La luna de Israel ( en alemán : Die Sklavenkönigin , o «La reina de los esclavos») es una película épica austríaca de 1924 dirigida por Mihaly Kertész (más tarde Michael Curtiz). El guion fue escrito por Ladislaus Vajda , basado en la novela de H. Rider Haggard de 1918 , La luna de Israel , que a su vez se inspiró en la historia bíblica del Éxodo .
Fue esta película la que atrajo a Kertész a la atención del jefe del estudio Jack L. Warner , quien lo invitó a Hollywood en 1926, donde rápidamente se convirtió en Michael Curtiz e hizo carrera en los estudios Warner .
El rodaje se llevó a cabo en Viena con unos 5.000 figurantes, en los estudios de Sascha-Film y al aire libre en la zona del parque Laaer Berg. El estreno se produjo el 24 de octubre de 1924. La versión restaurada completa de la película, que durante muchos años se creyó perdida, se estrenó el 26 de febrero de 2005 en el Wiener Metro Kino.
En el año 1230 a. C., los israelitas se encuentran en situación de esclavitud en Egipto . En esa época difícil, la esclava judía Merapi se enamora del príncipe Seti, hijo del faraón Menapta. Este amor socialmente inapropiado genera numerosos problemas que, sin embargo, pueden resolverse. Al final de la película, Moisés conduce a su pueblo a través del Mar Rojo hacia la libertad.
Una de las escenas más destacadas es la de la separación del mar Rojo por obra de Moisés ( Hans Marr ). Como en la misma época se estaba rodando la película americana Los diez mandamientos , en la que también aparecía la separación del mar Rojo, el equipo vienés tuvo mucho cuidado con esta escena por miedo a la superioridad de la tecnología americana en efectos especiales. En la versión final, gracias a un montaje posterior, la gigantesca construcción de madera, diseñada para dejar salir 100 metros cúbicos de agua por ambos lados a la vez, es irreconocible. El agua se vertía en un abrevadero de madera cerrado de 8 metros cuadrados y 1 metro de profundidad en el parque Laaer Berg de Viena. Las paredes de agua a ambos lados estaban modeladas en yeso, lo que parecía absolutamente realista en una película en blanco y negro. Ahora, una sola toma podía representar tanto la separación como el cierre del mar: para la primera, la toma simplemente se empalmó en la película al revés.
Los actores fueron filmados en seco y sumergidos en el "mar" más tarde, durante el montaje. Cuando, unas semanas después del estreno de Sklavenkönigin , la película competidora también estaba en los cines, fue una sorpresa que la separación del Mar Rojo fuera considerablemente más realista en la producción austriaca. No fueron solo los críticos vieneses los que lo notaron: incluso colegas de Hollywood expresaron su asombro de que en este aspecto Laaer Berg hubiera superado a Hollywood. [ cita requerida ]
El director de Sascha-Film, Arnold Pressburger , asistió al director de la película Michael Kertész como director artístico. El asistente de dirección fue Arthur Gottlein. Los camarógrafos Max Nekut Gustav Ucicky y Hans Theyer fueron apoyados por Sascha Kolowrat-Krakowsky , el productor de la película, como director técnico.
Se estima que la película costó 1.500 millones de coronas . El valor real de la suma se ve relativizado por la constante inflación que se extendió hasta mediados de los años 20. Sin embargo, se trata de uno de los mayores desembolsos de la historia de una película austriaca. Sascha-Film sólo pudo obtener un crédito de su banco con la garantía personal de Sascha Kolowrat-Krakowsky. La razón de ello fueron en parte los altos costes de producción, pero también las perspectivas económicas muy arriesgadas de la película: muchas productoras cinematográficas austriacas, después de varios años de auge, se habían declarado en quiebra. Las productoras austriacas eran cada vez menos capaces de hacer frente a la fuerte competencia de las importaciones baratas del extranjero, sobre todo de los Estados Unidos. Además, la inflación estaba retrocediendo, lo que encarecía las películas austriacas en el extranjero, después de un período en el que la exportación de películas había florecido gracias a la debilidad de la moneda. Además, el auge del cine épico estaba pasando poco a poco: el valor sensacional de las enormes escenas de multitudes y de las actrices ligeras de ropa estaba disminuyendo.
Los decorados y los edificios fueron creados por Artur Berger y Emil Stepanek , que ya tenían experiencia en epopeyas monumentales, ya que habían trabajado en la mayor estructura cinematográfica de la historia del cine austríaco , la Torre de Babel en Sodoma y Gomorra de 1922. El vestuario fue de Remigius Geyling. La gran mayoría del reparto iba vestido de forma muy sencilla, pero los residentes del palacio y los sacerdotes lucieron algunos de los trajes más imaginativos y creativos del periodo del cine mudo.
Al igual que otras películas de la época, La reina de los esclavos se inspiró en la egiptomanía que se extendió por el mundo tras el descubrimiento de la tumba intacta y los tesoros del faraón Tutankamón . La protagonista femenina, por una vez, no era la esposa del director, como en la mayoría de las películas anteriores de Michael Kertész: Lucy Doraine estaba en ese momento divorciada de él, por lo que el papel protagonista fue para María Corda , la esposa de su competidor Alexander Korda , que también estaba haciendo epopeyas en Viena en ese momento.
El estreno tuvo lugar en el cine Eos, en el que participa Sascha Film. Para la ocasión, el cine estaba decorado al estilo del Antiguo Egipto y decorado con imágenes de dioses y estatuas de guerreros.
La película muda en blanco y negro de 35 mm , de 2.300 metros de longitud, tenía una banda sonora añadida en 1932 por la Selenophon Licht- und Tonbildgesellschaft ; sin los intertítulos , tenía sólo 2.074 metros de longitud. [1] [2]
En 2005, utilizando una copia positiva sobre una base de nitrato de la edición inglesa del British Film Institute , la película fue restaurada por el Filmarchiv Austria , recreando así una copia de excelente calidad con intertítulos en inglés que se utilizó para la reconstrucción de la versión alemana , con música añadida del destacado pianista del cine mudo austriaco Gerhard Gruber . [3]
