora hasta principios de la década de 1950, cuando fueron reeditadas y relanzadas por la nueva distribuidora de Disney, Buena Vista Distribution .
En 1937, Walt Disney produjo Blancanieves y los siete enanitos , el primer largometraje estadounidense de fantasía musical animada. Esta fue la culminación de cuatro años de esfuerzo por parte de los estudios Disney. Walt Disney estaba convencido de que los dibujos animados cortos no harían que su estudio fuera rentable a largo plazo, por lo que asumió lo que se consideró una apuesta enorme. Los críticos predijeron que Blancanieves resultaría en la ruina financiera del estudio. Dijeron que los colores serían demasiado brillantes para el público y que se cansarían de los chistes y se irían. [49] Sin embargo, se demostró que los críticos estaban equivocados. Blancanieves fue un éxito de taquilla mundial y fue universalmente aclamada como un hito en el desarrollo de la animación como forma de arte seria. [50]
Después del éxito de Blancanieves , Disney pasó a producir Pinocho , que se estrenó en 1940. Sin embargo, al costar el doble que Blancanieves , Pinocho no fue un éxito financiero desde la Segunda Guerra Mundial (que comenzó en Europa en 1939). ) había cortado el 40% del mercado de estrenos extranjeros de Disney. Aunque fue un éxito moderado en los Estados Unidos, el ingreso bruto interno por sí solo no fue suficiente para recuperar su presupuesto de producción. Sin embargo, la película recibió críticas muy positivas y ganó millones con relanzamientos posteriores. Más tarde ese año, Disney produjo Fantasía . Originalmente comenzó con la caricatura de Mickey Mouse El aprendiz de brujo en un intento de recuperar la popularidad de Mickey, que había disminuido drásticamente debido a la popularidad de Popeye de Max Fleischer y el Pato Donald de Disney . [51] [52] En El aprendiz de brujo , Mickey Mouse fue rediseñado por Fred Moore . Este rediseño de Mickey todavía se utiliza hoy en día. [47] El corto no presentó ningún diálogo, solo música dirigida por Leopold Stokowski . Cuando el presupuesto para el corto se volvió muy caro, Stokowski sugirió a Disney que podría ser un largometraje con otras piezas de música clásica adaptadas a la animación. Disney estuvo de acuerdo y comenzó la producción. Fantasía también se convertiría en la primera película comercial estrenada en sonido estereofónico . Sin embargo, al igual que Pinocho , Fantasía no fue un éxito financiero. Fantasía también fue la primera película de Disney que no fue bien recibida y recibió críticas mixtas por parte de los críticos. Fue menospreciado por los críticos musicales y el público, que sentían que Walt Disney estaba luchando por algo más allá de su alcance al intentar introducir la animación convencional en el arte abstracto, la música clásica y los temas de "élite". Sin embargo, la película sería reevaluada en años posteriores y considerada una obra maestra animada. [53]
En 1941, para compensar la relativa mala taquilla de Pinocho y Fantasía , Disney produjo un largometraje de bajo presupuesto, Dumbo . Apenas unos días después de completar la animación preliminar de Dumbo , estalló la huelga de los animadores de Disney . Esto fue causado por el Screen Cartoonist's Guild (que se formó en 1938), que rompió muchos lazos entre Walt Disney y su personal, al tiempo que alentó a muchos miembros del estudio de Disney a irse y buscar pastos más verdes. Más tarde ese año, Dumbo se convirtió en un gran éxito, el primero para Disney desde Blancanieves . La película aclamada por la crítica generó ingresos muy necesarios y mantuvo a flote el estudio. Unos meses después del lanzamiento de Dumbo en 1941, Estados Unidos entró en la guerra tras el ataque a Pearl Harbor . Esto llevó a la movilización de todos los estudios cinematográficos (incluidas sus divisiones de dibujos animados) para producir material de propaganda para reforzar la confianza del público y fomentar el apoyo al esfuerzo bélico. La guerra (junto con la huelga) sacudió el imperio de Walt Disney, ya que el ejército estadounidense se había apoderado del estudio de Disney tan pronto como Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941. [54] Como resultado, Disney puso en escena las películas Alicia en el país de las maravillas ( 1951), Peter Pan (1953), Wind in the Willows (1949), Song of the South (1946), Mickey and the Beanstalk (1947) y Bongo (1947) en suspenso hasta que terminara la guerra. El único largometraje al que se le permitió continuar la producción fue Bambi , que se estrenó en 1942. Bambi fue innovador en términos de animación realista de animales. Sin embargo, debido a la guerra, Bambi fracasó en taquilla y recibió críticas mixtas por parte de los críticos. Este fracaso duró poco, ya que recaudó una cantidad considerable de dinero en la reedición de 1947.
Disney estaba ahora plenamente comprometido con el esfuerzo bélico y contribuyó produciendo cortos de propaganda y un largometraje titulado Victory Through Air Power . A Victory Through Air Power le fue mal en taquilla y, como resultado, el estudio perdió alrededor de 500.000 dólares. [54] Los cortos de dibujos animados de propaganda requeridos eran menos populares que los cortos regulares de Disney, y cuando el ejército terminó su estadía en los Estudios Walt Disney con el fin de la guerra en 1945, Disney luchó por reiniciar su estudio y tenía una cantidad baja. de efectivo disponible. [55] Otros largometrajes de Disney de la década de 1940 eran colecciones de segmentos cortos animados con un presupuesto modesto reunidos para hacer un largometraje. Estos comenzaron con Saludos Amigos en 1942 y continuaron durante la guerra con The Three Caballeros en 1944 y después de la guerra con Make Mine Music en 1946, Fun and Fancy Free en 1947, Melody Time en 1948 y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad. en 1949. Para los largometrajes Mickey and the Beanstalk , Bongo y Wind in the Willows , los condensó en las películas Fun and Fancy Free y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad, ya que Walt temía que la animación de bajo presupuesto no llegar a ser rentable. [56] La película de Disney más ambiciosa de este período fue la película de 1946 Song of the South , una película musical que combina acción en vivo y animación que generó críticas en años posteriores por acusaciones de estereotipos raciales .
En 1950, Disney produjo Cenicienta . Cenicienta fue un enorme éxito, convirtiéndose en la película más taquillera de 1950, y se convirtió en la película más exitosa de Disney desde Blancanieves y los siete enanitos y en el primer largometraje de una sola narrativa de Disney completamente animado desde Bambi , ya que las películas en el ínterin involucraban algunos acción en vivo. [57] La compañía de Disney comenzó a diversificarse, produciendo largometrajes de acción real comenzando con Treasure Island (1950) y documentales de naturaleza , el primero de los cuales fue Seal Island (1948). Como resultado, se necesitaba a Walt Disney en varias unidades diferentes al mismo tiempo y dedicaba menos tiempo a la animación. En 1951, lanzó Alicia en el país de las maravillas , un proyecto en el que había estado trabajando desde finales de la década de 1930, aunque fue archivado durante la guerra. Alicia en el país de las maravillas tuvo inicialmente un éxito moderado y recibió críticas mixtas por parte de los críticos. Unas décadas más tarde, la película sería aclamada como uno de los grandes clásicos de Disney, ganando millones en estrenos posteriores en cines y vídeos domésticos. En 1953, estrenó Peter Pan , que, al igual que Alicia en el país de las maravillas , había estado en producción desde finales de los años 1930 y principios de los 1940 y fue archivado durante la guerra. Sin embargo, a diferencia de Alice , Peter Pan fue un gran éxito tanto crítico como financiero en su primer lanzamiento. Cuando el contrato de Disney con RKO expiró a finales de 1953, en lugar de renovarlo como de costumbre, Disney estaba preocupado por la inestabilidad de RKO (debido al control cada vez más errático del estudio por parte del propietario Howard Hughes ) y comenzó a distribuir películas a través de la recién creada Buena . Filial de Distribución Vista . Esto permitió un presupuesto más alto para cortometrajes y largometrajes que el que dictaban los últimos años de dibujos animados realizados para RKO, lo que hizo posible realizar algunos de los dibujos animados en el nuevo formato CinemaScope . Sin embargo, el presupuesto por corto no era tan alto como en la década de 1940, ya que Disney se había centrado más en acción en vivo, televisión y animación y menos en cortos de animación. En 1953, poco después del cambio de RKO a Buena Vista, Disney lanzó su último cortometraje de Mickey Mouse, The Simple Things . A partir de ahí, el estudio produjo menos cortos animados cada año hasta que la división de cortos animados finalmente se cerró en 1956. [58] Después de eso, cualquier trabajo futuro de dibujos animados cortos se realizó a través de la división de animación de largometrajes hasta 1969. El último corto animado de Disney de la edad de oro de la animación estadounidense, la película ganadora del Oscar ¡Es difícil ser un pájaro!, fue lanzado en 1969.
En 1955, Disney creó La dama y el vagabundo , la primera película animada en CinemaScope . Al construir Disneylandia en 1955, Walt Disney recuperó una enorme popularidad entre el público, [59] y centró su atención en producir su película más ambiciosa: La Bella Durmiente . La Bella Durmiente fue filmada en película Super Technirama de 70 mm y en sonido estereofónico como Fantasia . La Bella Durmiente también marcó un cambio en el estilo de dibujo, con personajes caricaturescos y angulosos; tomando influencia de la UPA . Aunque La Bella Durmiente fue la segunda película más taquillera de 1959 (justo detrás de Ben-Hur ), la película superó el presupuesto, costó 6 millones de dólares y no logró recuperar su gasto. El estudio estaba muy endeudado y tuvo que recortar el coste de la animación. En 1960, esto resultó en que Disney cambiara a la xerografía , que reemplazó el tradicional entintado a mano . Los primeros largometrajes que utilizaron células Xerox fueron 101 Dálmatas (1961) y La espada en la piedra (1963), que fueron éxitos de taquilla. [60] Sin embargo, la Xerox dio como resultado películas con un aspecto "más incompleto" y carecía de la calidad de las películas entintadas a mano. Según Floyd Norman , que trabajaba en Disney en ese momento, se sintió como el fin de una era. [61] El 15 de diciembre de 1966, Walt Disney murió de cáncer de pulmón . Las últimas películas en las que participó fueron Mary Poppins (1964), El libro de la selva (1967), El bicho del amor (1968), Los aristogatos (1970), Bedknobs and Broomsticks (1971) y Las muchas aventuras de Winnie the Pooh (1977). ), ya que en vida se estrenó uno de los cortos Winnie the Pooh and the Honey Tree (1966), y participó en la producción de Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968). La comedia musical animada El libro de la selva y el musical de acción real para la pantalla grande El millonario más feliz se estrenaron en 1967, un año después de su muerte, y Winnie the Pooh y el día tempestuoso se estrenaron dos años después, mientras que Las muchas aventuras de Winnie the Pooh se estrenó en 1977. Winnie the Pooh y el día tempestuoso también ganaron el Premio de la Academia de 1968 al cortometraje de animación . [62]Después de la muerte de Walt Disney, el departamento de animación no se recuperó completamente hasta finales de los 80 y principios de los 90 con el Renacimiento de Disney .
Uno de los principales competidores de Walt Disney era Max Fleischer , director de Fleischer Studios , que producía dibujos animados para Paramount Pictures . Fleischer Studios era una empresa familiar, dirigida por Max Fleischer y su hermano menor Dave Fleischer , quienes supervisaban la producción de los dibujos animados. Los Fleischer lograron éxitos con los dibujos animados de Betty Boop y la serie Popeye the Sailor . La popularidad de Popeye durante la década de 1930 rivalizó en ocasiones con la de Mickey Mouse, y surgieron clubes de fans de Popeye en todo el país a imitación de los clubes de fans de Mickey; En 1935, las encuestas mostraban que Popeye era incluso más popular que Mickey Mouse. [63] Sin embargo, a principios de la década de 1930, las reglas de censura más estrictas impuestas por el nuevo Código de Producción en 1934 exigieron que los productores de animación eliminaran el humor atrevido. Los Fleischer, en particular, tuvieron que atenuar el contenido de sus dibujos animados de Betty Boop, cuya popularidad después disminuyó. [64] Los Fleischer también habían producido una serie de dibujos animados de Color Classics durante la década de 1930 que intentaban emular el uso del color de Walt Disney, pero la serie no fue un éxito. [sesenta y cinco]
En 1934, Max Fleischer se interesó en producir un largometraje de animación poco después del anuncio de Blancanieves por parte de Walt Disney , sin embargo Paramount vetó la idea. En 1936, Fleischer Studios produjo la primera de tres películas de Popeye Technicolor de dos carretes: Popeye el marinero conoce a Sindbad el marinero en 1936, Popeye el marinero conoce a los cuarenta ladrones de Ali Baba en 1937 y Aladdin y su maravillosa lámpara en 1939. En 1938, Después del éxito de Disney con Blancanieves y los siete enanitos , Paramount había dado permiso a los Fleischer para producir una película animada y el estudio Fleischer se trasladó de Nueva York a Miami, Florida , para evitar los sindicatos organizados, que se convirtieron en una amenaza para el estudio después A finales de 1937 se produjo una huelga de cinco meses entre los trabajadores de Fleischer Studio. [66] Aquí los Fleischer produjeron Los viajes de Gulliver , que se estrenó en 1939. Fue un pequeño éxito y animó a los Fleischer a producir más.
En mayo de 1941, los Fleischer le dieron a Paramount la propiedad total del estudio como garantía para pagar las deudas resultantes de los préstamos que obtuvieron del estudio para realizar dibujos animados fallidos como Stone Age , Gabby y Color Classics . Sin embargo, aún mantuvieron sus posiciones como jefes de producción de su estudio. [67] Bajo el gobierno de Paramount, los Fleischer incorporaron a Popeye a la Marina y contribuyeron al esfuerzo bélico, y obtendrían más éxito al comenzar una serie de dibujos animados espectaculares de Superman (el primero de los cuales fue nominado al Oscar) que se han vuelto legendarios en ellos mismos. A pesar del éxito que Superman le dio al estudio, el estudio sufriría un duro golpe cuando Dave, casado, comenzó a tener una aventura adúltera con la secretaria de Miami. Esto provocó muchas disputas entre los hermanos Fleischer hasta que Max y Dave dejaron de hablarse. [67] En 1941, lanzaron Mr. Bug Goes to Town , desafortunadamente se estrenó unos días antes del ataque a Pearl Harbor, lo que provocó que Mister Bug fracasara en la taquilla. [67] Poco después de la mala taquilla de la película, Dave Fleischer, aún manteniendo su puesto como codirector de su estudio, había dejado Fleischer Studios para dirigir los dibujos animados Screen Gems de Columbia Pictures . Debido a esto, Paramount Pictures había expulsado a Dave y Max Fleischer de sus puestos como jefes del estudio de dibujos animados. [67]
Paramount se hizo cargo del estudio Fleischer por completo y lo incorporó a su propio estudio, rebautizándolo como Famous Studios y continuando el trabajo que comenzaron los Fleischer. Isadore Sparber , Seymour Kneitel y Dan Gordon fueron ascendidos a directores (el veterano de Disney Bill Tytla dirigió cortometrajes a mediados y finales de la década de 1940 después de que Gordon dejara el estudio), mientras que Sam Buchwald fue ascendido a productor ejecutivo. Paramount también descontinuó las costosas caricaturas de Superman en 1943, a favor de adaptar Little Lulu a los cines. Famous Studios continuó lanzando cortos de Popeye, que cambiaron al color en 1943, además de crear Noveltoons , una serie corta de antología similar a Color Classics de Fleischer . Los noveltoons introdujeron muchos personajes notables como Blackie the Lamb , Wolfie (el principal rival de Blackie), Casper the Friendly Ghost (adaptado de un libro de cuentos para niños), Little Audrey (un personaje similar y que reemplaza a Little Lulu), Herman y Katnip (un gato). y duelo de ratones similar a Tom y Jerry ), Baby Huey (un patito grande aunque tonto) y muchos otros personajes menos conocidos. Famous también revivió Screen Songs , otra serie heredada de la de Fleischer. Ya en 1945, Famous continuó la serie hasta 1951, cuando perdieron el derecho del nombre y el término “pelota que rebota”. La serie pasó a llamarse Kartunes y continuaría durante dos años más, donde finalmente sería discontinuada. En 1951, Sam Buchwald murió de un ataque al corazón, dejando a Sparber y Kneitel como productores y directores principales. Dave Tendlar fue ascendido a director en 1953.
La partida de los Fleischer tuvo un efecto inmediato en el estudio: los dibujos animados de Paramount de los años de la guerra continuaron siendo entretenidos y populares y aún conservaban la mayor parte del estilo y brillo de los Fleischer; sin embargo, los fanáticos e historiadores de la animación notarían el tono divergente del estudio después de la final de la guerra, ya que el estilo fue criticado por su narración altamente formulada, falta de ambición artística, violencia y su atractivo general para los niños en lugar de tanto para niños como para adultos. A mediados de la década de 1950, Famous Studios todavía lanzaba cortometrajes pero con presupuestos más ajustados. Esta era una práctica estándar en la industria en ese momento, ya que otros estudios de animación también estrenaban cortometrajes con presupuestos más ajustados debido a la popularidad de la televisión. Al mismo tiempo, el estudio tuvo cambios realmente drásticos. Paramount cambió el nombre del estudio a Paramount Cartoon Studios, además de descontinuar los cortos de Popeye en 1957. Spooky Swabs (dirigido por Sparber, quien murió al año siguiente) fue el último corto de Popeye en los cines. Los presupuestos para los cortometrajes eran tan ajustados a finales de la década de 1950 que el estudio tuvo que utilizar técnicas de animación limitadas , comparables a las de la animación televisiva de la época. En la década de 1960, Paramount continuó lanzando dibujos animados dramáticos, además de asociarse con King Features Syndicate TV para coproducir Popeye the Sailor y otros personajes de cómics para televisión. Después de que Seymour Kneitel muriera en 1964 de un ataque cardíaco, otros veteranos de la animación como Howard Post , James Culhane y Ralph Bakshi fueron contratados para dirigir cortos al final de la vida útil del estudio. Los dibujos animados producidos durante este período fueron Swifty and Shorty , Honey Halfwitch , Comic Kings , la serie Modern Madcaps y Fractured Fables , todos los cuales no lograron revitalizar el estudio debido a las continuas restricciones presupuestarias. En el invierno de 1968, los nuevos propietarios de Paramount en ese momento, Gulf+Western , comenzaron el proceso para cerrar el estudio de dibujos animados. El cierre se completó en diciembre.
En 1929, los ex animadores de Disney Hugh Harman y Rudolf Ising hicieron una caricatura titulada Bosko, the Talk-Ink Kid , y en 1930 intentaron venderla a un distribuidor. Warner Bros., que anteriormente había intentado sin éxito crear un estudio de caricaturas. en Nueva York para competir con Disney, acordó distribuir la serie. Bajo la guía del productor Leon Schlesinger, Harman e Ising crearon Looney Tunes (el título es una variación de la galardonada Silly Symphonies de Disney ) protagonizada por su personaje Bosko . Una segunda serie de Harman-Ising, Merrie Melodies , siguió en 1931. Ambas series mostraron la fuerte influencia de las primeras películas de Disney.
Después de disputas por el dinero, Harman-Ising se separó de Schlesinger (quien rechazó sus demandas de aumentos presupuestarios) en 1933 y se llevó a Bosko con ellos para trabajar con Metro Goldwyn Mayer . [68] Schlesinger comenzó su propia operación de dibujos animados bajo el nuevo nombre Leon Schlesinger Productions , contratando al animador de Harman-Ising Friz Freleng y a varios otros para dirigir el estudio. El animador Tom Palmer creó un clon de Bosko conocido como Buddy y respondió al uso del color de Walt Disney en los dibujos animados de Silly Symphonies en 1934, y comenzó a hacer todos los dibujos animados futuros de Merrie Melodies en color. [69] Sin embargo, dado que Walt Disney tenía un acuerdo exclusivo con Technicolor, Schlesinger se vio obligado a utilizar Cinecolor y Two Strip Technicolor hasta 1935, cuando el contrato de Disney con Technicolor había expirado. En 1935, Schlesinger despidió a Tom Palmer y Buddy fue retirado.
En una Merrie Melodie de 1935 dirigida por Friz Freleng titulada No tengo sombrero fue la primera aparición en pantalla de Porky Pig . También en 1935, Schlesinger contrató a un nuevo director de animación que procedió a revitalizar el estudio: Tex Avery . Schlesinger puso a Avery a cargo de los Looney Tunes de bajo presupuesto en un edificio antiguo y destartalado que los animadores llamaron Termite Terrace . Bajo Avery, Porky Pig reemplazaría la serie Buddy y se convertiría en el primer personaje de dibujos animados de Warner Bros. en alcanzar el poder de una estrella. También en Termite Terrace, el animador Bob Clampett rediseñó a Porky de un cerdo gordo y regordete a un personaje más lindo e infantil. A diferencia de los otros productores de dibujos animados de la época, Avery no tenía intención de competir con Walt Disney, sino que trajo al estudio un nuevo estilo de animación extravagante y estrafalario que aumentaría la popularidad de los dibujos animados de Warner Bros. en el abarrotado mercado. Esto quedó firmemente establecido en 1937 cuando Tex Avery dirigió Porky's Duck Hunt . Durante la producción del corto, el animador principal Bob Clampett elaboró la salida del personaje del Pato haciéndolo saltar sobre su cabeza, darse vuelta y gritar hacia el atardecer. [70] Esto creó el personaje del Pato Lucas . Después de la creación de Lucas, agregaría aún más éxito a los dibujos animados de Warner Bros. y reemplazó a Porky Pig como el personaje animado más popular del estudio, [71] y Bob Clampett se hizo cargo de Termite Terrace , mientras que Tex Avery se hizo cargo del departamento de Merrie Melodies . La caricatura nominada al Premio de la Academia de 1940 A Wild Hare (dirigida por Avery) marcó el debut oficial de Bugs Bunny , así como su primera pareja con Elmer Fudd (creado por Chuck Jones ese año). Bugs reemplazó rápidamente a Lucas como la principal estrella del estudio. En 1942, Bugs se había convertido en el personaje de dibujos animados más popular. [71] Debido al éxito de Bugs, Daffy y Porky, el estudio Schlesinger ahora había alcanzado nuevas alturas, y Bugs rápidamente se convirtió en la estrella de los dibujos animados en color de Merrie Melodies , que anteriormente se habían utilizado para apariciones de personajes de una sola vez. [71] En 1942, los cortos de Warner habían superado a los de Disney en ventas y popularidad. [72] Frank Tashlin también trabajó con Avery en el departamento de Merrie Melodies. Comenzó en Warner en 1933 como animador, pero fue despedido y se unió a Iwerks en 1934. Tashlin regresó a Warner en 1936, asumiendo la dirección del departamento de Merrie Melodies. Regresó en 1943 dirigiendo dibujos animados de Porky y Daffy. Se fue a finales de 1944 para dirigir películas de acción real.
Avery dejó Warner Bros. en 1941 y se puso a trabajar en MGM. Avery creó Droopy en 1943 y muchos otros personajes durante sus 12 años de carrera en MGM. Schlesinger vendió su estudio a Warner Bros. en agosto de 1944. Edward Selzer, a su vez, fue nombrado nuevo productor. En ese momento, los principales directores de dibujos animados de Warner en la década de 1940 eran Friz Freleng , Chuck Jones , Bob Clampett y recientemente Robert McKimson , quien se hizo cargo de la unidad de Frank Tashlin después de que este dejó el estudio. Sus dibujos animados ahora se consideran clásicos del medio. Dirigieron algunos de los cortometrajes animados más queridos de todos los tiempos, incluidos (para Clampett) Porky in Wackyland , Wabbit Twouble , A Corny Concerto , The Great Piggy Bank Robbery , The Big Snooze , (para Freleng) You Ould to Be in Pictures , Rapsodia en remaches , Conejito rojo de montar , Pájaros anónimos , Knighty Knight Bugs , (para Jones) Rabbit Fire , Duck Amuck , Duck Dodgers en el siglo 24½ , One Froggy Evening , ¿ Qué es la ópera, doctor? , (para McKimson) Walky Talky Hawky , Hillbilly Hare , Devil May Hare , The Hole Idea y Stupor Duck . Además de que McKimson fue ascendido a director a mediados de la década de 1940, Arthur Davis asumió el cargo después de Clampett a mediados de 1945, después de haber sido despedido por Selzer. Clampett se puso a trabajar en Beany y Cecil . Jones, Freleng, McKimson y Clampett crearon muchos personajes recurrentes conocidos, y la mayoría se hicieron populares instantáneamente en ese momento. Esto incluyó a Tweety (1942), Pepé Le Pew (1945), Sylvester the Cat (1945), Yosemite Sam (1945), Foghorn Leghorn (1946), Marvin the Martian (1948), Wile E. Coyote y el Road Runner (1949). ), Granny (1950), Speedy Gonzales (1953), The Tasmanian Devil (Taz) (1954), y entre otras. En 1948, Warner ya no podía obligar a los cines a comprar sus películas y cortometrajes juntos como paquetes, debido al caso Estados Unidos contra Paramount Pictures, Inc.caso antimonopolio ese año. Los cortos de principios de la década de 1960 tuvieron como resultado presupuestos más ajustados. La unidad de Davis fue cerrada en 1949 por Warner debido a problemas de presupuesto, lo que lo llevó a mudarse a la unidad de Freleng para convertirse en uno de sus animadores clave. Edward Selzer se retiró en 1958, lo que llevó al director de producción John W. Burton a ocupar su lugar. David DePatie asumió como productor en 1960 después de que Burton dejara el estudio.
Después de más de dos décadas en la cima, Warner Bros. cerró el estudio original "Termite Terrace" en 1963 y DePatie-Freleng Enterprises asumió la producción de los cortos, con licencia de Warner Bros. La mayoría del elenco principal de personajes de la serie fueron retirados. de los cines en este momento, incluida la estrella más popular de Warner, Bugs Bunny. El Pato Lucas, sin embargo, todavía aparecería en dibujos animados teatrales, en su mayoría junto con Speedy Gonzales. Además de ellos, Porky Pig, Granny, Sylvester y los Goofy Gophers aparecieron en esta época, pero la mayoría apareció en solo uno o más cortos. También se encargaron 14 dibujos animados de Wile E. Coyote y Roadrunner , y los últimos 11 se subcontrataron a Format Films , bajo la dirección del ex animador de Chuck Jones, Rudy Larriva . Estas caricaturas no fueron bien recibidas y fueron criticadas por su falta de espíritu y encanto respecto a los cortos de Jones. Después de que DePatie-Freleng cesara la producción de Looney Tunes en 1967, Bill Hendricks fue puesto a cargo de la producción del recién renombrado estudio de animación Warner Bros.-Seven Arts y contrató a veteranos como Alex Lovy y LaVerne Harding del estudio Walter Lantz, Volus. Jones y Ed Solomon de Disney, Jaime Diaz, quien luego trabajó en The Fairly OddParents como director, y David Hanan, quien anteriormente trabajó en Roger Ramjet . Hendricks trajo al estudio sólo a tres de los veteranos originales de los Looney Tunes ; Ted Bonniscken, Norman McCabe y Bob Givens. Los dibujos animados one-shot del estudio de esta época fueron criticados críticamente y son ampliamente considerados como los peores en la historia del estudio: Cool Cat , Merlin the Magic Mouse , Chimp and Zee y Norman Normal , a pesar de que estos últimos ganaron un gran culto de seguidores , fueron Se dice que es tonto, está toscamente animado y tiene una redacción y un diseño deficientes debido a los presupuestos extremadamente bajos con los que tuvo que trabajar el equipo en ese momento. Alex Lovy dejó el estudio en 1968 y Robert McKimson se hizo cargo. McKimson se centró principalmente en los personajes recurrentes que Alex Lovy había creado y dos de su propia creación, Bunny y Claude . El último de los cortos originales de Looney Tunes producidos fue Bugged by a Bee y el último corto de Merrie Melodies fue Injun Trouble , que comparte nombre con otro corto de Looney Tunes de 1938. El estudio Warner Bros.-Seven Arts finalmente cerró en 1969. Se crearon un total de 1.039 cortos de Looney Tunes. Una década más tarde, tras el éxito de la película, La película Bugs Bunny/Road Runner, que consistía principalmente en imágenes de los cortos clásicos de Jones, en 1980 abrió sus puertas un nuevo estudio interno para producir animación original llamado Warner Bros. Animation , que existe hasta el día de hoy.
Al principio, Mickey Mouse fue dibujado por el viejo socio y amigo de Walt Disney, Ub Iwerks , quien también era un innovador técnico en dibujos animados, y dibujaba un promedio de 600 dibujos para Disney diariamente; [73] Disney fue responsable de las ideas de los dibujos animados, e Iwerks fue responsable de darles vida. [73] Sin embargo, Iwerks dejó el estudio de Disney en 1930 para formar su propia empresa, que estaba respaldada financieramente por el propietario de Celebrity Pictures, Pat Powers. [74] Después de su partida, Disney finalmente encontró varios animadores diferentes para reemplazar a Iwerks. Iwerks produciría tres series de dibujos animados durante la década de 1930: Flip the Frog y Willie Whopper para Metro-Goldwyn-Mayer , y ComiColor Cartoons para Celebrity Productions de Pat Powers . Sin embargo, ninguno de estos dibujos animados pudo igualar el éxito de los dibujos animados de Disney o Fleischer, y en 1933, MGM, el distribuidor de dibujos animados de Iwerks desde 1930, puso fin a la distribución de sus dibujos animados a favor de la distribución de dibujos animados de Harman e Ising, y Iwerks se fue después. su contrato expiró en 1934. [75] Después de su estadía en MGM, los dibujos animados de Iwerks fueron distribuidos por Celebrity Pictures, e Iwerks respondería al uso de Technicolor por parte de Disney y crearía la serie Comicolor, que transmitía dibujos animados en Cinecolor de dos tiras. [76] Sin embargo, en 1936, el Iwerks Studio comenzó a experimentar reveses financieros y cerró después de que Pat Powers retirara la ayuda financiera al estudio. [77] Después de animar en Warner Brothers creando Gabby Goat y de ir a Screen Gems , que estaba haciendo dibujos animados para Columbia Pictures en ese momento, Iwerks regresó a Disney en 1940, donde trabajó como jefe de la división de " desarrollo de efectos especiales " hasta su muerte en 1971.
Después de que MGM despidiera a Iwerks, contrataron a Harman e Ising lejos de Leon Schlesinger y Warner Bros y los nombraron jefes del estudio. Comenzaron a producir dibujos animados de Bosko y Happy Harmonies que emulaban las Silly Symphonies de Disney . [78] Sin embargo, no lograron tener éxito en los teatros, y en 1937 las series Bosko y Happy Harmonies fueron descontinuadas y MGM reemplazó a Harman e Ising con Fred Quimby . [79] Después de que Quimby asumió el control, mantuvo a varios miembros del personal de Harman e Ising y buscó talentos en otros estudios de animación (incluido el director de Warner, Friz Freleng, durante un corto período de tiempo). Creó una adaptación animada de la serie de cómics The Katzenjammer Kids , a la que retituló The Captain & The Kids . La serie Captain & The Kids no tuvo éxito. [79] En 1939, sin embargo, Quimby obtuvo éxito después de volver a contratar a Harman & Ising. Después de regresar a MGM, Ising creó la primera estrella animada exitosa de MGM llamada Barney Bear . Mientras tanto, Harman dirigió su obra maestra Paz en la Tierra . [79] A pesar de esto, ambos hombres dejarían MGM en 1941 y 1943 respectivamente, ya que Harman desarrollaría su propio estudio para el animador de Disney Mel Shaw , mientras que Ising renunció para unirse al ejército de los EE. UU.
Después de que Ising dejó MGM, su unidad quedó vacía hasta que el animador George Gordon la recogió . Continuó la serie Barney Bear y dirigió otros cortometrajes como The Storks Holiday y algunos otros cortometrajes protagonizados por un burro sin nombre. Gordon no quedó acreditado como director de la mayoría de los dibujos animados que dirigió. Posteriormente abandonó el estudio en 1943, dejando la unidad vacía una vez más. A finales de 1946, los animadores Michael Lah y Preston Blair se unieron para dirigir exclusivamente más dibujos animados de Barney Bear . El propio Lah afirmó haber terminado The Unwelcome Guest de Gordon , que estaba inacabada y en la que también aparecía Barney. Ambos pudieron darle al oso una nueva vida, ya que el tono de estos dibujos animados era más familiar al de la comedia de otros dibujos animados de Hanna-Barbera y Tex Avery. En sólo tres años más, las carreras como directores de Lah y Blair se detuvieron abruptamente cuando MGM disolvió la tercera unidad, dejando solo las unidades de Hanna-Barbera y Avery. En la década de 1950, Tex Avery abandonó brevemente MGM debido al exceso de trabajo. Casi al mismo tiempo, Dick Lundy , quien recientemente dejó Walter Lantz Production, fue contratado por MGM para llenar el vacío entre la partida de Avery. Barney Bear recibió nuevamente el encargo de más dibujos animados, sin embargo, a diferencia de los directores anteriores, Lundy cambió a Barney para que hablara inglés completo, proporcionado por Paul Frees . El estilo maníaco de dirección de los pantalones cortos de Avery también se nota en estos pantalones cortos, ya que estaba usando la unidad de Avery. A finales de 1951, Avery regresó al estudio, sin embargo, Lundy continuó dirigiendo cortos de Barney Bear con su unidad hasta 1954, donde MGM finalmente canceló los dibujos animados de Barney, ya que los estudios no dirigirían más dibujos animados con él.
En 1939, William Hanna y Joseph Barbera comenzaron una asociación que duraría más de seis décadas hasta la muerte de Hanna en 2001. La primera caricatura del dúo juntos fue El gato recibe la bota (1940), que presenta los intentos de un ratón anónimo de burlar a un gato doméstico llamado Jasper. . Aunque se estrenó sin fanfarrias, el corto fue un éxito financiero y de crítica, y le valió una nominación al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje (Dibujos Animados) de 1940. Gracias a la nominación al Oscar y a la demanda del público, Hanna y Barbera se propusieron producir un cortometraje de larga duración. Serie de dibujos animados del gato y el ratón, que pronto bautizará a los personajes como Tom y Jerry . El gato consigue la bota no ganó el Premio de la Academia de 1940 a la mejor caricatura, pero sí lo ganó otra caricatura de MGM, La Vía Láctea de Rudolf Ising, lo que convirtió al estudio de caricaturas de MGM en el primer estudio en arrebatarle el Premio de la Academia de caricaturas a Walt Disney. Después de aparecer en El gato recibe la bota , Tom y Jerry rápidamente se convirtieron en las estrellas de los dibujos animados de MGM. Con Hanna-Barbera en su haber, el estudio de dibujos animados MGM finalmente pudo competir con Walt Disney en el campo de los dibujos animados. Los cortos tuvieron éxito en taquilla, se lanzaron al mercado muchos productos con licencia (cómics, juguetes, etc.) y la serie ganaría doce nominaciones más al Premio de la Academia de Temas Cortos (Dibujos animados), con siete de los premios Tom y Los cortos de Jerry ganaron el Premio de la Academia: The Yankee Doodle Mouse (1943), Mouse Trouble (1944), Quiet Please! (1945), El concierto del gato (1946), El pequeño huérfano (1948), Los dos ratones (1951) y Johann Mouse (1952). Tom y Jerry finalmente empató con Silly Symphonies de Disney como la serie de dibujos animados teatrales más premiada. Ninguna otra serie animada teatral basada en personajes ha ganado más premios, ni ninguna otra serie con los mismos personajes. Además de los cortos clásicos de Tom y Jerry , Hanna y Barbera también produjeron/dirigieron para el estudio de dibujos animados MGM media docena de cortos teatrales de una sola vez , incluidos Gallopin' Gals (1940), Officer Pooch (1941), War Dogs (1943). y Good Will to Men (una nueva versión de Peace on Earth, 1955). Fred Quimby se retiró en 1955, y Hanna y Barbera lo reemplazaron a cargo de las caricaturas restantes de MGM (incluidos los últimos siete episodios de Droopy de Tex Avery).) hasta 1958, cuando el estudio cerró, poniendo fin a todas las producciones de animación, y posteriormente el dúo fundó la compañía de series de televisión animadas Hanna-Barbera . La clave del éxito de Tom y Jerry y otros dibujos animados de MGM fue el trabajo de Scott Bradley , quien compuso prácticamente todos los dibujos animados para el estudio desde 1934 hasta 1958. Las partituras de Bradley utilizaron sensibilidades tanto clásicas como de jazz. Además, solía utilizar canciones de las partituras de los largometrajes de MGM, siendo las más frecuentes "The Trolley Song" de Meet Me in St. Louis (1944) y "Sing Before Breakfast" de Broadway Melody de 1936 .
Mientras tanto, Tex Avery llegó al estudio de dibujos animados MGM en 1941 y revitalizó su estudio de dibujos animados con la misma chispa que había infundido a los animadores de Warner. Las salvajes obras maestras surrealistas de Tex Avery de sus días en el estudio de MGM establecen nuevos estándares para el entretenimiento "adulto" en los dibujos animados de la era Code . A Tex Avery no le gustaba usar personajes recurrentes, pero se mantuvo fiel a un personaje a lo largo de su carrera en MGM con Droopy , que fue creado en Dumb-Hounded en 1943. Tex también creó Screwy Squirrel en 1944, pero Tex le tenía menos cariño y descontinuó la serie después de cinco dibujos animados. También creó el inspirado dúo De ratones y hombres, George y Junior , en 1946, pero sólo se produjeron cuatro dibujos animados.
En 1953, Metro-Goldwyn-Mayer cerró la unidad Tex Avery. Avery también dejó el estudio en ese momento, y MGM promovió a Micheal Lah para que ocupara el puesto de Avery para dirigir dibujos animados una vez más. Fred Quimby se retiró en 1955, y Hanna y Barbera lo reemplazaron a cargo de los dibujos animados restantes de MGM (incluidos los últimos siete dibujos animados Droopy de Tex Avery ) hasta 1958, cuando el estudio cerró la unidad HB, poniendo fin a todas las producciones de animación. El dúo eventualmente desarrollaría su propio estudio, Hanna-Barbera en 1957, heredando la mayor parte del personal en el proceso.
Después de que Charles Mintz fuera despedido de Paramount & Universal, todavía estaba a cargo de su propia operación de dibujos animados, produciendo dibujos animados de Krazy Kat para Columbia Pictures. Después del fracaso de Toby the Pup , que RKO Pictures discontinuó en favor de Van Beuren Studios , creó una nueva serie protagonizada por un niño llamado Scrappy , creada por Dick Huemer en 1931. Scrappy fue una gran oportunidad para Mintz y también fue su carrera más exitosa. creación, pero su estudio sufriría un daño irreparable después de que Dick Huemer fuera despedido del Mintz Studio en 1933. [80] En 1934, Mintz, como la mayoría de los otros estudios de animación de la época, también intentó responder al uso del Technicolor por parte de Disney y comenzó a hacer dibujos animados en color a través de la serie Color Rhapsodies ; [81] la serie estaba originalmente en Cinecolor o Technicolor de dos tiras, pero pasó a Technicolor de tres tiras después de que expiró el contrato de Disney con Technicolor en 1935. Sin embargo, la serie no logró llamar la atención y, en 1939, Mintz estaba en gran parte en deuda con Fotos de Columbia. Como resultado, Mintz vendió su estudio a Columbia. Columbia cambió el nombre del estudio, que Mintz todavía dirigía, a Screen Gems ; [82] Mintz murió al año siguiente.Frank Tashlin y John Hubley , fueron animadores de Disney que se fueron durante la huelga y obtuvieron trabajos en Screen Gems, donde Tashlin se desempeñó como productor principal mientras Hubley actuó como director del estudio. [83] Tashlin ayudó a Screen Gems a obtener más éxito al presentar a The Fox and the Crow , las estrellas más importantes de Screen Gems. Tashlin mantuvo su puesto hasta que Columbia Pictures lo liberó del estudio a favor de Dave Fleischer en 1942. [83] Los dibujos animados de Screen Gems tuvieron sólo un éxito moderado y nunca obtuvieron el talento artístico de Disney, Warner Bros. o MGM. Columbia Pictures cerró el estudio en 1949 y empezó a buscar una nueva productora de dibujos animados.
En 1941, John Hubley dejó Screen Gems y formó un estudio con los ex animadores de Disney Stephen Bosustow, David Hilberman y Zachary Schwartz, quienes, como Hubley, habían abandonado el nido de Walt durante la huelga de animadores. El estudio que fundó Hubley era un estudio de animación más nuevo y más pequeño que se centraba en perseguir la propia visión de Hubley de probar estilos de animación más nuevos, abstractos y experimentales. [84] Bosustow, Hilberman y Schwartz denominaron al nuevo estudio Industrial Film and Poster Service, o IFPS. [84] Artísticamente, el estudio utilizó un estilo de animación que se conoce como animación limitada . El primer cortometraje del recién formado estudio fue Hell-Bent for Election (dirigido por el veterano de Warner Chuck Jones ), una caricatura realizada para la campaña de reelección de Franklin D. Roosevelt . Aunque esta nueva película fue un éxito, no traspasó los límites que Hubley y su personal esperaban. No fue hasta el tercer cortometraje, Brotherhood of Man de Bobe Cannon , que el estudio comenzó a producir cortos agresivamente estilizados en contraste con las películas de los otros estudios. La película de Cannon incluso predicaba un mensaje que, en ese momento, era menospreciado: la tolerancia racial. En 1946, el estudio pasó a llamarse United Productions of America (UPA), y Hilberman y Schwartz habían vendido sus acciones del estudio a Bosustow. [84] En 1948, UPA también encontró un hogar en Columbia Pictures y comenzó a producir dibujos animados teatrales para el público en general, en lugar de simplemente utilizar temas de propaganda y entrenamiento militar; [85] UPA también obtuvo dos nominaciones al Premio de la Academia por nuevos dibujos animados protagonizados por The Fox and the Crow durante sus primeros dos años de producción. A partir de ahí, los animadores de la UPA comenzaron a producir una serie de dibujos animados que inmediatamente se destacaron entre el abarrotado campo de dibujos animados reflejados e imitados de los otros estudios. El éxito de la serie Mr. Magoo de la UPA hizo que todos los demás estudios se dieran cuenta, y cuando el corto de la UPA Gerald McBoing-Boing ganó un Oscar, el efecto en Hollywood fue inmediato y electrizante. El estilo de UPA era marcadamente diferente de todo lo que se veía en las pantallas de cine, y el público respondió al cambio que ofrecía UPA respecto de la repetición de las habituales batallas entre gato y ratón. Magoo se convertiría en el personaje de dibujos animados de mayor éxito del estudio. [86] Sin embargo, UPA sufriría un duro golpe después de que John Hubley fuera despedido del estudio durante la Era McCarthy en 1952, debido a sospechas de que tenía vínculos con el comunismo; [86]Steve Bosustow se hizo cargo, pero no tuvo tanto éxito como Hubley, y el estudio finalmente se vendió a Henry Saperstein. [86] En 1953, la UPA había ganado una gran influencia dentro de la industria. Los estudios de dibujos animados de Hollywood se alejaron gradualmente de los detalles exuberantes y realistas de la década de 1940 hacia un estilo de animación más simplista y menos realista. En ese momento, incluso Disney estaba intentando imitar a UPA. Los cortos de 1953 Melody y Toot, Whistle, Plunk y Boom en particular fueron experimentos de estilización que siguieron los pasos del recién formado estudio. Alrededor de 1952, Eric Porter propuso dos caricaturas a Columbia, pero estas fueron rechazadas y ambas caricaturas se encuentran actualmente en el dominio público .
En 1959, UPA estrenó 1001 Las mil y una noches protagonizada por Mr Magoo, sin embargo, resultó ser un fracaso, ya que le costó a UPA su acuerdo de distribución con Columbia Pictures . Lo intentaron una vez más en 1962, UPA lanzó Gay Purr-ee con la voz de Judy Garland , esta vez, con un distribuidor en Warner Brothers . En 1964, UPA decidió abandonar la animación y simplemente convertirse en una empresa de distribución, donde distribuiría algunas de las películas de Godzilla en Estados Unidos.
Antes de la terminación de UPA, Columbia llegó a un acuerdo de distribución de 10 años con Hanna-Barbera , que acababa de abandonar el recién cerrado Metro-Goldwyn-Mayer Cartoon Studio . Este acuerdo estaría relacionado principalmente con la división de televisión de Columbia, Screen Gems , que irónicamente tomó prestado el nombre del estudio de animación. En 1959, Hanna-Barbera produjo la única serie teatral para Columbia, Loopy De Loop . Esta serie fue un éxito y se emitió hasta 1965. Hanna-Barbera también produjo 2 películas para Columbia, que fue ¡Hola, soy el oso Yogi! y El hombre llamado Picapiedra . El contrato de 10 años de Columbia con Hanna-Barbera expiró en 1967 y no fue renovado, poniendo así fin a la asociación de Columbia con Hanna-Barbera en todos los sentidos.
En 1928, Walter Lantz reemplazó a Charles Mintz como productor de dibujos animados de Universal Studios. El personaje principal de Walter Lantz en ese momento era Oswald el Conejo de la Suerte , cuyos dibujos animados anteriores habían sido producidos tanto por Walt Disney como por Charles Mintz . Lantz también comenzó a experimentar con dibujos animados en color, y el primero, llamado Jolly Little Elves , se estrenó en 1934. En 1935, Walter Lantz independizó su estudio de Universal Studios, y el estudio ahora era sólo el distribuidor de sus dibujos animados. de los propietarios directos. [87] Después de ver el éxito de Disney con su primera película Blancanieves y los siete enanitos , Lantz planeó producir un largometraje animado basado en la historia de Aladdin , protagonizado por el famoso dúo cómico Abbot y Costello . Sin embargo, debido a la bomba financiera de Mr. Bug Goes to Town , Lantz descartó la idea y la película nunca se produjo. [88]
En la década de 1940, Oswald comenzó a perder popularidad. Lantz y su personal trabajaron en varias ideas para posibles nuevos personajes de dibujos animados (entre ellos Meany, Miny, Moe y Baby-Face Mouse ). Finalmente uno de estos personajes hizo clic; su nombre era Andy Panda , [89] que se emitió en Technicolor. Por muy exitoso que fuera Andy, no fue hasta la quinta caricatura del personaje, Knock Knock , que se presentó un personaje realmente revolucionario. Este no era otro que Woody Woodpecker , quien se convertiría en la creación más exitosa de Lantz. [90] Durante la mayor parte de la vida del estudio en ese momento, Lantz y Alex Lovy dirigieron la mayoría de los dibujos animados hasta 1942, cuando Shamus Culhane (un ex animador de Disney que recientemente tuvo un breve paso por Fleischer Studios y Warner Bros.) tomó la dirección de Lantz. y el papel de Lovy como director. Como resultado, los dibujos animados tenían una dirección más densa y surrealista, similarmente más en línea con los dibujos animados de MGM. Debido a problemas de negociación entre Lantz y Universal Studios (rebautizado como Universal-International), Lantz se retira de su empresa matriz y contrata la distribución de cortos bajo United Artists entre 1947 y 1949. Los cortos en este período se destacaron por tener una mejor animación de los cortos. publicado bajo Universal. Esto se debió a la influencia del director y veterano de Disney Dick Lundy , así como a la llegada de animaciones más profesionales, como Ed Love , Fred Moore y Ken O'Brien. Esta fue también la era en la que Andy Panda fue oficialmente descontinuado debido a su menguante y pérdida de popularidad y Woody Woodpecker ahora se volvió superior para él. En total, se lanzaron 12 cortometrajes bajo United Artists.
Debido a una gran cantidad de problemas entre distribuidores y préstamos excesivos del Bank of America , [91] Lantz se vio obligado a cerrar su estudio en 1949 para reducir dichos préstamos. Se abrió de nuevo en 1950 con un personal reducido, principalmente porque Lantz pudo firmar un acuerdo con Universal (conocido como Universal-International en este período) para más dibujos animados de Woody Woodpecker, comenzando con Puny Express de 1951 . Woody seguiría apareciendo en dibujos animados hasta principios de los años 1970.Paul J. Smith , un veterano de Disney que trabajó para Lantz en los años 40, volvió a trabajar para el estudio durante la mayor parte de su vida en ese momento como animador y más tarde como director. Paul creó Chilly Willy , que apareció por primera vez en 1953, y se convirtió en el segundo personaje más popular de Lantz después de Woody. Más tarde , Tex Avery lo refinaría al año siguiente, quien dejó MGM a principios de esa década. El propio Avery dirigiría sólo 4 cortometrajes durante su estancia en Walter Lantz Productions, hasta que finalmente dejó su carrera de dirección de cortometrajes animados en 1956. Otras contribuciones como dirección incluyeron a Don Patterson , Jack Hannah y Sid Marcus. Alex Lovy también regresó como director desde principios de los años 40. Walter Lantz finalmente cerró las puertas de su estudio por última vez en 1972, diciendo que seguir produciendo cortos sería imposible debido al aumento de la inflación, que parecía haber ajustado los presupuestos de sus dibujos animados a finales de los años cincuenta. Sin embargo, para Walter Lantz, la supervivencia de Woody Woodpecker se alargó cuando comenzó a aparecer en The Woody Woodpecker Show de 1957 a 1987, desde donde entró en sindicación hasta 1990. NBC revivió el programa tres veces: en 1991, 1992 y 1997, Lantz vendió todos los cortos de Woody Woodpecker a Universal , luego parte de MCA .
Antes de que Paul Terry creara su propio estudio, trabajó en Bray Productions , donde creó su primer personaje popular, Farmer Al Falfa . Posteriormente, en 1921, cofinanció los estudios Fables Animation con Amedee J. Van Beuren . Sin embargo, Beuren se puso ansioso a finales de la década de 1920 debido al fenómeno de un nuevo formato cinematográfico de sonido presincronizado en el cine. Beuren instó a Terry a producir películas en este formato, pero se negó, lo que le obligó a despedir a Terry en 1929.
Después de perder su serie Aesop's Film Fables ante los estudios Van Beuren en 1929, Terry estableció un nuevo estudio llamado Terrytoons . La mayor parte del personal de Fables Animation se mudó con él al nuevo estudio, incluido Art Babbitt , quien más tarde se convirtió en uno de los animadores más conocidos de Disney. Terrytoons producía 26 dibujos animados al año para Educational Pictures de EW Hammons , que a su vez suministraba cortometrajes a Fox Film Corporation . Las caricaturas de Terry de la década de 1930 eran principalmente caricaturas musicales en blanco y negro sin personajes recurrentes, a excepción del granjero Al Falfa , que había aparecido en las caricaturas de Paul Terry desde la era del cine mudo. Educational fracasó a finales de la década de 1930 y Terry firmó directamente con Fox para distribuir sus fotografías. Las décadas de 1930 y 1940 trajeron a Terry con los personajes más populares y exitosos, Gandy Goose a partir de 1938, Mighty Mouse a partir de 1942, y Heckle y Jeckle , desarrollados combinando lo que originalmente era una pareja de urracas traviesas de 1946 Farmer Al . Caricatura de Falfa The Talking Magpies con la noción de Terry de que los hermanos gemelos o dobles tenían posibilidades cómicas. Otros personajes incluyen a Dinky Duck en 1939, Dimwit the Dog (originalmente emparejado con Heckle y Jeckle), Sourpuss (generalmente emparejado con Gandy Goose) y entre otros. Terrytoons también fue nominado cuatro veces al Premio de la Academia al Cortometraje de Animación: All Out for V en 1942, My Boy, Johnny en 1944, Mighty Mouse en Gypsy Life en 1945 y Sidney's Family Tree en 1958. A pesar del éxito, los dibujos animados de Terry son conocidos por tener los presupuestos más bajos de cualquier estudio importante en ese momento. La música popular, por ejemplo, no se utilizó durante la mayor parte de la vida del estudio, ya que Terry se negó a pagar regalías, lo que obligó al director musical Philip A. Scheib a componer partituras originales. Los créditos también fueron escasos. Hasta 1957, las caricaturas sólo acreditaban al director, al guionista y al director musical. Los dibujos animados también eran experimentales y carecían de control de calidad, lo que llevó a que los animadores animaran con un estilo muy inconstante (el animador James "Jim" Tyer es bien conocido por animar con un estilo muy suelto y fuera de modelo).
Terry vendió su empresa y su cartera de pedidos a CBS en 1953 y se jubiló. CBS continuó operando el estudio durante casi 15 años después, y ahora los estudios están bajo la dirección de Gene Deitch . La producción se dividió entre dibujos animados cortos y series de televisión, además de crear nuevos personajes como Tom Terrific , Lariat Sam y el diputado Dawg , Sidney the Elephant , Gaston Le Crayon , John Doormat y Clint Clobber (que volvería a ser utilizado como El dueño humano de Tom en Tom y Jerry de Deitch ). Por esta época, Terrytoons también comenzó a producir dibujos animados en CinemaScope . También se unieron al equipo nuevos miembros del personal, incluidos los ex animadores de Famous Studios, David Tendlar y Martin Taras , y Ralph Bakshi , considerado el miembro más talentoso del estudio de Terrytoon. Terrytoons finalmente cerró sus puertas en 1972, cuando Bakshi se mudó a Famous Studios como director, aunque también cerró ese año.
En 1928, el productor Amadee J. Van Beuren se asoció con Paul Terry y formó el "Aesop's Fables Studio" para la producción de la serie de dibujos animados Aesop's Film Fables . En 1929, Terry lo dejó para iniciar su propio estudio y fue reemplazado por John Foster, quien se hizo cargo del departamento de animación y cambió el nombre del estudio a Van Beuren Studios . Van Beuren continuó la serie Fábulas de Esopo e intentó, sin éxito, una adaptación de dibujos animados de los comediantes radiofónicos Amos 'n Andy . Otras caricaturas de Van Beuren presentaban a Tom y Jerry (no el gato y el ratón, sino un dúo humano parecido a Mutt y Jeff ) y el personaje de tira cómica de Otto Soglow, El pequeño rey . Frank Tashlin y Joseph Barbera estuvieron entre los animadores que trabajaron brevemente para el estudio durante su corta vida. En 1934, mientras otros estudios estaban colocando dibujos animados en Technicolor para responder a la serie de dibujos animados Silly Symphonies de Disney , Van Beuren Studio abandonó los dibujos animados restantes y respondió al uso de Technicolor por parte de Disney creando la serie Rainbow Parade , que era todo color. Sin embargo, la serie no fue un éxito y, en 1936, RKO Pictures , el propietario del estudio Van Beuren, cerró el estudio porque RKO decidió distribuir dibujos animados de Disney. [92]
En 1946, Republic Pictures incorporó una pieza de animación de Walter Lantz en Sioux City) , un western protagonizado por Gene Autry. Ese mismo año, Bob Clampett , que acababa de dejar Warner Bros., llegó a dirigir una caricatura con el título It's a Grand Old Nag antes de que la compañía cancelara una posible serie animada. [93] En 1949, Republic inició una nueva serie de dibujos animados llamada Jerky Journeys , dirigida por Art Heineman. Los dibujos animados no estaban completamente animados (solo se usaban para secuencias de ritmo rápido), pero presentaban diseños y diseños de fondo de Robert Gribbroek , Peter Alvarado y Paul Julian , todos los cuales eran de Warner Bros. Republic descontinuó la serie después de que se hicieran cuatro dibujos animados. [94]
Fundada en 1948 por el animador Jay Ward , Jay Ward Productions emitió la primera caricatura hecha para televisión, Crusader Rabbit y también es recordada por Las aventuras de Rocky y Bullwinkle and Friends (1959-1964), así como por varios anuncios icónicos, como los para cereales de desayuno. Empleando un estilo de animación limitado , el éxito de los dibujos animados de Jay Ward radica en sus densos chistes visuales y juegos de palabras.
Si bien gran parte de la atención en una caricatura animada está en las imágenes, los talentos vocales y las partituras sinfónicas que acompañaron las imágenes también fueron muy importantes para el éxito de las caricaturas. A medida que las películas alejaban al público de sus aparatos de radio, también atraían a actores talentosos e impresionistas vocales al cine y la animación. Mel Blanc dio voz a la mayoría de los personajes más populares de Warner Bros., incluidos Bugs Bunny, Porky Pig (a partir de 1937) y el Pato Lucas. Otras voces y personalidades del vodevil y la radio contribuyeron a la popularidad de las películas animadas en la Época Dorada. Algunos de estos actores (generalmente no acreditados) incluyeron a Cliff Edwards (también conocido como Ukulele Ike ), Arthur Q. Bryan , Stan Freberg , Bea Benaderet , Bill Thompson , Grace Stafford , Jim Backus , June Foray y Daws Butler .
Las caricaturas de esta época también incluían partituras interpretadas por orquestas de estudio . Carl Stalling de Schlesinger/Warner Bros., Scott Bradley de MGM y Winston Sharples de Paramount compusieron numerosas bandas sonoras de dibujos animados, creando material original e incorporando melodías clásicas y populares familiares. Muchas de las primeras caricaturas, en particular las de la serie Silly Symphonies de Disney , se basaron en piezas clásicas. Estas caricaturas a veces presentaban personajes estrella, pero muchas tenían temas simples de la naturaleza.
Durante gran parte de la historia de la animación de Hollywood, la producción de películas animadas fue una industria exclusiva que no se ramificaba muy a menudo hacia otros ámbitos. Los distintos estudios de animación trabajaron casi exclusivamente en la producción de dibujos animados y títulos animados para películas. Sólo ocasionalmente se utilizó la animación para otros aspectos de la industria cinematográfica. Las series de Superman de bajo presupuesto de la década de 1940 utilizaban secuencias animadas de Superman volando y realizando hazañas con superpoderes que se utilizaban en lugar de efectos especiales de acción real, pero esta no era una práctica común.
La exclusividad de la animación también dio lugar al nacimiento de una industria hermana que se utilizaba casi exclusivamente para efectos especiales cinematográficos: la animación stop motion . A pesar de sus similitudes, los dos géneros de animación stop-motion y animación dibujada a mano rara vez coincidieron durante la Edad de Oro de Hollywood. La animación stop-motion se hizo un nombre con el éxito de taquilla de 1933 King Kong , donde el animador Willis O'Brien definió muchas de las principales técnicas de stop-motion utilizadas durante los siguientes 50 años. El éxito de King Kong dio lugar a otras películas de efectos especiales, incluida Mighty Joe Young , que también fue animada por O'Brien y ayudó a iniciar las carreras de varios animadores, incluido Ray Harryhausen , que se destacó en la Década de 1950. George Pal fue el único animador stop-motion que produjo una serie de dibujos animados stop-motion para su estreno en cines, la serie Puppetoon para Paramount, algunos de los cuales fueron animados por Ray Harryhausen. Pal pasó a producir varios largometrajes de acción real cargados de efectos especiales.
La animación stop motion alcanzó el apogeo de su popularidad durante la década de 1950. La creciente popularidad de las películas de ciencia ficción condujo a un desarrollo exponencial en el campo de los efectos especiales, y George Pal se convirtió en el productor de varias películas populares cargadas de efectos especiales. Mientras tanto, el trabajo de Ray Harryhausen en películas como La Tierra contra los platillos voladores , El séptimo viaje de Sinbad y La bestia de 20.000 brazas atrajo a grandes multitudes y fomentó el desarrollo de efectos especiales "realistas" en las películas. Estos efectos utilizaron muchas de las mismas técnicas que la animación celular, pero aun así los dos medios no solían combinarse. El stop motion se desarrolló hasta el punto en que los efectos de Douglas Trumbull en 2001: Una odisea en el espacio parecían realistas hasta un grado sobrenatural.
Los efectos especiales de Hollywood continuaron desarrollándose de una manera que evitaba en gran medida la animación celular , aunque se incluyeron varias secuencias animadas memorables en películas de acción real de la época. La más famosa de ellas fue una escena de la película Anchors Aweigh , en la que el actor Gene Kelly bailaba con un ratón Jerry animado (famoso por Tom y Jerry ). Pero, salvo secuencias ocasionales de este tipo, la única integración real de la animación celular en las películas de acción real se produjo en el desarrollo de secuencias animadas de créditos y títulos. Las secuencias iniciales de Saul Bass para las películas de Alfred Hitchcock (incluidas Vertigo , North by Northwest y Psycho ) son muy elogiadas e inspiraron a varios imitadores.
Los principales estudios de Hollywood contribuyeron en gran medida al esfuerzo bélico, y sus estudios de dibujos animados también colaboraron con diversas contribuciones. En los estudios Fleischer, Popeye el Marinero se unió a la Marina y comenzó a luchar contra los nazis y los "japoneses"; mientras que el estudio Warner Bros. produjo una serie de dibujos animados cinematográficos instructivos de Private Snafu , especialmente para que los vieran los soldados alistados. Incluso Disney participó en el esfuerzo bélico, produciendo comedias satíricas como Der Fuhrer's Face y comentarios como Education for Death .
La década de 1960 vio algunas chispas creativas en el medio cinematográfico, en particular de DePatie-Freleng Enterprises . Su primer y más exitoso proyecto fue la animación de los títulos de apertura de la película de 1964, La Pantera Rosa , protagonizada por Peter Sellers . La película y sus secuencias animadas tuvieron tanto éxito que United Artists encargó al estudio la producción de una serie de dibujos animados de La Pantera Rosa. El primer corto, The Pink Phink , ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación de 1964 . El estudio también produjo otras series de dibujos animados de éxito como El inspector y La hormiga y el cerdo hormiguero .
Mientras tanto, Chuck Jones, que había sido despedido de Warner Bros., se mudó a MGM para producir treinta y cuatro dibujos animados teatrales de Tom y Jerry a finales de 1963. Estos dibujos animados estaban animados en su estilo distintivo, pero nunca alcanzaron la popularidad de Hanna. -Originales de Barbera del apogeo de los años 40 y 50. Sin embargo, tuvieron más éxito que los cortos de Tom y Jerry de Gene Deitch , que se produjeron en el extranjero durante 1961 y 1962.
De 1964 a 1967, DePatie-Freleng produjo cortos de Looney Tunes y Merrie Melodies bajo contrato con Warner Bros. Estos dibujos animados se pueden reconocer fácilmente porque utilizan los modernos logotipos abstractos de WB en lugar de los famosos círculos concéntricos del escudo de WB en forma de diana. El estudio también subcontrató 11 dibujos animados de Wile E. Coyote y Road Runner a Format Films. DePatie-Freleng cesó la producción de Looney Tunes y se mudó al Valle de San Fernando en 1967 para continuar la producción de sus dibujos animados de La Pantera Rosa y produjo la caricatura teatral original final en 1977. Los cortos posteriores de La Pantera Rosa (1978-1981) se produjeron originalmente para televisión y luego se estrenaron. a los cines. En 1967, WB reanudaría la producción de sus propios dibujos animados, antes de cerrar por completo el departamento de dibujos animados teatrales en 1969. En 1981, Marvel Comics compró el estudio y pasó a llamarse Marvel Productions .
En 1946, el sindicato de animación de la época negoció un aumento salarial del 25%, encareciendo la producción de dibujos animados en general. Después del veredicto de 1948 tras el caso Antimonopolio de Hollywood , ya no existía garantía de reserva en las salas para los dibujos animados de ninguno de los estudios, lo que lo convertía en un negocio más riesgoso y debido a esto se invertían menos recursos en los cortos teatrales, provocando un paulatino rechazar. A principios de la década de 1950, el medio de la televisión comenzaba a ganar más impulso y, como resultado, la industria de la animación comenzó a cambiar. Al frente de este cambio estaban el tándem formado por William Hanna y Joseph Barbera , los creadores de Tom y Jerry. El nuevo Hanna-Barbera utilizó el estilo de animación limitado en el que UPA había sido pionero. Con esta animación limitada, Hanna y Barbera crearon varios personajes, incluidos Huckleberry Hound , Los Picapiedra , Yogi Bear y Top Cat . Con la creciente popularidad de la televisión, que incluía los dibujos animados de los sábados por la mañana , en la década de 1960 comenzó una disminución mucho más significativa en la asistencia al cine. Para afrontar la competencia de la televisión, los cines hicieron todo lo posible para reducir sus propios costes. Una forma de hacerlo era reservar únicamente funciones y evitar los gastos de cortos, que se consideraban innecesarios y demasiado caros. Los pocos cortometrajes que, a pesar de ello, llegaron a los cines a menudo son vistos por los críticos como inferiores a sus predecesores.
Esta es una cronología de la producción activa de los estudios de animación estadounidenses de la Edad de Oro de cortos de dibujos animados lanzados regularmente para exhibición teatral. Algunos estudios continúan lanzando cortometrajes animados en los cines con poca frecuencia. Los colores corresponden a la distribuidora teatral asociada al estudio de animación americano.
Siete largometrajes animados de Disney ( Blancanieves , Pinocho , Fantasía , Dumbo , Bambi , Cenicienta y La Bella Durmiente ) y varios cortos animados ( Steamboat Willie , la versión de Betty Boop de Blancanieves , Los tres cerditos , Popeye conoce a Simbad el marinero , Porky en Wackyland , Gerald McBoing Boing , The Tell-Tale Heart , Duck Amuck y What's Opera Doc? ) fueron incluidos en el Registro Nacional de Cine . [95] Los cortos antes mencionados también formaron parte del estudio del libro de 1994 del historiador de la animación Jerry Beck sobre Los 50 mejores dibujos animados . [96]
La edad de oro de la animación americana es muy influyente ya que más tarde allanaría el camino a ciertos programas de dibujos animados como: Tiny Toon Adventures , Animaniacs , Bonkers , Taz-Mania y Duck Dodgers (influenciados por los cortometrajes de Looney Tunes ), la animación series de Batman y Superman (influenciadas por los dibujos animados teatrales de Superman ), Los Simpson (influenciados por Los Picapiedra ), y Mickey Mouse Works y House of Mouse (influenciados por los dibujos animados de Walt Disney). [97] [98] [99] [100] [101] [102] Asimismo, la estética de la serie animada de superhéroes antes mencionada se combinó para recrear el diseño futurista de Batman Beyond y Loonatics Unleashed . [103] [104]
La mayoría de las películas del Renacimiento de Disney y el largometraje de 2009 La princesa y el sapo se hicieron con técnicas de animación similares a las de la época dorada. [105] Además, el largometraje Fantasia 2000 de 1999 es una secuela directa del largometraje original Fantasia de 1940 . Generalmente también vinculado al Renacimiento de Disney, ya que conmemora el 59 aniversario (1999) y el 60 aniversario (2000) de la tercera película animada de Walt Disney. [106] Además, largometrajes CGI como: Cars , Enredados , Frozen , Zootopia , The Bad Guys y Puss in Boots: The Last Wish , también se inspiraron en animaciones clásicas. [107] [108] [109] [110] [111] [112] Por otro lado, Robin Hood fue producido con animaciones y diseños reciclados de las películas originales de Walt Disney, mientras que el cortometraje Mickey's Christmas Carol fue reconocido por el regreso de los personajes clásicos de Disney a la animación teatral. [113] [114] De hecho, la edad de oro también ha influido en otros cortometrajes de animación teatral, como Paperman , Get a Horse! y La locomotora valiente . [115] [116] Asimismo, los primeros cortos animados de Winnie the Pooh se compilaron con otros nuevos en el largometraje The Many Adventures of Winnie the Pooh , obteniendo su propia franquicia popular. [117]
Otros largometrajes de animación como: Los Rescatadores , La tostadora valiente , Oliver & Company , La tierra antes del tiempo , Todos los perros van al cielo , El príncipe cascanueces , La princesa cisne , Balto , Los gatos no bailan , Anastasia , El rey y Yo y El Gigante de Hierro , también fuimos influenciados por la estética en las animaciones de la época dorada. [118] [119] [120] [121] [122] [123] [124] [125] [126] Esta tendencia de realizar animaciones con diseños clásicos fue muy relevante durante la era renacentista de la animación estadounidense , período en el que El mercado de la nostalgia fue particularmente fuerte entre la gente de la generación del boom , comenzando con The Great Mouse Detective y An American Tail . [127] [128]
La época dorada de la animación estadounidense, especialmente los dibujos animados de Walt Disney , fue muy influyente en todo el mundo, en particular:
La película de 1988 ¿ Quién engañó a Roger Rabbit? ha honrado tanto la época dorada de la animación estadounidense como el cine clásico de Hollywood . [144] La película contó con cameos de varios personajes famosos de dibujos animados de múltiples estudios de animación, como Disney, Warner Bros., Fleischer Studios, Universal, entre otros. La película también contiene la única vez en la historia cinematográfica que Mickey Mouse y el Pato Donald de Disney se cruzan con Bugs Bunny y el Pato Lucas de Warner Bros. Studios , respectivamente, en pantalla.
Los dibujos animados de Tex Avery sirvieron de inspiración para desarrollar los videojuegos Crash Bandicoot y Spyro the Dragon . [145] [146] Además, el período de Disney durante la era del cine mudo y la edad de oro influyó en el desarrollo del videojuego de 2010 Epic Mickey . [147] Además, el videojuego Cuphead de 2017 y la película interactiva Cat Burglar de 2022 presentan un estilo de animación clásico inspirado en las obras de Disney, Tex Avery y Fleischer de este período. [148]
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portal de los años 60Esta película fue enormemente popular entre la crítica y pareció marcar el comienzo de una nueva "edad de oro" de la animación en Disney.