Michael Curtiz ( / k ɜːr ˈ t iː z / kur-Tiz ; nacido Manó Kaminer ; de 1905 Mihály Kertész ; húngaro : Kertész Mihály ; 24 de diciembre de 1886 - 10 de abril de 1962) fue un director de cine húngaro-estadounidense, reconocido como uno de los directores más prolíficos de la historia. [2] : 67 Dirigió películas clásicas de la era del cine mudo y muchas otras durante la Edad de Oro de Hollywood , cuando prevalecía el sistema de estudios .
Curtiz ya era un director muy conocido en Europa cuando Warner Bros. lo invitó a Hollywood en 1926, cuando tenía 39 años. Ya había dirigido 64 películas en Europa, y pronto ayudó a Warner Bros. a convertirse en el estudio cinematográfico de más rápido crecimiento. Dirigió 102 películas durante su carrera en Hollywood, la mayoría en Warners, donde dirigió a diez actores que fueron nominados al Oscar. James Cagney y Joan Crawford ganaron sus únicos Premios de la Academia bajo la dirección de Curtiz. Puso a Doris Day y John Garfield en la pantalla por primera vez, e hizo estrellas a Errol Flynn , Olivia de Havilland y Bette Davis . Él mismo fue nominado cinco veces, y ganó dos, una como Mejor Cortometraje por Sons of Liberty y otra como Mejor Director por Casablanca .
Curtiz fue uno de los que introdujo en Hollywood un estilo visual que utilizaba iluminación artística, movimientos de cámara amplios y fluidos, tomas elevadas con grúa y ángulos de cámara inusuales. Era versátil y podía manejar cualquier género cinematográfico: melodrama, comedia, historia de amor, cine negro , musical, historia de guerra, western , terror o épica histórica. Siempre prestó atención al aspecto de interés humano de cada historia, afirmando que los "problemas humanos y fundamentales de la gente real" eran la base de todo buen drama. [3]
La muerte de 25 caballos en La carga de la Brigada Ligera bajo la dirección de Curtiz condujo a una confrontación casi violenta entre Curtiz y la estrella Errol Flynn , lo que llevó al Congreso de los EE. UU. y a la ASPCA a promulgar leyes y políticas para prevenir la crueldad hacia los animales en los sets de películas.
Curtiz ayudó a popularizar el clásico de espadachines , con películas como Capitán Blood (1935) y Las aventuras de Robin Hood (1938). Dirigió muchos otros dramas que se consideran clásicos: Ángeles con caras sucias (1938), El lobo de mar (1941), Casablanca (1942) y Mildred Pierce (1945). Dirigió musicales importantes, incluidos Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943) y White Christmas (1954), e hizo comedias, con Life with Father (1947) y We're No Angels (1955).
Curtiz nació como Manó Kaminer [a] en una familia judía en Budapest en 1886, donde su padre era carpintero y su madre cantante de ópera. [1] [4] : 20 [5] En 1905, cambió su nombre a Mihály Kertész. [b] [c] Curtiz tuvo una educación de clase media baja. Recordó durante una entrevista que la casa de su familia era un apartamento estrecho, donde tenía que compartir una pequeña habitación con sus dos hermanos y una hermana. "Muchas veces, pasamos hambre", agregó. [4] : 20
Después de graduarse de la escuela secundaria, estudió en la Universidad Markoszy, seguida de la Real Academia de Teatro y Arte, en Budapest, antes de comenzar su carrera. [d]
Curtiz se sintió atraído por el teatro cuando era niño en Hungría. Construyó un pequeño teatro en el sótano de la casa de su familia cuando tenía 8 años, donde él y cinco de sus amigos representaban obras. Montaban el escenario, con la escenografía y los accesorios, y Curtiz los dirigía.
Después de graduarse de la universidad a los 19 años, aceptó un trabajo como actor en una compañía de teatro ambulante, donde comenzó a trabajar como uno de sus actores ambulantes . [7] A partir de ese trabajo, se convirtió en pantomima en un circo por un tiempo, pero luego regresó para unirse a otro grupo de actores ambulantes por unos años más. Interpretaban a Ibsen y Shakespeare en varios idiomas, dependiendo del país en el que estuvieran. Actuaron en toda Europa, incluidos Francia, Hungría, Italia y Alemania, y finalmente aprendió cinco idiomas. [7] Tenía varias responsabilidades:
Teníamos que hacer de todo: hacer carteles, imprimir programas, montar decorados, arreglar vestuarios, a veces incluso arreglar las sillas en los auditorios. A veces viajábamos en tren, a veces en diligencias, a veces a caballo. A veces tocábamos en ayuntamientos, a veces en pequeños restaurantes sin ningún decorado. A veces hacíamos funciones al aire libre. Aquellos actores ambulantes eran las personas de más buen corazón que he conocido. Hacían cualquier cosa por los demás. [7]
Trabajó como Mihály Kertész en el Teatro Nacional Húngaro en 1912. [8] : 5 y fue miembro del equipo de esgrima húngaro en los Juegos Olímpicos de Estocolmo. Kertész dirigió el primer largometraje de Hungría, Hoy y mañana ( Ma és holnap , 1912), en el que también tuvo un papel protagonista. A eso le siguió otra película, El último bohemio ( Az utolsó bohém , también de 1912). [9] : 163
Curtiz comenzó a vivir en varias ciudades de Europa para trabajar en películas mudas en 1913. Primero fue a estudiar al estudio Nordisk en Dinamarca , lo que lo llevó a trabajar como actor y asistente de dirección de August Blom en el primer largometraje multicarrete de Dinamarca, Atlantis (1913). [10]
Después de que comenzara la Primera Guerra Mundial en 1914, regresó a Hungría, donde sirvió en el ejército durante un año, antes de ser herido luchando en el frente ruso. [10] [11] Curtiz escribió sobre ese período:
La embriagadora alegría de vivir se interrumpió, el mundo se había vuelto loco... Nos enseñaron a matar. Me reclutaron en el ejército del Emperador... Después de eso, sucedieron muchas cosas: destrucción, miles de personas silenciadas para siempre, mutiladas o enviadas a tumbas anónimas. Luego vino el colapso [de Austria-Hungría]. El destino me había salvado. [4] : 22
Se le asignó la tarea de realizar documentales para recaudar fondos para la Cruz Roja en Hungría. [10] En 1917, fue nombrado director de producción en Phoenix Films, el estudio líder en Budapest, donde permaneció hasta que abandonó Hungría. [12] : 173 Sin embargo, ninguna de las películas que dirigió allí sobrevive intacta, y la mayoría se han perdido por completo. [12] : 173
En 1918, se había convertido en uno de los directores más importantes de Hungría, [10] habiendo dirigido hasta entonces alrededor de 45 películas. [9] : 163 Sin embargo, tras el final de la guerra, en 1919, el nuevo gobierno comunista nacionalizó la industria cinematográfica, por lo que decidió regresar a Viena para dirigir películas allí. [10]
Curtiz trabajó brevemente en UFA GmbH , una compañía cinematográfica alemana, donde aprendió a dirigir grandes grupos de extras disfrazados, además de utilizar tramas complicadas, ritmo rápido y temas románticos. [9] Su carrera realmente comenzó debido a su trabajo para el conde Alexander Kolowrat (conocido como Sascha), con quien hizo al menos 21 películas para el estudio cinematográfico del conde, Sascha Films . Curtiz escribió más tarde que en Sascha, "aprendió las leyes básicas del arte cinematográfico, que, en aquellos días, habían progresado más en Viena que en cualquier otro lugar". [12] : 173
Entre las películas que dirigió se encuentran epopeyas bíblicas como Sodoma y Gomorra (1922) y La reina esclava (1924) (titulada Luna de Israel en los EE. UU.). [10] También hizo Tacones rojos (1925) y La mariposa dorada (1926), [1] y una vez dirigió a Greta Garbo, de 14 años, en Suecia. [13] Durante este período, tendió a especializarse en dirigir dos tipos de películas, ya sean comedias ligeras sofisticadas o espectaculares históricos. [12] : 173 Lanzó la carrera de Lucy Doraine , quien se convirtió en una estrella internacional, junto con la de Lili Damita , quien luego se casó con Errol Flynn . [12] : 173
Me quedé tendido en los pasillos ante el trabajo de cámara de Curtiz... [ante] tomas y ángulos que eran pura genialidad.
– Jack L. Warner , después de ver Moon of Israel [14] : 136
La luna de Israel (1924) fue un espectáculo de la esclavitud de los hijos de Israel y su liberación milagrosa a través del Mar Rojo. Filmada en Viena con un elenco de 5.000 personas, tuvo como tema la historia de amor de una doncella israelita y un príncipe egipcio. [9] : 163 Paramount Pictures en los EE. UU. compró los derechos de la película para competir con Los diez mandamientos de Cecil B. DeMille . Sin embargo, La luna de Israel llamó la atención de Jack y Harry Warner , y Harry fue a Europa en 1926 solo para conocer a Curtiz y verlo trabajar como director. [e]
Los Warner estaban impresionados de que Curtiz hubiera desarrollado un estilo visual único que estaba fuertemente influenciado por el expresionismo alemán , con tomas elevadas con grúa y ángulos de cámara inusuales. La película también mostró que a Curtiz le gustaba incluir melodrama romántico "contra eventos de gran importancia histórica, para llevar a sus personajes a crisis y obligarlos a tomar decisiones morales", según Rosenzweig. [14] : 136 Le ofreció a Curtiz un contrato para ser director en su nuevo estudio de cine en Hollywood, Warner Bros. , donde dirigiría una epopeya similar que se había planeado, El arca de Noé (1928). [10] [16] Cuando Curtiz aceptó la oferta de Warner, ya era un director prolífico, habiendo realizado 64 películas en países como Hungría, Austria y Dinamarca. [17] : 3
Curtiz llegó a los Estados Unidos en el verano de 1926, [18] : 63 y comenzó a dirigir en Warner Bros. bajo el nombre anglicanizado de Michael Curtiz. Durante lo que se convirtió en un período de 28 años en Warner Bros., dirigió 86 películas, incluido su mejor trabajo.
Aunque era un cineasta experimentado, a sus 38 años, Warners le encargó dirigir una serie de películas de calidad media para que se hiciera un nombre, la primera de las cuales fue The Third Degree (1926). [1] La técnica única de trabajo de cámara de Curtiz se utilizó en todo momento, visible en ángulos de cámara dramáticos, en un estilo que un crítico supuso que otros directores probablemente envidiarían. [19]
Cuando llegué aquí, me llamaban para dirigir seis o siete películas al año. Nunca rechacé ni una sola historia. Ésa fue mi formación. Trabajé duro en cada una de ellas. Así es como se aprende.
– Michael Curtiz [20]
Sin embargo, aprender inglés rápidamente fue un obstáculo inmediato, ya que no tenía tiempo libre. Cuando Jack Warner le dio la dirección de la película, Curtiz recuerda: "No sabía hablar ni una palabra de inglés". [20] Era una historia romántica sobre la vida en prisión y los gánsteres de Chicago, un lugar en el que nunca había estado, y sobre personajes del submundo estadounidense a los que nunca había conocido. [13]
Para adquirir experiencia directa sobre el tema, Curtiz convenció al sheriff de Los Ángeles para que le permitiera pasar una semana en prisión. “Cuando salí, sabía lo que necesitaba para la película”. [20]
Curtiz creía firmemente que había que investigar el trasfondo de cada historia y hacerlo a fondo antes de empezar a rodar una película. [20] Decía que siempre que alguien le preguntaba cómo él, siendo extranjero, podía hacer películas estadounidenses, respondía: "Los seres humanos son iguales en todo el mundo. Las emociones humanas son internacionales". Trató sus primeras películas en Estados Unidos como experiencias de aprendizaje:
Lo único que es diferente en las distintas partes del mundo son las costumbres... Pero esas costumbres son fáciles de descubrir si sabes leer e investigar. En el centro hay una buena biblioteca pública. Allí puedes abrir un libro y averiguar todo lo que quieras saber. [20]
Curtiz nunca le daba un trato de segunda mano a un encargo una vez que lo aceptaba. Se adelantaba y adornaba la trama y los personajes con un movimiento de cámara fluido, una iluminación exquisita y un ritmo vertiginoso. Incluso si un guión era realmente malo y los protagonistas eran verdaderos aficionados, Curtiz disimulaba las deficiencias tan bien que el público a menudo no reconocía una sustancia superficial hasta que tenía hambre de otra película media hora después.
– Autor William Meyer [12] : 174
Aunque la barrera del idioma dificultaba la comunicación con los actores y el equipo técnico, siguió invirtiendo tiempo en la preparación. Antes de dirigir su primer western, por ejemplo, pasó tres semanas leyendo sobre la historia de Texas y las vidas de sus personajes más importantes. [11] Consideró necesario continuar estudiando tan intensamente la cultura y las costumbres estadounidenses como preparación para la mayoría de los demás géneros cinematográficos. [11] Pero estaba bastante satisfecho estando en Hollywood:
Es estupendo trabajar aquí en este país. Uno tiene todo a mano para trabajar. El director no tiene que preocuparse de nada más que de sus ideas. Puede concentrarse en ellas sin preocuparse por nada más que por su producción. [21]
El tercer grado (1926), disponible en la Biblioteca del Congreso , hizo un buen uso de la experiencia de Curtiz en el uso de cámaras en movimiento para crear escenas expresionistas, como una toma secuencia desde la perspectiva de una bala en movimiento. [1] La película fue la primera de ocho películas de Curtiz en tener a Dolores Costello como su estrella. [1]
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Warner Bros. encargó a Curtiz que dirigiera otras tres historias mediocres para asegurarse de poder aceptar proyectos más grandes, durante los cuales pudo familiarizarse con sus métodos y trabajar con los técnicos, incluidos los camarógrafos, a quienes utilizaría en producciones posteriores. [14] : 137 Como explica el biógrafo James C. Robertson, "En cada caso, Curtiz se esforzó valientemente, pero sin éxito, por revitalizar guiones poco convincentes a través de un trabajo de cámara espectacular y fuertes actuaciones centrales, las características más notables de todas esas películas". [14] : 137
En una visita a Hollywood en 1927, Ilya Tolstoy , hijo de León Tolstoy , que había sido amigo de Curtiz en Europa, quiso que dirigiera varias películas basadas en las novelas de su padre. Eligió a Curtiz porque ya conocía el lugar y su gente. [22] Durante este período, Warner Bros. comenzó a experimentar con películas habladas. Asignaron dos películas con escenas habladas para que Curtiz las dirigiera: Tenderloin (1928) y Noah's Ark (1928), ambas protagonizadas también por Costello. [16]
El Arca de Noé incluía dos historias paralelas, una que narraba el diluvio bíblico y la otra un romance ambientado en la Primera Guerra Mundial. Fue la primera película épica que intentó Warner Bros., y al entregarle la producción a Curtiz, esperaban asegurar su éxito. La secuencia culminante del diluvio se consideró "espectacular" en ese momento, observó el historiador Richard Schickel , [23] : 31 mientras que el biógrafo James C. Robertson dijo que fue "uno de los incidentes más espectaculares de la historia del cine". [6] : 16 Su elenco estaba compuesto por más de 10.000 extras. Sin embargo, la reedición de la película en 1957 recortó una hora del tiempo original de 2 horas y 15 minutos. La historia fue una adaptación escrita por Bess Meredyth , quien se casó con Curtiz unos años después. [24]
El éxito crítico de estas películas de Curtiz contribuyó a que Warner Bros. se convirtiera en el estudio de más rápido crecimiento en Hollywood. [1]
En 1930, Curtiz dirigió Mammy (1930), la cuarta película de Al Jolson después de participar en la primera película sonora de Hollywood , El cantante de jazz (1927). Durante la década de 1930, Curtiz dirigió al menos cuatro películas por año.
El aspecto más obvio de la firma de Curtiz como director es su estilo visual expresionista , y su característica más obvia son sus ángulos de cámara inusuales y sus composiciones cuidadosamente detalladas, abarrotadas y complejas, llenas de espejos y reflejos, humo y niebla, y objetos físicos, muebles, follaje, barras y ventanas, que se interponen entre la cámara y los personajes humanos y parecen rodearlos y atraparlos.
– Biógrafo Sidney Rosenzweig [8] : 157
Aunque eran proyectos inusuales para Warner Bros., Curtiz dirigió dos películas de terror para el estudio, Doctor X (1932) y Mystery of the Wax Museum (1933), ambas en Technicolor temprano , con numerosas escenas atmosféricas filmadas en el estudio. [1]
Otra película revolucionaria fue 20,000 Years in Sing Sing (1932), protagonizada por los entonces poco conocidos actores Spencer Tracy y Bette Davis en una de sus primeras películas. [25] El director de MGM, Louis B. Mayer, vio la película y quedó tan impresionado por la actuación de Tracy que lo contrató para la lista de estrellas de MGM. [26] : 221
La carrera estadounidense de Curtiz no despegó realmente hasta 1935. [2] : 63 A principios de la década de 1930, Warner Bros. luchaba por competir con la más grande MGM, que lanzaba dramas de época como La reina Cristina (1933) con Greta Garbo , La isla del tesoro (1934) con Wallace Beery y El conde de Monte Cristo (1934). Warner Bros. decidió arriesgarse y producir su propio drama de época.
Hasta entonces, era un género en el que Warners había asumido que nunca podría tener éxito, debido a sus mayores presupuestos de producción durante los años de la Gran Depresión . Sin embargo, en marzo de 1935, Warners anunció que produciría Captain Blood (1935), un drama de acción de capa y espada basado en la novela de Rafael Sabatini , y dirigido por Curtiz. [2] : 63 Estaría protagonizada por un extra entonces desconocido, Errol Flynn , [13] junto a la poco conocida Olivia de Havilland . [27]
La película fue un gran éxito con críticas positivas. Fue nominada al premio Óscar a la mejor película y, aunque no fue nominada, Curtiz recibió el segundo número más alto de votos a la mejor dirección , únicamente a partir de votos por escrito . También convirtió en estrellas tanto a Flynn como a De Havilland, y elevó a Curtiz a la categoría de director principal del estudio. [2] : 63
Curtiz continuó el exitoso género de películas de aventuras protagonizadas por Flynn (a menudo con de Havilland) que incluían La carga de la Brigada Ligera (1936), una representación de la Brigada Ligera Británica durante la Guerra de Crimea . [28] La película, otra ganadora del Óscar, fue un éxito mayor en taquilla que El capitán Blood . [2] : 64 Fue seguida por Las aventuras de Robin Hood (1938, codirigida con William Keighley a quien Curtiz reemplazó), la película más rentable ese año, [2] : 64 también ganó tres Premios de la Academia y fue nominada a Mejor Película. [29] Está en la lista de las 100 mejores películas de Rotten Tomatoes . [30]
Siendo esa su tercera película de Curtiz juntos, Flynn y de Havilland continuaron protagonizando otras películas de gran éxito bajo su dirección, incluida The Private Lives of Elizabeth and Essex (1939), también coprotagonizada por Bette Davis. [31] Davis protagonizó una película de Curtiz en la mayoría de los años durante la década de 1930. [2] : 73
Curtiz obtuvo algunos de los mejores trabajos de Edward G. Robinson en Kid Galahad (1937), donde Robinson interpretó a un boxeador duro y sardónico, pero en última instancia de buen corazón. [32] La película fue coprotagonizada por Bette Davis y Humphrey Bogart . [1] [33]
Debido a la alta productividad cinematográfica de Curtiz, Warner Bros. creó una unidad especial para sus películas, que le permitió gestionar dos equipos de filmación. Uno trabajaba con él durante el rodaje, mientras que el otro preparaba todo para la siguiente película. [34]
John Garfield fue uno de los descubrimientos de Curtiz. Curtiz descubrió a Garfield, un actor de teatro, por accidente, cuando se encontró con una prueba de pantalla descartada que había realizado y pensó que era muy bueno. Garfield había asumido que había reprobado la prueba de pantalla y ya se dirigía de regreso a Nueva York disgustado. Curtiz luego fue a Kansas City para interceptar el tren, donde sacó a Garfield y lo llevó de regreso a Hollywood. [13] Garfield hizo su debut en Cuatro hijas (1938), seguido por un papel coprotagonista en su secuela, Cuatro esposas (1939). Garfield también coprotagonizó más tarde The Sea Wolf (1941) de Curtiz.
En Cuatro hijas , Garfield coprotagonizó junto a Claude Rains , quien protagonizaría 10 películas de Curtiz a lo largo de su carrera, seis de ellas durante la década de 1930. [1] Garfield y Rains "fueron brillantes juntos en este clásico de Curtiz injustamente descuidado", dice el biógrafo Patrick J. McGrath. [35] Garfield lo consideró su "obra maestra oscura". [35] Las críticas elogiaron su papel: "Quizás el mayor acontecimiento individual relacionado con Cuatro hijas al leer a los críticos parece ser el debut de John Garfield, un joven actor brillante reclutado en el escenario de Broadway". [36] Una aprobación similar vino de The New York Times , que calificó la actuación de Garfield como "amargamente brillante... una de las mejores películas de la carrera de cualquiera". [36] Garfield y Rains coprotagonizaron al año siguiente Curtiz' Daughters Courageous (1939).
Cuando James Cagney protagonizó Ángeles con caras sucias (1938) de Curtiz, fue nominado al Oscar por primera vez. [1] El Círculo de Críticos de Cine de Nueva York lo votó como mejor actor por su interpretación en la película, donde interpretó el papel de un matón que se redime. [2] : 64 [37] Curtiz también fue nominado nuevamente, consolidando aún más su estatus como el director más importante del estudio. [2] : 64 Curtiz fue nominado al Oscar de 1938 al Mejor Director tanto por Ángeles con caras sucias como por Cuatro hijas , perdiendo ante Frank Capra por No puedes llevártelo contigo . Curtiz, sin embargo, había dividido sus votos entre dos películas y, de hecho, tenía el mayor número de votos agregados de la Academia. [38]
Al año siguiente, Curtiz dirigió un cortometraje, Sons of Liberty (1939), protagonizado por Claude Rains, en una película biográfica que dramatiza la contribución judía a la independencia de Estados Unidos. [2] : 44 Curtiz ganó un premio de la Academia en la categoría de Mejor Cortometraje (Dos carretes) , por esta película. [39]
Tres westerns dirigidos por Curtiz y protagonizados por Flynn fueron Dodge City (1939), [40] Santa Fe Trail (1940), coprotagonizada por el futuro presidente estadounidense Ronald Reagan , [41] y Virginia City (1940). [42] [43]
Durante la década de 1940, Curtiz continuó estrenando películas aclamadas por la crítica, entre ellas The Sea Hawk (1940), Dive Bomber (1941), The Sea Wolf (1941), Casablanca (1942), Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943), Mildred Pierce (1945) y Life with Father (1947).
Uno de los mayores éxitos de 1940 fue The Sea Hawk , protagonizada por Errol Flynn en el papel de un aventurero al estilo de Sir Francis Drake . [44] Flora Robson interpretó a la reina Isabel I , y Claude Rains actuó como el embajador español, cuyo trabajo era engañar a la reina que sospechaba con razón que la Armada española estaba a punto de intentar invadir Inglaterra. Algunos críticos sintieron que la historia era equivalente a los hechos reales que estaban teniendo lugar en Europa, describiéndola como una "diatriba apenas velada contra el aislacionismo estadounidense al borde de la Segunda Guerra Mundial ". [45] El columnista de cine Boyd Martin notó las similitudes:
El paralelismo entre los sueños de imperio de los que se entregó el rey Felipe de España y los que aparentemente disfrutó momentáneamente Hitler es tan obvio que no escapará a la detección ni siquiera del seguidor de cine más joven que lea su periódico y vaya a ver la película... Al haberle proporcionado un paralelismo, el Sr. Curtiz monta su Sea Hawk codo a codo con la historia contemporánea. [46]
Dive Bomber (1941) [47] se estrenó unos meses antes del ataque a Pearl Harbor .
Curtiz filmó cada pie del Dive Bomber con la ayuda de la Marina y bajo un estricto escrutinio de la Marina. [48] Filmar en la base naval activa en San Diego requirió mucho cuidado, especialmente para las secuencias aéreas. Para crear tomas realistas, montó cámaras en los aviones de la Marina para lograr "asombrosas tomas desde el punto de vista", llevando a los espectadores dentro de la cabina durante el vuelo. También montó cámaras debajo de las alas de los aviones para dramatizar los despegues del Enterprise , un portaaviones lanzado unos años antes. [49]
Bosley Crowther del New York Times le dio una buena crítica: [50]
Los Warner han fotografiado esta imagen en uno de los tecnicolor más magníficos que se han visto hasta ahora... masas de aviones de colores brillantes, alineados en filas impresionantes alrededor de una base aérea o en las enormes cubiertas de vuelo de los portaaviones, y rugiendo con majestuosa plata, ala con ala, a través de los cielos ilimitados de la Costa Oeste. Nunca antes una película de aviación había sido tan vívida en sus imágenes, había transmitido tal sensación de solidez tangible cuando nos mostraba cosas sólidas o había estado tan llena de luz solar y aire limpio cuando las cámaras estaban en el aire. A excepción de unas pocas tomas mal emparejadas, el trabajo es casi perfecto.
La película fue bien recibida por el público, convirtiéndose en la sexta película más popular de ese año. [51] Ninguna otra película anterior a Pearl Harbor igualó la calidad de sus escenas de vuelo. [49] La columnista de cine Louella Parsons escribió: " Dive Bomber nuevamente nos alegra de ser estadounidenses protegidos por una Armada tan competente como la nuestra". [49]
Edward G. Robinson protagonizó El lobo de mar (1941), su segunda película dirigida por Curtiz. [52] Interpretó al capitán dictatorial y desenfrenado de un barco en una adaptación de una de las novelas más conocidas de Jack London . Robinson dijo que el personaje que interpretó "era un nazi en todo menos en el nombre", lo que, observó Robinson, era relevante para el estado del mundo en ese momento. [1] [53] John Garfield e Ida Lupino fueron elegidos para interpretar a los jóvenes amantes que intentan escapar de su tiranía. Algunas críticas describieron la película como una de las "joyas ocultas... una de las obras más complejas de Curtiz". [54] Robinson quedó impresionado por la intensa personalidad de Garfield, que sintió que pudo haber contribuido a la muerte de Garfield a los 39 años:
John Garfield fue uno de los mejores actores jóvenes que he conocido, pero su pasión por el mundo era tan intensa que temí que cualquier día le diera un ataque al corazón. No tardó mucho en hacerlo. [53]
Con la magnífica versión de 1941 de El lobo de mar de Michael Curtiz ... se hizo por una vez justicia plena al texto de London... con la ayuda de modelos, máquinas de humo recién introducidas y un tanque de estudio, la película captó de manera inquietante una atmósfera malévola, inquietante y llena de terror... Desde sus económicas escenas iniciales... hasta su poderoso clímax... cautivó de manera constante. A lo largo de toda la película, Curtiz proporcionó lecciones objetivas sobre el uso del sonido (el crujido de las maderas del barco, los crujidos de los pasos, el viento) y los primeros planos.
– Charles Higham y Joel Greenburg,
Hollywood en los años cuarenta [55] : 281
Curtiz dirigió otra película de la Fuerza Aérea, Captains of the Clouds (1942), sobre la Real Fuerza Aérea Canadiense . Fue protagonizada por James Cagney y Brenda Marshall. Según Hal B. Wallis , su productor, se convirtió en la producción más extensa y difícil de Warner Bros., y todo tuvo que ser reubicado en Canadá. [56] : 76 Al igual que Dive Bomber , las vívidas escenas aéreas filmadas en Technicolor fueron otra característica que atrajo la atención de la crítica, y la película fue nominada a Mejor dirección artística y Mejor fotografía en color. [57]
Poco después de que Captains of the Clouds se completara, pero se estrenó después de su siguiente película, Casablanca , Curtiz dirigió la película biográfica musical, Yankee Doodle Dandy (1942), una película sobre el cantante, bailarín y compositor George M. Cohan . [58] Protagonizada por James Cagney en un papel totalmente opuesto al que había interpretado cuatro años antes en Angels with Dirty Faces de Curtiz . Mientras que la película anterior se convirtió en un punto culminante de la carrera de Cagney por sus interpretaciones de un gángster, un papel que interpretó en muchas películas anteriores, en esta película, un musical abiertamente patriótico, Cagney demuestra su considerable talento para el baile y el canto. Fue el papel favorito de su carrera. [59]
La valiente actuación de Cagney le valió su único premio de la Academia como Mejor Actor. Para Warner Bros., se convirtió en el mayor éxito de taquilla en la historia de la compañía hasta ese momento, nominado a nueve premios de la Academia y ganado cuatro. El éxito de la película también se convirtió en un punto culminante en la carrera de Curtiz, con su nominación como Mejor Director. La película ha sido agregada a los anales de Hollywood como un clásico cinematográfico, preservada en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos en la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa". [10]
Curtiz dirigió Casablanca (1942), un drama romántico ambientado en la Segunda Guerra Mundial descrito por Roger Ebert en 1996 como una de las películas más populares jamás realizadas. [60] Sus estrellas fueron Humphrey Bogart, interpretando a un expatriado que vive en Marruecos, e Ingrid Bergman como una mujer que intentaba escapar de los nazis. El reparto secundario incluye a Paul Henreid , Claude Rains, Conrad Veidt , Sydney Greenstreet y Peter Lorre . La película recibió ocho nominaciones al Oscar y ganó tres, incluida una para Curtiz como Mejor Director. [1] La revista Time en 2012 describió a Casablanca como "la mejor película jamás realizada". [61]
Otra película patriótica de Curtiz fue This Is the Army (1943), un musical adaptado de la obra de teatro con una banda sonora de Irving Berlin . [62] Mientras Estados Unidos estaba inmerso en la Segunda Guerra Mundial, la película elevó la moral de los soldados y del público. La interpretación de Kate Smith de " God Bless America " fue uno de los aspectos más destacados de las diecinueve canciones de la película. [63] Como resultado de los numerosos elementos populares y genéricos de la película, como el combate terrestre y aéreo, el reclutamiento, el entrenamiento y la marcha, así como la comedia, el romance, la canción y el baile, fue la película de temática bélica de mayor éxito financiero de cualquier tipo realizada durante la Segunda Guerra Mundial . [64]
This Is the Army sigue siendo el tributo musical más fresco, más entrañable y más conmovedor al combatiente estadounidense que ha surgido de la Segunda Guerra Mundial... alegre, cautivador, tan estadounidense como los perritos calientes o la Carta de Derechos... un documento reconfortante y cálido sobre el estado de la nación. Es, de principio a fin, un gran espectáculo.
– Bosley Crowther , The New York Times [64]
Durante este período, Curtiz también dirigió la película de propaganda de la Segunda Guerra Mundial Misión a Moscú (1943), una película que fue encargada a petición del presidente Franklin D. Roosevelt en apoyo del aliado de Estados Unidos y Gran Bretaña , la Unión Soviética , que en ese momento mantenía bajo control al 80% de todas las fuerzas alemanas mientras repelían la invasión nazi de Rusia . La película fue en su mayoría bien recibida por los críticos y fue un éxito de taquilla, pero pronto resultó ser controvertida después de provocar fuertes ataques anticomunistas . Curtiz se tomó las críticas como algo personal y prometió no volver a dirigir una película abiertamente política, promesa que cumplió. [14] : 148
Mildred Pierce (1945) estuvo basada en la novela de James M. Cain . [65] Su estrella, Joan Crawford , dio una de las actuaciones más fuertes de su carrera, interpretando a una madre y exitosa empresaria que sacrifica todo por su hija malcriada, interpretada por Ann Blyth .
En el momento en que Crawford aceptó el papel de Warner Bros., su carrera de 18 años en MGM estaba en declive. [66] Había sido una de las estrellas más prominentes y mejor pagadas de Hollywood, pero sus películas comenzaron a perder dinero y, a fines de la década de 1930, fue etiquetada como "veneno de taquilla". En lugar de permanecer en MGM y ver a los nuevos talentos más jóvenes atraer la mayor parte de la atención del estudio con mejores papeles, dejó MGM y firmó un contrato con Warner Bros. con un salario reducido. [67]
Curtiz quería originalmente a Barbara Stanwyck para el papel. Sin embargo, Crawford, que para entonces no había aparecido en una película durante dos años, hizo todo lo posible para conseguir el papel. Algo poco habitual en una gran estrella, incluso estuvo dispuesta a hacer una audición para Curtiz. Ella ya sabía que "el señor Mike Curtiz me odiaba... No quiero esos hombros grandes y anchos", dijo él. Durante la lectura de una escena emotiva que él estaba viendo, ella vio que él se sentía tan abrumado por su interpretación que lloró y luego dijo: "Te amo, cariño". [68]
Para ayudar a Crawford a prepararse para ciertas escenas judiciales, Curtiz la llevó al centro de la ciudad, donde pasaron tiempo visitando cárceles y viendo juicios penales. [69] Al fotografiarla, utilizó cuidadosas técnicas de cámara de cine negro , un estilo que aprendió en Europa, para resaltar los rasgos del rostro de Crawford, utilizando ricos reflejos en blanco y negro. [70] Era consciente de que Crawford protegía su imagen en pantalla con mucho cuidado y que realmente se preocupaba por la calidad. Crawford aprendió a apreciar el genio de Curtiz con la cámara. [71] Eve Arden , quien fue nominada como Mejor Actriz de Reparto por la película, dijo que "Curtiz fue uno de los pocos directores que sabía lo que quería y era capaz de expresarse exactamente, incluso con su divertido acento húngaro". [71]
Mildred Pierce fue nominada a seis premios Óscar, incluyendo el de Mejor Película. Sólo Crawford ganó, como Mejor Actriz, su primer y único Oscar. [67] El autor de la novela, James M. Cain, le regaló una copia encuadernada en cuero de Mildred Pierce , en la que escribió: «Para Joan Crawford, que dio vida a Mildred como siempre había esperado que fuera, y a quien le estaré agradecido de por vida». [72] La película devolvió a Crawford a las filas de las estrellas principales.
Tras el éxito de la película, Jack Warner le dio a Curtiz dos nuevos y excepcionales contratos como muestra de agradecimiento, aumentando su salario y reduciendo a dos el número de películas que debía dirigir cada año. [73]
Curtiz dirigió a William Powell e Irene Dunne en Life with Father (1947), una comedia familiar. [74] Fue un gran éxito en los Estados Unidos y fue nominada a cuatro premios de la Academia, incluido el de Mejor Actor para Powell. Durante la carrera de Powell, actuó en 97 películas; su tercera y última nominación fue por esta película. Una crítica decía: "Es magnífico en el papel, lo impregna de todos los atributos de pompa, dignidad, vanidad inconsciente y absoluta ternura. La suya es una de las mejores actuaciones cinematográficas del año... que corona una larga vida cinematográfica". [75]
A finales de los años 40, Curtiz firmó un nuevo acuerdo con Warner Bros. en virtud del cual el estudio y su propia productora compartirían los costes y beneficios de sus películas posteriores con las que se estrenaran a través de Warner Bros. "Voy a intentar crear mi propia compañía de reparto y convertir en estrellas a desconocidos. Cada vez es más imposible fichar a las grandes estrellas, porque están atadas para los dos próximos años", afirmó. [76] También afirmó que le preocupaba menos la apariencia que la personalidad a la hora de contratar a un actor. "Si son guapos, eso es algo extra. Pero yo busco personalidad". [76]
Pronto se dio cuenta de que las buenas historias eran aún más difíciles de conseguir: "Los estudios pagan cualquier cosa por buenas historias... las compran antes de que nadie más pueda conseguirlas", se quejaba. Se dice que la historia de Life With Father le costó al estudio 300.000 dólares, y el presupuesto total para hacer la película fue de unos 3 millones de dólares. [76] Sin embargo, las películas posteriores no tuvieron un buen desempeño, ya sea como parte de los cambios en la industria cinematográfica en este período o porque Curtiz "no tenía habilidades para dar forma a la totalidad de una película". [18] : 191 De cualquier manera, como dijo el propio Curtiz, "solo te aprecian en la medida en que llevas el dinero a la taquilla . Te tiran a la cuneta al día siguiente". [18] : 332
Las películas de Curtiz continuaron abarcando una amplia gama de géneros, incluidos biopics, comedias y musicales. Algunos de los éxitos de taquilla y las películas mejor recibidas durante la década de 1950 incluyeron Young Man with a Horn (1950), Jim Thorpe – All-American (1951), The Story of Will Rogers (1952), White Christmas (1954), We're No Angels (1955) y King Creole (1958).
Young Man with a Horn (1950) fue protagonizada por Kirk Douglas , Lauren Bacall y Doris Day , con Douglas interpretando el ascenso y la caída de un músico de jazz motivado, basado en el cornetista de la vida real Bix Beiderbecke . [77] [78] Curtiz dirigió una película biográfica real, Jim Thorpe - All-American (1951), esta vez protagonizada por Burt Lancaster , basada en la historia real de un atleta nativo americano que ganó más medallas de oro que cualquier otro atleta en los Juegos Olímpicos de Verano de 1912 en Estocolmo. [79] La película recibió aplausos como una de las películas deportivas más convincentes de todas. [80]
Curtiz siguió con I'll See You in My Dreams (1952), con Doris Day y Danny Thomas . [81] La película es una biografía musical del letrista Gus Kahn . Fue la cuarta película de Day dirigida por Curtiz, quien la audicionó por primera vez y le dio un papel protagónico en su película debut, Romance on the High Seas (1948). Se sorprendió cuando le ofrecieron un papel principal en su primera película y admitió ante Curtiz que era una cantante sin experiencia en la actuación. Lo que a Curtiz le gustó de ella después de la audición fue que "era honesta", dijo, sin miedo a decirle que no era actriz. Eso, y la observación de que "sus pecas la hacían parecer la All-American Girl", dijo. Day sería el descubrimiento del que más se jactaría más adelante en su carrera. [13]
La historia de Will Rogers (1952), también una biografía, contó la historia del humorista y estrella de cine Will Rogers , interpretado por Will Rogers Jr. , su hijo. [82]
La larga asociación entre Curtiz y Warner Bros., finalmente desembocó en una amarga batalla judicial a principios de la década de 1950. Después de que su relación con Warner Bros. se rompiera, Curtiz continuó dirigiendo de forma independiente desde 1954 en adelante. The Egyptian (1954, basada en la novela de Mika Waltari ) para Fox , protagonizada por Jean Simmons , Victor Mature y Gene Tierney . Dirigió muchas películas para Paramount , incluidas White Christmas , We're No Angels y King Creole . White Christmas (1954), la segunda adaptación de Curtiz de un musical de Irving Berlin , fue un gran éxito de taquilla, la película más taquillera de 1954. Protagonizada por Bing Crosby , Danny Kaye , Rosemary Clooney y Vera-Ellen . [83]
Curtiz dirigió La hora escarlata (1956), protagonizada por los debutantes Carol Ohmart y Tom Tryon . Se informó que Curtiz era temperamental y no le gustaba el guion. La película fue un fracaso comercial. [84]
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Otro musical, King Creole (1958), fue protagonizado por Elvis Presley y Carolyn Jones . [85] Cuando se le pidió que dirigiera a Presley, que era entonces el "rey del rock and roll", Curtiz no pudo evitar reírse, asumiendo que Presley no podría actuar. Sin embargo, después de algunas conversaciones con él, su opinión cambió: "Empecé a prestar atención", dijo Curtiz, y agregó: "Les garantizo que sorprenderá a todos. Muestra un talento formidable. Es más, obtendrá el respeto que tanto desea". [86] Durante el rodaje, Presley siempre era el primero en llegar al set. Cuando le decían qué hacer, independientemente de lo inusual o difícil que fuera, simplemente decía: "Usted es el jefe, señor Curtiz". [86]
No, es un chico encantador y será un actor maravilloso.
– Michael Curtiz, después de conocer por primera vez a Elvis [87]
El guion, la música y la actuación se combinaron para producir una película notable, como Presley nunca volvió a igualar en su carrera. [88] Recibió buenas críticas: la revista Variety declaró que la película "muestra a la joven estrella [Presley] como un actor mejor que regular". [89] El New York Times también le dio una crítica favorable: "En cuanto al Sr. Presley, en su tercer intento en la pantalla, es un placer encontrarlo haciendo un poco más que Bourbon Street gritando y meneándose. Actuar es su tarea en esta vitrina hábilmente tapizada, y lo hace, así que ayúdennos, por encima de una valla de estacas". [90] Presley más tarde agradeció a Curtiz por darle la oportunidad de mostrar su potencial como actor; de sus 33 películas, Elvis la consideró su favorita.
La última película que dirigió Curtiz fue The Comancheros , estrenada seis meses antes de su muerte por cáncer el 10 de abril de 1962. Curtiz estuvo enfermo durante el rodaje, pero la estrella John Wayne se hizo cargo de la dirección los días en que Curtiz estaba demasiado enfermo para trabajar. Wayne no quería aparecer en los créditos como codirector.
Curtiz siempre invertía el tiempo necesario para preparar todos los aspectos de una película antes de rodarla. "En lo que a mí respecta", decía, "el trabajo principal al dirigir una película es preparar una historia para la pantalla... Nada es tan importante... Un director puede compararse con el general de campo de un ejército. Debería saber más claramente que nadie lo que viene, lo que se puede esperar... Creo que éste es un plan de trabajo sólido". [91]
Al dedicar tiempo a la preparación, redujo los retrasos una vez comenzada la producción, lo que le dio la capacidad de lanzar alrededor de seis películas al año hasta la década de 1940. Produjo Front Page Woman (1935) en solo tres semanas, a pesar de su diálogo periodístico a toda velocidad con Bette Davis, [92] luego dio la vuelta e hizo Captain Blood casi en su totalidad en el estudio de sonido sin tener que salir del estudio. [93] (El duelo de Errol Flynn con Basil Rathbone se filmó en Three Arch Bay en Laguna Beach).
Sidney Rosenzweig sostiene que Curtiz tenía su propio estilo personal, que ya estaba en su lugar en el momento de su mudanza a Estados Unidos: "tomas elevadas con grúa para establecer el entorno de una historia; ángulos de cámara inusuales y composiciones complejas en las que los personajes a menudo están enmarcados por objetos físicos; mucho movimiento de cámara; tomas subjetivas, en las que la cámara se convierte en el ojo del personaje; e iluminación de alto contraste con grupos de sombras". [8] : 6–7 Aljean Harmetz afirma que "la visión de Curtiz de cualquier película... era casi totalmente visual ". [18] : 183–184
Unos meses después de llegar a Hollywood como el nuevo director de Warner Bros., Curtiz explicó que quería que los espectadores se sintieran como si realmente estuvieran presenciando una historia en la pantalla:
Para lograr este fin, la cámara debe asumir muchas personalidades. En la mayoría de los casos, asume la personalidad del público. En los momentos en que el interés es alto y la ilusión del público es mayor, la cámara se coloca alternativamente en la posición de los diversos personajes, a medida que la carga dramática se desplaza de un actor a otro. Esto implica mucho movimiento de la cámara. Si se corta en cada posición de modo que parezca saltar de un lugar a otro, el efecto es notable y la recepción de la historia se ve estropeada. En muchos casos, por lo tanto, la cámara debe moverse de una posición a otra sin detenerse, tal como lo haría una persona. [94]
A la hora de preparar las escenas, a Curtiz le gustaba compararse con un artista que pintaba sobre un lienzo personajes, luz, movimiento y fondo. Sin embargo, durante su carrera, este "individualismo", dice Robertson, "se ocultó a la vista del público" y se subestimó porque, a diferencia de muchos otros directores, las películas de Curtiz abarcaban un espectro tan amplio de géneros diferentes. [6] : 2 Por lo tanto, muchos lo veían como un técnico versátil que trabajaba bajo la dirección de Warner Bros., en lugar de como un autor con un estilo único y reconocible. [6] : 2
Hal B. Wallis, el productor de muchas de las películas de Curtiz, incluida Robin Hood , siempre estuvo atento a los presupuestos. Le escribió a Jack Warner durante el rodaje de esa película: "En su entusiasmo por hacer grandes tomas y composiciones y utilizar los grandes valores de producción en esta película, es, por supuesto, más probable que se exceda que cualquier otro... No intenté detener a Mike ayer cuando estaba en la grúa haciendo tomas de situación". [4] : 123
El propio Curtiz rara vez expresó su filosofía o su estilo cinematográfico por escrito, ya que siempre estaba demasiado ocupado haciendo películas, por lo que no existe ninguna autobiografía y solo existen unas pocas entrevistas en los medios. [6] : 3 Su hermano observó que Curtiz era "tímido, casi humilde" en su vida privada, en contraposición a su actitud de "tomar las riendas" en el trabajo. [95] Su hermano agregó que "no quería que nadie escribiera un libro sobre él. Se negó incluso a hablar sobre la idea". [95] Cuando una vez le pidieron a Curtiz que resumiera su filosofía de hacer películas, dijo: "Pongo todo el arte en mis películas que creo que el público puede soportar". [95]
Antes de llegar a Hollywood, Curtiz siempre tenía en cuenta la historia antes de empezar a trabajar en una película. El aspecto humano de la historia era clave, junto con el desarrollo de la trama a medida que avanzaba la película. Explica:
En primer lugar, busco el "interés humano" cuando me dan una historia. Si ese interés predomina sobre la acción, entonces creo que la historia es buena. Siempre es mi deseo contar esa historia como si la cámara fuera una persona que relata los incidentes de un suceso. [3]
Odio ver a directores jóvenes que le devuelven historias al estudio. Nunca deberían devolver ni una sola porque no crean que sea una buena historia. Deberían aceptarlas con gratitud... Así aprenderán.
– Michael Curtiz [20]
Su actitud no cambió cuando se incorporó a un gran estudio, a pesar de que le ofrecieran dirigir grandes espectáculos. Incluso en los años cuarenta, seguía prefiriendo las "películas hogareñas". Según él, era "porque quiero abordar problemas humanos y fundamentales de personas reales. Esa es la base de todo buen drama. Es cierto incluso en un espectáculo, donde nunca hay que olvidar la humanidad subyacente y la identidad de los personajes, por espléndidos que sean el escenario o las situaciones". [96] Sin embargo, también sentía que, incluso con la misma historia, cinco directores diferentes producirían cinco versiones distintas. "No habría dos iguales", dijo, ya que el "trabajo de cada director es un reflejo de sí mismo". [91]
El historiador de cine Peter Wollen dice que a lo largo de la carrera de Curtiz, sus películas retrataron personajes que tuvieron que "lidiar con la injusticia, la opresión, la trampa, el desplazamiento y el exilio". [17] : 85 Cita ejemplos de películas de Curtiz para apoyar eso: 20,000 Years in Sing Sing (1932) abordó el tema de la alienación social, mientras que Captain Blood , The Adventures of Robin Hood y The Sea Hawk se ocupaban de un monarca tirano que amenazaba la libertad de los ingleses comunes. [17] : 90 Wollen afirma:
La capacidad de Curtiz como autor se basa en su increíble capacidad para encontrar el estilo adecuado para la película adecuada. Si muestra una coherencia temática en varios géneros, es en su preferencia constante por enfatizar las luchas de los rebeldes y los oprimidos contra los atrincherados y poderosos. [2] : 74
Curtiz siempre fue extremadamente activo: trabajaba largas jornadas, practicaba varios deportes en su tiempo libre y a menudo dormía bajo una ducha fría. [18] : 188 Se saltaba los almuerzos porque interferían con su trabajo y sentía que a menudo lo cansaban. Por lo tanto, despreciaba a los actores que almorzaban, creyendo que los "vagabundos del almuerzo" no tenían energía para trabajar por las tardes. [18] : 188
Wallis dijo que era "un demonio del trabajo". [56] Se levantaba cada mañana a las 5 am y normalmente permanecía en el estudio hasta las 8 o 9 pm. Odiaba irse a casa al final del día, dijo Wallis. Con su alto nivel de energía, también prestaba atención a cada detalle del set.
Para ampliar sus experiencias vitales en Estados Unidos, ya que rara vez viajaba fuera de Hollywood, cuando iba a filmar en exteriores tendía a mostrarse inquieto y curioso acerca de todo lo que había en la zona. El productor Wallis, que lo acompañaba a menudo, observó que exploraba todo:
Tenía sed de conocimiento; quería ver los salones de billar, los albergues para indigentes, los barrios chinos, los barrios bajos, todo lo extraño, exótico y sórdido para poder añadir al conocimiento que daba a sus cuadros su asombroso grado de realismo. [56]
Sus amigos le apodaron "Iron Mike" porque intentaba mantenerse en forma jugando al polo cuando tenía tiempo y poseía un establo de caballos para su tiempo libre en casa. Atribuía su buena forma física y su nivel de energía únicamente a una vida sobria. [96] Incluso con su enorme éxito y riqueza a lo largo de los años, no se permitió "que lo acariciaran en el regazo del lujo". [96]
El lado negativo de su dedicación era un comportamiento a menudo insensible, que muchos atribuyeron a sus raíces húngaras. Fay Wray , que trabajó con Curtiz en Mystery of the Wax Museum , dijo: "Sentí que no era de carne y hueso, que era parte del acero de la cámara". [18] : 126 Curtiz no era popular entre la mayoría de sus colegas, muchos de los cuales lo consideraban arrogante. [8] : 7 Tampoco lo negó, explicando: "Cuando veo a un hombre holgazán o a una chica a la que no le importa, me vuelvo duro. Soy muy crítico con los actores, pero si encuentro un actor de verdad, soy el primero en apreciarlo". [4] : 122 [18] : 124
Sea cual sea la historia, Curtiz nunca se queda sin palabras. Si se trata de la vida en una pequeña ciudad estadounidense, es tan estadounidense como Sinclair Lewis . Si se trata de París, es tan continental como Maurice Chevalier . Y si se trata de un misterio, es tan buen narrador de historias de misterio como SS Van Dine . Pero el inglés lo deja perplejo.
– El columnista de cine George Ross [96]
Sin embargo, Bette Davis, que era poco conocida en 1932, hizo cinco películas más con él, aunque discutieron constantemente al filmar La cabaña en el algodón (1932), uno de sus primeros papeles. [97] [98] Tenía una mala opinión de los actores en general, diciendo que actuar "es cincuenta por ciento una gran bolsa de trucos. El otro cincuenta por ciento debería ser talento y habilidad, aunque rara vez lo es". En general, se llevaba bastante bien con sus estrellas, como lo demuestra su capacidad para atraer y retener a algunos de los mejores actores de Hollywood. Se llevaba muy bien con Claude Rains, a quien dirigió en diez películas. [18] : 190
Hablaba un inglés terrible; su inglés siempre era motivo de broma en el plató, pero los diálogos de sus películas están maravillosamente escritos y dirigidos.
– El historiador de cine David Thomson [99]
Curtiz tuvo problemas con el inglés porque estaba demasiado ocupado filmando como para aprender el idioma. A veces usaba pantomimas para mostrar lo que quería que hiciera un actor, lo que dio lugar a muchas anécdotas divertidas sobre su elección de palabras al dirigir. David Niven nunca olvidó el dicho de Curtiz de "traer los caballos vacíos" cuando quería "sacar los caballos sin jinetes", tanto que lo usó como título de sus memorias. [100] Abundan las historias similares: para la escena final de Casablanca, Curtiz le pidió al diseñador de escenarios un "caniche" en el suelo para que se pudieran ver en cámara los pasos mojados de los actores. Al día siguiente, el diseñador de escenarios trajo un perrito sin darse cuenta de que Curtiz quería decir "charco" y no "caniche". [101] Pero no todos los actores que trabajaron con Curtiz se divirtieron tanto con sus malapropismos . Edward G. Robinson, a quien Curtiz dirigió en El lobo de mar , tenía una opinión diferente sobre las desventajas lingüísticas de los extranjeros en Hollywood:
Podrían llenar un libro. Aunque no sospechara que los habías oído todos, hace tiempo que decidí que no me aburriría ni aburriría a ti con curtizismos, pasternakismos, goldwynismos o gaborismos. Demasiados escritores han convertido en una industria casera la denuncia del mal uso del idioma inglés por parte de la gente de Hollywood. [53]
Cuando se fue a los Estados Unidos, Curtiz dejó atrás un hijo ilegítimo y una hija ilegítima. [18] : 122 Alrededor de 1918, se casó con la actriz Lucy Doraine , y se divorciaron en 1923. Tuvo un largo romance con Lili Damita a partir de 1925 y a veces se informa que se casó con ella, pero el estudioso de cine Alan K. Rode afirma en su biografía de Curtiz de 2017 que esta es una leyenda moderna, y no hay evidencia contemporánea que la respalde. [102] Sus obituarios no mencionan tal matrimonio. [103] [104]
Curtiz había abandonado Europa antes del ascenso del nazismo : otros miembros de su familia fueron menos afortunados. Una vez le pidió a Jack Warner, que iba a Budapest en 1938, que se pusiera en contacto con su familia y los ayudara a conseguir visas de salida. Warner logró que la madre de Curtiz llegara a los EE. UU., donde pasó el resto de su vida viviendo con su hijo. No pudo rescatar a la única hermana de Curtiz, a su esposo ni a sus tres hijos, que fueron enviados a Auschwitz , donde su esposo y dos de los niños fueron asesinados. [4] : 124
Curtiz pagó parte de su propio salario al Fondo de Cine Europeo , una asociación benéfica que ayudó a los refugiados europeos en el negocio del cine a establecerse en los EE . UU . [18]
En 1933, Curtiz se convirtió en ciudadano estadounidense naturalizado . [105] A principios de la década de 1940, se había vuelto bastante rico, ganando $3600 por semana y siendo dueño de una propiedad sustancial, completa con cancha de polo . [18] : 76 Uno de sus compañeros de polo habituales era Hal B. Wallis, quien había conocido a Curtiz a su llegada al país y había establecido una estrecha amistad con él. La esposa de Wallis, la actriz Louise Fazenda y la tercera esposa de Curtiz, Bess Meredyth , actriz y guionista, habían sido cercanas desde antes del matrimonio de Curtiz con Meredyth en 1929. Curtiz tuvo numerosos amoríos; Meredyth una vez lo dejó por un corto tiempo, pero permanecieron casados hasta 1961, cuando se separaron. [18] : 121 Permanecieron casados hasta su muerte. [103] [106] Ella fue la ayudante de Curtiz siempre que su necesidad de lidiar con guiones u otros elementos iba más allá de su dominio del inglés y a menudo la llamaba para pedirle consejo cuando se le presentaba un problema durante el rodaje. [18] : 123
Curtiz fue el padrastro del director de cine y televisión John Meredyth Lucas , quien habla de él en su autobiografía Eighty Odd Years in Hollywood .
Curtiz murió de cáncer el 10 de abril de 1962, a los 75 años. [107] [108] En el momento de su muerte, vivía solo en un pequeño apartamento en Sherman Oaks, California . [13] Está enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California . [109]
Michael Curtiz es el ejemplo clásico de un director de estudio que podía hacer casi cualquier cosa. Podía pasar de un género a otro y, de alguna manera, este húngaro sabía exactamente cómo funcionaban esos géneros. Como si hubiera una habilidad innata para contar historias en este hombre.
El historiador de cine David Thomson [99]
Curtiz dirigió algunas de las películas más conocidas del siglo XX, logrando numerosas interpretaciones premiadas de actores. Antes de mudarse a Hollywood desde su Hungría natal cuando tenía 38 años, ya había dirigido 64 películas en Europa. Pronto ayudó a Warner Bros. a convertirse en el estudio de más rápido crecimiento del país, dirigiendo 102 películas durante su carrera en Hollywood, más que cualquier otro director. [2] : 67 Jack Warner , quien descubrió a Curtiz por primera vez después de ver una de sus epopeyas en Europa, lo llamó "el mejor director de Warner Brothers". [95]
Dirigió a 10 actores que fueron nominados al Oscar: Paul Muni , John Garfield, James Cagney, Walter Huston , Humphrey Bogart, Claude Rains, Joan Crawford, Ann Blyth, Eve Arden y William Powell. Cagney y Crawford ganaron sus únicos Premios de la Academia bajo la dirección de Curtiz, y Cagney en la televisión atribuyó más tarde parte de su éxito al "inolvidable Michael Curtiz". [95] El propio Curtiz fue nominado cinco veces y ganó como Mejor Director por Casablanca .
Se ganó la reputación de ser un duro supervisor con sus actores, ya que controlaba minuciosamente cada detalle del set. Con su experiencia como director desde 1912, su experiencia y dedicación al arte lo convirtieron en un perfeccionista. Tenía un dominio asombroso de los detalles técnicos. Hal B. Wallis , quien produjo varias de sus películas más importantes, incluida Casablanca , dijo que Curtiz siempre había sido su director favorito:
Era un director soberbio con un dominio asombroso de la iluminación, el ambiente y la acción. Podía manejar cualquier tipo de película: melodrama, comedia, western, epopeya histórica o historia de amor. [56]
Algunos, como el guionista Robert Rossen , se preguntan si Curtiz ha "sido mal juzgado por la historia del cine", ya que no está incluido entre los que a menudo se consideran grandes directores, como John Ford , Howard Hawks , Orson Welles y Alfred Hitchcock : "Obviamente era un talento muy atento a los movimientos creativos de su tiempo, como el expresionismo alemán , el genio del sistema de estudios de Hollywood, géneros como el cine negro y las posibilidades que ofrecían las estrellas talentosas". [110]
La historiadora de cine Catherine Portuges ha descrito a Curtiz como uno de los "directores de cine más enigmáticos y a menudo subestimado". [9] : 161 El teórico de cine Peter Wollen quería "resucitar" la reputación crítica de Curtiz, observando que con su enorme experiencia y empuje, "podía extraer significados inesperados de un guión a través de su dirección de actores y directores de fotografía". [2] : 75
Curtiz también ganó un premio de la Academia en la categoría de Mejor Cortometraje (Dos carretes) , por Sons of Liberty . [39]
Seis de las películas de Curtiz fueron nominadas a Mejor Película : Captain Blood (1935), The Adventures of Robin Hood (1938), Four Daughters (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Casablanca (1943) y Mildred Pierce (1945). De éstas, sólo Casablanca ganó el premio a Mejor Película.
El American Film Institute colocó a Casablanca en el tercer puesto y a Yankee Doodle Dandy en el noveno puesto de su lista de las mejores películas estadounidenses . Las aventuras de Robin Hood y Mildred Pierce fueron nominadas para la lista.
Medios relacionados con Michael Curtiz en Wikimedia Commons
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