La música de Cuba , incluidos sus instrumentos, actuaciones y danzas, comprende un gran conjunto de tradiciones únicas influenciadas principalmente por la música de África occidental y Europa (especialmente española). [1] Debido a la naturaleza sincrética de la mayoría de sus géneros, la música cubana a menudo es considerada una de las músicas regionales más ricas e influyentes del mundo. Por ejemplo, el son cubano fusiona una guitarra española adaptada (tres), melodía, armonía y tradiciones líricas con percusión y ritmos afrocubanos. De las tradiciones nativas originales no queda casi nada, ya que la población nativa fue exterminada en el siglo XVI. [2]
Desde el siglo XIX, la música cubana ha sido enormemente popular e influyente en todo el mundo. Ha sido quizás la forma más popular de música regional desde la introducción de la tecnología de grabación. La música cubana ha contribuido al desarrollo de una amplia variedad de géneros y estilos musicales en todo el mundo, sobre todo en América Latina , el Caribe , África occidental y Europa . Los ejemplos incluyen rumba , jazz afrocubano , salsa , soukous , muchas readaptaciones de la música afrocubana en África occidental ( Orquesta Baobab , Africando ), géneros de fusión españoles (notablemente con el flamenco ) y una amplia variedad de géneros en América Latina.
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Un gran número de africanos esclavizados e inmigrantes europeos, en su mayoría españoles, llegaron a Cuba y trajeron sus propias formas de música a la isla. Las danzas y músicas folclóricas europeas incluían zapateo , fandango , pasodoble y retambico . Más tarde, entre los blancos urbanos aparecieron formas del norte de Europa como el minueto , la gavota , la mazurca , la contradanza y el vals . También hubo una inmigración de trabajadores chinos contratados a finales del siglo XIX.
Fernando Ortiz , el primer gran folclorista cubano, describió las innovaciones musicales de Cuba como resultado de la interacción ('transculturación') entre africanos esclavizados asentados en grandes plantaciones de azúcar y españoles de diferentes regiones como Andalucía y las Islas Canarias . Los africanos esclavizados y sus descendientes fabricaron muchos instrumentos de percusión y conservaron ritmos que habían conocido en su tierra natal. [3] Los instrumentos más importantes eran los tambores, de los cuales originalmente había unos cincuenta tipos diferentes; hoy en día sólo se ven regularmente los bongos , congas y tambores batá (los timbales descienden de los timbales de las bandas militares españolas). También son importantes las claves , dos bastones cortos de madera noble, y el cajón , una caja de madera, originalmente hecha de cajones. Las claves todavía se utilizan con frecuencia y las cajas de madera ( cajones ) se utilizaron ampliamente durante los períodos en que el tambor estuvo prohibido. Además, existen otros instrumentos de percusión que se utilizan en ceremonias religiosas de origen africano. Los inmigrantes chinos contribuyeron con la corneta china , un instrumento de lengüeta chino que todavía se toca en las comparsas o grupos de carnaval de Santiago de Cuba .
La gran aportación instrumental de los españoles fue su guitarra , pero aún más importante fue la tradición de notación musical y técnicas de composición musical europeas . Los archivos de Hernando de la Parra brindan parte de la información más antigua disponible sobre la música cubana. Presentó instrumentos como el clarinete , el violín y la vihuela . Había pocos músicos profesionales en ese momento y aún menos de sus canciones sobreviven. Una de las primeras es Ma Teodora , supuestamente relacionada con una esclava liberada, Teodora Ginés de Santiago de Cuba, famosa por sus composiciones. Se dice que la pieza es similar a las canciones y bailes populares españoles de los siglos XVI, XVII y XVIII. [4]
La música cubana tiene sus principales raíces en España y África Occidental, pero con el tiempo ha sido influenciada por diversos géneros de diferentes países. Entre ellos destacan Francia (y sus colonias en América) y Estados Unidos .
La música cubana ha sido inmensamente influyente [ cita necesaria ] en otros países. Contribuyó no sólo al desarrollo del jazz y la salsa , sino también al tango argentino , el high-life ghanés, el afrobeat de África occidental , la bachata y el merengue dominicanos , la cumbia colombiana y el nuevo flamenco español y a la música árabe-cubana ( Hanine y Son Cubano ) [5] desarrollado por Michel Elefteriades en los años 1990.
Las creencias y prácticas africanas ciertamente influyeron en la música cubana. La percusión polirrítmica es una parte inherente de la música africana, al igual que la melodía forma parte de la música europea. Además, en la tradición africana, la percusión siempre va unida al canto y la danza, y a un entorno social particular. [6] El resultado del encuentro de las culturas europea y africana es que la mayor parte de la música popular cubana es criolla. Esta criollización de la vida cubana ha estado sucediendo durante mucho tiempo y, en el siglo XX, elementos de las creencias, la música y la danza africanas estaban bien integrados en las formas populares y folclóricas.
Entre los compositores del género "serio" reconocidos internacionalmente se puede contar al compositor barroco Esteban Salas y Castro (1725-1803), quien pasó gran parte de su vida enseñando y escribiendo música para la Iglesia. [7] Le siguió en la Catedral de Santiago de Cuba el sacerdote Juan París (1759–1845). París fue un hombre excepcionalmente trabajador y un importante compositor. Fomentó continuos y diversos eventos musicales. [8] p181 Aparte de la música rural y la música folclórica afrocubana, el tipo más popular de música de baile criolla urbana en el siglo XIX fue la contradanza, que comenzó como una forma local de la danza country inglesa y la contradanza francesa y española derivada. contradanza. Si bien muchas contradanzas se escribieron para danza, a partir de mediados de siglo varias se escribieron como piezas de salón clásicas ligeras para piano. El primer compositor distinguido de este estilo fue Manuel Saumell (1818-1870), a quien a veces se le aclama como el padre del desarrollo musical criollo cubano. Según Helio Orovio, "Después del trabajo visionario de Saumell, sólo quedaba desarrollar sus innovaciones, las cuales influyeron profundamente en la historia de los movimientos musicales nacionalistas cubanos". [9]
En manos de su sucesor, Ignacio Cervantes Kavanagh, el lenguaje pianístico relacionado con la contradanza alcanzó una sofisticación aún mayor. Aaron Copland llamó a Cervantes un " Chopin cubano " debido a sus composiciones chopinescas para piano. La reputación de Cervantes hoy se basa casi únicamente en sus famosas cuarenta y una Danzas Cubanas , que según Carpentier, "ocupan el lugar que ocupan las Danzas noruegas de Grieg o las Danzas eslavas de Dvořák en la música de sus respectivos países". La ópera nunca terminada de Cervantes, Maledetto , cae en el olvido. [8]
En la década de 1840, la habanera surgió como una lánguida canción vocal que utilizaba el ritmo de contradanza. (Los no cubanos a veces llamaban a las contradanzas cubanas "habaneras"). La habanera se hizo popular en España y otros lugares. La contradanza/danza cubana también fue una influencia importante en la danza puertorriqueña, que disfrutó de su propia carrera dinámica y distintiva que se prolongó durante la década de 1930. En Cuba, en la década de 1880, la contradanza/danza dio origen al danzón, que efectivamente lo reemplazó en popularidad. [10]
Laureano Fuentes (1825–1898) provenía de una familia de músicos y escribió la primera ópera compuesta en la isla, La Hija de Jefté (la hija de Jefte). Posteriormente fue ampliado y escenificado bajo el título Seila . Sus numerosas obras abarcaron todos los géneros. Gaspar Villate (1851-1891) produjo una obra abundante y amplia, toda ella centrada en la ópera. [8] p239 José White (1836-1918), mulato de padre español y madre afrocubana, fue un compositor y violinista de mérito internacional. Aprendió a tocar dieciséis instrumentos y vivió, en diversas ocasiones, en Cuba, América Latina y París. Su obra más famosa es La Bella Cubana , una habanera.
A mediados del siglo XIX, llegó a Cuba el joven músico estadounidense Louis Moreau Gottschalk (1829-1869). El padre de Gottschalk era un hombre de negocios judío de Londres y su madre una criolla blanca de origen católico francés. [11] Gottschalk fue criado principalmente por su abuela negra y su enfermera Sally, ambas de Saint-Domingue . Era un prodigio del piano que había escuchado música y visto bailes en Congo Square , Nueva Orleans, desde la infancia. Su período en Cuba duró de 1853 a 1862, con visitas a Puerto Rico y Martinica . Compuso muchas piezas criollas, como la habanera Bamboula, op. 2 (Danse de negres) (1845), el título hace referencia a un tambor bajo afrocaribeño; El cocoye (1853), versión de una melodía rítmica ya presente en Cuba; la contradanza Ojos criollos (Danse cubaine) (1859) y una versión de María de la O , que hace referencia a una cantante mulata cubana. Estos números hicieron uso de patrones rítmicos típicos cubanos. En uno de sus conciertos de despedida interpretó su Adiós a Cuba entre grandes aplausos y gritos de '¡bravo!' Desafortunadamente, la partitura de su obra no ha sobrevivido. [12] En febrero de 1860 Gottschalk produjo una enorme obra La nuit des tropiques en La Habana. La obra utilizó alrededor de 250 músicos y un coro de 200 cantantes más un grupo de tumba francesa de Santiago de Cuba . Produjo otro gran concierto al año siguiente, con material nuevo. Estos espectáculos probablemente eclipsaron todo lo visto en la isla antes o después, y sin duda fueron inolvidables para quienes asistieron. [13] p147
Entre finales del siglo XIX y principios del XX varios compositores destacan dentro del panorama musical cubano. Cultivaron géneros como la canción popular y el lied de concierto , la música de baile, la zarzuela y el teatro vernáculo, además de la música sinfónica. Entre otros, cabe mencionar a Hubert de Blanck (1856-1932); José Mauri (1856-1937); Manuel Mauri (1857-1939); José Marín Varona ; Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944); Jorge Anckermann (1877-1941); Luis Casas Romero (1882-1950) y Mario Valdés Costa (1898-1930). [14]
La obra de José Marín Varona vincula la actividad musical cubana de finales del siglo XIX y principios del XX. En 1896, el compositor incluyó en su zarzuela "El Brujo" la primera guajira cubana de la que se tiene documentación histórica. [15] [16]
Sobre esta pieza, el compositor Eduardo Sánchez de Fuentes dijo: "La crítica honesta de un día no muy lejano otorgará al autor de la inmortal guajira de "El Brujo" el honor que sin duda le corresponde en cualquier momento". [17]
Gonzalo Roig (1890-1970) fue una fuerza importante en la primera mitad del siglo. [18] Compositor y director de orquesta, se licenció en piano, violín y teoría de la composición. En 1922 fue uno de los fundadores de la Orquesta Sinfónica Nacional, que dirigió. En 1927 fue nombrado Director de la Escuela de Música de La Habana. Como compositor se especializó en la zarzuela, forma de teatro musical, muy popular hasta la Segunda Guerra Mundial. En 1931 cofundó una compañía bufo (teatro cómico) en el Teatro Martí de La Habana. Fue el compositor de la zarzuela cubana más conocida, Cecilia Valdés , basada en la famosa novela del siglo XIX sobre una mulata cubana. Se estrenó en 1932. Fundó diversas organizaciones y escribió frecuentemente sobre temas musicales. [19]
Uno de los más grandes pianistas y compositores cubanos del siglo XX fue Ernesto Lecuona (1895-1963). [20] Lecuona compuso más de seiscientas piezas, en su mayoría de estilo cubano, y fue un pianista de calidad excepcional. Fue un prolífico compositor de canciones y música para teatro y cine. Sus obras consistieron en zarzuela , ritmos afrocubanos y cubanos, suites y muchas canciones que se convirtieron en estándares latinos. Entre ellos se encuentran Siboney , Malagueña y La Brisa Y Yo ( Andalucía ). En 1942 su gran éxito Siempre en mi corazón ( Siempre en mi Corazón ) fue nominado al Oscar a la Mejor Canción; perdió ante Blanca Navidad . La Orquesta Sinfónica Ernesto Lecuona realizó el estreno de la Rapsodia Negra de Lecuona en el Concierto del Día de la Liberación de Cuba en el Carnegie Hall el 10 de octubre de 1943. [21]
Aunque su música rara vez se toca hoy en día, " Amadeo Roldán (1900-1939) y Alejandro García Caturla (1906-1940) fueron los revolucionarios sinfónicos de Cuba durante la primera mitad del siglo XX. [13] Ambos desempeñaron un papel en el afrocubanismo : el Movimiento en la cultura cubana de temática negra con orígenes en la década de 1920, y ampliamente analizado por Fernando Ortiz .
Roldán, nacido en París de mulata cubana y padre español, llegó a Cuba en 1919 y se convirtió en concertino (violín de primera silla) de la nueva Orquesta Sinfónica de La Habana en 1922. Allí conoció a Caturla, a los dieciséis años. segundo violín. Las composiciones de Roldán incluyeron Obertura sobre temas cubanos (1925) y dos ballets: La Rebambaramba (1928) y El milagro de Anaquille (1929). Siguieron una serie de Ritmicas y Poema negra (1930) y Tres toques (marcha, ritos, danza) (1931). En Motivos de son (1934) escribió ocho piezas para voz e instrumentos basadas en el poemario homónimo del poeta Nicolás Guillén . Su última composición fueron dos Piezas infantiles para piano (1937). Roldán murió joven, a los 38 años, de un cáncer facial que lo desfiguraba (había sido un fumador empedernido).
Después de sus días de estudiante, Caturla vivió toda su vida en el pequeño pueblo central de Remedios, donde se convirtió en abogado para mantener a su creciente familia. Sus Tres danzas cubanas para orquesta sinfónica se presentaron por primera vez en España en 1929. Bembe se estrenó en La Habana el mismo año. Su Obertura cubana ganó el primer premio en un concurso nacional en 1938. Caturla fue asesinado a los 34 años por un joven jugador. [8]
Fundado en 1942 bajo la dirección de José Ardévol (1911-1981), compositor catalán establecido en Cuba desde 1930, el "Grupo de Renovación Musical" sirvió como plataforma para que un grupo de jóvenes compositores desarrollara un movimiento proactivo con el propósito de mejorando y literalmente renovando la calidad del ambiente musical cubano. Durante su existencia, de 1942 a 1948, el grupo organizó numerosos conciertos en el Liceo de La Habana con el fin de presentar sus composiciones de vanguardia al público en general y fomentó entre sus miembros el desarrollo de muchos futuros directores, críticos de arte, intérpretes y profesores. También iniciaron un proceso de investigación y revalorización de la música cubana en general, descubriendo la destacada obra de Carlo Borbolla [22] y promocionando las composiciones de Saumell, Cervantes, Caturla y Roldán. El "Grupo de Renovación Musical" incluía a los siguientes compositores: Hilario González, Harold Gramatges , Julián Orbón , Juan Antonio Cámara, Serafín Pro, Virginia Fleites, Gisela Hernández , Enrique Aparicio Bellver, Argeliers León , Dolores Torres y Edgardo Martín. [ cita necesaria ] Otros compositores cubanos contemporáneos que poco o nada tenían relación con el "Grupo de Renovación Musical" fueron: Aurelio de la Vega , Joaquín Nin-Culmell , Alfredo Diez Nieto [23] y Natalio Galán. [24]
Aunque en Cuba muchos compositores han escrito tipos de música criolla tanto clásica como popular, la distinción se hizo más clara después de 1960, cuando (al menos inicialmente) el régimen desaprobaba la música popular y cerró la mayoría de los clubes nocturnos, al tiempo que proporcionaba fondos financieros. apoyo a la música clásica en lugar de las formas criollas. A partir de entonces, la mayoría de los músicos han mantenido sus carreras a un lado o al otro de la línea invisible. Después de la Revolución Cubana de 1959, entró en escena una nueva generación de músicos clásicos. El más importante de ellos es el guitarrista Leo Brouwer , quien ha realizado importantes aportes a la técnica y repertorio de la guitarra clásica moderna, y ha sido director de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba . Su dirección a principios de la década de 1970 del "Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC" fue fundamental en la formación y consolidación del movimiento de la Nueva trova .
Otros compositores importantes de la temprana posrevolucionaria iniciada en 1959 fueron: Carlos Fariñas y Juan Blanco , pionero de la "música concreta" y "electroacústica" en Cuba. [25]
Siguiendo de cerca a la primera generación posrevolucionaria, un grupo de jóvenes compositores empezó a atraer la atención del público que asistía a los conciertos de música clásica. La mayoría de ellos habían obtenido títulos en prestigiosas escuelas fuera del país gracias a becas otorgadas por el gobierno, como Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso ), que recibió un título de posgrado de la Academia Superior de Música de Praga, [26 ] y Roberto Valera , que estudió con Witold Rudziński y Andrzej Dobrowolski en Polonia. [27] Otros tres compositores pertenecen a este grupo: Calixto Álvarez , [28] Carlos Malcolm [ cita requerida ] y Héctor Angulo . [29]
En 1962 llega a La Habana el compositor norteamericano Federico Smith . Abrazó a la nación cubana como su propio país y se convirtió en uno de los músicos más destacados que vivían y trabajaban en Cuba en ese momento. Permaneció en Cuba hasta su muerte, e hizo un importante aporte al patrimonio musical cubano.
A principios de los años 1970, un grupo de músicos y compositores, la mayoría de ellos graduados de la Escuela Nacional de Artes y del Conservatorio de La Habana, se reunieron en torno a una organización recientemente creada por el gobierno como sección juvenil de la UNEAC ( Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba ), la "Brigada Hermanos Saíz. [30] [31] Algunos de sus integrantes fueron los compositores Juan Piñera (sobrino del reconocido escritor cubano Virgilio Piñera), [23] Flores Chaviano , Armando Rodríguez Ruidiaz, Danilo Avilés , [23] Magaly Ruiz , Efraín Amador Piñero y José Loyola . Otros compositores contemporáneos menos involucrados con la organización fueron José María Vitier , Julio Roloff , [23] y Jorge López Marín. [32]
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Tras la Revolución Cubana (1959), muchos futuros compositores cubanos emigraron desde muy jóvenes y desarrollaron la mayor parte de su carrera fuera del país. Dentro de este grupo se encuentran los compositores Tania León , Orlando Jacinto García , Armando Tranquilino, [23] Odaline de la Martinez , José Raúl Bernardo, [32] Jorge Martín (compositor) y Raúl Murciano. [33]
Durante las últimas décadas del siglo XX y principios del XXI una nueva generación de compositores irrumpió en el panorama de la música clásica cubana. La mayoría de ellos recibieron una sólida educación musical brindada por el sistema de escuelas oficiales de arte creado por el gobierno cubano y se graduaron del Instituto Superior de Arte (ISA). Algunos de esos compositores son Louis Franz Aguirre , [34] Ileana Pérez Velázquez , Keila María Orozco, [32] Viviana Ruiz, [23] Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar, [35] Yalil Guerra , Eduardo Morales Caso , [36] Ailem Carvajal Gómez , Irina Escalante Chernova y Evelin Ramón . Todos ellos han emigrado y actualmente viven y han trabajado en otros países. [ cita necesaria ]
Juan Blanco fue el primer compositor cubano en crear una pieza electroacústica en 1961. Esta primera composición, titulada "Música Para Danza", fue producida únicamente con un oscilador y tres grabadoras comunes. Como resultado de la enorme escasez generada por el inepto gobierno cubano, el acceso a los recursos tecnológicos necesarios para producir música electroacústica siempre fue muy limitado para cualquier interesado. Por ello, no fue hasta 1969 que otro compositor cubano, Sergio Barroso , se dedicó a la creación de composiciones musicales electroacústicas.
En 1970, Juan Blanco comenzó a trabajar como asesor musical del Departamento de Propaganda del ICAP (Instituto Cubano de Amistad con Los Pueblos). En esta capacidad creó música electroacústica para todos los materiales audiovisuales producidos por ICAP. Después de nueve años trabajando sin restitución, Blanco finalmente obtuvo financiación para montar un Estudio Electroacústico para su obra. Fue nombrado director del estudio, pero con la condición de que fuera el único en utilizar las instalaciones.
Al cabo de unos meses, y sin pedir permiso, abrió el Estudio Electroacústico a todos los compositores interesados en trabajar con tecnología electroacústica, creando así el Taller de Música Electroacústica (TIME) ICAP, donde él mismo impartía formación a todos los participantes. En 1990, el Taller ICAP cambió su nombre por el de Laboratorio Nacional de Música Electroacústica (LNME) y tuvo como objetivo principal apoyar y promover el trabajo de los compositores electroacústicos y artistas sonoros cubanos.
Algunos años después se creó otro estudio de música electroacústica en el Instituto Superior de Arte (ISA). El Estudio de Música Electroacústica y por Computadoras (EMEC), actualmente denominado Estudio Carlos Fariñas de Arte Musical, tiene como objetivo proporcionar formación en música electroacústica a los estudiantes de composición durante los últimos años de su carrera.
Después de 1970, compositores cubanos como Leo Brouwer , Jesús Ortega, Carlos Fariñas y Sergio Vitier comenzaron a crear también piezas electroacústicas; y en la década de 1980 un grupo de compositores que incluía a Edesio Alejandro , Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar, Marietta Véulens, Mirtha de la Torre, Miguel Bonachea y Julio Roloff , comenzaron a recibir instrucción y trabajar en el Estudio Electroacústico del ICAP. Una lista de compositores cubanos que han utilizado la tecnología electroacústica incluye a Argeliers León , Juan Piñera , Roberto Valera , José Loyola , Ileana Pérez Velázquez y José Angel Pérez Puentes. [37]
La mayoría de los compositores cubanos que establecieron su residencia fuera de Cuba han trabajado con tecnología electroacústica. Entre ellos se encuentran los compositores Aurelio de la Vega, Armando Tranquilino, Tania León , Orlando Jacinto García , Armando Rodríguez Ruidiaz, Ailem Carvajal Gómez e Irina Escalante Chernova. [38]
La guitarra (como se la conoce hoy o en alguna de sus versiones históricas) está presente en Cuba desde el descubrimiento de la isla por España. Ya en el siglo XVI, un músico llamado Juan Ortiz, del pueblo de Trinidad, es mencionado por el famoso cronista Bernal Díaz del Castillo como "gran tañedor de vihuela y viola" ("un gran intérprete de la vihuela y la guitarra"). . Otro "vihuelista", el bayamés Alonso Morón, también aparece mencionado en las crónicas de la conquista española durante el siglo XVI. [39] [40]
Discípulo del famoso guitarrista español Dionisio Aguado, José Prudencio Mungol fue el primer guitarrista cubano formado en la tradición de la guitarra española. En 1893 actuó en un aclamado concierto en La Habana, tras regresar de España. Mungol participó activamente en la vida musical de La Habana y fue profesor en el conservatorio Hubert de Blanck. [41]
Severino López nació en Matanzas. Estudió guitarra en Cuba con Juan Martín Sabio y Pascual Roch, y en España con el reconocido guitarrista catalán Miguel Llobet. Severino López es considerado el iniciador en Cuba de la escuela de guitarra fundada por Francisco Tárrega en España. [42]
Clara Romero (1888-1951), fundadora de la moderna Escuela Cubana de Guitarra, estudió en España con Nicolás Prats y en Cuba con Félix Guerrero. Inauguró el departamento de guitarra del Conservatorio Municipal de La Habana en 1931, donde también introdujo las enseñanzas del estilo de guitarra folclórica cubana. Creó la Sociedad Guitarrística de Cuba en 1940, y también la revista "Guitarra", con el propósito de promover las actividades de la Sociedad. Fue profesora de muchos guitarristas cubanos entre ellos su hijo Isaac Nicola y su hija Clara (Cuqui) Nicola . [43]
Después de estudiar con su madre, Clara Romero, en el Conservatorio Municipal de La Habana, Isaac Nicola (1916 – 1997) continuó su formación en París con Emilio Pujol, discípulo de Francisco Tárrega. También estudió vihuela con Pujol e investigó sobre la historia y la literatura de la guitarra. [44]
Luego de la revolución cubana de 1959, Isaac Nicola y otros profesores como Marta Cuervo , Clara (Cuqui) Nicola , Marianela Bonet y Leopoldina Núñez se integraron al sistema nacional de escuelas de música, donde se implementó un método didáctico unificado. Este fue un núcleo para el posterior desarrollo de una Escuela Nacional de Guitarra Cubana con la que colaboró una nueva generación de guitarristas y compositores.
Quizás la contribución más importante a la técnica y al repertorio de la guitarra cubana moderna provenga de Leo Brouwer (nacido en 1939). Nieto de Ernestina Lecuona, hermana de Ernesto Lecuona, Brouwer comenzó a estudiar guitarra con su padre y luego de un tiempo continuó con Isaac Nicola . Aprendió por sí mismo armonía, contrapunto, formas musicales y orquestación antes de completar sus estudios en la Juilliard School y la Universidad de Hartford .
Desde la década de 1960 se han formado varias generaciones de guitarreros, profesores y compositores bajo la Escuela Cubana de Guitarra en instituciones educativas como el Conservatorio Municipal de La Habana, la Escuela Nacional de Artes y el Instituto Superior de Arte. Otros, como Manuel Barrueco , concertista de renombre internacional, desarrollaron su carrera fuera del país. Entre muchos otros guitarristas relacionados con la Escuela Cubana de Guitarra se encuentran Carlos Molina , Sergio Vitier, Flores Chaviano , Efraín Amador Piñero , Armando Rodriguez Ruidiaz, Martín Pedreira , Lester Carrodeguas, Mario Daly, José Angel Pérez Puentes y Teresa Madiedo. Un grupo más joven incluye a los guitarristas Rey Guerra, Aldo Rodríguez Delgado, Pedro Cañas, Leyda Lombard, Ernesto Tamayo , Miguel Bonachea , [45] Joaquín Clerch [46] [47] y Yalil Guerra .
Tras su llegada a Cuba a finales del siglo XVIII, el pianoforte (comúnmente llamado piano) se convirtió rápidamente en uno de los instrumentos favoritos entre la población cubana. Junto a la humilde guitarra, el piano acompañó las populares guarachas y contradanzas cubanas en salones y salones de baile de La Habana y de todo el país. [48] Ya en 1804, un programa de conciertos en La Habana anunciaba un concierto vocal "acompañado al fortepiano por un distinguido extranjero recién llegado" [49] y en 1832, Juan Federico Edelmann (1795-1848), renombrado pianista, hijo de un famoso compositor y pianista alsaciano, llegó a La Habana y ofreció un concierto de gran éxito en el Teatro Principal. Animado por la cálida bienvenida, Edelmann decidió quedarse en La Habana, y muy pronto fue ascendido a un puesto importante dentro de la Sociedad Filarmónica de Santa Cecilia. En 1836 abrió una tienda de música y una editorial. [50]
Uno de los músicos cubanos más prestigiosos, Ernesto Lecuona (1895-1963), comenzó a estudiar piano con su hermana Ernestina y continuó con Peyrellade , Saavedra, Nin y Hubert de Blanck. Niña prodigio, Lecuona dio un concierto, con apenas cinco años, en el Círculo Hispano. Al graduarse del Conservatorio Nacional, recibió el Primer Premio y la Medalla de Oro de su promoción por decisión unánime del tribunal. Es, con diferencia, el compositor cubano de mayor reconocimiento internacional y sus contribuciones a la tradición pianística cubana se consideran excepcionales. [21]
Los instrumentos de cuerda frotada están presentes en Cuba desde el siglo XVI. El músico Juan Ortiz de la Villa de Trinidad es mencionado por el cronista Bernal Díaz del Castillo como un "gran intérprete de "vihuela" y " viola ". [42] En 1764, Esteban Salas y Castro, se convierte en el nuevo maestro de capilla de la Villa de Santiago. de Cuba, y para cumplir con sus deberes musicales contaba con un pequeño grupo vocal-instrumental que incluía dos violines. [51] En 1793 llegaron a Santiago de Cuba numerosos colonos que huían de la revuelta de esclavos en Santo Domingo, y una orquesta compuesta por Se fundó el sistema de flauta, oboe, clarinete, trompeta, tres trompas, tres violines, viola, dos violonchelos y percusión. [52]
Durante el paso del siglo XVIII al XIX, el habanero Ulpiano Estrada (1777-1847) impartió clases de violín y dirigió la orquesta del Teatro Principal de 1817 a 1820. Al margen de su actividad como violinista, Estrada mantuvo una carrera musical muy activa como director de numerosas orquestas, bandas y óperas, y componiendo muchas contradanzas y otras piezas de danza, como minuetos y valses. [53]
José Vandergutch, violinista belga, llegó a La Habana junto a su padre Juan y su hermano Francisco, también violinistas. Regresaron posteriormente a Bélgica, pero José estableció su residencia permanente en La Habana, donde adquirió gran reconocimiento. Vandergutch ofreció numerosos conciertos como solista y acompañado de varias orquestas, hacia mediados del siglo XIX. Fue miembro de la Asociación de Música Clásica y también Director de la Asociación Musical de Socorro Mutuo de La Habana. [54]
Dentro del universo del violín clásico cubano durante el siglo XIX, existen dos Maestros destacados que pueden ser considerados entre los más grandes virtuosos del violín de todos los tiempos; son José Blanco Lafitte y Claudio Brindis de Salas Garrido .
Luego de recibir sus primeras instrucciones musicales de su padre, el virtuoso violinista cubano José White Lafitte (1835-1918) ofreció su primer concierto en Matanzas el 21 de marzo de 1854. En esa presentación estuvo acompañado por el célebre pianista y compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk. , quien lo animó a continuar su formación musical en París, y también recaudó fondos para tal fin. [55]
José White estudió composición musical en el Conservatorio de París de 1855 a 1871. Apenas diez meses después de su llegada ganó el primer premio en la categoría de violín en el concurso del Conservatorio y fue muy elogiado por Gioachino Rossini . Posteriormente fue profesor de los renombrados violinistas George Enescu y Jacques Thibaud .
De 1877 a 1889, White fue nombrado Director del Conservatorio Imperial de Río de Janeiro, Brasil, donde también se desempeñó como músico de la corte del Emperador Pedro II. [56] Posteriormente regresó a París, donde permaneció hasta su muerte. El famoso violín llamado "El canto del cisne" era su instrumento preferido y su composición más famosa es la Habanera "La bella cubana". White también compuso muchas otras piezas, incluido un concierto para violín y orquesta. [57]
Claudio José Domingo Brindis de Salas y Garrido (1852-1911) fue un reconocido violinista cubano, hijo del también famoso violinista, contrabajista y director de orquesta Claudio Brindis de Salas (1800-1972), que dirigió una de las orquestas más populares de La Habana durante la primera mitad del siglo XIX, denominada "La Concha de Oro". Claudio José superó la fama y maestría de su padre y llegó a adquirir reconocimiento internacional. [58] [59] [60]
Claudio Brindis de Salas Garrido inició sus estudios musicales con su padre y los continuó con los maestros José Redondo y el belga José Vandergutch. Ofreció su primer concierto en La Habana en 1863, en el que participó Vandegutch como acompañante. En ese evento también participó el famoso pianista y compositor Ignacio Cervantes.
Según la crítica contemporánea, Brindis de Salas fue considerado uno de los violinistas más destacados de su época a nivel internacional. Alejo Carpentier se refirió a él como: "El violinista negro más destacado del siglo XIX... algo sin precedentes en la historia musical del continente". [61]
El gobierno francés lo nombró miembro de la Legión de Honor y le otorgó el título nobiliario de "Barón". En Buenos Aires recibió un genuino Stradivarius , y mientras vivía en Berlín se casó con una dama alemana, fue nombrado Músico de Cámara del Emperador y recibió la ciudadanía honoraria de ese país. Brindis de Salas murió pobre y olvidado en 1911 a causa de la tuberculosis, en Buenos Aires , Argentina . En 1930 sus restos fueron trasladados a La Habana con grandes honores. [62]
Otro destacado violinista cubano del siglo XIX fue Rafael Díaz Albertini (1857-1928). Estudió violín con José Vandergutch y Anselmo López (1841-1858), conocido violinista habanero que se dedicó también a la edición musical. En 1870, Albertini viajó a París con el propósito de perfeccionar su técnica con el famoso violinista Jean-Delphin Alard, y en 1875 recibió el Primer Premio en el Concurso de París, en el que posteriormente participó como jurado. Realizó numerosas giras por el mundo, acompañado en ocasiones por prestigiosos maestros como Hugo Wolf y Camille Saint-Saëns. En 1894 realizó presentaciones, junto a Ignacio Cervantes, por las ciudades más importantes de Cuba. [63]
Una lista de destacados violinistas cubanos de la segunda mitad del siglo XIX y la primera del XX puede incluir: Manuel Muñoz Cedeño (n. 1813), José Domingo Bousquet (n. 1823), Carlos Anckermann (n. 1829), Antonio Figueroa (n. 1852), Ramón Figueroa (n. 1862), Juan Torroella (n. 1874), Casimiro Zertucha (n. 1880), Joaquín Molina (n. 1884), Marta de La Torre (1888), Catalino Arjona ( n. 1895) y Diego Bonilla (1898-). [64]
Durante la primera mitad del siglo XX destaca el nombre de Amadeo Roldán (1900-1939), pues además de un excelente violinista, profesor y director de orquesta, Roldán es considerado uno de los compositores cubanos más importantes de todos los tiempos.
Tras su graduación en el Conservatorio de París en 1935 con apenas 16 años, el reconocido violinista cubano Ángel Reyes (1919-1988) desarrolló una muy exitosa carrera como solista y también acompañado por prestigiosas orquestas de numerosos países. Fijó su residencia en Estados Unidos desde muy joven, obtuvo un premio en el Concurso Ysaÿe de Bruselas y fue profesor en las universidades de Michigan y Northwestern, hasta su jubilación en 1985. [65]
Eduardo Hernández Asiaín (1911-2010) nació en La Habana, inició sus estudios musicales desde muy temprana edad y ofreció su primer concierto con apenas siete años. A los 14 años obtuvo el Primer Premio en el Conservatorio Municipal de La Habana y fue designado Concertino de la Orquesta Sinfónica de La Habana. En 1932 viajó a Madrid para ampliar su formación musical con los profesores Enrique Fernández Arbós y Antonio Fernández Bordas. Desde 1954, Hernández Asiaín actuó como solista con las orquestas de la Sociedad de Conciertos Pasdeloup y de la Radiodiffusion française de París, la "Orquesta Nacional de España", la "Orquesta Sinfónica de Bilbao", la "Orquesta de Cámara de Madrid" y la "Orquesta Sinfónica y de Cámara de San Sebastián", de la que es fundador. En 1968 fue nombrado Primer Violín del "Cuarteto Clásico" de RTVE , participando junto a la pianista Isabel Picaza González en el "Quinteto Clásico de RNE", con el que ofreció conciertos y realizó numerosas grabaciones en España y otros países. También realizó numerosas giras por Estados Unidos. [66]
Otros violinistas cubanos destacados de la primera mitad del siglo XX son: Robero Valdés Arnau (1919-1974), Alberto Bolet y Virgilio Diago. [67]
Después de 1959, ya en el período posrevolucionario, se destaca un violinista cubano que ha hecho un aporte sustancial, no sólo al desarrollo del violín y los instrumentos de cuerda frotada, sino también a la cultura musical nacional en general.
Evelio Tieles comenzó a estudiar música en Cuba con su padre, Evelio Tieles Soler, cuando tenía apenas siete años, [68] y continuó posteriormente con el profesor Joaquín Molina. Entre 1952 y 1954, Tieles estudió violín en París, Francia, con Jacques Thibaud y René Benedetti. En 1955 regresó a París y estudió en el Conservatorio Nacional Superior de Música de esa ciudad, y en 1958 continuó su formación musical en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, donde fue discípulo de los reconocidos violinistas David Oistrakh e Igor Oistrakh . Tieles se graduó en 1963 y por recomendación del Conservatorio realizó su maestría de 1963 a 1966, con los mismos profesores mencionados. [68] Tieles recibió también formación profesional de los prestigiosos violinistas Henryk Szeryng y Eduardo Hernández Asiaín. [69]
Evelio Tieles ha ofrecido numerosas presentaciones como concertista, en dúo con su hermano, el pianista Cecilio Tieles, o acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba y otros conjuntos sinfónicos y de cámara. Ha actuado junto a prestigiosos directores como Thomas Sanderling , Boris Brott , Enrique González Mántici y Manuel Duchesne Cuzán, entre otros. [ cita necesaria ]
Tieles fija su residencia en España desde 1984, y enseña violín en el Conservatorio de Vila-Seca, en la provincia de Tarragona, donde ha sido nombrado "Profesor Emérito". [ cita necesaria ] También ha trabajado en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona como Jefe del Departamento de Música de Cámara (1991-1998), Jefe de la División de Instrumentos de Cuerda Sordos (1986-2002) y Director Académico (2000-2002) . [69]
Además de su destacada carrera como concertista y profesor, durante el período posrevolucionario, Tieles impulsó y organizó en Cuba la formación en instrumentos de cuerda frotada, fundamentalmente el violín. [69]
Otro violinista destacado es la profesora Alla Tarán (1941). Se formó como violinista en su Ucrania natal y trabajó como profesora de práctica de conjuntos de cámara. Tarán estableció su residencia en Cuba desde 1969. [ cita necesaria ]
Alfredo Muñoz (1949) comenzó a estudiar violín en el Conservatorio Orbón de La Habana, Cuba, y posteriormente continuó en la Escuela Nacional de Artes y el Instituto Superior de Arte (ISA). Ingresó como violinista a la Orquesta Sinfónica Nacional en 1972 y desde entonces ha sido muy activo como solista y miembro del Trío Blanco, en Cuba y el extranjero. Actualmente es profesor del Instituto Superior de Artes (ISA). [70]
Otros violinistas cubanos que han desarrollado su carrera entre los siglos XX y XXI son: Armando Toledo (1950), Julián Corrales (1954), Miguel del Castillo y Ricardo Jústiz. [64]
Ya a principios del siglo XXI son dignos de mención los violinistas Ilmar López-Gavilán, Mirelys Morgan Verdecia, Ivonne Rubio Padrón, Patricia Quintero y Rafael Machado .
La ópera ha estado presente en Cuba desde finales del siglo XVIII, cuando se construyó el primer teatro completo, llamado Coliseo. Desde entonces hasta la actualidad, el pueblo cubano ha disfrutado mucho de la ópera, y muchos compositores cubanos han cultivado el género operístico, en ocasiones con gran éxito a nivel internacional. El mejor cantante lírico cubano del siglo XX fue el tenor operístico Francisco Fernández Dominicis (nombre italiano: Francesco Dominici ) (1885-1968). La mejor cantante lírica cubana del siglo XX fue la mezzosoprano Marta Pérez (1924-2009). Cantó en La Scala de Milán , Italia en 1955. [71]
El primer evento operístico documentado en La Habana tuvo lugar en 1776. Aquella presentación fue mencionada en una nota publicada en el Diario de La Habana el 19 de diciembre de 1815: "Hoy miércoles 19 del corriente, si el tiempo lo permite, se produce el nuevo trágico Se representará una ópera de mérito en tres actos que contiene 17 piezas musicales, titulada Dido Abandoned ... Este es uno de los dramas estreno del teatro francés, en Italia, el compuesto por el reconocido Metastasio mereció un aplauso singular, y fue cantado en esta ciudad el 12 de octubre de 1776." [72]
Cristóbal Martínez Corrés fue el primer compositor de ópera cubano, pero sus obras, como El diablo contrabandista y Don papanero, nunca fueron estrenadas y no se han conservado hasta la actualidad. Nacido en La Habana, en 1822, el compositor y pianista Martínez Corrés fijó su residencia junto a su familia en Francia cuando apenas tenía nueve años; y más tarde se fueron a Italia. Debido a su muerte prematura, una tercera ópera llamada Safo , nunca superó una etapa creativa temprana. Martínez Corrés murió en Génova, en 1842. [16]
Gaspar Villate y Montes nació en La Habana, en 1851 y desde temprana edad mostró un gran talento musical. De niño comenzó a estudiar piano con Nicolás Ruiz Espadero y en 1867, con apenas 16 años, compuso su primera ópera sobre un drama de Víctor Hugo , titulada Angelo, tirano de Padua . Un año después, al iniciarse la guerra de 1868, viajó a Estados Unidos con su familia y a su regreso a La Habana en 1871 escribió otra ópera llamada Las primeras armas de Richelieu .
Villate viajó a Francia con el propósito de continuar sus estudios musicales en el Conservatorio de París , donde recibió clases de François Bazin , Victorien de Joncieres y Adolphe Danhauser . Compuso numerosas piezas instrumentales como contradanzas , habaneras , romances y valses , y en 1877 estrenó con gran éxito de público su ópera Zilia en París , que fue presentada en La Habana en 1881. Desde entonces, Villate centró sus esfuerzos principalmente en la ópera y compuso piezas como La Zarina y Baltazar , estrenadas en La Haya y el Teatro Real de Madrid respectivamente. Se sabe que trabajó en una ópera de temática cubana llamada Cristóbal Colón , pero su manuscrito se ha perdido.
Villate murió en París en 1891, poco después de comenzar a componer un drama lírico llamado Lucifer , del que se conservan algunos fragmentos. [73]
Eduardo Sánchez de Fuentes nació en La Habana, en 1874, en el seno de una familia de artistas; su padre era escritor y su madre pianista y cantante. Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Hubert de Blanck y posteriormente tomó clases de Carlos Anckermann. También se licenció en Derecho en 1894. [74] Cuando Sánchez de Fuentes tenía apenas 18 años, compuso la famosa Habanera "Tú" , que se convirtió en un extraordinario éxito internacional. Alejo Carpentier dijo que era: "la Habanera más famosa". [75]
El 26 de octubre de 1898 Sánchez de Fuentes estrenó en el Teatro Albisu de La Habana su primera ópera llamada Yumuri , basada en el tema de la colonización de la Isla. En ella, una princesa aborigen se enamora de un apuesto conquistador español, que la secuestra en la ceremonia nupcial con otro personaje indígena. Al final, mientras escapan, ambos sufren una trágica muerte durante un terremoto. [76] Sánchez de Fuentes llegaría a componer otras cinco óperas: El Náufrago (1901), Dolorosa (1910), Doreya (1918), El Caminante (1921) y Kabelia (1942). [77]
Uno de los compositores más activos y destacados de su generación, Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso ) (1946), es autor de una ópera llamada La forma del camino , que posee también el título complementario de s-XIV-69. (que significa Siglo XIV – 1969 ). Con una duración aproximada de 60 minutos, esta pieza utiliza como guión una historia del Popol Vuh (el texto sagrado de la cultura maya) sobre los hermanos míticos Hunahpú e Ixbalanqué. La partitura incluye solistas y un coro de nueve voces mixtas, acompañados de un grupo instrumental y un sistema cuadrafónico electroacústico. La escena requiere un escenario elevado sobre la posición espacial del coro, cuyos miembros visten esmoquin, en oposición a la vestimenta más informal de los solistas. Todos los cantantes llevan máscaras indias. [78]
Más recientemente se destaca la obra de dos jóvenes compositores cubanos, Jorge Martín (compositor) y Louis Franz Aguirre .
Jorge Martín (1959) nació en Santiago de Cuba y fijó su residencia en Estados Unidos desde muy joven. Estudió composición musical en las universidades de Yale y Columbia. Ha compuesto tres piezas líricas: Bestia y Superbeast , una serie de cuatro óperas en un acto cada una, basadas en cuentos de Saki; Tobermory , ópera en un acto que obtuvo el primer premio en la Quinta Bienal de la National Opera Association (EE.UU.), y ha sido presentada en varias ciudades de Estados Unidos; y Antes que anochezca , ópera basada en la famosa autobiografía del novelista, dramaturgo y poeta cubano Reinaldo Arenas , reconocido disidente del gobierno de Fidel Castro . [79]
Louis Franz Aguirre (1968) es actualmente uno de los compositores cubanos más prolíficos y reconocidos a nivel internacional. Su catálogo incluye cuatro obras operísticas: Ebbó (1998), estrenada el 17 de enero de 1999 en el Teatro Brotfabrik de Bonn, Alemania; Ogguanilebbe (Liturgia de la palabra divina) (2005), estrenada en la Salla dil Parlamento d'il Castello di Udine, Italia. Yo el Supremo (Obra cómica con Dictador en un acto), estrenada el 27 de octubre de 2015, en el Teatro Galileo, Madrid, España y The way the dead love (Teogonía: un manifiesto operístico), por encargo del Lydenskab Ensemble y financiado por KODA, Dinamarca. Estrenada el 24 de febrero de 2017, en Godsbanen, Aarhus, Dinamarca, como parte de la Capital Europea de la Cultura de Århus 2017 .
A lo largo de los años, la nación cubana ha desarrollado un acervo de material musicológico creado por numerosos investigadores y expertos en esta materia. Los trabajos de algunos autores que brindaron información sobre la música en Cuba durante el siglo XIX solían incluirse en crónicas que cubrían un tema más general. Las primeras investigaciones y estudios dedicados específicamente al arte y la práctica musical no aparecieron en Cuba hasta principios del siglo XX. [80]
Una lista de importantes personalidades que han contribuido a los estudios musicológicos en Cuba incluye a Fernando Ortiz , Eduardo Sánchez de Fuentes , Emilio Grenet, Alejo Carpentier , Argeliers León , María Teresa Linares, Pablo Hernández Balaguer, Alberto Muguercia y Zoila Lapique.
Una segunda generación de musicólogos formada después de la revolución cubana de 1959 incluye: Zoila Gómez, Victoria Elí, Alberto Alén Pérez , Rolando Antonio Pérez Fernández y Leonardo Acosta.
Más recientemente, un grupo de jóvenes musicólogos cubanos se han ganado una merecida reputación dentro del ámbito académico internacional, debido a su sólida labor investigativa. Algunos de los miembros más destacados de este grupo son: Miriam Escudero Suástegui, Liliana González Moreno, [ cita necesaria ] Iván César Morales Flores [81] y Pablo Alejandro Suárez Marrero. [82]
La primera música popular que se tocó en Cuba después de la conquista española fue traída por los propios conquistadores españoles y probablemente fue tomada de la música popular española que estuvo de moda durante el siglo XVI. Desde el siglo XVI al XVIII algunas canciones bailables que surgieron en España fueron asociadas a la América hispana, o se consideró que tenían su origen en América. Algunas de estas canciones con nombres pintorescos como Sarabande, Chacona, Zambapalo, Retambico y Gurumbé, entre otras, [83] compartían un rasgo común, su ritmo característico llamado Hemiola o Sesquiáltera (en España).
Este ritmo ha sido descrito como la alternancia o superposición de un metro doble y un metro triple (6/8 + 3/4), y su utilización estuvo extendida en el territorio español al menos desde el siglo XIII, donde aparece en uno de las Cantigas de Santa María (Como poden per sas culpas). [84]
Hemiola o Sesquiáltera es también un ritmo típico dentro de las tradiciones musicales africanas, tanto del Norte del Continente como del Sur. [85] Por lo tanto, es muy probable que los cantos-danzas originales traídos por los españoles a América ya incluyeran elementos de la cultura africana con los que estaban familiarizados los africanos esclavizados que llegaron a la Isla; y además los utilizaron para crear nuevos géneros criollos. [86]
El conocido Son de la Ma Teodora, antigua canción cubana, así como los primeros géneros autóctonos cubanos, Punto y Zapateo, muestran en su acompañamiento el ritmo Sesquiáltera, que asocia en gran medida dichos géneros a las canciones-danzas españolas del siglo XVI al los siglos XVIII. [87]
Parece que el Punto y el Zapateo Cubano fueron los primeros géneros musicales autóctonos de la nación cubana. Aunque la primera muestra impresa de un Zapateo criollo cubano no se publicó hasta 1855 en el "Álbum Regio de Vicente Díaz de Comas", [88] es posible encontrar referencias sobre la existencia de esos géneros desde mucho antes. . [89] Sus características estructurales han sobrevivido casi inalteradas a lo largo de un período de más de doscientos años y suelen considerarse los géneros de música popular cubana más típicamente hispanos. Los musicólogos cubanos María Teresa Linares, Argeliers León y Rolando Antonio Pérez coinciden en pensar que Punto y Zapateo se basan en la danza española –canciones (como el chacone y la zarabanda) que llegaron primero a los centros poblados más importantes como La Habana y Santiago de Cuba y luego se extendieron por las zonas rurales circundantes donde fueron adoptados y modificados por la población campesina en un momento posterior. [88]
Punto guajiro o Punto Cubano , o simplemente Punto es un género cantado de la música cubana, un arte poético-musical improvisado que surgió en las regiones occidentales y centrales de Cuba durante el siglo XIX. [90] Aunque Punto parece tener un origen andaluz, es un género verdaderamente cubano por sus modificaciones criollas. [91]
El punto es interpretado por un grupo con varios tipos de instrumentos de cuerda pulsada: el tiple (guitarra tiple actualmente en desuso), la guitarra española, el tres cubano y el laúd. La palabra punto se refiere al uso de una técnica punteada (punteado), en lugar de rasgueo (rasgueado). También se han utilizado algunos instrumentos de percusión como la clave, el güiro y el guayo (un raspador metálico). Los cantantes se reúnen en equipos rivales e improvisan sus líneas.
Cantan melodías fijas llamadas "tonadas" que se basan en un compás de diez estrofas llamadas "décimas", con intervalos entre estrofas para dar tiempo a los cantantes a preparar la siguiente estrofa. [92] Las primeras composiciones a veces se grababan y publicaban, al igual que los nombres de algunos de los cantantes y compositores. A partir de 1935, Punto alcanzó un pico de popularidad en la radio cubana.
El punto fue uno de los primeros géneros cubanos grabados por compañías estadounidenses a principios del siglo XX, pero posteriormente el interés decayó y se hicieron pocos esfuerzos para continuar grabando las presentaciones radiofónicas en vivo. Una aficionada a este género, la taquígrafa Aida Bode, escribió muchos versos a medida que eran difundidos y finalmente, en 1997, sus transcripciones se publicaron en forma de libro. [93]
Celina González y Albita Rodríguez cantaron Punto al inicio de sus carreras, demostrando que el género sigue vivo. Celina tenía una de las mejores voces de la música popular y su grupo de apoyo Campo Alegre fue sobresaliente. Para los aficionados, sin embargo, el Indio Naborí (Sabio Jesús Orta Ruiz, n. 30 de septiembre de 1922) es el nombre más importante del punto por su poesía "décima", que escribía diariamente para la radio y los periódicos. También es un autor publicado con varias colecciones de su poesía, muchas de las cuales tienen un toque político de nueva trova. [94]
El zapateo es un baile típico del "campesino" o "guajiro" cubano, de origen español. Es una danza de parejas, que implica golpecitos con los pies, realizada principalmente por la pareja masculina. Existen ilustraciones de siglos anteriores y hoy pervive cultivado por las Agrupaciones de Música Folklórica como un género fósil. Se acompañaba de tiple , guitarra y güiro , en ritmo combinado de 6/8 y 3/4 (hemiola), acentuado en la primera de cada tres corcheas .
Un género de canción cubana similar al punto cubano y la criolla. [95] Contiene letras campestres bucólicas, similares a la poesía décima . Su música muestra una mezcla de ritmos 6/8 y 3/4 llamada Hemiola . Según Sánchez de Fuentes , su primera sección suele presentarse en tono menor, y su segunda sección en su tono relativo mayor directo. [96] El término Guajira ahora se usa principalmente para describir una música de baile lenta en tiempo de 4/4, una fusión de la Guajira y el Son (llamada Guajira-Son). El cantante y guitarrista Guillermo Portabales fue el representante más destacado de este género.
Criolla es un género de música cubana que está estrechamente relacionado con la música de los Coros de Clave cubanos y un género de música popular cubana llamado Clave.
La Clave se convirtió en un género muy popular en el teatro vernáculo cubano y fue creada por el compositor Jorge Anckermann basándose en el estilo de los Coros de Clave. [97] La Clave sirvió, a su vez, como modelo para la creación de un nuevo género llamado Criolla. Según el musicólogo Helio Orovio, "Carmela", la primera criolla, fue compuesta por Luis Casas Romero en 1909, quien también creó una de las criollas más famosas de todos los tiempos, "El Mambí". [98]
Claramente, el origen de los grupos africanos en Cuba se debe a la larga historia de esclavitud de la isla. En comparación con Estados Unidos, la esclavitud comenzó en Cuba mucho antes y continuó durante décadas. Cuba fue el último país de América en abolir la importación de esclavos y el penúltimo en liberarlos. En 1807, el Parlamento británico prohibió la esclavitud y, a partir de entonces, la Armada británica actuó para interceptar los barcos de esclavos portugueses y españoles. En 1860 el comercio con Cuba estaba casi extinguido; el último barco de esclavos a Cuba fue en 1873. La abolición de la esclavitud fue anunciada por la Corona española en 1880 y entró en vigor en 1886. Dos años más tarde, Brasil abolió la esclavitud. [99]
Las raíces de la mayoría de las formas musicales afrocubanas se encuentran en los cabildos , clubes sociales autoorganizados para los esclavos africanos, cabildos separados para culturas distintas. Los cabildos estaban formados principalmente por cuatro grupos: los yoruba (los lucumi en Cuba); los congoleños (Palo en Cuba); Dahomey (el Fon o Arará). Sin duda, otras culturas estuvieron presentes, incluso más que las enumeradas anteriormente, pero en menor número, y no dejaron una presencia tan distintiva.
Los cabildos preservaron las tradiciones culturales africanas, incluso después de la abolición de la esclavitud en 1886. Al mismo tiempo, las religiones africanas se transmitieron de generación en generación en Cuba, Haití, otras islas y Brasil. Estas religiones, que tenían una estructura similar pero no idéntica, eran conocidas como Lucumi o Regla de Ocha si derivaban del yoruba , palo de África Central , Vodú de Haití , etcétera. El término santería se introdujo por primera vez para explicar la forma en que los espíritus africanos se unían a los santos católicos, especialmente por personas que estaban tanto bautizadas como iniciadas y, por lo tanto, eran miembros genuinos de ambos grupos. Los extranjeros recogieron la palabra y han tendido a utilizarla de forma un tanto indiscriminada. Se ha convertido en una especie de palabra que lo abarca todo, algo así como la salsa en la música. [13] p171; p258
Todas estas culturas africanas tenían tradiciones musicales, que sobreviven de forma errática hasta nuestros días, no siempre en detalle, sino en estilo general. Las mejor conservadas son las religiones politeístas africanas, donde, al menos en Cuba, se conservan bastante bien los instrumentos, el idioma, los cantos, las danzas y sus interpretaciones. ¿En qué otros países americanos se llevan a cabo ceremonias religiosas en las antiguas lenguas de África? Ciertamente se encuentran en las ceremonias lucumí, aunque, por supuesto, en África el idioma ha evolucionado. Lo que unifica todas las formas genuinas de música africana es la unidad de la percusión polirrítmica, la voz (llamada y respuesta) y la danza en entornos sociales bien definidos, y la ausencia de instrumentos melódicos de tipo árabe o europeo.
Las tradiciones religiosas de origen africano han sobrevivido en Cuba y son la base de la música, el canto y la danza rituales, muy distintos de la música y la danza seculares. La religión de origen yoruba se conoce como Lucumí o Regla de Ocha ; la religión de origen congoleño se conoce como palo , como en palos del monte . [100] También existen, en la región de Oriente, formas de ritual haitiano junto con sus propios instrumentos, música, etc.
El patrón rítmico de clave se utiliza como herramienta de organización temporal en la música afrocubana, como la rumba , la conga de comparsa , el son , el mambo (música) , la salsa , el jazz latino , el songo y la timba . El patrón de clave de cinco tiempos (distribuidos en grupos de 3 + 2 o 2 + 3 tiempos) representa el núcleo estructural de muchos ritmos afrocubanos. [101] Así como una piedra angular mantiene un arco en su lugar, el patrón de clave mantiene unido el ritmo en la música afrocubana. [102] El patrón de clave se originó en las tradiciones musicales del África subsahariana , donde cumple esencialmente la misma función que en Cuba. El patrón también se encuentra en las músicas de la diáspora africana , en los tambores vudú haitianos y en la música afrobrasileña . El patrón de clave se utiliza en la música popular norteamericana como motivo rítmico u ostinato , o simplemente como forma de decoración rítmica.
En Cuba, la palabra comparsa se refiere a los grupos vecinales "Cabildos de Nación" que participaban en el carnaval autorizado por el gobierno español en el Día de Reyes durante el período colonial. La conga es de origen africano y deriva de las celebraciones callejeras de los espíritus africanos. La distinción es difusa hoy en día, pero en el pasado las congas estaban prohibidas de vez en cuando. El carnaval en su conjunto fue prohibido por el gobierno revolucionario durante muchos años y todavía no se celebra con la regularidad de antaño. Las congas se tocan (junto con otros instrumentos típicos) en comparsas de todo tipo. Santiago de Cuba y La Habana fueron los dos principales centros de carnavales callejeros. Dos tipos de música de baile (al menos) deben su origen a la música comparsa:
Conga : una adaptación de la música y el baile de comparsa para bailes sociales. Puede que Eliseo Grenet sea la persona que creó por primera vez esta música, [13] p408 , pero fueron los Lecuona Cuban Boys quienes la llevaron por todo el mundo. La conga se convirtió, y quizás todavía lo sea, en el estilo de música y baile cubano más conocido para los no latinos.
Mozambique es una música de baile de tipo comparsa desarrollada por Pello el Afrokan (Pedro Izquierdo) en 1963. Tuvo un breve período de gran popularidad, alcanzó su punto máximo en 1965 y pronto fue olvidado. Al parecer, para que funcionara correctamente se necesitaban 16 tambores más otros percusionistas y bailarines. [103]
Los inmigrantes haitianos se establecieron en Oriente y establecieron su estilo de música, llamado Tumba Francesa, que utiliza un tipo propio de tambor, baile y canto. Representa uno de los vínculos más antiguos y tangibles con la herencia afrohaitiana de la provincia de Oriente de Cuba y se desarrolló a partir de una fusión del siglo XVIII de música de Dahomey en África occidental y danzas tradicionales francesas . Este género fósil sobrevive hasta nuestros días en Santiago de Cuba y Haití, interpretado por conjuntos folclóricos especializados.
La Contradanza es un precursor importante de varios bailes populares posteriores. Llegó a Cuba a finales del siglo XVIII procedente de Europa, donde se había desarrollado primero como danza country inglesa y luego como contradanza francesa. El origen de la palabra es una corrupción del término inglés "country dance". [104] Manuel Saumell escribió más de cincuenta contradanzas (en 2/4 o 6/8), en las que su inventiva rítmica y melódica era asombrosa.
La Contradanza es una danza secuencial comunitaria, en la que las figuras de la danza se ajustan a un patrón establecido. La selección de figuras para un baile en particular generalmente la realizaba un maestro de ceremonias o un líder de baile. Fueron dos partes de 16 compases cada una, bailadas en formato de línea o cuadrado. El tempo y el estilo de la música eran brillantes y bastante rápidos.
La primera composición criolla cubana de una Contradanza apareció publicada en La Habana en 1803 y recibió el nombre de San Pascual bailón . Esta versión muestra por primera vez el conocido ritmo del "Tango" o "Habanera" que lo diferencia de la contradanza europea. Los cubanos desarrollaron varias versiones criollas, como el "paseo", la "cadena", el "sostenido" y el "cedazo". Esta criollización es un ejemplo temprano de la influencia de las tradiciones africanas en el Caribe. La mayoría de los músicos eran negros o mulatos (incluso a principios del siglo XIX había muchos esclavos liberados y mestizos viviendo en los pueblos cubanos). "Las mujeres de La Habana tienen un gusto furioso por el baile; pasan noches enteras elevadas, agitadas, locas y sudando a borbotones hasta caer exhaustas". [105]
La contradanza suplantó al minueto como baile más popular hasta que a partir de 1842 dio paso a la habanera, un estilo bien diferente. [106]
Este género, hijo de la contradanza, también se bailaba en hileras o cuadros. También era una forma enérgica de música y danza en ritmo doble o triple. A un paseo repetido de 8 compases le siguieron dos secciones de 16 compases llamadas primera y segunda. Un famoso compositor de danzas fue Ignacio Cervantes , cuyas cuarenta y una danzas cubanas marcaron un hito en el nacionalismo musical. Este tipo de baile finalmente fue reemplazado por el danzón, que era, como la habanera, mucho más lento y tranquilo. [107]
La habanera surgió de la contradanza a principios del siglo XIX. Su gran novedad fue que se cantaba , además de tocarse y bailarse. Escrita en 2/4 de metro, la Habanera se caracteriza por un desarrollo melodioso expresivo y lánguido y su ritmo característico llamado "Ritmo Habanera".
El estilo de baile de la habanera es más lento y majestuoso que la danza. En la década de 1840 se escribían, cantaban y bailaban habaneras en México, Venezuela, Puerto Rico y España. [108] Desde aproximadamente 1900, la habanera ha sido una danza reliquia; pero la música tiene un encanto de época, y hay algunas composiciones famosas, como Tú de Eduardo Sánchez de Fuentes, que ha sido grabada en muchas versiones.
Han aparecido versiones de composiciones de tipo habanera en la música de Ravel , Bizet , Saint-Saëns , Debussy , Fauré , Albeniz . El ritmo es similar al del tango , y algunos creen que la habanera es el padre musical del tango. [109]
La influencia europea en el desarrollo musical posterior de Cuba está representada por el danzón , una forma musical elegante que alguna vez fue más popular que el Son en Cuba. Es descendiente de la contradanza cubana criolla . El danzón marca el cambio del estilo de baile de secuencia comunitaria de finales del siglo XVIII a los bailes en pareja de épocas posteriores. El estímulo para esto fue el éxito del alguna vez escandaloso vals , donde las parejas bailaban una frente a la otra, independientemente de otras parejas y no como parte de una estructura preestablecida. El danzón fue el primer baile cubano en adoptar tales métodos, aunque existe una diferencia entre los dos bailes. El vals es un baile de salón progresivo en el que las parejas se mueven por la pista en sentido antihorario; el danzón es un baile de 'pañuelo' donde la pareja permanece dentro de un área pequeña de la pista. [110]
El danzón fue desarrollado por Miguel Faílde en Matanzas , siendo la fecha oficial de origen 1879. [111] La de Failde era una orquesta típica , una forma derivada de bandas militares, que utilizaba metales, timbales, etc. El desarrollo posterior de la charanga fue más Adecuado para salón interior y es un formato orquestal que sigue siendo popular hoy en día en Cuba y algunos otros países. La charanga utiliza contrabajo , violonchelo , violines , flauta , piano , paila criolla y güiro . Este cambio en la configuración instrumental se ilustra en las primeras bandas cubanas .
De vez en cuando en su 'carrera', el danzón adquirió influencias africanas en su estructura musical. Se volvió más sincopado , sobre todo en su tercera parte. El mérito de esto se le da a José Urfé , quien incorporó elementos del son en la última parte del danzón en su composición El bombin de Barreto (1910). [112] Tanto el danzón como la charanga han tenido una gran influencia en desarrollos posteriores.
El danzón se exportó con gran éxito popular en toda América Latina, especialmente en México. Ahora es una reliquia, tanto en la música como en la danza, pero sus descendientes altamente orquestados viven en charangas que Faílde y Urfé probablemente no reconocerían. Juan Formell ha tenido una gran influencia a través de su reorganización de la Orquesta Revé primero y luego de Los Van Van .
Los primeros danzones eran puramente instrumentales. El primero en introducir una parte vocal en un Danzón fue Aniceto Díaz (en 1927 en Matanzas ), a la que llamó Rompiendo la rutina , creando así un nuevo género denominado Danzonete. Posteriormente, el cantor negro Barbarito Diez se incorporó a la charanga de Antonio María Romeu en 1935 y, a lo largo de los años, grabó once discos de Danzonetes. Todas las formas posteriores del Danzón han incluido voces.
El 20 de enero de 1801, Buenaventura Pascual Ferrer publicó una nota en un periódico llamado "El Regañón de La Habana", en la que se refiere a ciertos cantos que "corren afuera por ahí a través de voces vulgares". Entre ellos mencionó una guaracha llamada "La Guabina", de la cual dice: "en la voz de quienes la cantan, sabe a cualquier cosa sucia, indecente o asquerosa que se pueda imaginar". Posteriormente, en fecha indeterminada, aparece publicada "La Guabina" entre las primeras partituras musicales impresas en La Habana a principios del siglo XIX. [113]
Según los comentarios publicados en "El Regañón de La Habana", se puede concluir que aquellas guarachas eran muy populares entre la población habanera de aquella época, pues en el mismo artículo antes mencionado el autor dice: "pero lo más importante, Lo que más me molesta es la libertad con la que se cantan una serie de cánticos por las calles y casas de la ciudad, donde se insulta la inocencia y se ofende la moral... por parte de muchos individuos, no sólo de las clases más bajas, sino también de algunas personas que son "Se supone que debe llamarse bien educado". Por tanto, se puede decir que aquellas guarachas de contenido muy audaz, aparentemente ya eran cantadas dentro de un amplio sector social de la población habanera. [113]
Según Alejo Carpentier (citando a Buenaventura Pascual Ferrer), a principios del siglo XIX se celebraban en La Habana hasta cincuenta fiestas bailables cada día, donde se cantaba y bailaba la famosa "guaracha", entre otras piezas populares. [114]
La guaracha es un género de ritmo rápido y letra cómica o picaresca. [115] Se originó a finales del siglo XVIII y durante principios del siglo XX todavía se tocaba a menudo en los burdeles y otros lugares de La Habana. [116] [117] La letra estaba llena de jerga y se centraba en eventos y personas en las noticias. Rítmicamente, la guaracha exhibe una serie de combinaciones rítmicas, como 6/8 con 2/4. [118]
Muchos de los primeros trovadores, como Manuel Corona (que trabajaba en una zona de burdeles de La Habana), compusieron y cantaron guarachas como equilibrio para los boleros y canciones más lentos. El contenido satírico de las letras también encajaba bien con el son, y muchas bandas tocaron ambos géneros. A mediados del siglo XX, los conjuntos y big bands adoptaron el estilo como un tipo de música acelerada. Hoy parece que ya no existe como una forma musical distinta; ha sido absorbido por las vastas fauces de la Salsa . A los cantantes que saben manejar letras rápidas y son buenos improvisadores se les llama guaracheros o guaracheras .
Desde el siglo XVIII (al menos) hasta la actualidad, los formatos teatrales populares utilizaron y dieron origen a la música y la danza. Muchos compositores y músicos famosos iniciaron sus carreras en los teatros y muchas composiciones famosas se estrenaron por primera vez en los escenarios. Además de poner en escena algunas óperas y operetas europeas, los compositores cubanos desarrollaron gradualmente ideas que se adaptaban mejor a su público. La música grabada iba a ser el medio para que la música cubana llegara al mundo. El artista más grabado en Cuba hasta 1925 fue el cantante de la Alhambra , Adolfo Colombo . Los registros muestran que grabó alrededor de 350 números entre 1906 y 1917. [119]
El primer teatro de La Habana se inauguró en 1776. La primera ópera compuesta por cubanos apareció en 1807. La música teatral tuvo una enorme importancia en el siglo XIX [120] y la primera mitad del siglo XX; su importancia sólo comenzó a decaer con el cambio del clima político y social en la segunda parte del siglo XX. La radio, que comenzó en Cuba en 1922, ayudó al crecimiento de la música popular porque proporcionó publicidad y una nueva fuente de ingresos para los artistas.
La zarzuela es un formato de opereta ligera de pequeño formato . Comenzando con contenido español importado ( Lista de compositores de zarzuela ), se convirtió en un comentario continuo sobre los acontecimientos y problemas sociales y políticos de Cuba. Zarzuela tiene la distinción de proporcionar las primeras grabaciones de Cuba: la soprano Chalía Herrera (1864-1968) realizó, fuera de Cuba, las primeras grabaciones de un artista cubano. Grabó temas de la zarzuela gaditana de 1898 en cilindros Bettini sin numerar . [121]
La zarzuela alcanzó su apogeo en la primera mitad del siglo XX. Una ristra de compositores de primer nivel como Gonzalo Roig , Eliseo Grenet , Ernesto Lecuona y Rodrigo Prats produjeron una serie de éxitos para los teatros Regina y Martí de La Habana. Grandes estrellas como la vedette Rita Montaner , que sabía cantar, tocar el piano, bailar y actuar, eran los equivalentes cubanos de Mistinguett y Josephine Baker en París. Algunas de las zarzuelas más conocidas son La virgen morena (Grenet), La Niña Rita (Grenet y Lecuona), María la O , El batey , Rosa la China (todas Lecuona); Gonzalo Roig con La Habana de noche ; Rodrigo Prats con Amalia Batista y La perla del caribe ; y, sobre todo, Cecilia Valdés (el musical de la novela cubana más famosa del siglo XIX, con música de Roig y guión de Prats y Agustín Rodríguez). Entre los artistas que se presentaron al público en el teatro lírico se encuentran Caridad Suárez, María de los Ángeles Santana, Esther Borja e Ignacio Villa, que tenía una cara tan redonda y negra que Rita Montaner lo llamó Bola de Nieve .
Otra cantante famosa fue Maruja González Linares. Nacido de padres españoles en la localidad mexicana de Mérida, Yucatán en 1904, González viajó de Cuba a Estados Unidos siendo muy joven. Estudió técnicas vocales en Cuba, donde debutó en 1929 como cantante lírica en la Compañía del Maestro Ernesto Lecuona. González actuó en varios teatros de La Habana antes de emprender una gira por Estados Unidos y, a su regreso a La Habana, cantó La Bayadere y La viuda alegre en la misma ciudad. A principios de la década de 1930 firmó varios contratos en América Latina y España. Se casó con Perico Suárez. La Revolución Cubana la pilló en el extranjero y nunca regresó a su país. Murió en Miami en 1999.
El teatro bufo cubano es una forma de comedia, obscena y satírica, con personajes comunes que imitan tipos que se pueden encontrar en cualquier parte del país. El bufo tuvo su origen alrededor de 1800-15 cuando una forma más antigua, la tonadilla , comenzó a desaparecer de La Habana. Francisco Covarrubias el "caricaturista" (1775-1850) fue su creador. Gradualmente, los tipos cómicos se deshicieron de sus modelos europeos y se volvieron cada vez más criollos y cubanos. Al mismo tiempo, siguió la música. El argot de los cuarteles de esclavos y de los barrios pobres encontró su camino en letras que son las de la guaracha :
La guaracha ocupó un lugar predominante dentro del desarrollo del teatro vernáculo en Cuba, cuya aparición a principios del siglo XIX coincide con el surgimiento de los primeros géneros musicales autóctonos cubanos, la guaracha y la contradanza. Desde 1812, Francisco Covarrubias (considerado el padre del Teatro Bufo) fue sustituyendo en sus piezas teatrales los personajes típicos de la tonadilla escénica española por personajes criollos como guajiros, monteros, carreteros o peones. ". Esas transformaciones estructurales también estuvieron asociadas a ciertos cambios en el fondo musical de las piezas. Así, los géneros españoles como "jácaras", "tiranas", "boleras" o "villancicos", fueron sustituidos por "guarachas", "décimas" y "canciones cubanas". [114]
El teatro vernáculo de diversos tipos suele incluir música. Todavía existen formatos parecidos al British Music Hall o al American Vaudeville , donde el público disfruta de un popurrí de cantantes, comediantes, bandas, sketches y actuaciones especiales. Incluso en los cines, durante las películas mudas, aparecían cantantes e instrumentistas en el intervalo, y durante las películas tocaba un pianista. Bola de Nieve y María Teresa Vera actuaron en cines en sus inicios. El burlesque también era común en La Habana antes de 1960.
En referencia al surgimiento de la Guaracha y, posteriormente, también de la Rumba Urbana en La Habana y Matanzas, cabe mencionar un importante y pintoresco sector social denominado Curros Negros. Compuesto por negros libres que habían llegado desde Sevilla en fecha indeterminada, este grupo se integraba a la población de negros y mulatos libres que vivían en las zonas marginales de la ciudad de La Habana. [122]
José Victoriano Betancourt, un escritor costumbrista cubano del siglo XIX, los describió así: "ellos [los curros] tenían un aspecto peculiar, y bastaba mirarlos para reconocerlos como curros: sus largos mechones de trenzas rizadas, que caían sobre su cara y cuello como grandes milpiés, sus dientes cortados (afilados y puntiagudos) al estilo carabalí, sus camisas de tela fina bordada, sus pantalones, casi siempre blancos, o con rayas de colores, estrechos en la cintura y muy anchos en las piernas. ; los zapatos de lona, escotados con hebillas de plata, la chaqueta corta con cola puntiaguda, el sombrero de paja exagerado, con borlas de seda negras colgantes, y los gruesos aros de oro que llevaban en las orejas, de los que colgaban ciervos y candados de la mismo metal, formando un adorno que sólo ellos usan;... esos eran los curros de El Manglar (El barrio del manglar)." [123]
El curro se dedicaba a la vagancia, el robo y el proxenetismo, mientras su compañera, la curra, también llamada "mulata de rumbo", ejercía la prostitución en Cuba . Según Carlos Noreña, era conocida por el uso de mantones de burato, de minucioso trabajo y flecos trenzados, por los que pagaban de nueve a diez onzas de oro", así como por el típico chanclete que hacían con sus zapatillas de madera [124]
Pero los Curros también brindaron entretenimiento, con cantos y bailes, a los miles de españoles que cada año llegaban a la Isla en los barcos que seguían la "Carrera de Indias", ruta establecida por la Corona española para sus galeones con el fin de evitar ataques de piratas y corsarios, y permanecieron durante meses hasta regresar al Puerto de Sevilla.
Al estar sujetos a la influencia de la cultura española y africana desde su nacimiento, se supone que jugaron un papel importante en la criollización del prototipo original de canto-danza español (copla-estribillo) que dio origen a la guaracha cubana. El curro negro y la mulata de rumbo desaparecieron desde mediados del siglo XIX al integrarse a la población general habanera, pero sus imágenes pintorescas sobrevivieron en prototipos sociales manifestados en los personajes del Teatro Bufo. [125]
Las famosas "Mulatas de Rumbo" Juana Chambicú y María La O, así como los "cheches" negros José Caliente "que parte en dos a quienes se le oponen", [ 126] Candela, "negrito que moscas y cortes con cuchillo", así como el Curro Negro Juán Cocuyo, estuvieron fuertemente ligados a la imagen característica del Curro Negro y al ambiente de la Guaracha y la Rumba. [127]
La palabra Rumba es un término abstracto que se ha aplicado con diferentes propósitos a una amplia variedad de temas durante mucho tiempo. Desde el punto de vista semántico, el término rumba se incluye en un grupo de palabras con significado similar como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, mambo, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe. Todos ellos denotan un origen congoleño debido a la utilización de combinaciones sonoras como, mb, ng y nd, propias del complejo lingüístico Níger-Congo. [128]
Quizás el más antiguo y general de sus significados sea el de fiesta o "holgorio". Ya en la segunda mitad del siglo XIX, esta palabra se puede encontrar utilizada varias veces para representar una fiesta en un cuento llamado "La mulata de rumbo", del folclorista cubano Francisco de Paula Gelabert: "Tengo más disfrute y divertirme en una rumbita con los de mi color y clase", o "Leocadia se estaba acostando, como te decía, nada menos que a las doce del mediodía, cuando llegó uno de sus amigos de las rumbas, junto con otro joven que Él quería presentársela." [129] Según Alejo Carpentier "es significativo que la palabra rumba haya pasado al idioma cubano como sinónimo de holgorio, baile lascivo, juerga con mujeres del rumbo". [130]
A modo de ejemplo, en el caso de las fiestas Yuka, Makuta y Changüí en Cuba, así como de la Milonga y el Tango en Argentina, la palabra rumba se utilizó originalmente para denominar una reunión festiva; y con el tiempo se utilizó para nombrar los géneros musicales y dancísticos que se tocaban en aquellas tertulias.
Entre muchos otros, algunas versiones del término "rumba incluyen un término general para la música cubana más rápida que comenzó a principios de la década de 1930 con The Peanut Vendor . Este término fue reemplazado durante la década de 1970 por salsa , que también es un término general. para comercializar la música cubana y otros géneros hispanocaribeños entre los no cubanos. En el programa de estudios de danza latinoamericano internacional, la rumba es un nombre inapropiado para el lento ritmo cubano llamado más exactamente bolero-son.
Algunos estudiosos han señalado que en referencia a la utilización de los términos rumba y guaracha, posiblemente se dé un caso de sinonimia , o el uso de dos palabras diferentes para denominar una misma cosa. Según María Teresa Linares: "durante los primeros años del siglo XX, se utilizaban al final de las obras de teatro vernáculo (Bufo) algunos fragmentos musicales que cantaban los autores, y que se llamaban rumba de cierre (rumba final)" y continúa explicando que aquellas (rumbas) "ciertamente eran guarachas". [131] Las piezas musicales utilizadas para cerrar esas obras pudieron haber sido llamadas indistintamente rumbas o guarachas, porque esos términos no denotaban ninguna diferencia genérica o estructural entre ellas. Linares también dijo al respecto: "Se conservan algunas grabaciones de guarachas y rumbas que no las diferencian en las partes de guitarra -cuando era un grupo pequeño, dúo o trío, o por la orquesta del teatro o un piano-. Las etiquetas de las grabaciones decían: diálogo y rumba (diálogo y rumba)." [131]
La rumba urbana (también llamada Rumba (de solar o de cajón) ), es una fusión de varias tradiciones africanas de tambores y danzas, combinadas con influencias españolas. Según el musicólogo cubano Argeliers León: "En la fiesta que constituyó una rumba concurrieron, por tanto, determinados aportes africanos, pero también convergieron otros elementos de raíz hispánica, que ya fueron incorporados a las expresiones que aparecían en la nueva población emergente en la Isla. " [132]
La rumba (de solar o de cajón) es un estilo musical secular procedente de los muelles y de las zonas menos prósperas de La Habana y Matanzas . Al principio, los rumberos utilizaban para tocar un trío de cajas de madera ( cajones ), que luego fueron sustituidas por tambores, de apariencia similar a las congas . El tambor triple se llama "quinto", el tambor de rango medio se llama "macho o tres-dos", porque su ritmo esencial se basa en el patrón de clave cubana, y el bombo se llama "hembra o salidor". ," porque usualmente comenzaba o "rompía" la rumba. [133] En el conjunto de Rumba también se utilizan dos palos o cucharas para golpear sobre un trozo hueco de bambú llamado "guagua" o "catá", así como las Claves cubanas, el Güiro y unos sonajeros de origen bantú llamados "nkembi". . [134]
La parte vocal de la rumba corresponde a una versión modificada del antiguo estilo español de "copla-estribillo", incluyendo una sección de "montuno" que se puede considerar un "estribillo" ampliado o desarrollado que constituye una sección independiente. que incluyen el estilo de llamada y respuesta , tan propio de las tradiciones africanas. [135]
De los muchos estilos de rumba que comenzaron a aparecer a finales del siglo XIX llamados "tiempos españoles" (Tiempo'españa), como la tahona, la jiribilla, el palatino y la resedá, han sobrevivido tres formas básicas de rumba: la columbia , el guaguancó y el yambú . El Columbia, tocado en compás de 6/8, a menudo es un baile solista interpretado únicamente por un artista masculino. Es rápido y veloz y también incluye movimientos agresivos y acrobáticos. El guaguancó lo bailan una pareja formada por un hombre y una mujer. La danza simula la persecución del hombre hacia la mujer. El yambú , hoy reliquia, presentaba una imitación burlesca de un anciano caminando con un bastón. Todas las formas de rumba van acompañadas de canciones o cánticos. [136] [137]
La rumba (de solar o de cajón) es hoy un género fósil que suele verse en Cuba en actuaciones de agrupaciones profesionales. También existen grupos de aficionados basados en Casas de Cultura y en grupos de trabajo. Como todos los aspectos de la vida en Cuba, la danza y la música son organizadas por el Estado a través de los Ministerios y sus diversos comités. [138]
Los Coros de Clave fueron agrupaciones corales populares que surgieron a principios del siglo XX en La Habana y otras ciudades cubanas.
El gobierno cubano sólo permitió que los negros, esclavos o libres, cultivaran sus tradiciones culturales dentro de los límites de ciertas sociedades de ayuda mutua, que fueron fundadas durante el siglo XVI. Según David H. Brown, esas sociedades, llamadas Cabildos, "ayudaban en tiempos de enfermedad y muerte, celebraban misas para los miembros fallecidos, recaudaban fondos para rescatar a los hermanos de la nación de la esclavitud, celebraban bailes y diversiones regulares los domingos y días festivos, y patrocinó misas religiosas, procesiones y grupos de baile de carnaval (ahora llamados comparsas) durante el ciclo anual de días festivos católicos". [139]
Dentro de los Cabildos de ciertos barrios de La Habana, Matanzas , Sancti Spíritus y Trinidad , se fundaron durante el siglo XIX algunas agrupaciones corales que organizaban actividades competitivas, y en algunas ocasiones eran visitadas por autoridades locales y vecinos que les entregaban dinero y presentes. Aquellas sociedades corales se denominaron Coros de Clave, probablemente por el instrumento que acompañaba sus actuaciones, las Claves cubanas . [140]
El acompañamiento de los coros incluyó también una guitarra y la percusión se ejecutó sobre la caja de resonancia de un banjo americano al que se le quitaron las cuerdas, debido a que la interpretación de tambores africanos estaba terminantemente prohibida en las ciudades cubanas. [141] El estilo de la música de Coros de Clave, y particularmente su ritmo, originó posteriormente un género de canción popular llamado Clave, que muy probablemente sirvió como el prototipo original para la creación del género criolla. Ambos géneros, la clave y la criolla, adquirieron gran popularidad dentro del repertorio del teatro vernáculo cubano.
De la misma manera que los primeros cantos-danzas españoles se extendieron de las ciudades al campo, también las características de la guaracha cubana , que gozó de gran popularidad en La Habana, comenzaron a extenderse a las zonas rurales en un tiempo indeterminado durante el siglo XIX. Este proceso no fue nada difícil si se considera lo cercanas que estaban las zonas urbanas y rurales en Cuba en ese momento. Fue por eso que los guajiros cubanos comenzaron a incluir en sus fiestas llamadas "guateques" o "changüís", y en fiestas como las "fiestas patronales" y las "parrandas", algunas Rumbitas ) que eran muy similares a las guarachas urbanas, cuyo metro binario contrastaba con el compás ternario de sus tradicionales tonadas y zapateos. [142]
Esas pequeñas rumbas rurales han sido llamadas por el reconocido musicólogo Danilo Orozco "proto-sones", "soncitos primigenios", "rumbitas", "nengones" o "marchitas", y algunas de ellas, como: Caringa, Papalote, Doña Joaquina, Anda Pepe y el Tingotalango se conservan hasta la actualidad. [143]
Las Rumbitas fueron consideradas como Proto-sones (Sones primigenios), por la evidente analogía que muestran sus componentes estructurales con el Son, surgido en La Habana durante las primeras décadas del siglo XX. Las Rumbitas pueden considerarse como el prototipo original de este género popular. [144]
Según la musicóloga Virtudes Feliú, aquellas Rumbitas aparecieron en ciudades y pueblos de todo el territorio de la Isla, como: Ciego de Ávila, Sancti Espíritus, Cienfuegos, Camagüey, Puerta de Golpe en Pinar del Río y Bejucal en La Habana, además de Remedios en Villa Clara e Isla de Pinos. [145]
Existen numerosas referencias a las Guerras de Independencia de Cuba (1868-1898), relacionadas con las Rumbitas rurales, tanto en la región Oriental del país como en la Occidental e Isla de Pinos, lo que sugiere que su surgimiento se produjo aproximadamente durante el siglo XIX. segunda mitad del siglo XIX. [146]
Las rumbitas rurales incluían un mayor número de características africanas en comparación con la guaracha cubana, debido a la paulatina integración de los ciudadanos afrocubanos libres al medio rural. [147]
Desde el siglo XVI, gracias a un programa aprobado por el gobierno llamado "manumisión", a los esclavos negros se les permitió pagar su libertad con sus propios ahorros. Por tanto, un mayor número de negros libres se dedicaron a los trabajos manuales en el campo que en las ciudades y algunos de ellos también pudieron convertirse en propietarios de tierras y esclavos. [148]
Una de las características más destacadas de las rumbitas rurales era su propia forma, muy similar a la estructura del canto típico africano. En este caso, toda la pieza se basó en un único fragmento musical o frase de corta duración que se repetía, con algunas variaciones, una y otra vez; a menudo alternando con un coro. Este estilo fue llamado "montuno" (literalmente "del campo") debido a su origen rural. [149]
Otra característica del nuevo género fue la superposición de diferentes patrones rítmicos ejecutados simultáneamente, de manera similar a como se utiliza en la Rumba Urbana, que también es un rasgo común de la tradición musical africana. [150] Esas capas o "franjas de sonoridades" según Argeliers León, fueron asignadas a diferentes instrumentos que paulatinamente se fueron incorporando al grupo. Así, el conjunto creció desde el tradicional tiple y güiro, a uno que incluía: guitarra, bandurria, laúd cubano, claves y otros instrumentos como la tumbandera , la marímbula , la botija , la los bongós , el machete común y el acordeón. [151]
A las capas de sonoridad se les asignaron algunas funciones musicales importantes, como: "Time Line" o Ritmo de Clave ejecutado por las claves, un ritmo de "1 corchea + 2 semicorcheas" ejecutado por el güiro o el machete, los patrones del "guajeo" por el Tres (instrumento) , la improvisación sobre los bongoes y el bajo anticipado sobre la "tumbandera" o la "botija". [152]
El origen del son cubano se remonta a las rumbas rurales, llamadas proto-sones (sones primitivos) por el musicólogo Danilo Orozco. Muestran, de forma parcial o embrionaria, todas las características que más tarde iban a identificar el estilo Son: la repetición de una frase llamada montuno , el patrón de clave, un contrapunto rítmico entre diferentes capas de la textura musical, la el guajeo del Tres, los ritmos de la guitarra, los bongós y el contrabajo y el estilo de llamada y respuesta entre solista y coro. [153] Según Radamés Giro: posteriormente el estribillo o montuno estaba ligado a una cuarteta (copla) llamada regina , que así llamaban los campesinos del oriente del país a la cuarteta. De esta manera, la estructura estribillo-cuarteta-estribillo aparece muy tempranamente en el Son Oriental, como en uno de los Sones más antiguos llamado "Son de Máquina" que consta de tres reginas con sus correspondientes estribillos. [154]
Durante un proyecto de investigación sobre la familia Valera-Miranda (antiguos Soneros) realizado por Danilo Orozco en la región de Guantánamo, registró una muestra de Nengón, el cual es considerado un antepasado de los Changüí. Muestra la estructura estribillo-cuarteta-estribillo mencionada anteriormente . En este caso, las varias repeticiones del estribillo constituyen un verdadero "montuno".
Estribillo: Yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti Nengón... (Nací para ti Nengón...) [155]
El "Nengón" es considerado un Proto-Son, precursor del Changüí y también del Son Oriental. Su principal característica es la alternancia de versos improvisados entre un solista y un coro. El Nengón se toca con Tres, Guitarra, Güiro y Tingotalango o Tumbandera. [156]
Changüí es un tipo de son procedente de las provincias orientales (zona de Santiago de Cuba y Guantánamo ), antiguamente conocida como Oriente . Comparte características relevantes con el Son Oriental en cuanto a ritmos, instrumentos y estribillos corales; y al mismo tiempo muestra ciertos elementos originales. [157]
Changüí existe hoy en forma de decenas de pequeños grupos, en su mayoría provenientes de la provincia de Guantánamo. [158] La instrumentación es similar a la de los primeros grupos de son que se establecieron en La Habana antes de 1920. Estos grupos de son, por ejemplo, los primeros Sexteto Boloña y Sexteto Habanero , usaban marimbulas o botijas como instrumentos bajos antes de cambiar a el contrabajo , musicalmente un instrumento más flexible.
Changui es una música y cultura genuinamente distintiva practicada por los residentes de la provincia de Guantánamo con su propia forma de danza social distintiva (danza en pareja). Los guantanameros participan en Changui en fiestas caseras (llamadas Peñas), fiestas callejeras, conciertos en lugares como la Casa de Changui, un baile semanal los lunes por la noche transmitido en vivo por Radio Guantánamo, un festival anual de Changui para celebrar el aniversario de Chito Latanble y el bi -Festival anual de Changui. A menudo hay una función de Changui la mayoría de las noches de la semana en la Provincia.
Algunas orquestas modernas, como la Orquesta Revé , han reivindicado el Changüí como su principal influencia. No está claro si esto es exacto o no.
También podemos encontrar en la Isla de Pinos, en el lado occidental opuesto de la Isla, un Proto-Son primitivo llamado Sucu-Sucu, que también muestra la misma estructura de los Proto-Sones Orientales. Según María Teresa Linares, En el Sucu-Sucu la música es similar a un Son Montuno en su estructura formal, melódica, instrumental y armónica. Un solista se alterna con un coro e improvisa sobre una cuarteta o una décima. La sección instrumental es introducida por el Tres, al que se unen gradualmente los demás instrumentos. A la introducción de ocho compases le sigue el estribillo del coro que se alterna con el solista varias veces. [159]
Una leyenda urbana afirma que el nombre "Sucu Sucu" proviene de la abuela de uno de los músicos locales de la Isla de Juventud. La banda tocaba en el patio, y los danzantes bailaban mientras arrastraban los pies sobre el suelo arenoso. La abuela salió de la casa para decir: "Por favor, deja de hacer ruido con todo ese sucu sucu", en referencia al sonido de los pies arrastrando los pies sobre el suelo arenoso. La leyenda afirma que el nombre se quedó y la música que bailaban los bailarines también comenzó a llamarse "Sucu Sucu".
En el siglo XIX, Santiago de Cuba se convirtió en el centro de un grupo de músicos itinerantes, trovadores, que se desplazaban ganándose la vida cantando y tocando la guitarra. [160] Fueron de gran importancia como compositores, y sus canciones han sido transcritas para todos los géneros de la música cubana.
Pepe Sánchez , nacido José Sánchez (1856-1918), es conocido como el padre del estilo trova y creador del bolero cubano. [161] No tenía ninguna formación formal en música. Con un talento natural notable, componía números mentalmente y nunca los anotaba. Como resultado, la mayoría de estos números se han perdido para siempre, aunque sobreviven unas dos docenas porque amigos y discípulos los transcribieron. Su primer bolero, Tristezas , aún hoy se recuerda. También creó jingles publicitarios antes de que naciera la radio. [162] Fue modelo y maestro de los grandes trovadores que lo siguieron. [163]
El primero, y uno de los más longevos, fue Sindo Garay (1867-1968). Fue un destacado compositor de canciones de trova, y las mejores han sido cantadas y grabadas muchas veces. Garay también era analfabeto musical –de hecho, solo aprendió el alfabeto por su cuenta a los 16 años–, pero en su caso no sólo fueron partituras grabadas por otros, sino que hay grabaciones. Garay se instaló en La Habana en 1906 y en 1926 se unió a Rita Montaner y otros para visitar París, donde pasó tres meses. Transmitió por radio, realizó grabaciones y sobrevivió hasta los tiempos modernos. Solía decir "¡No muchos hombres le han dado la mano a José Martí y a Fidel Castro !" [13] p298 [164]
José 'Chicho' Ibáñez (1875-1981) [165] vivió incluso más que Garay. Ibáñez fue el primer trovador que se especializó en el son ; también cantó guaguancós y piezas del abakuá .
El compositor Rosendo Ruiz (1885-1983) fue otro trovador longevo. Fue autor de un conocido manual de guitarra. Alberto Villalón (1882-1955) y Manuel Corona (1880-1950) eran de estatura similar. Garay, Ruiz, Villalón y Corona son conocidos como los cuatro grandes de la trova , aunque los siguientes trovadores también gozan de gran prestigio.
Patricio Ballagas (1879-1920); María Teresa Vera (1895–1965), Lorenzo Hierrezuelo (1907–1993), Ñico Saquito (Antonio Fernández: 1901–1982), Carlos Puebla (1917–1989) y Compay Segundo (Máximo Francisco Repilado Muñoz: 1907–2003) fueron todos Grandes músicos de trova. El Guayabero ( Faustino Oramas : 1911-2007) fue el último de la antigua trova.
Los músicos de trova a menudo trabajaban en parejas y tríos, algunos de ellos exclusivamente (Compay Segundo). A medida que el género sexteto/septeto/conjunto creció, muchos de ellos se unieron a grupos más grandes. Y no olvidemos al Trío Matamoros , que trabajaron juntos la mayor parte de su vida. Matamoros fue uno de los grandes. [166]
Esta es una forma de canto y baile bastante diferente de su homónimo español. Tiene su origen en el último cuarto del siglo XIX con el fundador de la trova tradicional , Pepe Sánchez . Escribió el primer bolero, Tristezas , que aún hoy se canta. El bolero siempre ha sido una parte básica del repertorio del músico de trova.
Originalmente, eran dos secciones de 16 compases en tiempo de 2/4 separadas por una sección instrumental de guitarra española llamada pasacalle . El bolero demostró ser excepcionalmente adaptable y dio lugar a muchas variantes. Típica fue la introducción de la adulación que condujo al bolero-moruno, bolero-beguine, bolero-mambo, bolero-cha. El bolero-son se convirtió durante varias décadas en el ritmo de baile más popular en Cuba, y fue este ritmo el que la comunidad de danza internacional recogió y enseñó como la mal llamada 'rumba'.
El bolero cubano se exportó a todo el mundo y sigue siendo popular. Los principales compositores del bolero fueron Sindo Garay , Rosendo Ruiz , Carlos Puebla y Agustín Lara (México). [161] [167] [168] [169] [170]
Canción significa 'canción' en español. Es un género popular de la música latinoamericana , particularmente en Cuba, de donde son originarias muchas de las composiciones. Sus raíces se encuentran en las canciones populares españolas, francesas e italianas. Originalmente muy estilizada, con "melodías intrincadas y letras oscuras, enigmáticas y elaboradas" [171] La canción fue democratizada por el movimiento de la trova en la última parte del siglo XIX, cuando se convirtió en un vehículo para las aspiraciones y sentimientos de la población. Canción se fusionó gradualmente con otras formas de música cubana, como el bolero. [172]
El vals ( El vals ) llegó a Cuba hacia 1814. Fue el primer baile en el que las parejas no estaban unidas por un patrón de secuencia comunal. Se bailaba, y se sigue bailando, en compás de 3/4 con acento en el primer tiempo. Al principio se consideró escandaloso porque las parejas se enfrentaban, se abrazaban en la bodega "cerrada" y, por así decirlo, ignoraban a la comunidad circundante. El vals entró en todos los países de América; su relativa popularidad en la Cuba del siglo XIX es difícil de estimar.
Las danzas indígenas cubanas no utilizaron el baile cerrado con parejas que bailaban de forma independiente hasta el danzón más adelante en el siglo, aunque la guaracha podría ser un ejemplo anterior. El vals tiene otra característica: es un baile "viajero", en el que las parejas se mueven por la arena. En los bailes latinos, el movimiento progresivo de los bailarines es inusual, pero ocurre en la conga , la samba y el tango .
El vals tropical se interpretó a un ritmo más lento y frecuentemente incluía una melodía cantada con un texto. Esos textos solían referirse a las bellezas del campo cubano, a las añoranzas de los siboneyes (aborígenes cubanos) y otros temas criollos. Con acentos en sus tres tiempos, su melodía era fluida y compuesta de notas de igual valor. Era similar a muchas otras canciones en las que la melodía era tratada de manera silábica, donde el primer tiempo no estaba acentuado por una breve anacrusis sino que tenía una tendencia a avanzar hacia el segundo tiempo como en la canción campesina (guajira). [173]
El son cubano es un estilo de música y baile que se originó en Cuba y ganó popularidad mundial durante la década de 1930. El son combina la estructura y los rasgos de la canción española con elementos estilísticos y de instrumentos de percusión afrocubanos . El Son cubano es una de las formas de música latinoamericana más influyentes y difundidas: sus derivados y fusiones, especialmente la salsa , se han extendido por todo el mundo. [174]
El Son, afirmó Cristóbal Díaz, es el género más importante de la música cubana, y el menos estudiado. [175] Se puede decir con justicia que el son es para Cuba lo que el tango es para Argentina , o la samba para Brasil . Además, es quizás la más flexible de todas las formas de música latinoamericana. Su gran fortaleza es su fusión entre las tradiciones musicales europeas y africanas. Sus instrumentos más característicos son el instrumento cubano conocido como tres , y el conocido bongó de dos cabezas ; estos están presentes desde el inicio hasta el día de hoy. También son típicas las claves , la guitarra española , el contrabajo (en sustitución de la temprana botija o marímbula ), tempranamente la corneta o trompeta y finalmente el piano.
A pesar de una tendencia tradicional a atribuir el origen del son cubano a la región oriental de Cuba (Oriente), más recientemente algunos musicólogos han mostrado una postura más inclusiva. Aunque Alejo Carpentier, Emilio Grenet y Cristóbal Díaz Ayala apoyan la teoría del "origen oriental", Argeliers León no menciona nada al respecto en su obra fundamental "Del Canto y el Tiempo", así como María Teresa Linares en "La música entre Cuba". y España." [176] Ramadamés Giro afirma al respecto: “Si el Son fue un fenómeno artístico que se fue desarrollando desde la segunda mitad del siglo XIX –y no sólo en la antigua provincia de Oriente–, es lógico suponer, pero no para afirmar, que mucho antes de 1909 se conoció en la Ciudad Capital (La Habana) por las razones antes expuestas." [177]
Fue en La Habana donde se produjo el encuentro de la rumba rural y la rumba urbana, que se habían ido desarrollando por separado durante la segunda mitad del siglo XIX. Los guaracheros y rumberos que tocaban el tiple y el güiro finalmente conocieron otros rumberos que cantaban y bailaban acompañados del cajón y la clave cubana, y el resultado fue la fusión de ambos estilos en un nuevo género llamado Son. . [178] Alrededor de 1910, el Son probablemente adoptó el ritmo de clave de la rumba habanera , que se había desarrollado a finales del siglo XIX en La Habana y Matanzas . [179]
La popularización masiva del son condujo a una mayor valorización de la cultura callejera afrocubana y de los artistas que la crearon. También abrió la puerta a que otros géneros musicales con raíces afrocubanas se hicieran populares en Cuba y en todo el mundo. [180]
La historia del jazz en Cuba estuvo oculta durante muchos años, pero ha quedado claro que su historia en Cuba es prácticamente tan larga como su historia en Estados Unidos. [181] [182] [ 183] [184] [185] [186]
Ahora se sabe mucho más sobre las primeras bandas de jazz cubanas , pero una evaluación completa se ve afectada por la falta de grabaciones. Las migraciones y visitas hacia y desde los EE. UU. y el intercambio mutuo de grabaciones y partituras mantuvieron en contacto a los músicos de los dos países. En la primera parte del siglo XX existían estrechas relaciones entre los músicos de Cuba y los de Nueva Orleans . El director de orquesta del famoso Tropicana Club , Armando Romeu Jr, fue una figura destacada en el desarrollo del jazz cubano después de la Segunda Guerra Mundial. El fenómeno cubop y las jam session organizadas por Cachao en La Habana y Nueva York crearon genuinas fusiones que influyen en los músicos de hoy.
Un historiador clave del primer jazz cubano es Leonardo Acosta. [181] [182] Otros han explorado la historia del jazz y el jazz latino más desde la perspectiva estadounidense. [183] [184] [185] [186]
La Jazz Band Sagua fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y piano). Integrantes: Hipólito Herrera (trompeta); Norberto Fabelo (corneta); Ernesto Ribalta (flauta y saxo); Humberto Domínguez (violín); Luciano Galindo (trombón); Antonio Temprano (tuba); Tomás Medina (batería); Marino Rojo (güiro). Durante catorce años se presentaron en el Teatro Principal de Sagua . Stacholy estudió con Antonio Fabré en Sagua y completó sus estudios en Nueva York, donde permaneció tres años. [187]
La Banda de Jazz de Cuba fue fundada en 1922 por Jaime Prats en La Habana. En el personal estaba su hijo Rodrigo Prats al violín, el gran flautista Alberto Socarrás a la flauta y el saxofón y Pucho Jiménez al trombón slide. La formación probablemente habría incluido contrabajo, batería, banjo y al menos corneta. Trabajos anteriores la citaban como la primera banda de jazz en Cuba, [188] pero evidentemente hubo grupos anteriores.
En 1924 Moisés Simons (piano) fundó un grupo que tocaba en el jardín de la azotea del Hotel Plaza de La Habana, y estaba integrado por piano, violín, dos saxos, banjo, contrabajo, batería y timbales. Entre sus integrantes se encontraban Virgilio Diago (violín); Alberto Soccarás (alto saz, flauta); José Ramón Betancourt (saxo tenor); Pablo O'Farrill (f. bajo). En 1928, todavía en el mismo local, Simons contrató a Julio Cueva , famoso trompetista, y a Enrique Santiesteban, futura estrella mediática, como vocalista y baterista. Se trataba de instrumentistas de primer nivel, atraídos por unos honorarios elevados de 8 dólares al día. [181] p28
Durante la década de 1930 varias bandas tocaron Jazz en La Habana, como las de Armando Romeu, Isidro Pérez, Chico O'Farrill y Germán Lebatard. Su aporte más importante fue su propio formato instrumental, que introdujo la sonoridad típica del Jazz al público cubano. Otro elemento importante dentro de este proceso fueron los arreglos de músicos cubanos como Romeu, O'Farrill, Bebo Valdés, Peruchín Jústiz y Leopoldo "Pucho" Escalante. [189]
El jazz afrocubano es la forma más temprana de jazz latino y mezcla ritmos basados en claves afrocubanas con armonías de jazz y técnicas de improvisación. El jazz afrocubano surgió por primera vez a principios de la década de 1940, con los músicos cubanos Mario Bauza y Frank Grillo "Machito" en la banda Machito and his Afro-Cubans, con sede en la ciudad de Nueva York. En 1947, las colaboraciones del innovador del bebop Dizzy Gillespie con el percusionista cubano Chano Pozo llevaron los ritmos e instrumentos afrocubanos, sobre todo la tumbadora y el bongo, a la escena del jazz de la costa este. Las primeras combinaciones de jazz con música cubana, como "Manteca" de Dizzy y Pozo y "Mangó Mangüé" de Charlie Parker y Machito, se conocían comúnmente como "Cubop", abreviatura de bebop cubano. [190] Durante sus primeras décadas, el movimiento de jazz afrocubano fue más fuerte en los Estados Unidos que en la propia Cuba. [191] A principios de la década de 1970, la Orquesta Cubana de Música Moderna y más tarde Irakere llevaron el jazz afrocubano a la escena musical cubana, influyendo en nuevos estilos como el songo.
En 1930, Don Azpiazú [192] tuvo el primer disco de música cubana con ventas millonarias: El vendedor de maní (El Manisero), con Antonio Machín como cantante. [193] Este número había sido orquestado e incluido en el teatro de Nueva York por Azpiazú antes de grabarlo, lo que sin duda ayudó con la publicidad. Los Lecuona Cuban Boys [194] se convirtieron en el conjunto cubano de gira más conocido: fueron los que utilizaron por primera vez el tambor de conga en su conjunto y popularizaron la conga como baile. Xavier Cugat en el Waldorf Astoria fue muy influyente. [195] En 1941, Desi Arnaz popularizó el tambor comparsa (similar a la conga) en Estados Unidos con sus interpretaciones de Babalú . En aquella época reinaba una auténtica locura por la rumba. [196] Posteriormente, Mario Bauza y Machito se instalaron en Nueva York y allí también llegó Miguelito Valdés .
En la década de 1940, Chano Pozo [197] formó parte de la revolución del bebop en el jazz , tocando la conga con Dizzy Gillespie y Machito en la ciudad de Nueva York. El jazz cubano había comenzado mucho antes, en La Habana, en el período 1910-1930.
Arsenio Rodríguez , uno de los tresistas y líderes de conjuntos más famosos de Cuba, enfatizó las raíces africanas del son adaptando el estilo guaguancó y agregando un cencerro y una conga a la sección rítmica. También amplió el papel del tres como instrumento solista. [198]
A finales de los años 1930 y 1940, la danzonera Arcaño y sus Maravillas incorporó más síncopa y añadió un montuno (como en son), transformando la música interpretada por las orquestas de charanga . [199]
La era de las big band llegó a Cuba en la década de 1940 y se convirtió en un formato dominante que sobrevive. Dos grandes arreglistas-directores de orquesta merecen un crédito especial por esto, Armando Romeu Jr. y Dámaso Pérez Prado . Armando Romeu Jr. dirigió la orquesta Tropicana Cabaret durante 25 años, a partir de 1941. Tenía experiencia tocando con grupos de jazz estadounidenses visitantes, así como un dominio completo de las formas musicales cubanas. En sus manos, el Tropicana presentó no sólo música afrocubana y otras músicas populares cubanas, sino también jazz cubano y composiciones de big band estadounidenses. Posteriormente dirigió la Orquesta Cubana de Música Moderna . [181] [200] [201]
Dámaso Pérez Prado tuvo varios éxitos y vendió más discos 78 que cualquier otra música latina de la época. Asumió el rol de pianista/arreglista de la Orquesta Casino de la Playa en 1944, e inmediatamente comenzó a introducir nuevos elementos en su sonido. La orquesta comenzó a sonar más afrocubana y, al mismo tiempo, Prado tomó influencias de Stravinsky , Stan Kenton y otros. Cuando dejó la orquesta en 1946 ya había reunido los elementos de su big band mambo: [202] “Sobre todo hay que destacar la labor de Pérez Prado como arreglista, o mejor aún, compositor y arreglista, y su clara influencia en la mayoría de los otros arreglistas cubanos a partir de entonces." [181] p86
Benny Moré , considerado por muchos como el mejor cantante cubano de todos los tiempos, estuvo en su apogeo en la década de 1950. Tenía una musicalidad innata y una fluida voz de tenor, que coloreaba y expresaba con gran expresividad. Aunque no sabía leer música, Moré era un maestro de todos los géneros, incluido el son montuno, mambo, guaracha, guajira, cha cha cha, afro, canción, guaguancó y bolero. Su orquesta, la Banda Gigante, y su música, fueron un desarrollo –más flexible y fluido en estilo– de la orquesta de Pérez Prado , con la que cantó en 1949-1950.
Tres grandes innovaciones basadas en la música cubana llegaron a EE.UU. después de la Segunda Guerra Mundial: la primera fue Cubop , lo último del jazz latino fusión. En esto, Mario Bauzá y la orquesta Machito del lado cubano y Dizzy Gillespie del lado estadounidense fueron los principales impulsores. El ruidoso conguero Chano Pozo también fue importante, ya que introdujo a los músicos de jazz en los ritmos cubanos básicos. El jazz cubano ha seguido siendo una influencia significativa.
El mambo entró por primera vez en los Estados Unidos alrededor de 1950, aunque las ideas se habían estado desarrollando en Cuba y Ciudad de México durante algún tiempo. El mambo tal como se entendía en Estados Unidos y Europa era considerablemente diferente del danzón-mambo de Orestes "Cachao" López , que era un danzón con síncopa extra en su parte final. El mambo, que se hizo famoso internacionalmente, fue un producto de big band, obra de Pérez Prado , quien hizo algunas grabaciones sensacionales para RCA en sus nuevos estudios de grabación en la Ciudad de México a fines de la década de 1940. Alrededor de 27 de esas grabaciones tuvieron a Benny Moré como cantante, aunque los más vendidos fueron principalmente instrumentales. Los grandes éxitos incluyeron "Que rico el mambo" (Mambo Jambo); " Mambo N°5 "; "Mambo#8"; " Rosa Cereza (y Blanco Flor de Manzana) ". El éxito posterior (1955), "Patricia", fue una fusión de mambo y rock. [203] El mambo del Prado era más descendiente del son y de la guaracha que del danzón. En Estados Unidos, la moda del mambo duró aproximadamente entre 1950 y 1956, pero su influencia en el bugaloo y la salsa que le siguieron fue considerable.
El violinista Enrique Jorrín inventó el chachachá a principios de los años cincuenta. Este se desarrolló a partir del danzón por síncopa aumentada . El chachachá se hizo más popular fuera de Cuba cuando las grandes bandas de Pérez Prado y Tito Puente produjeron arreglos que atrajeron al público estadounidense y europeo. [204]
Junto con los "nuyoricanos" Ray Barretto y Tito Puente y otros, varias oleadas de inmigrantes cubanos introdujeron sus ideas en la música estadounidense. Entre estos se encontraba Celia Cruz , cantante de guaracha . Otros estuvieron activos en el jazz latino, como el percusionista Patato Valdés de la "Tipíca '73" de orientación cubana, vinculada a la Fania All-Stars . Varios ex miembros de Irakere también han tenido mucho éxito en Estados Unidos, entre ellos Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval . Tata Güines , un famoso conguero, se mudó a la ciudad de Nueva York en 1957, tocando con músicos de jazz como Dizzy Gillespie , Maynard Ferguson y Miles Davis en Birdland . Como percusionista, actuó con Josephine Baker y Frank Sinatra . Regresó a Cuba en 1959 después de que Fidel Castro llegara al poder en la Revolución Cubana , que ayudó a financiar con contribuciones de sus ganancias como músico. [205]
Mambo es un género musical y estilo de baile que se desarrolló originalmente en Cuba. La palabra "Mambo", al igual que otras denominaciones musicales afroamericanas como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bamboula, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, denotan un origen africano, particularmente del Congo, debido a la presencia de determinadas combinaciones características de sonidos, como mb, ng y nd, que pertenecen al complejo lingüístico Níger-Congo.
Las primeras raíces del mambo cubano se remontan al "Danzón de Nuevo Ritmo" (Danzón con un nuevo ritmo) popularizado por la orquesta "Arcaño y sus Maravillas" dirigida por el famoso director de orquesta Antonio Arcaño . Fue el primero en denominar a una sección del popular danzón cubano como "Mambo". Fue el violonchelista de Arcaño, Orestes López , quien creó el primer Danzón llamado "Mambo" (1938). [206] En esta pieza se combinaron algunos motivos sincopados, tomados del estilo Son , con pasajes improvisados de flauta. [207]
Pianista y arreglista matancero, Cuba, Dámaso Pérez Prado (1927) fijó su residencia en La Habana a principios de la década de 1940 y comenzó a trabajar en centros nocturnos y orquestas, como la de Paulina Álvarez y el Casino de La Playa. En 1949 viaja a México en busca de oportunidades laborales y logra gran éxito con un nuevo estilo, al que le asigna un nombre que ya había sido utilizado por Antonio Arcaño, el "Mambo". [208]
El estilo de Pérez Prado se diferenciaba del anterior concepto "Mambo". El nuevo estilo poseía una mayor influencia de la música de las bandas de jazz norteamericanas y una instrumentación ampliada que constaba de cuatro o cinco trompetas, cuatro de cinco saxofones, contrabajo, batería, maracas, cencerro, congas y bongoes. El nuevo "Mambo" incluía un pegadizo contrapunto entre las trompetas y los saxofones, que impulsaba al cuerpo a moverse con el ritmo, estimulado al final de cada frase musical por una característica expresión sonora de garganta profunda. [209]
Las grabaciones de Prado estaban destinadas a los mercados latinoamericano y estadounidense, pero algunos de sus mambos más célebres, como "Mambo No. 5" y "Que Rico el Mambo", rápidamente cruzaron a los Estados Unidos. [210]
Chachachá es un género de música cubana. Ha sido una música de baile popular que se desarrolló a partir del Danzón-mambo a principios de la década de 1950 y se hizo muy popular en todo el mundo.
Chachachávis es un género musical cubano cuya creación se ha atribuido tradicionalmente al compositor y violinista cubano Enrique Jorrín , quien inició su carrera tocando en la charanga Orquesta América . [212]
Según testimonio de Enrique Jorrín , compuso unos " Danzones " en los que el músico de la orquesta debía cantar estribillos cortos, y este estilo tuvo mucho éxito. En el danzón "Constancia" introdujo algunos montunos y el público se animó a sumarse a cantar los estribillos. Jorrín también pidió a los integrantes de la orquesta cantar al unísono para que la letra se escuche con mayor claridad y lograr un mayor impacto en el público. Esa forma de cantar también ayudó a enmascarar las malas habilidades para el canto de los miembros de la orquesta.
Desde sus inicios, la música chachachá tuvo una estrecha relación con los pasos del bailarín. El conocido nombre Chachachá surgió con la ayuda de los bailarines del Silver Star Club de La Habana. Cuando el baile se acopló al ritmo de la música, se hizo evidente que los pies del bailarín hacían un sonido peculiar mientras rozaban el suelo en tres tiempos sucesivos. Era como una onomatopeya que sonaba como: Chachachá. De este peculiar sonido nació un género musical que motivó a personas de todo el mundo a bailar con su pegadizo ritmo. [213]
Según Olavo ALén: "Durante la década de 1950, el Chachachá mantuvo su popularidad gracias al esfuerzo de muchos compositores cubanos que conocían la técnica de componer danzones y que desataron su creatividad en el Chachachá", como Rosendo Ruiz, Jr. (" Los Marcianos" y "Rico Vacilón"), Félix Reina ("Dime Chinita", "Como Bailan Cha-cha-chá los Mexicanos"), Richard Egűes ("El Bodeguero" y "La Cantina") y Rafael Lay ("Cero Codazos, Cero Cabezazos"). [214]
El Chachachá se presentó por primera vez al público a través del medio instrumental de la charanga , un formato de banda de baile típica cubana compuesta por flauta, cuerdas, piano, bajo y percusión. La popularidad del Chachachá también revivió la popularidad de este tipo de orquesta. [215]
El filin era una moda cubana de las décadas de 1940 y 1950, influenciada por la música popular de Estados Unidos. La palabra se deriva de sentimiento . Describe un estilo de canción romántica (canturreo) post-micrófono con influencia del jazz. [216] Sus raíces cubanas estaban en el bolero y la canción. Algunos cuartetos cubanos, como el Cuarteto d'Aida y Los Zafiros , se inspiraron en grupos de estrecha armonía estadounidenses. Otros eran cantantes que habían escuchado a Ella Fitzgerald , Sarah Vaughan y Nat King Cole . Una casa en La Habana, donde vivió el trovador Tirso Díaz, se convirtió en lugar de encuentro de cantantes y músicos interesados en el filin como: Luis Yañez, César Portillo de la Luz , José Antonio Méndez, Niño Rivera , José Antonio Ñico Rojas , Elena Burke. , Froilán , Aida Diestro y Frank Emilio Flynn . Aquí letristas y cantantes podían conocer a arreglistas, como Bebo Valdés , El Niño Rivera (Andrés Hechavarria), Peruchín (Pedro Justiz), y obtener ayuda para desarrollar su trabajo. Entre los cantantes filines se encontraban César Portillo de la Luz , José Antonio Méndez, quien pasó una década en México de 1949 a 1959, Frank Domínguez , el pianista ciego Frank Emilio Flynn , y las grandes cantantes de boleros Elena Burke y la todavía intérprete Omara Portuondo . quienes ambos procedían del Cuarteto d'Aida. El movimiento filin originalmente tenía un lugar todas las tardes en Radio Mil Diez . Algunos de sus cantantes más destacados, como Pablo Milanés , retomaron posteriormente la bandera de la Nueva Trova .
La música cubana moderna es conocida por su incesante mezcla de géneros . Por ejemplo, en la década de 1970, Los Irakere utilizaron batá en un ambiente de big band ; esto pasó a ser conocido como son-batá o batá-rock. Artistas posteriores crearon el mozambique , que mezclaba conga y mambo , y batá-rumba , que mezclaba rumba y música de tambor batá. También son habituales las mezclas que incluyen elementos de hip hop , jazz y rock and roll , como en el rockoson de Habana Abierta .
El triunfo de la Revolución Cubana en 1959 marcó la emigración de muchos músicos a Puerto Rico , Florida y Nueva York , y en Cuba los artistas y sus obras quedaron bajo la protección (y control) del Estado socialista y del monopolio discográfico estatal. empresa EGREM . El gobierno de Castro abolió las leyes de derechos de autor en Cuba, cerró muchos de los lugares donde solía tocarse música popular (por ejemplo, clubes nocturnos), y así indirectamente dejó sin trabajo a muchos músicos. [181] p202 Esto sin duda tuvo efectos nocivos en la evolución de la música y la danza populares. [217]
Muchos músicos jóvenes ahora estudiaban música clásica y no música popular. Todos los músicos empleados por el estado recibieron cursos académicos de música. En Cuba, el movimiento Nueva Trova (incluido Pablo Milanés ) reflejó los nuevos ideales izquierdistas. El estado se hizo cargo del lucrativo Tropicana Club , que continuó como una atracción popular para los turistas extranjeros hasta 1968, cuando fue cerrado junto con muchos otros locales de música (y luego reabierto con el renacimiento del turismo). [181] p202 El turismo fue casi inexistente durante tres décadas. La música tradicional cubana se puede encontrar en las Casas de la Trova locales. Los músicos, si trabajaban, trabajaban a tiempo completo y eran pagados por el estado después de graduarse en un conservatorio. El colapso de la URSS en 1991 y la pérdida de su apoyo a Cuba cambiaron bastante la situación. El turismo volvió a ser respetable y también la música popular para su entretenimiento. A los músicos incluso se les permitió realizar giras en el extranjero y ganarse la vida fuera del sistema estatal.
Artistas famosos del exilio cubano incluyen a Celia Cruz y todo el conjunto con el que cantó, la Sonora Matancera . 'Patato' ( Carlos Valdés ), Cachao , La Lupe , Arturo Sandoval , Willy Chirino , Hansel y Raúl, La Palabra , Paquito D'Rivera , Bebo Valdés y Gloria Estefan son algunos otros. Muchos de estos músicos, especialmente Cruz, se asociaron estrechamente con el movimiento antirrevolucionario y como " no personas " [218] han sido omitidos de los libros de referencia cubanos estándar, y sus grabaciones musicales posteriores nunca están a la venta en Cuba. [219]
La salsa fue la cuarta innovación basada en la música cubana que llegó a Estados Unidos y se diferenciaba en que inicialmente se desarrolló en Estados Unidos, no en Cuba. Debido a que Cuba tiene tantos tipos de música autóctona, siempre ha habido un problema a la hora de comercializar el "producto" en el extranjero entre personas que no entendían las diferencias entre ritmos que, para un cubano, son bastante distintos. Así, dos veces en el siglo XX se desarrolló una especie de etiqueta de producto para resolver este problema. La primera ocasión fue en la década de 1930, después de que " The Peanut Vendor " se convirtiera en un éxito internacional. Se llamó 'rumba' aunque en realidad no tenía nada que ver con la rumba genuina: el número era obviamente un son pregón. La etiqueta 'rumba' se utilizó fuera de Cuba durante años como un todo para la música popular cubana. [220]
La segunda ocasión ocurrió durante el período 1965-1975 en la ciudad de Nueva York , cuando músicos de origen cubano y puertorriqueño se combinaron para producir la gran música del período post Cha-cha-cha. Esta música adquirió la etiqueta de 'salsa'. Nadie sabe realmente cómo sucedió esto, pero todos reconocieron el beneficio que era tener un sello común para el son, mambo , guaracha, guajira, guaguancó, etc. cubanos y no cubanos, como Tito Puente , Rubén Blades y muchos expertos. de la música cubana y la salsa siempre han dicho "La salsa es un nombre más para la música cubana. Tito Puentes dijo una vez, ahora la llaman Salsa, más adelante quizá la llamen Salteado, pero para mí siempre será Música Cubana"; pero con el tiempo las bandas de salsa trabajaron en otras influencias. Por ejemplo, a finales de la década de 1960 Willie Colón desarrolló números que utilizaban ritmos brasileños. Los programas de radio de Nueva York ofrecían 'salsarengue' como una combinación adicional. Si miras una banda de la década de 1940 tocando música cubana, verás exactamente los mismos instrumentos en la música salsa. Más tarde, 'Salsa romántica' fue la etiqueta para un tipo de bolero especialmente azucarado . Incluso cuando Benny Moré , Pérez Prado , el sonero más grande que jamás haya existido, cantaba Boleros con cadencia salsera en los años 1940. No fue hasta la década de 1950 que la música cubana se hizo popular entre las bandas puertorriqueñas. Plena, Bomba y otros estilos de música eran populares en esa época en Puerto Rico. Muchos músicos puertorriqueños famosos fueron a aprender los estilos musicales de los cubanos en las décadas de 1930 y 1940, y no fue hasta la llegada de Castro en 1959 y la música cubana dejó de exportarse al mundo, que los puertorriqueños en Nueva York pudieron llamar la atención, pero lo que hoy se conoce como Salsa, fue traída a Nueva York en los años 1920 y 1930 por Dizzy Gillespie y Chano Pozo , [221] [222] este último fue descubierto por Dizzy Gillespie por ser uno de los más grandes percusionista que jamás haya existido. [223] [224] [225]
La cuestión de si la salsa es algo más que música cubana ha sido debatida durante más de treinta años. Inicialmente no se pudo ver mucha diferencia. Más tarde quedó claro que no sólo la salsa neoyorquina era diferente de la música popular de Cuba, sino que también se podía distinguir la salsa de Venezuela, Colombia y otros países. También parece claro que la salsa ha retrocedido desde la gran posición que alcanzó a finales de los años 1970. Las razones de esto también son muy controvertidas. [226]
Paralelamente a la nueva canción en América Latina está la Nueva trova cubana , que data aproximadamente de 1967/68, después de la Revolución Cubana . Se diferenciaba de la trova tradicional , no porque los músicos fueran más jóvenes, sino porque el contenido era, en el sentido más amplio, político. La nueva trova se define por su conexión con la revolución de Castro y por sus letras, que intentan escapar de las banalidades de la vida concentrándose en el socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo, el racismo y temas similares. [227] Silvio Rodríguez y Pablo Milanés se convirtieron en los exponentes más importantes de este estilo. Carlos Puebla y Joseíto Fernández fueron viejos cantantes de trova que sumaron su peso al nuevo régimen, pero de los dos, sólo Puebla escribió canciones especiales a favor de la revolución.
La nueva trova tuvo su apogeo en la década de 1970, pero ya estaba decayendo antes de la caída de la Unión Soviética. Ejemplos de estilos apolíticos en el movimiento de la nueva trova se pueden encontrar, por ejemplo, Liuba María Hevia cuyas letras se centran en temas más tradicionales como el amor y la soledad, compartiendo con el resto un estilo altamente poético. Del otro lado del espectro, Carlos Varela es famoso en Cuba por sus críticas abiertas a algunos aspectos de la revolución de Castro.
La nueva trova, inicialmente tan popular, sufrió tanto dentro de Cuba, tal vez por un creciente desencanto con el gobierno unipartidista, como externamente, por el vívido contraste con la película y las grabaciones de Buena Vista Social Club . El público de todo el mundo ha tenido los ojos abiertos ante el extraordinario encanto y la calidad musical de las formas más antiguas de la música cubana. Por el contrario, los temas de actualidad que parecían tan relevantes en las décadas de 1960 y 1970 ahora parecen secos y pasados de moda. Incluso " Guantanamera " ha resultado dañada por la repetición excesiva en manos menos expertas. De todos modos, aquellas piezas de gran calidad musical y lírica, entre las que destaca " Hasta siempre, Comandante " de Puebla, probablemente perdurarán mientras dure Cuba. [228]
El son sigue siendo la base de las formas más populares de la música cubana moderna. El son está representado por agrupaciones de larga trayectoria como el Septeto Nacional , que fue restablecido en 1985, Orquesta Aragón , Orquesta Ritmo Oriental y Orquesta Original de Manzanillo. Sierra Maestra , es famosa por haber provocado un resurgimiento del son tradicional en los años 1980. La nueva trova todavía tiene influencia, pero los temas abiertamente políticos de los años 60 están pasados de moda. Mientras tanto, Irakere fusionó la música tradicional cubana con el jazz , y grupos como NG La Banda , Orishas y Son 14 continuaron añadiendo nuevos elementos al son, especialmente hip hop y funk , para formar la música timba ; Este proceso se vio favorecido por la adquisición de equipos electrónicos importados. Todavía hay muchos practicantes del son montuno tradicional , como Eliades Ochoa , que han grabado y realizado numerosas giras como resultado del interés en el son montuno después del éxito de Buena Vista Social Club. La cantautora cubana radicada en Europa Addys Mercedes fusionó sus raíces de Son y Filin con elementos de la música urbana, rock y pop, alcanzando las listas de reproducción en Alemania. [229]
En la década de 1990, el mayor interés por la música mundial coincidió con el período especial posterior a la Unión Soviética en Cuba, durante el cual la economía comenzó a abrirse al turismo. La Orquesta Aragón , la Charanga Habanera y Cándido Fabré y su Banda han sido músicos desde hace mucho tiempo en la escena de la charanga y ayudaron a formar la escena popular de la timba de finales de los años 1990. El mayor galardón de la música cubana moderna es el Premio Beny Moré .
Los cubanos nunca se han conformado con escuchar que su música se describa como salsa , aunque está muy claro que se trataba de una etiqueta para su música. Desde principios de la década de 1990, la timba se ha utilizado para describir la música de baile popular en Cuba, rivalizada sólo últimamente por el reggaetón. Aunque deriva de las mismas raíces que la salsa, la timba tiene sus propias características y está íntimamente ligada a la vida y la cultura de Cuba, y especialmente de La Habana.
A diferencia de la salsa, cuyas raíces son estrictamente del son y de los conjuntos cubanos de las décadas de 1940 y 1950, la timba representa una síntesis de muchas canciones folclóricas ( rumba , guaguancó , batá y las canciones sagradas de la santería [230] ) y populares . fuentes (incluso inspirándose en géneros musicales no afrocubanos como el rock , el jazz y el funk ). Según Vincenzo Perna, autor de Timba: The Sound of the Cuban Crisis , es necesario hablar de timba por sus razones musicales, culturales, sociales y políticas; su gran popularidad en Cuba, su novedad y originalidad como estilo musical, la habilidad de sus practicantes, su relación tanto con las tradiciones locales como con la cultura de la diáspora negra, sus significados y la forma en que su estilo saca a la luz los puntos de tensión internos. sociedad. [231] Además de los timbales , los bateristas de timba utilizan la batería, distinguiendo aún más el sonido del de la salsa continental. También es habitual el uso de teclado sintetizado. Las canciones de timba tienden a sonar más innovadoras, experimentales y frecuentemente más virtuosas que las piezas de salsa; Las partes de trompeta suelen ser rápidas, a veces incluso influenciadas por el bebop , y se extienden hasta los rangos extremos de todos los instrumentos. Los patrones de bajo y percusión son igualmente poco convencionales. La improvisación es algo común.
Varios proyectos ganaron atención internacional en la década de 1990 debido a su resurgimiento de estilos musicales tradicionales como el son cubano del septeto y la era del conjunto. Fundada en 1976, Sierra Maestra (banda) fue uno de los primeros grupos revivalistas en Cuba. En 1995, Juan de Marcos González , director y tresista de Sierra Maestra, fue contactado por Nick Gold (director de World Circuit Records ) para grabar un álbum tradicional cubano con músicos africanos. Al final, los músicos africanos no pudieron llegar a La Habana, por lo que el proyecto se convirtió en un asunto 100% cubano con músicos cubanos veteranos como Rubén González , Ibrahim Ferrer , Compay Segundo y Omara Portuondo . Engendró dos bandas, en las que participaba el guitarrista estadounidense Ry Cooder : Afro-Cuban All Stars y Buena Vista Social Club . Ambas bandas grabaron sus álbumes debut, A Toda Cuba le Gusta y Buena Vista Social Club , respectivamente, en marzo de 1996. El lanzamiento de este último en septiembre de 1997 fue un verdadero parteaguas. El álbum se convirtió en un éxito mundial, vendió millones de copias y convirtió a músicos consagrados en figuras de renombre mundial.
Buena Vista dio lugar a varias grabaciones posteriores y generó una película del mismo nombre , así como un tremendo interés en otros grupos cubanos. En los años siguientes, decenas de cantantes y conjuntos realizaron grabaciones para sellos extranjeros y realizaron giras internacionales.
La conclusión a la que algunos han llegado es que el cierre total de locales de música popular (después de la revolución), que dejó sin trabajo a muchos músicos, y el posterior control por parte de los comités estatales, dañaron el desarrollo de la música popular cubana. [181] [217]
El hip hop se hizo cada vez más popular en Cuba en las décadas de 1980 y 1990 durante el Período Especial de Cuba . [232] Después del colapso de la Unión Soviética, la economía cubana entró en declive. La pobreza se volvió más generalizada y visible en Cuba. En la década de 1990, algunos cubanos comenzaron a protestar por esta situación a través del rap y el hip-hop. Durante este período de crisis económica, que afectó especialmente a las poblaciones pobres y negras del país, el hip hop se convirtió en una forma para que la población afrodescendiente del país abrazara su negritud y articulara una demanda de igualdad racial para los negros en Cuba. [233] La idea de negritud y liberación negra no siempre fue compatible con los objetivos del gobierno cubano, que todavía operaba bajo la idea de que una sociedad sin raza era la realización correcta de la Revolución Cubana. Cuando surgió el hip-hop, el gobierno cubano se opuso a la imagen vulgar que retrataban los raperos, pero luego aceptó que tal vez sería mejor tener el hip-hop bajo la influencia del Ministerio de Cultura como una expresión auténtica de la cultura cubana. [234] La música rap en Cuba está fuertemente influenciada por las tradiciones musicales preexistentes del país, como la salsa y la rumba. [234]
De alguna manera, el gobierno de Cuba tolera el hip hop y el gobierno proporciona a los artistas lugares y equipos. [235] La escena cubana del rap y el hip-hop buscó la participación del Ministerio de Cultura en la producción y promoción de su música, lo que de otro modo hubiera sido imposible de lograr. [ cita necesaria ] Después de que el gobierno cubano brindó un tibio respaldo, la Agencia Cubana de Rap proporcionó a la escena del rap cubano, en 2002, un sello discográfico patrocinado por el estado, una revista y el propio festival de hip-hop de Cuba. [234]
El gobierno da tiempo a los grupos de rap y hip-hop en los medios de comunicación a cambio de que los artistas de hip-hop limiten la autoexpresión y presenten al gobierno de una manera positiva. [236] Los raperos que hablan explícitamente sobre raza o racismo en Cuba todavía están bajo escrutinio por parte del gobierno. [237] El gobierno reconoce que el hip-hop está creciendo en Cuba y sería difícil eliminarlo. [ cita necesaria ]
Al igual que el reggae español de Panamá , es un género nuevo para los cubanos, pero en 2012 se volvió tan popular que "el rostro de la música pop cubana" fue considerado el cantante cubano de reggae ( cubatón ), Osmani García "La Voz". [238] La llegada del software web ayudó a distribuir música de forma no oficial. Tanto las letras como los movimientos de baile han sido criticados. Músicos de reguetón como respondieron haciendo canciones que defendían su música. A pesar de sus esfuerzos, el Ministerio de Cultura ha dictaminado que el reguetón no debe usarse en instituciones de enseñanza, fiestas y discotecas, [239] y en 2011 restringió su difusión tras la popularidad masiva de "Chupi Chupi" de García, que hacía referencia al sexo oral. . Otros artistas populares de cubatón incluyen a Eddy K y Gente de Zona ("Gente del 'Hood").
La interacción musical entre Cuba y Estados Unidos es antigua. Ya en el siglo XVIII, durante el dominio español de Luisiana (1763-1803), las orquestas y bandas habaneras ofrecían conciertos en Nueva Orleans y en el siglo XIX la contradanza Cuan era muy popular en Estados Unidos. A principios del siglo XX se crearon en Cuba las primeras bandas de jazz, al estilo de las agrupaciones americanas. La Banda de Jaz "Sagua" fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y pianista). El grupo actuó durante 14 años en el Teatro Principal de Sagua. [187]
La fuerte influencia de la música estadounidense en las generaciones más jóvenes cubanas dio paso al inicio de los solistas y grupos de rock and roll en Cuba durante la década de 1950. Muchos artistas cubanos cantaron versiones de canciones americanas traducidas al español, como también ocurría en México. [240]
El lanzamiento del grupo Los LLopis representó el ingreso a una nueva etapa para la música cubana, la de la generación y amplificación del sonido mediante aparatos electroacústicos; pues en la composición sonora de este grupo se puede observar un elemento novedoso y de gran importancia, la inclusión de una guitarra eléctrica. [209]
En 1961 surgieron otros artistas como Dany Puga, llamado el Rey del Twist, y bandas como Los Satélites, Los Diablos Melódicos y Los Enfermos del Rock, además de Los Halcones y Los Huracanes de Marianao.
El cuarteto vocal Los Zafiros fue otro grupo de éxito de principios de los años sesenta. Fundado en 1961, estuvo influenciado por el estilo doo-wop de The Platters , The Diamonds y otros grupos estadounidenses, y contó con un repertorio compuesto por baladas, calipsos y bossanovas, además de canciones con ritmos de rock lento y bolero.
En ese momento, el popular grupo Los Astros, liderado por el cantante y guitarrista Raúl Gómez, se encontraba amenazado por las presiones ejercidas por el régimen de Fidel Castro sobre los grupos de rock, las cuales eran consideradas como una forma de "diversionismo ideológico" y se oponían activamente en todos sus manifestaciones. Su estilo, fuertemente influenciado por los grupos de la Invasión Británica , como los Beatles y los Rolling Stones , fue tildado de "desviado" y en consecuencia reprimido sin dudarlo. Desde entonces, el gobierno Revolucionario de Cuba comenzó a implementar un control absoluto sobre todos los aspectos de la sociedad cubana, incluyendo, por supuesto, todas las expresiones culturales.
Hacia 1965, el gobierno revolucionario implementó una estrategia para sustituir los productos extranjeros que preferían los jóvenes, por otros que se ajustaran mejor a sus lineamientos oficiales; y fruto de esta estrategia, en 1966 se emitió un nuevo programa de radio llamado Nocturno, cuyo tema musical inicial fue "La chica de la valija" del saxofonista italiano Fausto Papetti. El programa presentó canciones modernas, dando prioridad al repertorio europeo en lengua española de solistas y grupos como: Los Mustang, Los Bravos, Los Brincos, Juan y Junior, Rita Pavone, Massiel, Nino Bravo, Leonardo Fabio, Salvatore Adamo y Raphael. , y algunos grupos cubanos como Los Zafiros y Los Dan. [241] La prohibición de la música rock se levantó en 1966, pero los fanáticos del rock continuaron siendo marginados por el establishment comunista y vigilados con sospecha como "contrarrevolucionarios". [242]
En realidad, la música rock comenzó a escucharse en La Habana durante los años setenta, en un programa de Radio Marianao llamado Buenas Tardes Juventud. Ese programa presentó grupos como The Rolling Stones, The Beatles, Dave Clark Five, The Animals, Grand Funk, Rare Earth, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Elvis Presley, Neil Sedaka y Paul Anka. A principios de los años ochenta esa emisora se incorporó a Radio Ciudad de La Habana. [243]
En 1979, se llevó a cabo un festival de música de tres días llamado Havana Jam en el Teatro Karl Marx , en La Habana, Cuba , donde actuó un grupo de artistas de rock que incluía a Billy Joel y Stephen Stills .
En la década de 1980, Roberto Armada formó una banda de heavy metal llamada Venus en Municipio Playa. Lograron mucho éxito y crearon seguidores entre la juventud cubana. El punk rock se introdujo en Cuba a fines de la década de 1980 y ganó seguidores de culto entre una minoría de jóvenes.
Durante los años noventa, el rock and roll en Cuba era todavía un fenómeno underground. En La Habana, la emisora "Ciudad de La Habana" presentó varios programas mostrando las tendencias más recientes de ese tipo de música en el mundo. Juan Camacho, un viejo músico y locutor de radio tenía un programa matutino llamado Disco Ciudad . El Programa de Ramón también fue un exitoso programa de radio. Algunas bandas de esa época fueron Gens, Zeus y Los Tarsons.
En 2001, el grupo galés Manic Street Preachers fue invitado a actuar en Cuba, [244] y Fidel Castro asistió a su concierto junto con otras autoridades gubernamentales. En 2004, Castro pronunció un discurso en honor del cumpleaños de John Lennon , cuya música, como miembro de Los Beatles y como solista, estuvo prohibida en Cuba durante mucho tiempo. Una estatua de bronce de Lennon fue colocada en un conocido parque habanero, y adquirió notoriedad al ser víctima de constante vandalismo por parte de los transeúntes que frecuentemente robaban sus gafas de bronce.
Al mismo tiempo que el gobierno mostraba una actitud más indulgente hacia los grupos de rock extranjeros, como parte de una campaña internacional cuyo propósito era lograr una apertura en las transacciones comerciales e inversiones de Estados Unidos y Europa en Cuba, continuaba implementando una represión inflexible contra cualquier forma de disidencia interna. Este fue el caso del rockero Gorki Águila y su grupo Porno para Ricardo. En agosto de 2008, Águila fue arrestada bajo cargos de peligrosidad , una ley que permite a las autoridades detener a personas que creen que son susceptibles de cometer delitos, incluso cuando aún no los han cometido. [245]
Más recientemente, Rick Wakeman , Sepultura y Audioslave actuaron en La Habana, [246] y Los Rolling Stones ofrecieron un concierto histórico que se ha convertido en el evento del rock más destacado desde el inicio del período Revolucionario en 1959. [247]
Un nuevo fenómeno se produjo en 2013 cuando varias bandas cubanas de metal underground comienzan a emigrar a Estados Unidos, creando una escena paralela con las bandas Agonizer, Escape, Ancestor, Hipnosis, Suffering Tool y Chlover [248].
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