Joseph Frank " Buster " Keaton (4 de octubre de 1895 - 1 de febrero de 1966) [1] fue un actor, comediante y cineasta estadounidense. [2] Es más conocido por sus películas mudas durante la década de 1920, en las que realizó comedia física y acrobacias inventivas . Con frecuencia mantenía una expresión facial estoica e inexpresiva que se convirtió en su marca registrada y le valió el apodo de "El gran rostro de piedra". [3] [4]
Keaton fue una estrella de vodevil de niño , actuando como parte del número itinerante de su familia. De adulto, comenzó a trabajar con el productor independiente Joseph M. Schenck y el cineasta Edward F. Cline , con quien realizó una serie de exitosas comedias de dos carretes a principios de la década de 1920, entre ellas One Week (1920), The Playhouse (1921), Cops (1922) y The Electric House (1922). Luego pasó a largometrajes; varios de ellos, como Sherlock Jr. (1924), The General (1926), Steamboat Bill, Jr. (1928) y The Cameraman (1928), siguen siendo muy valorados. [5] The General es quizás su obra más aclamada; Orson Welles la consideró "la mejor comedia jamás realizada... y quizás la mejor película jamás realizada". [6] [7] [8] [9]
La carrera de Keaton decayó después de 1928, cuando firmó con la Metro-Goldwyn-Mayer y perdió su independencia artística. Su primera esposa se divorció de él y cayó en el alcoholismo. Fue despedido de la MGM en 1933, poniendo fin a su carrera como protagonista de largometrajes. Se recuperó en la década de 1940, casándose con Eleanor Norris y trabajando como actor cómico de honor hasta el final de su vida. Durante este período, hizo cameos en Sunset Boulevard (1950) de Billy Wilder , Limelight (1952) de Charlie Chaplin , Film (1965) de Samuel Beckett y una variedad de programas de televisión. Obtuvo un premio honorífico de la Academia en 1959.
El crítico Roger Ebert escribió sobre el "extraordinario período de Keaton de 1920 a 1929" en el que "trabajó sin interrupción" y lo convirtió en "el mejor actor y director de la historia del cine". [4] En 1996, Entertainment Weekly reconoció a Keaton como el séptimo mejor director de cine, afirmando que "sus películas ofrecen risas de invención física alucinante y una determinación espacial que se acerca a la grandeza filosófica". [10] En 1999, el American Film Institute lo clasificó como la 21.ª mayor estrella masculina del cine clásico de Hollywood. [11]
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Keaton nació en una familia de vodevil en Piqua, Kansas , [12] la pequeña ciudad que su madre, Myra Keaton (de soltera Cutler), estaba de visita en ese momento. Fue nombrado Joseph para continuar una tradición por parte de su padre (era el sexto en una línea que llevaba el nombre de Joseph Keaton) [1] y Frank por su abuelo materno, que desaprobaba la unión de sus padres. Su padre era Joseph Hallie "Joe" Keaton , que tenía un espectáculo itinerante llamado Mohawk Indian Medicine Company, que actuaba en el escenario y vendía medicamentos patentados como actividad paralela. [13] [14] [15] Según una historia que se repite con frecuencia, que puede ser apócrifa, [16] Keaton adquirió el apodo de Buster a la edad de 18 meses. Después de que el niño se cayera por un largo tramo de escaleras sin sufrir lesiones, un amigo actor llamado George Pardey comentó: "¡Vaya, es un auténtico Buster!". [17] : 17 Después de esto, el padre de Keaton comenzó a usar el apodo para referirse al joven. Keaton volvió a contar la anécdota a lo largo de los años, incluso en una entrevista de 1964 con el programa Telescope de la CBC . [18] En el relato de Keaton, tenía seis meses cuando ocurrió el incidente, y Harry Houdini le dio el apodo (aunque la familia no llegó a conocer a Houdini hasta más tarde). [17] : 18
A los 3 años, Keaton comenzó a actuar con sus padres en The Three Keatons. Apareció por primera vez en el escenario en 1899 en Wilmington, Delaware . El acto era principalmente un sketch de comedia. Myra tocaba el saxofón a un lado, mientras Joe y Keaton actuaban en el centro del escenario, ambos con suelas de goma, pelucas calvas y barbas "irlandesas". El joven Keaton provocaba a su padre desobedeciendolo, y el mayor Keaton respondía arrojándolo contra el escenario, al foso de la orquesta o incluso al público. Se cosió un asa de maleta en la ropa de Keaton para ayudarlo con el constante lanzamiento. El acto evolucionó a medida que Keaton aprendió a realizar caídas de forma segura; rara vez se lesionaba o se lastimaba en el escenario. Este estilo de comedia desenfrenada condujo a acusaciones de abuso infantil y, ocasionalmente, arrestos. Sin embargo, Keaton siempre pudo demostrar a las autoridades que no tenía moretones ni huesos rotos. Finalmente, Keaton fue considerado como "el niño pequeño que no puede sufrir daño" y el número en general como "el número más rudo que jamás se haya dado en la historia del teatro". [19] Décadas después, Keaton dijo que su padre nunca lo lastimó y que las caídas y la comedia física eran una cuestión de ejecución técnica adecuada. En 1914, le dijo al Detroit News : "El secreto está en aterrizar sin fuerzas y frenar la caída con un pie o una mano. Es un don. Empecé tan joven que aterrizar correctamente es algo natural para mí. Varias veces me habrían matado si no hubiera podido aterrizar como un gato. Los imitadores de nuestro número no duran mucho, porque no pueden soportar el trato". [19]
Keaton dijo que se divertía tanto que a veces se reía cuando su padre lo lanzaba por el escenario. Al notar que esto hacía que el público se riera menos, adoptó su famosa expresión inexpresiva cuando actuaba. [20] El acto chocaba con las leyes que prohibían que los niños actuaran en el vodevil. Según un biógrafo, Keaton tuvo que ir a la escuela mientras actuaba en Nueva York, pero solo asistió durante parte de un día. [21] A pesar de sus problemas con la ley, Keaton era una estrella ascendente y relativamente bien pagada en el teatro. Afirmó que aprendió a leer y escribir tarde y que su madre le enseñó. Cuando tenía 21 años, el alcoholismo de su padre amenazó la reputación del acto familiar, [19] por lo que Keaton y su madre, Myra, se fueron a Nueva York, donde la carrera de Keaton pasó rápidamente del vodevil al cine. [22]
Keaton sirvió en las Fuerzas Expedicionarias Estadounidenses en Francia con la 40.ª División de Infantería del Ejército de los Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial . Su unidad permaneció intacta y no fue desmantelada para proporcionar reemplazos, como sucedió con otras divisiones que llegaron tarde. Durante su tiempo en uniforme, desarrolló una infección de oído que perjudicó permanentemente su audición. [23] [24]
Keaton pasó los veranos de 1908-1916 "en la 'Colonia de Actores' en el barrio Bluffton de Muskegon , junto con otros famosos artistas de vodevil". [25]
En febrero de 1917, conoció a Roscoe "Fatty" Arbuckle en los estudios Talmadge de la ciudad de Nueva York, donde Arbuckle tenía contrato con Joseph M. Schenck . Joe Keaton desaprobaba las películas y Keaton también tenía reservas sobre el medio. Durante su primera reunión con Arbuckle, le pidieron que se lanzara y comenzara a actuar. Keaton era tan natural en su primera película, The Butcher Boy , que lo contrataron en el acto. Al final del día, pidió prestada una de las cámaras para tener una idea de cómo funcionaba. Se llevó la cámara a su habitación de hotel, donde la desmontó y volvió a montar por la mañana. [26] Keaton dijo más tarde [ ¿dónde? ] que pronto fue el segundo director de Arbuckle y todo su departamento de gags. Apareció en un total de 14 cortos de Arbuckle , que se extendieron hasta 1920. Fueron populares y, contrariamente a la reputación posterior de Keaton como "El gran rostro de piedra", a menudo sonreía e incluso reía en ellos. Keaton y Arbuckle se hicieron amigos cercanos, y Keaton fue una de las pocas personas, junto con Charlie Chaplin , en defender el personaje de Arbuckle durante las acusaciones de que era responsable de la muerte de la actriz Virginia Rappe . (Arbuckle finalmente fue absuelto, con una disculpa del jurado por la terrible experiencia que sufrió. [27] )
En 1920 se estrenó The Saphead , en la que Keaton tuvo su primer papel protagonista en un largometraje. Se basaba en una obra de teatro de éxito, The New Henrietta , que ya se había filmado una vez, bajo el título The Lamb , con Douglas Fairbanks en el papel protagonista. Después del exitoso trabajo de Keaton con Arbuckle, Schenck le dio su propia unidad de producción, Buster Keaton Productions. Hizo una serie de 19 comedias de dos carretes , entre ellas One Week (1920), The Playhouse (1921), Cops (1922) y The Electric House (1922). Keaton pasó entonces a los largometrajes.
Los escritores de Keaton incluyeron a Clyde Bruckman , Joseph Mitchell y Jean Havez , pero los gags más ingeniosos generalmente fueron concebidos por el propio Keaton. El director de comedia Leo McCarey , recordando los días de libertad en los que hacía comedias de payasadas , dijo: "Todos intentamos robarnos los gags de los demás. ¡Pero no tuvimos suerte con Keaton porque él mismo inventaba sus mejores gags y no podíamos robárselos ! " [28] Las ideas más aventureras exigían acrobacias peligrosas, realizadas por Keaton con gran riesgo físico. Durante la escena del tanque de agua del ferrocarril en Sherlock Jr. (gags escritos por Clyde Bruckman) , Keaton se rompió el cuello cuando un torrente de agua cayó sobre él desde una torre de agua, pero no se dio cuenta hasta años después. Una escena de Steamboat Bill, Jr. requería que Keaton se quedara quieto en un lugar particular. Luego, la fachada de un edificio de dos pisos se derrumbó hacia adelante sobre Keaton. El personaje de Keaton salió ileso gracias a una única ventana abierta. La maniobra requería precisión, porque el edificio de utilería pesaba dos toneladas y la ventana sólo ofrecía unos pocos centímetros de espacio libre alrededor del cuerpo de Keaton. La secuencia proporcionó una de las imágenes más memorables de su carrera. [29]
Aparte de Steamboat Bill, Jr. (1928), las películas de larga duración más perdurables de Keaton incluyen Three Ages (1923), Our Hospitality (1923), The Navigator (1924), Sherlock Jr. (1924), Seven Chances (1925), The Cameraman (1928) y The General (1926). The General , ambientada durante la Guerra Civil estadounidense , combinaba la comedia física con el amor de Keaton por los trenes, [30] incluyendo una persecución épica de locomotoras. Empleando lugares pintorescos, la historia de la película recreaba un incidente real de la guerra . Aunque llegaría a ser considerada como el mayor logro de Keaton, la película recibió críticas mixtas en su momento. Era demasiado dramática para algunos espectadores que esperaban una comedia ligera, y los críticos cuestionaron el juicio de Keaton al hacer una película cómica sobre la Guerra Civil, incluso aunque señalaron que tenía "algunas risas". [31]
Fue un fracaso costoso (la escena culminante de una locomotora cayendo en picado a través de un puente en llamas fue la toma individual más cara en la historia del cine mudo), [32] [33] y a Keaton nunca más se le confió el control total sobre sus películas. Su distribuidora, United Artists , insistió en un gerente de producción que controlaba los gastos e interfería con ciertos elementos de la historia. Keaton soportó este trato durante dos largometrajes más, y luego cambió su trabajo independiente por un empleo en el estudio más grande de Hollywood, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La pérdida de independencia de Keaton como cineasta coincidió con la llegada del cine sonoro (aunque estaba interesado en hacer la transición) y los crecientes problemas personales, y su carrera en la era temprana del cine sonoro se vio perjudicada como resultado. [34]
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Las últimas tres películas de Keaton se habían producido y estrenado de forma independiente, bajo el control de Keaton, y no alcanzaron las expectativas financieras de taquilla. En 1928, el ejecutivo cinematográfico Nicholas Schenck consiguió un acuerdo con la Metro-Goldwyn-Mayer para contratar los servicios de Keaton. Keaton tenía poco que decir sobre los detalles del contrato con la MGM; ya no tendría ninguna responsabilidad financiera por sus películas, e incluso su salario había sido negociado de antemano, sin su propia opinión. Charlie Chaplin y Harold Lloyd le aconsejaron que no hiciera el cambio, advirtiéndole de que perdería su independencia. [35] Pero, dado el deseo de Schenck de mantener las cosas "en la familia" y que Keaton tuvo que admitir que sus películas independientes no habían tenido éxito, Keaton aceptó firmar con la MGM. Más tarde citaría esto como la peor decisión empresarial de su vida en su autobiografía. [36]
Keaton fue recibido en el estudio por Irving Thalberg , con quien inicialmente tuvo una relación de mutua admiración, [37] pero se dio cuenta demasiado tarde de que el sistema de estudios que representaba MGM limitaría severamente su aporte creativo. El estudio gigante funcionaba según estrictas líneas de fábrica, con todo planeado y presupuestado de antemano. La primera de las películas de Keaton de MGM fue The Cameraman (1928), y Keaton percibió problemas inmediatamente cuando vio el guion. "Era tan largo como Guerra y paz ", recordó Keaton. "Saqué 40 personajes inútiles y un par de subtramas. Estos tipos no se dieron cuenta -todavía no se dan cuenta- de que las mejores comedias son simples. Dije: 'Me gustaría hacer algo con un borracho, una mujer gorda y un niño. Consíganmelos'. En mi estudio tenían los personajes que quería en 10 minutos. Pero no en MGM. Tenías que pedir un palillo por triplicado. Yo simplemente me quedé allí, y todo el mundo estaba acosándome". [38] MGM sólo quería a Keaton como estrella, Keaton como creador era considerado una pérdida de tiempo y dinero porque "en el tiempo que le llevaba desarrollar un proyecto, podría haber aparecido en dos o tres películas preparadas por el equipo de producción del estudio". [37]
Cuando el estudio comenzó a hacer películas sonoras, Keaton se entusiasmó con la nueva tecnología y quiso hacer su siguiente película, Spite Marriage , con sonido. [39] MGM se negó, porque la película era más valiosa en formato mudo; podría exhibirse en todo el mundo en cines que no se habían convertido al sonido. Además, los estudios de sonido eran entonces un bien escaso y MGM generalmente los reservaba para producciones dramáticas. MGM también obligó a Keaton a utilizar un doble de riesgo durante algunas de las escenas más peligrosas para proteger su inversión, algo que nunca había hecho en su apogeo: "Los especialistas no te hacen reír", había dicho Keaton. [40]
En las primeras películas de Keaton con sonido, él y sus compañeros actores filmaban cada escena tres veces: una en inglés, otra en español y otra en francés o alemán . Los actores memorizaban fonéticamente los guiones en idioma extranjero unas pocas líneas a la vez y filmaban inmediatamente después. Esto se analiza en el documental de TCM Buster Keaton: So Funny it Hurt , donde Keaton se queja de tener que filmar películas malas no solo una, sino tres veces.
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Keaton siguió intentando persuadir a sus jefes para que le permitieran hacer las cosas a su manera. El jefe de producción Irving Thalberg no permitió que Keaton creara un guion desde cero porque el estudio ya había comprado un espacio escénico que databa de 1917, Parlor, Bedroom and Bath , por sugerencia de Lawrence Weingarten , que era el cuñado de Thalberg y el productor de Keaton. ("Estábamos desesperados. No sabíamos qué hacer", recordó Weingarten. [41] ) Sin embargo, Thalberg permitió a Keaton escenificar los gags, incluidos largos tramos de pantomima, y acordó enviar un equipo a la propia mansión de Keaton para las tomas exteriores. La relativa libertad de Keaton durante este proyecto resultó en una película mejor de lo habitual. "Aparte de su excepcional calidad", escribe el biógrafo James Curtis, "la gran lección de Parlor, Bedroom and Bath fue su extraordinario éxito comercial. Con un mejor rendimiento en taquilla que cualquiera de las otras películas sonoras de Keaton para la MGM, recaudó 985.000 dólares en todo el mundo [20.694.850 dólares en 2024]. Con un rendimiento [beneficio neto] de 299.000 dólares [6.281.990 dólares en 2024], se convirtió en la más rentable de todas las películas de Buster Keaton, tanto mudas como sonoras". [42] Curtis señala que también fue la única de sus películas para la MGM que se estrenó por debajo del presupuesto y antes de lo previsto.
El siguiente proyecto confirmó los temores de Keaton sobre la interferencia del estudio. Le entregaron un guion titulado Sidewalks of New York (1932), en el que interpretaba a un millonario que se involucra con una chica de un barrio marginal y una pandilla de chicos alborotadores. Keaton pensó que la premisa era totalmente inadecuada y se sintió incómodo con sus directores Jules White y Zion Myers, quienes enfatizaron la payasada directa. "Pasé por encima de (Weingarten) y apelé a Irving Thalberg para que me ayudara a librarme del trabajo. Irving normalmente estaba de mi lado, pero esta vez dijo: 'A Larry le gusta. A todos los demás en el estudio les gusta la historia. Tú eres el único al que no le gusta'. Al final, me di por vencido como un tonto y dije '¿Qué demonios?' ¿Quién era yo para decir que yo tenía razón y que todos estaban equivocados?" [43] El énfasis de la película en el humor obvio la hizo inadecuada para el estreno habitual y prestigioso en Broadway (se estrenó simultáneamente en dos teatros callejeros de Nueva York), pero el público menos exigente de los pequeños pueblos de todo Estados Unidos acudió en masa a ver la película, lo que resultó en un éxito rotundo.
MGM había estado presentando al músico cómico Cliff Edwards en las películas de Keaton. El estudio reemplazó a Edwards, que tenía problemas de abuso de sustancias, por el comediante de club nocturno Jimmy Durante . El lacónico Keaton y el bullicioso Durante ofrecieron suficiente contraste para funcionar como un equipo, lo que resultó en tres películas muy exitosas: Speak Easily (1932), The Passionate Plumber (1932) y What! No Beer? (1933).
Entre bastidores hubo problemas. En marzo de 1932, la oficina del jefe de estudio Louis B. Mayer le pidió a Keaton que se presentara a trabajar un sábado por la tarde para filmar una escena para los visitantes del estudio. Keaton ya tenía planes de asistir a un campeonato local de béisbol universitario, donde iba a ser la mascota del equipo local. Envió sus disculpas a la oficina de Mayer y mantuvo su cita en el partido de béisbol, solo para recibir una advertencia de Mayer el martes siguiente, suspendiendo su salario hasta que volviera a trabajar.
En 1932, el comportamiento de Keaton se había vuelto errático, abatido por las condiciones de trabajo en el estudio y por el antagonismo de su esposa hacia él en casa. Esto afectó a sus películas; a veces se le veía visiblemente borracho delante y detrás de las cámaras. "Llegué a un punto en el que no me importaba si la escuela continuaba o no, y luego comencé a beber demasiado", dijo Keaton al entrevistador Tony Thomas. "Cuando descubrí que ellos podían escribir historias y material mejor que yo, ¿de qué servía pelearme con ellos?". El desmoralizado Keaton no pudo recurrir al jefe de producción Irving Thalberg en busca de apoyo, porque Thalberg estaba entonces de baja médica que duró ocho meses. Esto dejó a Louis B. Mayer temporalmente a cargo exclusivo del estudio, lo que hizo que la posición de Keaton en MGM fuera aún más frágil. Las ausencias de Keaton le costaban a la compañía 3.000 dólares al día (63.030 dólares en 2024).
La gota que colmó el vaso fue cuando Mayer "asaltó" el camerino de Keaton durante una fiesta desenfrenada con los "compinches" de Keaton y sus novias. Sam Marx, miembro del personal de la MGM , recordó el resultado: "Buster le ordenó que saliera del tráiler y Mayer le ordenó que saliera del estudio". [44] Mayer no pudo despedirlo inmediatamente, porque la última película de Keaton aún no estaba terminada. Inmediatamente después de que Keaton completara las nuevas tomas de What! No Beer?, fue despedido "por una buena y suficiente causa" en una carta firmada por Mayer el 2 de febrero de 1933.
Keaton había sido considerado para aparecer en el éxito estelar del estudio Grand Hotel , solo para que su papel del tuberculoso Kringelein fuera interpretado por Lionel Barrymore . Cuando What! No Beer? estaba a punto de completarse, Keaton —«sobrio, afeitado y tranquilo», como Keaton le dijo a su biógrafo Rudi Blesh— le presentó una idea a Irving Thalberg. Quería hacer una parodia de largometraje de Grand Hotel con un elenco completamente cómico: él en el papel de Lionel Barrymore, Jimmy Durante en el papel de John Barrymore , Marie Dressler en el papel de Greta Garbo , Polly Moran en el papel de Joan Crawford , Henry Armetta en el papel de Jean Hersholt , Edward Everett Horton en el papel de Lewis Stone y Laurel y Hardy compartiendo el papel de Wallace Beery . Edward Sedgwick sería el director. [45] Keaton llamó a su versión Grand Mills Hotel (en honor al Mills Hotel, un albergue de Bowery ). Thalberg dudaba en burlarse del trabajo del digno estudio, pero al ver la evidente decepción de Keaton, dijo que lo pensaría.
Después de que Louis B. Mayer despidiera a Keaton, Thalberg regresó al estudio y convenció a Mayer de que Keaton seguía siendo valioso para la compañía. Thalberg intentó resucitar la carrera de Keaton en la MGM al ofrecerle seguir adelante con la sátira de Grand Hotel , ahora retitulada Gland Hotel . Keaton, todavía furioso con Mayer, se negó a regresar al estudio y Mayer no estaba dispuesto a disculparse. Así terminó la carrera de Buster Keaton como protagonista de largometrajes.
En 1934, Keaton aceptó una oferta para hacer una película independiente en París, Le Roi des Champs-Élysées ; no se estrenó en los Estados Unidos. Durante este período, hizo otra película en Inglaterra, The Invader . MGM, que necesitaba una cierta cantidad de películas hechas en Gran Bretaña para cumplir con una cuota legal (ver cuotas rápidas ), distribuyó la película de Keaton en Inglaterra, pero se negó a estrenarla en los Estados Unidos, porque el estudio ya había terminado el empleo de Keaton y ya no lo promocionaba como una de sus estrellas. The Invader fue adquirida por el importador de películas JH Hoffberg en octubre de 1935, y la retituló An Old Spanish Custom . [46] Hoffberg lanzó la película en Estados Unidos en el mercado de "derechos estatales", [47] donde las bolsas independientes compraron los derechos regionales de la película y la ofrecieron a los cines locales en sus territorios.
En 1934, Buster Keaton hizo su regreso a la pantalla en comedias de dos carretes para Educational Pictures . La mayoría de estos cortos de 20 minutos son comedias visuales simples, con muchos de los gags proporcionados por el propio Keaton, a menudo reciclando ideas de su acto de vodevil familiar y sus películas anteriores. [48] Keaton tenía mano libre para poner en escena las películas, dentro de los límites presupuestarios del estudio y utilizando a su personal de escritores. Los dos carretes de Educational tienen mucha más pantomima que sus películas sonoras anteriores, y Keaton está en buena forma en todo momento. El punto culminante de la serie Educational es Grand Slam Opera (1936), que presenta a Keaton en su propio guion como un concursante de la hora amateur.
La serie Educational fue muy bien recibida por los dueños de los cines y los espectadores, y Keaton fue el comediante más importante del estudio. También fue el comediante más caro (ganaba 2.500 dólares por película), y cuando Educational se vio obligada a economizar en 1937, la compañía ya no podía permitirse mantener dos estudios. Educational cerró su estudio de Hollywood, perdiendo así los servicios de Keaton, y mantuvo en funcionamiento su estudio más económico de Nueva York. La compañía reemplazó a Keaton por la estrella de teatro radicada en Nueva York Willie Howard . [49]
Después de que la serie Educational de Keaton terminara, regresó a MGM como guionista de gags, y proporcionó material para las últimas tres películas de los hermanos Marx para MGM: At the Circus (1939), Go West (1940) y The Big Store (1941); estas no tuvieron tanto éxito artístico como las anteriores películas de los Marx para MGM. Keaton también dirigió tres cortometrajes de una sola bobina para el estudio, pero estos no resultaron en más encargos como director.
En 1939, Columbia Pictures contrató a Keaton para protagonizar comedias de dos rollos; filmó dos a la vez durante dos años. Estas 10 películas comprenden su última serie como comediante protagonista. Los comediantes de cortometrajes de Columbia generalmente recibían un salario fijo de $500 por película. Keaton, considerado excepcional, fue contratado al doble de la tarifa habitual. [50] El director generalmente era Jules White , cuyo énfasis en el slapstick y la farsa hizo que la mayoría de estas películas se parecieran a los famosos cortos de Los tres chiflados de White . White a veces emparejó a Keaton con un segundo plátano : ya sea el veterano cómico Monty Collins o la estridente bailarina cómica Elsie Ames . El insistente White dirigió a Keaton siempre que fue posible, para leve molestia de Keaton, y solo dos cortos de Keaton prescindieron de los servicios de White porque se filmaron en el lugar, lejos del estudio. [51] Los dos cortos restantes fueron dirigidos por Del Lord , un ex director de Mack Sennett . El favorito personal de Keaton fue el debut de la serie, Pest from the West , dirigida por Lord; era una nueva versión más corta y compacta de la película de Keaton de 1934, The Invader , que tuvo poca audiencia. A los críticos comerciales les encantó. Film Daily elogió: "Uno de los cortos más divertidos de la temporada. De hecho, de cualquier temporada. Esto demuestra que este tipo de Buster Keaton es una mina de oro natural en taquilla que no está siendo explotada. Cuando una comedia que se muestra fría en una sala de proyección puede hacer que los críticos de la prensa especializada aúllen en sus asientos, entonces puedes apostar tu cine hipotecado a que es DIVERTIDA [énfasis de ellos]". [52]
Los cinéfilos y exhibidores acogieron con agrado las comedias de Keaton en Columbia; [53] y cuando Columbia comenzó a reeditar comedias más antiguas en los cines en 1948, Pest from the West de Keaton fue elegida para lanzar la serie "Comedy Favorites" ("Una película de Buster Keaton de 1939 y una de las más divertidas", señaló Boxoffice . "Es bueno ver a Buster de regreso"). [54] Los cortos de Columbia de Keaton regresaron a los cines de 1948 a 1952, y nuevamente de 1962 a 1964. El autor John McElwee informa las cifras de taquilla: " Pest from the West , la primera entrada de la serie en 1939, trajo de regreso alquileres nacionales de $ 23,000, y los posteriores tendieron a rondar esa cifra aproximada ( Nothing But Pleasure hizo $ 24,000, General Nuisance obtuvo $ 26,000). Columbia también obtuvo ganancias de las reediciones de los Keaton después de la guerra. The Spook Speaks regresó para el Temporada 1949-50, y recaudó $24,200, esto además de los $28,500 que había obtenido en su carrera inicial". [55]
La vida personal de Keaton se había estabilizado con su matrimonio en 1940 con la bailarina de la MGM Eleanor Norris , y ahora se estaba tomando la vida con un poco más de calma, abandonando Columbia por el campo menos extenuante de los largometrajes. Reanudó su trabajo diario como escritor de gags de la MGM, proporcionó material para Red Skelton [56] y dio ayuda y consejos a Lucille Ball . [57]
Keaton aceptó varios papeles de personajes tanto en películas de serie A como de serie B. Hizo su último largometraje protagónico, El moderno barba azul (1946), en México; la película fue una producción de bajo presupuesto, y es posible que no se haya visto en los Estados Unidos hasta su lanzamiento en VHS en la década de 1980, bajo el título Boom in the Moon . La película tiene una reputación en gran parte negativa, y el reconocido historiador de cine Kevin Brownlow la calificó como la peor película jamás realizada. [58]
Los críticos redescubrieron a Keaton en 1949 y los productores ocasionalmente lo contrataron para películas de "prestigio" más importantes. Tuvo cameos en películas como In the Good Old Summertime (1949), Sunset Boulevard (1950) y La vuelta al mundo en 80 días (1956). En In the Good Old Summertime , Keaton dirigió personalmente a las estrellas Judy Garland y Van Johnson en su primera escena juntos, donde se encuentran en la calle. Keaton inventó escenas cómicas en las que Johnson intenta disculparse con una Garland furiosa, pero termina arruinando su peinado y rompiendo su vestido.
Keaton también apareció en una rutina de comedia sobre dos músicos de escenario ineptos en Limelight de Charlie Chaplin (estrenada en 1952), recordando el vodevil de The Playhouse . Con la excepción de Seeing Stars , una película publicitaria menor producida en 1922, Limelight fue la única vez en la que los dos aparecerían juntos en una película.
En 1949, el comediante Ed Wynn invitó a Keaton a aparecer en su programa de comedia y variedades de la CBS Television , The Ed Wynn Show , que se televisó en vivo en la Costa Oeste. Se fabricaron kinescopios para distribuir los programas a otras partes del país, ya que no había cable coaxial transcontinental hasta septiembre de 1951. La reacción fue lo suficientemente fuerte como para que una estación local de Los Ángeles le ofreciera a Keaton su propio programa, también transmitido en vivo ( The Buster Keaton Show , 1950).
El productor Carl Hittleman montó una nueva serie, nuevamente titulada The Buster Keaton Show , en 1951. Este fue un intento de recrear la primera serie en película, lo que permitió que el programa se transmitiera a nivel nacional. La serie se benefició de una compañía de actores veteranos, incluida Marcia Mae Jones como la ingenua, Iris Adrian , Dick Wessel , Fuzzy Knight , Dub Taylor , Philip Van Zandt y sus contemporáneos de la era del cine mudo Harold Goodwin , Hank Mann y el especialista Harvey Parry . La esposa de Keaton, Eleanor, también apareció en la serie (notablemente como Julieta del Romeo de Keaton en una viñeta de teatro pequeño). A pesar del esforzado elenco y el equipo, la serie no tuvo éxito y solo se filmaron 13 episodios de media hora. El productor Hittleman reeditó audazmente estos mismos episodios en 1952 como si fueran completamente nuevos, con la serie ahora titulada Life with Buster Keaton . El reportero de Variety Fred Hift lo revisó como un estreno de la serie, señalando que se filmó sin una audiencia de estudio: la "falta de risas de estudio debilitó el clímax de varios de sus actos". [59] Los productores crearon un largometraje teatral de una hora de la serie, destinado al mercado europeo: The Misadventures of Buster Keaton fue lanzado el 29 de abril de 1953 por British Lion, [60] y comenzó a reproducirse en la televisión estadounidense en septiembre de 1953. "Una pieza de museo de payasadas reproducida de manera aproximada, es muy probable que divierta a aquellos demasiado jóvenes para recordar la cosa real", informó Josh Billings en Kinematograph Weekly de Londres . [61] Los sindicadores de televisión estadounidenses estuvieron de acuerdo y comercializaron Life with Buster Keaton como un programa para niños. Continuó emitiéndose durante años en emisoras pequeñas y de bajo presupuesto.
Las apariciones periódicas de Keaton en televisión durante las décadas de 1950 y 1960 ayudaron a revivir el interés por sus películas mudas. Apareció en la primera serie de televisión Faye Emerson's Wonderful Town . Cada vez que un programa de televisión quería simular la comedia del cine mudo, Keaton respondía a la llamada y aparecía como invitado en series tan exitosas como The Ken Murray Show , You Asked for It , The Garry Moore Show y The Ed Sullivan Show . Bien entrados los cincuenta, Keaton recreó con éxito sus viejas rutinas, incluida una acrobacia en la que apoyó un pie sobre una mesa, luego balanceó el segundo pie junto a ella y mantuvo la extraña posición en el aire por un momento antes de estrellarse contra el suelo del escenario. Garry Moore recordó: "Le pregunté (a Keaton) cómo hacía todas esas caídas, y me dijo: 'Te lo mostraré'. Se abrió la chaqueta y estaba todo magullado. Así es como lo hizo, le dolió , pero tenía que importarte lo suficiente como para no importarte".
En 1954, Keaton y Eleanor conocieron al gerente de cine Raymond Rohauer , con quien desarrollaron una asociación comercial para reestrenar sus películas. El actor James Mason había comprado la casa de los Keaton y encontró numerosas latas de películas, entre las que se encontraba el clásico perdido de Keaton The Boat . [62] Keaton tenía copias de los largometrajes Three Ages , Sherlock Jr. , Steamboat Bill, Jr. y College (falta un rollo), y los cortometrajes "The Boat" y " My Wife's Relations ". Rohauer le ordenó a Keaton que se acercara a Mason para las películas, pero Mason decidió donarlas a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas . [63] Luego, Rohauer formó una nueva entidad legal, Buster Keaton Productions, que le dio a Rohauer acceso legal a las viejas películas de la Academia.
Entre 1950 y 1964, Keaton hizo alrededor de 70 apariciones especiales en programas de variedades de televisión, incluidos los de Ed Sullivan y Garry Moore. [64] Keaton también encontró trabajo estable como actor en comerciales de televisión para Colgate, Alka-Seltzer, US Steel, 7-Up, RCA Victor, Phillips 66, Milky Way, Ford Motors, Minute Rub y Budweiser, entre otros. [65] En una serie de comerciales de televisión mudos para Simon Pure Beer realizados en 1962 por Jim Mohr en Buffalo, Nueva York , Keaton revisó algunos de los gags de sus días de cine mudo. [66]
El 3 de abril de 1957, Keaton fue sorprendido por Ralph Edwards para el programa semanal de la NBC This Is Your Life . El programa también promovió el lanzamiento de la película biográfica The Buster Keaton Story con Donald O'Connor . [67] En diciembre de 1958, Keaton fue estrella invitada en el episodio "A Very Merry Christmas" de The Donna Reed Show en ABC. Regresó al programa en 1965 en el episodio "Now You See It, Now You Don't". [68] En agosto de 1960, Keaton interpretó al mudo Rey Sextimus el Silencioso en la compañía de gira nacional del musical de Broadway Once Upon A Mattress . [69] En 1960, regresó a MGM por última vez, interpretando a un domador de leones en una adaptación de 1960 de Las aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain . Gran parte de la película se filmó en locaciones del río Sacramento , que se duplicó para el escenario del río Misisipi del libro de Twain. [70] En 1961, protagonizó el episodio de The Twilight Zone " Once Upon a Time ", que incluía secuencias mudas y sonoras. Trabajó con el comediante Ernie Kovacs en un piloto de televisión titulado provisionalmente "Medicine Man", filmando escenas para él el 12 de enero de 1962, el día antes de que Kovacs muriera en un accidente automovilístico. "Medicine Man" se completó pero no se emitió. [71]
En 1961, Keaton apareció en películas promocionales de Maryvale , un desarrollo de viviendas en la parte occidental de Phoenix . [72] [73] [74] [75] [76]
Mientras tanto, la carrera de Keaton en la pantalla grande continuó. Hizo un cameo como Jimmy, apareciendo cerca del final de la película It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963). Jimmy ayuda al personaje de Spencer Tracy , el capitán CG Culpepper, preparando el barco de Culpepper, que finalmente no se usa, para su fallida huida. (La versión restaurada de esa película, estrenada en 2013, contiene una escena en la que Jimmy y Culpeper hablan por teléfono. Perdido después de la exhibición itinerante de la comedia épica , se descubrió el audio de esa escena y se combinó con imágenes fijas para recrear la escena).
Keaton protagonizó cinco películas para American International Pictures : Pajama Party (1964), Beach Blanket Bingo , How to Stuff a Wild Bikini y Sergeant Deadhead (todas de 1965), y War Italian Style (1966, coprotagonizada por el dúo de comediantes italianos Franco y Ciccio ). El director William Asher recordó:
Siempre me encantó Buster Keaton... Me traía fragmentos y rutinas. Me decía: "¿Qué te parece esto?" y era simplemente un material maravilloso e inventivo. [77]
En 1965, Keaton protagonizó el cortometraje The Railrodder para el National Film Board of Canada . Viajó de un extremo a otro de Canadá en una vagoneta motorizada , luciendo su tradicional sombrero pork pie y realizando gags similares a los de las películas que hizo 50 años antes. La película también es notable por ser su última actuación en la pantalla muda. [78] Interpretó el papel central en Film de Samuel Beckett (1965), dirigida por Alan Schneider .
En 1965 apareció en el especial de televisión de CBS A Salute to Stan Laurel , un homenaje al comediante y amigo de Keaton que había fallecido a principios de ese año.
La última aparición de Keaton en una película comercial fue en A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1966), que se filmó en España entre septiembre y noviembre de 1965. Sorprendió al elenco y al equipo al hacer muchas de sus propias escenas de riesgo, aunque el documental de Thames Television informó que su salud cada vez más precaria obligó al uso de un doble para algunas escenas. Su última aparición en una película fue en The Scribe , una película de seguridad de 1966 producida en Toronto por la Asociación de Seguridad en la Construcción de Ontario: murió poco después de completarla. [48]
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Keaton comenzó a experimentar con la parodia durante sus años de vodevil, donde la mayoría de sus actuaciones incluían imitaciones y parodias de los actos de otros intérpretes. La mayoría de estas parodias se dirigían a actos con los que Keaton había compartido cartel. [79] Cuando Keaton trasladó su experiencia en el vodevil al cine, en muchas obras parodiaba melodramas. [79] Otros objetivos favoritos eran las tramas, estructuras y dispositivos cinematográficos. [80]
Una de sus parodias más mordaces es The Frozen North (1922), una versión satírica de los melodramas western de William S. Hart , como Hell's Hinges (1916) y The Narrow Trail (1917). Keaton parodió la fórmula cansada de la transformación melodramática de chico malo a chico bueno, por la que pasaban los personajes de Hart, conocida como "el buen chico malo". [81] Lleva una versión pequeña del sombrero de campaña de Hart de la Guerra Hispano-Estadounidense y un revólver de seis tiros en cada muslo, y durante la escena en la que dispara a la vecina y a su marido, reacciona con espesas lágrimas de glicerina, una marca registrada de Hart. [82] El público de la década de 1920 reconoció la parodia y pensó que la película era histéricamente divertida. Sin embargo, al propio Hart no le hicieron gracia las payasadas de Keaton, en particular la escena del llanto, y no habló con Keaton durante dos años después de haber visto la película. [83] Los intertítulos iniciales de la película le dan su tono de seriedad simulada y están tomados de " El tiroteo de Dan McGrew " de Robert W. Service . [83]
En The Playhouse (1921), parodió a su contemporáneo Thomas H. Ince , el productor de Hart, que se complacía en darse demasiados créditos en sus producciones cinematográficas. El corto también presentaba la impresión de un mono actoral que probablemente se derivó del acto de un coprotagonista (llamado Pedro el Grande ). [79] Three Ages (1923), su primer largometraje, es una parodia de Intolerancia (1916) de D.W. Griffith , de la que replica la estructura de tres cortos intercalados. [79] Three Ages también presentó parodias de historias de la Biblia, como las de Sansón y Daniel . [81] Keaton dirigió la película, junto con Edward F. Cline . En ese momento, Keaton había desarrollado aún más su estilo distintivo que consistía en lucidez y precisión junto con acrobacias de precisión balística y cinético. [84] [85] La crítica e historiadora de cine Imogen Sara Smith declaró sobre el estilo de Keaton:
La frialdad y sutileza de su estilo [es] muy cinematográfica en términos de reconocer que la cámara puede captar efectos muy, muy pequeños [84]
El crítico de cine David Thomson describió más tarde el estilo de comedia de Keaton: "Buster es claramente un hombre inclinado a creer en nada más que las matemáticas y el absurdo... como un número que siempre ha estado buscando la ecuación correcta. Mire su rostro, tan hermoso pero tan inhumano como una mariposa, y verá esa absoluta incapacidad para identificar sentimientos". [86] Gilberto Pérez comentó sobre "el genio de Keaton como actor para mantener un rostro tan casi inexpresivo y, sin embargo, hacerlo, mediante inflexiones sutiles, tan vívidamente expresivo de la vida interior. Sus ojos grandes y profundos son el rasgo más elocuente; con solo una mirada, puede transmitir una amplia gama de emociones, desde el anhelo hasta la desconfianza, desde la perplejidad hasta la tristeza". [87] El crítico Anthony Lane también destacó el lenguaje corporal de Keaton:
La postura tradicional de Buster exige que se mantenga erguido, lleno de carácter, mirando hacia delante... [en El general ] se sube al techo de su locomotora y se inclina suavemente hacia delante para examinar el terreno, con la brisa en el pelo y la aventura avanzando hacia él en la siguiente curva. Es el ángulo que recuerdas: la figura perfectamente recta pero inclinada hacia delante, como el Espíritu del Éxtasis en el capó de un Rolls-Royce... [en Las tres edades ], conduce un automóvil de baja calidad sobre un bache en la carretera, y el coche simplemente se derrumba debajo de él. Vuelve a reproducirlo en vídeo y podrás ver a Buster sobrevolando el derrumbe como un surfista, aferrándose al volante, deteniéndose hermosamente mientras la ola de escombros se rompe. [88]
El historiador de cine Jeffrey Vance escribió:
La comedia de Buster Keaton perdura no sólo porque tenía un rostro digno del Monte Rushmore, a la vez inquietantemente inamovible y clásicamente americano, sino porque ese rostro estaba ligado a uno de los actores y directores más talentosos que jamás hayan honrado la pantalla. Evolucionada a partir de la educación desenfrenada que recibió en el teatro de vodevil, la comedia de Keaton es un torbellino de gags hilarantes, técnicamente precisos, hábilmente ejecutados y sorprendentes, muy a menudo ambientados en un telón de fondo de escenarios y localizaciones visualmente impactantes, todo ello enmascarado tras su apariencia estoica e inquebrantable. [89]
Keaton diseñó y modificó sus propios sombreros pork pie durante su carrera. En 1964, le dijo a un entrevistador que para hacer "este pork pie en particular", "comenzó con un buen Stetson y lo cortó", endureciendo el ala con agua azucarada. [90] Los sombreros a menudo se destruían durante las locas travesuras cinematográficas de Keaton; algunos se regalaban y otros se los robaban los cazadores de recuerdos. Keaton dijo que tenía suerte si usaba solo seis sombreros para hacer una película. Calculó que él y su esposa Eleanor hicieron miles de sombreros durante su carrera. Keaton observó que durante su período mudo, un sombrero de este tipo le costaba alrededor de dos dólares (~$27–33 en dólares de 2022); en el momento de su entrevista, dijo, costaban casi $13 (~$116 en dólares de 2022). [90]
El 31 de mayo de 1921, Keaton se casó con Natalie Talmadge , su protagonista en Our Hospitality , y hermana de las actrices Norma Talmadge (casada con su socio comercial Joseph M. Schenck en ese momento) y Constance Talmadge , en la casa de Norma en Bayside, Queens . Tuvieron dos hijos: Joseph, llamado James [91] (2 de junio de 1922 - 14 de febrero de 2007), [92] y Robert (3 de febrero de 1924 - 19 de julio de 2009). [93]
Después del nacimiento de Robert, el matrimonio comenzó a sufrir. [16] Talmadge decidió no tener más hijos, desterrando a Keaton a un dormitorio separado; salió con las actrices Dorothy Sebastian y Kathleen Key durante este período. [94] La extravagancia de Natalie fue otro factor, ya que gastaba hasta un tercio de los ingresos de su marido.
Estaba claro que el señor Keaton y la señora Keaton tenían ideas y estilos de vida diferentes. Keaton había diseñado y construido una casa modesta pero cómoda, parecida a una cabaña, como regalo de bodas sorpresa para su novia. Cuando ella vio la casita, montó en cólera: pensó que la casa era demasiado pequeña y que no tenía lugar para los sirvientes. Al darse cuenta de que su novia quería un palacio, vendió la cabaña al ejecutivo de la MGM Eddie Mannix al precio de coste y encargó a Gene Verge Sr. en 1926 la construcción de una finca de 10.000 pies cuadrados (930 m2 ) en Beverly Hills por 300.000 dólares (5.141.000 dólares en 2024). Entre los vecinos se encontraban Tom Mix y Rudolph Valentino . Entre los residentes posteriores famosos se encontraban la inquilina Marlene Dietrich y, más tarde, Cary Grant con su esposa, la heredera Barbara Hutton . James Mason y su esposa Pamela compraron la casa en 1948. [95]
Después de varios intentos de reconciliación, Natalie se divorció de Buster en 1932 y cambió el apellido de los niños a "Talmadge". [96] El 1 de julio de 1942, Robert, de 18 años, y Joseph, de 20, hicieron permanente el cambio de nombre después de que su madre ganara una petición judicial. [97]
Con el fracaso de su matrimonio y la pérdida de su independencia como cineasta, Keaton cayó en el alcoholismo. [16] Fue internado brevemente en una institución, según el documental de Turner Classic Movies So Funny It Hurt . Escapó de una camisa de fuerza con trucos aprendidos de Harry Houdini . En 1933, se casó con su enfermera Mae Scriven durante una borrachera alcohólica, de la que luego afirmó no recordar nada. Scriven afirmó que no supo el verdadero nombre de pila de Keaton hasta después del matrimonio. Ella solicitó el divorcio en 1935 después de encontrarlo con Leah Clampitt Sewell, la esposa del millonario Barton Sewell , [98] en un hotel de Santa Bárbara. Se divorciaron en 1936 [99] con un gran costo financiero para Keaton. [100] Después de someterse a una terapia de aversión, dejó de beber durante cinco años. [101]
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El 29 de mayo de 1940, Keaton se casó con Eleanor Norris , que era 23 años menor que él. A ella se le atribuye haber salvado su vida y su carrera. [102] El matrimonio duró hasta su muerte. Entre 1947 y 1954, la pareja apareció regularmente en el Cirque Medrano de París como dúo. Ella llegó a conocer tan bien sus rutinas que a menudo participaba en ellas en reestrenos televisivos.
Keaton murió de cáncer de pulmón el 1 de febrero de 1966, a los 70 años, en Woodland Hills, Los Ángeles . [103] A pesar de que le diagnosticaron cáncer en enero de 1966, nunca le dijeron que estaba en fase terminal. Keaton pensó que se estaba recuperando de un caso grave de bronquitis . Confinado en un hospital durante sus últimos días, Keaton estaba inquieto y caminaba por la habitación sin parar, deseando volver a casa. En un documental de televisión británico sobre su carrera, su viuda Eleanor dijo a los productores de Thames Television que Keaton se levantaba de la cama y se movía, e incluso jugaba a las cartas con amigos que vinieron a visitarlo el día antes de morir. [104] Fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Hollywood Hills , California . [105]
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Keaton recibió un Premio Honorario de la Academia en 1959 en la 32.ª edición de los Premios Óscar , celebrada en abril de 1960. [106] Keaton tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood : 6619 Hollywood Boulevard (para películas); y 6225 Hollywood Boulevard (para televisión).
Seis de sus películas han sido incluidas en el Registro Nacional de Cine , lo que lo convierte en uno de los cineastas más honrados en esa lista: One Week (1920) , Cops ( 1922) , Sherlock Jr. (1924) , The General (1926) , Steamboat Bill, Jr. y The Cameraman (ambas de 1928) [107]
En 1957 se estrenó una biografía cinematográfica, The Buster Keaton Story , protagonizada por Donald O'Connor como Keaton. [56] El guion, de Sidney Sheldon , quien también dirigió la película, se basó vagamente en la vida de Keaton, pero contenía muchos errores fácticos y fusionó a sus tres esposas en un solo personaje. [108] Un documental de 1987, Buster Keaton: A Hard Act to Follow , dirigido por Kevin Brownlow y David Gill , ganó dos premios Emmy . [109]
La Sociedad Internacional Buster Keaton se fundó el 4 de octubre de 1992, el día del cumpleaños de Keaton. Dedicada a atraer la atención del público hacia la vida y la obra de Keaton, entre sus miembros se encuentran muchas personas de la industria de la televisión y el cine: actores, productores, autores, artistas, novelistas gráficos, músicos y diseñadores, así como aquellos que simplemente admiran la magia de Buster Keaton. El apodo de la Sociedad, los "Damfinos", deriva su nombre de un barco que aparece en la comedia de Keaton de 1921, The Boat .
En su ensayo Film-arte, film-antiartístico , el artista Salvador Dalí declaró que las obras de Keaton eran ejemplos destacados de cine «antiartístico», calificándolas de «pura poesía». En 1925, Dalí produjo un collage titulado Las bodas de Buster Keaton que presenta una imagen del comediante en una pose sentada, mirando al frente con su característico sombrero de paja apoyado en su regazo. [110]
El crítico de cine Roger Ebert afirmó: "El más grande de los payasos mudos es Buster Keaton, no sólo por lo que hizo, sino por cómo lo hizo. Harold Lloyd nos hizo reír tanto como Charlie Chaplin nos conmovió más profundamente, pero nadie tuvo más coraje que Buster". [111] En su presentación para The General , el cineasta Orson Welles elogió a Buster Keaton como "el más grande de todos los payasos en la historia del cine... un artista supremo, y creo que una de las personas más hermosas que jamás haya sido fotografiada". Welles dijo que Keaton estaba "más allá de todo elogio... un gran artista, y uno de los hombres más hermosos que he visto en la pantalla. También fue un gran director. En última instancia, nadie se le acercaba". [112]
El cineasta Mel Brooks ha reconocido a Keaton como una gran influencia, diciendo: "Le debo (a Buster) mucho en dos niveles: uno por ser un gran maestro para mí como cineasta, y el otro simplemente como un ser humano que ve a esta persona talentosa haciendo estas cosas asombrosas. Me hizo creer en la fantasía". También admitió haber tomado prestada la idea de la escena del vestuario en The Cameraman para su propia película Silent Movie . [113] El Sherlock Jr. de Keaton , en el que entra en la película que está proyectando, fue una influencia para La rosa púrpura de El Cairo de Woody Allen , en la que un personaje sale de una película y entra en la vida real . [114] George Lucas fue influenciado por Keaton para el personaje de Jar Jar Binks en Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma . En particular, tomó prestado de El general , El navegante y Siete oportunidades . [115]
En 1994, el caricaturista Al Hirschfeld dibujó una serie de estrellas del cine mudo para la Oficina Postal de los Estados Unidos , entre ellas Rudolph Valentino y Keaton. [116] Hirschfeld dijo que las estrellas de cine modernas eran más difíciles de representar, que los comediantes del cine mudo como Laurel y Hardy y Keaton "parecían sus caricaturas". [117]
En 1996, Entertainment Weekly reconoció a Keaton como el séptimo mejor director de cine, escribiendo que "Más que Chaplin , Keaton entendía las películas: sabía que consistían en un marco de cuatro lados en el que residía una realidad maleable sobre la que su personaje podía rebotar. Una estrella infantil del vodevil, Keaton creció para ser un inventor, un atleta, un matemático visual; sus películas ofrecen risas de invención física alucinante y una determinación espacial que se acerca a la grandeza filosófica". [10]
El actor y especialista en acrobacias Johnny Knoxville cita a Keaton como una inspiración a la hora de idear proyectos para Jackass . Recreó una famosa acrobacia de Keaton para el final de Jackass Number Two . [118] El comediante Richard Lewis afirmó que Keaton fue su principal inspiración y habló de tener una estrecha amistad con la viuda de Keaton, Eleanor. Lewis se sintió particularmente conmovido por el hecho de que Eleanor dijera que sus ojos se parecían a los de Keaton. [119]
En 2012, Kino Lorber lanzó The Ultimate Buster Keaton Collection , una caja de 14 discos Blu-ray del trabajo de Keaton, que incluye 11 de sus largometrajes. [120] En 2016, Tony Hale interpretó a Keaton en un episodio de Drunk History centrado en la supuesta rivalidad del comediante mudo con Charlie Chaplin , quien fue interpretado por el músico Billie Joe Armstrong . El 16 de junio de 2018, la Sociedad Internacional Buster Keaton colocó una placa de cuatro pies en honor a Keaton y Charles Chaplin en la esquina de la cuadra compartida (1021 Lillian Ave) donde cada uno había hecho muchas de sus comedias mudas en Hollywood. [121] En honor al evento, la Ciudad de Los Ángeles declaró la fecha "Día de Buster Keaton". [122]
En 2018, el cineasta Peter Bogdanovich lanzó The Great Buster: A Celebration , un documental sobre la vida, la carrera y el legado de Keaton. En 2022, aparecieron dos obras sobre Keaton con un mes de diferencia. La crítica Dana Stevens publicó una historia cultural de la vida y la obra de Keaton, Camera Man: Buster Keaton, the Dawn of Cinema, and the Invention of the Twentieth Century . [123] Un mes después, le siguió la biografía de James Curtis Buster Keaton: A Filmmaker's Life . [124] En 2023, la vida y la obra de Keaton se retrataron en la biografía en forma de novela gráfica Buster: A Life in Pictures , escrita por Ryan Barnett e ilustrada por Matthew Tavares. [125]
Anthony Lane escribió: "Fue demasiado bueno, en demasiados sentidos, demasiado pronto... Ningún thriller de acción de la última década sangrienta ha igualado la violencia cinética del final de Steamboat Bill, Jr. , en el que una tormenta arrastra a Keaton a través de una catástrofe aleatoria tras otra. Cualquiera que piense que la película dentro de la película es un concepto reciente, el terreno de La rosa púrpura de El Cairo y El último gran héroe , debería echarle un vistazo a Sherlock Jr. , una película en la que Keaton sueña con convertirse en otra película: camina por el pasillo del cine, se lanza a la acción y lucha por seguir el ritmo de los vertiginosos cambios de escena. En cuanto a El general , ¿por dónde empezar? Es una película sobre un tren, pero también es un romance animado, salpicado de disputas y anhelo, y su evocación del período de la Guerra Civil nunca ha sido superada... Es el primer héroe de acción; para ser precisos, es un pequeño estadounidense de rostro pálido que se asusta, tropezó, se empapó y se inspiró para convertirse en un héroe". [126]
Funciones dirigidas:
A mi padre lo bautizaron Joseph Talmadge Keaton. Cuando mis abuelos se divorciaron, mi abuela recuperó su apellido de soltera y su apellido pasó a ser legalmente Talmadge.
Buster Keaton, el cómico con cara de póquer cuyos estudios en exquisita frustración divirtieron a dos generaciones de espectadores de cine, murió hoy de cáncer de pulmón en su casa en el suburbio de Woodland Hills.
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