La teoría musical es el estudio de las prácticas y posibilidades de la música . The Oxford Companion to Music describe tres usos interrelacionados del término "teoría musical": el primero son los " rudimentos ", que se necesitan para comprender la notación musical ( firmas de clave , compases y notación rítmica ); el segundo es conocer las opiniones de los estudiosos sobre la música desde la antigüedad hasta el presente; el tercero es un subtema de la musicología que "busca definir procesos y principios generales en la música". El enfoque musicológico de la teoría difiere del análisis de la música "en que no toma como punto de partida la obra o interpretación individual, sino los materiales fundamentales con los que se construye". [1]
La teoría musical a menudo se ocupa de describir cómo los músicos y compositores hacen música, incluidos los sistemas de afinación y los métodos de composición, entre otros temas. Debido a la concepción cada vez más amplia de lo que constituye la música , una definición más inclusiva podría ser la consideración de cualquier fenómeno sonoro, incluido el silencio. Sin embargo, ésta no es una pauta absoluta; por ejemplo, el estudio de la "música" en el plan de estudios universitario de artes liberales Quadrivium , que era común en la Europa medieval , era un sistema abstracto de proporciones que se estudiaba cuidadosamente a distancia de la práctica musical real. [n 1] Pero esta disciplina medieval se convirtió en la base de los sistemas de afinación en siglos posteriores y generalmente se incluye en los estudios modernos sobre la historia de la teoría musical. [n 2]
La teoría musical como disciplina práctica abarca los métodos y conceptos que los compositores y otros músicos utilizan para crear e interpretar música. El desarrollo, la preservación y la transmisión de la teoría musical en este sentido se pueden encontrar en las tradiciones orales y escritas de creación musical, instrumentos musicales y otros artefactos . Por ejemplo, instrumentos antiguos de sitios prehistóricos de todo el mundo revelan detalles sobre la música que produjeron y potencialmente algo de la teoría musical que podrían haber utilizado sus creadores. En las culturas antiguas y vivas de todo el mundo, las profundas y largas raíces de la teoría musical son visibles en los instrumentos, las tradiciones orales y la creación musical actual. Muchas culturas también han considerado la teoría musical de maneras más formales, como tratados escritos y notación musical . Las tradiciones prácticas y académicas se superponen, ya que muchos tratados prácticos sobre música se ubican dentro de una tradición de otros tratados, que se citan regularmente del mismo modo que los escritos académicos citan investigaciones anteriores.
En la academia moderna, la teoría musical es un subcampo de la musicología , el estudio más amplio de las culturas y la historia musicales. Etimológicamente , teoría musical , es un acto de contemplación de la música, del vocablo griego θεωρία, que significa mirar, contemplar; una contemplación, especulación, teoría; una vista, un espectáculo. [3] Como tal, a menudo se ocupa de aspectos musicales abstractos como la afinación y los sistemas tonales, las escalas , la consonancia y la disonancia , y las relaciones rítmicas. Además, también existe un cuerpo teórico sobre aspectos prácticos, como la creación o interpretación de música, orquestación , ornamentación , improvisación y producción de sonido electrónico . [4] Una persona que investiga o enseña teoría musical es un teórico musical. Se requieren estudios universitarios, generalmente a nivel de maestría o doctorado , para enseñar como teórico musical titular en una universidad de EE. UU. o Canadá. Los métodos de análisis incluyen matemáticas, análisis gráfico y, especialmente, análisis habilitados por la notación musical occidental. También se utilizan métodos comparativos, descriptivos, estadísticos y otros. Los libros de texto de teoría musical , especialmente en los Estados Unidos de América, suelen incluir elementos de acústica musical , consideraciones de notación musical y técnicas de composición tonal ( armonía y contrapunto ), entre otros temas.
Varias tablillas de arcilla sumerias y acadias que se conservan incluyen información musical de carácter teórico, principalmente listas de intervalos y afinaciones . [5] El erudito Sam Mirelman informa que el más antiguo de estos textos data de antes del 1500 a. C., un milenio antes que la evidencia sobreviviente de cualquier otra cultura de pensamiento musical comparable. Además, "todos los textos mesopotámicos [sobre música] están unidos por el uso de una terminología para la música que, según la datación aproximada de los textos, estuvo en uso durante más de 1.000 años". [6]
Gran parte de la historia y la teoría de la música china siguen sin estar claras. [7]
La teoría china parte de los números, siendo los principales números musicales el doce, el cinco y el ocho. Doce se refiere al número de tonos en los que se pueden construir las escalas. El Lüshi chunqiu de aproximadamente 239 a. C. recuerda la leyenda de Ling Lun . Por orden del Emperador Amarillo , Ling Lun recogió doce longitudes de bambú con nudos gruesos y uniformes. Soplando uno de ellos como si fuera una pipa, encontró agradable su sonido y lo llamó huangzhong , la "Campana Amarilla". Luego escuchó a los fénix cantar. El fénix macho y hembra cantaron cada uno seis tonos. Ling Lun cortó sus flautas de bambú para que coincidieran con los tonos de los fénix, produciendo doce flautas en dos juegos: seis del fénix macho y seis de la hembra: estos fueron llamados lülü o más tarde shierlü . [8]
Además de los aspectos técnicos y estructurales, la teoría de la música antigua china también analiza temas como la naturaleza y las funciones de la música. El Yueji ("Disco de música", siglos I y II a. C.), por ejemplo, manifiesta teorías morales confucianas sobre la comprensión de la música en su contexto social. Estudiadas e implementadas por eruditos-funcionarios confucianos [...], estas teorías ayudaron a formar un confucianismo musical que eclipsó pero no borró los enfoques rivales. Estos incluyen la afirmación de Mozi (c. 468 – c. 376 a. C.) de que la música desperdiciaba recursos humanos y materiales, y la afirmación de Laozi de que la mejor música no tenía sonidos. [...] Incluso la música de la cítara qin , un género estrechamente afiliado a los eruditos-funcionarios confucianos, incluye muchas obras con referencias taoístas , como Tianfeng huanpei ("Brisa celestial y sonidos de colgantes de jade"). [7]
El Samaveda y el Yajurveda (c. 1200 – 1000 a. C.) se encuentran entre los primeros testimonios de la música india, pero, hablando propiamente, no contienen ninguna teoría. El Natya Shastra , escrito entre 200 a. C. y 200 d. C., analiza intervalos ( Śrutis ), escalas ( Grāmas ), consonancias y disonancias, clases de estructura melódica ( Mūrchanās , modos?), tipos melódicos ( Jātis ), instrumentos, etc. [9 ]
Los primeros escritos griegos conservados sobre teoría musical incluyen dos tipos de obras: [10]
Se conocen varios nombres de teóricos antes de estas obras, incluido Pitágoras ( c. 570 ~ c. 495 a. C. ), Filolao ( c. 470 ~ ( c. 385 a. C. ), Arquitas (428-347 a. C. ) y otros.
Los trabajos del primer tipo (manuales técnicos) incluyen
Más tratados filosóficos del segundo tipo incluyen
El instrumento pipa llevaba consigo una teoría de modos musicales que posteriormente condujo a la teoría Sui y Tang de 84 modos musicales. [7]
Los teóricos de la música árabe medieval incluyen: [n 3]
El tratado latino De Institutione musica del filósofo romano Boecio (escrito c. 500, traducido como Fundamentos de la música [2] ) fue una piedra de toque para otros escritos sobre música en la Europa medieval. Boecio representó la autoridad clásica en música durante la Edad Media, ya que los escritos griegos en los que basó su trabajo no fueron leídos ni traducidos por los europeos posteriores hasta el siglo XV. [20] Este tratado se mantiene cuidadosamente alejado de la práctica real de la música, centrándose principalmente en las proporciones matemáticas involucradas en los sistemas de afinación y en el carácter moral de modos particulares. Varios siglos después, comenzaron a aparecer tratados que trataban de la composición real de piezas musicales en la tradición del canto llano . [21] A finales del siglo IX, Hucbald trabajó para lograr una notación de tono más precisa para los neumas utilizados para registrar el canto llano.
Guido d'Arezzo escribió una carta a Miguel de Pomposa en 1028, titulada Epistola de ignoto cantu , [22] en la que introdujo la práctica de utilizar sílabas para describir notas e intervalos. Este fue el origen de la solmización hexacordal que se utilizaría hasta finales de la Edad Media. Guido también escribió sobre las cualidades emocionales de los modos, la estructura sintagmática del canto llano, el significado temporal de los neumas, etc.; sus capítulos sobre polifonía "se acercan más a describir e ilustrar la música real que cualquier relato anterior" en la tradición occidental. [20]
Durante el siglo XIII, un nuevo sistema rítmico llamado notación mensural surgió a partir de un método anterior y más limitado de notar ritmos en términos de patrones repetitivos fijos, los llamados modos rítmicos, que se desarrollaron en Francia alrededor de 1200. Una forma temprana de La notación mensural fue descrita y codificada por primera vez en el tratado Ars cantus mensurabilis ("El arte del canto medido") por Franco de Colonia (c. 1280). La notación mensural utilizaba diferentes formas de notas para especificar diferentes duraciones, lo que permitía a los escribas capturar ritmos que variaban en lugar de repetir el mismo patrón fijo; es una notación proporcional, en el sentido de que el valor de cada nota es igual a dos o tres veces el valor más corto, o la mitad o un tercio del valor más largo. Esta misma notación, transformada a través de diversas ampliaciones y mejoras durante el Renacimiento, forma la base de la notación rítmica en la música clásica europea actual.
D'Erlanger divulga que la escala de la música árabe se deriva de la escala de la música griega y que la música árabe está relacionada con ciertas características de la cultura árabe, como la astrología. [19]
La música se compone de fenómenos auditivos ; La "teoría musical" considera cómo se aplican esos fenómenos en la música. La teoría musical considera la melodía, el ritmo, el contrapunto, la armonía, la forma, los sistemas tonales, las escalas, la afinación, los intervalos, la consonancia, la disonancia, las proporciones de duración, la acústica de los sistemas de tono, la composición, la interpretación, la orquestación, la ornamentación, la improvisación, la producción de sonido electrónico, etc. [26 ]
El tono es la gravedad o la intensidad de un tono , por ejemplo, la diferencia entre un Do medio y un Do más alto. La frecuencia de las ondas sonoras que producen un tono se puede medir con precisión, pero la percepción del tono es más compleja porque las notas individuales provienen de fuentes naturales. suelen ser una mezcla compleja de muchas frecuencias. En consecuencia, los teóricos suelen describir el tono como una sensación subjetiva más que como una medida objetiva del sonido. [27]
A frecuencias específicas a menudo se les asignan nombres de letras. Hoy en día, la mayoría de las orquestas asignan el concierto La (el La sobre el Do central en el piano) a la frecuencia de 440 Hz. Esta asignación es algo arbitraria; por ejemplo, en 1859 en Francia, la misma A estaba sintonizada a 435 Hz. Estas diferencias pueden tener un efecto notable en el timbre de los instrumentos y otros fenómenos. Por lo tanto, en la interpretación históricamente informada de música antigua, la afinación a menudo se establece para que coincida con la afinación utilizada en el período en que se escribió. Además, muchas culturas no intentan estandarizar el tono, considerando a menudo que se debe permitir que varíe según el género, el estilo, el estado de ánimo, etc.
La diferencia de tono entre dos notas se llama intervalo . El intervalo más básico es el unísono , que son simplemente dos notas del mismo tono. El intervalo de octava son dos tonos que tienen el doble o la mitad de frecuencia entre sí. Las características únicas de las octavas dieron lugar al concepto de clase de tono : los tonos del mismo nombre de letra que aparecen en diferentes octavas pueden agruparse en una única "clase" ignorando la diferencia de octava. Por ejemplo, un C alto y un C bajo son miembros de la misma clase tonal: la clase que contiene todos los C. [28]
Los sistemas de afinación musical , o temperamentos, determinan el tamaño preciso de los intervalos. Los sistemas de afinación varían ampliamente dentro y entre las culturas del mundo. En la cultura occidental , ha habido durante mucho tiempo varios sistemas de afinación en competencia, todos con diferentes cualidades. A nivel internacional, el sistema conocido como temperamento igual es el más utilizado hoy en día porque se considera el compromiso más satisfactorio que permite que los instrumentos de afinación fija (por ejemplo, el piano) suenen aceptablemente afinados en todas las teclas.
Las notas se pueden organizar en una variedad de escalas y modos . La teoría musical occidental generalmente divide la octava en una serie de doce tonos, llamada escala cromática , dentro de la cual el intervalo entre tonos adyacentes se llama semitono o medio tono. Seleccionar tonos de este conjunto de 12 y organizarlos en patrones de semitonos y tonos completos crea otras escalas. [29]
Las escalas más comunes son la mayor de siete tonos , la menor armónica , la menor melódica y la menor natural . Otros ejemplos de escalas son la escala octatónica y la escala pentatónica o cinco tonos, que es común en la música folk y el blues . Las culturas no occidentales a menudo utilizan escalas que no se corresponden con una división de la octava de doce tonos igualmente divididos. Por ejemplo, los sistemas musicales clásicos otomanos , persas , indios y árabes suelen utilizar múltiplos de cuartos de tono (la mitad del tamaño de un semitono, como su nombre indica), por ejemplo en segundos "neutrales" (tres cuartos de tono) o "neutrales". 'tercios (siete cuartos de tono): normalmente no utilizan el cuarto de tono como intervalo directo. [29]
En la notación occidental tradicional, la escala utilizada para una composición suele indicarse mediante una armadura al principio para designar los tonos que componen esa escala. A medida que avanza la música, los tonos utilizados pueden cambiar e introducir una escala diferente. La música se puede transponer de una escala a otra para diversos fines, a menudo para adaptarse al rango de un vocalista. Dicha transposición aumenta o disminuye el rango de tono general, pero preserva las relaciones interválicas de la escala original. Por ejemplo, la transposición de la tonalidad de Do mayor a Re mayor eleva todos los tonos de la escala de Do mayor por igual en un tono completo . Dado que las relaciones de intervalo permanecen sin cambios, la transposición puede pasar desapercibida para el oyente; sin embargo, otras cualidades pueden cambiar notablemente porque la transposición cambia la relación del rango de tono general en comparación con el rango de los instrumentos o voces que interpretan la música. Esto a menudo afecta el sonido general de la música, además de tener implicaciones técnicas para los intérpretes. [30]
La interrelación de las claves más comúnmente utilizadas en la música tonal occidental se muestra convenientemente mediante el círculo de quintas . A veces también se idean armaduras de clave únicas para una composición particular. Durante el período barroco, las asociaciones emocionales con tonalidades específicas, conocidas como la doctrina de los afectos , eran un tema importante en la teoría musical, pero los colores tonales únicos de las tonalidades que dieron lugar a esa doctrina se borraron en gran medida con la adopción del temperamento igual. Sin embargo, muchos músicos siguen sintiendo que determinadas tonalidades son más apropiadas para determinadas emociones que otras. La teoría de la música clásica india continúa asociando fuertemente las claves con estados emocionales, momentos del día y otros conceptos extramusicales y, en particular, no emplea el temperamento igual.
La consonancia y la disonancia son cualidades subjetivas de la sonoridad de los intervalos que varían ampliamente en diferentes culturas y a lo largo de las épocas. La consonancia (o concordia) es la cualidad de un intervalo o acorde que parece estable y completo en sí mismo. La disonancia (o discordia) es lo opuesto, ya que se siente incompleta y "quiere" resolverse en un intervalo consonántico. Los intervalos disonantes parecen chocar. Los intervalos consonantes parecen sonar cómodos juntos. Comúnmente, las cuartas, quintas y octavas perfectas y todas las terceras y sextas mayores y menores se consideran consonantes. Todos los demás son disonantes en mayor o menor grado. [31]
El contexto y muchos otros aspectos pueden afectar la aparente disonancia y consonancia. Por ejemplo, en un preludio de Debussy, una segunda mayor puede sonar estable y consonante, mientras que el mismo intervalo puede sonar disonante en una fuga de Bach. En la era de la práctica común , la cuarta justa se considera disonante cuando no está respaldada por una tercera o quinta inferior. Desde principios del siglo XX, el concepto de disonancia "emancipada" de Arnold Schoenberg , en el que los intervalos tradicionalmente disonantes pueden tratarse como consonancias "superiores" y más remotas, se ha vuelto más ampliamente aceptado. [31]
El ritmo se produce por la disposición secuencial de sonidos y silencios en el tiempo. El metro mide la música en agrupaciones de pulsos regulares, llamadas compases o compases . El tipo de compás o compás especifica cuántos tiempos hay en un compás y qué valor de la nota escrita se cuenta o se siente como un solo tiempo.
A través de un mayor estrés o variaciones en la duración o la articulación, se pueden acentuar tonos particulares. En la mayoría de las tradiciones musicales existen convenciones para la acentuación regular y jerárquica de los tiempos para reforzar un compás determinado. Los ritmos sincopados contradicen esas convenciones al acentuar partes inesperadas del ritmo. [32] Tocar ritmos simultáneos en más de un compás se llama polirritmia . [33]
En los últimos años, el ritmo y la métrica se han convertido en un área importante de investigación entre los estudiosos de la música. Los más citados de estos académicos recientes son Maury Yeston , [34] Fred Lerdahl y Ray Jackendoff , [35] Jonathan Kramer , [36] y Justin London. [37]
Una melodía es un grupo de sonidos musicales en una sucesión o arreglo agradable. [39] Debido a que la melodía es un aspecto tan prominente en tanta música, su construcción y otras cualidades son un interés principal de la teoría musical.
Los elementos básicos de la melodía son el tono, la duración, el ritmo y el tempo. Los tonos de una melodía generalmente se extraen de sistemas de tono como escalas o modos . La melodía puede consistir, en grado creciente, en figura, motivo, semifrase, frase antecedente y consecuente, y período u oración. El período puede considerarse la melodía completa; sin embargo, algunos ejemplos combinan dos períodos o utilizan otras combinaciones de constituyentes para crear melodías de forma más amplia. [40]
Un acorde, en música, es cualquier conjunto armónico de tres o más notas que se escucha como si sonaran simultáneamente . [41] : págs.67, 359 [42] : pág. 63 En realidad, no es necesario tocarlos juntos: los arpegios y los acordes rotos pueden, para muchos propósitos prácticos y teóricos, constituir acordes. Los acordes y secuencias de acordes se utilizan con frecuencia en la música moderna occidental, de África occidental [43] y de Oceanía [44] , mientras que están ausentes en la música de muchas otras partes del mundo. [45] : pág. 15
Los acordes que se encuentran con más frecuencia son las tríadas , llamadas así porque constan de tres notas distintas: se pueden agregar notas adicionales para obtener acordes de séptima , acordes extendidos o acordes de tono agregado . Los acordes más comunes son las tríadas mayores y menores y luego las tríadas aumentadas y disminuidas . Las descripciones mayor , menor , aumentada y disminuida a veces se denominan colectivamente calidad cordal . Los acordes también se clasifican comúnmente por su nota fundamental ; por ejemplo, el acorde de do mayor puede describirse como una tríada de calidad mayor construida sobre la nota do . Los acordes también se pueden clasificar por inversión , el orden en que se apilan las notas.
Una serie de acordes se llama progresión de acordes . Aunque en principio cualquier acorde puede ir seguido de cualquier otro acorde, se han aceptado ciertos patrones de acordes como clave establecidora en la armonía de la práctica común . Para describir esto, los acordes se numeran utilizando números romanos (hacia arriba desde la nota clave), [46] según su función diatónica . Las formas comunes de notar o representar acordes [47] en la música occidental, además de la notación de pentagrama convencional, incluyen números romanos , bajo figurado (muy utilizado en la era barroca ), letras de acordes (a veces utilizadas en la musicología moderna ) y varios sistemas de tablas de acordes típicamente Se encuentra en las partituras principales utilizadas en la música popular para diseñar la secuencia de acordes de modo que el músico pueda tocar acordes de acompañamiento o improvisar un solo.
En música, la armonía es el uso de tonos ( tonos , notas ) simultáneos o acordes . [45] : pág. 15 El estudio de la armonía involucra los acordes y su construcción y las progresiones de acordes y los principios de conexión que los gobiernan. [48] A menudo se dice que la armonía se refiere al aspecto "vertical" de la música, a diferencia de la línea melódica , o el aspecto "horizontal". [49] El contrapunto , que se refiere al entrelazamiento de líneas melódicas, y la polifonía , que se refiere a la relación de voces independientes separadas, a veces se distinguen de la armonía. [50]
En la armonía popular y de jazz , los acordes se nombran por su raíz más diversos términos y caracteres que indican sus cualidades. Por ejemplo, una partitura principal puede indicar acordes como do mayor, re menor y sol séptima dominante. En muchos tipos de música, en particular la barroca, la romántica, la moderna y el jazz, los acordes suelen estar aumentados con "tensiones". Una tensión es un miembro de acorde adicional que crea un intervalo relativamente disonante en relación con el bajo. Es parte de un acorde, pero no es uno de los tonos del acorde (1 3 5 7). Normalmente, en el período de práctica común clásica , un acorde disonante (acorde con tensión) "se resuelve" en un acorde consonante. La armonización suele parecer agradable al oído cuando existe un equilibrio entre los sonidos consonantes y disonantes. En palabras simples, eso ocurre cuando hay un equilibrio entre momentos "tensos" y "relajados". [51] [ ¿ fuente poco confiable? ]
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El timbre, a veces llamado "color" o "color de tono", es el fenómeno principal que nos permite distinguir un instrumento de otro cuando ambos tocan al mismo tono y volumen, una cualidad de una voz o instrumento a menudo descrita en términos como brillante , aburrido, estridente, etc. Es de considerable interés en la teoría musical, especialmente porque es un componente de la música que aún no tiene una nomenclatura estandarizada. Se le ha llamado "... la categoría multidimensional de la papelera del psicoacústico para todo lo que no puede etiquetarse como tono o volumen", [52] pero puede describirse y analizarse con precisión mediante el análisis de Fourier y otros métodos [53] porque resulta de la combinación de todas las frecuencias de sonido , envolventes de ataque y liberación, y otras cualidades que comprende un tono.
El timbre está determinado principalmente por dos cosas: (1) el equilibrio relativo de los armónicos producidos por un instrumento determinado debido a su construcción (por ejemplo, forma, material) y (2) la envolvente del sonido (incluidos los cambios en la estructura de los armónicos a lo largo del tiempo). . El timbre varía ampliamente entre diferentes instrumentos, voces y, en menor grado, entre instrumentos del mismo tipo debido a variaciones en su construcción y, significativamente, en la técnica del intérprete. El timbre de la mayoría de los instrumentos se puede cambiar empleando diferentes técnicas mientras se toca. Por ejemplo, el timbre de una trompeta cambia cuando se inserta una sordina en la campana, el intérprete cambia su embocadura o volumen. [ cita necesaria ]
Una voz puede cambiar su timbre según la forma en que el intérprete manipula su aparato vocal (por ejemplo, la forma de la cavidad vocal o la boca). La notación musical frecuentemente especifica la alteración del timbre mediante cambios en la técnica de sonido, el volumen, el acento y otros medios. Estos se indican de diversas formas mediante instrucciones simbólicas y verbales. Por ejemplo, la palabra dolce (dulce) indica un timbre suave y "dulce" no específico, pero comúnmente entendido. Sul tasto indica al intérprete de cuerda que se incline cerca o sobre el diapasón para producir un sonido menos brillante. Cuivre instruye a un músico de metales para que produzca un sonido forzado y estridentemente metálico. Los símbolos de acento como el marcato (^) y las indicaciones dinámicas ( pp ) también pueden indicar cambios en el timbre. [54]
En música, " dinámica " normalmente se refiere a variaciones de intensidad o volumen, como pueden medir los físicos e ingenieros de audio en decibeles o fonógrafos . En notación musical, sin embargo, la dinámica no se trata como valores absolutos, sino relativos. Debido a que generalmente se miden subjetivamente, existen factores además de la amplitud que afectan el desempeño o la percepción de la intensidad, como el timbre, el vibrato y la articulación.
Las indicaciones convencionales de dinámica son abreviaturas de palabras italianas como forte ( f ) para fuerte y piano ( p ) para suave. Estas dos notaciones básicas se modifican mediante indicaciones que incluyen mezzo piano ( mp ) para moderadamente suave (literalmente "medio suave") y mezzo forte ( mf ) para moderadamente fuerte, sforzando o sforzato ( sfz ) para un ataque creciente o "empujado", o fortepiano ( fp ) para un ataque fuerte con una disminución repentina a un nivel suave. La amplitud completa de estas marcas suele variar desde un pianissississimo ( pppp ) casi inaudible hasta un fortissississimo ( ffff ) lo más fuerte posible .
A veces se encuentran extremos mayores de pppppp y fffff y matices como p+ o più piano . Otros sistemas de indicación de volumen también se utilizan tanto en notación como en análisis: dB (decibeles), escalas numéricas, notas de colores o de diferentes tamaños, palabras en idiomas distintos del italiano y símbolos como los de aumento progresivo de volumen ( crescendo ) o disminución de volumen. ( diminuendo o decrescendo ), a menudo llamados " horquillas " cuando se indican con líneas divergentes o convergentes como se muestra en el gráfico de arriba.
La articulación es la forma en que el intérprete hace sonar las notas. Por ejemplo, staccato es el acortamiento de la duración en comparación con el valor de la nota escrita, legato ejecuta las notas en una secuencia unida suavemente sin separación. La articulación a menudo se describe en lugar de cuantificarse, por lo que hay espacio para interpretar cómo ejecutar con precisión cada articulación.
Por ejemplo, a menudo se hace referencia al staccato como "separado" o "separado" en lugar de tener una cantidad definida o numerada para reducir la duración anotada. Los violinistas utilizan una variedad de técnicas para realizar diferentes calidades de staccato. La manera en que un intérprete decide ejecutar una articulación determinada generalmente se basa en el contexto de la pieza o frase, pero muchos símbolos de articulación e instrucciones verbales dependen del instrumento y el período musical (por ejemplo, viola, viento; clásica, barroca, etc. ).
Existe un conjunto de articulaciones que la mayoría de los instrumentos y voces realizan en común. Son, de largo a corto: legato (suave, conectado); tenuto (presionado o reproducido hasta completar la duración anotada); marcato (acentuado y separado); staccato ("separado", "separado"); martelé (muy acentuado o "martillado"). [ contradictorio ] Muchos de estos se pueden combinar para crear ciertas articulaciones "intermedias". Por ejemplo, portato es la combinación de tenuto y staccato . Algunos instrumentos tienen métodos únicos para producir sonidos, como el spiccato para cuerdas frotadas, donde el arco rebota en la cuerda.
En música, la textura es la forma en que se combinan en una composición los materiales melódicos , rítmicos y armónicos , determinando así la calidad general del sonido de una pieza. La textura a menudo se describe en relación con la densidad, o espesor, y el rango , o ancho, entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos y se distingue más específicamente según el número de voces, o partes, y la relación entre estas voces. . Por ejemplo, una textura espesa contiene muchas "capas" de instrumentos. Una de estas capas podría ser una sección de cuerdas u otro metal.
El grosor también se ve afectado por el número y la riqueza de los instrumentos que interpretan la pieza. El espesor varía de ligero a grueso. Una pieza de textura ligera tendrá rayas ligeras y escasas. Una pieza con una textura espesa o muy texturizada se partiturará para muchos instrumentos. La textura de una pieza puede verse afectada por el número y el carácter de las partes que se reproducen al mismo tiempo, el timbre de los instrumentos o las voces que interpretan esas partes y la armonía, el tempo y los ritmos utilizados. [56] Los tipos categorizados por número y relación de partes se analizan y determinan a través del etiquetado de elementos texturales primarios: melodía primaria, melodía secundaria, melodía de soporte paralela, soporte estático, soporte armónico, soporte rítmico y soporte armónico y rítmico. [57] [ cita breve incompleta ]
Los tipos comunes incluían textura monofónica (una sola voz melódica, como una pieza para soprano solista o flauta solista), textura bifónica (dos voces melódicas, como un dúo para fagot y flauta en el que el fagot toca una nota de zumbido y la flauta toca la melodía), textura polifónica y textura homofónica (acordes que acompañan a una melodía). [ cita necesaria ]
El término forma musical (o arquitectura musical) se refiere a la estructura o plan general de una pieza musical y describe el diseño de una composición dividida en secciones. [59] En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un medio exitoso entre los extremos opuestos de repetición continua y alteración continua". [60] Según Richard Middleton , la forma musical es "la forma o estructura de la obra". Lo describe a través de la diferencia: la distancia recorrida desde una repetición ; siendo esta última la diferencia más pequeña. La diferencia es cuantitativa y cualitativa: en qué medida y de qué tipo son diferentes. En muchos casos, la forma depende de la afirmación y la reformulación , de la unidad y la variedad, del contraste y la conexión. [61]
La expresión musical es el arte de tocar o cantar música con comunicación emocional. Los elementos de la música que comprenden la expresión incluyen indicaciones dinámicas, como forte o piano, fraseo , diferentes cualidades de timbre y articulación, color, intensidad, energía y excitación. Todos estos dispositivos pueden ser incorporados por el intérprete. Un intérprete tiene como objetivo provocar respuestas de sentimiento de simpatía en la audiencia y excitar, calmar o influir de otro modo en las respuestas físicas y emocionales de la audiencia. A veces se piensa que la expresión musical es producida por una combinación de otros parámetros y, a veces, se describe como una cualidad trascendente que es más que la suma de cantidades mensurables como el tono o la duración.
La expresión con instrumentos puede estar estrechamente relacionada con el papel de la respiración en el canto y con la capacidad natural de la voz para expresar sentimientos, sentimientos y emociones profundas. [ se necesita aclaración ] Si estos pueden ser categorizados de alguna manera es quizás el ámbito de los académicos, quienes ven la expresión como un elemento de la interpretación musical que encarna una emoción consistentemente reconocible , idealmente causando una respuesta emocional comprensiva en sus oyentes. [62] El contenido emocional de la expresión musical es distinto del contenido emocional de sonidos específicos (por ejemplo, un 'bang' sorprendentemente fuerte) y de asociaciones aprendidas (por ejemplo, un himno nacional ), pero rara vez se puede separar completamente de su contexto. . [ cita necesaria ]
Los componentes de la expresión musical siguen siendo objeto de extensas y no resueltas disputas. [63] [64] [65 ] [ 66] [67] [68]
La notación musical es la representación escrita o simbolizada de la música. Esto suele lograrse mediante el uso de símbolos gráficos comúnmente comprendidos e instrucciones verbales escritas y sus abreviaturas. Existen muchos sistemas de notación musical de diferentes culturas y diferentes épocas. La notación occidental tradicional evolucionó durante la Edad Media y sigue siendo un área de experimentación e innovación. [69] En la década de 2000, los formatos de archivos informáticos también se han vuelto importantes. [70] El lenguaje hablado y los signos con las manos también se utilizan para representar simbólicamente la música, principalmente en la enseñanza.
En la notación musical occidental estándar, los tonos se representan gráficamente mediante símbolos (notas) colocados en un pentagrama o pentagramas, el eje vertical corresponde al tono y el eje horizontal corresponde al tiempo. Las formas de la cabeza de las notas, las raíces, las banderas, los lazos y los puntos se utilizan para indicar la duración. Los símbolos adicionales indican claves, dinámicas, acentos, silencios, etc. Las instrucciones verbales del director a menudo se utilizan para indicar el tempo, la técnica y otros aspectos.
En la música occidental se utilizan diversos sistemas de notación musical. En la música clásica occidental, los directores utilizan partituras impresas que muestran todas las partes de los instrumentos y los miembros de la orquesta leen las partes con sus líneas musicales escritas. En los estilos de música populares, se puede anotar mucha menos música. Una banda de rock puede iniciar una sesión de grabación con solo una tabla de acordes escrita a mano que indica la progresión de acordes de la canción usando los nombres de los acordes (por ejemplo, do mayor, re menor, sol7, etc.). Todas las voces de acordes, ritmos y figuras de acompañamiento son improvisadas por los miembros de la banda.
El estudio académico de la teoría musical en el siglo XX tiene varios subcampos diferentes, cada uno de los cuales adopta una perspectiva diferente sobre cuál es el fenómeno principal de interés y los métodos de investigación más útiles.
El análisis musical es el intento de responder a la pregunta ¿cómo funciona esta música? El método empleado para responder a esta pregunta, y de hecho exactamente lo que significa la pregunta, difiere de un analista a otro y según el propósito del análisis. Según Ian Bent , "el análisis, como actividad en sí misma, no se estableció hasta finales del siglo XIX; su surgimiento como enfoque y método se remonta a la década de 1750. Sin embargo, existió como una herramienta académica". , aunque auxiliar, desde la Edad Media en adelante." [71] [ cita breve incompleta ] Adolf Bernhard Marx fue influyente en la formalización de conceptos sobre composición y comprensión musical hacia la segunda mitad del siglo XIX. El principio de análisis ha sido criticado de diversas formas, especialmente por compositores, como la afirmación de Edgard Varèse de que "explicar mediante [el análisis] es descomponer, mutilar el espíritu de una obra". [72]
El análisis schenkeriano es un método de análisis musical de la música tonal basado en las teorías de Heinrich Schenker (1868-1935). El objetivo de un análisis schenkeriano es interpretar la estructura subyacente de una obra tonal y ayudar a leer la partitura de acuerdo con esa estructura. Los principios básicos de la teoría pueden verse como una forma de definir la tonalidad en la música. Un análisis schenkeriano de un pasaje musical muestra relaciones jerárquicas entre sus tonos y saca conclusiones sobre la estructura del pasaje a partir de esta jerarquía. El análisis hace uso de una forma simbólica especializada de notación musical que Schenker ideó para demostrar diversas técnicas de elaboración . El concepto más fundamental de la teoría de la tonalidad de Schenker puede ser el de espacio tonal . [73] Los intervalos entre las notas de la tríada tónica forman un espacio tonal que se llena con notas pasajeras y vecinas, produciendo nuevas tríadas y nuevos espacios tonales, abiertos a futuras elaboraciones hasta que se alcanza la superficie de la obra (la partitura).
Aunque el propio Schenker suele presentar sus análisis en la dirección generativa, partiendo de la estructura fundamental ( Ursatz ) para llegar a la partitura, la práctica del análisis schenkeriano suele ser reduccionista, partiendo de la partitura y mostrando cómo se puede reducir a su estructura fundamental. . La gráfica del Ursatz es arrítmica, al igual que un ejercicio de cantus firmus de estricto contrapunto. [74] Incluso en niveles intermedios de la reducción, la notación rítmica (cabezas de nota abiertas y cerradas, vigas y banderas) no muestra ritmo sino las relaciones jerárquicas entre los eventos tonales. El análisis schenkeriano es subjetivo . No implica ningún procedimiento mecánico y el análisis refleja las intuiciones musicales del analista. [75] El análisis representa una forma de escuchar (y leer) una pieza musical.
La teoría transformacional es una rama de la teoría musical desarrollada por David Lewin en la década de 1980 e introducida formalmente en su obra de 1987, Generalized Musical Intervals and Transformations . La teoría, que modela las transformaciones musicales como elementos de un grupo matemático , se puede utilizar para analizar música tanto tonal como atonal . El objetivo de la teoría transformacional es cambiar el enfoque de los objetos musicales, como el " acorde de do mayor " o el "acorde de sol mayor", a las relaciones entre objetos. Así, en lugar de decir que un acorde de do mayor va seguido de un sol mayor, un teórico transformacional podría decir que el primer acorde ha sido "transformado" en el segundo mediante la " operación dominante ". (Simbólicamente, se podría escribir "Dominante (Do mayor) = Sol mayor"). Mientras que la teoría de conjuntos musicales tradicional se centra en la composición de los objetos musicales, la teoría transformacional se centra en los intervalos o tipos de movimiento musical que pueden ocurrir. Según la descripción que hace Lewin de este cambio de énfasis, "la actitud [transformacional] no exige alguna medida observada de extensión entre 'puntos' cosificados; más bien pregunta: 'Si estoy en s y deseo llegar a t, ¿qué característica ¿ Qué gesto debo realizar para llegar allí?'" [76]
La psicología musical o psicología de la música puede considerarse una rama tanto de la psicología como de la musicología . Su objetivo es explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musical , incluidos los procesos a través de los cuales se percibe, crea, responde e incorpora la música a la vida cotidiana. [77] [78] La psicología musical moderna es principalmente empírica ; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de interpretaciones de datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con los participantes humanos . La psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluida la interpretación musical , la composición , la educación , la crítica y la terapia , así como las investigaciones de la aptitud , habilidad, inteligencia , creatividad y comportamiento social humanos .
La psicología musical puede arrojar luz sobre aspectos no psicológicos de la musicología y la práctica musical. Por ejemplo, contribuye a la teoría musical a través de investigaciones sobre la percepción y el modelado computacional de estructuras musicales como la melodía , la armonía , la tonalidad , el ritmo , la métrica y la forma . La investigación en historia de la música puede beneficiarse del estudio sistemático de la historia de la sintaxis musical o de los análisis psicológicos de los compositores y las composiciones en relación con las respuestas perceptivas, afectivas y sociales a su música.
Un género musical es una categoría convencional que identifica algunas piezas musicales como pertenecientes a una tradición compartida o un conjunto de convenciones. [79] Debe distinguirse de forma musical y estilo musical , aunque en la práctica estos términos a veces se usan indistintamente. [80] [ verificación fallida ]
La música se puede dividir en diferentes géneros de muchas maneras diferentes. La naturaleza artística de la música significa que estas clasificaciones suelen ser subjetivas y controvertidas, y algunos géneros pueden superponerse. Incluso existen diversas definiciones académicas del término género en sí. En su libro Form in Tonal Music , Douglass M. Green distingue entre género y forma . Enumera el madrigal , el motete , la canzona , el ricercar y la danza como ejemplos de géneros del período del Renacimiento . Para aclarar aún más el significado de género , Green escribe: "El Op. 61 de Beethoven y el Op. 64 de Mendelssohn son idénticos en género (ambos son conciertos para violín) pero diferentes en forma. Sin embargo, el Rondo para piano de Mozart, K. 511, y el Agnus Dei de su Misa, K. 317 son bastante diferentes en género pero resultan ser similares en forma." [81] Algunos, como Peter van der Merwe , tratan los términos género y estilo como iguales, diciendo que el género debe definirse como piezas musicales que provienen del mismo estilo o "lenguaje musical básico". [82]
Otros, como Allan F. Moore, afirman que género y estilo son dos términos separados, y que las características secundarias, como el tema, también pueden diferenciar entre géneros. [83] Un género o subgénero musical también puede definirse por las técnicas musicales , el estilo, el contexto cultural y el contenido y espíritu de los temas. A veces se utiliza el origen geográfico para identificar un género musical, aunque una sola categoría geográfica suele incluir una amplia variedad de subgéneros. Timothy Laurie sostiene que "desde principios de la década de 1980, el género ha pasado de ser un subconjunto de los estudios de música popular a ser un marco casi ubicuo para constituir y evaluar objetos de investigación musical". [84]
La técnica musical es la capacidad de los músicos instrumentales y vocales de ejercer un control óptimo de sus instrumentos o cuerdas vocales para producir efectos musicales precisos. Mejorar la técnica generalmente pasa por practicar ejercicios que mejoren la sensibilidad y la agilidad muscular. Para mejorar la técnica, los músicos suelen practicar patrones fundamentales de notas como las escalas natural , menor , mayor y cromática , tríadas menores y mayores , séptimas dominantes y disminuidas , patrones de fórmula y arpegios . Por ejemplo, las tríadas y las séptimas enseñan a tocar acordes con precisión y velocidad. Las escalas enseñan cómo pasar rápida y elegantemente de una nota a otra (normalmente paso a paso). Los arpegios enseñan a tocar acordes rotos en intervalos más largos. Muchos de estos componentes de la música se encuentran en las composiciones; por ejemplo, una escala es un elemento muy común en las composiciones de las épocas clásica y romántica. [ cita necesaria ]
Heinrich Schenker argumentó que la "característica más llamativa y distintiva" de la técnica musical es la repetición . [85] Las obras conocidas como études (que significa "estudio") también se utilizan con frecuencia para mejorar la técnica.
Los teóricos de la música a veces usan las matemáticas para entender la música, y aunque la música no tiene una base axiomática en las matemáticas modernas, las matemáticas son "la base del sonido" y el sonido en sí "en sus aspectos musicales... exhibe una notable variedad de propiedades numéricas", simplemente porque la naturaleza misma "es sorprendentemente matemática". [86] El intento de estructurar y comunicar nuevas formas de componer y escuchar música ha llevado a aplicaciones musicales de la teoría de conjuntos , el álgebra abstracta y la teoría de números . Algunos compositores han incorporado la proporción áurea y los números de Fibonacci en sus obras. [87] [88] Existe una larga historia de examen de las relaciones entre la música y las matemáticas. Aunque se sabe que los antiguos chinos, egipcios y mesopotámicos estudiaron los principios matemáticos del sonido, [89] los pitagóricos (en particular Filolao y Arquitas ) [90] de la antigua Grecia fueron los primeros investigadores que investigaron la expresión de escalas musicales en términos de razones numéricas .
En la era moderna, la teoría de conjuntos musicales utiliza el lenguaje de la teoría matemática de conjuntos de forma elemental para organizar objetos musicales y describir sus relaciones. Para analizar la estructura de una pieza musical (normalmente atonal) utilizando la teoría de conjuntos musicales, normalmente se comienza con un conjunto de tonos, que podrían formar motivos o acordes. Aplicando operaciones simples como la transposición y la inversión , se pueden descubrir estructuras profundas en la música. Operaciones como la transposición y la inversión se denominan isometrías porque preservan los intervalos entre tonos de un conjunto. Ampliando los métodos de la teoría de conjuntos musicales, algunos teóricos han utilizado el álgebra abstracta para analizar la música. Por ejemplo, las clases de tono en una octava igualmente templada forman un grupo abeliano con 12 elementos. Es posible describir la entonación justa en términos de un grupo abeliano libre . [91]
En teoría musical, el serialismo es un método o técnica de composición que utiliza una serie de valores para manipular diferentes elementos musicales . El serialismo comenzó principalmente con la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg , aunque sus contemporáneos también estaban trabajando para establecer el serialismo como un ejemplo de pensamiento postonal . La técnica dodecafónica ordena las doce notas de la escala cromática , formando una fila o serie y proporcionando una base unificadora para la melodía , la armonía , las progresiones estructurales y las variaciones de una composición . Otros tipos de serialismo también trabajan con conjuntos , colecciones de objetos, pero no necesariamente con series de orden fijo, y extienden la técnica a otras dimensiones musicales (a menudo llamadas " parámetros "), como la duración , la dinámica y el timbre . La idea del serialismo también se aplica de diversas formas en las artes visuales, el diseño y la arquitectura [92]
El "serialismo integral" o "serialismo total" es el uso de series para aspectos como la duración, la dinámica y el registro, así como el tono. [93] Otros términos, utilizados especialmente en Europa para distinguir la música en serie posterior a la Segunda Guerra Mundial de la música dodecafónica y sus extensiones americanas, son "serialismo general" y "serialismo múltiple". [94]
La teoría de conjuntos musicales proporciona conceptos para categorizar objetos musicales y describir sus relaciones. Muchas de las nociones fueron elaboradas por primera vez por Howard Hanson (1960) en relación con la música tonal, y luego desarrolladas principalmente en relación con la música atonal por teóricos como Allen Forte (1973), basándose en el trabajo sobre teoría dodecafónica de Milton Babbitt. . Los conceptos de la teoría de conjuntos son muy generales y pueden aplicarse a estilos tonales y atonales en cualquier sistema de afinación igualmente templado y, hasta cierto punto, de manera más general. [ cita necesaria ]
Una rama de la teoría de conjuntos musicales se ocupa de colecciones (conjuntos y permutaciones) de tonos y clases de tonos (teoría de conjuntos de clases de tonos), que pueden estar ordenados o desordenados y pueden relacionarse mediante operaciones musicales como la transposición , la inversión y la complementación . Los métodos de la teoría de conjuntos musicales a veces también se aplican al análisis del ritmo. [ cita necesaria ]
La semiología musical ( semiótica ) es el estudio de los signos relacionados con la música en una variedad de niveles. Siguiendo a Roman Jakobson , Kofi Agawu adopta la idea de que la semiosis musical es introversiva o extroversiva, es decir, signos musicales dentro y fuera de un texto. [ cita necesaria ] Agawu, entre otros, ha tratado sugerentemente los "temas", o diversas convenciones musicales (como llamadas de trompeta, formas y estilos de danza). [ cita necesaria ] La noción de gesto está comenzando a desempeñar un papel importante en la investigación musico-semiótica. [ cita necesaria ]
Los escritores sobre semiología musical incluyen a Kofi Agawu (sobre teoría de actualidad, [ cita necesaria ] Heinrich Schenker , [103] [104] Robert Hatten (sobre tema, gesto) [ cita necesaria ] , Raymond Monelle (sobre tema, significado musical) [ cita necesaria ] , Jean-Jacques Nattiez (sobre análisis taxonómico introversivo y aplicaciones etnomusicológicas) [ cita necesaria ] , Anthony Newcomb (sobre la narratividad) [ cita necesaria ] y Eero Tarasti [ cita necesaria ] .
Roland Barthes , un semiótico y hábil pianista aficionado, escribió sobre música en Imagen-Música-Texto, [ cita completa necesaria ] Las responsabilidades de la forma, [ cita completa necesaria ] y la Torre Eiffel, [ cita completa necesaria ] aunque no consideró La música es un sistema semiótico [ cita requerida ] .
Los signos, los significados en la música, ocurren esencialmente a través de las connotaciones de los sonidos, y a través de la construcción social, apropiación y amplificación de ciertos significados asociados con estas connotaciones. El trabajo de Philip Tagg ( Diez pequeñas melodías , [ cita completa necesaria ] Fernando la flauta , [ cita completa necesaria ] Significados de la música [ cita completa necesaria ] ) proporciona uno de los análisis más completos y sistemáticos de la relación entre estructuras musicales y connotaciones en música occidental y especialmente popular, televisiva y cinematográfica. El trabajo de Leonard B. Meyer en Style and Music [ cita completa necesaria ] teoriza la relación entre ideologías y estructuras musicales y los fenómenos de cambio de estilo, y se centra en el romanticismo como estudio de caso.
La teoría musical en el sentido práctico ha sido parte de la educación en los conservatorios y escuelas de música durante siglos, pero el estatus que tiene actualmente la teoría musical dentro de las instituciones académicas es relativamente reciente. En la década de 1970, pocas universidades tenían programas dedicados a la teoría musical, muchos teóricos de la música se habían formado como compositores o historiadores, y entre los teóricos existía la creencia de que la enseñanza de la teoría musical era inadecuada y que la materia no estaba debidamente reconocida como una disciplina académica. en su propio derecho. [105] Un número creciente de académicos comenzó a promover la idea de que la teoría musical debería ser enseñada por teóricos, en lugar de compositores, intérpretes o historiadores de la música. [105] Esto llevó a la fundación de la Sociedad de Teoría Musical en los Estados Unidos en 1977. En Europa, la Société d'Analyse musicale francesa se fundó en 1985. Convocó la Primera Conferencia Europea de Análisis Musical para 1989, que resultó en la fundación de la Société belge d'Analyse musicale en Bélgica y el Gruppo analisi e teoria musicale en Italia el mismo año, la Society for Music Analysis en el Reino Unido en 1991, la Vereniging voor Muziektheorie en los Países Bajos en 1999 y la Gesellschaft für Musiktheorie en Alemania en 2000. [106] Posteriormente les siguieron la Sociedad Rusa de Teoría Musical en 2013, la Sociedad Polaca de Análisis Musical en 2015 y la Sociedad de Análisis y Teoría Musical en España en 2020, y otras están en construcción. Estas sociedades coordinan la publicación de becas de teoría musical y apoyan el desarrollo profesional de los investigadores de teoría musical.
Como parte de su formación inicial, los teóricos de la música normalmente completarán una licenciatura en música o una licenciatura en música (o un campo relacionado) y, en muchos casos, una maestría en teoría musical. Algunas personas postulan directamente desde una licenciatura a un doctorado y, en estos casos, es posible que no reciban una maestría. En la década de 2010, dada la naturaleza cada vez más interdisciplinaria de los programas de posgrado universitarios, algunos solicitantes de programas de doctorado en teoría musical pueden tener formación académica tanto en música y fuera de la música (por ejemplo, un estudiante puede postularse con una Licenciatura en Música y una Maestría en Composición Musical o Filosofía de la Música).
La mayoría de los teóricos de la música trabajan como instructores, conferenciantes o profesores en colegios, universidades o conservatorios . El mercado laboral para puestos de profesor titular es muy competitivo: con un promedio de alrededor de 25 puestos titulares anunciados por año en la última década, cada año se producen entre 80 y 100 doctorados (según la Encuesta de Doctorados Obtenidos) que compiten no solo entre sí por esos puestos, sino también con quienes buscan empleo que recibieron un doctorado en años anteriores y que todavía están buscando un trabajo permanente. Los solicitantes deben tener un doctorado completo o un título equivalente (o esperar recibir uno dentro de un año de haber sido contratados, llamado "ABD", para la etapa " Todo menos disertación ") y (para puestos más altos) tener un sólido historial de publicaciones. en revistas revisadas por pares. Algunos teóricos de la música con doctorados sólo pueden encontrar puestos inseguros como profesores sesionales . Las tareas laborales de un teórico de la música son las mismas que las de un profesor de cualquier otra disciplina de humanidades: impartir clases de pregrado y/o posgrado en esta área de especialización y, en muchos casos, algunos cursos generales (como Apreciación Musical o Introducción a la Música). Teoría), realizar investigaciones en esta área de especialización, publicar artículos de investigación en revistas revisadas por pares, escribir capítulos de libros, libros o libros de texto, viajar a conferencias para presentar artículos y aprender sobre investigaciones en el campo y, si el programa incluye un graduado escuela, supervisando estudiantes de maestría y doctorado y brindándoles orientación en la preparación de sus tesis y disertaciones. Algunos profesores de teoría musical pueden asumir puestos administrativos superiores en su institución, como decano o presidente de la Escuela de Música.
La síncopa se logra acentuando un tiempo débil en lugar de uno fuerte, poniendo silencios en tiempos fuertes, manteniendo tiempos fuertes e introduciendo un cambio repentino de compás.
La superposición de diferentes ritmos o metros.
