La música noise es un género musical que se caracteriza por el uso expresivo del ruido . Este tipo de música tiende a desafiar la distinción que se hace en las prácticas musicales convencionales entre sonido musical y no musical. [4] La música noise incluye una amplia gama de estilos musicales y prácticas creativas basadas en el sonido que tienen el ruido como aspecto principal .
La música noise puede incluir ruido generado acústica o electrónicamente, e instrumentos musicales tanto tradicionales como no convencionales. Puede incorporar sonidos de máquinas en vivo, técnicas vocales no musicales , medios de audio manipulados físicamente, grabaciones de sonido procesadas , grabaciones de campo , ruido generado por computadora , procesos estocásticos y otras señales electrónicas producidas aleatoriamente, como distorsión , retroalimentación , estática , silbido y zumbido. También puede haber énfasis en niveles altos de volumen y piezas largas y continuas. En términos más generales, la música noise puede contener aspectos como improvisación , técnica extendida , cacofonía e indeterminación . En muchos casos, se prescinde del uso convencional de melodía, armonía, ritmo o pulso. [5] [6] [7] [8]
El movimiento artístico futurista (entre los que destacan los manifiestos Intonarumori y L'Arte dei Rumori ( El arte de los ruidos ) de Luigi Russolo ) fue importante para el desarrollo de la estética del ruido, al igual que el movimiento artístico dadaísta (un excelente ejemplo es el concierto Antisinfonía realizado el 30 de abril de 1919 en Berlín). [9] [10] En la década de 1920, el compositor francés Edgard Varèse , cuando se asoció con el dadaísmo neoyorquino a través de Marcel Duchamp y la revista 391 de Francis Picabia , concibió los elementos de su música en términos de masas sonoras ; escribiendo en la primera mitad de la década de 1920, Offrandes , Hyperprism , Octandre e Intégrales . [11] [12] Varèse pensaba que «para oídos obstinadamente condicionados, todo lo nuevo en música siempre ha sido llamado ruido », y planteaba la pregunta: «¿qué es la música sino ruidos organizados?» [13]
Las composiciones de música concreta de Pierre Schaeffer de 1948, Cinq études de bruits ( Cinco estudios de ruido ), que comenzaron con Etude aux Chemins de Fer ( Estudio ferroviario ), son clave para esta historia. [14] Etude aux Chemins de Fer consistió en un conjunto de grabaciones realizadas en la estación de tren Gare des Batignolles en París que incluían seis locomotoras de vapor silbando y trenes acelerando y moviéndose sobre las vías. La pieza se derivó completamente de sonidos de ruido grabados que no eran musicales, por lo que se hizo realidad la convicción de Russolo de que el ruido podía ser una fuente aceptable de música. Cinq études de bruits se estrenó a través de una transmisión de radio el 5 de octubre de 1948, llamada Concert de bruits ( Concierto de ruido ). [14]
Más tarde, en la década de 1960, el movimiento artístico Fluxus jugó un papel importante, específicamente los artistas Fluxus Joe Jones , Yasunao Tone , George Brecht , Robert Watts , Wolf Vostell , Dieter Roth , Yoko Ono , Nam June Paik , Ocean Music de Walter De Maria , Broken Music Composition de Milan Knížák , el primer La Monte Young , Takehisa Kosugi , [15] y Analog #1 (Noise Study) (1961) del compositor relacionado con Fluxus James Tenney . [16] [17]
La música noise contemporánea suele asociarse con un volumen y una distorsión extremos. [18] Los géneros notables que explotan dichas técnicas incluyen el noise rock y el no wave , la música industrial , el japanoise y la música postdigital como el glitch . [19] [20] En el ámbito del rock experimental , los ejemplos incluyen Metal Machine Music de Lou Reed y Sonic Youth . [21] Otros ejemplos notables de compositores y bandas que presentan materiales basados en el ruido incluyen obras de Iannis Xenakis , Karlheinz Stockhausen , Helmut Lachenmann , Cornelius Cardew , Theatre of Eternal Music , Glenn Branca , Rhys Chatham , Ryoji Ikeda , Survival Research Laboratories , Whitehouse , Coil , Merzbow , Cabaret Voltaire , Psychic TV , las grabaciones de Jean Tinguely de su escultura sonora (específicamente Bascule VII ), la música del Orgien Mysterien Theater de Hermann Nitsch y las obras de gong de arco de La Monte Young de finales de los años 1960. [22]
Según el teórico danés del ruido y la música Torben Sangild, no es posible una única definición del ruido en la música. Sangild ofrece, en cambio, tres definiciones básicas del ruido: una definición acústica musical , una segunda definición comunicativa basada en la distorsión o perturbación de una señal comunicativa y una tercera definición basada en la subjetividad (lo que es ruido para una persona puede tener significado para otra; lo que ayer se consideraba un sonido desagradable hoy no lo es). [23]
Según Murray Schafer, existen cuatro tipos de ruido: el ruido no deseado, el sonido no musical, cualquier sonido fuerte y una perturbación en cualquier sistema de señalización (como la estática en un teléfono). [24] Las definiciones sobre lo que se considera ruido, en relación con la música, han cambiado con el tiempo. [25] Ben Watson , en su artículo Noise as Permanent Revolution , señala que Grosse Fuge (1825) de Ludwig van Beethoven "sonaba como ruido" para su audiencia en ese momento. De hecho, los editores de Beethoven lo persuadieron de quitarla de su configuración original como el último movimiento de un cuarteto de cuerdas. Así lo hizo, reemplazándola por un brillante Allegro . Posteriormente lo publicaron por separado. [26]
En un intento de definir la música noise y su valor, Paul Hegarty (2007) cita el trabajo de destacados críticos culturales como Jean Baudrillard , Georges Bataille y Theodor Adorno y, a través de su trabajo, rastrea la historia del "ruido". Define el ruido en diferentes épocas como "intrusivo, indeseado", "falto de habilidad, inadecuado" y "un vacío amenazante". Rastrea estas tendencias a partir de la música de sala de conciertos del siglo XVIII. Hegarty sostiene que la composición 4'33" de John Cage , en la que un público permanece sentado durante cuatro minutos y medio de "silencio" (Cage 1973), es la que representa el comienzo de la música noise propiamente dicha. Para Hegarty, la "música noise", al igual que en el caso de 4'33" , es aquella música compuesta por sonidos incidentales que representan perfectamente la tensión entre el sonido "deseable" (notas musicales correctamente tocadas) y el "ruido" indeseable que compone toda la música noise desde Erik Satie hasta NON y Glenn Branca . Al escribir sobre la música noise japonesa, Hegarty sugiere que "no es un género, pero también es un género que es múltiple y se caracteriza por esta misma multiplicidad... La música noise japonesa puede presentarse en todos los estilos, haciendo referencia a todos los demás géneros... pero plantea fundamentalmente la cuestión del género: ¿qué significa ser categorizado, categorizable, definible?" (Hegarty 2007:133).
El escritor Douglas Kahn , en su obra Noise, Water, Meat: A History of Sound in the Arts (1999), analiza el uso del ruido como medio y explora las ideas de Antonin Artaud , George Brecht , William Burroughs , Sergei Eisenstein , Fluxus , Allan Kaprow , Michael McClure , Yoko Ono , Jackson Pollock , Luigi Russolo y Dziga Vertov .
En Noise: The Political Economy of Music (1985), Jacques Attali explora la relación entre la música noise y el futuro de la sociedad al considerar que la música noise no es simplemente un reflejo de las transformaciones sociales, sino una importante prefiguración de las mismas. Indica que el ruido en la música es un predictor del cambio social y demuestra cómo el ruido actúa como el subconsciente de la sociedad, validando y poniendo a prueba nuevas realidades sociales y políticas. [27] Su disrupción de la historia estándar de la música y su inclusión del ruido en un intento de teorizar la cultura allanaron el camino para muchos estudios teóricos sobre la música noise.
Al igual que gran parte del arte moderno y contemporáneo, la música noise toma características de los rasgos negativos percibidos del ruido mencionados a continuación y los utiliza de maneras estéticas e imaginativas. [28]
En el uso común, la palabra ruido significa sonido no deseado o contaminación acústica . [29] En electrónica, el ruido puede referirse a la señal electrónica correspondiente al ruido acústico (en un sistema de audio) o la señal electrónica correspondiente al ruido (visual) que se ve comúnmente como "nieve" en una imagen de televisión o video degradada. [30] En el procesamiento de señales o la informática, se puede considerar datos sin significado; es decir, datos que no se están utilizando para transmitir una señal, sino que simplemente se producen como un subproducto no deseado de otras actividades. El ruido puede bloquear, distorsionar o cambiar el significado de un mensaje tanto en la comunicación humana como en la electrónica. El ruido blanco es una señal aleatoria (o proceso) con una densidad espectral de potencia plana . [31] En otras palabras, la señal contiene la misma potencia dentro de un ancho de banda fijo en cualquier frecuencia central. El ruido blanco se considera análogo a la luz blanca que contiene todas las frecuencias. [32] [33]
De la misma manera que los primeros modernistas se inspiraron en el arte naif , algunos músicos contemporáneos de ruido en el arte digital se sienten entusiasmados con las tecnologías de audio arcaicas, como las grabadoras de alambre, el cartucho de 8 pistas y los discos de vinilo . [34] Muchos artistas no solo construyen sus propios dispositivos generadores de ruido, sino incluso su propio equipo de grabación especializado y software personalizado (por ejemplo, el software C++ utilizado para crear la sinfonía viral de Joseph Nechvatal ). [35] [36]
En "Futurismo y notas musicales", Daniele Lombardi analizó a la compositora francesa Carol-Bérard, alumna de Isaac Albéniz , que compuso una Sinfonía de fuerzas mecánicas en 1910, escribió sobre los problemas de la instrumentación de la música de ruido y desarrolló un sistema de notación. [37]
En 1913, el artista futurista Luigi Russolo escribió su manifiesto, L'Arte dei Rumori , traducido como El arte de los ruidos , [38] afirmando que la revolución industrial había dado a los hombres modernos una mayor capacidad para apreciar sonidos más complejos. Russolo encontró que la música melódica tradicional era restrictiva y imaginó que la música noise sería su futura sustitución. Diseñó y construyó una serie de dispositivos generadores de ruido llamados intonarumori y reunió una orquesta de ruido para tocar con ellos. Las obras tituladas Risveglio di una città (El despertar de una ciudad) y Convegno d'aeroplani e d'automobili (El encuentro de aeroplanos y automóviles) se interpretaron por primera vez en 1914. [39]
Una interpretación de su Gran Concierto Futurístico (1917) fue recibida con una fuerte desaprobación y violencia por parte del público, como el propio Russolo había predicho. Ninguno de sus recursos de entonación ha sobrevivido, aunque recientemente algunos han sido reconstruidos y utilizados en interpretaciones. Aunque las obras de Russolo tienen poca semejanza con la música noise contemporánea, como Japanoise , sus esfuerzos ayudaron a introducir el noise como una estética musical y a ampliar la percepción del sonido como medio artístico. [40] [41]
En un principio, el arte musical buscaba la pureza, la limpidez y la dulzura del sonido. Luego se fueron fusionando distintos sonidos, procurando, sin embargo, acariciar el oído con suaves armonías. Hoy, la música, cada vez más compleja, se esfuerza por fusionar los sonidos más disonantes, extraños y ásperos. De este modo, nos vamos acercando cada vez más al sonido-ruido.
— Luigi Russolo El arte de los ruidos (1913) [42]
Antonio Russolo , hermano de Luigi y también compositor futurista italiano, produjo una grabación de dos obras que incluyen los intonarumori originales . El fonógrafo de 1921 con obras tituladas Corale y Serenata , combinaba música orquestal convencional con las famosas máquinas de ruido y es la única grabación de sonido sobreviviente. [43]
Una obra temprana relacionada con el dadaísmo de 1916 de Marcel Duchamp también trabajaba con ruido, pero de una manera casi silenciosa. Uno de los readymades de objetos encontrados de Marcel Duchamp , A Bruit Secret (Con ruido oculto), fue un trabajo colaborativo que creó un instrumento de ruido que Duchamp logró con Walter Arensberg . [44] Lo que vibra en el interior cuando se agita A Bruit Secret sigue siendo un misterio. [45]
En el mismo período, se empezó a explorar la utilización de sonidos encontrados como recurso musical. Un ejemplo temprano es Parade , una representación producida en el Teatro Chatelet de París el 18 de mayo de 1917, que fue concebida por Jean Cocteau , con diseño de Pablo Picasso , coreografía de Leonid Massine y música de Eric Satie . Los materiales extramusicales utilizados en la producción fueron denominados por Cocteau sonidos de trampantojo e incluían un dinamo , una máquina de código Morse , sirenas, un motor de vapor, un motor de avión y máquinas de escribir. [46] La composición de Arseny Avraamov Sinfonía de sirenas de fábrica incluía sirenas y silbatos de buques de guerra, bocinas de autobuses y coches, sirenas de fábricas, cañones, sirenas de niebla, cañones de artillería, ametralladoras, hidroaviones, una máquina de silbatos de vapor especialmente diseñada que creaba interpretaciones ruidosas de La Internacional y La Marsellesa para una pieza dirigida por un equipo que usaba banderas y pistolas cuando se interpretó en la ciudad de Bakú en 1922. [47] En 1923, Arthur Honegger creó Pacific 231 , una composición musical modernista que imita el sonido de una locomotora de vapor. [48] Otro ejemplo es la pieza orquestal de Ottorino Respighi de 1924, Pinos de Roma , que incluía la reproducción fonográfica de una grabación de ruiseñor. [46] También en 1924, George Antheil creó una obra titulada Ballet Mécanique con instrumentación que incluía 16 pianos , 3 hélices de avión y 7 campanas eléctricas . La obra fue concebida originalmente como música para la película dadaísta del mismo nombre, de Dudley Murphy y Fernand Léger , pero en 1926 se estrenó de forma independiente como pieza de concierto. [49] [50]
En 1930, Paul Hindemith y Ernst Toch reciclaron discos para crear montajes sonoros y en 1936 Edgard Varèse experimentó con discos, tocándolos al revés y a distintas velocidades. [51] Varese había utilizado anteriormente sirenas para crear lo que él llamaba una "curva de sonido que fluye continuamente" que no podía lograr con instrumentos acústicos. En 1931, la obra de Varese Ionisation para 13 músicos incluía dos sirenas, el rugido de un león y utilizaba 37 instrumentos de percusión para crear un repertorio de sonidos sin tono, lo que la convirtió en la primera obra musical organizada únicamente sobre la base del ruido. [52] [53] Al comentar las contribuciones de Varese, el compositor estadounidense John Cage afirmó que Varese había "establecido la naturaleza actual de la música" y que había "entrado en el campo del sonido en sí mismo mientras otros todavía discriminaban los 'tonos musicales' de los ruidos". [54]
En un ensayo escrito en 1937, Cage expresó su interés en utilizar materiales extramusicales [55] y llegó a distinguir entre sonidos encontrados, a los que llamó ruido, y sonidos musicales, entre los que se incluían la lluvia, la estática entre canales de radio y "un camión a cincuenta millas por hora". En esencia, Cage no hizo distinción alguna, en su opinión todos los sonidos tienen el potencial de ser utilizados de forma creativa. Su objetivo era capturar y controlar elementos del entorno sonoro y emplear un método de organización del sonido, un término tomado de Varese, para dar significado a los materiales sonoros. [56] Cage comenzó en 1939 a crear una serie de obras que exploraban sus objetivos declarados, siendo la primera Imaginary Landscape #1 para instrumentos que incluía dos tocadiscos de velocidad variable con grabaciones de frecuencia. [57]
En 1961, James Tenney compuso Analogue #1: Noise Study (para cinta) usando ruido sintetizado por computadora y Collage No.1 (Blue Suede) (para cinta) muestreando y manipulando una famosa grabación de Elvis Presley . [58]
Creo que el uso del ruido para hacer música continuará y aumentará hasta que lleguemos a una música producida con la ayuda de instrumentos eléctricos que harán disponibles para fines musicales todos y cada uno de los sonidos que se puedan escuchar.
— John Cage El futuro de la música: Credo (1937)
En 1932, los artistas de la Bauhaus László Moholy-Nagy , Oskar Fischinger y Paul Arma experimentaron con la modificación del contenido físico de los surcos de los discos. [58]
Bajo la influencia de Henry Cowell en San Francisco a finales de la década de 1940, [59] Lou Harrison y John Cage comenzaron a componer música para conjuntos de percusión de chatarra ( desechos ), recorriendo depósitos de chatarra y tiendas de antigüedades de Chinatown en busca de tambores de freno apropiadamente afinados, macetas, gongs y más.
En Europa, a finales de la década de 1940, Pierre Schaeffer acuñó el término música concreta para referirse a la naturaleza peculiar de los sonidos en cinta, separados de la fuente que los generó inicialmente. [60] Pierre Schaeffer ayudó a formar el Studio d'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française en París durante la Segunda Guerra Mundial. Inicialmente al servicio de la Resistencia francesa , el Studio d'Essai se convirtió en un centro de desarrollo musical centrado en la implementación de dispositivos electrónicos en las composiciones. Fue a partir de este grupo que se desarrolló la música concreta. Un tipo de música electroacústica , la música concreta se caracteriza por su uso de sonido grabado, electrónica, cinta, fuentes de sonido animadas e inanimadas y varias técnicas de manipulación. El primero de los Cinq études de bruits ( Cinco estudios de ruido ) de Schaeffer , llamado Étude aux chemins de fer (1948) consistía en sonidos de locomotoras transformados. [14] El último estudio, Étude pathétique (1948), utiliza sonidos grabados de cacerolas y barcos de canal. Cinq études de bruits se estrenó a través de una transmisión radiofónica el 5 de octubre de 1948, titulada Concert de bruits .
Siguiendo la música concreta, otros compositores de música de arte modernista como Richard Maxfield , Karlheinz Stockhausen , Gottfried Michael Koenig , Pierre Henry , Iannis Xenakis , La Monte Young y David Tudor , compusieron importantes obras electrónicas, vocales e instrumentales, a veces utilizando sonidos encontrados. [58] A finales de 1947, Antonin Artaud grabó Pour en Finir avec le Jugement de dieu ( Terminar con el juicio de Dios ), una pieza de audio llena de la cacofonía aparentemente aleatoria de sonidos xilofónicos mezclados con varios elementos de percusión , mezclados con el ruido de alarmantes gritos humanos, gritos, gruñidos, onomatopeyas y glosolalia . [61] [62] En 1949, el artista del Nouveau Réalisme Yves Klein escribió The Monotone Symphony (formalmente The Monotone-Silence Symphony , concebida entre 1947 y 1948), una pieza orquestal de 40 minutos que consistía en un solo acorde sostenido de 20 minutos (seguido de un silencio de 20 minutos) [63] , mostrando cómo el sonido de un dron podía hacer música. También en 1949, Pierre Boulez se hizo amigo de John Cage , quien estaba de visita en París para investigar sobre la música de Erik Satie . John Cage había estado impulsando la música en direcciones aún más sorprendentes durante los años de guerra, escribiendo para piano preparado, percusión de desguace y aparatos electrónicos. [64]
En 1951, se estrenó en Nueva York Imaginary Landscape #4 de Cage , una obra para doce receptores de radio. La interpretación de la composición requirió el uso de una partitura que contenía indicaciones para varias longitudes de onda, duraciones y niveles dinámicos, todos los cuales habían sido determinados mediante operaciones aleatorias . [65] [66] Un año después, en 1952, Cage aplicó sus métodos aleatorios a la composición basada en cintas. También en 1952, Karlheinz Stockhausen completó una modesta pieza estudiantil de música concreta titulada Etude . El trabajo de Cage dio como resultado su famosa obra Williams Mix , que estaba compuesta por unos seiscientos fragmentos de cinta ordenados de acuerdo con las exigencias del I Ching . La primera fase radical de Cage alcanzó su apogeo ese verano de 1952, cuando presentó el primer " happening " artístico en el Black Mountain College , 4'33" , la llamada "pieza silenciosa" controvertida. El estreno de 4'33" lo interpretó David Tudor . El público lo vio sentarse al piano y cerrar la tapa del piano. Algún tiempo después, sin haber tocado ninguna nota, abrió la tapa. Un rato después, sin haber tocado nada, volvió a cerrar la tapa. Y después de un período de tiempo, abrió la tapa una vez más y se levantó del piano. La pieza había transcurrido sin que se tocara una sola nota, de hecho sin que Tudor ni nadie más en el escenario hubiera hecho ningún sonido deliberado, aunque cronometraba las duraciones en un cronómetro mientras pasaba las páginas de la partitura. Sólo entonces el público pudo reconocer lo que Cage insistía: que no existe tal cosa como el silencio. Siempre hay ruido que produce sonido musical. [67] En 1957, Edgard Varèse creó en cinta una extensa pieza de música electrónica usando ruidos creados por raspaduras, golpes y soplos titulada Poème électronique . [68] [69]
En 1960, John Cage completó su composición de ruido Cartridge Music para cartuchos fonográficos con objetos extraños reemplazando la 'aguja' y pequeños sonidos amplificados por micrófonos de contacto. También en 1960, Nam June Paik compuso Fluxusobjekt para cinta fija y cabezal de reproducción de cinta controlado manualmente. [58] El 8 de mayo de 1960, seis jóvenes músicos japoneses, incluidos Takehisa Kosugi y Yasunao Tone , formaron el Grupo Ongaku con dos grabaciones en cinta de música noise: Automatism y Object . Estas grabaciones hicieron uso de una mezcla de instrumentos musicales tradicionales junto con una aspiradora, una radio, un tambor de aceite, una muñeca y una vajilla. Además, se manipuló la velocidad de la grabación de la cinta, distorsionando aún más los sonidos que se grababan. [70] La banda canadiense Nihilist Spasm Band , el grupo noise de más larga trayectoria del mundo, se formó en 1965 en London, Ontario, y continúa actuando y grabando hasta el día de hoy, habiendo sobrevivido para trabajar con muchos de la nueva generación a la que ellos mismos habían influenciado, como Thurston Moore de Sonic Youth y Jojo Hiroshige de Hijokaidan . En 1967, Musica Elettronica Viva , un grupo de improvisación acústica/electrónica en vivo formado en Roma, hizo una grabación titulada SpaceCraft [71] usando micrófonos de contacto en objetos "no musicales" como paneles de vidrio y latas de aceite de motor que se grabó en la Akademie der Kunste en Berlín. [72] A fines de los años sesenta, participaron en la acción de ruido colectiva llamada Lo Zoo iniciada por el artista Michelangelo Pistoletto .
La crítica de arte Rosalind Krauss sostuvo que en 1968 artistas como Robert Morris , Robert Smithson y Richard Serra habían "entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas". [73] El arte sonoro se encontró en la misma condición, pero con un énfasis añadido en la distribución . [74] El arte de proceso antiforme se convirtió en los términos utilizados para describir esta cultura posindustrial posmoderna y el proceso por el cual se crea. [75] La música de arte seria respondió a esta coyuntura en términos de ruido intenso, por ejemplo, la composición Fluxus de La Monte Young 89 VI 8 C. 1:42–1:52 AM Paris Encore de Poem For Chairs, Tables, Benches, Etc. La composición de Young Two Sounds (1960) fue compuesta para percusión amplificada y cristales de ventanas y su Poem for Tables, Chairs and Benches, Etc. (1960) utilizó los sonidos de muebles raspando el suelo. AllMusic evaluó al grupo experimental inglés de los años 1960 AMM como los creadores de la electrónica , la improvisación libre y la música noise, escribiendo que "las bandas noise tienen el deber de revisar su fuente primaria". [76]
Freak Out!, el álbum debut de 1966 de Mothers of Invention, hizo uso de un collage de sonido de vanguardia, en particular la canción de cierre " The Return of the Son of Monster Magnet ". [77] El mismo año, el grupo de rock artístico Velvet Underground hizo su primera grabación bajo la producción de Andy Warhol , una canción titulada "Noise". [78] AllMusic evaluó a Godz como una banda de noise temprana: "los tres fragmentos estridentes de noise/junk de vanguardia que grabaron entre 1966 y 1968". [79]
« Tomorrow Never Knows » es la última canción del álbum de estudio de los Beatles de 1966, Revolver ; acreditada como una canción de Lennon-McCartney , fue escrita principalmente por John Lennon con importantes contribuciones al arreglo de Paul McCartney . La canción incluía efectos de cinta en bucle . Para la canción, McCartney proporcionó una bolsa de bucles de cinta de audio de 1 ⁄ 4 de pulgada que había hecho en casa después de escuchar Gesang der Jünglinge de Stockhausen . Al desactivar el cabezal de borrado de una grabadora y luego enrollar un bucle continuo de cinta a través de la máquina mientras grababa, la cinta se sobregrabaría constantemente , creando un efecto de saturación, una técnica también utilizada en la música concreta . [80] Los Beatles continuarían estos esfuerzos con « Revolution 9 », una canción producida en 1968 para The White Album . Hizo uso exclusivo de collage de sonido , acreditado a Lennon-McCartney , pero creado principalmente por John Lennon con la ayuda de George Harrison y Yoko Ono . [81]
En 1975, Ned Lagin lanzó un álbum de música electrónica noise lleno de retumbos espaciales y atmósferas llenas de eructos y pitidos titulado Seastones en Round Records . [82] El álbum fue grabado en sonido cuadrafónico estéreo y contó con actuaciones especiales de miembros de Grateful Dead , incluido Jerry García tocando la guitarra tratada y Phil Lesh tocando el bajo electrónico Alembic . [83] David Crosby , Grace Slick y otros miembros de Jefferson Airplane también aparecen en el álbum. [84]
El doble LP de Lou Reed , Metal Machine Music (1975), es citado por contener las características principales de lo que con el tiempo se convertiría en un género conocido como música noise. [85] El álbum, grabado en una máquina Uher de tres velocidades y masterizado/diseñado por Bob Ludwig , [86] es un ejemplo temprano y bien conocido de música noise de estudio comercial que el crítico musical Lester Bangs ha llamado sarcásticamente el "mejor álbum jamás hecho en la historia del tímpano humano ". [87] También ha sido citado como uno de los " peores álbumes de todos los tiempos ". [88] En 1975, RCA también lanzó una versión cuadrafónica de la grabación de Metal Machine Music que se produjo reproduciendo la cinta maestra hacia atrás y hacia adelante, y volteando la cinta. [89] Reed era muy consciente de la música drone de La Monte Young y lo cita como una gran influencia en Metal Machine Music . [86] [90] [91] El Theatre of Eternal Music de Young fue un grupo de música noise proto-minimalista de mediados de los 60 con John Cale , Marian Zazeela , Henry Flynt , Angus Maclise , Tony Conrad y otros. [92] Las notas sostenidas discordantes y la amplificación fuerte del Theatre of Eternal Music habían influenciado la contribución posterior de Cale a Velvet Underground en su uso tanto de la discordancia como de la retroalimentación. [93] Cale y Conrad han publicado grabaciones de música noise que hicieron a mediados de los sesenta, como la serie Inside the Dream Syndicate de Cale ( The Dream Syndicate es el nombre alternativo dado por Cale y Conrad a su trabajo colectivo con Young). [94] Bandas de krautrock como Neu! [95] y Faust [96] incorporarían ruido en sus composiciones. Roni Sarig, autor de La historia secreta del rock, calificó el segundo álbum de Can, Tago Mago , como "lo más cercano que jamás haya estado a la música noise de vanguardia". [97]
El acertadamente llamado noise rock fusiona rock con noise, usualmente con instrumentación "rockera" reconocible, pero con un mayor uso de distorsión y efectos electrónicos, diversos grados de atonalidad , improvisación y ruido blanco . Una banda notable de este género es Sonic Youth , que se inspiró en los compositores de No Wave Glenn Branca y Rhys Chatham (él mismo un estudiante de La Monte Young ). [98] Marc Masters, en su libro sobre No Wave, señala que los primeros grupos de dark noise agresivamente innovadores como Mars y DNA se basaron en el punk rock , el minimalismo de vanguardia y el arte escénico . [99] Importantes en esta trayectoria del noise son las nueve noches de música noise llamadas Noise Fest que fueron organizadas por Thurston Moore de Sonic Youth en el espacio de arte de Nueva York White Columns en junio de 1981 [100] [101] seguidas por la serie de noise rock Speed Trials organizada por miembros de Live Skull en mayo de 1983.
En la década de 1970, el concepto de arte en sí se expandió y grupos como Survival Research Laboratories , Borbetomagus y Elliott Sharp adoptaron y extendieron los aspectos más disonantes y menos accesibles de estos conceptos musicales/espaciales. Casi al mismo tiempo, apareció la primera ola posmoderna de música noise industrial con Pop Group, [102] Throbbing Gristle , Cabaret Voltaire y NON (también conocido como Boyd Rice ). [103] Estos lanzamientos de la cultura del casete a menudo presentaban una edición de cinta estrafalaria, percusión austera y bucles repetitivos distorsionados hasta el punto en que pueden degradarse en ruido áspero. [104] En los años 1970 y 1980, grupos de ruido industrial como Killing Joke , Throbbing Gristle , Mark Stewart & the Mafia, Coil , Laibach , Thee Temple ov Psychick Youth , Smegma , Nurse with Wound y Einstürzende Neubauten interpretaron música de ruido industrial mezclando percusión de metal fuerte, guitarras e "instrumentos" no convencionales (como martillos neumáticos y huesos) en elaboradas representaciones escénicas. Estos artistas industriales experimentaron con diversos grados de técnicas de producción de ruido. [105] El interés en el uso de la radio de onda corta también se desarrolló en esta época, particularmente evidente en las grabaciones y presentaciones en vivo de John Duncan . Otros movimientos de arte posmoderno influyentes en el arte de ruido posindustrial son el arte conceptual y el uso neo-dadaísta de técnicas como el ensamblaje , el montaje , el bricolaje y la apropiación . Pronto siguieron bandas como Test Dept , Clock DVA , Factrix , Autopsia , Nocturnal Emissions , Whitehouse , Severed Heads , Sutcliffe Jügend y SPK . La repentina asequibilidad postindustrial de la tecnología de grabación en casete casera en la década de 1970, combinada con la influencia simultánea del punk rock , estableció la estética No Wave e instigó lo que hoy se conoce comúnmente como música noise. [105]
Desde principios de la década de 1980, [106] Japón ha producido una importante producción de artistas y bandas característicamente ásperos, a veces denominados Japanoise , con nombres como Government Alpha , Alienlovers en Amagasaki y Koji Tano, y quizás el más conocido sea Merzbow (seudónimo del artista de noise japonés Masami Akita , quien se inspiró en el proyecto de arte Merz del artista Dada Kurt Schwitters de collage psicológico ). [107] [108] A fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, Akita tomó Metal Machine Music como punto de partida y abstrajo aún más la estética del noise al liberar el sonido solo de la retroalimentación basada en la guitarra. Según Hegarty (2007), "en muchos sentidos solo tiene sentido hablar de música noise desde el advenimiento de varios tipos de ruido producidos en la música japonesa, y en términos de cantidad esto realmente tiene que ver con la década de 1990 en adelante ... con el gran crecimiento del noise japonés, finalmente, la música noise se convierte en un género". [109] Otros artistas clave del noise japonés que contribuyeron a este aumento de actividad incluyen a Hijokaidan , Boredoms , CCCC , Incapacitants , KK Null , Masonna de Yamazaki Maso , Solmania , K2, Gerogerigegege y Hanatarash . [108] [110] Nick Cain de The Wire identifica la "primacía de los artistas de noise japoneses como Merzbow, Hijokaidan e Incapacitants" como uno de los principales desarrollos en la música noise desde 1990. [111]
Tras la estela del noise industrial, el noise rock, el no wave y el harsh noise, ha habido una avalancha de músicos noise cuyo trabajo ambient , microsound , Vaporwave o basado en glitch es a menudo más sutil al oído. [112] Kim Cascone se refiere a este desarrollo como un movimiento postdigital y lo describe como una "estética del fracaso". [113] Parte de esta música ha tenido una amplia distribución gracias a los servicios de intercambio de archivos peer to peer y a los netlabels que ofrecen lanzamientos gratuitos. Steve Goodman caracteriza esta efusión generalizada de medios gratuitos basados en noise como un "virus del ruido". [114] [115]
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