Cine de Europa se refiere a las industrias cinematográficas y a las películas producidas en el continente europeo .
Los europeos fueron los pioneros de la industria cinematográfica, y varios ingenieros y artistas innovadores tuvieron un impacto, especialmente a finales del siglo XIX. Louis Le Prince se hizo famoso por su Escena del jardín de Roundhay de 1888 , la primera película de celuloide conocida grabada.
Los hermanos Skladanowsky de Berlín sorprendieron con su "Bioscop" al público del teatro Wintergarten con la primera proyección cinematográfica de la historia, del 1 al 31 de noviembre de 1895. Los hermanos Lumière fundaron el Cinematógrafo ; que inició la era del cine mudo , un período en el que el cine europeo fue un gran éxito comercial. Así permaneció hasta el ambiente hostil al arte de la Segunda Guerra Mundial . [2] Estos notables descubrimientos permiten vislumbrar el poder del cine europeo temprano y su influencia duradera en el cine actual.
Los primeros movimientos cinematográficos europeos notables incluyen el expresionismo alemán (década de 1920), el montaje soviético (década de 1920), el cine impresionista francés (década de 1920) y el neorrealismo italiano (década de 1940); fue un período que ahora se ve en retrospectiva como "El otro Hollywood" . La guerra ha desencadenado el nacimiento del Arte y en este caso, el nacimiento del cine.
El expresionismo alemán evocaba las emociones de las personas a través de visiones y escenarios extraños, parecidos a pesadillas, muy estilizados y extremadamente visibles a la vista. El montaje soviético también compartió similitudes y creó ediciones cinematográficas famosas conocidas como efecto Kino-eye, efecto Kuleshov y montaje intelectual.
El cine impresionista francés ha creado la esencia de la cinematografía, ya que Francia fue un país pionero en el cine que mostró el nacimiento del cine utilizando el medio inventado por los hermanos Lumière . El neorrealismo italiano diseñó la vívida realidad a través de una lente humana mediante la creación de películas de bajo presupuesto directamente en las calles de Italia. Todos los movimientos cinematográficos estuvieron fuertemente influenciados por la guerra, pero ésta sirvió de catalizador para impulsar la industria cinematográfica a su máximo potencial en Europa.
Los movimientos notables a lo largo del cine europeo temprano incluyeron convenciones estilísticas, directores destacados y películas históricas que han influido en el cine moderno hasta la actualidad. A continuación encontrarás una lista de directores, películas, premios cinematográficos, festivales de cine y actores que fueron estrellas nacidas de estos movimientos cinematográficos.
Según un estudio, "en el siglo XX la industria cinematográfica europea estaba en buena forma. Las compañías cinematográficas europeas fueron pioneras tanto en innovaciones tecnológicas como la proyección, los procesos de color y las películas sonoras, como en innovaciones de contenido como los noticieros semanales, los dibujos animados, las series y el largometraje ocuparon una gran cuota del mercado estadounidense, que en ocasiones alcanzó el 60 por ciento.
Las compañías cinematográficas francesas se apresuraron a establecer filiales extranjeras de producción y distribución en países europeos y Estados Unidos y dominaron la distribución internacional de películas antes de mediados de la década de 1910. A principios de la década de 1920, todo esto había cambiado. La industria cinematográfica europea sólo poseía una participación marginal del mercado estadounidense y una pequeña participación en sus mercados nacionales. La mayoría de las grandes empresas europeas vendieron sus filiales extranjeras y abandonaron la producción cinematográfica en su país, mientras que los estudios emergentes de Hollywood construyeron sus redes de distribución en el extranjero." [3]
La Academia de Cine Europeo se fundó en 1988 para celebrar anualmente el cine europeo a través de los Premios del Cine Europeo .
Fundada en 1992 con financiación del programa MEDIA Europa Creativa y del CNC de Francia , Europa Cinemas es la primera red de salas de cine centrada en películas europeas. Su objetivo es proporcionar apoyo operativo y financiero a los cines que se comprometan a proyectar un número significativo de películas europeas no nacionales, ofrecer eventos e iniciativas, así como actividades promocionales dirigidas al público joven. [5] Con el apoyo de Eurimages y del Ministerio francés de Asuntos Exteriores, la influencia de Europa Cinemas se extiende a los países de Europa del Este, a los Balcanes , a Europa del Este , a Rusia y a Turquía.
En septiembre de 2020 [actualizar], Europa Cinemas tenía 3.131 pantallas en 1.216 cines, ubicados en 738 ciudades y 43 países. [5]
El 2 de febrero de 2000, Philippe Binant realizó en París la primera proyección de cine digital en Europa, con la tecnología DLP Cinema desarrollada por Texas Instruments . [6] [7] [8]
Hoy las producciones estadounidenses dominan el mercado europeo. Por término medio, las películas europeas se distribuyen sólo en dos o tres países; Producciones estadounidenses en casi diez. [9] [10] Las diez películas más vistas en Europa entre 1996 y 2016 fueron todas producciones o coproducciones estadounidenses. Excluyendo las producciones estadounidenses, la película más vista en ese período fue Los Intocables , una producción francesa, como la mayoría de las otras películas entre las diez primeras. [4] En 2016-2017, la única película (parcialmente) europea entre las diez películas más vistas en Europa fue Dunkerque . Excluyendo ésta (que fue una coproducción de Países Bajos, Reino Unido, Francia y Estados Unidos [11] ), la película europea con mejores resultados fue Paddington 2 , que vendió 9,1 millones de entradas. [12]
El expresionismo alemán surgió como movimiento artístico alemán a principios del siglo XX. El foco de este movimiento estuvo en las ideas y sentimientos internos de los artistas sobre la replicación de hechos. Algunos de los rasgos característicos del expresionismo alemán fueron los colores brillantes y las formas, pinceladas y marcas gestuales simplificadas. Las dos inspiraciones diferentes del estilo cinematográfico que impulsa el expresionismo alemán son las películas de terror y el cine negro .
Películas famosas del expresionismo alemán:
La industria cinematográfica alemana no estaba preparada cuando comenzó la Primera Guerra Mundial . En los primeros días del estallido de la guerra, casi todos en la industria estaban inseguros. Las primeras victorias conseguidas en el oeste cambiaron el humor de los alemanes y se volvieron más patrióticos.
Como resultado de esto, los propietarios de salas de cine en Alemania decidieron eliminar todas las películas inglesas y francesas del repertorio de películas alemanas . Casi al mismo tiempo, cuando las fronteras se separaron debido a la guerra y el comercio internacional se cerró, los alemanes no pudieron conectarse realmente con el cine internacional durante casi una década. Cuando terminó julio de 1914, había muchas películas en el mercado alemán. [13]
Sin embargo, cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, muchos estados enemigos prohibieron temporalmente las películas y se introdujeron decretos de censura. Todos estos factores en conjunto provocaron una grave escasez de largometrajes. Los productores cinematográficos alemanes comenzaron a apoyar programas bélicos de carácter patriótico a finales de agosto de 1914.
Las películas comenzaron a contener escenas que ilustraban ideas relacionadas con la guerra moldeadas por la historia, y las escenas se consideraban una representación históricamente verdadera de la realidad. Esta representación de la guerra cubría todas las necesidades de los criterios de comunicación clásicos, por lo que tuvo éxito económico. Los productores comenzaron a hacer películas sobre muchos otros temas a principios de 1915. Un tema común de todas esas películas fue el exitoso viaje del protagonista a través de la guerra que llega como una prueba en el camino hacia el destino final. [13]
Si bien se impusieron estrictas regulaciones a los comunicados de prensa, no existían reglas uniformes para la censura de imágenes. Durante el transcurso de la Primera Guerra Mundial , los nuevos censores también prohibieron las películas que ya habían sido aprobadas para su producción por considerarlas inadecuadas para la guerra. La censura en aquella época estaba muy descentralizada y disuadió la aparición de un mercado cinematográfico concertado en Alemania. [14]
La primera compañía cinematográfica alemana a la que se le permitió rodar oficialmente escenas de guerra fue EIKO-film. El permiso fue concedido el 2 de septiembre de 1914. [14] Sin embargo, las primeras películas de guerra realizadas por EIKO-film fueron confiscadas por la policía de Berlín el 12 de septiembre de 1914 debido a dudas sobre la vigilancia. Esas confiscaciones también se habían observado en otras zonas del país. Fue en octubre de 1914 cuando los cines estrenaron el primer noticiario de guerra. [14] Pero la participación de los operadores de cine en el servicio militar de los territorios ocupados limitó la visualización de películas. El efecto colectivo de estas limitaciones y censura provocó una disminución de la cinematografía de guerra.
A diferencia de las películas de guerra realizadas en las fases iniciales de la guerra, el enfoque de los directores y productores después de la guerra se desplazó cada vez más hacia los largometrajes. Esto sentó las bases para una producción cinematográfica más profesional. Junto con esto, después de la guerra comenzó a expresarse una cultura cinematográfica nacional. Con el aumento de la demanda de películas alemanas, surgieron muchas nuevas empresas cinematográficas. [14] Fue una época de continua expansión de la industria cinematográfica berlinesa.
A partir de mediados de 1915, los productores alemanes comenzaron a realizar series de películas policiales, pero no lograron satisfacer la demanda a pesar de que también realizaban producciones en serie relacionadas con otros géneros. Debido a las leyes de censura y las restricciones legales, las películas francesas y británicas obtenidas antes de la Primera Guerra Mundial continuaron proyectándose en la mayoría de los cines de Alemania en 1915 hasta que se les impuso una prohibición. Por lo tanto, los operadores de salas de cine buscaban películas realizadas por productores de países neutrales. [14]
Según el gobierno alemán, hubo una única causa de propaganda oficial durante la primera mitad de la guerra. El significado y la importancia de la guerra se habían vuelto bastante cuestionables en el año 1916 con el comienzo de una reevaluación de las películas. Directores y productores empezaron a considerar diseños adecuados para el período posterior al final de la guerra.
Debido al creciente descontento de la gente con la situación militar y la creciente escasez de alimentos, el ejército y el Estado decidieron fundar Universum-Film AG (Ufá) el 18 de diciembre de 1917. [14] Se trataba de una nueva producción cinematográfica con orientación comercial. empresa que nació con el propósito de realizar largometrajes con apenas propaganda encubierta. [14] El propósito de estos largometrajes era estabilizar la moral en tiempos de guerra y elevarla.
Los fundadores querían incluir en las películas material civil, no bélico e inofensivo para contribuir a la victoria y desviar la atención de la gente de la guerra. La Primera Guerra Mundial jugó un papel importante en el crecimiento y los cambios técnicos en las leyes y el funcionamiento del cine en Alemania. Los productores alemanes han hecho muchas contribuciones artísticas y técnicas a la tecnología cinematográfica temprana.
El cine de la Unión Soviética estaba formado por películas creadas por las repúblicas constituyentes de la Unión Soviética. Producidas predominantemente en idioma ruso , las películas reflejan elementos presoviéticos, incluida la historia, el idioma y la cultura de la Unión. Es diferente del cine ruso, aunque el gobierno central de Moscú regulaba las películas.
Entre sus películas republicanas, Georgia , Armenia , Ucrania y Azerbaiyán fueron las más productivas. Moldavia , Bielorrusia y Lituania también han destacado, aunque en menor medida. La industria cinematográfica estuvo completamente nacionalizada durante gran parte de la historia del país. Se regía por las leyes y filosofías defendidas por el Partido Comunista Soviético que trajeron una perspectiva revolucionada del cine en forma de "realismo social" que contrastaba con la visión que existía antes de la Unión Soviética o incluso después de ella. [15]
Los rusos tuvieron instinto cinematográfico desde el principio. La primera película dramatizada por los rusos se realizó en el año 1908, lo que otorga a la cinematografía rusa el estatus de una de las industrias más antiguas del mundo. Hasta el año 1913 había más de 1.300 cines en Rusia y el país había producido más de 100 películas que tuvieron una profunda influencia en la producción cinematográfica de origen americano y europeo. [dieciséis]
Las películas en la Unión Soviética comenzaron a ser censuradas, especialmente a partir de noviembre de 1917, cuando se creó el Comisariado Popular de Educación. [17] Pasó casi un mes desde que se estableció el Estado soviético. Después de que los bolcheviques ganaron fuerza en la Unión Soviética en el año 1917, tuvieron un importante déficit de legitimidad política. Las bases políticas eran inestables y el cine jugó un papel importante en la protección de la existencia de la URSS.
Las películas jugaron un papel central en aquella época ya que servían para convencer a las masas sobre la legitimidad del régimen y su condición de portadoras de hechos históricos. Algunas de las películas destacadas de la época incluyen The Great Citizen y Circus . En marzo de 1919 se creó un comité de cine para establecer una visión escolar con miras a capacitar a los técnicos y actores para que se pudiera iniciar un modesto programa de producción cinematográfica. El comité estaba encabezado por DI Leshchenko, miembro desde hace mucho tiempo del partido bolchevique. Además de cuidar y garantizar la exactitud de los géneros y temas de las compañías cinematográficas, Leshchenko también trabajó para disuadir el estallido de propaganda cinematográfica antisoviética. Fue particularmente importante debido al comunismo de guerra en esa época.
Los documentales y largometrajes del cine soviético prosperaron en su mejor momento en la década de 1920. Los cineastas se comprometieron con entusiasmo en el desarrollo del primer estado socialista del mundo. En lugar de tener que generar dinero para la industria cinematográfica de Hollywood, los realizadores vieron esto como una oportunidad para centrarse en la educación de la gente del nuevo soviético. El primer líder del país que se convirtió en la URSS y fundador de la Revolución Bolchevique de 1917, Vladimir Ilich Lenin, visualizó el cine como un arte tecnológico que se adaptaba mejor a un Estado establecido sobre la base de la conversión de la humanidad por medio de la tecnología y industria. [18] El cine asumió la posición de medio más valioso de producción y propagación del arte entre las masas. La década es conocida por la experimentación con diferentes estilos de realización de películas.
Durante la década de 1920, la URSS estaba adquiriendo una Nueva Política Económica . Fue una década en la que ciertas industrias tenían un control estatal relajado que proporcionaba a la gente una sensación de minicapitalismo dentro de la economía comunista. Fue una época de prosperidad para las salas de cine privadas y, junto con ella, prosperó toda la industria cinematográfica soviética. Las películas americanas tuvieron una gran influencia en los rusos, a diferencia de las producciones soviéticas. Muchas estrellas de Hollywood como Mary Pickford y Douglas Fairbanks fueron idolatradas como héroes.
El heroico Fairbanks se convirtió en un símbolo sexual y el star system contemporáneo ganó popularidad con Pickford. La reacción soviética a la influencia de Hollywood fue una mezcla de repulsión y admiración. Hacia finales de 1924, se fundaron Sovkino y ARK, dos de las organizaciones que más influyeron en el cine de la Unión Soviética durante la década. [15] Ese fue un momento en el que los miembros jóvenes, ambiciosos y entusiastas de la comunidad cinematográfica tenían planes brillantes para la industria cinematográfica. Sus esfuerzos se dirigieron a hacer más eficaces y organizados los procesos de producción y distribución y a elevar el estatus de los trabajadores de la industria. Es decir, intentaron dar a conocer el cine.
Como las otras formas de arte, el cine retrata la autenticidad que enfrentan varias personas. Francia puede considerarse uno de los principales pioneros de toda la industria cinematográfica mundial. La prueba de ello es que entre 1895 – 1905 Francia inventó el concepto de cine cuando los hermanos Lumière proyectaron la primera película el 28 de diciembre de 1895, llamada La llegada de un tren a la estación de La Ciotat , en París. [19]
Duró sólo 50 segundos pero lanzó y dio origen al nuevo medio de expresión en la industria cinematográfica. Lumiére de Francia ha sido acreditado desde 1895 y fue reconocido como el descubridor de la cámara de movimiento. [19] Sin embargo, a pesar de que otros inventores lo precedieron, a menudo se cree que su logro está en la perspectiva de esta era creativa. [18]
La cinematografía de Lumière, del tamaño de una maleta y móvil, servía como unidad dispensadora de películas, cámara y proyector, todo en uno. Durante la década de 1890, las salas de cine duraron unos pocos minutos y también comenzaron a constar de varias tomas. [20] Otros pioneros también fueron franceses, incluidos Niépce , Daguerre y Marey , durante la década de 1880 pudieron combinar ciencia y arte para lanzar la industria cinematográfica. [19]
Los pioneros del cine francés estuvieron influenciados por su herencia histórica derivada de la necesidad de expresar la narrativa de una nación. El siglo XIX en Francia fue un período de nacionalismo iniciado por la Revolución Francesa (1789-1792). [21] Marey (1830-1904) inventó la pistola fotográfica (1882) la cual fue desarrollada para funcionar y poder tener un papel fotográfico de 150 imágenes en movimiento. [21] Emile Reynaud ( 1844-1918) fue el padre fundador de la animación.
El cortometraje de animación Pantomimes Lumineuses exhibido durante 1892 en el Museo Grévin se desarrolló como resultado de su invento, el proyector Praxinoscope . Este invento reunió color y dibujos dibujados a mano. [21] Film Company fue fundada como el primer estudio cinematográfico de Francia antes de Pathe Film Studio y fundada por Gaumont (1864-1946). [19] En 1907, Gaumont era el estudio cinematográfico más grande del mundo, lo que también impulsó el trabajo de la primera cineasta Guy-Blaché, que creó la película El niño de la barricada. [19]
Cine francés anterior y posterior a la Primera Guerra Mundial
El período anterior a la Primera Guerra Mundial marcó las influencias del pasado histórico de Francia y el cine no sólo impulsó un período de avances en ciencia e ingeniería, sino también la necesidad de que una película se convirtiera en una plataforma para explorar la narrativa de su cultura y, al hacerlo, creó una plataforma narcisista. [21] Antes de la Primera Guerra Mundial, el cine francés e italiano dominaban el cine europeo. Zecca , director general de Pathé Frères, perfeccionó la versión cómica de la película de persecución inspirada en Keystone Kops . [22] Además, Max Linder creó un personaje cómico que influyó profundamente en la obra de Charlie Chaplin . [22]
Otras películas que comenzaron antes de la guerra en Francia también incluyeron El asesinato del duque de Guisa, así como el movimiento del cine de arte en 1908. [23] Estas películas describieron las realidades de la vida humana, especialmente dentro de la sociedad europea. [23] Además, el cine francés produjo espectáculos de época que llamaron la atención y dieron prominencia mundial antes del inicio de la Primera Guerra Mundial. [23]
Aproximadamente el 70% de las películas mundiales se importaban de los estudios parisinos de Éclair, Gaumont y Pathe antes de la guerra. [24] Sin embargo, cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, la industria cinematográfica francesa decayó durante la guerra porque perdió muchos de sus recursos que se agotaron para apoyar la guerra. Además, la Primera Guerra Mundial bloqueó la exportación de películas francesas, lo que obligó a reducir las grandes producciones para prestar atención a las películas de baja financiación. [20]
Sin embargo, en los años que siguieron a la guerra, las películas estadounidenses entraron cada vez más en el mercado francés porque la industria cinematográfica estadounidense no se vio tan afectada por la guerra. Esto significó que un total del 70% de las películas de Hollywood se proyectaron en Francia. [20] Durante este período, la industria cinematográfica francesa enfrentó una crisis a medida que el número de largometrajes producidos disminuyó y fueron superados por sus competidores, incluidos los Estados Unidos de América y Alemania. [19]
Después del final de la Segunda Guerra Mundial, el cine francés comenzó a formar la imagen moderna y a reconocer sus secuelas. Tras el establecimiento y crecimiento de las industrias cinematográficas estadounidense y alemana durante la era posterior a la Primera Guerra Mundial, así como durante la Gran Depresión . [20] Muchas películas alemanas y americanas habían subido al escenario del mercado francés y mundial. [20] Además, durante la Segunda Guerra Mundial, la industria cinematográfica francesa se centró principalmente en la producción de películas antinazis, especialmente a finales de la década de 1940, cuando la guerra llegaba a su fin. [19]
Después de esta era, los directores de la industria cinematográfica francesa comenzaron a abordar las cuestiones que afectan al humanismo y se centraron en la producción de películas de entretenimiento de gran eminencia. [23] Además, la proyección de los clásicos literarios franceses que incluyeron La Cartuja y Rouge et le Noir lograron difundir gran fama en todo el mundo. Además, Nowell-Smith (2017) afirma que una de las principales obras cinematográficas que ganó popularidad durante ese período fue la película dirigida por Resnais , Mon Amour . [20] Esto llevó a que Cannes organizara su primer festival de cine internacional y recibiera el estatus anual.
La Nueva Ola francesa, que fue acompañada por sus formas cinematográficas, propició una nueva mirada al cine francés. El cine tenía diálogos improvisados, cambios rápidos de escena y tomas que superaban el eje estándar de 180 grados. Además, la cámara no se utilizó para cautivar al público con una narrativa detallada y efectos visuales extremos, sino que se utilizó para jugar con las anticipaciones del cine. [22] Clásicamente, las convenciones destacaban un control tenso sobre el procedimiento de realización de películas. Además, la Nueva Ola evitó intencionalmente esto. Las películas generalmente se filmaban en lugares públicos con diálogos inventados y tramas construidas sobre la marcha. [23]
En varios sentidos, parecía descuidada, pero también capturaba un entusiasmo y una impulsividad que ninguna película famosa podría esperar igualar. [23] Además, los cineastas de la Nueva Ola francesa generalmente abandonaron la utilización de la remezcla de su sonido. [18] En cambio, utilizaron una banda sonora naturalista grabada durante la captura e ilustrada sin modificaciones a pesar de que incluía intrusiones y errores. Además, le dio a la película una sensación de frescura y energía como sus otras habilidades que no estaban en películas anteriores. [18] Utilizaron cámaras portátiles que podían disparar bien en espacios reducidos, generando una familiaridad que las cámaras más costosas y pesadas no podían rivalizar. [18] La mayoría de las películas de la Nueva Ola utilizaban planos largos y extendidos que eran facilitados por este tipo de cámaras. [20] Por último, las películas francesas utilizaron cortes de salto que expulsaron a los espectadores del drama en pantalla, a diferencia de la realización cinematográfica tradicional.
Este fue el cine impresionista francés que denota a un conjunto de películas y cineastas franceses de la década de 1920. Sin embargo, se cree que estos cineastas son responsables de producir cines que definieron el cine. [25] El movimiento ocurrió entre 1918 y 1930, un período que vio un rápido crecimiento y cambio del cine francés y global. Uno de los principales estímulos detrás de la vanguardia impresionista francesa fue descubrir la impresión de "cine puro" y convertir el cine en una forma de arte, y como una aproximación al simbolismo y la demostración en lugar de simplemente contar una historia. [26]
Esta vanguardia destacó la asociación entre realismo y cámara. Esto fue resultado de la "fotogenia", la concepción de Epstien de descubrir la impresión de la realidad específicamente a través de la cámara, enfatizando el hecho de que ésta retrata la personalidad en el cine. [26] Las técnicas cinematográficas obvias utilizadas por la vanguardia impresionista francesa son la cámara lenta, el enfoque suave, las disoluciones y la alteración de la imagen para desarrollar la expresión creativa. [26]
El nacimiento del neorrealismo italiano , también conocido como la Edad de Oro, se produjo al vivir en una sociedad totalitaria bajo la autoridad de Benito Mussolini , un líder nacionalista, fascista y Primer Ministro de Italia durante 1922-1943. [28]
Uno de los puntos de inflexión notables en el cine italiano fue el paso de Italia del fascismo al neorrealismo. [28] Mussolini estableció Italia como un estado totalitario en 1925 después de llegar al poder, pero no afectó a la industria cinematográfica hasta 1926, cuando se hizo cargo de L'Unione Cinematografica Educativa , también conocida como el "Instituto Nacional de la Unión de Cinematografía y Educación". [29]
El neorrealismo representa una visión modificada de la realidad; les dio a los italianos la oportunidad de salir a las calles y retratar los efectos devastadores de la Segunda Guerra Mundial en Italia. Las películas del neorrealismo italiano mostraban deliberadamente actores no profesionales, ya que se consideraban películas de bajo presupuesto y las filmaban en vivo en locaciones. [30] Además, enfatizaron el uso de actores no profesionales para exhibir la belleza artística y el sentido de realismo en las películas. [30]
Este movimiento cinematográfico en particular se centró en gran medida en la población de clase trabajadora de Italia, ya que también transmitía sus problemas y su vida cotidiana para retratar la perspectiva de la vida cotidiana en la Italia fascista anterior y posterior a la Primera Guerra Mundial. [30] A pesar del liderazgo, impactó gradualmente a las películas italianas a lo largo de esa época; de hecho, sólo el 5% de las películas fascistas se produjeron entre 1930 y 1943. [29]
Afortunadamente, el neorrealismo italiano presentó al mundo el primer festival de cine en 1932 en Venecia, conocido como la Primera Exposición Internacional de Arte Cinematográfico. [29] Dado que el efecto del fascismo en la industria cinematográfica fue bastante lento, no fue hasta 1933 que se impuso una norma que afirmaba que debía proyectarse una película italiana por cada tres películas extranjeras presentadas. [29]
Antes de la Primera Guerra Mundial, el cine italiano dominaba principalmente a nivel nacional gracias al destacado apoyo de las exportaciones y del mercado local. [31] El cine italiano comenzó esencialmente con la introducción de las imágenes en movimiento a finales de la década de 1890; de hecho, la primera película italiana fue una película producida durante 1896 que mostraba la visita de la Reina y el Rey a Florencia. [32]
El movimiento de vanguardia comenzó en 1911 con trabajos experimentales e innovaciones en el cine y de esa época sólo se han conservado unas pocas películas, incluida Los últimos días de Pompeya (1913), dirigida por Mario Caserini . [32]
Durante 1914, el cine italiano produjo 1.027 películas, mientras que un año después, durante 1915, sólo se crearon 563 películas, casi la mitad que el año anterior. [29] En el mismo año, la mujer fatal italiana se introdujo en la industria y estableció notables actrices y estrellas de cine. [32] Eleonora Duse fue una famosa actriz italiana que fue la primera mujer y también la primera italiana en la portada de la revista Time . [33] A lo largo de la década de 1930, se construyó Cinecittà , un complejo de estudios cinematográficos en Roma y fue el hogar de los directores estrella de Italia. [32]
Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial también se conocieron como el período neorrealista, ya que en él se presentaron los cineastas, directores y guionistas más destacados y distinguidos. [28] El neorrealismo italiano fue el movimiento dominante en el cine mundial después de la guerra; de hecho, fue conocido no solo por su esfuerzo dedicado a resolver y enfrentar problemas sociales, sino que también proporcionó una perspectiva optimista hacia el futuro y mantuvo el choque entre los individuos y la sociedad. . [29]
Las películas del neorrealismo italiano giraban principalmente en torno a temas que describían la vida bajo un régimen autoritario, la pobreza y la clase baja, efectos de las secuelas de la guerra en la sociedad italiana. [34] A pesar de que el cine italiano era considerado de autor, en realidad era tan bueno en taquilla como las películas de Hollywood , con la granulosidad, el presupuesto limitado y la calidad documental de las películas. [35] El neorrealismo italiano introdujo una oleada de películas que giraban en torno a conflictos políticos y sociales, pero fue cauteloso a la hora de transmitir doctrinarios o signos contra la autoridad. [35] En cambio, las películas estuvieron fuertemente influenciadas por la literatura, la historia, el arte y la fotografía para ampliar la perspectiva de la audiencia y ampliar los horizontes de los entusiastas del cine. [35]
Los estilos de películas de propaganda se componen de una variedad de factores con motivos políticos que contribuyen a las películas que se producen. [29] Algunos de los estilos destacados incluidos incluyeron películas patrióticas/militares, películas antisoviéticas y la misión de civilización de Italia en África para el mantenimiento de la paz, entre otros estilos. [29] Por el contrario, las películas de género habituales exhibían melodramas, comedias y dramas históricos. [29] El término neorrealismo se define como nuevo realismo. [36] El significado derivado de la palabra es bastante sofisticado ya que hace que el público se pregunte hasta qué punto es una película nueva o antigua, además de restringir sus parámetros en relación con la sociedad, la cultura y las épocas. [36] Así, el neorrealismo italiano ha diseñado sus propias características distintivas que se basan en el realismo social, el contenido histórico y la devoción política. [31] Las películas provocaron una oleada de emociones crudas entre el actor y el público como resultado de la relación con el humanismo marxista , un concepto que cumplió con el realismo dentro de la película. [31]
Para comprender mejor el neorrealismo italiano hay que verlo a través de la lente de la lucha social de clases. [30] Es esencial distinguir la minoría de clase trabajadora baja con la población rica de clase alta y tal vez comparar y contrastar sus circunstancias para comprender verdaderamente el realismo social en Italia. [30] Después de realizar un análisis general y observar los años 1945 - 1953, se observó de manera interesante que sólo el 11% de las 822 películas producidas durante ese período se considerarían películas neorrealistas. [31]
A pesar del gran impacto de la Segunda Guerra Mundial en Italia, las películas del neorrealismo italiano rechazaron los géneros cinematográficos tradicionales y adoptaron adaptaciones de textos literarios como Cronache Di Poveri Amanti (1954) traducida como Crónica de los pobres amantes dirigida por Carlo Lizzani y Senso (1954) dirigida por Luchino Visconti presenta melodramas románticos y dramas de época históricos. [31] Las películas realizadas durante el período del neorrealismo italiano retrataban una combinación de rutina y vida cotidiana para enfatizar los elementos realistas como se ve en numerosas películas, incluida Ladrones de bicicletas (1948; también conocida como Ladri di biciclette ) de Vittorio De Sica. . La película era una representación moderna, vívida y precisa del sistema económico social (Bondanella, 2009, 86). [31] Los efectos de la guerra fueron eternos e incluso han dado forma al cine contemporáneo, ya que les proporcionó historias que vale la pena compartir. [31]
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Los " Tres Grandes " festivales de cine son: [38] [39]
En particular, el Festival de Cine de Venecia es el festival de cine más antiguo del mundo. [40]
{{cite web}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )Como su fama se forjó principalmente en el circuito de festivales, el cineasta tuvo que buscar financiación y distribución internacionales y conformarse con festivales menores antes de llegar a uno de los Tres Grandes (Berlín, Cannes, Venecia).
Ya sea que hablemos de los tres grandes festivales (Cannes, Venecia, Berlín), miremos a Sundance, Tribeca y Toronto en América del Norte, o examinemos otros festivales mundiales importantes en Hong Kong, Pusan, Locarno, Rotterdam, San Sebastián y Mar del Plata. , los insistentes iconos globales de todos los festivales son películas, descubrimientos, autores, estrellas, fiestas y premios.