Ciudadano Kane es una película dramática estadounidense de 1941 dirigida, producida y protagonizada por Orson Welles . Welles y Herman J. Mankiewicz escribieron el guion. La película fue el primer largometraje de Welles .
Ciudadano Kane es citada frecuentemente como la mejor película jamás hecha. [5] Durante 40 años (5 encuestas decenales: 1962, 1972, 1982, 1992, 2002), se mantuvo en el número 1 en la encuesta decenal de críticos Sight & Sound del British Film Institute , [6] y encabezó la lista 100 Years... 100 Movies del American Film Institute en 1998, así como su actualización de 2007. La película fue nominada a los Premios de la Academia en nueve categorías y ganó por Mejor Guión (Guión Original) de Mankiewicz y Welles. Ciudadano Kane es elogiada por la cinematografía de Gregg Toland , la edición de Robert Wise , la música de Bernard Herrmann y su estructura narrativa, todas las cuales han sido consideradas innovadoras y que sientan precedentes.
La película, casi biográfica, examina la vida y el legado de Charles Foster Kane , interpretado por Welles, un personaje compuesto basado en los barones de los medios estadounidenses William Randolph Hearst y Joseph Pulitzer , los magnates de Chicago Samuel Insull y Harold McCormick , así como aspectos de la vida de los propios guionistas. Tras su estreno, Hearst prohibió cualquier mención de la película en sus periódicos. [7]
Tras el éxito en Broadway del Mercury Theatre de Welles y la controvertida emisión de radio de 1938 " La guerra de los mundos " en The Mercury Theatre on the Air , Welles fue cortejado por Hollywood. Firmó un contrato con RKO Pictures en 1939. Aunque era inusual para un director inexperto, se le dio libertad para desarrollar su propia historia, utilizar su propio elenco y equipo y tener privilegios de montaje final . Después de dos intentos fallidos de sacar adelante un proyecto, escribió el guion de Ciudadano Kane , en colaboración con Herman J. Mankiewicz. La fotografía principal tuvo lugar en 1940, el mismo año en que se mostró su innovador tráiler , y la película se estrenó en 1941.
Aunque fue un éxito de crítica, Ciudadano Kane no logró recuperar su inversión en taquilla. La película desapareció de la vista después de su estreno, pero volvió a la atención del público cuando fue elogiada por críticos franceses como André Bazin y reestrenada en 1956. En 1958, la película fue votada como la número 9 en la prestigiosa lista de las 12 de Bruselas en la Exposición Universal de 1958. La Biblioteca del Congreso seleccionó a Ciudadano Kane como una de las películas incluidas en el grupo inaugural de 1989 de 25 películas para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativas". [8] [9] [10] Roger Ebert escribió sobre ella: "Su superficie es tan divertida como cualquier película jamás hecha. Sus profundidades superan la comprensión. La he analizado plano a plano con más de 30 grupos, y juntos hemos visto, creo, casi todo lo que hay en la pantalla. Cuanto más claramente puedo ver su manifestación física, más me conmueve su misterio". [11]
En una mansión llamada Xanadu , parte de una vasta finca palaciega en Florida , el anciano Charles Foster Kane se encuentra en su lecho de muerte. Sosteniendo una bola de nieve , pronuncia su última palabra, "Rosebud", y muere. Un obituario en formato noticiero cuenta la historia de la vida de Kane, un editor de periódicos enormemente rico y magnate de la industria. La muerte de Kane se convierte en una noticia sensacionalista en todo el mundo, y el productor del noticiero le encarga al reportero Jerry Thompson que descubra el significado de "Rosebud".
Thompson se propone entrevistar a los amigos y socios de Kane. Intenta acercarse a la segunda esposa de Kane, Susan Alexander Kane, ahora alcohólica y dueña de su club nocturno, pero ella se niega a hablar con él. Thompson va al archivo privado del difunto banquero Walter Parks Thatcher. A través de las memorias escritas por Thatcher, Thompson se entera del ascenso de Kane desde una pensión de Colorado y del declive de su fortuna.
En 1871, se descubrió oro gracias a una escritura de explotación minera perteneciente a la madre de Kane, Mary Kane. Ella contrató a Thatcher para que estableciera un fideicomiso que se encargaría de la educación de Kane y asumiría su tutela. Mientras los padres y Thatcher discutían los arreglos dentro de la pensión, el joven Kane jugaba alegremente con un trineo en la nieve afuera. Cuando los padres de Kane se lo presentaron a Thatcher, el niño golpeó a Thatcher con su trineo e intentó escapar.
Cuando Kane obtuvo el control de su fideicomiso a la edad de 25 años, la productividad de la mina y la prudente inversión de Thatcher habían convertido a Kane en uno de los hombres más ricos del mundo. Kane tomó el control del periódico New York Inquirer y se embarcó en una carrera de periodismo amarillista , publicando artículos escandalosos que atacaban los intereses comerciales de Thatcher (y los suyos propios). Kane vendió su imperio periodístico a Thatcher después de que la caída de la bolsa de 1929 lo dejara sin efectivo.
Thompson entrevista al gerente personal de Kane, el señor Bernstein. Bernstein recuerda que Kane contrató a los mejores periodistas disponibles para aumentar la circulación del Inquirer . Kane llegó al poder manipulando con éxito la opinión pública sobre la guerra hispanoamericana y casándose con Emily Norton, la sobrina del presidente de los Estados Unidos.
Thompson entrevista al mejor amigo de Kane, Jedediah Leland, en una residencia de ancianos . Leland dice que el matrimonio de Kane con Emily se desintegró con los años y que comenzó un romance con la cantante amateur Susan Alexander mientras se postulaba para gobernador de Nueva York . Tanto su esposa como su oponente político descubrieron el romance y el escándalo público terminó con su carrera política. Kane se casó con Susan y la obligó a seguir una carrera humillante como cantante de ópera (para la que no tenía ni el talento ni la ambición). Kane hizo los arreglos para que se construyera un gran teatro de ópera en Chicago para que Susan actuara. Después de que Leland comenzara a escribir una crítica negativa del desastroso debut de Susan en la ópera, Kane lo despidió, pero terminó la crítica negativa y la publicó. Susan protestó que de todos modos nunca quiso la carrera de ópera, pero Kane la obligó a continuar la temporada.
Susan acepta una entrevista con Thompson y le describe las consecuencias de su carrera en la ópera. Intentó suicidarse y Kane finalmente le permitió abandonar el canto. Después de muchos años infelices viviendo en Xanadu con Kane, los dos tuvieron una discusión que culminó con Kane abofeteando a Susan. Susan decidió dejar a Kane. El mayordomo de Kane, Raymond, relata que, después de que Susan se mudara de Xanadu, Kane comenzó a destruir violentamente el contenido de su antiguo dormitorio. Cuando Kane descubrió una bola de nieve, se calmó y dijo entre lágrimas "Rosebud". Thompson concluye que no puede resolver el misterio y que el significado de la última palabra de Kane seguirá siendo desconocido.
En Xanadu, el personal de la mansión cataloga o descarta las pertenencias de Kane. Encuentran un trineo, en el que Kane, de ocho años, estaba jugando el día que lo sacaron de su casa en Colorado, y lo arrojan a un horno con otros objetos. Sin que el personal lo sepa, el nombre comercial del trineo, impreso en la parte superior, se hace visible a través de las llamas: "Rosebud".
Al comienzo de los créditos finales de la película se afirma que "la mayoría de los actores principales de Ciudadano Kane son nuevos en el mundo del cine. El Mercury Theatre se enorgullece de presentarlos". [12] El reparto se enumera en el siguiente orden, con el crédito de Orson Welles por interpretar a Charles Foster Kane apareciendo al final: [12]
Además, Charles Bennett aparece como el animador a la cabeza del coro en la secuencia de la fiesta del Inquirer , [14] : 40–41 y el director de fotografía Gregg Toland hace un cameo como entrevistador representado en parte de las noticias en el noticiero de marzo. [15] [16] El actor Alan Ladd , todavía desconocido en ese momento, hace una pequeña aparición como reportero fumando una pipa al final de la película. [17]
Hollywood había mostrado interés en Welles ya en 1936. [18] : 40 Rechazó tres guiones que le envió Warner Bros. En 1937, rechazó las ofertas de David O. Selznick , quien le pidió que dirigiera el departamento de historias de su compañía cinematográfica, y de William Wyler , quien lo quería para un papel secundario en Cumbres borrascosas . "Aunque la posibilidad de ganar enormes cantidades de dinero en Hollywood lo atraía enormemente", escribió el biógrafo Frank Brady, "todavía estaba total, desesperanzadamente, locamente enamorado del teatro, y es allí donde tenía toda la intención de permanecer para dejar su huella". [19] : 118–119, 130
Después de la emisión de " La guerra de los mundos " de 1938 de su serie de radio de CBS The Mercury Theatre on the Air , Welles fue atraído a Hollywood con un contrato notable. [20] : 1–2, 153 El jefe del estudio RKO Pictures, George J. Schaefer, quería trabajar con Welles después de la notoria transmisión, creyendo que Welles tenía un don para atraer la atención masiva. [21] : 170 RKO también era inusualmente rentable y estaba entrando en una serie de contratos de producción independientes que agregarían películas artísticamente más prestigiosas a su lista. [20] : 1–2, 153 Durante la primavera y principios del verano de 1939, Schaefer intentó constantemente atraer al reacio Welles a Hollywood. [21] : 170 Welles estaba en problemas financieros después del fracaso de sus obras Five Kings y The Green Goddess . Al principio, simplemente quería pasar tres meses en Hollywood y ganar suficiente dinero para pagar sus deudas y financiar su próxima temporada teatral. [21] : 170 Welles llegó por primera vez el 20 de julio de 1939, [21] : 168 y en su primera gira, llamó al estudio de cine "el mejor tren eléctrico que un niño haya tenido jamás". [21] : 174
Welles firmó su contrato con RKO el 21 de agosto, que estipulaba que Welles actuaría, dirigiría, produciría y escribiría dos películas. Mercury recibiría $100,000 por la primera película antes del 1 de enero de 1940, más el 20% de las ganancias después de que RKO recuperara $500,000, y $125,000 por una segunda película antes del 1 de enero de 1941, más el 20% de las ganancias después de que RKO recuperara $500,000. El aspecto más controvertido del contrato fue otorgarle a Welles el control artístico completo de las dos películas siempre que RKO aprobara las historias de ambos proyectos [21] : 169 y siempre que el presupuesto no excediera los $500,000. [20] : 1–2, 153 Los ejecutivos de RKO no podrían ver ningún metraje hasta que Welles decidiera mostrárselo, y no se podrían hacer cortes en ninguna de las películas sin la aprobación de Welles. [21] : 169 A Welles se le permitió desarrollar la historia sin interferencias, seleccionar su propio elenco y equipo, y tener el derecho de corte final . Conceder el privilegio del corte final fue algo sin precedentes para un estudio porque colocaba las consideraciones artísticas por encima de la inversión financiera. El contrato fue profundamente resentido en la industria cinematográfica, y la prensa de Hollywood aprovechó cada oportunidad para burlarse de RKO y Welles. Schaefer siguió siendo un gran partidario [20] : 1–2, 153 y vio el contrato sin precedentes como una buena publicidad. [21] : 170 El estudioso del cine Robert L. Carringer escribió: "El simple hecho parece ser que Schaefer creía que Welles iba a lograr algo realmente grande casi tanto como Welles lo hizo él mismo". [20] : 1–2, 153
Welles pasó los primeros cinco meses de su contrato con la RKO intentando sacar adelante su primer proyecto, sin éxito. "Están haciendo apuestas en la RKO de que el acuerdo con Orson Welles terminará sin que Orson haga nunca una película allí", escribió The Hollywood Reporter . [20] : 15 Se acordó que Welles filmaría El corazón de las tinieblas , previamente adaptada para The Mercury Theatre on the Air , que se presentaría íntegramente a través de una cámara en primera persona . Después de una elaborada preproducción y un día de rodaje de prueba con una cámara en mano (algo inaudito en ese momento), el proyecto nunca llegó a producción porque Welles no pudo recortar 50.000 dólares de su presupuesto. [a] [b] [22] : 30–31 Schaefer le dijo a Welles que no se podía superar el presupuesto de 500.000 dólares; a medida que se avecinaba la guerra, los ingresos estaban disminuyendo drásticamente en Europa en el otoño de 1939. [19] : 215–216
Luego comenzó a trabajar en la idea que se convirtió en Ciudadano Kane . Sabiendo que el guion llevaría tiempo prepararlo, Welles sugirió a RKO que mientras eso se hacía —"para que no se perdiera el año"— hiciera un thriller político humorístico. Welles propuso The Smiler with a Knife , basado en una novela de Cecil Day-Lewis . [22] : 33–34 Cuando ese proyecto se estancó en diciembre de 1939, Welles comenzó a pensar en otras ideas para la historia con el guionista Herman J. Mankiewicz , que había estado escribiendo guiones de radio del Mercury. "Discutiendo, inventando, descartando, estas dos personalidades poderosas, testarudas y deslumbrantemente articuladas se lanzaron hacia Kane ", escribió el biógrafo Richard Meryman . [23] : 245–246
Una de las controversias de larga data sobre Ciudadano Kane ha sido la autoría del guion. [23] : 237 Welles concibió el proyecto con el guionista Herman J. Mankiewicz, quien estaba escribiendo obras de radio para la serie de radio CBS de Welles, The Campbell Playhouse . [20] : 16 Mankiewicz basó el esquema original en la vida de William Randolph Hearst , a quien conocía socialmente y llegó a odiar después de ser exiliado del círculo de Hearst. [23] : 231
En febrero de 1940, Welles le entregó a Mankiewicz 300 páginas de notas y lo contrató para escribir el primer borrador del guion bajo la supervisión de John Houseman , ex socio de Welles en el Mercury Theatre . Welles explicó más tarde: "Finalmente lo dejé solo, porque habíamos comenzado a perder demasiado tiempo regateando. Entonces, después de acuerdos mutuos sobre la historia y el personaje, Mank se fue con Houseman e hizo su versión, mientras que yo me quedé en Hollywood y escribí la mía". [22] : 54 Tomando estos borradores, Welles los condensó y reorganizó drásticamente, luego agregó escenas propias. La industria acusó a Welles de restar importancia a la contribución de Mankiewicz al guion, pero Welles contrarrestó los ataques diciendo: "Al final, naturalmente, fui yo quien hizo la película, después de todo, quien tuvo que tomar las decisiones. Usé lo que quería de Mank y, correcta o incorrectamente, me quedé con lo que me gustaba de la mía". [22] : 54
Los términos del contrato establecían que Mankiewicz no recibiría ningún crédito por su trabajo, ya que fue contratado como guionista . [24] : 487 Antes de firmar el contrato, sus agentes le advirtieron a Mankiewicz que todo el crédito por su trabajo pertenecía a Welles y al Mercury Theatre, el "autor y creador". [19] : 236–237 Sin embargo, a medida que la película se acercaba al estreno, Mankiewicz comenzó a querer un crédito por la escritura de la película e incluso amenazó con sacar anuncios de página completa en periódicos comerciales y hacer que su amigo Ben Hecht escribiera una exposición para The Saturday Evening Post . [25] Mankiewicz también amenazó con ir al Screen Writers Guild y reclamar todo el crédito por escribir todo el guion él mismo. [21] : 204
Después de presentar una protesta ante el Sindicato de Guionistas, Mankiewicz la retiró y luego vaciló. La cuestión se resolvió en enero de 1941 cuando el estudio, RKO Pictures , le otorgó crédito a Mankiewicz. El formulario de crédito del gremio enumeraba a Welles en primer lugar y a Mankiewicz en segundo. El asistente de Welles, Richard Wilson, dijo que la persona que rodeó con lápiz el nombre de Mankiewicz y luego dibujó una flecha que lo colocó en primer lugar, era Welles. El crédito oficial dice: "Guión de Herman J. Mankiewicz y Orson Welles". [23] : 264–265 El rencor de Mankiewicz hacia Welles creció durante los doce años restantes de su vida. [26] : 498
Las preguntas sobre la autoría del guion de Ciudadano Kane fueron reavivadas en 1971 por la influyente crítica de cine Pauline Kael , cuyo controvertido ensayo de 50.000 palabras " Raising Kane " fue encargado como introducción al guion de rodaje en The Citizen Kane Book , [22] : 494 publicado en octubre de 1971. [27] El ensayo de la longitud de un libro apareció por primera vez en febrero de 1971, en dos números consecutivos de la revista The New Yorker . [22] : 494 [28] En la controversia que siguió, Welles fue defendido por colegas, críticos, biógrafos y académicos, pero su reputación fue dañada por sus acusaciones. [26] : 394 La tesis del ensayo fue cuestionada más tarde y algunos de los hallazgos de Kael también fueron cuestionados en años posteriores. [29] [30] [31]
Las cuestiones de autoría siguieron cobrando mayor importancia con el ensayo de Carringer de 1978, "Los guiones de Ciudadano Kane ", en el que se basó una investigación exhaustiva. [32] [c] Carringer estudió la colección de registros de guiones —"casi un registro diario de la historia de los guiones"— que todavía estaba intacta en la RKO. Revisó los siete borradores y concluyó que "la evidencia completa revela que la contribución de Welles al guion de Ciudadano Kane no solo fue sustancial sino también definitiva". [32] : 80
Ciudadano Kane fue una película poco común en el sentido de que sus papeles principales fueron interpretados por actores nuevos en el mundo del cine. Diez de ellos fueron anunciados como actores Mercury, miembros de la hábil compañía de repertorio reunida por Welles para las funciones teatrales y radiofónicas del Mercury Theatre , una compañía de teatro independiente que fundó con Houseman en 1937. [19] : 119–120 [34] "Le encantaba utilizar a los actores Mercury", escribió el biógrafo Charles Higham, "y en consecuencia lanzó a varios de ellos a carreras cinematográficas". [35] : 155
La película representa los debuts cinematográficos de William Alland , Ray Collins , Joseph Cotten , Agnes Moorehead , Erskine Sanford , Everett Sloane , Paul Stewart y el propio Welles. [13] A pesar de nunca haber aparecido en largometrajes, algunos de los miembros del elenco ya eran bien conocidos por el público. Cotten se había convertido recientemente en una estrella de Broadway en la exitosa obra The Philadelphia Story con Katharine Hepburn [21] : 187 y Sloane era bien conocido por su papel en el programa de radio The Goldbergs . [21] : 187 [d] El actor de Mercury, George Coulouris, fue una estrella del teatro en Nueva York y Londres. [34]
No todo el reparto procedía de los Mercury Players. Welles eligió a Dorothy Comingore , una actriz que había interpretado papeles secundarios en películas desde 1934 bajo el nombre de "Linda Winters", [36] como Susan Alexander Kane. Comingore fue descubierta por Charlie Chaplin y fue recomendada a Welles por Chaplin, [37] : 170 quien conoció a Comingore en una fiesta en Los Ángeles y la eligió inmediatamente. [38] : 44
Welles había conocido a la actriz de teatro Ruth Warrick durante una visita a Nueva York en un descanso de Hollywood y la recordaba como una buena opción para Emily Norton Kane, [21] : 188 diciendo más tarde que parecía la adecuada para el papel. [37] : 169 Warrick le dijo a Carringer que le sorprendió el extraordinario parecido entre ella y la madre de Welles cuando vio una fotografía de Beatrice Ives Welles. Ella caracterizó su propia relación personal con Welles como maternal. [39] : 14
"Nos entrenó para las películas al mismo tiempo que se entrenaba a sí mismo", recuerda Agnes Moorehead. "Orson creía en la buena interpretación y se dio cuenta de que los ensayos eran necesarios para sacar el máximo partido a sus actores. Eso era algo nuevo en Hollywood: nadie parecía interesado en traer a un grupo para ensayar antes de rodar las escenas. Pero Orson sabía que era necesario y ensayamos cada secuencia antes de rodarla". [40] : 9
Cuando el narrador de La marcha del tiempo , Westbrook Van Voorhis, pidió 25.000 dólares para narrar las noticias de la secuencia de marzo, Alland demostró su capacidad para imitar a Van Voorhis y Welles lo eligió. [41]
Welles dijo más tarde que elegir al actor secundario Gino Corrado para el pequeño papel de camarero en El Rancho le rompió el corazón. Corrado había aparecido en muchas películas de Hollywood, a menudo como camarero, y Welles quería que todos los actores fueran nuevos en el mundo del cine. [37] : 171
Otros papeles no acreditados fueron para Thomas A. Curran como Teddy Roosevelt en el noticiero falso; Richard Baer como Hillman, un hombre en el Madison Square Garden y un hombre en la sala de proyección de News on the March ; y Alan Ladd , Arthur O'Connell y Louise Currie como reporteros en Xanadu. [13]
Ruth Warrick (fallecida en 2005) fue la última integrante sobreviviente del elenco principal. Sonny Bupp (fallecido en 2007), que interpretó al hijo pequeño de Kane, fue el último integrante sobreviviente del elenco acreditado. [42] Se informó que Kathryn Trosper Popper (fallecida el 6 de marzo de 2016) fue la última actriz sobreviviente que apareció en Ciudadano Kane . [43] Jean Forward (fallecida en septiembre de 2016), una soprano que dobló la voz cantante de Susan Alexander, fue la última intérprete sobreviviente de la película. [44]
La asesora de producción Miriam Geiger rápidamente compiló un libro de texto de cine hecho a mano para Welles, un libro de referencia práctico de técnicas cinematográficas que estudió cuidadosamente. Luego aprendió a hacer películas por su cuenta al comparar su vocabulario visual con El gabinete del doctor Caligari , que encargó al Museo de Arte Moderno, [21] : 173 y películas de Frank Capra , René Clair , Fritz Lang , King Vidor [45] : 1172 : 1171 y Jean Renoir . [19] : 209 La única película que realmente estudió fue La diligencia de John Ford , [22] : 29 que vio 40 veces. [46] "Resultó que el primer día que pisé un set fue mi primer día como director", dijo Welles. "Todo lo que sabía lo había aprendido en la sala de proyección, gracias a Ford. Todas las noches, después de cenar, durante un mes, hacía funcionar Stagecoach , a menudo con algún técnico o jefe de departamento diferente del estudio, y hacía preguntas. '¿Cómo se hizo esto?' '¿Por qué se hizo esto?' Era como ir a la escuela". [22] : 29
El director de fotografía de Welles para la película fue Gregg Toland , descrito por Welles como "en ese momento, el camarógrafo número uno del mundo". Para asombro de Welles, Toland lo visitó en su oficina y le dijo: "Quiero que me uses en tu película". Había visto algunas de las producciones teatrales de Mercury (incluida Caesar [26] : 66 ) y dijo que quería trabajar con alguien que nunca hubiera hecho una película. [22] : 59 RKO contrató a Toland en préstamo de Samuel Goldwyn Productions [47] : 10 en la primera semana de junio de 1940. [20] : 40
"Y nunca intentó impresionarnos con que estaba haciendo milagros", recordó Welles. "Yo estaba pidiendo cosas que sólo un principiante habría sido lo suficientemente ignorante como para pensar que alguien podría hacer, y allí estaba él, haciéndolas ". [22] : 60 Toland explicó más tarde que quería trabajar con Welles porque anticipó que la inexperiencia del director debutante y su reputación de experimentación audaz en el teatro permitirían al director de fotografía probar técnicas de cámara nuevas e innovadoras que las películas típicas de Hollywood nunca le habrían permitido hacer. [21] : 186 Sin conocer el protocolo cinematográfico, Welles ajustó las luces en el set como estaba acostumbrado a hacer en el teatro; Toland las reequilibró silenciosamente y se enojó cuando uno de los miembros del equipo le informó a Welles que estaba infringiendo las responsabilidades de Toland. [48] : 5:33–6:06 Durante las primeras semanas de junio, Welles tuvo largas discusiones sobre la película con Toland y el director artístico Perry Ferguson por la mañana, y por la tarde y la noche trabajó con los actores y revisó el guion. [20] : 69
El 29 de junio de 1940, un sábado por la mañana en el que pocos ejecutivos de estudio curiosos estarían presentes, Welles comenzó a filmar Ciudadano Kane . [20] : 69 [26] : 107 Después de la decepción de que cancelaran El corazón de las tinieblas , [22] : 30–31 Welles siguió la sugerencia de Ferguson [e] [22] : 57 y engañó a RKO haciéndoles creer que simplemente estaba filmando pruebas de cámara . "Pero estábamos filmando la película ", dijo Welles, "porque queríamos empezar y estar ya en ella antes de que alguien se enterara". [22] : 57
En ese momento, los ejecutivos de RKO lo presionaban para que aceptara dirigir una película llamada The Men from Mars , para aprovechar la transmisión radial de "La guerra de los mundos". Welles dijo que consideraría hacer el proyecto, pero que primero quería hacer una película diferente. En ese momento no les informó que ya había comenzado a filmar Ciudadano Kane . [21] : 186
Las primeras imágenes se denominaron "Pruebas de Orson Welles" en todos los documentos. [20] : 69 La primera toma de "prueba" fue la escena de la sala de proyección de News on the March , filmada económicamente en una sala de proyección de estudio real en la oscuridad que enmascaró a muchos actores que aparecieron en otros papeles más adelante en la película. [20] : 69 [22] : 77–78 [f] "Con un presupuesto de 809 dólares, Orson superó considerablemente el presupuesto de prueba de 528 dólares, para crear una de las escenas más famosas de la historia del cine", escribió Barton Whaley. [26] : 107
Las siguientes escenas fueron las escenas del club nocturno El Rancho y la escena en la que Susan intenta suicidarse. [g] [20] : 69 Welles dijo más tarde que el set del club nocturno estaba disponible después de que se terminara otra película y que la filmación tardó entre 10 y 12 días en completarse. Para estas escenas, Welles hizo que le rociaran la garganta a Comingore con productos químicos para darle a su voz un tono áspero y rasposo. [37] : 170–171 Otras escenas filmadas en secreto incluyeron aquellas en las que Thompson entrevista a Leland y Bernstein, que también se filmaron en sets construidos para otras películas. [41]
Durante la producción, la película se denominó RKO 281. La mayor parte del rodaje se llevó a cabo en lo que ahora es el Estudio 19 en el estudio de Paramount Pictures en Hollywood. [51] Hubo algunas filmaciones en exteriores en Balboa Park en San Diego y en el Zoológico de San Diego . [52] Se utilizaron fotografías de la propiedad real del banquero de inversiones judío-alemán Otto Hermann Kahn, el castillo Oheka, para retratar el Xanadu ficticio . [53] [54]
A finales de julio, la RKO aprobó la película y Welles pudo empezar a rodar oficialmente, a pesar de que ya llevaba varias semanas filmando "pruebas". Welles filtró a los periodistas historias de que las "pruebas" habían sido tan buenas que no había necesidad de volver a rodarlas. La primera escena "oficial" que se rodó fue la secuencia del montaje del desayuno entre Kane y su primera esposa, Emily. Para ahorrar dinero estratégicamente y apaciguar a los ejecutivos de la RKO que se oponían a él, Welles ensayó las escenas exhaustivamente antes de rodar realmente y filmó muy pocas tomas de cada toma. [21] : 193 Welles nunca filmó tomas maestras para ninguna escena después de que Toland le dijera que Ford nunca las filmó. [37] : 169 Para apaciguar a la prensa cada vez más curiosa, Welles organizó un cóctel para periodistas seleccionados, prometiéndoles que podrían ver una escena que se estaba filmando. Cuando llegaron los periodistas, Welles les dijo que "acaban de terminar" de rodar ese día, pero que aún tenían la fiesta. [21] : 193 Welles dijo a la prensa que estaba adelantado en el cronograma (sin tener en cuenta el mes de "rodaje de prueba"), desacreditando así las afirmaciones de que después de un año en Hollywood sin hacer una película era un fracaso en la industria cinematográfica. [21] : 194
Welles trabajaba habitualmente entre 16 y 18 horas diarias en la película. A menudo empezaba a trabajar a las 4 de la mañana, ya que el maquillaje de efectos especiales que se utilizaba para envejecerlo en ciertas escenas tardaba hasta cuatro horas en aplicarse. Welles utilizó este tiempo para hablar sobre el rodaje del día con Toland y otros miembros del equipo. Las lentillas especiales que se utilizaban para hacer que Welles pareciera mayor resultaban muy dolorosas, y se contrató a un médico para que se las colocara en los ojos. Welles tenía dificultades para ver con claridad mientras las llevaba puestas, lo que le provocó un grave corte en la muñeca al rodar la escena en la que Kane rompe los muebles del dormitorio de Susan. Mientras rodaba la escena en la que Kane le grita a Gettys en las escaleras del edificio de apartamentos de Susan Alexander, Welles se cayó tres metros; una radiografía reveló dos astillas de hueso en su tobillo. [21] : 194
La lesión le obligó a dirigir la película desde una silla de ruedas durante dos semanas. [55] [21] : 194–195 Finalmente, usó un aparato ortopédico de acero para volver a actuar frente a la cámara; es visible en la escena de ángulo bajo entre Kane y Leland después de que Kane pierde las elecciones. [h] [22] : 61 Para la escena final, un escenario en el estudio Selznick estaba equipado con un horno en funcionamiento, y se necesitaron múltiples tomas para mostrar el trineo siendo introducido al fuego y la palabra "Rosebud" consumida. Paul Stewart recordó que en la novena toma el Departamento de Bomberos de Culver City llegó a toda máquina porque el horno se había calentado tanto que el conducto se incendió. "Orson estaba encantado con la conmoción", dijo. [40] : 8–9 [56]
Cuando se quemó "Rosebud", Welles coreografió [ aclaración necesaria ] la escena mientras tenía la señal del compositor Bernard Herrmann sonando en el escenario. [57]
A diferencia de Schaefer, a muchos miembros de la junta directiva de RKO no les gustaba Welles ni el control que le otorgaba su contrato. [21] : 186 Sin embargo, miembros de la junta como Nelson Rockefeller y el jefe de la NBC, David Sarnoff [45] : 1170, simpatizaban con Welles. [58] A lo largo de la producción, Welles tuvo problemas con estos ejecutivos que no respetaban la estipulación de no interferencia de su contrato y varios espías llegaron al set para informar a los ejecutivos de lo que veían. Cuando los ejecutivos llegaban al set sin previo aviso, todo el elenco y el equipo de repente comenzaban a jugar softball hasta que se iban. Antes de que comenzara el rodaje oficial, los ejecutivos interceptaron todas las copias del guion y retrasaron su entrega a Welles. Hicieron que enviaran una copia a su oficina en Nueva York, lo que resultó en que se filtrara a la prensa. [21] : 195
El rodaje principal finalizó el 24 de octubre. Welles se tomó varias semanas de descanso de la película para una gira de conferencias, durante la cual también exploró ubicaciones adicionales con Toland y Ferguson. El rodaje se reanudó el 15 de noviembre [20] : 87 con algunas repeticiones de rodajes. Toland tuvo que irse debido a un compromiso de filmar The Outlaw de Howard Hughes , pero el equipo de cámara de Toland continuó trabajando en la película y Toland fue reemplazado por el director de fotografía de RKO Harry J. Wild . El último día de rodaje, el 30 de noviembre, fue la escena de la muerte de Kane. [20] : 85 Welles se jactó de que solo se pasó 21 días de su cronograma de rodaje oficial, sin tener en cuenta el mes de "pruebas de cámara". [21] : 195 Según los registros de RKO, la película costó $839,727. Su presupuesto estimado había sido de $723,800. [13]
Ciudadano Kane fue editado por Robert Wise y el asistente de montaje Mark Robson . [47] : 85 Ambos se convertirían en directores de cine de éxito. Wise fue contratado después de que Welles terminara de filmar las "pruebas de cámara" y comenzara a hacer oficialmente la película. Wise dijo que Welles "tenía un editor mayor asignado para esas pruebas y evidentemente no estaba muy contento y pidió a alguien más. Yo tenía más o menos la edad de Orson y tenía varios buenos créditos". Wise y Robson comenzaron a editar la película mientras aún se estaba filmando y dijeron que "podían decir con certeza que estábamos obteniendo algo muy especial. Era una película sobresaliente día tras día". [45] : 1210
Welles le dio a Wise instrucciones detalladas y por lo general no estaba presente durante la edición de la película. [20] : 109 La película estaba muy bien planificada y filmada intencionalmente para técnicas de posproducción como disoluciones lentas . [41] La falta de cobertura facilitó la edición ya que Welles y Toland editaron la película "en cámara" dejando pocas opciones de cómo podría ser montada. [20] : 110 Wise dijo que la secuencia de la mesa del desayuno tomó semanas para editarse y obtener el "tiempo" y el "ritmo" correctos para los movimientos rápidos y el diálogo superpuesto. [41] La secuencia de las noticias de marzo fue editada por la división de noticieros de RKO para darle autenticidad. [20] : 110 Usaron material de archivo de Pathé News y la Biblioteca General de Cine. [13]
Durante la posproducción, Welles y el artista de efectos especiales Linwood G. Dunn experimentaron con una impresora óptica para mejorar ciertas escenas que Welles encontró insatisfactorias en el metraje. [41] Mientras que Welles a menudo estaba inmediatamente satisfecho con el trabajo de Wise, exigía a Dunn y al ingeniero de audio de posproducción James G. Stewart que rehicieran su trabajo varias veces hasta que estuviera satisfecho. [20] : 109
Welles contrató a Bernard Herrmann para componer la banda sonora de la película. Mientras que la mayoría de las bandas sonoras de películas de Hollywood se escribían rápidamente, en tan solo dos o tres semanas después de terminar el rodaje, Herrmann tuvo 12 semanas para escribir la música. Tuvo tiempo suficiente para hacer sus propias orquestaciones y dirección, y trabajó en la película rollo por rollo a medida que se filmaba y se montaba. Escribió piezas musicales completas para algunos de los montajes, y Welles editó muchas de las escenas para que coincidieran con su duración. [59]
Los estudiosos del cine y los historiadores consideran que Ciudadano Kane es el intento de Welles de crear un nuevo estilo de realización cinematográfica estudiando diversas formas de la misma y combinándolas en una sola. Sin embargo, Welles afirmó que su amor por el cine comenzó sólo cuando empezó a trabajar en la película. Cuando se le preguntó de dónde sacó la confianza, como director debutante, para dirigir una película tan radicalmente diferente del cine contemporáneo, respondió: "Ignorancia, ignorancia, pura ignorancia; sabes que no hay confianza que la iguale. Sólo cuando sabes algo sobre una profesión, creo, eres tímido o cuidadoso". [60] : 80
David Bordwell escribió que "la mejor manera de entender Ciudadano Kane es dejar de venerarlo como un triunfo de la técnica". Bordwell sostiene que la película no inventó ninguna de sus famosas técnicas, como la cinematografía de foco profundo, los planos de los techos, la iluminación de claroscuro y los cortes temporales, y que muchas de estas estilísticas se habían utilizado en películas expresionistas alemanas de la década de 1920, como El gabinete del doctor Caligari . Pero Bordwell afirma que la película las reunió todas por primera vez y perfeccionó el medio en una sola película. [45] : 1171 En una entrevista de 1948, DW Griffith dijo: "Me encantó Ciudadano Kane y, en particular, me encantaron las ideas que tomó de mí". [61]
Los argumentos en contra de las innovaciones cinematográficas de la película se hicieron ya en 1946, cuando el historiador francés Georges Sadoul escribió: "La película es una enciclopedia de técnicas antiguas". Señaló ejemplos como composiciones que usaban tanto el primer plano como el fondo en las películas de Auguste y Louis Lumière , efectos especiales utilizados en las películas de Georges Méliès , tomas del techo en Avaricia de Erich von Stroheim y montajes de noticieros en las películas de Dziga Vertov . [62]
El crítico de cine francés André Bazin defendió la película, escribiendo: "En este sentido, la acusación de plagio podría muy bien extenderse al uso de película pancromática en la película o su explotación de las propiedades del haluro de plata gelatinoso". Bazin no estuvo de acuerdo con la comparación de Sadoul con la cinematografía de Lumière, ya que Ciudadano Kane utilizó lentes más sofisticados, [63] : 232 pero reconoció que tenía similitudes con obras anteriores como El poder y la gloria . Bazin afirmó que "incluso si Welles no inventó los dispositivos cinematográficos empleados en Ciudadano Kane , uno debería acreditarlo con la invención de su significado ". [63] : 233 Bazin defendió las técnicas en la película por su representación de la realidad aumentada, pero Bordwell creía que el uso de efectos especiales en la película contradecía algunas de las teorías de Bazin. [64] : 75
Ciudadano Kane rechaza la narrativa lineal y cronológica tradicional y cuenta la historia de Kane enteramente en flashbacks usando diferentes puntos de vista, muchos de ellos de los socios ancianos y olvidadizos de Kane, el equivalente cinematográfico del narrador poco confiable en la literatura. [65] : 83 Welles también prescinde de la idea de un solo narrador y usa múltiples narradores para contar la vida de Kane, una técnica no utilizada anteriormente en las películas de Hollywood. [65] : 81 Cada narrador relata una parte diferente de la vida de Kane, y cada historia se superpone a otra. [66] La película retrata a Kane como un enigma, un hombre complicado que deja a los espectadores con más preguntas que respuestas sobre su personaje, como el metraje del noticiero donde es atacado por ser comunista y fascista. [65] : 82–84
La técnica de los flashbacks ya se había utilizado en películas anteriores, en particular El poder y la gloria (1933), [67] pero ninguna película estaba tan inmersa en ella como Ciudadano Kane . Thompson, el reportero, actúa como un sustituto de la audiencia, interrogando a los asociados de Kane y reconstruyendo su vida. [66]
En aquella época, las películas solían tener una "perspectiva omnisciente", que según Marilyn Fabe da al público la "ilusión de que miramos con impunidad a un mundo que no es consciente de nuestra mirada". Citizen Kane también comienza de esa manera hasta la secuencia News on the March , después de la cual nosotros, el público, vemos la película a través de las perspectivas de otros. [65] : 81 La secuencia News on the March ofrece una visión general de toda la vida de Kane (y de toda la historia de la película) al principio de la película, dejando al público sin el suspenso típico de preguntarse cómo terminará. En cambio, las repeticiones de los acontecimientos de la película obligan al público a analizar y preguntarse por qué la vida de Kane sucedió de la manera en que sucedió, con el pretexto de averiguar qué significa "Rosebud". Luego, la película vuelve a la perspectiva omnisciente en la escena final, cuando solo el público descubre qué es "Rosebud". [65] : 82–83
El aspecto técnico más innovador de Ciudadano Kane es el uso extendido del enfoque profundo , [68] donde el primer plano, el fondo y todo lo que está entre ellos se ven nítidos. El director de fotografía Toland logró esto a través de su experimentación con lentes e iluminación. Toland describió el logro en un artículo para la revista Theatre Arts , hecho posible gracias a la sensibilidad de la película de velocidad moderna:
En esta etapa avanzada de la fotografía cinematográfica no abundan los nuevos avances en la ciencia, pero periódicamente se perfecciona alguno para convertirlo en un arte mayor. De ellos, me encuentro en una posición excelente para hablar de lo que se denomina "enfoque panorámico", ya que he estado activo durante dos años en su desarrollo y lo utilicé por primera vez en Ciudadano Kane . Gracias a su uso, es posible fotografiar la acción desde una distancia de dieciocho pulgadas desde el objetivo de la cámara hasta más de doscientos pies de distancia, con figuras extremas del primer plano y del fondo y la acción registradas en un relieve nítido. Hasta ahora, la cámara tenía que estar enfocada para una toma cercana o lejana, y todos los esfuerzos por abarcar ambas al mismo tiempo resultaban en que una u otra quedara desenfocada. Esta desventaja requería dividir una escena en ángulos largos y cortos, con la consiguiente pérdida de realismo. Con el enfoque panorámico, la cámara, como el ojo humano, ve un panorama completo a la vez, con todo claro y realista. [69]
Otro método poco ortodoxo utilizado en la película fueron los planos bajos que apuntaban hacia arriba, lo que permitió mostrar techos en el fondo de varias escenas. Todos los decorados se construyeron con un techo [69] , lo que rompía con las convenciones de los estudios, y muchos estaban construidos con tela que ocultaba los micrófonos. [70] Welles creía que la cámara debía mostrar lo que el ojo ve, y que era una mala convención teatral pretender que no había techo: "una gran mentira para poder colocar todas esas luces terribles allí arriba", dijo. Le fascinó el aspecto de los ángulos bajos, que hacían que incluso los interiores aburridos parecieran interesantes. Se utilizó un ángulo extremadamente bajo para fotografiar el encuentro entre Kane y Leland después de que Kane perdiera las elecciones. Se cavó un agujero para la cámara, lo que requirió perforar el piso de concreto. [22] : 61–62
Welles atribuyó el mérito a Toland en la misma tarjeta de presentación que él mismo. "Es imposible decir cuánto le debo a Gregg", dijo. "Fue magnífico". [22] : 59 [71] Llamó a Toland "el mejor director de fotografía que jamás haya existido". [72]
El sonido de Ciudadano Kane fue grabado por Bailey Fesler y regrabado en posproducción por el ingeniero de audio James G. Stewart , [47] : 85 ambos habían trabajado en radio. [20] : 102 Stewart dijo que las películas de Hollywood nunca se desviaron de un patrón básico de cómo se podía grabar o usar el sonido, pero con Welles "la desviación del patrón fue posible porque él lo exigió". [41] Aunque la película es conocida por su compleja banda sonora, gran parte del audio se escucha tal como fue grabado por Fesler y sin manipulación. [20] : 102
Welles utilizó técnicas de la radio, como la superposición de diálogos. La escena en la que los personajes cantan "Oh, Mr. Kane" fue especialmente complicada y requirió mezclar varias bandas sonoras. [20] : 104 También utilizó diferentes "perspectivas sonoras" para crear la ilusión de distancias, [20] : 101 como en las escenas en Xanadu donde los personajes hablan entre sí a grandes distancias. [41] Welles experimentó con el sonido en posproducción, creando montajes de audio, [73] : 94 y eligió crear todos los efectos de sonido para la película en lugar de usar la biblioteca de efectos de sonido de RKO. [20] : 100
Welles utilizó una técnica auditiva de la radio llamada "mezcla de relámpagos". Welles utilizó esta técnica para unir secuencias de montaje complejas mediante una serie de sonidos o frases relacionadas. Por ejemplo, Kane pasa de ser un niño a un hombre joven en solo dos tomas. Cuando Thatcher le entrega un trineo a Kane, de ocho años, y le desea una Feliz Navidad, la secuencia salta de repente a una toma de Thatcher quince años después, completando la frase que comenzó tanto en la toma anterior como en el pasado cronológico. Otras técnicas de radio incluyen el uso de varias voces, cada una diciendo una frase o, a veces, simplemente un fragmento de una frase, y empalmando el diálogo en rápida sucesión, como en la escena de la sala de proyección. [74] : 413–412 El sonido de la película costó $16,996, pero originalmente se presupuestó en $7,288. [20] : 105
El crítico y director de cine François Truffaut escribió que "Antes de Kane , nadie en Hollywood sabía cómo musicalizar adecuadamente las películas. Kane fue la primera, de hecho la única, gran película que utiliza técnicas de radio... Muchos cineastas saben lo suficiente como para seguir el consejo de Auguste Renoir de llenar los ojos con imágenes a toda costa, pero sólo Orson Welles entendió que la banda sonora tenía que llenarse de la misma manera". [75] Cedric Belfrage de The Clipper escribió "de todos los sabores deliciosos que persisten en el paladar después de ver Kane , el uso del sonido es el más fuerte". [45] : 1171
El maquillaje de Ciudadano Kane fue creado y aplicado por Maurice Seiderman (1907–1989), un miembro junior del departamento de maquillaje de la RKO. [76] : 19 No había sido aceptado en el sindicato, que lo reconoció solo como aprendiz, pero la RKO lo utilizó para maquillar a los actores principales. [76] : 19 "Se suponía que los aprendices no debían maquillar a ningún actor principal, solo a los extras, y un aprendiz no podía estar en un set sin la presencia de un maquillador profesional", escribió el maquillador Dick Smith , quien se hizo amigo de Seiderman en 1979. "Durante sus años en la RKO sospecho que estas reglas probablemente se pasaron por alto a menudo". [76] : 19 "Seiderman se había ganado la reputación de ser uno de los maquilladores emergentes más inventivos y creativamente precisos de Hollywood", escribió el biógrafo Frank Brady. [19] : 253
En una de las primeras visitas a la RKO, Welles conoció a Seiderman en el pequeño laboratorio de maquillaje que había creado para sí mismo en un camerino en desuso. [76] : 19 "Welles se sintió atraído por él de inmediato", escribió el biógrafo Charles Higham, ya que Seiderman había desarrollado sus propios métodos de maquillaje "que aseguraban una naturalidad total en la expresión, una naturalidad sin rival en Hollywood". [35] : 157 Seiderman desarrolló un plan minucioso para envejecer a los personajes principales, primero haciendo un molde de yeso del rostro de cada uno de los actores que envejecían. Hizo un molde de yeso del cuerpo de Welles hasta las caderas. [77] : 46
"Mis técnicas escultóricas para el envejecimiento de los personajes se manejaron añadiendo piezas de arcilla blanca para modelar, que combinaba con el yeso, sobre la superficie de cada busto", dijo Seiderman a Norman Gambill. Cuando Seiderman logró el efecto deseado, fundió las piezas de arcilla en un material plástico blando [77] : 46 que él mismo formuló. [76] : 20 Estos aparatos se colocaron luego sobre el busto de yeso y se hizo un molde de cuatro piezas para cada fase del envejecimiento. Luego, los moldes se pintaron por completo y se combinaron con la peluca adecuada para su evaluación. [77] : 46–47
Antes de que los actores se presentaran ante las cámaras cada día, las piezas flexibles se aplicaban directamente sobre sus rostros para recrear la imagen escultural de Seiderman. La superficie facial estaba pintada de fondo con un compuesto plástico rojo flexible; [77] : 43 El fondo rojo dio como resultado una calidez de tono que fue captada por la película pancromática . Sobre eso se aplicó pintura grasa líquida y, finalmente, un talco translúcido incoloro. [77] : 42–43 Seiderman creó el efecto de poros de la piel en el rostro de Kane punteando la superficie con un molde negativo hecho a partir de una cáscara de naranja. [77] : 42, 47
Welles solía llegar al set a las 2:30 am, [22] : 69 ya que la aplicación del maquillaje escultural tomó 3½ horas para la encarnación más antigua de Kane. El maquillaje incluía aparatos para envejecer los hombros, el pecho y el estómago de Welles. [76] : 19–20 "En las fotografías de la película y la producción, se puede ver que Kane tenía una barriga que sobresalía", dijo Seiderman. "Eso no era un disfraz, era la escultura de goma la que creaba la imagen. Se podía ver cómo la camisa de seda de Kane se pegaba húmeda al cuerpo del personaje. No podría haberse hecho de otra manera". [77] : 46
Seiderman trabajó con Charles Wright en las pelucas. Estas iban sobre una cubierta de cráneo flexible que Seiderman creó y cosió en su lugar con hilo elástico. Cuando encontró que las pelucas eran demasiado tupidas, desató un cabello a la vez para alterar su forma. El bigote de Kane se insertó en la superficie del maquillaje unos pocos cabellos a la vez, para variar de manera realista el color y la textura. [77] : 43, 47 También hizo lentes esclerales para Welles, Dorothy Comingore, George Coulouris y Everett Sloane para opacar el brillo de sus ojos jóvenes. Las lentes tardaron mucho tiempo en ajustarse correctamente, y Seiderman comenzó a trabajar en ellas antes de idear cualquier otro maquillaje. "Las pinté para que envejecieran en fases, terminando con los vasos sanguíneos y el arco senil de la vejez". [77] : 47 La proeza de Seiderman fue el montaje del desayuno, filmado todo en un día. "Doce años, dos años filmados en cada escena", dijo. [77] : 47
Los grandes estudios dieron crédito en pantalla por el maquillaje sólo al jefe del departamento. Cuando el jefe del departamento de maquillaje de RKO, Mel Berns, se negó a compartir el crédito con Seiderman, que era sólo un aprendiz, Welles le dijo a Berns que no habría crédito por el maquillaje. Welles firmó un gran anuncio en el periódico de Los Ángeles: [76] : 22 [77] : 48
GRACIAS A TODOS LOS QUE OBTUVO EL CRÉDITO EN PANTALLA POR "CIUDADANO KANE"
Y GRACIAS A LOS QUE NO LO OBTUVO
, A TODOS LOS ACTORES, AL EQUIPO, A LA OFICINA, A LOS MÚSICOS, A TODOS
Y EN PARTICULAR A MAURICE SEIDERMAN, EL MEJOR MAQUILLADOR DEL MUNDO [76] : 20
Aunque se le acredita como asistente, la dirección artística de la película estuvo a cargo de Perry Ferguson . [47] : 85 Welles y Ferguson se llevaron bien durante su colaboración. [20] : 37 En las semanas previas al inicio de la producción, Welles, Toland y Ferguson se reunieron regularmente para discutir la película y planificar cada toma, diseño de escenario y utilería. Ferguson tomaba notas durante estas discusiones y creaba diseños preliminares de los escenarios y guiones gráficos para tomas individuales. Después de que Welles aprobara los bocetos preliminares, Ferguson hizo modelos en miniatura para que Welles y Toland experimentaran con un periscopio para ensayar y perfeccionar cada toma. Luego, Ferguson hizo dibujos detallados para el diseño del escenario, incluido el diseño de iluminación de la película. El diseño del escenario fue una parte integral del aspecto general de la película y la cinematografía de Toland. [20] : 42
En el guion original, el Gran Salón de Xanadu se inspiró en el Gran Salón del Castillo Hearst y su diseño incluía una mezcla de estilos renacentistas y góticos . [20] : 50–51 "El elemento Hearstiano se resalta en la yuxtaposición casi perversa de estilos y motivos arquitectónicos incongruentes", escribió Carringer. [20] : 54 Antes de que RKO recortara el presupuesto de la película, los diseños de Ferguson eran más elaborados y se parecían a los diseños de producción de las primeras películas de Cecil B. DeMille e Intolerancia . [20] : 55 Los recortes presupuestarios redujeron el presupuesto de Ferguson en un 33 por ciento y su trabajo costó $ 58,775 en total, [20] : 65 que estaba por debajo del promedio en ese momento. [73] : 93
Para ahorrar costos, Ferguson y Welles reescribieron escenas en la sala de estar de Xanadu y las transportaron al Gran Salón. Se encontró una gran escalera de otra película y se usó sin costo adicional. [20] : 56–57 Cuando se le preguntó sobre el presupuesto limitado, Ferguson dijo: "Muy a menudo, como en ese escenario de 'Xanadu' tan discutido en Ciudadano Kane , podemos hacer una pieza en primer plano, una pieza de fondo y la iluminación imaginativa sugiere mucho más en la pantalla de lo que realmente existe en el escenario". [20] : 65–66 Según el presupuesto oficial de la película, se construyeron 81 decorados, pero Ferguson dijo que había entre 106 y 116. [20] : 64
En el montaje de apertura se utilizaron fotografías del castillo de Oheka en Huntington, Nueva York , que representan la finca Xanadu de Kane. [78] [79] Ferguson también diseñó estatuas de la colección de Kane con estilos que van desde el griego hasta el gótico alemán . [20] : 61 Los decorados también se construyeron para adaptarse a los movimientos de cámara de Toland. Las paredes se construyeron para plegarse y los muebles se podían mover rápidamente. Los famosos techos de la película estaban hechos de tela de muselina y se construyeron cajas de cámara en los pisos para tomas en ángulo bajo. [20] : 64–65 Welles dijo más tarde que estaba orgulloso de que el valor de producción de la película pareciera mucho más caro que el presupuesto de la película. Aunque ninguno volvió a trabajar con Welles, Toland y Ferguson colaboraron en varias películas en la década de 1940. [20] : 65
Los efectos especiales de la película fueron supervisados por el jefe del departamento de RKO, Vernon L. Walker . [47] : 85 Welles fue pionero en varios efectos visuales para filmar de forma económica escenas de multitudes y grandes espacios interiores. Por ejemplo, la escena en la que la cámara en el teatro de la ópera se eleva dramáticamente hasta las vigas, para mostrar a los trabajadores mostrando una falta de aprecio por la actuación de Susan Alexander Kane, fue filmada con una cámara que se elevaba sobre la escena de la actuación, luego una cortina que se extendía hacia una miniatura de las regiones superiores del teatro, y luego otra cortina que la hacía coincidir nuevamente con la escena de los trabajadores. Otras escenas emplearon miniaturas de manera efectiva para hacer que la película pareciera mucho más cara de lo que realmente era, como varias tomas de Xanadu. [80]
Algunas tomas incluyeron una proyección en pantalla trasera en el fondo, como la entrevista de Thompson a Leland y algunos de los fondos del océano en Xanadu. [20] : 88 Bordwell afirma que la escena en la que Thatcher acepta ser el tutor de Kane utilizó una proyección en pantalla trasera para representar al joven Kane en el fondo, a pesar de que esta escena se cita como un excelente ejemplo de la cinematografía de enfoque profundo de Toland. [64] : 74 Se requirió un equipo de cámara de efectos especiales del departamento de Walker para las tomas de primeros planos extremos, como los labios de Kane cuando dice "Rosebud" y la toma de la máquina de escribir escribiendo la mala crítica de Susan. [20] : 88
El artista de efectos ópticos Dunn afirmó que "hasta el 80 por ciento de algunos carretes se imprimieron ópticamente". Estas tomas se atribuyeron tradicionalmente a Toland durante años. [81] : 110 La impresora óptica mejoró algunas de las tomas de enfoque profundo. [20] : 92 Un problema con la impresora óptica era que a veces creaba un granulado excesivo , como el zoom óptico de la bola de nieve. Welles decidió superponer la nieve cayendo para enmascarar el granulado en estas tomas. [20] : 94 Toland dijo que no le gustaban los resultados de la impresora óptica, [20] : 92 pero reconoció que "el experto en efectos especiales de RKO Vernon Walker, ASC, y su personal manejaron su parte de la producción, una tarea para nada despreciable, con habilidad y gran comprensión". [64] : 74–75
En cualquier momento en que el enfoque profundo era imposible (como en la escena en la que Kane termina una crítica negativa de la ópera de Susan mientras al mismo tiempo despide a la persona que comenzó a escribir la crítica), se utilizó una impresora óptica para hacer que toda la pantalla pareciera enfocada, superponiendo visualmente un trozo de película sobre otro. [20] : 92 Sin embargo, algunas tomas aparentemente de enfoque profundo fueron el resultado de efectos en la cámara , como en la famosa escena en la que Kane irrumpe en la habitación de Susan después de su intento de suicidio. En el fondo, Kane y otro hombre irrumpen en la habitación, mientras que simultáneamente el frasco de medicina y un vaso con una cuchara dentro están en primer plano en el primer plano. La toma fue una toma mate en la cámara . El primer plano se filmó primero, con el fondo oscuro. Luego se iluminó el fondo, se oscureció el primer plano, se rebobinó la película y se volvió a filmar la escena con la acción de fondo. [20] : 82
La música de la película fue compuesta por Bernard Herrmann . [82] : 72 Herrmann había compuesto para Welles para sus transmisiones de radio en el Mercury Theatre. [82] : 63 Debido a que era la primera banda sonora cinematográfica de Herrmann, RKO quería pagarle solo una pequeña tarifa, pero Welles insistió en que se le pagara al mismo precio que a Max Steiner . [82] : 72
La banda sonora estableció a Herrmann como un importante compositor de bandas sonoras cinematográficas [83] y evitó la práctica típica de Hollywood de musicalizar una película con música prácticamente ininterrumpida. En su lugar, Herrmann utilizó lo que más tarde describió como "banda sonora de radio", pistas musicales que suelen tener una duración de entre 5 y 15 segundos y que unen la acción o sugieren una respuesta emocional diferente. [82] : 77–78 La secuencia del montaje del desayuno comienza con un elegante tema de vals y se vuelve más oscura con cada variación de ese tema a medida que el paso del tiempo conduce al endurecimiento de la personalidad de Kane y la ruptura de su primer matrimonio. [84] [85]
Herrmann se dio cuenta de que los músicos que iban a tocar su música eran contratados para sesiones individuales y únicas; no había necesidad de escribir para conjuntos existentes. Esto significaba que tenía libertad para componer para combinaciones inusuales de instrumentos, incluso instrumentos que no se escuchan comúnmente. En la secuencia de apertura, por ejemplo, la visita a la finca de Kane, Xanadu, Herrmann introduce un leitmotiv recurrente tocado por instrumentos de viento de madera graves, incluido un cuarteto de flautas altas . [86]
Para la secuencia operística de Susan Alexander Kane, Welles sugirió que Herrmann compusiera una ingeniosa parodia de un vehículo de Mary Garden , un aria de Salammbô . [22] : 57 "Nuestro problema era crear algo que le diera a la audiencia la sensación de arenas movedizas en las que esta simple niña, con una voz encantadora pero pequeña, es arrojada de repente", dijo Herrmann. [82] : 79 Escribiendo en el estilo de una ópera oriental francesa del siglo XIX, [59] Herrmann puso el aria en una tonalidad que obligaría al cantante a esforzarse para alcanzar las notas altas, culminando en un re alto, muy fuera del rango de Susan Alexander. [82] : 79–80 La soprano Jean Forward dobló la parte vocal para Comingore. [83] Houseman afirmó haber escrito el libreto, basado en Athalie y Phedre de Jean Racine , [87] : 460–461 aunque persiste cierta confusión ya que Lucille Fletcher recordó haber preparado la letra. [82] : 80 Fletcher, entonces esposa de Herrmann, escribió el libreto para su ópera Cumbres borrascosas . [82] : 11
Los entusiastas de la música consideran la escena en la que Susan Alexander Kane intenta cantar la famosa cavatina "Una voce poco fa" de Il barbiere di Siviglia de Gioachino Rossini con el entrenador vocal Signor Matiste como especialmente memorable por representar los horrores de aprender música a través de errores. [88]
En 1972, Herrmann dijo: "Tuve la suerte de comenzar mi carrera con una película como Ciudadano Kane , ¡ha sido una carrera cuesta abajo desde entonces!" A Welles le encantó la banda sonora de Herrmann y le dijo al director Henry Jaglom que era responsable en un 50 por ciento del éxito artístico de la película. [82] : 84
Algunas de las músicas incidentales provienen de otras fuentes. Welles escuchó la melodía utilizada para el tema de la editorial, "Oh, Mr. Kane", en México. [22] : 57 Llamada "A Poco No", la canción fue escrita por Pepe Guízar y la letra especial fue escrita por Herman Ruby. [89]
"In a Mizz", una canción de jazz de 1939 de Charlie Barnet y Haven Johnson, enmarca la segunda entrevista de Thompson a Susan Alexander Kane. [20] : 108 [89] "En cierto modo, basé toda la escena en esa canción", dijo Welles. "La música es de Nat Cole , es su trío". [22] : 56 Más tarde, comenzando con la letra, "No puede ser amor", "In a Mizz" se interpreta en el picnic de los Everglades, enmarcando la pelea en la carpa entre Susan y Kane. [20] : 108 Aparecen músicos como el líder de la banda Cee Pee Johnson (batería), Alton Redd (voz), Raymond Tate (trompeta), Buddy Collette (saxo alto) y Buddy Banks (saxo tenor). [90]
Toda la música utilizada en el noticiero provino de la biblioteca musical de la RKO, editada a pedido de Welles por el departamento de noticieros para lograr lo que Herrmann llamó "su propia forma loca de cortar". El tema de News on the March que acompaña los títulos del noticiero es "Belgian March" de Anthony Collins , de la película Nurse Edith Cavell . Otros ejemplos son un extracto de la banda sonora de Alfred Newman para Gunga Din (la exploración de Xanadu), el tema de Roy Webb para la película Reno (el crecimiento del imperio de Kane) y fragmentos de la banda sonora de Webb para Five Came Back (presentando a Walter Parks Thatcher). [82] : 79 [89]
Una de las técnicas de edición utilizadas en Ciudadano Kane fue el uso del montaje para colapsar el tiempo y el espacio, utilizando una secuencia episódica en el mismo set mientras los personajes cambiaban de vestuario y maquillaje entre cortes para que la escena siguiente a cada corte pareciera que tuvo lugar en el mismo lugar, pero en un momento mucho después del corte anterior. En el montaje del desayuno, Welles narra la ruptura del primer matrimonio de Kane en cinco viñetas que condensan 16 años de tiempo de historia en dos minutos de tiempo en pantalla. [91] Welles dijo que la idea para la escena del desayuno "fue robada de La larga cena de Navidad de Thornton Wilder ... una obra de un solo acto, que es una larga cena de Navidad que te lleva a través de algo así como 60 años de la vida de una familia". [22] : 51 La película a menudo usa disoluciones largas para significar el paso del tiempo y su efecto psicológico en los personajes, como la escena en la que el trineo abandonado se cubre de nieve después de que el joven Kane es enviado con Thatcher. [65] : 90–91
Welles se vio influenciado por las teorías de edición de Sergei Eisenstein al utilizar cortes discordantes que causaban "contrastes gráficos o asociativos repentinos", como el corte desde el lecho de muerte de Kane hasta el comienzo de la secuencia de News on the March y una toma repentina de una cacatúa chillona al comienzo del flashback de Raymond. [65] : 88–89 Aunque la película generalmente favorece la puesta en escena sobre el montaje, la escena en la que Kane va al apartamento de Susan Alexander después de conocerla por primera vez es la única que está cortada principalmente como primeros planos con tomas y contratomas entre Kane y Susan. [47] : 68 Fabe dice que "al usar una técnica estándar de Hollywood con moderación, [Welles] revitaliza su expresividad psicológica". [65] : 88
Welles nunca confirmó una fuente principal para el personaje de Charles Foster Kane . Houseman escribió que Kane es una síntesis de diferentes personalidades, con la vida de Hearst utilizada como fuente principal. Algunos eventos y detalles fueron inventados, [87] : 444 y Houseman escribió que él y Mankiewicz también "injertaron anécdotas de otros gigantes del periodismo, incluidos Pulitzer , Northcliffe y el primer jefe de Mank, Herbert Bayard Swope ". [87] : 444 Welles dijo: "El señor Hearst se parecía bastante a Kane, aunque Kane realmente no se basa en Hearst en particular. Mucha gente lo representó, por así decirlo". [60] : 78 Reconoció específicamente que aspectos de Kane fueron extraídos de las vidas de dos magnates de negocios familiares de su juventud en Chicago: Samuel Insull y Harold Fowler McCormick . [i] [22] : 49
El personaje de Jedediah Leland se basó en el crítico de teatro Ashton Stevens , tío de George Stevens y amigo íntimo de la infancia de Welles. [22] : 66 Algunos detalles provienen de la propia experiencia de Mankiewicz como crítico de teatro en Nueva York. [23] : 77–78
Muchos asumieron que el personaje de Susan Alexander Kane estaba basado en Marion Davies, la amante de Hearst cuya carrera él dirigió y a quien Hearst promocionó como actriz cinematográfica. Esta suposición fue una de las principales razones por las que Hearst intentó destruir Ciudadano Kane . [92] [j] Welles negó que el personaje estuviera basado en Davies, [94] a quien llamó "una mujer extraordinaria, nada como el personaje que Dorothy Comingore interpretó en la película". [22] : 49 Citó la construcción de la Ópera de Chicago por parte de Insull y la lujosa promoción de McCormick de la carrera operística de su segunda esposa, Ganna Walska , como influencias directas en el guion. [22] : 49
El personaje del jefe político Jim W. Gettys está basado en Charles F. Murphy , un líder de la infame maquinaria política Tammany Hall de la ciudad de Nueva York. [28] : 61
Welles atribuyó "Rosebud" a Mankiewicz. [22] : 53 El biógrafo Richard Meryman escribió que el símbolo de la propia infancia dañada de Mankiewicz fue una bicicleta preciada, robada mientras visitaba la biblioteca pública y no reemplazada por su familia como castigo. La consideró como el prototipo del trineo de Charles Foster Kane. [23] : 300 En su biografía de Welles de 2015, Patrick McGilligan informó que el propio Mankiewicz afirmó que la palabra "Rosebud" fue tomada del nombre de un famoso caballo de carreras, Old Rosebud . Mankiewicz apostó por el caballo en el Derby de Kentucky de 1914 , que ganó, y McGilligan escribió que "Old Rosebud simbolizaba su juventud perdida y la ruptura con su familia". En su testimonio en una demanda por violación de derechos de autor interpuesta por el biógrafo de Hearst , Ferdinand Lundberg , Mankiewicz dijo: "Me había sometido a un psicoanálisis, y Rosebud, en circunstancias ligeramente parecidas a las de [ Ciudadano Kane ], jugó un papel destacado". [95] Gore Vidal ha argumentado en la New York Review of Books que "Rosebud era lo que Hearst llamaba el clítoris de su amiga Marion Davies". [96]
La secuencia News on the March que inicia la película satiriza el estilo periodístico de The March of Time , la serie de documentales y dramatizaciones de noticias presentada en salas de cine por Time Inc. [97] [98] De 1935 a 1938 [99] : 47 Welles fue miembro de la compañía no acreditada de actores que presentó la versión original de radio . [100] : 77
Houseman afirmó que el banquero Walter P. Thatcher estaba vagamente basado en JP Morgan . [47] : 55 Bernstein recibió su nombre en honor al Dr. Maurice Bernstein, designado tutor de Welles; [22] : 65–66 Se decía que la interpretación de Sloane estaba basada en Bernard Herrmann. [83] Herbert Carter, editor de The Inquirer , recibió su nombre en honor al actor Jack Carter . [35] : 155
Laura Mulvey exploró los temas antifascistas de Ciudadano Kane en su monografía de 1992 para el British Film Institute . El noticiero The News on the March presenta a Kane haciendo compañía a Hitler y otros dictadores mientras asegura con aire de suficiencia al público que no habrá guerra. [101] : 44 Escribió que la película refleja "la batalla entre la intervención y el aislacionismo" que se libraba entonces en los Estados Unidos; la película se estrenó seis meses antes del ataque a Pearl Harbor, mientras el presidente Franklin D. Roosevelt se esforzaba por ganarse la opinión pública a favor de entrar en la Segunda Guerra Mundial. "En la retórica de Ciudadano Kane ", escribe Mulvey, "el destino del aislacionismo se materializa en metáforas: en el propio destino de Kane, muriendo rico y solo, rodeado de los detritos de la cultura y la historia europeas". [47] : 15
El periodista Ignacio Ramonet ha citado la película como un ejemplo temprano de la manipulación de la opinión pública por parte de los medios de comunicación y del poder que tienen los conglomerados mediáticos para influir en el proceso democrático. Cree que este ejemplo temprano de un magnate de los medios de comunicación que influye en la política está obsoleto y que hoy "hay grupos mediáticos con el poder de mil Ciudadanos Kanes". [102] [103] El magnate de los medios Rupert Murdoch es a veces etiquetado como un Ciudadano Kane de la era moderna . [104] [105]
También se han hecho comparaciones entre la carrera y el carácter de Donald Trump y Charles Foster Kane. [106] [107] [108] Se dice que Ciudadano Kane es una de las películas favoritas de Trump, y su biógrafo Tim O'Brien ha dicho que Trump está fascinado y se identifica con Kane. [109] En una entrevista con el cineasta Errol Morris , Trump explicó su propia interpretación de los temas de la película, diciendo "Aprendes en 'Kane' que tal vez la riqueza no lo sea todo, porque tenía la riqueza pero no tenía la felicidad. En la vida real creo que la riqueza de hecho te aísla de otras personas. Es un mecanismo de protección: tienes la guardia mucho más alta [que] si no tuvieras riqueza... Tal vez pueda entender eso". [110]
Para garantizar que la influencia de la vida de Hearst en Ciudadano Kane fuera un secreto, Welles limitó el acceso a los diarios y gestionó la publicidad de la película. Un artículo de diciembre de 1940 en la revista Stage comparó la narrativa de la película con Fausto y no mencionó a Hearst. [20] : 111
La película estaba programada para estrenarse en el teatro insignia de RKO, el Radio City Music Hall, el 14 de febrero, pero a principios de enero de 1941 Welles no había terminado con el trabajo de posproducción y le dijo a RKO que aún necesitaba su banda sonora. [21] : 205 Los escritores de revistas nacionales tenían fechas límite tempranas y, por lo tanto, se realizó una vista previa de un corte preliminar para unos pocos seleccionados el 3 de enero de 1941 [20] : 111 para revistas como Life , Look y Redbook . La columnista de chismes Hedda Hopper (una archirrival de Louella Parsons , la corresponsal de Hollywood para los periódicos de Hearst) se presentó a la proyección sin invitación. La mayoría de los críticos en el preestreno dijeron que les gustó la película y le dieron buenas críticas anticipadas. Hopper escribió negativamente sobre ella, llamando a la película un "ataque vicioso e irresponsable a un gran hombre" y criticando su escritura cursi y fotografía pasada de moda. [21] : 205
La revista Friday publicó un artículo que comparaba punto por punto a Kane y Hearst y documentaba cómo Welles había engañado a Parsons. [20] : 111 Hasta entonces, Welles había sido amigo de Parsons. La revista citó a Welles diciendo que no podía entender por qué ella era tan amable con él y que debería "esperar hasta que la mujer se entere de que la foto es sobre su jefe". Welles negó inmediatamente haber hecho la declaración y el editor de Friday admitió que podría ser falsa. Welles se disculpó con Parsons y le aseguró que nunca había hecho ese comentario. [21] : 205
Poco después del artículo del viernes , Hearst envió a Parsons una carta furiosa en la que se quejaba de que se había enterado de Ciudadano Kane por Hopper y no por ella. El incidente puso en ridículo a Parsons y la obligó a empezar a atacar a Welles y a la película. Parsons exigió una proyección privada de la película y amenazó personalmente a Schaefer en nombre de Hearst, primero con una demanda y luego con una vaga amenaza de consecuencias para todos en Hollywood. El 10 de enero, Parsons y dos abogados que trabajaban para Hearst tuvieron la oportunidad de ver la película en privado. [21] : 206 James G. Stewart estuvo presente en la proyección y dijo que ella se fue de la película. [40] : 11
Poco después, Parsons llamó a Schaefer y amenazó a RKO con una demanda si liberaban a Kane . [20] : 111 También se puso en contacto con la gerencia del Radio City Music Hall y exigió que no lo emitieran. [21] : 206 Al día siguiente, el titular de primera plana del Daily Variety decía: "HEARST PROHIBE A RKO DE LOS PERIÓDICOS". [111] Hearst comenzó esta prohibición suprimiendo la promoción de Kitty Foyle de RKO , [73] : 94 pero en dos semanas se levantó la prohibición para todo excepto Kane . [20] : 111
Cuando Schaefer no se sometió a Parsons, llamó a otros jefes de estudio e hizo más amenazas en nombre de Hearst para exponer la vida privada de personas en toda la industria cinematográfica. [21] : 206 Welles fue amenazado entonces con una exposición sobre su romance con la actriz casada Dolores del Río , quien quería que el asunto se mantuviera en secreto hasta que se finalizara su divorcio. [21] : 207 En una declaración a los periodistas, Welles negó que la película fuera sobre Hearst. Hearst comenzó a preparar una orden judicial contra la película por difamación e invasión de la privacidad, pero el abogado de Welles le dijo que dudaba que Hearst procediera debido a la publicidad negativa y el testimonio requerido que traería una orden judicial. [21] : 209
El 13 de enero, The Hollywood Reporter publicó en primera plana un artículo en el que se afirmaba que los periódicos de Hearst estaban a punto de publicar una serie de editoriales que atacaban la práctica de Hollywood de contratar refugiados e inmigrantes para trabajos que podían realizar los estadounidenses. El objetivo era presionar a los otros estudios para que obligaran a RKO a dejar de lado a Kane . [20] : 111 Muchos de esos inmigrantes habían huido de Europa tras el ascenso del fascismo y temían perder el refugio de los Estados Unidos. [21] : 209 Poco después, Nicholas Schenck , director de la empresa matriz de Metro-Goldwyn-Mayer , se acercó a Schaefercon una oferta en nombre de Louis B. Mayer y otros ejecutivos de Hollywood a RKO Pictures de 805.000 dólares para destruir todas las copias de la película y quemar el negativo. [20] : 111–112 [112]
Una vez que el equipo legal de RKO tranquilizó a Schaefer, el estudio anunció el 21 de enero que Kane se estrenaría según lo programado y con una de las campañas promocionales más grandes en la historia del estudio. Schaefer llevó a Welles a la ciudad de Nueva York para una proyección privada de la película con los jefes corporativos de Nueva York de los estudios y sus abogados. [20] : 112 No hubo objeción a su estreno siempre que se hicieran ciertos cambios, incluida la eliminación o suavización de referencias específicas que pudieran ofender a Hearst. [20] : 112–113 Welles estuvo de acuerdo y redujo la duración de 122 minutos a 119 minutos. Los recortes satisficieron a los abogados corporativos. [20] : 113
Ahora que la película estaba terminada, RKO tuvo que vendérsela a los espectadores. El método habitual era que un editor de cine de un estudio recopilara un montaje de los momentos destacados para un tráiler de estreno , que se mostraría al público poco antes de que la película llegara a su cine local. El tráiler de Ciudadano Kane fue algo especial y, como la película en sí, fue radicalmente diferente de la exhibición general. Fue realmente un pionero de lo que ahora se conoce como tráiler teaser , que despertaba la curiosidad de los espectadores sobre la película sin revelar realmente nada del contenido.
Escrito y dirigido por Welles por sugerencia de Toland, el tráiler de Ciudadano Kane no presenta ni un solo segundo de metraje de la película en sí, sino que actúa como una pieza pseudodocumental totalmente original y con humor sobre la producción de la película. [37] : 230 Filmado al mismo tiempo que Ciudadano Kane , ofrece el único metraje existente detrás de escena de la película. El tráiler, filmado por el camarógrafo Harry Wild en lugar de Toland, sigue a un Welles invisible mientras brinda narración para un recorrido por el set de filmación, presentaciones de los miembros principales del elenco de la película y una breve descripción general del personaje de Kane. [22] : 360 El tráiler también contiene una serie de tomas con truco, incluida una de Everett Sloane que al principio parece correr hacia la cámara, que resulta ser el reflejo de la cámara en un espejo. [113]
En su momento, era casi inédito que el tráiler de una película no mostrara nada de la película en sí; y aunque Ciudadano Kane se cita con frecuencia como una película innovadora e influyente, Simon Callow sostiene que su tráiler no era menos original en su enfoque. Callow escribe que tiene "un gran encanto lúdico... es un documental en miniatura , casi una introducción al cine... Bromista, encantador, completamente original, es una especie de truco de magia: sin que su rostro aparezca ni una sola vez en la pantalla, Welles domina por completo sus cinco minutos de duración". [24] : 558–9
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La dirección del Radio City Music Hall se negó a proyectar Citizen Kane para su estreno. Un posible factor fue la amenaza de Parsons de que The American Weekly publicaría una historia difamatoria sobre el abuelo del principal accionista de RKO, Nelson Rockefeller. [20] : 115 Otros exhibidores temían ser demandados por difamación por Hearst y se negaron a mostrar la película. [21] : 216 En marzo, Welles amenazó a la junta directiva de RKO con una demanda si no estrenaban la película. Schaefer apoyó a Welles y se opuso a la junta directiva. [21] : 210 Cuando RKO siguió retrasando el estreno de la película, Welles ofreció comprar la película por un millón de dólares y el estudio finalmente aceptó estrenarla el 1 de mayo. [21] : 215
Schaefer logró contratar algunos cines dispuestos a proyectar la película, pero los periódicos de Hearst se negaron a aceptar publicidad. [20] : 115 Los anuncios publicitarios de RKO para la película la promocionaban erróneamente como una historia de amor. [21] : 217
Kane se estrenó en el RKO Palace Theatre de Broadway en Nueva York el 1 de mayo de 1941, [13] en Chicago el 6 de mayo y en Los Ángeles el 8 de mayo. [20] : 115 Welles dijo que en el estreno de Chicago al que asistió el teatro estaba casi vacío. [21] : 216
Las críticas se dividieron en tres tipos: excelentes, mixtas y negativas. La mayoría pertenecían a la primera categoría. Al día siguiente del estreno de Ciudadano Kane , el crítico del New York Times Bosley Crowther escribió que "se acerca a ser la película más sensacional jamás hecha en Hollywood... Cuenten con el señor Welles: no hace las cosas a medias... En la pantalla descubrió un área lo suficientemente grande para que sus caprichos expansivos tuvieran libre juego. Y la consecuencia es que ha hecho una película de alcance tremendo y abrumador, no tanto en extensión física como en su rápida y gráfica rotación de pensamientos. El señor Welles ha puesto en la pantalla una película que realmente conmueve". [114]
El Washington Post la llamó "una de las películas más importantes en la historia" del cine. [115] El Washington Evening Star dijo que Welles era un genio que creó "una biografía magníficamente dramática de otro genio" y "una película que es revolucionaria". [116] La crítica del New York Daily News, Kate Cameron, la llamó "una de las películas más interesantes y técnicamente superiores que haya salido jamás de un estudio de Hollywood". [117] El crítico del New York World-Telegram, William Boehnel, dijo que la película era "asombrosa y pertenece a la vez a los mayores logros cinematográficos". [118] La revista Time escribió que "ha encontrado nuevas técnicas importantes en la realización de imágenes y la narración de historias". [21] : 211 La reseña de la revista Life dijo que "pocas películas han salido de Hollywood con una narrativa tan poderosa, una técnica tan original, una fotografía tan emocionante". [21] : 211 John C. Mosher de The New Yorker llamó al estilo de la película "como aire fresco" y elogió "Algo nuevo ha llegado al mundo del cine por fin". [119] : 68 Anthony Bower de The Nation la calificó de "brillante" y elogió la cinematografía y las actuaciones de Welles, Comingore y Cotten. [120] La reseña de John O'Hara en Newsweek la calificó como la mejor película que había visto y dijo que Welles era "el mejor actor en la historia de la actuación". [21] : 211 Welles calificó la reseña de O'Hara como "la mejor reseña que alguien haya tenido jamás". [37] : 100
En el Reino Unido, CA Lejeune de The Observer la llamó "La película más emocionante que ha salido de Hollywood en veinticinco años" [121] y Dilys Powell de The Sunday Times dijo que el estilo de la película fue hecho "con la facilidad, la audacia y el recurso de alguien que controla y no es controlado por su medio". [122] : 63 Edward Tangye Lean de Horizon elogió el estilo técnico de la película, llamándola "quizás una década por delante de sus contemporáneos". [123] [k]
Otras críticas fueron mixtas. Edwin Schallert del Los Angeles Times dijo que era brillante y hábil por momentos, pero tuvo un final que "bastante fallido". [125] El Chicago Tribune calificó la película como interesante y diferente, pero "su sacrificio de la simplicidad a la excentricidad le quita distinción y valor de entretenimiento general". [126] Otis Ferguson de The New Republic dijo que era "el trazo a mano alzada más audaz en la producción cinematográfica importante desde que Griffith y Bitzer se volvieron locos para liberar la cámara", pero también criticó su estilo, llamándolo un "retroceso en la técnica cinematográfica" y afirmando que "no ocupa un gran lugar" en la historia del cine. [127] Ferguson reaccionó a algunas de las técnicas visuales celebradas de la película llamándolas "simples incursiones deliberadas" y "el viejo juego de trileros". En una reseña cinematográfica poco común, el cineasta Erich von Stroheim criticó la historia y la estructura no lineal de la película, pero elogió el estilo técnico y las actuaciones, y escribió: "Cualquiera que sea la verdad al respecto, Ciudadano Kane es una gran película y pasará a la historia del cine. ¡Más poder para Welles!" [128]
Algunos críticos destacados escribieron reseñas negativas. Ninguno de ellos descartó la película como completamente mala, destacando los innegables efectos técnicos de la película, pero sí encontraron fallas en la narrativa. Eileen Creelman de The New York Sun la llamó "una película fría, sin emociones, un rompecabezas más que un drama". [35] : 178 En su reseña de 1941 para Sur , Jorge Luis Borges llamó a la película "un laberinto sin centro" y predijo que su legado sería una película "cuyo valor histórico es innegable pero que nadie se preocupa por volver a ver". [129] El crítico de Argus Weekend Magazine, Erle Cox, calificó la película de "increíble", pero pensó que la ruptura de Welles con las tradiciones de Hollywood fue "exagerada". [ 130] James Agate de Tatler la llamó "la cosa bien intencionada, confusa y amateur que uno espera de los intelectuales"; [131] admitió que era "una película bastante buena", pero insistió en que "intenta ejecutar el ensayo psicológico junto con su thriller detectivesco, y no lo logra del todo". [132] Otras personas a las que no les gustó la película fueron WH Auden [37] : 98 y James Agee . [37] : 99 Después de ver la película el 29 de enero de 1942, la futura estrella británica Kenneth Williams , que entonces tenía 15 años, describió secamente la película en su primer diario como "podredumbre boshey". [133]
La película tuvo un buen desempeño en ciudades y pueblos más grandes, pero le fue mal en áreas más remotas. RKO todavía tenía problemas para conseguir que los exhibidores exhibieran la película. Por ejemplo, una cadena que controlaba más de 500 cines obtuvo la película de Welles como parte de un paquete, pero se negó a exhibirla, supuestamente por miedo a Hearst. [20] : 117 La interrupción del estreno de la película por parte de Hearst dañó su desempeño en taquilla y, como resultado, perdió $ 160,000 durante su exhibición inicial. [134] : 164 [135] La película ganó $ 23,878 durante su primera semana en Nueva York. Para la novena semana solo ganó $ 7,279. En general, perdió dinero en Nueva York, Boston, Chicago, Los Ángeles, San Francisco y Washington, DC, pero obtuvo ganancias en Seattle. [21] : 216
Los espectadores que vieron la película generalmente difundieron comentarios negativos entre sus vecinos, y los exhibidores de Estados Unidos y Canadá no tuvieron reparos en expresar sus reacciones, como se publicó en Motion Picture Herald . Algunos propietarios de cines fueron perspicaces, reconociendo las sorprendentes nuevas técnicas, pero admitiendo que la taquilla fue mala: "Es probable que haga que su auditorio resuene desde el vacío como los gigantescos muros de piedra en el increíble castillo de Kane. Con o sin taquilla, esta inusual película es sin duda un paso hacia la elevación del plano artístico del cine en general". [136] Un exhibidor de una ciudad universitaria informó: "Pensé que estaba bien, al igual que la mayoría de las personas que asistieron a las funciones. Sin embargo, hubo algunos a quienes no les gustó o no la entendieron. El negocio fue simplemente promedio". [137] "No intenten decirme que Orson Welles no es un genio; en esto ha producido una película magnífica y con ella ha logrado que yo tenga la recaudación más baja que jamás haya experimentado. Habría jurado que una recaudación tan ridícula era absolutamente imposible. Si se dirige a los entendidos en cine, esta película está hecha para ustedes. Pero a mí me duele todo el cuerpo." [138] Otros fueron más directos: "A nadie le gustó esto y lo dijeron. Recaudamos lo suficiente para pagarla, así que nos consideramos muy afortunados." [139] "Un día después de proyectarla todavía dudamos en salir caminando sin escolta. La mitad de las pocas docenas que pagaron para ver esta obra maestra se fueron, y la otra mitad se quedó sólo para pensar en nuevas bromas sucias para lanzar en nuestra dirección al salir." [140] "Una película muy cara. Pero gané un poco de dinero con mi ayuda. Se tomaron tres días libres porque tenían miedo de estar solos en el teatro." [141] "Puedes pararte frente a un espejo y llamarte 'tonto' cuando juegas a esta película. No tiene una sola característica que lo redima. No atraerá a nadie; los que vengan no sabrán de qué se trata". [142] Un exhibidor de Minnesota resumió la situación de las áreas rurales: "Mis clientes todavía no saben de qué se trata. Es demasiado larga y demasiado profunda. No tiene valor de taquilla para los pueblos pequeños". [143]
Al enterarse de Ciudadano Kane, Hearst se enfureció tanto que prohibió cualquier publicidad, crítica o mención de la película en sus periódicos, e hizo que sus periodistas difamaran a Welles. [112] Welles utilizó la oposición de Hearst como pretexto para preestrenar la película en varias proyecciones de opinión en Los Ángeles, haciendo lobby por su valor artístico contra la campaña hostil que Hearst estaba librando. [112] A principios de marzo se realizó una proyección especial para la prensa. Henry Luce estuvo presente y, según se informó, quería comprar la película a RKO por un millón de dólares para distribuirla él mismo. Las críticas de esta proyección fueron positivas. Un titular de Hollywood Review decía: "El señor genio se manifiesta; 'Kane', una película asombrosa". El Motion Picture Herald informó sobre la proyección y la intención de Hearst de demandar a RKO. La revista Time escribió que "la objeción del señor Hearst, que fundó un imperio editorial basado en el sensacionalismo, es irónica. Para la mayoría de los cientos de personas que han visto la película en proyecciones privadas, Ciudadano Kane es el producto más sensacional de la industria cinematográfica estadounidense". En abril se realizó una segunda proyección para la prensa. [73] : 94
Cuando Schaefer rechazó la oferta de Hearst de suprimir la película, Hearst prohibió a todos los periódicos y estaciones de su conglomerado de medios de comunicación reseñar la película (o incluso mencionarla). También hizo que muchos cines la prohibieran, y muchos no la proyectaron por miedo a ser expuestos socialmente por su enorme imperio periodístico. [144] El documental nominado al Oscar The Battle Over Citizen Kane pone la culpa del relativo fracaso de la película directamente a los pies de Hearst. La película tuvo un negocio decente en taquilla; pasó a ser la sexta película más taquillera en su año de estreno, un éxito modesto que sus patrocinadores encontraron aceptable. Sin embargo, el desempeño comercial de la película no cumplió con las expectativas de sus creadores. [92] El biógrafo de Hearst, David Nasaw, señala que las acciones de Hearst no fueron la única razón por la que Kane fracasó: las innovaciones que Welles hizo con la narrativa, así como el oscuro mensaje en el corazón de la película (que la búsqueda del éxito es en última instancia inútil) significaron que una audiencia popular no podía apreciar sus méritos. [145] : 572–573
Los ataques de Hearst contra Welles fueron más allá de intentar suprimir la película. Welles dijo que mientras estaba en su gira de conferencias posterior a la filmación, un detective de policía se le acercó en un restaurante y le aconsejó que no volviera a su hotel. Se dice que una niña de 14 años estaba escondida en el armario de su habitación y dos fotógrafos lo estaban esperando. Sabiendo que sería encarcelado después de la publicidad resultante, Welles no regresó al hotel, sino que esperó hasta que el tren saliera de la ciudad a la mañana siguiente. "Pero ese no fue Hearst", dijo Welles, "fue un sicario del periódico local de Hearst que pensó que haría algo para mejorar su situación". [22] : 85–86
En marzo de 1941, Welles dirigió una versión para Broadway de Native Son de Richard Wright (y, para tener suerte, utilizó un trineo "Rosebud" como atrezzo). Native Son recibió críticas positivas, pero los periódicos propiedad de Hearst aprovecharon la oportunidad para atacar a Welles tachándolo de comunista. [21] : 213 Los periódicos de Hearst atacaron enérgicamente a Welles después de su obra de radio de abril de 1941, "His Honor, the Mayor", [146] producida para la serie de radio The Free Company en CBS. [100] : 113 [147]
Welles describió su encuentro casual con Hearst en un ascensor del hotel Fairmont la noche del estreno de Ciudadano Kane en San Francisco. Hearst y el padre de Welles eran conocidos, así que Welles se presentó y le preguntó a Hearst si le gustaría ir a la inauguración. Hearst no respondió. "Cuando se bajaba en su piso, le dije: 'Charles Foster Kane habría aceptado'. No hubo respuesta", recordó Welles. "Y Kane lo habría hecho, ya sabes. Ese era su estilo, justo cuando terminó la mala crítica de Jed Leland sobre Susan como cantante de ópera". [22] : 49–50 [148]
En 1945, el periodista de Hearst Robert Shaw escribió que la película recibió "una ola de furia insensata" por parte de los periódicos de Hearst, "pero luego se calmó de repente. Con una sola neurona en funcionamiento, el jefe se dio cuenta de que esos ladridos histéricos de las focas amaestradas atraerían demasiada atención a la película. Pero hasta el día de hoy el nombre de Orson Welles está en la lista oficial de hijos de puta de todos los periódicos de Hearst". [119] : 102
A pesar de los intentos de Hearst de destruir la película, desde 1941 las referencias a su vida y carrera generalmente han incluido una referencia a Ciudadano Kane , como el titular 'Muere el hijo de Ciudadano Kane' para el obituario del hijo de Hearst. [149] En 2012, el patrimonio de Hearst acordó proyectar la película en el Castillo Hearst en San Simeón, rompiendo la prohibición de Hearst sobre la película. [148]
Los críticos modernos le han dado a Ciudadano Kane una respuesta aún más positiva. El sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes informa que el 99% de 125 críticos le dieron a la película una reseña positiva, con una calificación promedio de 9.70/10. El consenso crítico del sitio dice: "La historia épica de Orson Welles sobre el ascenso y la caída de un magnate editorial es entretenida, conmovedora e inventiva en su narrativa, ganándose su reputación como un logro histórico en el cine". [150] En abril de 2021, se señaló que la adición de una reseña negativa de hace 80 años del Chicago Tribune redujo la calificación de la película del 100% al 99% en el sitio; Ciudadano Kane mantuvo su calificación del 100% hasta principios de 2021. [151] Sin embargo, en Metacritic , la película todavía tiene una puntuación promedio ponderada poco común de 100 sobre 100 basada en 19 críticos, lo que indica "aclamación universal". [152]
La película fue incluida por el Vaticano en una lista de películas importantes compilada en 1995, bajo la categoría de "Arte". [153]
Se creía ampliamente que la película ganaría la mayoría de sus nominaciones al Oscar , pero solo recibió el premio al Mejor guion original . Variety informó que la votación en bloque de los extras de pantalla privó a Ciudadano Kane de Mejor película y Mejor actor , y es probable que prejuicios similares hayan sido responsables de que la película no recibiera premios técnicos. [20] : 117 [158]
Ciudadano Kane fue la única película hecha bajo el contrato original de Welles con RKO Pictures, que le dio control creativo completo. [21] : 223 El nuevo gerente comercial y abogado de Welles permitió que el contrato caducara. En julio de 1941, [159] [160] Welles firmó a regañadientes un nuevo y menos favorable acuerdo con RKO [21] : 223 bajo el cual produjo y dirigió The Magnificent Ambersons (1942), produjo Journey into Fear (1943) y comenzó It's All True , una película que acordó hacer sin pago. En el nuevo contrato, Welles era un empleado del estudio [161] y perdió el derecho al corte final, lo que más tarde permitió a RKO modificar y volver a cortar The Magnificent Ambersons a pesar de sus objeciones. [21] : 223 En junio de 1942, Schaefer renunció a la presidencia de RKO Pictures y el contrato de Welles fue rescindido por su sucesor . [58]
El estreno europeo de Kane se retrasó hasta después de la Segunda Guerra Mundial, estrenándose en París en 1946. La recepción inicial de los críticos franceses estuvo influenciada por las opiniones negativas de Jean-Paul Sartre y Georges Sadoul , quienes criticaron la sofisticación cultural de Hollywood y el uso nostálgico de los flashbacks en la película. Sin embargo, el crítico André Bazin pronunció un discurso transformador en 1946 que cambió la opinión pública. Bazin elogió la película por su uso innovador de la puesta en escena y la cinematografía de enfoque profundo , abogando por un realismo fílmico que permite al público involucrarse más activamente con la narrativa. Los ensayos de Bazin, especialmente "La técnica de Ciudadano Kane", desempeñaron un papel crucial en la mejora de la reputación de la película, argumentando que revolucionó el lenguaje y la estética cinematográfica. Su defensa de "Ciudadano Kane" como obra de arte influyó en otros críticos y contribuyó a una reevaluación más amplia de la película en Europa y Estados Unidos. [162] : 37
En Estados Unidos, la película fue ignorada inicialmente hasta que comenzó a aparecer en televisión en la década de 1950 y se volvió a estrenar en los cines. El crítico de cine estadounidense Andrew Sarris fue importante en la recuperación de su reputación, describiéndola como una película estadounidense profundamente influyente. A lo largo de las décadas, "Ciudadano Kane" ha sido constantemente clasificada en los primeros puestos de las encuestas y sondeos de la crítica, y a menudo se la cita como la mejor película jamás realizada. [5]
La estructura narrativa, la cinematografía y los temas de la película han influido en innumerables cineastas y películas de todo el mundo, afirmando su lugar como piedra angular en la historia del cine . Directores de cine y críticos notables han reconocido su impacto en su trabajo y en el panorama cinematográfico en general, subrayando su legado perdurable tanto en la teoría como en la práctica. [163]
Se cree que el negativo de la cámara compuesta de Ciudadano Kane se perdió para siempre. La explicación más común es que se destruyó en un incendio en un laboratorio cinematográfico de Nueva Jersey en la década de 1970. Sin embargo, en 2021, Nicolas Falacci reveló que un colega le había contado "la verdadera historia", cuando era uno de los dos empleados del laboratorio de restauración de películas que montó la "restauración" de 1991 a partir de los mejores elementos disponibles. Falacci señaló que durante todo el proceso recibió visitas diarias en 1990-91 de un "ejecutivo mayor de RKO que se presentaba todos los días, nervioso y sudando", cuyo nombre no se dio a conocer. Según el colega de Falacci, este anciano estaba ansioso por encubrir un error administrativo que había cometido décadas antes cuando estaba a cargo del inventario del estudio, que había dado como resultado que los negativos originales de la cámara se enviaran a una planta de recuperación de plata, destruyendo la película de nitrato para extraer su valioso contenido de plata. El relato de Falacci es imposible de verificar, pero habría estado en total consonancia con la práctica estándar de la industria durante muchas décadas, que consistía en destruir copias y negativos de innumerables películas antiguas consideradas no comercialmente viables para extraer la plata. [164]
Las copias posteriores se derivaron de un positivo maestro (un elemento de conservación de grano fino) hecho en la década de 1940 y originalmente destinado a su uso en distribución en el extranjero. [165] Se utilizaron técnicas modernas para producir una copia prístina para una reedición teatral del 50 aniversario en 1991 que Paramount Pictures lanzó para el entonces propietario Turner Broadcasting System , [166] que recaudó $ 1,6 millones en América del Norte [167] y $ 1,8 millones en todo el mundo. [3]
En 1955, RKO vendió los derechos de televisión estadounidense de su biblioteca de películas, incluyendo Ciudadano Kane , a C&C Television Corp. [168] En 1960, los derechos de televisión de la biblioteca de acción en vivo de RKO anterior a 1959 fueron adquiridos por United Artists . RKO conservó los derechos de televisión no transmitida de su biblioteca. [169]
En 1976, cuando el vídeo doméstico estaba en sus inicios, el empresario Snuff Garrett compró los derechos de los casetes de la biblioteca RKO por lo que United Press International denominó "una miseria". En 1978, The Nostalgia Merchant estrenó la película a través de Media Home Entertainment . En 1980, la biblioteca de 800 títulos de The Nostalgia Merchant estaba ganando 2,3 millones de dólares al año. "Hace cuatro años nadie quería casetes", dijo Garrett a UPI. "No era la primera vez que la gente me llamaba loco. Era un hobby para mí que se convirtió en un gran negocio". [170] RKO Home Video estrenó la película en VHS y Betamax en 1985. [171]
El 3 de diciembre de 1984, The Criterion Collection lanzó la película como su primer LaserDisc . [172] Fue hecha a partir de un positivo maestro de grano fino proporcionado por el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA . [173] Cuando se le dijo sobre el concepto entonces nuevo de tener un comentario de audio en el disco, Welles se mostró escéptico pero dijo "teóricamente, eso es bueno para enseñar películas, siempre y cuando no digan tonterías". [37] : 283 En 1992, Criterion lanzó una nueva Edición del 50.º Aniversario LaserDisc. Esta versión tenía una transferencia mejorada y características especiales adicionales, incluido el documental The Legacy of Citizen Kane y el primer corto de Welles " The Hearts of Age ". [174]
Turner Broadcasting System adquirió los derechos de transmisión televisiva de la biblioteca RKO en 1986 [175] y los derechos mundiales completos de la biblioteca en 1987. [176] La unidad RKO Home Video se reorganizó en Turner Home Entertainment ese año. [177] En 1991, Turner lanzó una Edición del 50.° aniversario en VHS y como edición de coleccionista que incluye la película, el documental Reflections On Citizen Kane , el álbum del 50.° aniversario de Harlan Lebo, un póster y una copia del guion original. [178] En 1996, Time Warner adquirió Turner y Warner Home Video absorbió a Turner Home Entertainment. [179] En 2011, la unidad Warner Bros. de Time Warner tenía los derechos de distribución de la película. [180]
En 2001, Warner Home Video lanzó una edición de coleccionistas en DVD del 60.º aniversario . El DVD de dos discos incluía comentarios de larga duración de Roger Ebert y Peter Bogdanovich , así como un segundo DVD con el documental de larga duración The Battle Over Citizen Kane (1999). Se lanzó simultáneamente en VHS. [181] [182] El DVD fue criticado por ser " demasiado brillante, demasiado limpio ; la suciedad y la mugre se habían eliminado, pero también se había eliminado gran parte de la textura, la profundidad y la sensación de grano de la película". [183]
En 2003, la hija de Welles, Beatrice Welles, demandó a Turner Entertainment, alegando que el patrimonio de Welles es el titular legal de los derechos de autor de la película. Afirmó que el acuerdo de Welles para rescindir sus contratos con RKO significaba que los derechos de autor de Turner sobre la película eran nulos y sin valor. También afirmó que el patrimonio de Orson Welles tenía derecho al 20% de las ganancias de la película si su reclamación de derechos de autor no se aceptaba. En 2007 se le permitió seguir adelante con la demanda, revocando la decisión de 2004 a favor de Turner Entertainment sobre la cuestión de los derechos de vídeo. [184]
En 2011, se lanzó en Blu-ray y DVD en una edición del 70.° aniversario. [185] El San Francisco Chronicle lo llamó "el lanzamiento en Blu-ray del año". [186] Los suplementos incluyeron todo lo disponible en el lanzamiento de Warner Home Video de 2001, incluido el DVD The Battle Over Citizen Kane . Una Ultimate Collector's Edition del 70.° aniversario agregó un tercer DVD con RKO 281 (1999), una película para televisión premiada sobre la realización de la película. Sus extras de empaque incluían un libro de tapa dura y un folio que contenía mini reproducciones del programa de recuerdo original, tarjetas de vestíbulo y memorandos y correspondencia de producción. [187] La transferencia para los lanzamientos de EE. UU. se escaneó como resolución 4K a partir de tres impresiones diferentes de 35 mm y rectificó los problemas de calidad del DVD de 2001. [183] El resto del mundo continuó recibiendo lanzamientos de video doméstico basados en la transferencia más antigua. Esto se corrigió parcialmente en 2016 con el lanzamiento de la Edición del 75.° Aniversario tanto en el Reino Unido como en los EE. UU., que fue un reempaquetado directo del disco principal de la Edición del 70.° Aniversario. [188] [189]
El 11 de agosto de 2021, Criterion anunció que sus primeros lanzamientos en 4K Ultra HD , una lista de seis películas, incluirían Citizen Kane . Criterion indicó que cada título estaría disponible en un paquete combinado que incluía un disco 4K UHD del largometraje, así como la película y características especiales en los Blu-ray complementarios. [190] Citizen Kane fue lanzado el 23 de noviembre de 2021 por la colección como un paquete de 4K y 3 discos Blu-ray. Sin embargo, el lanzamiento fue retirado porque en la marca de media hora en el Blu-ray normal, el contraste cayó bruscamente, lo que resultó en una imagen mucho más oscura de lo que se suponía que debía ocurrir. [191] Sin embargo, este problema no se aplica a la versión 4K en sí.
En la década de 1980, Ciudadano Kane se convirtió en un catalizador en la controversia sobre la colorización de películas en blanco y negro . Un defensor de la colorización de películas fue Ted Turner , [192] cuya Turner Entertainment Company era dueña de la biblioteca RKO. [193] Un portavoz de Turner Entertainment declaró inicialmente que Ciudadano Kane no sería coloreada, [194] pero en julio de 1988 Turner dijo: "¿ Ciudadano Kane? Estoy pensando en colorearla". [195] A principios de 1989 se informó que dos empresas estaban produciendo pruebas de color para Turner Entertainment. Las críticas aumentaron cuando el cineasta Henry Jaglom declaró que poco antes de su muerte Welles le había implorado "no dejes que Ted Turner desfigure mi película con sus crayones". [196]
En febrero de 1989, el presidente de Turner Entertainment, Roger Mayer, anunció que el trabajo para colorear la película se había detenido debido a las disposiciones del contrato de Welles de 1939 con RKO que "podrían interpretarse como una prohibición de la coloración sin el permiso de los herederos de Welles". [197] Mayer añadió que el contrato de Welles era "bastante inusual" y que "otros contratos que hemos revisado no son como este en absoluto". [198] Turner solo había coloreado el último rollo de la película antes de abandonar el proyecto. En 1991, un minuto del metraje de prueba coloreado se incluyó en el documental de la BBC Arena The Complete Citizen Kane . [l] [199]
La controversia sobre la coloración fue un factor que influyó en la aprobación de la Ley Nacional de Preservación de Películas en 1988, que creó el Registro Nacional de Películas al año siguiente. El presentador de ABC News, Peter Jennings, informó que "una de las principales razones para hacer esto es exigir a personas como el presentador Ted Turner, que ha estado añadiendo color a algunas películas y reeditando otras para la televisión, que coloquen avisos en esas versiones diciendo que las películas han sido alteradas". [200]
El 28 de octubre, Atlantic–Little, Brown publicará
The Citizen Kane Book
, un volumen de gran tamaño que incluirá no solo "Raising Kane" sino también, como siempre había pretendido la señorita Kael, el texto completo y original del guión de rodaje de Mankiewicz–Welles, publicado aquí por primera vez.
Orson Welles (sentado junto al megáfono gigante) dirige una escena de 'Ciudadano Kane' de 1941 mientras está en cama por una fractura de tobillo que sufrió durante el rodaje. El caballero con visera junto a la cámara es el director de fotografía Gregg Toland. Fotógrafo de producción: Alexander Kahle
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