Michael Curtiz ( / k ɜːr ˈ t iː z / kur- TEEZ ; nacido Manó Kaminer ; de 1905 Mihály Kertész ; húngaro : Kertész Mihály ; 24 de diciembre de 1886 - 10 de abril de 1962) fue un director de cine húngaro-estadounidense, reconocido como uno de los directores más prolíficos de la historia. [2] : 67 Dirigió películas clásicas de la era del cine mudo y muchas otras durante la Edad de Oro de Hollywood , cuando prevalecía el sistema de estudios .
Curtiz ya era un director muy conocido en Europa cuando Warner Bros. lo invitó a Hollywood en 1926, cuando tenía 39 años. Ya había dirigido 64 películas en Europa y pronto ayudó a Warner Bros. a convertirse en el estudio cinematográfico de más rápido crecimiento. Dirigió 102 películas durante su carrera en Hollywood, la mayoría en Warner, donde dirigió a diez actores a nominaciones al Oscar. James Cagney y Joan Crawford ganaron sus únicos premios de la Academia bajo la dirección de Curtiz. Puso a Doris Day y a John Garfield en la pantalla por primera vez, y convirtió en estrellas a Errol Flynn , Olivia de Havilland y Bette Davis . Él mismo fue nominado cinco veces y ganó dos veces, una como Mejor Cortometraje por Sons of Liberty y otra como Mejor Director por Casablanca .
Curtiz fue uno de los que introdujeron en Hollywood un estilo visual que utilizaba iluminación artística, movimientos de cámara amplios y fluidos, tomas a gran altura y ángulos de cámara inusuales. Era versátil y podía manejar cualquier género cinematográfico: melodrama, comedia, historia de amor, cine negro , musical, historia de guerra, western , terror o epopeya histórica. Siempre prestó atención al aspecto de interés humano de cada historia, afirmando que los "problemas humanos y fundamentales de la gente real" eran la base de todo buen drama. [3]
La muerte de 25 caballos en La carga de la Brigada Ligera bajo la dirección de Curtiz condujo a una confrontación casi violenta entre Curtiz y la estrella Errol Flynn , lo que llevó al Congreso de los Estados Unidos y a la ASPCA a promulgar legislación y políticas para prevenir la crueldad hacia los animales en la conjuntos de películas.
Curtiz ayudó a popularizar el clásico espadachín , con películas como Capitán Blood (1935) y Las aventuras de Robin Hood (1938). Dirigió muchos otros dramas que se consideran clásicos: Ángeles con caras sucias (1938), El lobo marino (1941), Casablanca (1942) y Mildred Pierce (1945). Dirigió importantes musicales, entre ellos Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943) y White Christmas (1954), e hizo comedias, con Life with Father (1947) y We're No Angels (1955).
Curtiz nació como Manó Kaminer [a] en una familia judía en Budapest en 1886, donde su padre era carpintero y su madre cantante de ópera. [1] [4] : 20 [5] En 1905, Magyarizó su nombre a Mihály Kertész. [b] [c] Curtiz tuvo una educación de clase media baja. Recordó durante una entrevista que la casa de su familia era un apartamento estrecho, donde tenía que compartir una pequeña habitación con sus dos hermanos y una hermana. "Muchas veces tenemos hambre", añadió. [4] : 20
Después de graduarse de la escuela secundaria, estudió en la Universidad Markoszy y luego en la Real Academia de Teatro y Arte de Budapest, antes de comenzar su carrera. [d]
Curtiz se sintió atraído por el teatro cuando era niño en Hungría. Construyó un pequeño teatro en el sótano de su casa familiar cuando tenía 8 años, donde él y cinco de sus amigos representaban obras de teatro. Montaron el escenario, con escenografía y utilería, y Curtiz los dirigió.
Después de graduarse de la universidad a los 19 años, aceptó un trabajo como actor en una compañía de teatro itinerante, donde comenzó a trabajar como uno de sus actores itinerantes . [7] A partir de ese trabajo, se convirtió en pantomimista de un circo por un tiempo, pero luego regresó para unirse a otro grupo de jugadores itinerantes durante algunos años más. Interpretaron a Ibsen y Shakespeare en varios idiomas, dependiendo del país en el que se encontraran. Actuaron en toda Europa, incluidos Francia, Hungría, Italia y Alemania, y finalmente aprendió cinco idiomas. [7] Tenía varias responsabilidades:
Teníamos que hacer de todo: hacer carteles publicitarios, imprimir programas, escenografía, arreglar vestuario y, a veces, incluso colocar sillas en los auditorios. A veces viajábamos en trenes, a veces en diligencias, a veces a caballo. A veces tocábamos en ayuntamientos, a veces en pequeños restaurantes sin ningún decorado. A veces dábamos espectáculos al aire libre. Aquellos actores ambulantes eran las personas más bondadosas que he conocido jamás. Harían cualquier cosa el uno por el otro. [7]
Trabajó como Mihály Kertész en el Teatro Nacional Húngaro en 1912. [8] : 5 y fue miembro del equipo de esgrima húngaro en los Juegos Olímpicos de Estocolmo. Kertész dirigió el primer largometraje húngaro, Hoy y mañana ( Ma és holnap , 1912), en el que también tuvo un papel protagonista. Siguió con otra película, El último bohemio ( Az utolsó bohém , también 1912). [9] : 163
Curtiz comenzó a vivir en varias ciudades de Europa para trabajar en películas mudas en 1913. Primero fue a estudiar al estudio Nordisk en Dinamarca , lo que lo llevó a trabajar como actor y asistente de dirección de August Blom en el primer largometraje multirreel de Dinamarca, Atlantis (1913) . ). [10]
Después de que comenzó la Primera Guerra Mundial en 1914, regresó a Hungría, donde sirvió en el ejército durante un año, antes de ser herido luchando en el frente ruso. [10] [11] Curtis escribió sobre ese período:
La embriagadora alegría de vivir fue interrumpida, el mundo se había vuelto loco... Nos enseñaron a matar. Me reclutaron en el ejército del Emperador... Después de eso, sucedieron muchas cosas: destrucción, miles de personas silenciadas para siempre, lisiadas o enviadas a tumbas anónimas. Luego vino el colapso [de Austria-Hungría]. El destino me había perdonado. [4] : 22
Se le asignó la tarea de realizar documentales sobre recaudación de fondos para la Cruz Roja en Hungría. [10] En 1917, fue nombrado director de producción de Phoenix Films, el principal estudio de Budapest, donde permaneció hasta que abandonó Hungría. [12] : 173 Sin embargo, ninguna de las películas que dirigió allí sobrevive intacta y la mayoría están completamente perdidas. [12] : 173
En 1918, se había convertido en uno de los directores más importantes de Hungría, [10] habiendo dirigido hasta entonces unas 45 películas. [9] : 163 Sin embargo, tras el fin de la guerra, en 1919, el nuevo gobierno comunista nacionalizó la industria cinematográfica, por lo que decidió regresar a Viena para dirigir películas allí. [10]
Curtiz trabajó brevemente en UFA GmbH , una compañía cinematográfica alemana, donde aprendió a dirigir grandes grupos de extras disfrazados, además de utilizar tramas complicadas, ritmo rápido y temas románticos. [9] Su carrera realmente comenzó debido a su trabajo para el Conde Alexander Kolowrat (conocido como Sascha), con quien hizo al menos 21 películas para el estudio cinematográfico del conde, Sascha Films . Curtiz escribió más tarde que en Sascha "aprendió las leyes básicas del arte cinematográfico, que en aquellos días había progresado más en Viena que en cualquier otro lugar". [12] : 173
Entre las películas que dirigió se encuentran epopeyas bíblicas como Sodoma y Gomorra (1922) y Die Sklavenkönigin (1924) (titulada La luna de Israel en Estados Unidos). [10] También hizo Tacones rojos (1925) y La mariposa dorada (1926), [1] y una vez dirigió a Greta Garbo, de 14 años, en Suecia. [13] Durante este período, tendió a especializarse en la dirección de dos tipos de películas, ya sean comedias ligeras sofisticadas o espectaculares históricos. [12] : 173 Lanzó la carrera de Lucy Doraine , quien se convirtió en una estrella internacional, junto con la de Lili Damita , quien luego se casó con Errol Flynn . [12] : 173
El trabajo de cámara de Curtiz me dejó en los pasillos... [por] tomas y ángulos que eran pura genialidad.
– Jack L. Warner , después de ver La luna de Israel [14] : 136
La Luna de Israel (1924) fue un espectáculo de la esclavitud de los hijos de Israel y su liberación milagrosa a través del Mar Rojo. Rodada en Viena con un reparto de 5.000 personas, tenía como tema la historia de amor de una doncella israelita y un príncipe egipcio. [9] : 163 Paramount Pictures en Estados Unidos compró los derechos de la película para competir con Los Diez Mandamientos de Cecil B. DeMille . Sin embargo, La luna de Israel llamó la atención de Jack y Harry Warner , y Harry fue a Europa en 1926 sólo para conocer a Curtiz y verlo trabajar como director. [mi]
Los Warner quedaron impresionados de que Curtiz hubiera desarrollado un estilo visual único que estaba fuertemente influenciado por el expresionismo alemán , con tomas de grúa altas y ángulos de cámara inusuales. La película también demostró que a Curtiz le gustaba incluir melodrama romántico "contra acontecimientos de gran importancia histórica, para llevar a sus personajes a crisis y obligarlos a tomar decisiones morales", según Rosenzweig. [14] : 136 Le ofreció a Curtiz un contrato para ser director en su nuevo estudio de cine en Hollywood, Warner Bros. , donde dirigiría una epopeya similar a la que se había planeado, El Arca de Noé (1928). [10] [16] Cuando Curtiz aceptó la oferta de Warner, ya era un director prolífico, habiendo realizado 64 películas en países como Hungría, Austria y Dinamarca. [17] : 3
Curtiz llegó a los Estados Unidos en el verano de 1926, [18] : 63 y comenzó a dirigir en Warner Bros. bajo el nombre en inglés de Michael Curtiz. Durante lo que se convirtió en un período de 28 años en Warner Bros., dirigió 86 películas, incluido su mejor trabajo.
Aunque era un cineasta experimentado, ahora tenía 38 años, Warner le asignó la dirección de varias películas de calidad media para afianzarse, siendo la primera El tercer grado (1926). [1] La técnica única de trabajo de cámara de Curtiz se utilizó en todo momento, visible en ángulos de cámara dramáticos, en un estilo que un crítico asumió que otros directores probablemente envidiarían. [19]
Cuando llegué aquí por primera vez me pidieron que dirigiera seis o siete películas al año. Nunca rechacé una sola historia. Esa fue mi educación. Trabajé duro en cada uno de ellos. Así se aprende.
–Michael Curtis [20]
Sin embargo, aprender inglés rápidamente fue un obstáculo inmediato, ya que no tenía tiempo libre. Cuando Jack Warner le asignó la película para que la dirigiera, Curtiz recuerda: "No podía hablar ni una palabra de inglés". [20] Era una historia romántica sobre la vida en la cárcel y los gánsteres en Chicago, un lugar en el que nunca había estado, y sobre figuras del hampa estadounidense que nunca había conocido. [13]
Para adquirir experiencia directa sobre el tema, Curtiz convenció al sheriff de Los Ángeles para que le permitiera pasar una semana en la cárcel. "Cuando salí, sabía lo que necesitaba para la película". [20]
Curtiz creía firmemente que investigar el trasfondo de cada historia debía hacerse primero y en profundidad antes de comenzar una película. [20] Dijo que cada vez que alguien le preguntaba cómo él, un extranjero, podía hacer películas estadounidenses, les decía: "los seres humanos son iguales en todo el mundo. Las emociones humanas son internacionales". Trató sus primeras películas en Estados Unidos como experiencias de aprendizaje:
Lo único que es diferente en diferentes partes del mundo son las costumbres... Pero esas costumbres son fáciles de descubrir si puedes leer e investigar. En el centro hay una excelente biblioteca pública. Allí podrás abrir un libro y descubrir todo lo que quieras saber. [20]
Curtiz nunca dio un tratamiento de segunda mano a una tarea una vez aceptada. Siguió adelante y adornó la trama y los personajes con movimientos fluidos de la cámara, una iluminación exquisita y un ritmo vertiginoso. Incluso si un guión era realmente pobre y los actores principales eran verdaderos aficionados, Curtiz pasaba por alto las deficiencias tan bien que el público a menudo no reconocía una sustancia superficial hasta que tenía hambre de otra película media hora después.
– Autor William Meyer [12] : 174
Aunque la barrera del idioma dificultaba la comunicación con el elenco y el equipo, continuó invirtiendo tiempo en preparación. Antes de dirigir su primer western, por ejemplo, pasó tres semanas leyendo sobre la historia de Texas y las vidas de sus hombres importantes. [11] Consideró necesario continuar con un estudio tan intensivo de la cultura y los hábitos estadounidenses en preparación para la mayoría de los demás géneros cinematográficos. [11] Pero estaba bastante satisfecho de estar en Hollywood:
Es espléndido trabajar aquí en este país. Uno tiene todo a mano para trabajar. El director no tiene que preocuparse por nada más que por sus ideas. Puede concentrarse en aquellos sin preocuparse por su producción. [21]
The Third Degree (1926), disponible en la Biblioteca del Congreso , aprovechó la experiencia de Curtiz en el uso de cámaras en movimiento para crear escenas expresionistas, como un plano secuencia desde la perspectiva de una bala en movimiento. [1] La película fue la primera de ocho películas de Curtiz que tuvieron a Dolores Costello como protagonista. [1]
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Warner Bros. hizo que Curtiz dirigiera otras tres historias mediocres para asegurarse de poder asumir proyectos más grandes, tiempo durante el cual pudo familiarizarse con sus métodos y trabajar con los técnicos, incluidos los camarógrafos, a quienes usaría en producciones posteriores. [14] : 137 Como explica el biógrafo James C. Robertson: "En cada caso, Curtiz se esforzó valientemente, pero sin éxito, por revitalizar guiones poco convincentes a través de un trabajo de cámara espectacular y actuaciones centrales sólidas, las características más notables de todas esas películas". [14] : 137
En una visita a Hollywood en 1927, Iliá Tolstói , hijo de León Tolstói , que había sido amigo de Curtiz en Europa, quería que dirigiera varias películas basadas en las novelas de su padre. Eligió a Curtiz porque ya conocía el lugar y su gente. [22] Durante este período, Warner Bros. comenzó a experimentar con películas sonoras. Asignaron dos películas parcialmente habladas para que Curtiz las dirigiera: Tenderloin (1928) y Noah's Ark (1928), ambas también protagonizadas por Costello. [dieciséis]
El Arca de Noé incluía dos historias paralelas, una que relataba el diluvio bíblico y la otra un romance de la época de la Primera Guerra Mundial. Fue la primera película épica que intentó Warner Bros. y, al confiar la producción a Curtiz, esperaban asegurar su éxito. La secuencia culminante de la inundación se consideró "espectacular" en ese momento, observó el historiador Richard Schickel , [23] : 31 , mientras que el biógrafo James C. Robertson dijo que fue "uno de los incidentes más espectaculares de la historia del cine". [6] : 16 Su elenco estaba compuesto por más de 10.000 extras. Sin embargo, la reedición de la película en 1957 recortó en una hora el tiempo original de 2 horas y 15 minutos. La historia fue una adaptación escrita por Bess Meredyth , quien se casó con Curtiz unos años después. [24]
El éxito de crítica de estas películas de Curtiz contribuyó a que Warner Bros se convirtiera en el estudio de más rápido crecimiento en Hollywood. [1]
En 1930, Curtiz dirigió Mammy (1930), la cuarta película de Al Jolson después de estar en la primera película sonora real de Hollywood , The Jazz Singer (1927). Durante la década de 1930, Curtiz dirigió al menos cuatro películas cada año.
El aspecto más obvio de la firma como director de Curtiz es su estilo visual expresionista , y su característica más obvia son sus inusuales ángulos de cámara y sus composiciones cuidadosamente detalladas, abarrotadas y complejas, llenas de espejos y reflejos, humo y niebla, y objetos físicos, muebles y follaje. , rejas y ventanas, que se interponen entre la cámara y los personajes humanos y parecen rodearlos y atraparlos.
– Biógrafo Sidney Rosenzweig [8] : 157
Aunque son proyectos inusuales para Warner Bros., Curtiz dirigió dos películas de terror para el estudio, Doctor X (1932) y Mystery of the Wax Museum (1933), ambas en Technicolor temprano , con numerosas escenas atmosféricas filmadas en el lote trasero del estudio. [1]
Otra película revolucionaria fue 20.000 años en Sing Sing (1932), protagonizada por los entonces poco conocidos actores Spencer Tracy y Bette Davis en una de sus primeras películas. [25] El director de MGM, Louis B. Mayer, vio la película y quedó tan impresionado por la actuación de Tracy que lo contrató para incorporarlo a la lista de estrellas de MGM. [26] : 221
La carrera estadounidense de Curtiz no despegó realmente hasta 1935. [2] : 63 A principios de la década de 1930, Warner Bros. luchaba por competir con la MGM más grande, que estrenaba dramas de época como Queen Christina (1933) con Greta Garbo , Treasure. Island (1934) con Wallace Beery , y El conde de Montecristo (1934). Warner Bros. decidió arriesgarse y producir su propio drama de época.
Hasta entonces, era un género en el que Warner había asumido que nunca podría triunfar, debido a sus mayores presupuestos de producción durante los años de la Gran Depresión . Sin embargo, en marzo de 1935, Warner anunció que produciría Capitán Blood (1935), un drama de acción de espadachín basado en la novela de Rafael Sabatini , y dirigido por Curtiz. [2] : 63 Estaría protagonizada por un extra entonces desconocido, Errol Flynn , [13] junto a la poco conocida Olivia de Havilland . [27]
La película fue un gran éxito con críticas positivas. Fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película y, aunque no fue nominada, Curtiz recibió el segundo mayor número de votos a Mejor Director , únicamente mediante votos por escrito . También convirtió en estrellas a Flynn y de Havilland, y elevó a Curtiz a ser el director principal del estudio. [2] : 63
Curtiz continuó el exitoso género de películas de aventuras protagonizadas por Flynn (a menudo con De Havilland) que incluía The Charge of the Light Brigade (1936), una representación de la Brigada Ligera británica durante la Guerra de Crimea . [28] La película, otra ganadora del Oscar, fue un mayor éxito de taquilla que Captain Blood . [2] : 64 Le siguió Las aventuras de Robin Hood (1938, codirigida con William Keighley a quien reemplazó Curtiz), la película más rentable de ese año, [2] : 64 también ganó tres premios de la Academia y fue nominada a Mejor Imagen. [29] Está en la lista de las 100 mejores películas de Rotten Tomatoes . [30]
Siendo esa su tercera película de Curtiz juntos, Flynn y de Havilland continuaron protagonizando otras películas de gran éxito bajo su dirección, incluida The Private Lives of Elizabeth and Essex (1939), también coprotagonizada por Bette Davis. [31] Davis protagonizó una película de Curtiz la mayoría de los años durante la década de 1930. [2] : 73
Curtiz obtuvo algunos de los mejores trabajos de Edward G. Robinson en Kid Galahad (1937), donde Robinson interpretó a un gerente de boxeo duro y sardónico, pero en última instancia de buen corazón. [32] La película fue coprotagonizada por Bette Davis y Humphrey Bogart . [1] [33]
Debido a la alta productividad cinematográfica de Curtiz, Warner Bros. creó una unidad especial para sus películas, que luego le permitió gestionar dos equipos de filmación. Uno trabajó con él durante el rodaje, mientras que el otro preparó todo para la siguiente película. [34]
John Garfield fue uno de los descubrimientos de Curtiz. Curtiz descubrió a Garfield, un actor de teatro, por accidente, cuando se encontró con una prueba de pantalla descartada que había realizado y pensó que era muy bueno. Garfield había asumido que no pasó la prueba de pantalla y ya se dirigía disgustado a Nueva York. Luego, Curtiz fue a Kansas City para interceptar el tren, donde sacó a Garfield y lo llevó de regreso a Hollywood. [13] Garfield hizo su debut en Four Daughters (1938), seguido de un papel coprotagonista en su secuela, Four Wives (1939). Más tarde, Garfield también coprotagonizó The Sea Wolf (1941) de Curtiz.
En Four Daughters , Garfield coprotagonizó con Claude Rains , quien protagonizaría 10 películas de Curtiz a lo largo de su carrera, seis de ellas durante la década de 1930. [1] Garfield y Rains "estuvieron brillantes juntos en este clásico de Curtiz injustamente descuidado", dice el biógrafo Patrick J. McGrath. [35] Garfield la consideró su "oscura obra maestra". [35] Las críticas elogiaron su papel: "Quizás el acontecimiento más importante que tiene que ver con Four Daughters al leer los críticos parece ser el debut de John Garfield, un joven y brillante actor reclutado en los escenarios de Broadway". [36] Una aprobación similar provino del New York Times , que calificó la actuación de Garfield como "amargamente brillante... una de las mejores películas de la carrera de cualquiera". [36] Garfield y Rains coprotagonizaron al año siguiente en Daughters Courageous (1939) de Curtiz.
Cuando James Cagney protagonizó Ángeles con caras sucias (1938), de Curtiz, fue nominado al Oscar por primera vez. [1] El Círculo de Críticos de Cine de Nueva York lo votó como mejor actor por su interpretación en la película, donde interpretó el papel de un matón que se redime. [2] : 64 [37] Curtiz también fue nominado nuevamente, consolidando aún más su estatus como el director más importante del estudio. [2] : 64 Curtiz fue nominado al Oscar al Mejor Director en 1938 por Ángeles con caras sucias y Cuatro hijas, perdiendo ante Frank Capra por No puedes llevártelo contigo . Curtiz, sin embargo, había dividido sus votos entre dos películas y de hecho obtuvo el mayor número total de votos de la Academia. [38]
Al año siguiente, Curtiz dirigió un cortometraje, Sons of Liberty (1939), protagonizado por Claude Rains, en una película biográfica que dramatiza la contribución judía a la independencia de Estados Unidos. [2] : 44 Curtiz ganó un Premio de la Academia en la categoría de Mejor Cortometraje (Dos carretes) , por esta película. [39]
Tres westerns dirigidos por Curtiz y protagonizados también por Flynn fueron Dodge City (1939), [40] Santa Fe Trail (1940) coprotagonizada por el futuro presidente estadounidense Ronald Reagan , [41] y Virginia City (1940). [42] [43]
Durante la década de 1940, Curtiz continuó lanzando películas más aclamadas por la crítica, incluidas The Sea Hawk (1940), Dive Bomber (1941), The Sea Wolf (1941), Casablanca (1942), Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army ( 1943), Mildred Pierce (1945) y Vida con el padre (1947).
Uno de los mayores éxitos de 1940 fue The Sea Hawk , protagonizada por Errol Flynn en el papel de un aventurero al estilo de Sir Francis Drake . [44] Flora Robson interpretó a la reina Isabel I , y Claude Rains actuó como el embajador español, cuyo trabajo era engañar a la reina, que sospechaba con razón que la Armada española estaba a punto de intentar invadir Inglaterra. Algunos críticos sintieron que la historia era equivalente a acontecimientos reales que tenían lugar en ese momento en Europa, y la describieron como una "diatriba apenas velada contra el aislacionismo estadounidense al borde de la Segunda Guerra Mundial ". [45] El columnista de cine Boyd Martin notó las similitudes:
El paralelismo entre los sueños de imperio perseguido por el rey Felipe de España y los que aparentemente disfrutó momentáneamente Hitler es tan obvio que no escapará a la detección ni siquiera del cinéfilo más joven que lea su periódico y vaya a ver la película... Habiendo recibido un paralelo, el Sr. Curtiz cabalga su Sea Hawk codo a codo con la historia contemporánea. [46]
Dive Bomber (1941) [47] se estrenó unos meses antes del ataque a Pearl Harbor .
Curtiz disparó cada pie del Dive Bomber con asistencia de la Marina y bajo un estricto escrutinio de la Marina. [48] Filmar en la base naval activa de San Diego requirió mucho cuidado, especialmente para las secuencias aéreas. Para crear tomas realistas, montó cámaras en los aviones de la Marina para lograr "tomas desde puntos de vista increíbles", llevando a los espectadores al interior de la cabina durante el vuelo. También montó cámaras debajo de las alas de los aviones para dramatizar los despegues del Enterprise , un portaaviones botado unos años antes. [49]
Bosley Crowther del New York Times le dio una buena reseña: [50]
Los Warner han fotografiado esta imagen en uno de los tecnicolor más magníficos jamás vistos... masas de aviones de colores brillantes, alineados en impresionantes filas alrededor de una base aérea o sobre las enormes cubiertas de vuelo de los portaaviones, y rugiendo con majestuosidad plateada, ala con ala. , a través de los cielos ilimitados de la costa oeste. Nunca antes una película de aviación había sido tan vívida en sus imágenes, transmitido tal sensación de solidez tangible cuando nos muestra cosas sólidas o estado tan llena de luz solar y aire limpio cuando las cámaras están en el aire. Excepto por algunas tomas mal combinadas, el trabajo es casi perfecto.
La película fue bien recibida por el público, convirtiéndose en la sexta película más popular de ese año. [51] Ninguna otra imagen anterior a Pearl Harbor igualaba la calidad de sus escenas de vuelo. [49] La columnista de cine Louella Parsons escribió: " Dive Bomber nuevamente nos alegra de que seamos estadounidenses protegidos por una Armada tan competente como la nuestra". [49]
Edward G. Robinson protagonizó The Sea Wolf (1941), su segunda película dirigida por Curtiz. [52] Interpretó al capitán dictatorial y arrasador de un barco en una adaptación de una de las novelas más conocidas de Jack London . Robinson dijo que el personaje que interpretó "era un nazi en todo menos en el nombre", lo cual, observó Robinson, era relevante para el estado del mundo en ese momento. [1] [53] John Garfield e Ida Lupino fueron elegidos como los jóvenes amantes que intentan escapar de su tiranía. Algunas críticas describieron la película como una de las "joyas escondidas de Curtiz... una de las obras más complejas de Curtiz". [54] Robinson quedó impresionado por la intensa personalidad de Garfield, que en su opinión pudo haber contribuido a la muerte de Garfield a los 39 años:
John Garfield fue uno de los mejores actores jóvenes que he conocido, pero sus pasiones por el mundo eran tan intensas que temí que cualquier día le daría un ataque al corazón. No pasó mucho tiempo antes de que lo hiciera. [53]
Con la magnífica versión de Michael Curtiz de 1941 de El lobo marino ... por una vez se hizo plena justicia al texto de Londres... con la ayuda de modelos, máquinas de niebla recientemente introducidas y un tanque de estudio, la película capturó de manera inquietante una atmósfera espeluznante y malévola. , inquietante y lleno de terror... Desde sus escenas iniciales económicas... hasta su poderoso clímax... se apoderó de manera consistente. En todo momento, Curtiz brindó lecciones prácticas sobre el uso del sonido (el crujido de las maderas del barco, los pasos crujientes, el viento) y primeros planos.
– Charles Higham y Joel Greenburg,
Hollywood en los años cuarenta [55] : 281
Curtiz dirigió otra película de la Fuerza Aérea, Capitanes de las Nubes (1942), sobre la Real Fuerza Aérea Canadiense . Protagonizada por James Cagney y Brenda Marshall. Según Hal B. Wallis , su productor, se convirtió en Warner Bros.' producción más extensa y difícil, y todo tuvo que trasladarse a Canadá. [56] : 76 Al igual que Dive Bomber , las vívidas escenas aéreas filmadas en Technicolor fueron otra característica que atrajo la atención de la crítica, y la película fue nominada a Mejor Dirección de Arte y Mejor Fotografía en Color. [57]
Poco después de que se completara Capitanes de las nubes , pero se estrenó después de su siguiente película, Casablanca , Curtiz dirigió la película biográfica musical Yankee Doodle Dandy (1942), una película sobre el cantante, bailarín y compositor George M. Cohan . [58] Protagonizada por James Cagney en un papel totalmente opuesto al que había interpretado cuatro años antes en Ángeles con caras sucias de Curtiz . Mientras que la película anterior se convirtió en un punto culminante de su carrera por las interpretaciones de un gángster de Cagney, un papel que desempeñó en muchas películas anteriores, en esta película, un musical abiertamente patriótico, Cagney demuestra su considerable talento para el baile y el canto. Era el papel profesional favorito de Cagney. [59]
La valiente actuación de Cagney le valió su único Premio de la Academia como Mejor Actor. Para Warner Bros., se convirtió en su mayor éxito de taquilla en la historia de la compañía hasta ese momento, nominada a nueve premios de la Academia y ganando cuatro. El éxito de la película también se convirtió en un punto culminante en la carrera de Curtiz, con su nominación como Mejor Director. La película se ha agregado a los anales de Hollywood como un clásico cinematográfico, conservado en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos en la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [10]
Curtiz dirigió Casablanca (1942), un drama romántico de la Segunda Guerra Mundial descrito por Roger Ebert en 1996 como una de las películas más populares jamás realizadas. [60] Sus estrellas fueron Humphrey Bogart, interpretando a un expatriado que vive en Marruecos, e Ingrid Bergman como una mujer que intentaba escapar de los nazis. El reparto secundario incluye a Paul Henreid , Claude Rains, Conrad Veidt , Sydney Greenstreet y Peter Lorre . La película recibió ocho nominaciones al Premio de la Academia y ganó tres, incluida una para Curtiz como Mejor Director. [1] La revista Time describió en 2012 Casablanca como "la mejor película jamás realizada". [61]
Otra película patriótica de Curtiz fue This Is the Army (1943), un musical adaptado de la obra de teatro con música de Irving Berlin . [62] Mientras Estados Unidos participaba en la Segunda Guerra Mundial, la película elevó la moral de los soldados y del público. La interpretación de Kate Smith de " God Bless America " fue uno de los aspectos más destacados de las diecinueve canciones de la película.[63] Como resultado de los numerosos elementos populares y genéricos de la película, como el combate terrestre y aéreo, el reclutamiento, el entrenamiento y las marchas, así como la comedia, el romance, la canción y la danza, fue la película con temas de guerra de mayor éxito financiero. de cualquier tipo fabricados durante la Segunda Guerra Mundial . [64]
This Is the Army sigue siendo el tributo musical más fresco, entrañable y conmovedor al luchador estadounidense que ha salido de la Segunda Guerra Mundial... optimista, cautivador, tan americano como los hot dogs o la Declaración de Derechos... ... un documento cálidamente tranquilizador sobre el estado de la nación. Es, de principio a fin, un gran espectáculo.
– Bosley Crowther , New York Times [64]
Durante este período, Curtiz también dirigió la película de propaganda de la Segunda Guerra Mundial Misión a Moscú (1943), película que fue encargada a petición del presidente Franklin D. Roosevelt en apoyo al aliado de Estados Unidos y Gran Bretaña , la Unión Soviética , en ese momento. reprimiendo al 80% de todas las fuerzas alemanas mientras repelían la invasión nazi de Rusia . La película fue bien recibida por la crítica y fue un éxito de taquilla, pero pronto resultó controvertida después de provocar fuertes ataques anticomunistas . Curtiz se tomó las críticas como algo personal y prometió no volver a dirigir una película abiertamente política, promesa que cumplió. [14] : 148
Mildred Pierce (1945) se basó en la novela de James M. Cain . [65] Su estrella, Joan Crawford , dio una de las actuaciones más fuertes de su carrera, interpretando a una madre y exitosa empresaria que sacrifica todo por su hija mimada, interpretada por Ann Blyth .
Cuando Crawford aceptó el papel de Warner Bros., su carrera de 18 años en MGM estaba en declive. [66] Había sido una de las estrellas más destacadas y mejor pagadas de Hollywood, pero sus películas comenzaron a perder dinero y, a finales de la década de 1930, fue etiquetada como "veneno de taquilla". En lugar de permanecer en MGM y ver nuevos talentos más jóvenes atraer la mayor parte de la atención del estudio con mejores papeles, dejó MGM y firmó un contrato con Warner Bros. con un salario reducido. [67]
Curtiz originalmente quería a Barbara Stanwyck para el papel. Sin embargo, Crawford, que para entonces llevaba dos años sin aparecer en una película, hizo todo lo posible para conseguir el papel. Algo poco común para una estrella importante, incluso estuvo dispuesta a hacer una audición para Curtiz. Ella ya era consciente de que "el señor Mike Curtiz me odiaba... No quiero esos hombros tan anchos", dijo. Durante su lectura de una escena emotiva mientras él miraba, lo vio tan abrumado por su parto que lloró y luego dijo: "Te amo, bebé". [68]
Para ayudar a Crawford a prepararse para ciertas escenas judiciales, Curtiz la llevó al centro, donde pasaron tiempo visitando cárceles y presenciando juicios penales. [69] Al fotografiarla, utilizó cuidadosas técnicas de cámara de cine negro , un estilo que aprendió en Europa, para resaltar los rasgos del rostro de Crawford, utilizando ricos reflejos en blanco y negro. [70] Era consciente de que Crawford guardaba su imagen en pantalla con mucho cuidado y que a ella realmente le importaba la calidad. Crawford aprendió a apreciar el genio de Curtiz con la cámara. [71] Eve Arden , nominada como Mejor Actriz de Reparto por la película, dijo que "Curtiz fue uno de los pocos directores que sabía lo que quería y fue capaz de expresarse exactamente, incluso con su divertido acento húngaro". [71]
Mildred Pierce fue nominada a seis premios de la Academia, incluida la de Mejor Película. Sólo Crawford ganó, a la Mejor Actriz, su primer y único Oscar. [67] El autor de la novela, James M. Cain, le regaló una copia encuadernada en cuero de Mildred Pierce , en la que escribió: "A Joan Crawford, que dio vida a Mildred como siempre esperé que fuera, y que tiene mi gratitud de por vida." [72] La película devolvió a Crawford a las filas de las principales estrellas.
Tras el éxito de la película, Jack Warner le dio a Curtiz dos nuevos y excepcionales contratos como agradecimiento, aumentando su salario y reduciendo a dos el número de películas que debía dirigir cada año. [73]
Curtiz dirigió a William Powell e Irene Dunne en Life with Father (1947), una comedia familiar. [74] Fue un gran éxito en los Estados Unidos y fue nominado a cuatro premios de la Academia, incluido el de Mejor Actor para Powell. Durante la carrera de Powell, actuó en 97 películas; su tercera y última nominación fue por esta película. Una reseña decía: "¡Es magnífico en el papel, imbuyéndolo de todos los atributos de pompa, dignidad, vanidad inconsciente y total amabilidad! La suya es una de las actuaciones cinematográficas realmente geniales del año... que corona una larga vida en la pantalla". ". [75]
A fines de la década de 1940, Curtiz llegó a un nuevo acuerdo con Warner Bros. según el cual el estudio y su propia productora compartirían los costos y ganancias de sus películas posteriores con las películas que se estrenarían a través de Warner Bros. "Voy a "Intento crear mi propia sociedad anónima y hacer estrellas de lo desconocido. Cada vez es más imposible fichar a las grandes estrellas, porque están ocupadas durante los próximos dos años", afirmó. [76] También dijo que estaba menos preocupado por la apariencia que por la personalidad cuando usaba un actor. "Si son guapos, eso es algo extra. Pero yo busco personalidad". [76]
Pronto aprendió que las buenas historias eran aún más difíciles de conseguir: "Los estudios pagarán cualquier cosa por buenas historias... las comprarán antes de que nadie pueda conseguirlas", se quejó. Se decía que la historia de Life With Father le había costado al estudio 300.000 dólares y el presupuesto total para hacer la película era de unos 3 millones de dólares. [76] Sin embargo , las películas posteriores obtuvieron malos resultados, ya sea como parte de los cambios en la industria cinematográfica en este período o porque Curtiz "no tenía habilidades para dar forma a la totalidad de una imagen". [18] : 191 De cualquier manera, como dijo el propio Curtiz, "Sólo se te aprecia en la medida en que llevas la pasta a la taquilla . Al día siguiente te tiran a la alcantarilla". [18] : 332
Las películas de Curtiz continuaron cubriendo una amplia gama de géneros, incluidas películas biográficas, comedias y musicales. Algunos de los éxitos de taquilla y películas bien recibidas durante la década de 1950 incluyeron El joven con un cuerno (1950), Jim Thorpe – All-American (1951), La historia de Will Rogers (1952), Blanca Navidad (1954), Nosotros No hay ángeles (1955) y King Creole (1958).
El joven con un cuerno (1950) fue protagonizada por Kirk Douglas , Lauren Bacall y Doris Day , con Douglas interpretando el ascenso y la caída de un músico de jazz motivado, basado en el corneta de la vida real Bix Beiderbecke . [77] [78] Curtiz dirigió una película biográfica real, Jim Thorpe - All-American (1951), esta vez protagonizada por Burt Lancaster , basada en la historia real de un atleta nativo americano que ganó más medallas de oro que cualquier otro atleta en el 1912. Juegos Olímpicos de Verano en Estocolmo. [79] La película recibió aplausos como una de las películas deportivas más convincentes. [80]
Curtiz siguió con Te veré en mis sueños (1952), con Doris Day y Danny Thomas . [81] La película es una biografía musical del letrista Gus Kahn . Fue la cuarta película de Day dirigida por Curtiz, quien la audicionó por primera vez y le dio un papel protagónico en su primera película, Romance on the High Seas (1948). Se sorprendió cuando le ofrecieron un papel protagonista en su primera película y le admitió a Curtiz que era una cantante sin experiencia en actuación. Lo que a Curtiz le gustó de ella después de la audición fue que "era honesta", dijo, sin miedo a decirle que no era actriz. Eso, y la observación de que "sus pecas la hacían parecer la All-American Girl", dijo. Day sería el descubrimiento del que más se jactaría más adelante en su carrera. [13]
La historia de Will Rogers (1952), también una biografía, contaba la historia del humorista y estrella de cine Will Rogers , interpretado por Will Rogers Jr. , su hijo. [82]
La larga asociación entre Curtiz y Warner Bros. finalmente desembocó en una amarga batalla judicial a principios de la década de 1950. Después de que su relación con Warner Bros. se rompió, Curtiz continuó dirigiendo de forma independiente desde 1954 en adelante. El egipcio (1954, basada en la novela de Mika Waltari sobre Sinuhe ) para Fox y protagonizada por Jean Simmons , Victor Mature y Gene Tierney . Dirigió muchas películas para Paramount , incluidas White Christmas , We're No Angels y King Creole . Blanca Navidad (1954), la segunda adaptación de Curtiz de un musical de Irving Berlin , fue un gran éxito de taquilla, la película más taquillera de 1954. Fue protagonizada por Bing Crosby , Danny Kaye , Rosemary Clooney y Vera-Ellen . [83]
Curtiz dirigió La hora escarlata (1956), protagonizada por los recién llegados Carol Ohmart y Tom Tryon . Se informó que Curtiz era temperamental y no le gustaba el guión. La película fue un fracaso comercial. [84]
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Otro musical, King Creole (1958), fue protagonizado por Elvis Presley y Carolyn Jones . [85] Cuando se le pidió que dirigiera a Presley, quien entonces era el "rey del rock and roll", Curtiz solo pudo reír, asumiendo que Presley no podría actuar. Sin embargo, después de algunas conversaciones con él, su opinión cambió: "Comencé a sentarme y tomar nota", dijo Curtiz, y agregó: "Te garantizo que sorprenderá a todos. Muestra un talento formidable. Es más, obtener el respeto que tanto desea." [86] Durante el rodaje, Presley siempre fue el primero en el set. Cuando le dijeron qué hacer, sin importar lo inusual o difícil que fuera, dijo simplemente: "Usted es el jefe, señor Curtiz". [86]
No, este es un chico encantador y será un actor maravilloso.
– Michael Curtiz, después de conocer a Elvis por primera vez [87]
El guión, la música y la actuación se unieron para producir una película extraordinaria, como Presley nunca volvió a igualar en su carrera. [88] Recibió buenas críticas: la revista Variety declaró que la película "muestra a la joven estrella [Presley] como un actor mejor que justo". [89] El New York Times también le dio una crítica favorable: "En cuanto al Sr. Presley, en su tercer intento en la pantalla, es un placer encontrarlo haciendo algo más que Bourbon Street gritando y meneándose. Actuar es su tarea en esta vitrina hábilmente tapizada, y lo hace, así que ayúdanos, por encima de una valla". [90] Presley más tarde agradeció a Curtiz por darle la oportunidad de mostrar su potencial como actor; De sus 33 películas, Elvis la consideró su favorita.
La última película que dirigió Curtiz fue Los Comancheros , estrenada seis meses antes de su muerte por cáncer el 10 de abril de 1962. Curtiz estuvo enfermo durante el rodaje, pero la estrella John Wayne asumió la dirección los días que Curtiz estaba demasiado enfermo para trabajar. Wayne no quería atribuirse el crédito de codirector.
Curtiz siempre invirtió el tiempo necesario para preparar todos los aspectos de una película antes de filmarla. "En lo que a mí respecta", dijo, "el trabajo principal al dirigir una película es preparar una historia para la pantalla... Nada es tan importante... Un director puede compararse con el general de campo de un ejército". "Él debería saber más claramente que nadie lo que se avecina, qué esperar... Creo que esto es un plan de trabajo sólido". [91]
Al dedicar tiempo a la preparación, redujo los retrasos una vez iniciada la producción, lo que le permitió sacar unas seis películas al año hasta la década de 1940. Realizó Front Page Woman (1935) en sólo tres semanas, a pesar de su rápido diálogo periodístico con Bette Davis, [92] luego se dio la vuelta e hizo Captain Blood casi por completo en el escenario de sonido sin tener que salir del estudio. [93] (El duelo de Errol Flynn con Basil Rathbone se rodó en Three Arch Bay en Laguna Beach).
Sidney Rosenzweig sostiene que Curtiz tenía su propio estilo personal, que ya estaba vigente cuando se mudó a Estados Unidos: "tomas altas con grúa para establecer el entorno de una historia; ángulos de cámara inusuales y composiciones complejas en las que los personajes a menudo están enmarcados por objetos físicos; mucho movimiento de cámara; planos subjetivos, en los que la cámara se convierte en el ojo del personaje; y una iluminación de alto contraste con charcos de sombras". [8] : 6–7 Aljean Harmetz afirma que "la visión de Curtiz de cualquier película... era casi totalmente visual ". [18] : 183–184
Unos meses después de llegar a Hollywood como Warner Bros.' El nuevo director, Curtiz explicó que quería que los espectadores sintieran como si realmente estuvieran presenciando una historia en la pantalla:
Para lograr este fin, la cámara debe asumir muchas personalidades. En su mayor parte asume la personalidad del público. En los momentos en que el interés es alto y la ilusión del público mayor, la cámara se coloca alternativamente en la posición de los distintos personajes, mientras la carga dramática pasa de un actor a otro. Esto implica mucho movimiento de la cámara. Si se corta en cada posición de modo que parezca saltar de un lugar a otro, el efecto es notable y la recepción de la historia se ve empañada. Por lo tanto, en muchos casos la cámara debe moverse de una posición a otra sin detenerse, tal como lo haría una persona. [94]
Al preparar escenas, a Curtiz le gustaba compararse con un artista, pintando con personajes, luz, movimiento y fondo sobre un lienzo. Sin embargo, durante su carrera, este "individualismo", dice Robertson, "estuvo oculto a la vista del público" y subestimado porque, a diferencia de muchos otros directores, las películas de Curtiz cubrían un espectro muy amplio de géneros diferentes. [6] : 2 Por lo tanto, muchos lo veían como un maestro técnico versátil que trabajó para Warner Bros.' dirección, más que como un autor con un estilo único y reconocible. [6] : 2
Hal B. Wallis, el productor de muchas de las películas de Curtiz, incluida Robin Hood , siempre estuvo atento a los presupuestos. Le escribió a Jack Warner durante el rodaje de esa película: "En su entusiasmo por hacer grandes tomas y composiciones y utilizar los excelentes valores de producción en esta película, es, por supuesto, más probable que se exceda que cualquier otra persona... "No intenté detener a Mike ayer cuando estaba en la grúa y haciendo tiros de establecimiento". [4] : 123
El propio Curtiz rara vez expresaba su filosofía o estilo cinematográfico por escrito, ya que siempre estaba demasiado ocupado haciendo películas, por lo que no existe ninguna autobiografía y sólo unas pocas entrevistas con los medios. [6] : 3 Su hermano observó que Curtiz era "tímido, casi humilde" en su vida privada, en contraposición a su actitud de "hacerse cargo" en el trabajo. [95] Su hermano añadió que "no quería que nadie escribiera un libro sobre él. Se negó incluso a hablar de la idea". [95] Cuando una vez le pidieron a Curtiz que resumiera su filosofía de hacer películas, dijo: "Pongo en mis películas todo el arte que creo que el público puede soportar". [95]
Antes de llegar a Hollywood, Curtiz siempre consideraba la historia antes de empezar a trabajar en una película. El lado de interés humano de una historia era clave, además de que la trama se desarrollara a medida que avanzaba la película. El explica:
Primero busco el "interés humano" cuando me cuentan una historia. Si ese interés predomina sobre la acción entonces creo que la historia es buena. Siempre es mi deseo contar esa historia como si la cámara fuera una persona relatando las incidencias de un suceso. [3]
Odio ver a directores jóvenes relatando historias al estudio. Nunca deberían tirar ni una sola porque no les parezca una buena historia. Deberán aceptarlos con gratitud... Así aprenderán.
–Michael Curtis [20]
Su actitud no cambió cuando se incorporó a un gran estudio, a pesar de que le encargaban dirigir grandes espectáculos. Aún en la década de 1940, todavía prefería las "imágenes hogareñas". Dijo que era "porque quiero abordar problemas humanos y fundamentales de personas reales. Esa es la base de todo buen drama. Esto es cierto incluso en un espectáculo, donde nunca debes olvidar la humanidad subyacente y la identidad de tus personajes, no No importa cuán espléndidos sean el entorno o las situaciones". [96] Sin embargo, también sintió que incluso con la misma historia, cinco directores diferentes producirían cinco versiones distintivas. "No hay dos iguales", afirmó, ya que "el trabajo de cada director es un reflejo de sí mismo". [91]
El historiador de cine Peter Wollen dice que a lo largo de la carrera de Curtiz, sus películas retrataron personajes que tuvieron que "lidiar con la injusticia, la opresión, el atrapamiento, el desplazamiento y el exilio". [17] : 85 Cita ejemplos de películas de Curtiz para respaldar esto: 20.000 años en Sing Sing (1932) trató el tema de la alienación social, mientras que Captain Blood , The Adventures of Robin Hood y The Sea Hawk se referían a un monarca tirano. que amenazaba la libertad de los ingleses comunes y corrientes. [17] : 90 estados de Wollen:
El argumento a favor de Curtiz como autor se basa en su increíble capacidad para encontrar el estilo adecuado para la película adecuada. Si muestra una coherencia temática en varios géneros, es en su constante preferencia por enfatizar las luchas de los rebeldes y los oprimidos contra los atrincherados y poderosos. [2] : 74
Curtiz siempre fue extremadamente activo: trabajaba jornadas muy largas, practicaba varios deportes en su tiempo libre y, a menudo, dormía bajo una ducha fría. [18] : 188 Se saltaba los almuerzos porque interferían con su trabajo y sentía que a menudo lo cansaban. Por lo tanto, despreciaba a los actores que almorzaban, creyendo que los "vagabundos del almuerzo" no tenían energía para trabajar por las tardes. [18] : 188
Wallis dijo que era "un demonio para el trabajo". [56] Se levantaba cada mañana a las 5 am y normalmente permanecía en el estudio hasta las 8 o 9 pm. Odiaba volver a casa al final del día, dijo Wallis. Con su alto nivel de energía, también prestó atención a cada detalle del set.
Para ampliar sus experiencias de vida en los EE. UU., dado que rara vez viajaba fuera de Hollywood, cuando iba a rodajes tendía a estar inquieto y curioso sobre todo lo que había en la zona. El productor Wallis, que lo acompañaba a menudo, observó que exploraba todo:
Tenía sed de conocimiento; quería ver las salas de billar, los albergues de mala muerte, las secciones chinas, los barrios marginales: todo lo extraño, exótico y sórdido para poder ampliar el conocimiento que daba a sus fotografías su asombroso grado de realismo. [56]
Se ganó el apodo de "Iron Mike" de sus amigos, ya que intentaba mantenerse en forma físicamente jugando polo cuando tenía tiempo, y poseía un establo de caballos para su recreación en casa. Atribuyó su condición física y su nivel de energía únicamente a una vida sobria. [96] Incluso con su gran éxito y riqueza a lo largo de los años, no se permitió "ser acariciado en el regazo del lujo". [96]
La desventaja de su dedicación fue su comportamiento a menudo insensible, que muchos atribuyeron a sus raíces húngaras. Fay Wray , que trabajó con Curtiz en Mystery of the Wax Museum , dijo: "Sentí que él no era de carne y hueso, que era parte del acero de la cámara". [18] : 126 Curtiz no era popular entre la mayoría de sus colegas, muchos de los cuales lo consideraban arrogante. [8] : 7 Tampoco lo negó, explicando: "Cuando veo a un hombre perezoso o a una chica que no le importa, me pongo duro. Soy muy crítico con los actores, pero si encuentro un actor real, soy primero en apreciarlos." [4] : 122 [18] : 124
No importa cuál sea la historia, Curtiz nunca está perdido. Si se trata de la vida de un pequeño pueblo estadounidense, es tan estadounidense como Sinclair Lewis . Si se trata de París, es tan continental como Maurice Chevalier . Y si es un misterio, es tan buen narrador de historias de misterio como SS Van Dine . Pero el inglés lo tiene perplejo.
– El columnista de cine George Ross [96]
Sin embargo, Bette Davis, poco conocida en 1932, hizo cinco películas más con él, aunque discutieron constantemente durante el rodaje de La cabaña en el algodón (1932), uno de sus primeros papeles. [97] [98] Tenía una mala opinión de los actores en general, diciendo que actuar "es el cincuenta por ciento una gran bolsa de trucos. El otro cincuenta por ciento debería ser talento y habilidad, aunque rara vez lo es". En general, se llevaba bastante bien con sus estrellas, como lo demuestra su capacidad para atraer y retener a algunos de los mejores actores de Hollywood. Se llevaba muy bien con Claude Rains, a quien dirigió en diez películas. [18] : 190
Hablaba un inglés terrible; su inglés siempre fue una broma en el set. Pero los diálogos en sus películas están maravillosamente presentados y dirigidos.
– Historiador de cine David Thomson [99]
Curtiz tuvo problemas con el inglés porque estaba demasiado ocupado filmando para aprender el idioma. A veces usaba pantomimas para mostrar lo que quería que hiciera un actor, lo que dio lugar a muchas anécdotas divertidas sobre su elección de palabras al dirigir. David Niven nunca olvidó el dicho de Curtiz de "traer los caballos vacíos" cuando quería "sacar los caballos sin jinetes", hasta el punto de que lo usó para el título de sus memorias. [100] Abundan historias similares: Para la escena final en Casablanca , Curtiz le pidió al escenógrafo un "caniche" en el suelo para que la cámara pudiera ver los pasos mojados de los actores. Al día siguiente, el escenógrafo trajo un perrito sin darse cuenta de que Curtiz quería decir "charco", no "caniche". [101] Pero no todos los actores que trabajaron con Curtiz se divirtieron tanto con sus malas palabras . Edward G. Robinson, a quien Curtiz dirigió en El lobo marino , tenía una opinión diferente sobre las dificultades lingüísticas de los extranjeros en Hollywood:
Podrían llenar un libro. Aunque no sospechara que los habías oído todos, hace mucho que decidí que no me aburriría ni a mí ni a ti con curtizismos, pasternakismos, goldwynismos o gaborismos. Demasiados escritores han convertido en una industria artesanal informar sobre el mal uso del idioma inglés por parte de la gente de Hollywood. [53]
Cuando se fue a Estados Unidos, Curtiz dejó un hijo ilegítimo y una hija ilegítima. [18] : 122 Alrededor de 1918, se casó con la actriz Lucy Doraine y se divorciaron en 1923. Tuvo una larga aventura con Lili Damita a partir de 1925 y a veces se informa que se casó con ella, pero el estudioso del cine Alan K. Rode afirma en su Biografía de Curtiz de 2017 que se trata de una leyenda moderna y que no hay evidencia contemporánea que la respalde. [102] Sus obituarios no mencionan tal matrimonio. [103] [104]
Curtiz había abandonado Europa antes del ascenso del nazismo : otros miembros de su familia fueron menos afortunados. Una vez le pidió a Jack Warner, que iba a Budapest en 1938, que se pusiera en contacto con su familia y les ayudara a conseguir visas de salida. Warner logró llevar a la madre de Curtiz a Estados Unidos, donde pasó el resto de su vida viviendo con su hijo. No pudo rescatar a la única hermana de Curtiz, a su marido ni a sus tres hijos, que fueron enviados a Auschwitz , donde su marido y dos de los niños fueron asesinados. [4] : 124
Curtiz pagó parte de su propio salario al Fondo Cinematográfico Europeo , una asociación benévola que ayudó a los refugiados europeos del negocio cinematográfico a establecerse en Estados Unidos . [18]
En 1933, Curtiz se naturalizó como ciudadano estadounidense . [105] A principios de la década de 1940, se había vuelto bastante rico, ganaba 3.600 dólares por semana y era dueño de una propiedad sustancial, con una cancha de polo . [18] : 76 Uno de sus compañeros habituales de polo era Hal B. Wallis, quien había conocido a Curtiz a su llegada al país y había entablado una estrecha amistad con él. La esposa de Wallis, la actriz Louise Fazenda y la tercera esposa de Curtiz, Bess Meredyth , actriz y guionista, habían sido cercanas desde antes del matrimonio de Curtiz con Meredyth en 1929. Curtiz tuvo numerosas aventuras; Meredyth lo dejó una vez por un corto tiempo, pero permanecieron casados hasta 1961, cuando se separaron. [18] : 121 Permanecieron casados hasta su muerte. [103] [106] Ella era la ayudante de Curtiz siempre que su necesidad de lidiar con guiones u otros elementos superaba su conocimiento del inglés y, a menudo, la llamaba para pedirle consejo cuando se le presentaba un problema durante el rodaje. [18] : 123
Curtiz fue padrastro del director de cine y televisión John Meredyth Lucas , quien habla de él en su autobiografía Ochenta años impares en Hollywood .
Curtiz murió de cáncer el 10 de abril de 1962, a la edad de 75 años. [107] [108] En el momento de su muerte, vivía solo en un pequeño apartamento en Sherman Oaks, California . [13] Está enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California . [109]
Michael Curtiz es el ejemplo clásico de director de estudio en el sentido de que podía dedicarse a casi cualquier cosa. Podía pasar de cualquier género a otro y, de alguna manera, este húngaro sabía exactamente cómo funcionaban esos géneros. Como si hubiera alguna habilidad innata para contar historias en este hombre.
El historiador de cine David Thomson [99]
Curtiz dirigió algunas de las películas más conocidas del siglo XX, logrando numerosas actuaciones de actores premiadas. Antes de trasladarse a Hollywood desde su Hungría natal cuando tenía 38 años, ya había dirigido 64 películas en Europa. Pronto ayudó a Warner Bros. a convertirse en el estudio de más rápido crecimiento del país, dirigiendo 102 películas durante su carrera en Hollywood, más que cualquier otro director. [2] : 67 Jack Warner , quien descubrió a Curtiz por primera vez después de ver una de sus epopeyas en Europa, lo llamó "el mejor director de los Warner Brothers". [95]
Dirigió a 10 actores nominados al Oscar: Paul Muni , John Garfield, James Cagney, Walter Huston , Humphrey Bogart, Claude Rains, Joan Crawford, Ann Blyth, Eve Arden y William Powell. Cagney y Crawford ganaron sus únicos premios de la Academia bajo la dirección de Curtiz, y Cagney en la televisión luego atribuyó parte de su éxito al "inolvidable Michael Curtiz". [95] El propio Curtiz fue nominado cinco veces y ganó como Mejor Director por Casablanca .
Se ganó la reputación de ser un capataz severo con sus actores, ya que controlaba cada detalle del set. Con su trayectoria como director desde 1912, su experiencia y dedicación al arte lo convirtieron en un perfeccionista. Tenía un dominio asombroso de los detalles técnicos. Hal B. Wallis , que produjo varias de sus películas más importantes, incluida Casablanca , dijo que Curtiz siempre había sido su director favorito:
Fue un director magnífico con un dominio asombroso de la iluminación, el estado de ánimo y la acción. Podía manejar cualquier tipo de película: melodrama, comedia, western, epopeya histórica o historia de amor. [56]
Algunos, como el guionista Robert Rossen , se preguntan si Curtiz "ha sido mal juzgado por la historia del cine", ya que no figura entre los que a menudo se consideran grandes directores, como John Ford , Howard Hawks , Orson Welles y Alfred Hitchcock : "Él Evidentemente era un talento muy atento a los movimientos creativos de su época, como el expresionismo alemán , la genialidad del sistema de estudios de Hollywood, géneros como el cine negro y las posibilidades que ofrecían las estrellas talentosas." [110]
La historiadora de cine Catherine Portuges ha descrito a Curtiz como uno de los "directores de cine más enigmáticos y, a menudo, subestimado". [9] : 161 El teórico del cine Peter Wollen quería "resucitar" la reputación crítica de Curtiz, observando que con su enorme experiencia y empuje, "podía extraer significados inesperados de un guión a través de su dirección de actores y directores de fotografía". [2] : 75
Curtiz también ganó un Premio de la Academia en la categoría de Mejor Cortometraje (Dos carretes) , por Sons of Liberty . [39]
Seis de las películas de Curtiz fueron nominadas a Mejor Película : Captain Blood (1935), Las aventuras de Robin Hood (1938), Four Daughters (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Casablanca (1943) y Mildred Pierce (1945). De ellas, sólo Casablanca ganó la Mejor Película.
El American Film Institute clasificó a Casablanca en el puesto 3 y a Yankee Doodle Dandy en el puesto 98 en su lista de las mejores películas estadounidenses . Las aventuras de Robin Hood y Mildred Pierce fueron nominadas a la lista.
Medios relacionados con Michael Curtiz en Wikimedia Commons
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