Joseph Frank "Buster" Keaton (4 de octubre de 1895 - 1 de febrero de 1966) [1] fue un actor, comediante y director de cine estadounidense. [2] Es mejor conocido por sus películas mudas durante la década de 1920, en las que realizó comedia física y acrobacias inventivas . Con frecuencia mantenía una expresión facial estoica e inexpresiva que se convirtió en su marca registrada y le valió el apodo de "La Gran Cara de Piedra". [3] [4]
Keaton era una estrella infantil de vodevil y actuaba como parte del acto itinerante de su familia. De adulto, comenzó a trabajar con el productor independiente Joseph M. Schenck y el cineasta Edward F. Cline , con quienes realizó una serie de exitosas comedias de dos carretes a principios de la década de 1920, entre ellas One Week (1920), The Playhouse (1921). , Policías (1922) y La casa eléctrica (1922). Luego pasó a los largometrajes; varios de ellos, como Sherlock Jr. (1924), The General (1926), Steamboat Bill, Jr. (1928) y The Cameraman (1928), siguen siendo muy apreciados. [5] El General es quizás su obra más aclamada; Orson Welles la consideró "la mejor comedia jamás realizada... y quizás la mejor película jamás realizada". [6] [7] [8] [9]
La carrera de Keaton decayó después de 1928, cuando firmó con Metro-Goldwyn-Mayer y perdió su independencia artística. Su primera esposa se divorció de él y cayó en el alcoholismo. Fue despedido de MGM en 1933, poniendo fin a su carrera como protagonista de largometrajes. Se recuperó en la década de 1940, se casó con Eleanor Norris y trabajó como actor cómico de honor hasta el final de su vida. Durante este período, hizo cameos en Sunset Boulevard (1950) de Billy Wilder , Limelight (1952) de Charlie Chaplin , Film (1965) de Samuel Beckett y una variedad de programas de televisión. Obtuvo un Premio Honorífico de la Academia en 1959.
El crítico Roger Ebert escribió sobre el "período extraordinario de 1920 a 1929" de Keaton, cuando "trabajó sin interrupción", como si lo hubiera convertido en "el mejor actor y director de la historia del cine". [4] En 1996, Entertainment Weekly reconoció a Keaton como el séptimo mejor director de cine, afirmando que "sus películas ofrecen risas de invención física alucinante y una determinación espacial que se acerca a la grandeza filosófica". [10] En 1999, el American Film Institute lo clasificó como la 21ª estrella masculina más grande del cine clásico de Hollywood. [11]
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Keaton nació en una familia de vodevil en Piqua, Kansas , [12] el pequeño pueblo que su madre, Myra Keaton (de soltera Cutler), estaba visitando en ese momento. Fue nombrado Joseph para continuar una tradición por parte de su padre (era el sexto en una línea que llevaba el nombre de Joseph Keaton) [1] y Frank por su abuelo materno, quien desaprobaba la unión de sus padres. Su padre era Joseph Hallie "Joe" Keaton, que tenía un espectáculo itinerante llamado Mohawk Indian Medicine Company, que actuaba en el escenario y vendía medicamentos patentados . [13] [14] [15] Según una historia frecuentemente repetida, que puede ser apócrifa, [16] Keaton adquirió el apodo de Buster a la edad de 18 meses. Después de que el niño cayera por un largo tramo de escaleras ileso, un amigo actor llamado George Pardey comentó: "¡Caramba, es un destructor normal!" [17] : 17 Después de esto, el padre de Keaton comenzó a usar el apodo para referirse al joven. Keaton volvió a contar la anécdota a lo largo de los años, incluso en una entrevista de 1964 con el Telescope de la CBC . [18] En el recuento de Keaton, tenía seis meses cuando ocurrió el incidente, y Harry Houdini le puso el apodo (aunque la familia no conoció a Houdini hasta más tarde). [17] : 18
A la edad de tres años, Keaton comenzó a actuar con sus padres en The Three Keatons. Apareció por primera vez en el escenario en 1899 en Wilmington, Delaware . El acto fue principalmente un sketch cómico. Myra tocaba el saxofón a un lado, mientras Joe y Keaton actuaban en el centro del escenario, ambos con sandalias, pelucas calvas y barbas "irlandesas". El joven Keaton incitó a su padre desobedeciéndole, y el mayor Keaton respondió arrojándolo contra el escenario, al foso de la orquesta o incluso al público. Se cosió un asa de maleta en la ropa de Keaton para ayudar con los constantes movimientos. El acto evolucionó a medida que Keaton aprendió a aguantar caídas con seguridad; rara vez resultó herido o magullado en el escenario. Este estilo de comedia espectacular dio lugar a acusaciones de abuso infantil y, en ocasiones, a arrestos. Sin embargo, Keaton siempre pudo demostrar a las autoridades que no tenía moretones ni huesos rotos. Finalmente fue anunciado como "El niño pequeño que no puede ser dañado", y el acto en general como "El acto más duro que jamás haya existido en la historia del escenario". [19] Décadas más tarde, Keaton dijo que su padre nunca lo lastimó y que las caídas y la comedia física eran una cuestión de ejecución técnica adecuada. En 1914, le dijo al Detroit News : "El secreto está en aterrizar flojo y frenar la caída con un pie o una mano. Es una habilidad. Empecé tan joven que aterrizar bien es una segunda naturaleza para mí. Varias veces habría "Me hubieran matado si no hubiera podido aterrizar como un gato. Los imitadores de nuestro acto no duran mucho, porque no soportan el trato". [19]
Keaton dijo que se divirtió tanto que a veces se echaba a reír cuando su padre lo arrojaba al otro lado del escenario. Al darse cuenta de que esto hacía que el público se riera menos, adoptó su famosa expresión inexpresiva mientras actuaba. [20] La ley chocó contra las leyes que prohibían a los niños artistas en el vodevil. Según un biógrafo, a Keaton lo obligaron a ir a la escuela mientras actuaba en Nueva York, pero solo asistió parte de un día. [21] A pesar de los enredos con la ley, Keaton era una estrella en ascenso y relativamente bien pagada en el teatro. Dijo que aprendió a leer y escribir tarde y que su madre le enseñó. Cuando tenía 21 años, el alcoholismo de su padre amenazó la reputación del grupo familiar, [19] por lo que Keaton y su madre, Myra, se fueron a Nueva York, donde la carrera de Keaton rápidamente pasó del vodevil al cine. [22]
Keaton sirvió en las Fuerzas Expedicionarias Estadounidenses en Francia con la 40.ª División de Infantería del Ejército de los Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial . Su unidad permaneció intacta y no fue dividida para proporcionar reemplazos, como sucedió con otras divisiones que llegaron tarde. Mientras estuvo en uniforme, desarrolló una infección de oído que afectó permanentemente su audición. [23] [24]
Keaton pasó los veranos de 1908 a 1916 "en la 'Colonia de Actores' en el barrio Bluffton de Muskegon , junto con otros famosos vodeviles". [25]
En febrero de 1917, conoció a Roscoe "Fatty" Arbuckle en los Estudios Talmadge en la ciudad de Nueva York, donde Arbuckle tenía contrato con Joseph M. Schenck . Joe Keaton desaprobaba las películas y Keaton también tenía reservas sobre el medio. Durante su primer encuentro con Arbuckle, le pidieron que se uniera y comenzara a actuar. Keaton fue tan natural en su primera película, The Butcher Boy , que lo contrataron en el acto. Al final del día, pidió prestada una de las cámaras para tener una idea de cómo funcionaba. Se llevó la cámara a su habitación de hotel, donde la desmanteló y la volvió a montar por la mañana. [26] Keaton dijo más tarde [ ¿dónde? ] que pronto se convirtió en el segundo director de Arbuckle y en todo su departamento de bromas. Apareció en un total de 14 cortos de Arbuckle , hasta 1920. Eran populares y, contrariamente a la reputación posterior de Keaton como "La Gran Cara de Piedra", a menudo sonreía e incluso reía en ellos. Keaton y Arbuckle se hicieron amigos cercanos, y Keaton fue una de las pocas personas, junto con Charlie Chaplin , en defender el personaje de Arbuckle durante las acusaciones de que era responsable de la muerte de la actriz Virginia Rappe . (Arbuckle finalmente fue absuelto, con una disculpa del jurado por la terrible experiencia que sufrió. [27] )
En 1920 se estrenó The Saphead , en la que Keaton tuvo su primer papel protagónico en un largometraje. Se basó en una obra de éxito, The New Henrietta , que ya se había filmado una vez, bajo el título The Lamb , con Douglas Fairbanks como protagonista. Después del exitoso trabajo de Keaton con Arbuckle, Schenck le dio su propia unidad de producción, Buster Keaton Productions. Hizo una serie de 19 comedias de dos carretes , entre ellas One Week (1920), The Playhouse (1921), Cops (1922) y The Electric House (1922). Keaton luego pasó a los largometrajes.
Los escritores de Keaton incluyeron a Clyde Bruckman , Joseph Mitchell y Jean Havez , pero los chistes más ingeniosos generalmente fueron concebidos por el propio Keaton. El director de comedia Leo McCarey , recordando los días libres en los que se hacían comedias de payasadas , dijo: "Todos intentamos robarnos los gagmen unos a otros. Pero no tuvimos suerte con Keaton porque él mismo inventó sus mejores chistes y no pudimos robárselo . " [28] Las ideas más aventureras requerían acrobacias peligrosas, realizadas por Keaton con gran riesgo físico. Durante la escena del tanque de agua del ferrocarril en Sherlock Jr. (gags escritos por Clyde Bruckman) , Keaton se rompió el cuello cuando un torrente de agua cayó sobre él desde una torre de agua, pero no se dio cuenta hasta años después. Una escena de Steamboat Bill, Jr. requirió que Keaton se quedara quieto en un lugar particular. Luego, la fachada de un edificio de dos pisos se derrumbó sobre Keaton. El personaje de Keaton salió ileso gracias a una única ventana abierta. El truco requirió precisión, porque la casa de utilería pesaba dos toneladas y la ventana solo ofrecía unos pocos centímetros de espacio libre alrededor del cuerpo de Keaton. La secuencia proporcionó una de las imágenes más memorables de su carrera. [29]
Aparte de Steamboat Bill, Jr. (1928), los largometrajes más duraderos de Keaton incluyen Three Ages (1923), Our Hospitality (1923), The Navigator (1924), Sherlock Jr. (1924), Seven Chances (1925), El camarógrafo (1928) y El general (1926). El general , ambientada durante la Guerra Civil estadounidense , combinó la comedia física con el amor de Keaton por los trenes, [30] incluida una persecución épica de locomotoras. Empleando lugares pintorescos, la trama de la película recreó un incidente real de tiempos de guerra . Aunque llegaría a considerarse el mayor logro de Keaton, la película recibió críticas mixtas en ese momento. Fue demasiado dramático para algunos cinéfilos que esperaban una comedia ligera, y los críticos cuestionaron el juicio de Keaton al hacer una película de comedia sobre la Guerra Civil, incluso si notaron que tenía "algunas risas". [31]
Fue un fallo costoso (la escena culminante de una locomotora cayendo a través de un puente en llamas fue la toma individual más cara en la historia del cine mudo), [32] [33] y a Keaton nunca más se le confió el control total sobre sus películas. Su distribuidor, United Artists , insistió en tener un director de producción que controlara los gastos e interfiriera con ciertos elementos de la historia. Keaton soportó este tratamiento durante dos largometrajes más y luego cambió su entorno independiente por un empleo en el estudio más grande de Hollywood, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La pérdida de independencia de Keaton como cineasta coincidió con la llegada del cine sonoro (aunque estaba interesado en hacer la transición) y los crecientes problemas personales, y como resultado su carrera en los inicios de la era del sonido se vio perjudicada. [34]
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Las últimas tres películas de Keaton se produjeron y estrenaron de forma independiente, bajo el control de Keaton, y no cumplieron con las expectativas financieras en taquilla. En 1928, el ejecutivo cinematográfico Nicholas Schenck llegó a un acuerdo con Metro-Goldwyn-Mayer para los servicios de Keaton. Keaton tuvo poco que decir sobre los detalles del contrato con MGM; ya no tendría ninguna responsabilidad financiera por sus películas, e incluso su salario había sido negociado previamente, sin su propia aportación. Charlie Chaplin y Harold Lloyd le desaconsejaron dar ese paso, advirtiéndole que perdería su independencia. [35] Pero, dado el deseo de Schenck de mantener las cosas "en la familia" y el hecho de que Keaton tuviera que admitir que sus películas independientes no habían funcionado bien, Keaton acordó firmar con MGM. Más tarde citaría esta como la peor decisión comercial de su vida en su autobiografía. [36]
Recibido en el estudio por Irving Thalberg , con quien inicialmente tuvo una relación de admiración mutua, [37] Keaton se dio cuenta demasiado tarde de que el sistema de estudio que representaba MGM limitaría severamente su aportación creativa. El gigantesco estudio funcionaba según estrictas normas de fábrica, con todo planificado y presupuestado de antemano. La primera de las películas de Keaton de MGM fue The Cameraman (1928), y Keaton sintió problemas inmediatamente cuando vio el guión. "Fue tan largo como Guerra y Paz ", recuerda Keaton. "Eliminé 40 personajes inútiles y un par de tramas secundarias. Estos tipos no se dieron cuenta ( todavía no se dan cuenta) de que las mejores comedias son simples. Yo dije: 'Me gustaría hacer algo con un borracho y un Una señora gorda y un niño. Tráemelos. En mi estudio tenían los personajes que quería en 10 minutos, pero no en MGM. Tenías que pedir un palillo por triplicado. Me quedé allí y todo el mundo estaba molestando. [38] MGM sólo quería a Keaton como estrella, Keaton como creador fue considerado una pérdida de tiempo y dinero porque "en el tiempo que le llevó desarrollar un proyecto, podría haber aparecido en dos o tres películas creadas por el personal de producción del estudio. ". [37]
Cuando el estudio empezó a hacer películas sonoras, Keaton estaba entusiasmado con la nueva tecnología y quería hacer su próxima película, Spite Marriage , con sonido. [39] MGM se negó, porque la película era más valiosa en forma muda; podría proyectarse en todo el mundo en salas que no se hubieran convertido al sonido. Además, los estudios de sonido eran entonces un bien escaso y MGM generalmente los reservaba para producciones dramáticas. MGM también obligó a Keaton a utilizar un doble durante algunas de las escenas más peligrosas para proteger su inversión, algo que nunca había hecho en su apogeo: "Los especialistas no te hacen reír", había dicho Keaton. [40]
En las primeras películas de Keaton con sonido, él y sus compañeros actores filmarían cada escena tres veces: una vez en inglés, otra en español y otra en francés o alemán . Los actores memorizarían fonéticamente los guiones en idiomas extranjeros unas pocas líneas cada vez y rodarían inmediatamente después. Esto se analiza en el documental TCM Buster Keaton: So Funny it Hurt , en el que Keaton se queja de tener que rodar películas pésimas no sólo una, sino tres veces.
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Keaton siguió intentando persuadir a sus jefes para que le permitieran hacer las cosas a su manera. El jefe de producción, Irving Thalberg, no permitió que Keaton creara un guión desde cero porque el estudio ya había comprado una propiedad teatral que databa de 1917, Parlour, Bedroom and Bath , por sugerencia de Lawrence Weingarten , que era cuñado de Thalberg y de Keaton. productor. ("Estábamos desesperados. No sabíamos qué hacer", recordó Weingarten. [41] ) Sin embargo, Thalberg permitió que Keaton montara los gags, incluidos largos tramos de pantomima, y acordó enviar un equipo a la propia mansión de Keaton. para tomas exteriores. La relativa libertad de Keaton durante este proyecto resultó en una película mejor de lo habitual. "Aparte de su calidad excepcional", escribe el biógrafo James Curtis, "la gran conclusión de Parlour, Bedroom and Bath fue su extraordinario éxito comercial. Con un mejor desempeño en taquilla que cualquiera de las otras películas sonoras de MGM de Keaton, obtuvo alquileres en todo el mundo por 985.000 dólares. [$20,694,850 en 2024] Con un rendimiento [beneficio neto] de $299,000 [$6,281,990 en 2024], se convirtió en la más rentable de todas las funciones de Buster Keaton, silenciosas o sonoras." [42] Curtis señala que también fue la única de sus funciones de MGM que estuvo por debajo del presupuesto y antes de lo previsto.
El siguiente proyecto confirmó los temores de Keaton sobre la interferencia del estudio. Le entregaron un guión titulado Sidewalks of New York (1932), en el que interpretaba a un millonario que se involucraba con una chica de un barrio pobre y una pandilla de niños alborotadores. Keaton pensó que la premisa era totalmente inadecuada y se sentía incómodo con sus directores Jules White y Zion Myers, quienes enfatizaban las payasadas contundentes. "Pasé por encima de la cabeza (de Weingarten) y pedí a Irving Thalberg que me ayudara a sacarme de la tarea. Irving normalmente estaba de mi lado, pero esta vez dijo: 'A Larry le gusta. A todos los demás en el estudio les gusta la historia. Eres el único que no lo hace. Al final, me rendí como un tonto y dije '¿qué diablos?' ¿Quién era yo para decir que yo tenía razón y que todos estaban equivocados?". [43] El énfasis de la película en una payasada obvia la hizo inadecuada para el habitual y prestigioso estreno de Broadway (se estrenó simultáneamente en dos teatros callejeros de Nueva York), pero el público menos exigente de las pequeñas ciudades de Estados Unidos acudió en masa a la película, lo que resultó en en un éxito final.
MGM había presentado al músico cómico Cliff Edwards en las películas de Keaton. El estudio reemplazó a Edwards, que tenía problemas de abuso de sustancias, por el comediante del club nocturno Jimmy Durante . El lacónico Keaton y el revoltoso Durante ofrecieron suficiente contraste para funcionar como equipo, lo que dio como resultado tres películas de gran éxito: Speak Easy (1932), The Passionate Plumber (1932) y What! ¿No cerveza? (1933).
Detrás de escena había problemas. En marzo de 1932, la oficina del jefe del estudio, Louis B. Mayer , solicitó a Keaton que se presentara a trabajar un sábado por la tarde para realizar los trámites de filmación de una escena para los visitantes del estudio. Keaton ya tenía planes de asistir a un campeonato local de béisbol universitario, donde sería la mascota del equipo local. Envió sus disculpas a la oficina de Mayer y acudió al partido de béisbol, sólo para recibir una advertencia de Mayer el martes siguiente, suspendiendo su paga hasta que volviera a trabajar.
El comportamiento de Keaton se había vuelto errático en 1932, abatido por las condiciones de trabajo en el estudio y por el antagonismo de su esposa hacia él en casa. Esto afectó a sus películas; A veces estaba visiblemente ebrio dentro y fuera de cámara. "Llegué a un punto en el que me importaba un comino si la escuela seguía o no, y luego comencé a beber demasiado", le dijo Keaton al entrevistador Tony Thomas. "Cuando descubrí que ellos podían escribir historias y material mejor que yo, ¿de qué sirvió pelear con ellos?" El desmoralizado Keaton no pudo recurrir al jefe de producción, Irving Thalberg, en busca de apoyo, porque Thalberg se encontraba en ese momento de baja médica que duró ocho meses. Esto dejó a Louis B. Mayer temporalmente a cargo exclusivo del estudio, lo que hizo que la posición de Keaton en MGM fuera aún más frágil. Las ausencias de Keaton le costaban a la empresa 3.000 dólares al día (63.030 dólares en 2024).
La gota que colmó el vaso llegó cuando Mayer "asaltó" el camerino de Keaton durante una fiesta salvaje con los "compinches y sus novias" de Keaton. Sam Marx, miembro del personal de MGM, recordó el resultado: "Buster le ordenó que saliera del tráiler y Mayer le ordenó que saliera del estudio". [44] Mayer no pudo expulsarlo inmediatamente porque la última película de Keaton aún no estaba terminada. Inmediatamente después de que Keaton completara las repeticiones de What! ¿No cerveza? , fue despedido "por causa buena y suficiente" en una carta firmada por Mayer el 2 de febrero de 1933.
Se había considerado a Keaton para aparecer en el éxito estelar del estudio Grand Hotel , solo para que Lionel Barrymore asumiera su papel del tísico Kringelein . ¡Como que! ¿No cerveza? Estaba a punto de terminar, Keaton ("sobrio, afeitado y tranquilo", como Keaton le dijo a su biógrafo Rudi Blesh ) le propuso una idea a Irving Thalberg. Quería hacer una parodia de largometraje de Grand Hotel con un reparto puramente cómico: él mismo en el papel de Lionel Barrymore, Jimmy Durante en el papel de John Barrymore , Marie Dressler en el papel de Greta Garbo , Polly Moran en el papel de Joan Crawford , Henry Armetta en el papel de Jean Hersholt , Edward Everett Horton en el papel de Lewis Stone y Laurel y Hardy compartiendo el papel de Wallace Beery . Edward Sedgwick estaría dirigiendo. [45] Keaton llamó a su versión Grand Mills Hotel (en honor al Mills Hotel, un albergue de mala muerte de Bowery ). Thalberg dudaba en burlescar el trabajo del propio estudio pero, al ver la evidente decepción de Keaton, dijo que lo pensaría.
Después de que Louis B. Mayer despidiera a Keaton, Thalberg regresó al estudio y convenció a Mayer de que Keaton todavía era valioso para la empresa. Thalberg intentó resucitar la carrera de Keaton en MGM ofreciéndole seguir adelante con la sátira Grand Hotel , ahora retitulada Gland Hotel . Keaton, todavía furioso con Mayer, se negó a regresar al estudio y Mayer no estaba dispuesto a disculparse. Así terminó la carrera protagónica de Buster Keaton en largometrajes.
En 1934, Keaton aceptó una oferta para realizar una película independiente en París, Le Roi des Champs-Élysées ; no fue lanzado en los Estados Unidos. Durante este período, hizo otra película en Inglaterra, The Invader . Ningún estudio de Hollywood quiso estrenar la película, y finalmente fue estrenada en 1936 (como Una vieja costumbre española ) [46] por una pequeña empresa de importación de películas con sede en Nueva York.
Tras el regreso de Keaton a Hollywood en 1934, regresó a la pantalla en comedias de dos carretes para Educational Pictures . La mayoría de estos cortos de 20 minutos son comedias visuales simples, con muchos de los chistes proporcionados por el propio Keaton, a menudo reciclando ideas de su acto de vodevil familiar y sus películas anteriores. [47] Keaton tenía vía libre para montar las películas, dentro de los límites presupuestarios del estudio y utilizando su personal de redacción. Los dos carretes educativos tienen mucha más pantomima que sus películas sonoras anteriores, y Keaton está en buena forma en todo momento. El punto culminante de la serie educativa es Grand Slam Opera (1936), que presenta a Keaton en su propio guión como un concursante amateur.
La serie educativa fue muy bien recibida por los propietarios de salas de cine y el público cinematográfico, y Keaton era el comediante más importante del estudio. También era su comediante más caro (ganaba 2.500 dólares por película), y cuando Educational se vio obligado a economizar en 1937, la empresa ya no podía permitirse mantener dos estudios. Educational cerró su estudio de Hollywood, perdiendo así los servicios de Keaton, y mantuvo en funcionamiento su estudio más barato de Nueva York. La compañía reemplazó a Keaton con la estrella teatral residente en Nueva York Willie Howard . [48]
Después de que caducara la serie educativa de Keaton, regresó a MGM como escritor de bromas, suministrando material para las tres últimas películas de MGM de los hermanos Marx : At the Circus (1939), Go West (1940) y The Big Store (1941); estos no tuvieron tanto éxito artístico como las funciones anteriores de MGM de los Marx. Keaton también dirigió tres cortos novedosos de un carrete para el estudio, pero estos no resultaron en más asignaciones como director.
En 1939, Columbia Pictures contrató a Keaton para protagonizar comedias de dos carretes; filmó dos a la vez durante dos años. Estas 10 películas componen su última serie como comediante protagonista. A los comediantes de cortometrajes de Columbia generalmente se les pagaba una tarifa fija de 500 dólares por película. Keaton, considerado excepcional, fue contratado por el doble de lo habitual. [49] El director solía ser Jules White , cuyo énfasis en las payasadas y la farsa hacía que la mayoría de estas películas se parecieran a los famosos cortos de White Los tres chiflados . White a veces emparejaba a Keaton con un segundo plátano : el veterano cómico Monty Collins o la estridente bailarina cómica Elsie Ames . El insistente White dirigió a Keaton siempre que fue posible (para leve molestia de Keaton) y sólo dos cortometrajes de Keaton prescindieron de los servicios de White porque fueron filmados en locaciones, lejos del estudio. [50] Los dos cortos restantes fueron dirigidos por Del Lord , ex director de Mack Sennett . El favorito personal de Keaton fue el debut de la serie, Pest from the West , dirigida por Lord; Era una nueva versión más corta y ajustada del largometraje poco visto de Keaton de 1934, The Invader . A los críticos comerciales les encantó. Film Daily elogió: "Uno de los cortos más divertidos de la temporada. De hecho, de cualquier temporada. Simplemente demuestra que este tipo Buster Keaton es una mina de oro de taquilla natural que no se explota. Cuando una comedia se muestra fría en un La sala de proyección puede hacer aullar a los críticos de la prensa especializada en sus asientos, entonces puedes apostar tu teatro hipotecado a que es DIVERTIDO [el énfasis es de ellos]". [51]
Los cinéfilos y expositores dieron la bienvenida a las comedias de Keaton en Columbia; [52] y cuando Columbia comenzó a reeditar comedias antiguas en los cines en 1948, Pest from the West, de Keaton, fue elegida para lanzar la serie "Comedy Favourites" ("Una película de Buster Keaton de 1939 y una de las más divertidas", señaló Boxoffice . "Es Es bueno ver a Buster de regreso"). [53] Los cortos de Keaton en Columbia regresaron a los cines de 1948 a 1952, y nuevamente de 1962 a 1964. El autor John McElwee informa las cifras de taquilla: " Pest from the West , la primera entrada de la serie en 1939 , recuperó alquileres nacionales por 23.000 dólares, y los posteriores tendieron a rondar esa cifra aproximada ( Nothing But Pleasure ganó 24.000 dólares, General Nuisance obtuvo 26.000 dólares también obtuvo ganancias de las reediciones de Keatons después de la guerra ) . la temporada 1949-50, y recogió $24,200, esto además de los $28,500 que había obtenido en su ejecución inicial." [54]
La vida personal de Keaton se había estabilizado con su matrimonio en 1940 con la bailarina de MGM Eleanor Norris , y ahora se estaba tomando la vida un poco más fácil, abandonando Columbia por el campo menos extenuante de los largometrajes. Retomando su trabajo diario como escritor de chistes de MGM, proporcionó material para Red Skelton [55] y brindó ayuda y consejos a Lucille Ball . [56]
Keaton aceptó varios papeles de personajes tanto en las funciones "A" como en "B". Realizó su último largometraje estelar, El Moderno Barba Azul (1946), en México; La película fue una producción de bajo presupuesto y es posible que no se haya visto en los Estados Unidos hasta su lanzamiento en VHS en la década de 1980, bajo el título Boom in the Moon . La película tiene una reputación en gran medida negativa, y el renombrado historiador de cine Kevin Brownlow la calificó como la peor película jamás realizada. [57]
Los críticos redescubrieron a Keaton en 1949 y los productores ocasionalmente lo contrataron para películas de mayor "prestigio". Tuvo cameos en películas como In the Good Old Summertime (1949), Sunset Boulevard (1950) y La vuelta al mundo en 80 días (1956). En In the Good Old Summertime , Keaton dirigió personalmente a las estrellas Judy Garland y Van Johnson en su primera escena juntos, donde se encuentran en la calle. Keaton inventó fragmentos de comedia en los que Johnson sigue intentando disculparse con Garland, pero termina arruinando su peinado y rasgando su vestido.
Keaton también apareció en una rutina de comedia sobre dos músicos de teatro ineptos en Limelight de Charlie Chaplin (estrenada en 1952), que recuerda el vodevil de The Playhouse . Con la excepción de Seeing Stars , una película publicitaria menor producida en 1922, Limelight fue la única vez en la que los dos aparecerían juntos en una película.
En 1949, el comediante Ed Wynn invitó a Keaton a aparecer en su programa de variedades y comedia de CBS Television , The Ed Wynn Show , que fue televisado en vivo en la costa oeste. Se fabricaron cinescopios para la distribución de los programas a otras partes del país, ya que no hubo cable coaxial transcontinental hasta septiembre de 1951. La reacción fue lo suficientemente fuerte como para que una estación local de Los Ángeles le ofreciera a Keaton su propio programa, también transmitido en vivo ( The Buster Keaton Espectáculo , 1950).
El productor Carl Hittleman montó una nueva serie, nuevamente titulada The Buster Keaton Show , en 1951. Este fue un intento de recrear la primera serie en película, permitiendo que el programa fuera transmitido a nivel nacional. La serie se benefició de una compañía de actores veteranos, incluida Marcia Mae Jones como la ingenua, Iris Adrian , Dick Wessel , Fuzzy Knight , Dub Taylor , Philip Van Zandt y sus contemporáneos de la era muda Harold Goodwin , Hank Mann y el especialista Harvey Parry. . La esposa de Keaton, Eleanor, también apareció en la serie (en particular, como Julieta del Romeo de Keaton en una viñeta de teatro pequeño). A pesar del duro trabajo del reparto y el equipo, la serie no tuvo éxito y sólo se filmaron 13 episodios de media hora. El productor Hittleman reeditó audazmente estos mismos episodios en 1952 como si fueran completamente nuevos, con la serie ahora titulada Life with Buster Keaton . El reportero de Variety Fred Hift lo revisó como el estreno de una serie y señaló que fue filmado sin audiencia de estudio: la "falta de risas en el estudio debilitó el clímax de varios de sus actos". [58] Los productores crearon un largometraje teatral de una hora a partir de la serie, destinado al mercado europeo: Las desventuras de Buster Keaton fue estrenado el 29 de abril de 1953 por British Lion, [59] y comenzó a proyectarse en la televisión estadounidense en septiembre. 1953. "Una pieza de museo de payasadas aproximadamente reproducida, lo más probable es que divierta a aquellos que son demasiado jóvenes para recordar la realidad", informó Josh Billings en el Kinematograph Weekly de Londres . [60] Los sindicatos de televisión estadounidenses estuvieron de acuerdo y comercializaron Life with Buster Keaton como un programa para niños. Continuó reproduciéndose durante años en estaciones pequeñas y de bajo presupuesto.
Las apariciones periódicas de Keaton en televisión durante las décadas de 1950 y 1960 ayudaron a revivir el interés por sus películas mudas. Apareció en la primera serie de televisión Faye Emerson's Wonderful Town . Siempre que un programa de televisión quería simular una comedia de película muda, Keaton respondía a la llamada y aparecía como invitado en series tan exitosas como The Ken Murray Show , You wanted for It , The Garry Moore Show y The Ed Sullivan Show . Bien entrado en los cincuenta, Keaton recreó con éxito sus viejas rutinas, incluido un truco en el que apoyaba un pie sobre una mesa, luego balanceaba el otro pie junto a ella y mantenía la posición incómoda en el aire por un momento antes de estrellarse contra el suelo del escenario. . Garry Moore recordó: "Le pregunté (a Keaton) cómo hacía todas esas caídas y me dijo: 'Te lo mostraré'. Se abrió la chaqueta y estaba todo magullado. Así es como lo hizo: dolió , pero había que preocuparse lo suficiente como para no importarle".
En 1954, Keaton y Eleanor conocieron al director de cine Raymond Rohauer , con quien desarrollaron una sociedad comercial para reestrenar sus películas. El actor James Mason había comprado la casa de los Keaton y encontró numerosos botes de películas, entre las que se encontraba el clásico perdido de Keaton, The Boat . [61] Keaton tenía copias de las películas Three Ages , Sherlock Jr. , Steamboat Bill, Jr. y College (falta un carrete), y los cortos "The Boat" y " My Wife's Relations ". Rohauer le indicó a Keaton que se acercara a Mason para las películas, pero Mason decidió donarlas a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas . [62] Rohauer luego formó una nueva entidad legal, Buster Keaton Productions, que le dio a Rohauer acceso legal a las películas antiguas de la Academia.
Desde 1950 hasta 1964, Keaton hizo alrededor de 70 apariciones especiales en programas de variedades de televisión, incluidos los de Ed Sullivan y Garry Moore. [63] Keaton también encontró trabajo estable como actor en comerciales de televisión para Colgate, Alka-Seltzer, US Steel, 7-Up, RCA Victor, Phillips 66, Milky Way, Ford Motors, Minute Rub y Budweiser, entre otros. [64] En una serie de comerciales de televisión mudos para Simon Pure Beer realizados en 1962 por Jim Mohr en Buffalo, Nueva York , Keaton revisó algunos de los chistes de sus días en el cine mudo. [sesenta y cinco]
El 3 de abril de 1957, Keaton fue sorprendido por Ralph Edwards para el programa semanal de NBC This Is Your Life . El programa también promovió el estreno de la película biográfica The Buster Keaton Story con Donald O'Connor . [66] En diciembre de 1958, Keaton fue una estrella invitada en el episodio "A Very Merry Christmas" de The Donna Reed Show en ABC. Regresó al programa en 1965 en el episodio "Ahora lo ves, ahora no". [67] En agosto de 1960, Keaton interpretó al mudo Rey Sextimus el Silencioso en la compañía de gira nacional del musical de Broadway Once Upon A Mattress . [68] En 1960, regresó a MGM por última vez, interpretando a un domador de leones en una adaptación de 1960 de Las aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain . Gran parte de la película se rodó en locaciones del río Sacramento , que sirvió como escenario del libro de Twain en el río Mississippi . [69] En 1961, protagonizó el episodio de The Twilight Zone " Érase una vez ", que incluía secuencias mudas y sonoras. Trabajó con el comediante Ernie Kovacs en un piloto de televisión titulado provisionalmente "Medicine Man", y filmó escenas el 12 de enero de 1962, el día antes de que Kovacs muriera en un accidente automovilístico. "Medicine Man" se completó pero no se emitió. [70]
En 1961, Keaton apareció en películas promocionales de Maryvale , una urbanización en la parte occidental de Phoenix . [71] [72] [73] [74] [75]
Mientras tanto, la carrera de Keaton en la pantalla grande continuó. Hizo un cameo como Jimmy, que apareció cerca del final de la película It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963). Jimmy ayuda al personaje de Spencer Tracy , el Capitán CG Culpepper, a preparar el barco de Culpepper que finalmente no se utilizó para su fallida fuga. (La versión restaurada de esa película, estrenada en 2013, contiene una escena en la que Jimmy y Culpeper hablan por teléfono. Perdido después de la exhibición " roadshow " de la comedia épica, el audio de esa escena fue descubierto y combinado con imágenes fijas para recrear la escena. .)
Keaton protagonizó cinco películas para American International Pictures : Pyjama Party (1964), Beach Blanket Bingo , How to Stuff a Wild Bikini y Sergeant Deadhead (todas de 1965), y War Italian Style (1966, coprotagonizada por el equipo de comedia italiano de Franco y Ciccio ). El director William Asher recordó:
Siempre amé a Buster Keaton... Él me aportaba fragmentos y rutinas. Él decía: "¿Qué tal esto?" y sería simplemente algo maravilloso e inventivo. [76]
En 1965, Keaton protagonizó el cortometraje The Railrodder para la National Film Board of Canada . Viajó de un extremo a otro de Canadá en una carretilla motorizada , luciendo su tradicional sombrero de pastel de cerdo y realizando gags similares a los de películas que realizó 50 años antes. La película también se destaca por ser su última actuación en la pantalla muda. [77] Desempeñó el papel central en la película de Samuel Beckett (1965), dirigida por Alan Schneider .
En 1965 apareció en el especial de televisión de la CBS A Salute to Stan Laurel , un homenaje al comediante y amigo de Keaton que había fallecido a principios de ese año.
La última aparición de Keaton en una película comercial fue en Algo curioso sucedió de camino al foro (1966), que se filmó en España entre septiembre y noviembre de 1965. Sorprendió al elenco y al equipo haciendo muchas de sus propias acrobacias, aunque Thames Television El documental informó que su salud cada vez más enferma obligó al uso de un doble para algunas escenas. Su última aparición cinematográfica fue en The Scribe , una película de seguridad de 1966 producida en Toronto por las Asociaciones de Seguridad de la Construcción de Ontario: murió poco después de completarla. [47]
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Keaton comenzó a experimentar con la parodia durante sus años de vodevil, donde con mayor frecuencia sus actuaciones incluían impresiones y burlescos de actos de otros artistas. La mayoría de estas parodias estaban dirigidas a actos con los que Keaton había compartido cartel. [78] Cuando Keaton transpuso su experiencia en el vodevil al cine, en muchas obras parodió los melodramas. [78] Otros objetivos favoritos fueron las tramas, estructuras y dispositivos cinematográficos. [79]
Una de sus parodias más mordaces es The Frozen North (1922), una versión satírica de los melodramas occidentales de William S. Hart , como Hell's Hinges (1916) y The Narrow Trail (1917). Keaton parodió la cansada fórmula de la transformación melodramática de malo a bueno, por la que pasaban los personajes de Hart, conocido como "el buen malo". [80] Lleva una versión pequeña del sombrero de campaña de Hart de la Guerra Hispanoamericana y una pistola de seis tiros en cada muslo, y durante la escena en la que dispara a la vecina y a su marido, reacciona con espesas lágrimas de glicerina, una marca registrada. de Hart. [81] El público de la década de 1920 reconoció la parodia y pensó que la película era histéricamente divertida. Sin embargo, al propio Hart no le hicieron gracia las payasadas de Keaton, en particular la escena del llanto, y no habló con Keaton durante dos años después de haber visto la película. [82] Los intertítulos iniciales de la película le dan su tono de seriedad y están tomados de " The Shooting of Dan McGrew " de Robert W. Service . [82]
En The Playhouse (1921), parodió a su contemporáneo Thomas H. Ince , el productor de Hart, quien se permitía sobrecreditarse a sí mismo en sus producciones cinematográficas. El corto también presentaba la impresión de un mono actuando, lo que probablemente se derivaba del acto de un co-facturador (llamado Pedro el Grande ). [78] Three Ages (1923), su primer largometraje, es una parodia de Intolerance (1916) de DW Griffith , a partir de la cual replica la estructura de tres cortos intercalados. [78] Tres Edades también presentaba parodias de historias bíblicas, como las de Sansón y Daniel . [80] Keaton dirigió la película, junto con Edward F. Cline . En ese momento, Keaton había desarrollado aún más su estilo distintivo que consistía en lucidez y precisión junto con acrobacias de precisión balística y cinética. [83] [84] La crítica e historiadora de cine Imogen Sara Smith declaró sobre el estilo de Keaton:
la frialdad y sutileza de su estilo [es] muy cinematográfico en términos de reconocer que la cámara puede captar efectos muy, muy pequeños [83]
El crítico de cine David Thomson describió más tarde el estilo de comedia de Keaton: "Buster es claramente un hombre inclinado a creer en nada más que las matemáticas y el absurdo... como un número que siempre ha estado buscando la ecuación correcta. Mire su rostro, tan hermoso". pero tan inhumano como una mariposa, y se ve esa absoluta incapacidad para identificar el sentimiento". [85] Gilberto Pérez comentó sobre "el genio de Keaton como actor para mantener un rostro casi inexpresivo y, sin embargo, presentarlo, mediante inflexiones sutiles, tan vívidamente expresivo de la vida interior. Sus ojos grandes y profundos son el rasgo más elocuente; con simplemente un Al mirarlo fijamente, puede transmitir una amplia gama de emociones, desde el anhelo hasta la desconfianza, desde el desconcierto hasta la tristeza". [86] El crítico Anthony Lane también destacó el lenguaje corporal de Keaton:
La postura tradicional de Buster requiere que permanezca erguido, lleno de valor, mirando hacia adelante... [en El general ] trepa al techo de su locomotora y se inclina suavemente hacia adelante para explorar el terreno, con la brisa en el cabello y la aventura corriendo. hacia él en la siguiente curva. Es el ángulo que recuerdas: la figura perfectamente recta pero inclinada hacia adelante, como el Espíritu del Éxtasis sobre el capó de un Rolls-Royce... [en Las tres edades ], conduce un automóvil de baja categoría sobre un bache en la carretera y el coche simplemente se desmorona debajo de él. Vuelva a ejecutarlo en video y podrá ver a Buster cabalgando sobre el colapso como un surfista, colgándose del volante y descansando maravillosamente mientras la ola de escombros se rompe. [87]
El historiador de cine Jeffrey Vance escribió:
La comedia de Buster Keaton perdura no sólo porque tenía un rostro que pertenece al Monte Rushmore, al mismo tiempo inquietantemente inamovible y clásicamente estadounidense, sino porque ese rostro estaba unido a uno de los actores y directores más talentosos que jamás hayan aparecido en la pantalla. Evolucionada a partir de la educación extravagante del escenario de vodevil, la comedia de Keaton es un torbellino de gags hilarantes, técnicamente precisos, hábilmente ejecutados y sorprendentes, muy a menudo con un telón de fondo de escenarios y ubicaciones visualmente impresionantes; todo esto enmascarado detrás de su inquebrantable y estoico chapa. [88]
Keaton diseñó y modificó sus propios sombreros de pastel de cerdo durante su carrera. En 1964, le dijo a un entrevistador que al hacer "este pastel de cerdo en particular", "comenzó con un buen Stetson y lo cortó", endureciendo el borde con agua azucarada. [89] Los sombreros a menudo eran destruidos durante las locas travesuras cinematográficas de Keaton; algunos fueron regalados y otros fueron arrebatados por cazadores de souvenirs. Keaton dijo que tenía suerte si usaba sólo seis sombreros para hacer una película. Estimó que él y su esposa Eleanor hicieron miles de sombreros durante su carrera. Keaton observó que durante su período de silencio, ese sombrero le costó alrededor de dos dólares (entre 27 y 33 dólares en dólares de 2022); en el momento de su entrevista, dijo, costaban casi $13 (~$116 en dólares de 2022). [89]
El 31 de mayo de 1921, Keaton se casó con Natalie Talmadge , su protagonista principal en Our Hospitality , y hermana de las actrices Norma Talmadge (casada con su socio comercial Joseph M. Schenck en ese momento) y Constance Talmadge , en la casa de Norma en Bayside, Queens. . Tuvieron dos hijos: Joseph, llamado James [90] (2 de junio de 1922 – 14 de febrero de 2007), [91] y Robert (3 de febrero de 1924 – 19 de julio de 2009). [92]
Después del nacimiento de Robert, el matrimonio empezó a sufrir. [16] Talmadge decidió no tener más hijos, desterrando a Keaton a un dormitorio separado; Salió con las actrices Dorothy Sebastian y Kathleen Key durante este período. [93] La extravagancia de Natalie fue otro factor, ya que gastó hasta un tercio de los ingresos de su marido.
Estaba claro que el señor Keaton y la señora Keaton tenían ideas y estilos de vida diferentes. Keaton había diseñado y construido una casa modesta pero cómoda, parecida a una cabaña, como regalo de bodas sorpresa para su novia. Cuando vio la casita, se enfureció: pensó que la casa era demasiado pequeña y no había lugar para los sirvientes. Al darse cuenta de que su novia quería un palacio, vendió la cabaña al ejecutivo de MGM Eddie Mannix al precio de costo y encargó a Gene Verge Sr. en 1926 la construcción de una propiedad de 10.000 pies cuadrados (930 m 2 ) en Beverly Hills por 300.000 dólares (5.141.000 dólares en 2024). Los vecinos incluían a Tom Mix y Rudolph Valentino . Entre los residentes posteriores famosos se encontraba la inquilina Marlene Dietrich y, más tarde, Cary Grant con su esposa, la heredera Barbara Hutton . James Mason y su esposa Pamela compraron la casa en 1948. [94]
Después de intentos de reconciliación, Natalie se divorció de Buster en 1932 y cambió el apellido de los niños a "Talmadge". [95] El 1 de julio de 1942, Robert, de 18 años, y Joseph, de 20, hicieron permanente el cambio de nombre después de que su madre ganó una petición judicial. [96]
Con el fracaso de su matrimonio y la pérdida de su independencia como cineasta, Keaton cayó en el alcoholismo. [16] Estuvo brevemente institucionalizado, según el documental de Turner Classic Movies So Funny It Hurt . Se escapó de una camisa de fuerza con trucos aprendidos de Harry Houdini . En 1933, se casó con su enfermera Mae Scriven durante una borrachera alcohólica, de la que luego afirmó no recordar nada. Scriven afirmó que no supo el verdadero nombre de Keaton hasta después del matrimonio. Ella solicitó el divorcio en 1935 después de encontrarlo con Leah Clampitt Sewell, la esposa del millonario Barton Sewell , [97] en un hotel de Santa Bárbara. Se divorciaron en 1936 [98] con un gran coste financiero para Keaton. [99] Después de someterse a una terapia de aversión, dejó de beber durante cinco años. [100]
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El 29 de mayo de 1940, Keaton se casó con Eleanor Norris , que era 23 años menor que él. A ella se le atribuye haber salvado su vida y su carrera. [101] El matrimonio duró hasta su muerte. Entre 1947 y 1954, la pareja apareció regularmente en el Circo Medrano de París como doble acto. Llegó a conocer tan bien sus rutinas que a menudo participaba en ellas en avivamientos televisivos.
Keaton murió de cáncer de pulmón el 1 de febrero de 1966, a la edad de 70 años, en Woodland Hills, Los Ángeles . [102] A pesar de que le diagnosticaron cáncer en enero de 1966, nunca le dijeron que tenía una enfermedad terminal. Keaton pensó que se estaba recuperando de un caso grave de bronquitis . Confinado en un hospital durante sus últimos días, Keaton estaba inquieto y caminaba sin cesar por la habitación, deseando volver a casa. En un documental de la televisión británica sobre su carrera, su viuda Eleanor dijo a los productores de Thames Television que Keaton se levantaba de la cama y se movía, e incluso jugaba a las cartas con amigos que vinieron de visita el día antes de su muerte. [103] Fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Hollywood Hills , California . [104]
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Keaton recibió un Premio Honorífico de la Academia de 1959 en la 32ª edición de los Premios de la Academia , celebrada en abril de 1960. [105] Keaton tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood : 6619 Hollywood Boulevard (para películas); y 6225 Hollywood Boulevard (para televisión).
Seis de sus películas han sido incluidas en el Registro Nacional de Cine , lo que lo convierte en uno de los cineastas más honrados de esa lista: One Week (1920) , Cops ( 1922) , Sherlock Jr. (1924) , The General (1926) , Steamboat. Bill, Jr. y The Cameraman (ambos de 1928) [106]
Se estrenó una biografía cinematográfica de 1957, The Buster Keaton Story , protagonizada por Donald O'Connor como Keaton. [55] El guión, de Sidney Sheldon , quien también dirigió la película, se basó libremente en la vida de Keaton, pero contenía muchos errores fácticos y fusionó a sus tres esposas en un solo personaje. [107] Un documental de 1987, Buster Keaton: A Hard Act to Follow , dirigido por Kevin Brownlow y David Gill , ganó dos premios Emmy . [108]
La Sociedad Internacional Buster Keaton se fundó el 4 de octubre de 1992: el cumpleaños de Keaton. Dedicados a atraer mayor atención pública a la vida y obra de Keaton, entre sus miembros se incluyen muchas personas de la industria cinematográfica y televisiva: actores, productores, autores, artistas, novelistas gráficos, músicos y diseñadores, así como aquellos que simplemente admiran la magia de Buster Keaton. El apodo de la Sociedad, "Damfinos", toma su nombre de un barco en la comedia de Keaton de 1921, The Boat .
En su ensayo Film-arte, film-antiartístico , el artista Salvador Dalí declaró que las obras de Keaton eran excelentes ejemplos de cine "antiartístico", calificándolas de "poesía pura". En 1925, Dalí produjo un collage titulado El matrimonio de Buster Keaton que presentaba una imagen del comediante en una pose sentada, mirando al frente con su característico canotier descansando en su regazo. [109]
El crítico de cine Roger Ebert afirmó: "El mayor de los payasos mudos es Buster Keaton, no sólo por lo que hizo, sino por cómo lo hizo. Harold Lloyd nos hizo reír tanto, Charlie Chaplin nos conmovió más profundamente, pero no Uno tenía más coraje que Buster." [110] En su presentación para The General , el cineasta Orson Welles aclamó a Buster Keaton como "el más grande de todos los payasos en la historia del cine... un artista supremo, y creo que una de las personas más bellas que jamás haya sido fotografiada". ". Welles dijo que Keaton estaba "más allá de todo elogio... un gran artista y uno de los hombres más bellos que he visto en la pantalla. También fue un gran director. En última instancia, nadie se acercó a él". [111]
El cineasta Mel Brooks ha reconocido a Keaton como una gran influencia, diciendo: "Le debo mucho a (Buster) en dos niveles: uno por ser un gran maestro para mí como cineasta, y el otro simplemente como ser humano viendo a este talentoso persona que hace estas cosas increíbles. Me hizo creer en la fantasía". También admitió haber tomado prestada la idea de la escena del vestuario en The Cameraman para su propia película Silent Movie . [112] Sherlock Jr. de Keaton , en el que entra en la película que está proyectando, fue una influencia de La rosa púrpura de El Cairo de Woody Allen , en la que un personaje sale de una película y entra en la vida real . [113] George Lucas fue influenciado por Keaton para el personaje de Jar Jar Binks en Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma . En particular, tomó prestado de El general , El navegante y Siete oportunidades . [114]
En 1994, el caricaturista Al Hirschfeld escribió una serie de estrellas del cine mudo para la Oficina de Correos de Estados Unidos , entre ellas Rudolph Valentino y Keaton. [115] Hirschfeld dijo que las estrellas del cine moderno eran más difíciles de representar, que los comediantes del cine mudo como Laurel, Hardy y Keaton "parecían sus caricaturas". [116]
En 1996, Entertainment Weekly reconoció a Keaton como el séptimo mejor director de cine y escribió que "Más que Chaplin , Keaton entendía las películas: sabía que consistían en un marco de cuatro lados en el que residía una realidad maleable en la que su personaje podía rebotar. Keaton, estrella infantil de vodevil, creció hasta convertirse en un calderero, un atleta, un matemático visual; sus películas ofrecen risas de invención física alucinante y una determinación espacial que se acerca a la grandeza filosófica. [10]
El actor y especialista Johnny Knoxville cita a Keaton como inspiración a la hora de proponer ideas para proyectos de Jackass . Recreó un famoso truco de Keaton para el final de Jackass Number Two . [117] El comediante Richard Lewis declaró que Keaton fue su principal inspiración y habló de tener una estrecha amistad con la viuda de Keaton, Eleanor. Lewis quedó particularmente conmovido por el hecho de que Eleanor dijo que sus ojos se parecían a los de Keaton. [118]
En 2012, Kino Lorber lanzó The Ultimate Buster Keaton Collection , una caja Blu-ray de 14 discos del trabajo de Keaton, incluidos 11 de sus largometrajes. [119] En 2016, Tony Hale interpretó a Keaton en un episodio de Drunk History que se centra en la supuesta rivalidad del comediante mudo con Charlie Chaplin , interpretado por el músico Billie Joe Armstrong . El 16 de junio de 2018, la Sociedad Internacional Buster Keaton colocó una placa de cuatro pies en honor a Keaton y Charles Chaplin en la esquina de la cuadra compartida (1021 Lillian Ave) donde cada uno había realizado muchas de sus comedias mudas en Hollywood. [120] En honor al evento, la ciudad de Los Ángeles declaró la fecha "Día de Buster Keaton". [121]
En 2018, el cineasta Peter Bogdanovich lanzó The Great Buster: A Celebration , un documental sobre la vida, la carrera y el legado de Keaton. En 2022, aparecieron dos trabajos sobre Keaton con un mes de diferencia. La crítica Dana Stevens publicó una historia cultural de la vida y obra de Keaton, Camera Man: Buster Keaton, the Dawn of Cinema, and the Invention of the Twentieth Century . [122] Le siguió un mes después la biografía de James Curtis , Buster Keaton: A Filmmaker's Life . [123] En 2023, la vida y obra de Keaton fueron representadas en la novela gráfica biográfica Buster: A Life in Pictures , escrita por Ryan Barnett e ilustrada por Matthew Tavares. [124]
Funciones dirigidas:
Mi papá fue bautizado como Joseph Talmadge Keaton. Cuando mis abuelos se divorciaron, mi abuela recuperó su apellido de soltera y su nombre se convirtió legalmente en Talmadge.
Buster Keaton, el cómico con cara de póquer cuyos estudios en exquisita frustración divirtieron a dos generaciones de espectadores cinematográficos, murió hoy de cáncer de pulmón en su casa en los suburbios de Woodland Hills.
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