La era del álbum fue un período en la música popular en idioma inglés desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 2000 en el que el álbum fue la forma dominante de expresión y consumo de música grabada. [1] [2] Fue impulsado principalmente por tres formatos sucesivos de grabación de música: el disco de larga duración (LP) de 33⅓ rpm , la cinta de casete y el disco compacto (CD) . Los músicos de rock de Estados Unidos y el Reino Unido estuvieron a menudo a la vanguardia de la era, que a veces se llama la era del álbum-rock en referencia a su esfera de influencia y actividad. El término "era del álbum" también se utiliza para referirse al período estético y de marketing que rodea el lanzamiento del álbum de un artista.
Los álbumes LP se desarrollaron a principios del siglo XX y originalmente se comercializaron para la música clásica y los consumidores adultos más ricos. Sin embargo, los sencillos todavía dominaban la industria musical, eventualmente gracias al éxito de los artistas de rock and roll en la década de 1950, cuando el formato LP se utilizaba más para bandas sonoras , jazz y algunas grabaciones de pop. No fue hasta mediados de la década de 1960, cuando los Beatles comenzaron a lanzar LP artísticamente ambiciosos y de gran venta, que más artistas de rock y pop siguieron su ejemplo y la industria acogió los álbumes con inmenso éxito mientras las crecientes críticas del rock validaban su valor cultural. En la década siguiente, el LP había surgido como una unidad artística fundamental y un artículo muy popular entre los jóvenes, a menudo comercializado bajo la idea de un álbum conceptual , que fue empleado especialmente por músicos progresistas tanto de rock como de soul .
A finales de la década de 1970, los álbumes LP experimentaron una caída en las ventas mientras que el formato de singles volvió a ser enfatizado por los desarrollos del punk rock , la música disco y la programación de vídeos musicales de MTV . La industria discográfica combatió esta tendencia desplazando gradualmente los LP por CD, lanzando menos sencillos que fueran éxitos para forzar las ventas de los álbumes que los acompañaban e inflando los precios de los álbumes en CD durante las siguientes dos décadas, cuando su producción proliferó. El éxito de las principales estrellas del pop llevó al desarrollo de un modelo de lanzamiento extendido entre los sellos discográficos, comercializando un álbum en torno a un sencillo principal pegadizo, un video musical que llame la atención, productos novedosos, cobertura mediática y una gira de conciertos de apoyo . Las mujeres y los músicos negros continuaron ganando reconocimiento crítico entre el canon predominantemente masculino blanco y orientado al rock de la era del álbum, con el floreciente género hip hop desarrollando estándares basados en álbumes por derecho propio. En la década de 1990, la industria de la música experimentó un auge del rock alternativo y la música country , lo que llevó a un pico de ingresos de 15 mil millones de dólares en 1999 basado en las ventas de CD. Sin embargo, el desarrollo de redes para compartir archivos como Napster comenzó a socavar la viabilidad del formato, ya que los consumidores podían extraer y compartir pistas de CD digitalmente a través de Internet.
A principios del siglo XXI, los servicios de descarga y transmisión de música surgieron como medios de distribución populares, a medida que las ventas de álbumes sufrieron una fuerte caída y las bandas discográficas generalmente se centraban en sencillos, poniendo fin efectivamente a la era de los álbumes. El paradigma crítico también se alejó del rock y se acercó a obras más innovadoras producidas en el pop y la música urbana , que dominaron las ventas de discos en la década de 2000. Los artistas pop de alto perfil continuaron comercializando seriamente sus álbumes, y los lanzamientos sorpresa surgieron como una estrategia popular. Si bien las ventas físicas de música disminuyeron aún más en todo el mundo, el CD siguió siendo popular en algunos países como Japón, debido en parte al marketing y al fandom que rodea a los artistas ídolos japoneses más vendidos , cuyo éxito representó un alejamiento cada vez mayor del dominio global de las principales bandas inglesas. actos lingüísticos. A finales de la década de 2010, los álbumes conceptuales habían resurgido con narrativas personales culturalmente relevantes y críticamente exitosas. Mientras tanto, los artistas de pop y rap obtuvieron la mayor cantidad de reproducciones de álbumes con un marketing mínimo que capitalizó la cultura de consumo bajo demanda de la era digital, que evolucionó aún más rápidamente durante la pandemia de COVID-19 y su impacto en la industria musical .
Los avances tecnológicos de principios del siglo XX provocaron cambios radicales en la forma en que se hacía y vendía la música grabada. Antes del LP, el medio estándar para la música grabada era el disco de gramófono de 78 rpm , hecho de goma laca y con una duración de entre tres y cinco minutos por cara. [3] Las limitaciones de capacidad limitaron los procesos de composición de los artistas discográficos, mientras que la fragilidad de la goma laca impulsó el embalaje de estos discos en folletos vacíos que parecían álbumes de fotos , [3] con papel de regalo típicamente de color marrón como cubierta. [4] La introducción del cloruro de polivinilo en la producción discográfica dio lugar a discos de vinilo, que se reproducían con menos ruido y más durabilidad. [3]
En la década de 1940, el mercado de grabaciones comerciales y de uso doméstico estaba dominado por la competencia RCA Victor y Columbia Records , cuyo ingeniero jefe Peter Carl Goldmark fue pionero en el desarrollo del disco de vinilo de larga duración (LP) de 12 pulgadas . [3] Este formato podía contener grabaciones de hasta 52 minutos, o 26 minutos por lado, [5] a una velocidad de 33⅓ rpm, y se podía reproducir con un lápiz óptico "microgroove" de punta pequeña diseñado para sistemas de reproducción domésticos . [3] Introducidos en 1948 por Columbia, los LP se conocieron como "álbumes de discos", denominados en referencia al empaque 78 similar a un álbum de fotos. [3] Otra innovación de Columbia fue la adición de diseño gráfico y tipográfico a las portadas de los álbumes, presentada por Alex Steinweiss, director de arte del sello. Alentada por su efecto positivo en las ventas de LP, la industria musical adoptó las portadas de álbumes ilustradas como estándar en la década de 1950. [4]
.jpg/1280px-Frank_Sinatra_(circa_1955_in_Capitol_Studios).jpg)
Originalmente, el álbum se comercializó principalmente para oyentes de música clásica , [6] y el primer LP lanzado fue Mendelssohn: Concierto en mi menor para violín y orquesta op. 64 (1948) de Nathan Milstein y la Orquesta Filarmónica-Sinfónica de Nueva York bajo la dirección de Bruno Walter . [7] Las bandas sonoras de películas , las grabaciones del elenco de espectáculos de Broadway , los músicos de jazz y algunos cantantes pop como Frank Sinatra pronto utilizaron el nuevo formato más largo. Especialmente los artistas de jazz, como Duke Ellington , Miles Davis y Dave Brubeck , prefirieron el LP porque les permitía grabar sus composiciones con arreglos e improvisaciones de duración de concierto . [7] La grabación original del elenco de Broadway del musical Kiss Me, Kate (1949) vendió 100.000 copias en su primer mes de lanzamiento y, junto con South Pacific (que encabezó las listas de álbumes durante 63 semanas), atrajo más atención a los LP. mientras que la grabación del elenco de Broadway de My Fair Lady se convirtió en el primer LP en vender un millón de copias. [8] [9] Sin embargo, en las décadas de 1950 y 1960, las ventas de sencillos de siete pulgadas y 45 rpm todavía se consideraban el mercado principal para la industria musical, y los álbumes seguían siendo un mercado secundario. Las carreras de destacados artistas del rock and roll como Elvis Presley fueron impulsadas principalmente por las ventas de sencillos. [6]
Los compositores Ann Powers y Joel Whitburn atribuyen la llegada de los Beatles a los Estados Unidos en 1964 como un presagio de la "era de los álbumes clásicos" [10] o la "era de los álbumes de rock". [11] En su Diccionario conciso de cultura popular , Marcel Danesi comenta que "el álbum se convirtió en un aspecto clave del movimiento contracultural de los años 1960, con sus temas musicales, estéticos y políticos. De ahí surgió el ' álbum conceptual ', y la era se llamó la 'era del álbum ' ". [12] Según el académico de medios Roy Shuker, con el desarrollo del álbum conceptual en la década de 1960, "el álbum pasó de ser una colección de canciones heterogéneas a una obra narrativa con un solo tema, en el que las canciones individuales se suceden entre sí". "unificado por un tema, que puede ser instrumental, compositivo, narrativo o lírico". [13]
Por el contrario, el historiador de la cultura popular Jim Cullen dice que "a veces se supone [erróneamente] que el álbum conceptual es un producto de la era del rock", [14] y el escritor de The AV Club , Noel Murray, argumenta que los LP de Sinatra de la década de 1950, como In the Wee Small Hours (1955), habían sido pioneros en esta forma con sus "canciones temáticamente vinculadas". [15] De manera similar, Will Friedwald observa que Ray Charles también había lanzado álbumes temáticamente unificados a principios de la década de 1960 que lo convirtieron en un importante artista de LP en R&B , alcanzando su punto máximo en 1962 con el éxito de ventas Modern Sounds in Country and Western Music . [16] Algunos sitúan el nacimiento del formato incluso antes, y el periodista David Browne se refiere al álbum Dust Bowl Ballads de Woody Guthrie de 1940 como "probablemente uno de los primeros álbumes conceptuales en la historia de la música". [17]
Sin embargo, las listas de canciones de estos antecedentes normalmente consistían en material que no fue escrito por el artista (con la excepción de Guthrie). [18] Con su lanzamiento de 1963 con temática de hot rod , Little Deuce Coupe , los Beach Boys se convirtieron en el primer acto en lanzar un álbum conceptual que consistía casi en su totalidad en composiciones originales. [18] En su libro de 2006 American Popular Music: From Minstrelsy to MP3 , el académico Larry Starr acredita a los álbumes conceptuales de 1964 de los Beach Boys, Shut Down Volume 2 y All Summer Long , por marcar "los inicios de... la creciente importancia de las pistas del álbum". , y eventualmente de los propios álbumes". [19] El periodista musical Gary Graff señala Highway 61 Revisited de Bob Dylan (lanzado en agosto de 1965) como otro posible punto de partida de la era del álbum, ya que constituía "un cuerpo de trabajo cohesivo y conceptual en lugar de sólo algunos sencillos exitosos" . .. con pistas de relleno." [20]
Danesi cita el lanzamiento de los Beatles en diciembre de 1965, Rubber Soul , como uno de los primeros álbumes conceptuales de la época. [12] Según el historiador de la música Bill Martin , Rubber Soul fue el "punto de inflexión" para la música popular, ya que por primera vez "el álbum, en lugar de la canción, se convirtió en la unidad básica de producción artística". [21] El autor David Howard está de acuerdo y dice que " Rubber Soul había elevado las apuestas del pop a la estratosfera" y que "de repente, se trataba más de hacer un gran álbum sin relleno que un gran sencillo". [22] En enero de 1966, la revista Billboard se refirió a las ventas iniciales de Rubber Soul en los EE. UU. (1,2 millones de copias en nueve días) como prueba de que los compradores de discos adolescentes gravitaban hacia el formato LP. [23] Si bien estaba en consonancia con la norma de la industria en el Reino Unido, la falta de un sencillo exitoso en Rubber Soul contribuyó a la identidad del álbum en los EE. UU. como una declaración artística autónoma. [24] [25]
Siguiendo el ejemplo de los Beatles, en 1966 se lanzaron varios álbumes de rock pensados como declaraciones artísticas, entre ellos Aftermath de los Rolling Stones , Pet Sounds de los Beach Boys , Blonde on Blonde de Dylan, Revolver del propio Beatles y Who 's A Quick . Uno . [26] [nb 1] El periodista musical Mat Snow cita estos cinco lanzamientos, junto con el LP de Otis Redding de 1965, Otis Blue , como prueba de que "la era de los álbumes ya estaba aquí, y aunque los sencillos de éxito todavía importaban, ya no eran los más populares del pop". importantes generadores de dinero y declaraciones artísticas." [27] Según Jon Pareles , la industria musical se benefició inmensamente y redefinió su identidad económica gracias a los músicos de rock de la época, quienes "comenzaron a verse a sí mismos como algo más que proveedores de sencillos de éxito efímero". [28] En el caso de la industria musical británica, el éxito comercial de Rubber Soul y Aftermath frustró los intentos de restablecer el mercado de LP como dominio de los compradores de discos adultos más ricos. Desde principios de 1966, las compañías discográficas cesaron su política de promover artistas orientados a adultos por encima de los actos de rock y adoptaron álbumes económicos para sus artistas de menor venta para satisfacer la creciente demanda de LP. [26]
El álbum de 1967 de los Beatles, Sgt. El editor asistente de Rolling Stone, Andy Greene , identifica a Pepper's Lonely Hearts Club Band como "el comienzo de la era del álbum", [29] una referencia de la que se hizo eco Scott Plagenhoef de Pitchfork ; [30] Greene añade que "fue el big bang de los álbumes". [29] Chuck Eddy se refiere a la "era de los grandes álbumes" como si comenzara con el sargento. Pimienta . [31] Su lanzamiento en mayo de 1967 coincidió con el surgimiento de críticas dedicadas al rock en los EE. UU. e intelectuales que buscaban posicionar los álbumes pop como obras culturales válidas. [32] El historiador de la música Simon Philo escribe que, aparte del nivel de elogios de la crítica que recibió, "el éxito [comercial] del disco marcó el comienzo de la era del rock orientado a los álbumes , remodelando radicalmente cómo funcionaba económicamente la música pop". [33] Reforzando su ambición creativa, el sargento. Pepper estaba empaquetado en una funda plegable con una hoja con la letra, lo que tipifica una tendencia por la cual los músicos ahora encargaban a asociados del mundo del arte que diseñaran las carátulas de sus LP y presentaban sus álbumes a la compañía discográfica para su lanzamiento. [25] Greg Kot dijo que el sargento. Pepper introdujo un modelo tanto para producir rock orientado a álbumes como para consumirlo, "con los oyentes ya no pasando la noche en una variedad de sencillos de tres minutos, sino perdiéndose en una sucesión de álbumes de 20 minutos, emprendiendo un viaje dirigido por el artista." [34] Debido a su estética musical cohesiva, a menudo se lo considera un álbum conceptual. [13]
Por esta época comienza la era del álbum clásico y canoniza la música de una manera muy diferente a cuando escuchas un sencillo. Y esa es una razón poderosa por la que la música sigue siendo tan resonante, porque el álbum es como una novela musicalizada. Es la forma que compartimos con nuestros hijos y la forma que enseñamos y la forma que recopilamos.
— Ann Powers (2017) [35]
Encabezado por el sargento. Pepper , 1967 vio una mayor producción de álbumes de rock artísticamente innovadores y de renombre de escenas musicales florecientes tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Estos a menudo iban acompañados de sencillos populares e incluían Between the Buttons de los Stones (con el sencillo de dos caras " Ruby Tuesday "/" Let's Spend the Night Together "), Disraeli Gears de Cream (con la canción más conocida de la banda). " Sunshine of Your Love "), y el Who's The Who Sell Out , que incluyó éxitos como " I Can See for Miles " en el marco de un álbum conceptual que satiriza el comercialismo y la radio. [35] Mientras tanto, " Purple Haze " (1967) de Jimi Hendrix fue lanzado como el "sencillo debut de la Era del Álbum Rock", según Dave Marsh . [36] Danesi cita el Álbum Blanco de 1968 de los Beatles junto con el sargento. Pepper como parte del surgimiento de la era. [12] Shuker cita We're Only in It for the Money (1967) de Mothers of Invention y Arthur, o Decline of the British Empire (1969) de The Kinks como álbumes conceptuales posteriores, al tiempo que señala un subconjunto de la forma en óperas rock como Pretty Things ' SF Sorrow (1968) y The Who's Tommy (1969). [13]
Según Neil Strauss , la "era del álbum-rock" comenzó a finales de la década de 1960 y finalmente abarcó discos LP de artistas tanto del rock como del no rock. [37] Según Ron Wynn , el cantautor y multiinstrumentista Isaac Hayes ayudó a llevar la música soul a "la era de los álbumes conceptuales" con su álbum de 1969 Hot Buttered Soul , que tuvo éxito comercial e introdujo estructuras y arreglos más experimentales en el género. . [38] También entre los cantantes de soul, Robert Christgau cita a Redding como uno de los "pocos artistas confiables de larga duración" del género (siendo Otis Blue su "primer gran álbum"), [39] así como a Aretha Franklin y su serie de cuatro LP "clásicos" para Atlantic Records , desde I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) hasta Aretha Now (1968), que, según él, establecieron un "estándar estético" de "pisos rítmicos y canciones pegadizas". Christgau compara esta serie con carreras igualmente "prolíficas" de los Beatles, los Stones y Dylan en la misma década, así como con carreras posteriores de Al Green y Parliament-Funkadelic . [40] La carrera de cuatro álbumes de los Rolling Stones que comenzó a finales de la década de 1960 con Beggars Banquet (1968) y Let It Bleed (1969) – y concluyó con Sticky Fingers (1971) y Exile on Main St. (1972) – también es muy apreciado, y el historiador cultural Jack Hamilton lo calificó como "uno de los grandes picos creativos sostenidos de toda la música popular". [41]
El período comprendido entre mediados de los sesenta y finales de los setenta fue la era del LP y la "era dorada" del álbum. Según When Albums Ruled the World (2013) de BBC Four , "Estos fueron los años en los que la industria musical explotó hasta convertirse en más grande que Hollywood ". [42] "La era del álbum había marcado el comienzo de la noción del cantante de rock como un artista al que vale la pena prestarle atención durante más que la duración de un éxito", observó más tarde Pareles. "Los artistas podían convertirse en presencias vívidas para sus fanáticos incluso cuando no estaban omnipresentes en el Top 40 , y se formaron lealtades que continuaron hasta los [años 90] para algunos artistas de los años 1960 y 1970, desde los Kinks hasta Michael Jackson. a picar ." [43] Entre los que surgieron en la década de 1970 se encontraba Bruce Springsteen , a quien Powers llama "la estrella de rock por excelencia de la era de los álbumes" por cómo "usó la forma de larga duración en sí misma de manera más poderosa a lo largo de su carrera, no sólo para establecer un mundo a través de la canción, sino habitar una persona duradera". [44]
Los músicos de rock progresivo y soul utilizaron enfoques altamente conceptuales orientados a los álbumes en la década de 1970. [45] Pink Floyd lanzó LP temáticamente conceptuales y de producción intrincada que reinventaron los estándares del rock durante la siguiente década, particularmente con su álbum de 1973 The Dark Side of the Moon . [46] El músico y productor Brian Eno surgió a través de un trabajo prolífico que utilizó a fondo el formato con enfoques progresivamente experimentales del rock, alcanzando su punto máximo a lo largo de la era del álbum con sus grabaciones en solitario, así como álbumes producidos para Roxy Music , David Bowie , Talking Heads y U2 . [47] Bajo el liderazgo de Berry Gordy en el sello de soul Motown , los cantautores Marvin Gaye y Stevie Wonder recibieron control creativo para abordar sus álbumes más seriamente en lo que generalmente había sido un género centrado en un solo tema, lo que llevó a una serie de LP innovadores de los dos a medida que avanzaba la década. [48] Por su trabajo innovador, Gaye y Wonder fueron las pocas excepciones en lo que Marc Hogan de Pitchfork observa que se convertiría en un "canon lleno de rock" predominantemente masculino blanco durante la era del álbum, uno que excluía en gran medida las obras de mujeres y africanos. Músicos americanos. [49]
Según Eric Olsen , Pink Floyd era "la banda multiplatino más excéntrica y experimental de la era del álbum rock", mientras que el artista de reggae Bob Marley era "la única figura destacada de la era del rock que no era de Estados Unidos ni del Reino Unido" [50 ] El LP de Joni Mitchell de 1970 , Ladies of the Canyon , se considera comúnmente como uno de los discos más importantes de la era de los álbumes. [51] Las producciones de Bob Ezrin , que trabajó en álbumes de la década de 1970 de Alice Cooper y Kiss ' Destroyer (1976), también se destacan de esta época. Como escribe el periodista musical James Campion: "La era de los álbumes de los años 70 se adaptaba perfectamente a su enfoque cinematográfico. Su formato, con sus dos caras, como si fueran dos actos de una obra de teatro con un intermedio, permite un arco crucial en la narración". [52] Junto con el disco LP, la cinta de 8 pistas era otro formato popular en los EE. UU. en este período. [42]
Al profundizar en la estética del LP de la década de 1970, Campion identifica factores culturales y ambientales que, en su opinión, hicieron que el formato fuera ideal para los jóvenes durante la década. Describe el "ambiente solitario" que ofrecía a los oyentes el tocadiscos y los auriculares, que "los envolvían en una intrincada panorámica estéreo, sonidos atmosféricos y engaños vocales de múltiples capas". [52] Warren Zanes considera la astuta secuenciación de pistas de LP como "el arte menos reconocido de la era del álbum". [53] La popularidad de las drogas recreativas y las lámparas de ambiente en ese momento proporcionaron escenarios adicionales para experiencias auditivas más enfocadas, como señala Campion: "Esto mantuvo al oyente absorto en cada canción: cómo una fluía en la otra, su contenido lírico conectado y la fusión de la instrumentación." [52]
.jpg/1280px-Listening_to_is_Yes'_self-titled_debut_album_from_1969_(cropped).jpg)
En comparación con las generaciones futuras, Campion explica que las personas que crecieron en la década de 1970 encontraban más valor escuchar álbumes, en parte debido a su acceso limitado a cualquier otro aparato de entretenimiento en el hogar: "Muchos de ellos no podían controlar la televisión familiar o incluso el radio de la cocina, lo que llevó a priorizar el dormitorio o el estudio de arriba". Campion describe este escenario como una "cápsula de imaginación" para los oyentes de la época, quienes "se encerraron dentro del paisaje onírico de los auriculares, estudiando cada rincón de la obra de arte de 12 pulgadas y profundizando en el subtexto lírico, ya sea en la forma prevista por el artista o no". . Otras influencias culturales de la época también influyeron en las experiencias auditivas, según Campion, quien cita las fantasías e imágenes de terror y ciencia ficción de los cómics , así como la publicidad , la propaganda y "la promesa estadounidense de grandeza ". En su análisis, Campion concluye: "Como si estuvieran sentados en su propio teatro mental ... eran participantes voluntariosos en el devaneo lúdico de sus héroes del rock and roll". [52] Sumándose a esta observación, Pareles dice: "Las canciones sucesivas se convierten en una especie de narrativa, unida por la imagen y las fantasías sobre el intérprete". A medida que "el afecto y la fascinación de los oyentes ... se transfieren de una canción exitosa, o de una serie de éxitos, al cantante", los artistas discográficos particularmente exitosos desarrollaron un "poder de permanencia" entre el público, según Pareles. [43]
Los juicios eran más simples en los primeros días del pop , en parte porque el rock and roll estaba diseñado para ser consumido en segmentos de tres minutos de tipo "tómalo o déjalo". El auge del LP como forma –como entidad artística, como solían decir– ha complicado la forma en que percibimos y recordamos la que alguna vez fue la más evanescente de las artes. El álbum puede resultar un tótem de los 70: configuraciones más breves estaban regresando a finales de la década. Pero durante los años 70 seguirá siendo la unidad musical básica.
— Guía de discos de Christgau: álbumes de rock de los años setenta (1981) [54]
Según Hogan, con el sargento. Habiendo proporcionado Pepper el impulso, la idea de un "álbum conceptual" se convirtió en una herramienta de marketing en la década de 1970, ya que "no faltaron bandas que utilizaron la pretensión de 'arte' para vender decenas de millones de discos". Citando álbumes de gran éxito como The Dark Side of the Moon por liderar la tendencia, Hogan dice que "las ventas de discos aumentaron en espiral" hasta mediados de los años 1970. [49] En 1974, "las ventas en dólares de discos y cintas en los Estados Unidos alcanzaron un máximo histórico de 2.200 millones de dólares", según la World Book Encyclopedia , y las grabaciones de pop y rock representaron dos tercios de todas las ventas de música grabada. . Sin embargo, el libro atribuye esto en parte a un aumento en los precios de los discos durante el año, mientras que estima que el número real de ventas netas de LP había disminuido de 280 millones a 276 millones de copias y observa un aumento en las ventas de cintas de 108 millones a 114 millones. A medida que las compañías discográficas concentraron sus esfuerzos en el pop y el rock, los lanzamientos de otros géneros como la música clásica, el jazz y la música fácil quedaron marginados del mercado. Muchos artistas de jazz durante este período grabaron LP cruzados con canciones pop para aumentar sus ventas de discos. [55]
En 1977, las ventas de álbumes habían comenzado a "disminuir", según Hogan. [49] Pareles atribuye este declive a los desarrollos del punk rock y la música disco a finales de la década de 1970: "El punk volvió a centrarse en la canción corta y ruidosa. La música disco se concentró en el momento físico en el que una canción hace que un cuerpo se mueva". [43] Christgau señala de manera similar que "la estética de los sencillos comenzó a reafirmarse con el disco y el punk", sugiriendo que esto puso fin a la "Era del Alto Álbum". [56] En un análisis diferente, el historiador Matthew Restall observa en este período actos populares que luchan por mantener el alto nivel de éxito alcanzado por sus álbumes anteriores. Citando las decepcionantes recepciones de Blue Moves (1976) de Elton John y Tusk (1979) de Fleetwood Mac , Restall dice: "[Estos] son ejemplos dramáticos de cómo los artistas discográficos de la era de los grandes álbumes ... sufrieron la recepción fin de un horizonte de expectativas." [57]
La caída de las ventas de discos LP a finales de la década de 1970 marcó el final de la "edad de oro" impulsada por los LP, [42] cuando la industria musical enfrentó la competencia de un resurgimiento comercial de la industria cinematográfica y la popularidad de los videojuegos arcade . [49] El éxito de la programación de vídeos musicales de MTV también volvió a enfatizar el formato sencillo en los años 1980 y principios de los 1990. Según Pareles, pronto se hizo evidente que, "después de la era de los álbumes de rock de la década de 1970, MTV ayudó a que el exitoso sencillo recuperara la prominencia como herramienta de marketing pop" e influyó en los hábitos de consumo de los compradores de discos hacia más "éxitos desechables". [43]
Las estrellas del pop de la década de 1980, como Michael Jackson y Madonna , pudieron generar interés en sus álbumes lanzando un sencillo o un vídeo musical en MTV. Esto llevó al desarrollo del lanzamiento del álbum moderno, destinado a impulsar el impulso de marketing de un álbum durante un período prolongado, que va desde muchas semanas y meses hasta más de un año. "Con el tiempo, se convirtió en una lista tácita (y, finalmente, incluida en el presupuesto) para lanzar un álbum pop de un sello importante", escribe el periodista de Vulture Justin Curto, quien cita elementos de este modelo como un sencillo principal alegre, una atención -Video musical interesante, cobertura de prensa, productos novedosos y el anuncio de una gira de conciertos de apoyo . [58] Dependiendo de medios como MTV que reproducían exclusivamente canciones exitosas, las compañías discográficas ejercieron más presión sobre los actos de grabación para lograr un éxito comercial instantáneo y comerciabilidad. "Las décadas de 1980 y 1990 llevaron las ventas de discos a nuevos picos, mientras que los propios artistas tendían a destellar y agotarse", como narra Pareles. [43]
A principios de la década de 1980, los críticos inicialmente lucharon por conciliar el auge de los singles punk con sus concepciones del canon jerárquico del LP. Sin embargo, London Calling (1979) de The Clash y otros LP de punk pronto obtuvieron reconocimiento en los rankings de los mejores álbumes. A medida que transcurría la década, Prince , Kate Bush y Public Enemy emergieron como excepciones adicionales en el canon predominantemente masculino blanco y orientado al rock de la era de los álbumes. [49] Los artistas de hip hop también alcanzaron la correspondiente estatura crítica a través de una serie de álbumes exitosos más adelante en la década. A partir del lanzamiento en mayo de 1986 de Raising Hell de Run-DMC , que vendió más de tres millones de copias, se incluyeron Licensed to Ill (1986) de Beastie Boys , Criminal Minded (1987) de Boogie Down Productions , Yo! Bum Rush the Show (1987) y Eric B. & Rakim 's Paid in Full (1987). Según el escritor de The Boombox , Todd "Stereo" Williams, esto inició la "edad de oro" del hip hop, así como la propia "era de los álbumes" del género desde finales de los 80 hasta finales de los 90, durante la cual "los álbumes de hip-hop serían la vara de medir". por el cual se juzgaría a la mayoría de los grandes del género". [59] En respuesta a las tendencias de rápido desarrollo en estas últimas décadas de la era del álbum, los géneros y formatos a menudo fueron renombrados o reagrupados, como la categorización de la música " pop/rock " anterior en el formato de " rock clásico ". [57]
Durante la década de 1980, el formato álbum consolidó su dominio en el mercado de la música grabada, primero con la aparición del casete. [42] Según el columnista de PC Mag , John C. Dvorak , "la era de los álbumes había resultado en demasiados álbumes con sólo una buena canción en cada uno de ellos, por lo que los casetes permitían a los usuarios hacer sus propias mezclas ", una tendencia acelerada por la introducción de el Sony Walkman en 1979. [60] La introducción del CD, junto con el reproductor Discman portátil en 1984, [60] inició el desplazamiento de los LP en la década de 1980 como formato de álbum estándar para la industria musical. [37] Según Hogan, "la difusión de casetes y CD en los años 80 dividió el álbum con grabaciones caseras y saltos de canciones más fáciles". [49] En 1987, la industria de la música experimentó su año más rentable hasta el momento debido a la creciente popularidad del CD, destacada por éxitos de marketing como Jackson, U2, Bruce Springsteen, Prince, Paul Simon , Whitney Houston , Sting , Bon Jovi y Def. Leppard , los dos últimos representaron un auge del pop metal en la industria. [61] Si bien las ventas netas de unidades en realidad habían disminuido, [61] Christgau informó en septiembre de 1987 que los CD estaban superando en precio a los discos LP y los casetes se vendían más que ellos, [62] aunque el casete también eventualmente sería desplazado por el CD. [60] En 1988, respondiendo a los acontecimientos de la década, el sociomusicólogo Simon Frith predijo un fin inminente de "la era discográfica" y tal vez de "la música pop tal como la conocemos". [49]
En la transición al CD, los álbumes del pasado de gran prestigio fueron reeditados en el formato por sus sellos discográficos originales o por el sello al que se había transferido la propiedad del álbum en caso de que el original cerrara, por ejemplo. [37] En 1987, la reedición del catálogo completo de estudio de los Beatles fue especialmente popular entre los consumidores de la generación del baby boom , que también eran el público objetivo de dos películas de rock clásico: el tributo a Chuck Berry Hail! ¡Granizo! Rock 'n' Roll y la película biográfica de Ritchie Valens La Bamba (con la banda sonora que la acompaña ), y compilaciones de Elvis Presley que conmemoran el décimo aniversario de su muerte. [61] Sin embargo, muchas obras más antiguas fueron ignoradas para su reedición digital "debido a problemas legales y contractuales, así como a una simple supervisión", explica Strauss. [37] En cambio, estos discos a menudo fueron redescubiertos y recopilados a través de las prácticas de excavación de cajas de los productores de hip hop norteamericanos que buscaban sonidos raros para muestrear en sus propias grabaciones. En su relato sobre los buscadores de cajas de hip hop de los años 80, la teórica de los medios y la cultura Elodie A. Roy escribe: "Mientras seguían las tiendas de segunda mano y las ventas de maleteros de automóviles -depósitos de excedentes capitalistas no deseados- los buscadores estaban obligados a encontrar ámbitos de la corriente principal, Los discos LP producidos en masa ahora han pasado de moda y han pasado de moda”. Este desarrollo también contribuyó al fenómeno del "coleccionista popular", que el estudioso de la cultura material Paul Martin describe como aquellos generalmente interesados en artículos "obtenibles, asequibles y atractivos", como lanzamientos de música, y atributos de producción en masa . [63]
Según Pareles, después de que "la canción individual regresara como unidad pop" durante la década de 1980, las compañías discográficas a finales de la década comenzaron a abstenerse de lanzar sencillos exitosos como una forma de presionar a los consumidores para que compraran el álbum en el que aparecía el sencillo. [43] A finales de la década de 1980, las ventas de sencillos de vinilo de siete pulgadas estaban cayendo y casi por completo desplazadas por los sencillos en casete , ninguno de los cuales finalmente se vendió tan bien como los álbumes. [42] La producción de álbumes proliferó en la década de 1990, y Christgau lanzó aproximadamente 35.000 álbumes en todo el mundo cada año durante la década. [64] En 1991, el álbum Nevermind de Nirvana fue lanzado con gran éxito de crítica y vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, lo que provocó un auge del rock alternativo en la industria de la música. [49] Un auge simultáneo de la música country liderado por Garth Brooks y Shania Twain [65] culminó con más de 75 millones de álbumes country vendidos en 1994 y 1995, [66] en cuyo momento el mercado del rap también estaba aumentando rápidamente, particularmente a través de el éxito de actos controvertidos de gangsta rap como Dr. Dre y Snoop Dogg . [67] Mientras tanto, la entrega de música de una sola canción al consumidor era casi inexistente, al menos en los EE. UU., [68] y en 1998, Billboard puso fin al requisito de un sencillo físico para su inclusión en su lista de sencillos Hot 100 después de varios de Los principales éxitos del año no se lanzaron como sencillos para los consumidores. [69] En 1999, la industria musical en su conjunto alcanzó un pico comercial con 15 mil millones de dólares en ingresos por ventas de discos, principalmente de CD. [70]
Eddy cita Nevermind de Nirvana como aproximadamente el final de la "era de los grandes álbumes", [31] aunque Strauss escribió en 1995 que la "era del álbum-rock" todavía estaba vigente. [37] Como otro "punto final", Hogan dice que los críticos a menudo han nombrado el álbum de 1997 de influencia electrónica de Radiohead , OK Computer , que avanzó los límites de la música rock al tiempo que logró un doble nivel de éxito comercial y crítico inigualable por cualquier "guitarrista". de larga duración" en las décadas siguientes. [49] Kot, mientras tanto, observó una disminución en la integridad entre la industria y los artistas. Sugirió que los consumidores habían sido explotados durante la década de 1990 mediante el aumento de los precios de los álbumes en CD, cuya producción era menos costosa que los discos de vinilo y tenían una duración de ejecución más larga y una música de calidad considerablemente menor. Si bien reconoció que algunos grupos discográficos todavía intentaban respetar los ideales de principios de la era del álbum, dijo que la mayoría había renunciado a sus responsabilidades como artistas y narradores y había adoptado prácticas de grabación indulgentes para sacar provecho del auge de los CD. [34]
A principios de la década de 2000, Kot publicó un obituario falso para el LP de 33⅓ rpm en el Chicago Tribune . En él, argumentaba que el LP había "quedado obsoleto debido a las descargas de MP3, bandas sonoras de películas y reproductores de CD, sin mencionar los videojuegos, la televisión por cable, Internet y la explosión mundial de medios que se aprovechan de la capacidad de atención de lo que solía ser ser conocidos como compradores de álbumes." [34] En 1999, el servicio de intercambio de archivos entre pares de Internet Napster permitió a los usuarios de Internet descargar fácilmente canciones individuales en formato MP3 , que habían sido extraídas de los archivos digitales ubicados en CD. [71] En medio del ascenso de Napster en 2000, David Bowie predijo en una entrevista que la era del álbum terminaría con la inevitable adopción de los archivos de música digital por parte de la industria musical. [72] [nb 2] A principios de 2001, el uso de Napster alcanzó su punto máximo con 26,4 millones de usuarios en todo el mundo. [73] Aunque Napster fue cerrado más tarde ese año por violaciones de derechos de autor, varios otros servicios de descarga de música tomaron su lugar. [74]
En 2001, se introdujo el servicio iTunes de Apple Inc. y ese mismo año se lanzó el iPod (un reproductor MP3 fácil de usar), al que pronto se sumaron alternativas legales similares. Esto, junto con un aumento continuo del intercambio ilícito de archivos, provocó una fuerte caída en las ventas de música grabada en formatos físicos [68] durante los siguientes tres años. [75] Las ventas se recuperaron brevemente a finales de 2004, cuando la industria registró aproximadamente 667 millones de álbumes vendidos, encabezados por 8 millones de Confesiones de Usher , [75] cuyo éxito ejemplificó el dominio comercial del pop por parte de la música urbana en la década. [76] Eminem y 50 Cent estuvieron entre los grandes éxitos del boom del rap que había continuado desde la década anterior. [67] Confessions y The Eminem Show (2002) de Eminem recibirían la certificación Diamante de la Recording Industry Association of America , alcanzando 10 millones de copias vendidas cada una a finales de la década. [76]
Según Hogan, los discos más innovadores también se producían en los géneros urbanos de R&B , hip hop y pop, incluidos álbumes de Kanye West y D'Angelo , así como las producciones de Timbaland and the Neptunes . Para los críticos, estos trabajos se convirtieron en otra forma de discos de arte pop de larga duración que habían definido la era de los álbumes con una tradición basada en la guitarra rock, que se complicó aún más por el reconocimiento canónico otorgado al álbum electrónico de post-rock de Radiohead, Kid A (2000). ). Al no poder igualar las ventas históricas de OK Computer , los álbumes de rock más aclamados de principios de la década de 2000 a menudo retomaban sonidos más antiguos, como en Is This It (2001) de Strokes , White Blood Cells (2001) de White Stripes e Interpol . s Turn on the Bright Lights (2002), o simplemente carecía del amplio presupuesto de producción y marketing de Radiohead, como en el caso de Arcade Fire 's Funeral (2004). Estos desarrollos llevaron a que el prestigio comercial y cultural del rock disminuyera y que el paradigma crítico cambiara del rockismo al poptimismo en los años siguientes. [49]
Mientras tanto, la capacidad de la industria musical para vender álbumes aún enfrentaba amenazas de la piratería y de medios competidores, como DVD, videojuegos y descargas de canciones individuales. Según los datos de Nielsen SoundScan para 2004, las pistas digitales habían vendido más de 140 millones de copias a alrededor de 99 centavos cada una de proveedores en línea como iTunes, lo que indica que los consumidores preferían descargar canciones individuales antes que el álbum completo, de mayor precio. [75] En 2006, las ventas de CD fueron superadas por primera vez por las descargas de sencillos, y los consumidores de música digital compraron sencillos frente a álbumes por un margen de 19 a 1. [68] En 2009, las ventas de álbumes se habían reducido a más de la mitad desde 1999, disminuyendo de una industria de 14,6 mil millones de dólares a 6,3 mil millones de dólares. [78] También en esta época, el dance-pop había sucedido a la música urbana como género dominante en el top 40 de la radio , [76] con artistas pop como Rihanna emergiendo durante este período basando sus carreras en sencillos digitales en lugar de en las ventas de álbumes. [79] Los grupos de rock veteranos como U2 prosperaron durante la caída de las ventas de álbumes mejor que los grupos más jóvenes debido a unos seguidores leales que todavía mantenían un apego al formato. "Como eran hijos de la era del álbum, U2 nunca dejaría de considerar el álbum como la declaración central de su creatividad" a pesar de las ventas progresivamente menores, dice Mat Snow, señalando que los shows en vivo se convirtieron en consecuencia en su mayor fuente de ingresos. [70]
_002.JPG/1280px-HMV,_Kirkgate,_Wakefield_(10th_March_2013)_002.JPG)
Con el auge de los medios digitales en la década de 2000, el "coleccionista popular" de álbumes físicos había pasado al coleccionista "digital" y "electrónico". De estos coleccionistas, Roy dice que se puede argumentar que "no están equipados con suficientes conocimientos o herramientas de archivo para preservar su colección a largo plazo", citando la vulnerable vida útil de los archivos digitales. [63] Al mismo tiempo, la desaparición de las tiendas físicas de música permitió que surgieran sitios web como dominios para la recopilación de álbumes, incluida la base de datos de reseñas musicales AllMusic , el servicio de streaming Spotify y Discogs , que comenzó como una base de datos de música antes de convertirse en un mercado en línea para lanzamientos musicales físicos. [80]
La frase "muerte del álbum" se utilizó en los medios durante el declive, generalmente atribuyéndola al intercambio y descarga de Internet, [81] [82] y a las expectativas cambiantes de los oyentes de música. [83] El director de operaciones de Capitol-EMI, Jeff Kempler, dijo en 2007 que menos artistas perseguirían campañas orientadas al álbum, mientras que el investigador de medios Aram Sinnreich predijo sin rodeos la muerte del álbum y que los consumidores escucharían listas de reproducción en sus reproductores MP3. [68] En una entrevista varios años después, Lee Phillips, del bufete de abogados de entretenimiento de California Manatt, Phelps & Phillips, creía que la era de los álbumes había terminado y culpó a las compañías discográficas por no reconocer la inevitabilidad del streaming como el medio favorito de distribución de música y por No estoy trabajando con Napster en una solución. [84]
Expertos de la industria musical [85] y escritores de la década de 2010, como Jon Caramanica [86] y Kevin Whitehead , [87] han descrito este período en la historia del álbum como la "era post-álbum". A lo largo de la década, los sellos discográficos generalmente invirtieron en plataformas de streaming como Spotify y Pandora Radio , con estrategias centradas en listas de reproducción seleccionadas y pistas individuales en lugar de álbumes. [2] Spotify en particular se convirtió en una plataforma dominante y redefinidora para el consumo de música durante la década de 2010. En un informe posterior en la década para Deseret News , Court Mann dijo que "servicios como Spotify y Apple Music han trasladado nuestras bibliotecas [de música] de los discos duros personales, iPods y CD a la nube . Nuestra música es cada vez menos autónoma y privada. ". [88] En 2011, las ventas netas de álbumes en los EE. UU. aumentaron por primera vez desde 2004, y algunos escritores lo atribuyen al éxito 21 de Adele en 2011 (con 5,8 millones de unidades y más de tres millones de CD vendidos en enero de 2012) [ 89] – pero continuó cayendo nuevamente el año siguiente. [76] Con los consumidores abandonando los álbumes, más artistas se centraron en lanzar sencillos, una tendencia que los críticos sintieron que socavaba su potencial artístico y producía muchas maravillas de un solo éxito . [90] Sin embargo, los críticos, que habían escrito principalmente reseñas de álbumes durante la era de dominio del formato, también habían comenzado a reseñar canciones individuales. [31]
Mientras que el formato del álbum estaba "muerto" comercialmente, artistas de alto perfil como U2, the 1975 , Taylor Swift y Katy Perry todavía presentaban su trabajo dentro de una "era del álbum" autodefinida, dice Peter Robinson de The Guardian . Estos artistas presentaron la vida estética de su proyecto al estilo de campañas de álbumes temáticos de artistas anteriores como Bowie, Madonna y Pet Shop Boys . [91] Los álbumes se comercializaron en lanzamientos de productos extravagantes, similares a los del arte escénico , que alcanzaron "un nadir" en 2013, según la escritora de Vulture Lindsay Zoladz, quien cita los intentos fallidos de artistas como Kanye West, Arcade Fire y Lady Gaga en utilizando arte visual y entornos públicos en la estrategia: " La campaña ARTPOP cómicamente excesiva de Gaga incluyó una escultura de Jeff Koons y una conferencia de prensa en la que presentó 'VOLANTIS, el primer vestido volador del mundo'; Daft Punk grabó interminables álbumes clásicos VH1 , anuncios promocionales al estilo que conmemoraba Random Access Memories antes de que nadie lo hubiera escuchado ... y luego, ¿quién podría olvidar a [Perry] conduciendo por las calles de Los Ángeles en un camión dorado de 18 ruedas que gritaba KATY PERRY PRISM 10-22-13 y parecía, asombrosamente, como ¿Un bloque de diez toneladas de queso Cracker Barrel? [92] A pesar de esto, Swift siguió siendo el principal adherente y planificador meticuloso de las campañas de la era de los álbumes de la industria musical a lo largo de la década, creando un arte distintivo de la estrategia, en opinión de Curto. [58]
A mediados de la década de 2010, los artistas discográficos populares habían adoptado el álbum sorpresa como estrategia de lanzamiento, publicando sus álbumes con poco o ningún anuncio y promoción previos, en parte como una forma de combatir las filtraciones en Internet . Esta estrategia fue precedida por Radiohead y Bowie, pero popularizada por Beyoncé con su álbum homónimo en 2013, lo que llevó a lo que Zoladz en 2015 llamó la "era actual de los álbumes sorpresa". [92] Al año siguiente, la cantante repitió la estrategia con su álbum Lemonade y volvió a demostrar que "el Zeitgeist podía ser capturado y retenido en sólo una noche", como explica Curto. [58] Sin embargo, Zoladz continuó informando una "fatiga colectiva" entre los críticos profesionales y los oyentes ocasionales al mantenerse conectados con los lanzamientos sorpresa y el ciclo de noticias de las redes sociales que los rodean. También destacó la capacidad de Drake para mantener más su atractivo popular a lo largo del tiempo con lanzamientos de una sola pista y así dominar el "deseo de gratificación instantánea y anticipación a largo plazo" de la era digital. [92] La segunda mitad de la década de 2010 tendió hacia un marketing igualmente mínimo para los lanzamientos de álbumes de hip hop, con anuncios en forma de publicaciones en las redes sociales que revelaban solo la portada, la lista de canciones o la fecha de lanzamiento unas semanas antes como máximo. [58]
Otros críticos todavía creían en el álbum como un concepto viable en el siglo XXI. En 2003, la revista Wired había asignado a Christgau la tarea de escribir un artículo sobre si el álbum era "una forma de arte moribunda", a lo que concluyó: "Mientras los artistas estén de gira, venderán colecciones de canciones con el resto del merchandising, y esas colecciones serán concebidas tan ingeniosamente como los artistas puedan." En 2019, cuando las ventas de CD y descargas digitales se desplomaron y aún persistían las teorías sobre la "muerte" del formato de álbum físico, Christgau encontró que su premisa original era aún más válida. "Porque el ordenador da y el ordenador quita", escribió en un ensayo que acompañaba a la encuesta musical Pazz & Jop de ese año, explicando que la actual asequibilidad de un equipo de grabación adecuado hace que la producción de álbumes sea accesible a músicos de diversos niveles de competencia. Respecto a los actos profesionales, dijo: "Escribir canciones está en su ADN, y si dichas canciones son buenas, grabarlas para la posteridad pronto se vuelve irresistible". [93]
Incluso en la llamada era post-álbum de la década de 2010, cuando los oyentes no tenían que comprar un álbum para escucharlo, la industria todavía no había abandonado los álbumes, en gran parte debido a esos elementos extraños del lanzamiento: el merchandising, la gira, la atención, todavía generan dinero para los sellos discográficos y otros intermediarios.
— Justin Curto ( Buitre , 2020) [58]
En un ensayo de fin de año sobre el álbum en 2019, Ann Powers escribió para Slate que el año encontró el formato en un estado de "metamorfosis" en lugar de muerto. En su observación, muchos artistas habían revitalizado el álbum conceptual en torno a narrativas autobiográficas y temas personales, como la intimidad, la interseccionalidad , la vida afroamericana, los límites entre las mujeres y el dolor asociado con la muerte. Citó álbumes como Jaime de Brittany Howard , Jimmy Lee de Raphael Saadiq , Eve de Rapsody , On the Line de Jenny Lewis y Ghosteen de Nick Cave . [94] Al escribir contemporáneamente, la periodista de arte y cultura Michelle Zipkin creía que los álbumes siguen siendo "un componente integral, relevante y celebrado de la creación musical y el arte". Citó la tabulación del agregador de reseñas Metacritic de los álbumes más aclamados de la década de 2010, que mostró la maestría musical de una amplia gama de artistas y temas a menudo serios, como el dolor, las relaciones raciales y las políticas de identidad , y agregó que "Los álbumes de hoy ofrecer una nueva forma de abordar una industria cambiante". [2]
En 2019, Swift seguía siendo el único artista "que todavía vende CD" y aún no había adoptado los servicios de streaming porque no habían compensado a los artistas de forma justa, según Quartz . Al profundizar en este punto, el crítico de Los Angeles Times , Mikael Wood, dijo: "Sin embargo, mientras mantuvo su música fuera de Spotify, condicionando a su audiencia leal a pensar en comprar sus canciones y álbumes como un acto de devoción, surgieron artistas más jóvenes como [Ariana] Grande. establecerse como favoritos del streaming". Sin embargo, Swift utilizó todos los principales servicios de transmisión para lanzar su álbum Lover de 2019 , que según Quartz "podría ser el último CD que compremos" y fue "quizás una nota de muerte final para el CD". [95]
A mediados de la década de 2010, las ventas físicas de CD y vinilo representaban el 39% de las ventas mundiales de música. Del total de ventas de música en EE.UU. ( el mercado musical más grande del mundo en términos de ingresos), menos del 25% fueron copias físicas, mientras que Francia y el Reino Unido registraron alrededor del 30-40% en esta misma estadística. Sin embargo, esa cifra fue de aproximadamente el 60% para Alemania y el 75% para Japón, que tenía el segundo mercado más grande del mundo con más de 254 mil millones de yenes (o 2,44 mil millones de dólares) vendidos por año en grabaciones musicales, la mayoría de ellas en forma de CD. Ambos países lideran el mundo en ventas físicas de música en parte debido a la afinidad mutua de sus culturas por los "objetos físicos", según el periodista de Quartz Mun Keat Looi. [96]
La industria japonesa había favorecido especialmente el formato CD, debido en parte a su facilidad de fabricación, distribución y control de precios. En 2016, Japón tenía 6.000 tiendas físicas de música, superando a Estados Unidos (aproximadamente 1.900) y Alemania (700) con la mayor cantidad en el mundo. A pesar de que Internet de banda ancha está disponible en Japón desde 2000, los consumidores se habían resistido al cambio al consumo descargado y en streaming, que representó el 8% de los ingresos totales de música del país, en comparación con el 68% en el mercado estadounidense. Si bien los sencillos en los países occidentales habían sido anticuados durante más de una década, el mercado japonés para ellos perduró en gran medida debido a la inmensa popularidad de los artistas ídolos , las bandas de chicos y los grupos de chicas . Aprovechando el fandom que rodea a estos artistas, las compañías discográficas y las agencias de marketing explotaron el aspecto de comercialización de los CD con trucos promocionales, como lanzar varias ediciones de un solo álbum, incluyéndolas con entradas para eventos de artistas y contando las compras de CD individuales como votos de los fanáticos. hacia concursos de popularidad para artistas. El enfoque se alejó de la música y se centró en la experiencia de los fanáticos de conectarse con un ídolo favorito, según el corresponsal de The Japan Times , Ronald Taylor. [96]
El inusual comportamiento del consumidor japonés en el mercado de la música grabada fue un ejemplo del síndrome de Galápagos , un concepto de negocio enmarcado en la teoría evolutiva de Charles Darwin . Según Looi, esto explica cómo el carácter innovador pero aislacionista del país dio lugar a "un amor por una tecnología que el resto del mundo casi ha olvidado". Sobre la perdurable popularidad comercial de los CD en ese país, el analista musical mundial Mark Mulligan explicó que el poder adquisitivo y la demanda de los consumidores de Japón se habían concentrado entre su población que envejecía rápidamente y que era más probable que siguiera a ídolos veteranos como la banda juvenil Arashi y el cantautor Masaharu Fukuyama. , aunque menos concentrado entre los jóvenes familiarizados con los servicios digitales y de streaming. Sin embargo, a mediados de la década de 2010 también se produjo un aumento en las ventas de música digital y por suscripción, lo que indica una tendencia a alejarse de las compras físicas en el país. [96]
En 2019, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) informó que entre los 10 principales mercados de música grabada del mundo se encontraban Japón, China, Corea del Sur y Australia, al tiempo que observó un surgimiento de mercados fuera de Occidente en general, incluidos los de América Latina, Asia y África. El informe también observó un alejamiento del dominio global de actos populares en inglés y hacia éxitos regionales con atractivo intercultural, como BTS y J Balvin , debido en parte a una cultura de consumo más abierta y a la conectividad social entre artistas. y oyentes. Mientras que los principales artistas discográficos de Occidente continuaron dependiendo de los roles tradicionales de los grandes sellos discográficos, otros utilizaron proveedores de servicios digitales como Spotify y Apple Music para autoeditar sus grabaciones o publicarlas en asociación con un distribuidor independiente. [98]
En 2020, los lanzamientos de álbumes se vieron obstaculizados por la pandemia de COVID-19 y las medidas de distanciamiento social relacionadas . [58] Entre el 6 y el 12 de marzo, las ventas de álbumes físicos cayeron un 6% debido en parte a la pandemia. Más tarde ese mes, Amazon suspendió temporalmente los envíos entrantes de CD de música y discos de vinilo de proveedores estadounidenses en un esfuerzo por priorizar los artículos considerados más esenciales. [2] El cierre de los minoristas físicos y los sistemas de distribución debido a la pandemia afectó especialmente a los artistas veteranos, ya que sus fans tendían a ser mayores y era más probable que siguieran comprando CD y discos de vinilo. En consecuencia, muchos de esos grupos que todavía se adherían a un modelo de lanzamiento tradicional, como Willie Nelson y Alicia Keys , retrasaron el lanzamiento de sus álbumes. [99] Al informar sobre el desarrollo en marzo, el periodista de Rolling Stone, Elias Leight, explicó:
Esto se debe a que diariamente aparecen decenas de miles de pistas nuevas en los servicios de transmisión. Para superar el diluvio, es necesario filmar los videos con meses de anticipación, negociar las apariciones en televisión, cortejar a los curadores de los servicios de streaming, bloquear las oportunidades de prensa, programar las fechas de las giras, las visitas a las estaciones de radio y las apariciones en las tiendas de discos. Sin estos componentes, los artistas corren el riesgo de lanzar música a un público desinteresado, inconsciente o simplemente abrumado. Y en este momento, casi todas estas opciones para elevar el perfil están fuera de nuestro alcance. [100]
Algunas estrellas del pop importantes reinventaron sus estrategias de lanzamiento durante la pandemia. Taylor Swift lanzó por sorpresa sus álbumes Folklore y Evermore en julio y diciembre de 2020, respectivamente, abandonando una campaña de lanzamiento adecuada por primera vez en su carrera y estableciendo varios récords de ventas y streaming. Ariana Grande, más inspirada por las estrategias de lanzamiento del rap, lanzó su álbum Positions (2020) con anuncios y promociones igualmente mínimos. El éxito de ambos artistas durante la pandemia se produjo mientras estrellas del pop más establecidas habían planeado lanzamientos de álbumes tradicionales, incluidas Katy Perry, Lady Gaga y Dua Lipa . [58] Keys también lanzó por sorpresa su álbum Alicia después de un retraso indefinido debido a la pandemia. [101] Al mismo tiempo, los álbumes de rap se beneficiaron aún más de la cultura de consumo y streaming más bajo demanda del período, con raperos como Lil Uzi Vert , Bad Bunny y DaBaby encabezando las listas de álbumes. [58]
2020 resultó ser el año más exitoso para los álbumes de vinilo en la historia de MRC Data (desde 1991), con 27,5 millones vendidos en EE. UU. En junio de 2021, Billboard informó que las ventas netas de álbumes físicos habían aumentado por primera vez en años debido a la pandemia. Los artistas de pop y hip hop/R&B obtuvieron más ventas que nunca en el mercado de vinilos de Estados Unidos, mientras que los discos de rock experimentaron una caída a pesar de representar más de la mitad de las ventas totales del mercado. Entre los principales vendedores de vinilos del año se encuentran Harry Styles , Billie Eilish , Kendrick Lamar y Swift, cuyo Evermore lideró las ventas de CD y álbumes de vinilo lanzados en 2021. [102]
Al informar sobre las tendencias de lanzamientos de música durante la pandemia, los escritores observaron que ofrecían una mayor conectividad para los artistas con sus oyentes durante un período de cambio de paradigma, al tiempo que empoderaban a ambos grupos a expensas de los grandes sellos discográficos. [58] Sin embargo, Oliver Tryon de la revista musical CULTR sostiene que la industria musical sigue siendo uno de los mercados más rentables en todo el mundo y ha capitalizado las tendencias cambiantes en la era del streaming, incluida la creciente brevedad de las canciones, la disminución de las distinciones de género entre los artistas y Innovaciones en la tecnología de la música electrónica, como la aplicación de la inteligencia artificial en la música . Sobre los acontecimientos en 2021, Tryon predijo que los lanzamientos regionales de todo el mundo aumentarían en el mercado global y la " música generativa " "aumentaría como resultado de las listas de reproducción contextuales", mientras que los álbumes en general "seguirían disminuyendo a medida que avanza el post-álbum". La era se está volviendo más prominente". [103]
En 2022, Michael Cragg escribió un artículo para la revista iD en el que cuestionaba si Swift era "nuestra última verdadera estrella del pop que quedaba", destacando su capacidad para combinar métodos tradicionales de marketing de la música pop, como metanarrativas basadas en álbumes y giras de conciertos masivas, con tácticas contemporáneas, como abstenerse de publicar canciones antes del álbum. Señalando el lanzamiento de su álbum Midnights (2022) y la gira Eras Tour que abarca toda su carrera , Cragg escribió que Swift había "aprovechado [un] sentido de comunión pop" como "su propia suma sacerdotisa" y creado "una histeria no vista desde el la época dorada de la industria". [104]
