La música de Cuba , incluidos sus instrumentos, interpretaciones y bailes, comprende un amplio conjunto de tradiciones únicas influenciadas principalmente por la música de África occidental y Europa (especialmente española). [1] Debido a la naturaleza sincrética de la mayoría de sus géneros, la música cubana suele considerarse una de las músicas regionales más ricas e influyentes del mundo. Por ejemplo, el son cubano fusiona una guitarra española adaptada (tres), melodía, armonía y tradiciones líricas con percusión y ritmos afrocubanos. Casi nada queda de las tradiciones nativas originales, ya que la población nativa fue exterminada en el siglo XVI. [2]
Desde el siglo XIX, la música cubana ha sido enormemente popular e influyente en todo el mundo. Ha sido quizás la forma más popular de música regional desde la introducción de la tecnología de grabación. La música cubana ha contribuido al desarrollo de una amplia variedad de géneros y estilos musicales en todo el mundo, sobre todo en América Latina , el Caribe , África occidental y Europa . Los ejemplos incluyen la rumba , el jazz afrocubano , la salsa , el soukous , muchas readaptaciones de música afrocubana de África occidental ( Orquesta Baobab , Africando ), géneros de fusión española (notablemente con flamenco ) y una amplia variedad de géneros en América Latina.
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Un gran número de esclavos africanos e inmigrantes europeos, en su mayoría españoles, llegaron a Cuba y trajeron sus propias formas de música a la isla. Las danzas y músicas folclóricas europeas incluían el zapateo , el fandango , el pasodoble y el retambico . Más tarde, las formas del norte de Europa como el minueto , la gavota , la mazurca , la contradanza y el vals aparecieron entre los blancos urbanos. También hubo una inmigración de trabajadores chinos contratados a finales del siglo XIX.
Fernando Ortiz , el primer gran folclorista cubano, describió las innovaciones musicales de Cuba como surgidas de la interacción ("transculturación") entre los africanos esclavizados asentados en grandes plantaciones de azúcar y los españoles de diferentes regiones como Andalucía y las Islas Canarias . Los africanos esclavizados y sus descendientes fabricaron muchos instrumentos de percusión y conservaron los ritmos que conocían en su tierra natal. [3] Los instrumentos más importantes fueron los tambores, de los cuales, originalmente, había unos cincuenta tipos diferentes; hoy en día solo se ven regularmente los bongos , las congas y los tambores batá (los timbales descienden de los timbales de las bandas militares españolas). También son importantes las claves , dos bastones cortos de madera dura, y el cajón , una caja de madera, originalmente hecha de cajones. Las claves todavía se usan a menudo, y las cajas de madera ( cajones ) fueron ampliamente utilizadas durante los períodos en que el tambor estaba prohibido. Además, hay otros instrumentos de percusión en uso para ceremonias religiosas de origen africano. Los inmigrantes chinos aportaron la corneta china , un instrumento de lengüeta chino que todavía se toca en las comparsas o grupos carnavalescos de Santiago de Cuba .
La gran contribución instrumental de los españoles fue su guitarra , pero aún más importante fue la tradición de la notación musical europea y las técnicas de composición musical . Los archivos de Hernando de la Parra brindan parte de nuestra información disponible más temprana sobre la música cubana. Reportó instrumentos que incluían el clarinete , el violín y la vihuela . Había pocos músicos profesionales en ese momento, y aún menos de sus canciones sobreviven. Una de las primeras es Ma Teodora , supuestamente relacionada con una esclava liberada, Teodora Ginés de Santiago de Cuba, que era famosa por sus composiciones. Se dice que la pieza es similar a las canciones y bailes populares españoles de los siglos XVI, XVII y XVIII. [4]
La música cubana tiene sus principales raíces en España y África Occidental, pero a lo largo del tiempo ha recibido influencias de diversos géneros de diferentes países, entre los que destacan Francia (y sus colonias en América) y Estados Unidos .
La música cubana ha sido inmensamente influyente [ cita requerida ] en otros países. Contribuyó no solo al desarrollo del jazz y la salsa , sino también al tango argentino , la alta sociedad ghanesa, el afrobeat de África occidental , la bachata y el merengue dominicanos , la cumbia colombiana y el nuevo flamenco español y a la música árabe-cubana ( hanine y son cubano ) [5] desarrollada por Michel Elefteriades en la década de 1990.
Las creencias y prácticas africanas influyeron sin duda en la música cubana. La percusión polirrítmica es una parte inherente de la música africana, como la melodía es parte de la música europea. Además, en la tradición africana, la percusión siempre está unida a la canción y la danza, y a un contexto social particular. [6] El resultado del encuentro de las culturas europea y africana es que la mayor parte de la música popular cubana está criolla. Esta criollización de la vida cubana ha estado ocurriendo durante mucho tiempo, y en el siglo XX, los elementos de la creencia, la música y la danza africanas estaban bien integrados en las formas populares y folclóricas.
Entre los compositores internacionalmente aclamados del género "serio" se puede contar al compositor barroco Esteban Salas y Castro (1725-1803), quien pasó gran parte de su vida enseñando y escribiendo música para la Iglesia. [7] Fue sucedido en la Catedral de Santiago de Cuba por el sacerdote Juan París (1759-1845). París fue un hombre excepcionalmente trabajador y un compositor importante. Fomentó eventos musicales continuos y diversos. [8] p181 Aparte de la música rural y la música folclórica afrocubana, el tipo de música de baile criolla urbana más popular en el siglo XIX fue la contradanza, que comenzó como una forma local de la danza campestre inglesa y la contradanza francesa derivada y la contradanza española. Si bien muchas contradanzas fueron escritas para danza, desde mediados de siglo varias fueron escritas como piezas de salón clásicas ligeras para piano. El primer compositor destacado en este estilo fue Manuel Saumell (1818-1870), a quien a veces se le considera el padre del desarrollo de la música criolla cubana. Según Helio Orovio, "después de la obra visionaria de Saumell, sólo quedaba desarrollar sus innovaciones, todas las cuales influyeron profundamente en la historia de los movimientos musicales nacionalistas cubanos". [9]
En manos de su sucesor, Ignacio Cervantes Kavanagh, el lenguaje pianístico relacionado con la contradanza alcanzó una sofisticación aún mayor. Aaron Copland llamó a Cervantes un « Chopin cubano » por sus composiciones para piano chopinescas. La reputación de Cervantes hoy en día se basa casi exclusivamente en sus famosas cuarenta y una Danzas Cubanas , que según Carpentier «ocupan el lugar que las danzas noruegas de Grieg o las danzas eslavas de Dvořák ocupan en la música de sus respectivos países». La ópera inacabada de Cervantes, Maledetto , ha caído en el olvido. [8]
En la década de 1840, la habanera surgió como una canción vocal lánguida que utilizaba el ritmo de la contradanza (los no cubanos a veces llamaban "habaneras" a las contradanzas cubanas). La habanera se hizo popular en España y en otros lugares. La contradanza/danza cubana también ejerció una importante influencia en la danza puertorriqueña, que siguió disfrutando de su propia trayectoria dinámica y distintiva hasta la década de 1930. En Cuba, en la década de 1880, la contradanza/danza dio origen al danzón, que lo superó en popularidad. [10]
Laureano Fuentes (1825-1898) provenía de una familia de músicos y escribió la primera ópera que se compuso en la isla, La hija de Jefté. Esta fue luego ampliada y puesta en escena bajo el título Seila . Sus numerosas obras abarcaron todos los géneros. Gaspar Villate (1851-1891) produjo una obra abundante y de amplio alcance, todas centradas en la ópera. [8] p239 José White (1836-1918), mulato de padre español y madre afrocubana, fue un compositor y violinista de mérito internacional. Aprendió a tocar dieciséis instrumentos y vivió, de forma diversa, en Cuba, América Latina y París. Su obra más famosa es La Bella Cubana , una habanera.
A mediados del siglo XIX, un joven músico estadounidense, Louis Moreau Gottschalk (1829-1869), llegó a Cuba. El padre de Gottschalk era un hombre de negocios judío de Londres y su madre, una criolla blanca de origen católico francés. [11] Gottschalk fue criado principalmente por su abuela negra y su enfermera Sally, ambas de Saint-Domingue . Era un prodigio del piano que había escuchado la música y visto el baile en Congo Square , Nueva Orleans, desde la infancia. Su período en Cuba duró de 1853 a 1862, con visitas a Puerto Rico y Martinica . Compuso muchas piezas criollas, como la habanera Bamboula, Op. 2 (Danse de negres) (1845), cuyo título hace referencia a un tambor bajo afrocaribeño; El cocoye (1853), una versión de una melodía rítmica ya presente en Cuba; la contradanza Ojos criollos (Danse cubaine) (1859) y una versión de María de la O , que hace referencia a una cantante mulata cubana. Estos números hicieron uso de patrones rítmicos cubanos típicos. En uno de sus conciertos de despedida tocó su Adiós a Cuba entre grandes aplausos y gritos de "¡bravo!". Desafortunadamente, su partitura para la obra no ha sobrevivido. [12] En febrero de 1860 Gottschalk produjo una enorme obra La nuit des tropiques en La Habana. La obra utilizó alrededor de 250 músicos y un coro de 200 cantantes más un grupo de tumba francesa de Santiago de Cuba . Produjo otro gran concierto al año siguiente, con material nuevo. Estos espectáculos probablemente eclipsaron todo lo visto en la isla antes o después, y sin duda fueron inolvidables para los asistentes. [13] p147
Entre finales del siglo XIX y principios del XX sobresalen en el panorama musical cubano una serie de compositores que cultivaron géneros como la canción popular y el lied de concierto , la música bailable, la zarzuela y el teatro vernáculo, así como la música sinfónica. Entre otros, cabe mencionar a Hubert de Blanck (1856-1932); José Mauri (1856-1937); Manuel Mauri (1857-1939); José Marín Varona ; Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944); Jorge Anckermann (1877-1941); Luis Casas Romero (1882-1950) y Mario Valdés Costa (1898-1930). [14]
La obra de José Marín Varona vincula la actividad musical cubana de finales del siglo XIX y principios del XX. En 1896, el compositor incluyó en su zarzuela “El Brujo” la primera guajira cubana de la que se tiene registro histórico. [15] [16]
Sobre esta pieza dijo el compositor Eduardo Sánchez de Fuentes : “La crítica honesta de un día no muy lejano otorgará al autor de la inmortal guajira de “El Brujo” el honor que sin duda le corresponde en cualquier tiempo”. [17]
Gonzalo Roig (1890-1970) fue una figura importante en la primera mitad del siglo. [18] Compositor y director de orquesta, se graduó en piano, violín y teoría de la composición. En 1922 fue uno de los fundadores de la Orquesta Sinfónica Nacional, que dirigió. En 1927 fue nombrado Director de la Escuela de Música de La Habana. Como compositor se especializó en la zarzuela, una forma de teatro musical, muy popular hasta la Segunda Guerra Mundial. En 1931 cofundó una compañía bufo (teatro cómico) en el Teatro Martí de La Habana. Fue el compositor de la zarzuela cubana más conocida, Cecilia Valdés , basada en la famosa novela del siglo XIX sobre una mulata cubana. Se estrenó en 1932. Fundó varias organizaciones y escribió con frecuencia sobre temas musicales. [19]
Uno de los pianistas y compositores cubanos más importantes del siglo XX fue Ernesto Lecuona (1895-1963). [20] Lecuona compuso más de seiscientas piezas, en su mayoría de estilo cubano, y fue un pianista de calidad excepcional. Fue un prolífico compositor de canciones y música para teatro y cine. Sus obras consistieron en zarzuela , ritmos afrocubanos y cubanos, suites y muchas canciones que se convirtieron en estándares latinos. Incluyen Siboney , Malagueña y The Breeze And I ( Andalucía ). En 1942 su gran éxito Always in my heart ( Siempre en mi corazón ) fue nominado al Oscar a la mejor canción; perdió ante White Christmas . La Orquesta Sinfónica Ernesto Lecuona interpretó el estreno de Black Rhapsody de Lecuona en el Concierto del Día de la Liberación de Cuba en el Carnegie Hall el 10 de octubre de 1943. [21]
Aunque su música rara vez se interpreta hoy en día, Amadeo Roldán (1900-1939) y Alejandro García Caturla (1906-1940) fueron los revolucionarios sinfónicos de Cuba durante la primera mitad del siglo XX. [13] Ambos jugaron un papel en el afrocubanismo : el movimiento en la cultura cubana de temática negra con orígenes en la década de 1920, y ampliamente analizado por Fernando Ortiz .
Roldán, nacido en París de padre español y mulata cubana, llegó a Cuba en 1919 y se convirtió en el concertino (primer violín) de la nueva Orquesta Sinfónica de La Habana en 1922. Allí conoció a Caturla, a los dieciséis años, segundo violín. Las composiciones de Roldán incluyeron Obertura sobre temas cubanos (1925) y dos ballets: La Rebambaramba (1928) y El milagro de Anaquille (1929). Siguieron una serie de Rítmicas y Poema negra (1930) y Tres toques (marcha, ritos, danza) (1931). En Motivos de son (1934) escribió ocho piezas para voz e instrumentos basadas en el conjunto de poemas del poeta Nicolás Guillén con el mismo título. Su última composición fueron dos Piezas infantiles para piano (1937). Roldán murió joven, a los 38 años, de un cáncer facial desfigurante (había sido un fumador empedernido).
Después de sus días de estudiante, Caturla vivió toda su vida en la pequeña ciudad de Remedios, en el centro del país, donde se convirtió en abogado para mantener a su creciente familia. Su obra Tres danzas cubanas para orquesta sinfónica se estrenó en España en 1929. Bembe se estrenó en La Habana el mismo año. Su Obertura cubana ganó el primer premio en un concurso nacional en 1938. Caturla fue asesinado a los 34 años por un joven jugador. [8]
Fundado en 1942 bajo la dirección de José Ardévol (1911–1981), compositor catalán establecido en Cuba desde 1930, el Grupo de Renovación Musical sirvió de plataforma para que un grupo de jóvenes compositores desarrollaran un movimiento proactivo con el propósito de mejorar y literalmente renovar la calidad del ambiente musical cubano. Durante su existencia, de 1942 a 1948, el grupo organizó numerosos conciertos en el Lyceum de La Habana con el fin de presentar sus composiciones de vanguardia al público en general y fomentó entre sus miembros el desarrollo de muchos futuros directores, críticos de arte, intérpretes y profesores. También iniciaron un proceso de investigación y reevaluación de la música cubana en general, descubriendo la obra destacada de Carlo Borbolla [22] y promoviendo las composiciones de Saumell, Cervantes, Caturla y Roldán. El "Grupo de Renovación Musical" incluía a los siguientes compositores: Hilario González, Harold Gramatges , Julián Orbón , Juan Antonio Cámara, Serafín Pro, Virginia Fleites, Gisela Hernández , Enrique Aparicio Bellver, Argeliers León , Dolores Torres y Edgardo Martín. [ cita necesaria ] Otros compositores cubanos contemporáneos que poco o nada tenían relación con el "Grupo de Renovación Musical" fueron: Aurelio de la Vega , Joaquín Nin-Culmell , Alfredo Diez Nieto [23] y Natalio Galán. [24]
Aunque en Cuba muchos compositores han escrito tanto música clásica como música criolla popular, la distinción se hizo más clara después de 1960, cuando (al menos inicialmente) el régimen desaprobaba la música popular y cerró la mayoría de los locales de clubes nocturnos, al tiempo que brindaba apoyo financiero a la música clásica en lugar de las formas criollas. A partir de entonces, la mayoría de los músicos han mantenido sus carreras en un lado o en el otro de la línea invisible. Después de la Revolución Cubana en 1959, una nueva generación de músicos clásicos entró en escena. El más importante de ellos es el guitarrista Leo Brouwer , que ha hecho importantes contribuciones a la técnica y al repertorio de la guitarra clásica moderna, y ha sido director de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba . Su dirección a principios de la década de 1970 del "Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC" fue fundamental en la formación y consolidación del movimiento de la Nueva trova .
Otros compositores importantes del período posrevolucionario temprano que se inició en 1959 fueron: Carlos Fariñas y Juan Blanco , pionero de la música "concreta" y "electroacústica" en Cuba. [25]
Poco después de la primera generación posrevolucionaria, un grupo de jóvenes compositores comenzó a atraer la atención del público que asistía a conciertos de música clásica. La mayoría de ellos habían obtenido títulos en escuelas de renombre fuera del país gracias a becas otorgadas por el gobierno, como Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso ), que recibió un título de posgrado de la Academia Superior de Música de Praga, [26] y Roberto Valera , que estudió con Witold Rudziński y Andrzej Dobrowolski en Polonia. [27] Otros tres compositores pertenecen a este grupo: Calixto Alvarez , [28] Carlos Malcolm [ cita requerida ] y Héctor Angulo . [29]
En 1962 llega a La Habana el compositor norteamericano Federico Smith , quien abrazó a la nación cubana como su propio país y se convirtió en uno de los músicos más destacados que vivían y trabajaban en Cuba en ese momento. Permaneció en Cuba hasta su muerte e hizo una importante contribución al patrimonio musical cubano.
A principios de la década de 1970, un grupo de músicos y compositores, la mayoría de ellos graduados de la Escuela Nacional de Arte y el Conservatorio de La Habana, se reunieron en torno a una organización recientemente creada por el gobierno como la sección juvenil de la UNEAC ( Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba ), la Brigada Hermanos Saíz. [30] [31] Algunos de sus miembros fueron los compositores Juan Piñera (sobrino del reconocido escritor cubano Virgilio Piñera), [23] Flores Chaviano , Armando Rodríguez Ruidiaz, Danilo Avilés , [23] Magaly Ruiz , Efraín Amador Piñero y José Loyola . Otros compositores contemporáneos menos involucrados con la organización fueron José María Vitier , Julio Roloff , [23] y Jorge López Marín. [32]
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Después de la Revolución Cubana (1959), muchos futuros compositores cubanos emigraron a muy temprana edad y desarrollaron la mayor parte de su carrera fuera del país. Dentro de este grupo se encuentran los compositores Tania León , Orlando Jacinto García , Armando Tranquilino, [23] Odaline de la Martínez , José Raúl Bernardo, [32] Jorge Martín (compositor) y Raúl Murciano. [33]
Durante las últimas décadas del siglo XX y principios del XXI emergió en el panorama de la música clásica cubana una nueva generación de compositores. La mayoría de ellos recibieron una sólida educación musical proporcionada por el sistema oficial de escuelas de arte creado por el gobierno cubano y se graduaron del Instituto Superior de Arte (ISA). Algunos de esos compositores son Louis Franz Aguirre , [34] Ileana Pérez Velázquez , Keila María Orozco, [32] Viviana Ruiz, [23] Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar, [35] Yalil Guerra , Eduardo Morales Caso , [36] Ailem Carvajal Gómez , Irina Escalante Chernova y Evelin Ramón . Todos ellos han emigrado y actualmente viven y han trabajado en otros países. [ cita requerida ]
Juan Blanco fue el primer compositor cubano en crear una pieza electroacústica en 1961. Esta primera composición, titulada "Música para danza", fue realizada con tan solo un oscilador y tres grabadoras comunes. El acceso a los recursos tecnológicos necesarios para producir música electroacústica siempre fue muy limitado para cualquier interesado. Por ello, no fue hasta 1969 que otro compositor cubano, Sergio Barroso , se dedicó a la creación de composiciones musicales electroacústicas.
En 1970, Juan Blanco comenzó a trabajar como asesor musical del Departamento de Propaganda del ICAP (Instituto Cubano de Amistad con Los Pueblos). En esa función creó música electroacústica para todos los materiales audiovisuales producidos por el ICAP. Después de nueve años de trabajo sin restitución, Blanco finalmente obtuvo financiamiento para montar un Estudio Electroacústico para su trabajo. Fue designado Director del Estudio, pero con la condición de que él fuera el único que utilizara la instalación.
Al cabo de unos meses, y sin pedir permiso, abrió el Estudio Electroacústico a todos los compositores interesados en trabajar con la tecnología electroacústica, creándose así el Taller de Música Electroacústica del ICAP (TIME), donde él mismo impartía formación a todos los participantes. En 1990, el Taller del ICAP cambió su nombre a Laboratorio Nacional de Música Electroacústica (LNME) y su objetivo principal fue apoyar y promover la obra de los compositores electroacústicos y artistas sonoros cubanos.
Años después se creó otro estudio de música electroacústica en el Instituto Superior de Arte (ISA), el Estudio de Música Electroacústica y por Computadoras (EMEC), actualmente llamado Estudio Carlos Fariñas de Arte Musical, cuyo objetivo es brindar formación en música electroacústica a los estudiantes de composición de los últimos años de su carrera.
Después de 1970, compositores cubanos como Leo Brouwer , Jesús Ortega, Carlos Fariñas y Sergio Vitier comenzaron a crear también piezas electroacústicas; y en la década de 1980 un grupo de compositores que incluía a Edesio Alejandro , Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar, Marietta Véulens, Mirtha de la Torre, Miguel Bonachea y Julio Roloff , comenzaron a recibir instrucción y trabajar en el Estudio Electroacústico del ICAP. Una lista de compositores cubanos que han utilizado la tecnología electroacústica incluye a Argeliers León , Juan Piñera , Roberto Valera , José Loyola , Ileana Pérez Velázquez y José Angel Pérez Puentes. [37]
La mayoría de los compositores cubanos que establecieron su residencia fuera de Cuba han trabajado con tecnología electroacústica. Entre ellos se encuentran los compositores Aurelio de la Vega, Armando Tranquilino, Tania León , Orlando Jacinto García , Armando Rodríguez Ruidiaz, Ailem Carvajal Gómez e Irina Escalante Chernova. [38]
La guitarra (tal como se la conoce hoy o en alguna de sus versiones históricas) ha estado presente en Cuba desde el descubrimiento de la isla por parte de España. Ya en el siglo XVI, un músico llamado Juan Ortiz, de la villa de Trinidad, es mencionado por el famoso cronista Bernal Díaz del Castillo como "gran tañedor de vihuela y viola" . Otro "vihuelista", Alonso Morón de Bayamo, también es mencionado en las crónicas de la conquista española durante el siglo XVI. [39] [40]
Discípulo del famoso guitarrista español Dionisio Aguado, José Prudencio Mungol fue el primer guitarrista cubano formado en la tradición de la guitarra española. En 1893, tras regresar de España, actuó en un concierto muy aclamado en La Habana. Mungol participó activamente en la vida musical de La Habana y fue profesor en el conservatorio Hubert de Blanck. [41]
Severino López nació en Matanzas. Estudió guitarra en Cuba con Juan Martín Sabio y Pascual Roch, y en España con el reconocido guitarrista catalán Miguel Llobet. Severino López es considerado el iniciador en Cuba de la escuela de guitarra fundada por Francisco Tárrega en España. [42]
Clara Romero (1888-1951), fundadora de la moderna Escuela Cubana de Guitarra, estudió en España con Nicolás Prats y en Cuba con Félix Guerrero. Inauguró el departamento de guitarra en el Conservatorio Municipal de La Habana en 1931, donde también introdujo las enseñanzas del estilo de la guitarra folklórica cubana. Creó la Sociedad Guitarrística de Cuba en 1940, y también la revista "Guitarra", con el propósito de promover las actividades de la Sociedad. Fue profesora de muchos guitarristas cubanos, entre ellos su hijo Isaac Nicola y su hija Clara (Cuqui) Nicola . [43]
Después de estudiar con su madre, Clara Romero, en el Conservatorio Municipal de La Habana, Isaac Nicola (1916 – 1997) continuó su formación en París con Emilio Pujol, discípulo de Francisco Tárrega. También estudió la vihuela con Pujol e investigó sobre la historia y la literatura de la guitarra. [44]
Después de la revolución cubana en 1959, Isaac Nicola y otros profesores como Marta Cuervo , Clara (Cuqui) Nicola , Marianela Bonet y Leopoldina Núñez se integraron al sistema nacional de escuelas de música, donde se implementó un método didáctico unificado. Este fue un núcleo para el desarrollo posterior de una Escuela Nacional de Guitarra Cubana con la que colaboró una nueva generación de guitarristas y compositores.
Tal vez la contribución más importante a la técnica y al repertorio de la guitarra cubana moderna proviene de Leo Brouwer (nacido en 1939). Nieto de Ernestina Lecuona, hermana de Ernesto Lecuona, Brouwer comenzó a estudiar guitarra con su padre y después de un tiempo continuó con Isaac Nicola . Aprendió por su cuenta armonía, contrapunto, formas musicales y orquestación antes de completar sus estudios en la Juilliard School y la Universidad de Hartford .
Desde la década de 1960 se han formado varias generaciones de guitarreros, profesores y compositores al amparo de la Escuela Cubana de Guitarra en instituciones educativas como el Conservatorio Municipal de La Habana, la Escuela Nacional de Artes y el Instituto Superior de Arte. Otros, como Manuel Barrueco , concertista de renombre internacional, desarrollaron su carrera fuera del país. Entre muchos otros guitarristas relacionados con la Escuela Cubana de Guitarra se encuentran Carlos Molina , Sergio Vitier, Flores Chaviano , Efraín Amador Piñero , Armando Rodriguez Ruidiaz, Martín Pedreira , Lester Carrodeguas, Mario Daly, José Angel Pérez Puentes y Teresa Madiedo. Un grupo más joven incluye a los guitarristas Rey Guerra, Aldo Rodríguez Delgado, Pedro Cañas, Leyda Lombard, Ernesto Tamayo , Miguel Bonachea , [45] Joaquín Clerch [46] [47] y Yalil Guerra .
Tras su llegada a Cuba a finales del siglo XVIII, el piano (comúnmente llamado piano) se convirtió rápidamente en uno de los instrumentos favoritos de la población cubana. Junto a la humilde guitarra, el piano acompañaba las populares guarachas y contradanzas cubanas (derivadas de las danzas campestres europeas) en los salones y salones de baile de La Habana y de todo el país. [48] Ya en 1804, un programa de conciertos en La Habana anunciaba un concierto vocal "acompañado al fortepiano por un distinguido extranjero recién llegado" [49] y en 1832, Juan Federico Edelmann (1795-1848), un pianista de renombre, hijo de un famoso compositor y pianista alsaciano, llegó a La Habana y ofreció un concierto muy exitoso en el Teatro Principal. Animado por la cálida bienvenida, Edelmann decidió quedarse en La Habana y muy pronto fue ascendido a un puesto importante dentro de la Sociedad Filarmónica de Santa Cecilia. En 1836, abrió una tienda de música y una editorial. [50]
Uno de los músicos cubanos más prestigiosos, Ernesto Lecuona (1895-1963), comenzó sus estudios de piano con su hermana Ernestina y los continuó con Peyrellade , Saavedra, Nin y Hubert de Blanck. Niño prodigio, Lecuona dio un concierto, con apenas cinco años, en el Círculo Hispano. Al graduarse en el Conservatorio Nacional, fue galardonado con el Primer Premio y la Medalla de Oro de su promoción por decisión unánime del tribunal. Es con diferencia el compositor cubano de mayor reconocimiento internacional y sus aportaciones a la tradición pianística cubana son consideradas excepcionales. [21]
Los instrumentos de cuerda frotada han estado presentes en Cuba desde el siglo XVI. El músico Juan Ortiz de la Villa de Trinidad es mencionado por el cronista Bernal Díaz del Castillo como un "gran ejecutante de la vihuela y la viola ". [42] En 1764, Esteban Salas y Castro, se convirtió en el nuevo maestro de capilla de la Catedral de Santiago de Cuba, y para cumplir con sus deberes musicales contó con un pequeño grupo vocal-instrumental que incluía dos violines. [51] En 1793, numerosos colonos que huían de la revuelta de esclavos en Saint Domingue llegaron a Santiago de Cuba, y se fundó una orquesta compuesta por flauta, oboe, clarinete, trompeta, tres trompas, tres violines, viola, dos violonchelos y percusión. [52]
Durante la transición del siglo XVIII al XIX, el habanés Ulpiano Estrada (1777-1847) ofreció clases de violín y dirigió la orquesta del Teatro Principal de 1817 a 1820. Aparte de su actividad como violinista, Estrada mantuvo una carrera musical muy activa como director de numerosas orquestas, bandas y óperas, y componiendo muchas contradanzas y otras piezas de danza, como minuetos y valses. [53]
José Vandergutch, violinista belga, llegó a La Habana junto con su padre Juan y su hermano Francisco, también violinistas. Regresaron más tarde a Bélgica, pero José fijó su residencia permanente en La Habana, donde adquirió gran reconocimiento. Vandergutch ofreció numerosos conciertos como solista y acompañado por varias orquestas, hacia mediados del siglo XIX. Fue miembro de la Asociación de Música Clásica y también Director de la Asociación Musical de Socorro Mutuo de La Habana. [54]
Dentro del universo del violín clásico cubano durante el siglo XIX, hay dos maestros destacados que pueden considerarse entre los más grandes virtuosos del violín de todos los tiempos; ellos son José White Lafitte y Claudio Brindis de Salas Garrido .
Tras recibir su primera instrucción musical de su padre, el virtuoso violinista cubano José White Lafitte (1835–1918) ofreció su primer concierto en Matanzas el 21 de marzo de 1854. En esa presentación estuvo acompañado por el célebre pianista y compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk , quien lo animó a ampliar su instrucción musical en París, y también recaudó fondos para ese propósito. [55]
José White estudió composición musical en el Conservatorio de París entre 1855 y 1871. Apenas diez meses después de su llegada ganó el primer premio en la categoría de violín en el concurso del Conservatorio y fue muy elogiado por Gioachino Rossini . Más tarde fue profesor de los renombrados violinistas George Enescu y Jacques Thibaud .
De 1877 a 1889, White fue nombrado Director del Conservatorio Imperial de Río de Janeiro, Brasil, donde también sirvió como músico de la corte del emperador Pedro II. [56] Más tarde regresó a París, donde permaneció hasta su muerte. El famoso violín llamado "El canto del cisne" era su instrumento preferido y su composición más famosa es la habanera "La bella cubana". White también compuso muchas otras piezas, incluido un concierto para violín y orquesta. [57]
Claudio José Domingo Brindis de Salas y Garrido (1852–1911) fue un reconocido violinista cubano, hijo del también famoso violinista, contrabajista y director Claudio Brindis de Salas (1800-1972), quien dirigió una de las orquestas más populares de La Habana durante la primera mitad del siglo XIX, llamada "La Concha de Oro". Claudio José superó la fama y la maestría de su padre y llegó a adquirir reconocimiento internacional. [58] [59] [60]
Claudio Brindis de Salas Garrido inició sus estudios musicales con su padre y los continuó con los maestros José Redondo y el belga José Vandergutch. Ofreció su primer concierto en La Habana en 1863, en el que Vandegutch participó como acompañante. En ese evento también participó el célebre pianista y compositor Ignacio Cervantes.
Según la crítica contemporánea, Brindis de Salas fue considerado uno de los violinistas más destacados de su época a nivel internacional. Alejo Carpentier se refirió a él como: “El violinista negro más destacado del siglo XIX… algo sin precedentes en la historia musical del continente”. [61]
El gobierno francés lo nombró miembro de la Legión de Honor , y le dio el título nobiliario de «Barón». En Buenos Aires recibió un Stradivarius genuino , y mientras vivía en Berlín se casó con una dama alemana, fue nombrado Músico de Cámara del Emperador y recibió la ciudadanía honoraria de ese país. Brindis de Salas murió pobre y olvidado en 1911 a causa de tuberculosis, en Buenos Aires , Argentina . En 1930 sus restos fueron trasladados a La Habana con grandes honores. [62]
Otro destacado violinista cubano del siglo XIX fue Rafael Díaz Albertini (1857-1928). Estudió violín con José Vandergutch y Anselmo López (1841-1858), conocido violinista habanero que se dedicó también a la edición musical. En 1870, Albertini viajó a París con el propósito de perfeccionar su técnica con el famoso violinista Jean-Delphin Alard, y en 1875 recibió el Primer Premio en el Concurso de París, en el que posteriormente participó como Jurado. Realizó extensas giras por el mundo, acompañado en algunas ocasiones por prestigiosos Maestros como Hugo Wolf y Camille Saint-Saëns. En 1894 realizó presentaciones, junto a Ignacio Cervantes, por las ciudades más importantes de Cuba. [63]
Una lista de destacados violinistas cubanos de la segunda mitad del siglo XIX y la primera del XX puede incluir: Manuel Muñoz Cedeño (n. 1813), José Domingo Bousquet (n. 1823), Carlos Anckermann (n. 1829), Antonio Figueroa (n. 1852), Ramón Figueroa (n. 1862), Juan Torroella (n. 1874), Casimiro Zertucha (n. 1880), Joaquín Molina (n. 1884), Marta de La Torre (1888), Catalino Arjona ( n. 1895) y Diego Bonilla (1898-). [64]
Durante la primera mitad del siglo XX destaca el nombre de Amadeo Roldán (1900–1939), pues además de excelente violinista, profesor y director, Roldán es considerado uno de los más importantes compositores cubanos de todos los tiempos.
Tras graduarse en el Conservatorio de París en 1935 con apenas 16 años, el reconocido violinista cubano Ángel Reyes (1919–1988) desarrolló una carrera muy exitosa como solista y también acompañado por prestigiosas orquestas de muchos países. Fijó su residencia en Estados Unidos a muy temprana edad, obtuvo un premio en el Concurso Ysaÿe de Bruselas y fue profesor en las Universidades de Michigan y Northwestern, hasta su jubilación en 1985. [65]
Eduardo Hernández Asiaín (1911-2010) nació en La Habana, inició sus estudios musicales desde muy temprana edad y ofreció su primer concierto con apenas siete años. A los 14 años obtuvo el Primer Premio en el Conservatorio Municipal de La Habana y fue designado Concertino de la Orquesta Sinfónica de La Habana. En 1932 viajó a Madrid para ampliar su formación musical con los profesores Enrique Fernández Arbós y Antonio Fernández Bordas. Desde 1954, Hernández Asiaín actuó como solista con las orquestas de la Sociedad de Conciertos Pasdeloup y de la Radiodiffusion française de París, la "Orquesta Nacional de España", la "Orquesta Sinfónica de Bilbao", la "Orquesta de Cámara de Madrid" y la "Orquesta Sinfónica y de Cámara de San Sebastián", de la que es fundador. En 1968 fue nombrado Primer Violín del Cuarteto Clásico de RTVE , participando junto a la pianista Isabel Picaza González en el Quinteto Clásico de RNE, con el que ofreció conciertos y realizó numerosas grabaciones en España y otros países. Realizó una extensa gira por los Estados Unidos. [66]
Otros violinistas cubanos destacados de la primera mitad del siglo XX son: Robero Valdés Arnau (1919-1974), Alberto Bolet y Virgilio Diago. [67]
Después de 1959, ya en el período post revolucionario, destaca un violinista cubano que ha hecho una contribución sustancial, no sólo al desarrollo del violín y de los instrumentos de cuerda frotada, sino también a la cultura musical nacional en general.
Evelio Tieles comenzó a estudiar música en Cuba con su padre, Evelio Tieles Soler, cuando tenía apenas siete años de edad, [68] y continuó en un momento posterior con el profesor Joaquín Molina. Entre 1952 y 1954, Tieles estudió violín en París, Francia, con Jacques Thibaud y René Benedetti. En 1955 regresó a París y estudió en el Conservatorio Nacional Superior de Música de esa ciudad, y en 1958, continuó su formación musical en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, donde fue discípulo de los reconocidos violinistas David Oistrakh e Igor Oistrakh . Tieles se graduó en 1963 y por recomendación del Conservatorio realizó su maestría de 1963 a 1966, con los mismos profesores mencionados. [68] Tieles recibió también formación profesional de los prestigiosos violinistas Henryk Szeryng y Eduardo Hernández Asiaín. [69]
Evelio Tieles ha ofrecido numerosas presentaciones como concertista, en dúo con su hermano, el pianista Cecilio Tieles, o acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba y otras agrupaciones sinfónicas y de cámara. Ha actuado junto a prestigiosos directores como Thomas Sanderling , Boris Brott , Enrique González Mántici y Manuel Duchesne Cuzán, entre otros. [ cita requerida ]
Tieles ha establecido su residencia en España desde 1984, y es profesor de violín en el Conservatorio de Vila-Seca, en la provincia de Tarragona, donde ha sido nombrado "Catedrático Emérito". [ cita requerida ] También ha trabajado en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona como Jefe del Departamento de Música de Cámara (1991-1998), Jefe de la División de Instrumentos de Cuerda Frotada (1986-2002) y Director Académico (2000-2002). [69]
Además de su destacada trayectoria como concertista y profesor, durante el período posrevolucionario, Tieles promovió y organizó en Cuba la formación en instrumentos de cuerda frotada, fundamentalmente el violín. [69]
Otra violinista destacada es la profesora Alla Tarán (1941). Se formó como violinista en su natal Ucrania y trabajó como profesora de Práctica de Conjuntos de Cámara. Tarán estableció su residencia en Cuba desde 1969. [ cita requerida ]
Alfredo Muñoz (1949) comenzó sus estudios de violín en el Conservatorio Orbón de La Habana, Cuba, y posteriormente los continuó en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte (ISA). Se incorporó a la Orquesta Sinfónica Nacional como violinista en 1972 y desde entonces ha estado muy activo como solista y miembro del Trío Blanco, en Cuba y en el extranjero. Actualmente es profesor del Instituto Superior de Artes (ISA). [70]
Otros violinistas cubanos que han desarrollado su carrera entre el siglo XX y el XXI son: Armando Toledo (1950), Julián Corrales (1954), Miguel del Castillo y Ricardo Jústiz. [64]
Ya a principios del siglo XXI son dignos de mención los violinistas Ilmar López-Gavilán, Mirelys Morgan Verdecia, Ivonne Rubio Padrón, Patricia Quintero y Rafael Machado .
La ópera ha estado presente en Cuba desde la última parte del siglo XVIII, cuando se construyó el primer teatro en toda regla, llamado Coliseo. Desde entonces hasta la actualidad, el pueblo cubano ha disfrutado mucho de la ópera, y muchos compositores cubanos han cultivado el género operístico, a veces con gran éxito a nivel internacional. El mejor cantante lírico cubano del siglo XX fue el tenor operístico Francisco Fernández Dominicis (nombre italiano: Francesco Dominici ) (1885-1968). La mejor cantante lírica cubana del siglo XX fue la mezzosoprano Marta Pérez (1924-2009). Cantó en La Scala de Milán , Italia, en 1955. [71]
El primer evento operístico documentado en La Habana tuvo lugar en 1776. De esa presentación se habla en una nota publicada en el periódico Diario de La Habana el 19 de diciembre de 1815: “Hoy, miércoles 19 del corriente, si el tiempo lo permite, se representará la nueva ópera trágica de mérito en tres actos que contiene 17 piezas musicales, titulada Dido abandonada … Es este uno de los dramas de estreno del teatro francés. En Italia mereció singular aplauso el compuesto por el célebre Metastasio, y se cantó en esta ciudad el 12 de octubre de 1776.” [72]
Cristóbal Martínez Corrés fue el primer compositor de ópera cubano, pero sus obras, como El diablo contrabandista y Don papanero, nunca fueron estrenadas y no se han conservado hasta la actualidad. Nacido en La Habana, en 1822, el compositor y pianista Martínez Corrés estableció su residencia junto con su familia en Francia cuando apenas tenía nueve años; y a una edad posterior se trasladaron a Italia. Debido a su prematura muerte, una tercera ópera llamada Safo , nunca superó una etapa creativa temprana. Martínez Corrés murió en Génova, en 1842. [16]
Gaspar Villate y Montes nació en La Habana, en 1851 y desde muy joven mostró un gran talento musical. Siendo niño, comenzó a estudiar piano con Nicolás Ruiz Espadero y en 1867, con apenas 16 años, compuso su primera ópera sobre un drama de Víctor Hugo , titulada Angelo, tirano de Padua . Un año después, al iniciarse la guerra de 1868, viajó a Estados Unidos con su familia y a su regreso a La Habana en 1871 escribió otra ópera llamada Las primeras armas de Richelieu .
Villate viajó a Francia con el propósito de continuar sus estudios de música en el Conservatorio de París , donde recibió clases de François Bazin , Victorien de Joncières y Adolphe Danhauser . Compuso numerosas piezas instrumentales como contradanzas , habaneras , romanzas y valses , y en 1877 estrenó con gran éxito de público su ópera Zilia en París , que se presentó en La Habana en 1881. Desde entonces, Villate centró sus esfuerzos principalmente en la ópera y compuso piezas como La Zarina y Baltazar , estrenadas en La Haya y el Teatro Real de Madrid respectivamente. Se sabe que trabajó en una ópera de tema cubano llamada Cristóbal Colón , pero su manuscrito se ha perdido.
Villate murió en París en 1891, poco después de comenzar a componer un drama lírico llamado Lucifer , del que se han conservado algunos fragmentos. [73]
Eduardo Sánchez de Fuentes nació en La Habana, en 1874, en el seno de una familia de artistas; su padre era escritor y su madre pianista y cantante. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio Hubert de Blanck y más tarde recibió clases de Carlos Anckermann. También se licenció en Derecho en 1894. [74] Cuando Sánchez de Fuentes tenía apenas 18 años, compuso la famosa habanera "Tú" , que se convirtió en un extraordinario éxito internacional. Alejo Carpentier dijo que era: "la habanera más famosa". [75]
El 26 de octubre de 1898, Sánchez de Fuentes estrenó en el Teatro Albisu de La Habana su primera ópera llamada Yumuri , basada en el tema de la colonización de la Isla. En ella, una princesa aborigen se enamora de un apuesto conquistador español, el cual la rapta en la ceremonia nupcial con otro personaje indígena. Al final, mientras escapan, ambos sufren una trágica muerte durante un terremoto. [76] Sánchez de Fuentes llegaría a componer otras cinco óperas: El Náufrago (1901), Dolorosa (1910), Doreya (1918), El Caminante (1921) y Kabelia (1942). [77]
Uno de los compositores más activos y destacados de su generación, Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso ) (1946), es autor de una ópera llamada La forma del camino , que también posee el título complementario de s-XIV-69 (que significa Siglo XIV – 1969 ). Con una duración aproximada de 60 minutos, esta pieza utiliza como libreto un relato del Popol Vuh (el texto sagrado de la cultura maya) sobre los míticos hermanos Hunahpú e Ixbalanqué. La partitura incluye solistas y un coro de nueve voces mixtas, acompañados por un grupo instrumental y un sistema cuadrafónico electroacústico. La escena requiere un escenario elevado sobre la posición espacial del coro, cuyos miembros visten esmóquines, en oposición al atuendo más informal de los solistas. Todos los cantantes llevan máscaras indígenas. [78]
Más recientemente se destaca el trabajo de dos jóvenes compositores cubanos, Jorge Martín (compositor) y Louis Franz Aguirre .
Jorge Martín (1959) nació en Santiago de Cuba y estableció su residencia en EE. UU. a muy temprana edad. Estudió composición musical en las universidades de Yale y Columbia. Ha compuesto tres piezas líricas: Beast and Superbeast , una serie de cuatro óperas en un acto cada una, basadas en cuentos de Saki; Tobermory , ópera en un acto que obtuvo el primer premio en la Quinta Bienal de la Asociación Nacional de Ópera (EE. UU.), y ha sido presentada en varias ciudades de Estados Unidos; y Before Night Falls , ópera basada en la famosa autobiografía del novelista, dramaturgo y poeta cubano Reinaldo Arenas , reconocido disidente del gobierno de Fidel Castro . [79]
Louis Franz Aguirre (1968) es actualmente uno de los compositores cubanos más prolíficos y reconocidos a nivel internacional. Su catálogo incluye cuatro obras operísticas: Ebbó (1998), estrenada el 17 de enero de 1999, en el Teatro Brotfabrik de Bonn, Alemania; Ogguanilebbe (Liturgia de la palabra divina) (2005), estrenada en la Salla dil Parlamento d'il Castello di Udine, Italia; Yo el Supremo (Obra cómica con Dictador en un acto), estrenada el 27 de octubre de 2015, en el Teatro Galileo, Madrid, España y La manera en que aman los muertos (Teogonía: un manifiesto operístico), comisionada por el Lydenskab Ensemble y financiada por KODA, Dinamarca. Estrenada el 24 de febrero de 2017, en Godsbanen, Aarhus, Dinamarca, como parte de la Capital Europea de la Cultura Århus 2017 .
A lo largo de los años, la nación cubana ha desarrollado un rico material musicológico creado por numerosos investigadores y estudiosos de esta materia. La obra de algunos autores que aportaron información sobre la música en Cuba durante el siglo XIX se incluyó habitualmente en crónicas que abordaban un tema más general. Las primeras investigaciones y estudios dedicados específicamente al arte y la práctica musical no aparecieron en Cuba hasta principios del siglo XX. [80]
Una lista de importantes personalidades que han contribuido a los estudios musicológicos en Cuba incluye a Fernando Ortiz , Eduardo Sánchez de Fuentes , Emilio Grenet, Alejo Carpentier , Argeliers León , María Teresa Linares, Pablo Hernández Balaguer, Alberto Muguercia y Zoila Lapique.
Una segunda generación de musicólogos formada después de la revolución cubana de 1959 incluye: Zoila Gómez, Victoria Elí, Alberto Alén Pérez , Rolando Antonio Pérez Fernández y Leonardo Acosta.
En los últimos tiempos, un grupo de jóvenes musicólogos cubanos se ha ganado un merecido prestigio en el ámbito académico internacional, debido a su sólida labor investigativa. Algunos de los miembros más destacados de este grupo son: Miriam Escudero Suástegui, Liliana González Moreno, [ cita requerida ] Iván César Morales Flores [81] y Pablo Alejandro Suárez Marrero. [82]
La primera música popular interpretada en Cuba después de la conquista española fue traída por los propios conquistadores españoles, y muy probablemente fue tomada prestada de la música popular española en boga durante el siglo XVI. Desde el siglo XVI hasta el XVIII algunas canciones bailables que surgieron en España fueron asociadas con Hispanoamérica, o se consideró que tuvieron su origen en América. Algunas de estas canciones con nombres pintorescos como Sarabande, Chacona, Zambapalo, Retambico y Gurumbé, entre otras, [83] compartían un rasgo común, su ritmo característico llamado Hemiola o Sesquiáltera (en España).
Este ritmo ha sido descrito como la alternancia o superposición de un compás binario y un compás ternario (6/8 + 3/4), y su utilización estuvo muy extendida en el territorio español al menos desde el siglo XIII, donde aparece en una de las Cantigas de Santa María (Como poden per sas culpas). [84]
La hemiola o sesquiáltera es también un ritmo típico dentro de las tradiciones musicales africanas, tanto del Norte como del Sur del Continente. [85] Por lo tanto, es muy probable que los cantos-danzas originales traídos por los españoles a América ya incluyeran elementos de la cultura africana con los que estaban familiarizados los africanos esclavizados que llegaron a la Isla; y los utilizaron para crear nuevos géneros criollos. [86]
El conocido Son de la Ma Teodora, antigua canción cubana, así como los primeros géneros autóctonos cubanos, el Punto y el Zapateo, muestran en su acompañamiento el ritmo Sesquiáltero, lo que asocia en gran medida esos géneros a las canciones-baile españoles de los siglos XVI al XVIII. [87]
Parece que el Punto y el Zapateo Cubano fueron los primeros géneros musicales autóctonos de la nación cubana. Aunque la primera muestra impresa de un Zapateo Criollo cubano no se publicó hasta 1855 en el "Álbum Regio de Vicente Díaz de Comas", [88] es posible encontrar referencias sobre la existencia de estos géneros desde mucho antes. [89] Sus características estructurales han sobrevivido casi inalteradas a través de un período de más de doscientos años y suelen considerarse los géneros musicales populares cubanos más típicamente hispanoamericanos. Los musicólogos cubanos María Teresa Linares, Argeliers León y Rolando Antonio Pérez coinciden en pensar que el Punto y el Zapateo se basan en canciones bailables españolas (como la chacona y la zarabanda) que llegaron primero a los centros poblacionales más importantes como La Habana y Santiago de Cuba y luego se extendieron por las zonas rurales circundantes donde fueron adoptadas y modificadas por la población campesina en una época posterior. [88]
El punto guajiro o punto cubano , o simplemente punto, es un género musical cantado, un arte poético-musical improvisado que surgió en las regiones occidental y central de Cuba durante el siglo XIX. [90] Aunque el punto parece tener un origen andaluz, es un verdadero género cubano por sus modificaciones criollas. [91]
El punto es interpretado por un grupo con varios tipos de instrumentos de cuerda pulsada: el tiple (una guitarra de tiple actualmente en desuso), la guitarra española, el tres cubano y el laúd. La palabra punto se refiere al uso de una técnica de punteo, en lugar de rasgueado. También se han utilizado algunos instrumentos de percusión como la clave, el güiro y el guayo (un rascador metálico). Los cantantes se reúnen en equipos rivales e improvisan sus líneas.
Los músicos cantan melodías fijas llamadas "tonadas", que se basan en un compás de diez versos estróficos llamados "décimas", con intervalos entre estrofas para dar a los cantantes algo de tiempo para preparar el siguiente verso. [92] En ocasiones, se grababan y publicaban las primeras composiciones, al igual que los nombres de algunos de los cantantes y compositores. A partir de 1935, aproximadamente, el punto alcanzó un pico de popularidad en la radio cubana.
El punto fue uno de los primeros géneros cubanos grabados por compañías norteamericanas a principios del siglo XX, pero con el tiempo el interés decayó y se hicieron pocos esfuerzos por seguir grabando las interpretaciones radiales en vivo. Una aficionada a este género, la taquígrafa Aida Bode, escribió muchos versos a medida que se transmitían y finalmente, en 1997, sus transcripciones fueron publicadas en forma de libro. [93]
Celina González y Albita Rodríguez cantaron Punto al principio de sus carreras, lo que demuestra que el género sigue vivo. Celina tenía una de las voces más grandes de la música popular, y su grupo de apoyo Campo Alegre era excepcional. Para los aficionados, sin embargo, Indio Naborí (Sabio Jesús Orta Ruiz, n. 30 de septiembre de 1922) es el nombre más importante del Punto por su poesía "décima", que escribía diariamente para la radio y los periódicos. También es un autor publicado con varias colecciones de su poesía, gran parte de la cual tiene un toque de nueva trova política. [94]
El zapateo es un baile típico del campesino cubano o guajiro, de origen español. Se trata de un baile de parejas, de zapateo, ejecutado en su mayoría por el varón. Existen ilustraciones de siglos anteriores y hoy sobrevive cultivado por los grupos de música folklórica como un género fósil. Se acompañaba con tiple , guitarra y güiro , en ritmo combinado de 6/8 y 3/4 (hemiola), acentuado en la primera de cada tres corcheas .
Género de la canción cubana similar al punto cubano y a la criolla. [95] Contiene letras campestres bucólicas, similares a la poesía décima . Su música muestra una mezcla de ritmos de 6/8 y 3/4 llamada hemiola . Según Sánchez de Fuentes , su primera sección suele presentarse en tono menor, y su segunda sección en su tono relativo mayor directo. [96] El término guajira se utiliza ahora sobre todo para describir una música lenta bailable en compás de 4/4, una fusión de la guajira y el son (llamada guajira-son). El cantante y guitarrista Guillermo Portabales fue el representante más destacado de este género.
Criolla es un género de música cubana que está estrechamente relacionado con la música de los Coros de Clave cubanos y un género de música popular cubana llamado Clave.
La Clave se convirtió en un género muy popular en el teatro vernáculo cubano y fue creada por el compositor Jorge Anckermann basándose en el estilo de los Coros de Clave. [97] La Clave sirvió, a su vez, como modelo para la creación de un nuevo género llamado Criolla. Según el musicólogo Helio Orovio, "Carmela", la primera Criolla, fue compuesta por Luis Casas Romero en 1909, que también creó una de las Criollas más famosas de todos los tiempos, "El Mambí". [98]
Es evidente que el origen de los grupos africanos en Cuba se debe a la larga historia de esclavitud de la isla. En comparación con los Estados Unidos, la esclavitud comenzó en Cuba mucho antes y continuó durante décadas después. Cuba fue el último país de las Américas en abolir la importación de esclavos, y el segundo último en liberarlos. En 1807, el Parlamento británico prohibió la esclavitud, y a partir de entonces la Armada británica actuó para interceptar los barcos negreros portugueses y españoles. En 1860, el comercio con Cuba estaba casi extinguido; el último barco negrero a Cuba fue en 1873. La abolición de la esclavitud fue anunciada por la Corona española en 1880, y puesta en vigor en 1886. Dos años después, Brasil abolió la esclavitud. [99]
Las raíces de la mayoría de las formas musicales afrocubanas se encuentran en los cabildos , clubes sociales autoorganizados para los esclavos africanos, cabildos separados para culturas separadas. Los cabildos se formaron principalmente a partir de cuatro grupos: los yoruba (los lucumí en Cuba); los congoleses (los palo en Cuba); los dahomey (los fon o arará). Sin duda, otras culturas estuvieron presentes, incluso más que las mencionadas anteriormente, pero en menor número, y no dejaron una presencia tan distintiva.
Los cabildos preservaron las tradiciones culturales africanas, incluso después de la abolición de la esclavitud en 1886. Al mismo tiempo, las religiones africanas se transmitieron de generación en generación en Cuba, Haití, otras islas y Brasil. Estas religiones, que tenían una estructura similar pero no idéntica, se conocían como Lucumi o Regla de Ocha si derivaban del yoruba , Palo de África Central , Vodú de Haití , etc. El término Santería se introdujo por primera vez para dar cuenta de la forma en que los espíritus africanos se unían a los santos católicos, especialmente por parte de personas que estaban bautizadas e iniciadas, y por lo tanto eran miembros genuinos de ambos grupos. Los forasteros recogieron la palabra y han tendido a usarla de manera un tanto indiscriminada. Se ha convertido en una especie de palabra comodín, algo así como la salsa en la música. [13] p171; p258
Todas estas culturas africanas tenían tradiciones musicales que sobreviven erráticamente hasta nuestros días, no siempre en detalle, pero sí en un estilo general. Las mejor conservadas son las religiones politeístas africanas, donde, al menos en Cuba, los instrumentos, el idioma, los cantos, las danzas y sus interpretaciones están bastante bien conservados. ¿En qué otros países americanos se llevan a cabo ceremonias religiosas en el idioma o idiomas antiguos de África? Ciertamente, en las ceremonias lucumíes, aunque, por supuesto, en África el idioma ha evolucionado. Lo que unifica todas las formas genuinas de música africana es la unidad de la percusión polirrítmica, la voz (llamada y respuesta) y la danza en entornos sociales bien definidos, y la ausencia de instrumentos melódicos de tipo árabe o europeo.
En Cuba han sobrevivido tradiciones religiosas de origen africano, que son la base de una música, un canto y una danza rituales muy distintos de la música y la danza seculares. La religión de origen yoruba se conoce como Lucumí o Regla de Ocha ; la religión de origen congolés se conoce como Palo , como en los palos del monte . [100] También existen, en la región de Oriente, formas de ritual haitiano junto con sus propios instrumentos, música, etc.
El patrón rítmico de la clave se utiliza como una herramienta para la organización temporal en la música afrocubana, como la rumba , la conga de comparsa , el son , el mambo (música) , la salsa , el jazz latino , el songo y la timba . El patrón de clave de cinco golpes (distribuido en grupos de 3 + 2 o 2 + 3 tiempos) representa el núcleo estructural de muchos ritmos afrocubanos. [101] Así como una clave mantiene un arco en su lugar, el patrón de clave mantiene unido el ritmo en la música afrocubana. [102] El patrón de clave se originó en las tradiciones musicales del África subsahariana , donde cumple esencialmente la misma función que en Cuba. El patrón también se encuentra en las músicas de la diáspora africana de los tambores vudú haitianos y la música afrobrasileña . El patrón de clave se utiliza en la música popular norteamericana como un motivo rítmico u ostinato , o simplemente una forma de decoración rítmica.
En Cuba, la palabra comparsa se refiere a los grupos de barrio de los "Cabildos de Nación" que participaban en el carnaval autorizado por el gobierno español el Día de Reyes durante el período colonial. La conga es de origen africano y deriva de las celebraciones callejeras de los espíritus africanos. La distinción es borrosa hoy en día, pero en el pasado las congas han sido prohibidas de vez en cuando. El carnaval en su conjunto fue prohibido por el gobierno revolucionario durante muchos años y todavía no se celebra con la regularidad de antaño. Los tambores de conga se tocan (junto con otros instrumentos típicos) en comparsas de todo tipo. Santiago de Cuba y La Habana fueron los dos principales centros de carnavales callejeros. Dos tipos de música bailable (al menos) deben su origen a la música de comparsa:
Conga : adaptación de la música y el baile de comparsa para bailes sociales. Eliseo Grenet puede ser la persona que primero creó esta música, [13] p408 pero fueron los Lecuona Cuban Boys quienes la llevaron por todo el mundo. La conga se convirtió, y quizás todavía lo sea, en el estilo de música y baile cubano más conocido para los no latinos.
Mozambique es una música bailable de tipo comparsa creada por Pello el Afrokan (Pedro Izquierdo) en 1963. Tuvo un breve período de gran popularidad, alcanzó su apogeo en 1965 y pronto cayó en el olvido. Al parecer, para que funcionara correctamente, necesitaba 16 tambores más otros instrumentos de percusión y bailarines. [103]
Los inmigrantes de Haití se establecieron en Oriente y establecieron su estilo de música, llamado Tumba Francesa, que utiliza su propio tipo de tambor, baile y canción. Encarna uno de los vínculos más antiguos y tangibles con la herencia afrohaitiana de la provincia cubana de Oriente y se desarrolló a partir de una fusión del siglo XVIII de música de Dahomey en África Occidental y bailes tradicionales franceses . Este género fósil sobrevive hasta el día de hoy en Santiago de Cuba y Haití, interpretado por conjuntos folclóricos especializados.
La contradanza es un precursor importante de varios bailes populares posteriores. Llegó a Cuba a fines del siglo XVIII desde Europa, donde se había desarrollado primero como danza campestre inglesa y luego como contradanza francesa. El origen de la palabra es una corrupción del término inglés "country dance". [104] Manuel Saumell escribió más de cincuenta contradanzas (en compás de 2/4 o 6/8), en las que su inventiva rítmica y melódica fue asombrosa.
La contradanza es una danza de secuencia comunitaria, en la que las figuras de baile se ajustan a un patrón establecido. La selección de las figuras para una danza en particular generalmente la determinaba un maestro de ceremonias o un líder de danza. Había dos partes de 16 compases cada una, bailadas en forma de línea o cuadrado. El ritmo y el estilo de la música eran alegres y bastante rápidos.
La primera composición criolla cubana de una contradanza apareció publicada en La Habana en 1803 y se llamó San Pascual bailón . Esta versión muestra por primera vez el conocido ritmo del "Tango" o "Habanera" que la diferencia de la contradanza europea. Los cubanos desarrollaron varias versiones criollas, como el "paseo", la "cadena", el "sostenido" y el "cedazo". Esta criollización es un ejemplo temprano de la influencia de las tradiciones africanas en el Caribe. La mayoría de los músicos eran negros o mulatos (incluso a principios del siglo XIX había muchos esclavos liberados y personas de raza mixta viviendo en las ciudades cubanas). "Las mujeres de La Habana tienen un gusto furioso por el baile; pasan noches enteras exaltadas, agitadas, locas y sudando hasta que caen agotadas". [105]
La contradanza suplantó al minueto como baile más popular hasta que a partir de 1842 dio paso a la habanera, un estilo bastante diferente. [106]
Este género, descendiente de la contradanza, también se bailaba en filas o cuadros. También era una forma de música y danza enérgica en tiempo doble o ternario. Un paseo repetido de 8 compases era seguido por dos secciones de 16 compases llamadas primera y segunda. Un famoso compositor de danzas fue Ignacio Cervantes , cuyas cuarenta y una danzas cubanas fueron un hito en el nacionalismo musical. Este tipo de baile fue eventualmente reemplazado por el danzón, que era, como la habanera, mucho más lento y sosegado. [107]
La habanera surgió a partir de la contradanza a principios del siglo XIX. Su gran novedad fue que se cantaba , además de tocarse y bailarse. Escrita en compás de 2/4, la habanera se caracteriza por un desarrollo melodioso expresivo y lánguido y por su ritmo característico llamado "Ritmo de Habanera".
El estilo de baile de la habanera es más lento y majestuoso que el de la danza. Hacia la década de 1840, las habaneras se escribían, cantaban y bailaban en México, Venezuela, Puerto Rico y España. [108] Desde aproximadamente 1900, la habanera ha sido una danza reliquia; pero la música tiene un encanto de época, y hay algunas composiciones famosas, como Tú de Eduardo Sánchez de Fuentes, que se ha grabado en muchas versiones.
Versiones de composiciones de tipo habanero han aparecido en la música de Ravel , Bizet , Saint-Saëns , Debussy , Fauré y Albéniz . El ritmo es similar al del tango , y algunos creen que la habanera es el padre musical del tango. [109]
La influencia europea en el desarrollo musical posterior de Cuba está representada por el danzón , una forma musical elegante que alguna vez fue más popular que el son en Cuba. Es un descendiente de la contradanza cubana criolla . El danzón marca el cambio del estilo de baile de secuencia comunal de fines del siglo XVIII a los bailes de pareja de épocas posteriores. El estímulo para esto fue el éxito del vals , una vez escandaloso , donde las parejas bailaban una frente a la otra, independientemente de otras parejas y no como parte de una estructura preestablecida. El danzón fue el primer baile cubano en adoptar tales métodos, aunque existe una diferencia entre los dos bailes. El vals es un baile de salón progresivo donde las parejas se mueven por la pista en sentido antihorario; el danzón es un baile de "pañuelo de bolsillo" donde una pareja permanece dentro de un área pequeña de la pista. [110]
El danzón fue desarrollado por Miguel Faílde en Matanzas , siendo la fecha oficial de origen 1879. [111] La de Faílde era una orquesta típica , una forma derivada de las bandas militares, que utilizaba metales, timbales, etc. El desarrollo posterior de la charanga fue más adecuado para el salón interior y es un formato orquestal todavía popular hoy en día en Cuba y algunos otros países. La charanga utiliza contrabajo , violonchelo , violines , flauta , piano , paila criolla y güiro . Este cambio en la configuración instrumental se ilustra en Early Cuban bands .
De vez en cuando, a lo largo de su «carrera», el danzón adquirió influencias africanas en su estructura musical. Se volvió más sincopado , especialmente en su tercera parte. El mérito de esto se le da a José Urfé , quien incorporó elementos del son en la última parte del danzón en su composición El bombín de Barreto (1910). [112] Tanto el danzón como la formación de la charanga han tenido una fuerte influencia en desarrollos posteriores.
El danzón se exportó con gran éxito a toda América Latina, especialmente a México. Hoy es una reliquia, tanto en la música como en la danza, pero sus descendientes altamente orquestados siguen vivos en charangas que Faílde y Urfé probablemente no reconocerían. Juan Formell ha tenido una enorme influencia a través de su reorganización de la Orquesta Revé primero , y más tarde de Los Van Van .
Los primeros danzones eran puramente instrumentales. El primero en introducir una parte vocal en un danzón fue Aniceto Díaz (en 1927 en Matanzas ), que se llamó Rompiendo la rutina , creando así un nuevo género llamado danzonete. Más tarde, el cantante negro Barbarito Diez se unió a la charanga de Antonio María Romeu en 1935 y, a lo largo de los años, grabó once álbumes de danzonetes. Todas las formas posteriores del danzón han incluido voces.
El 20 de enero de 1801, Buenaventura Pascual Ferrer publicó una nota en un periódico llamado “El Regañón de La Habana”, en la que se refiere a ciertos cantos que “corren por ahí afuera por voces vulgares”. Entre ellos menciona una “guaracha” llamada “La Guabina”, de la que dice: “en la voz de quien la canta, sabe a cualquier cosa sucia, indecente o repugnante que se pueda pensar”. Posteriormente, en fecha indeterminada, “La Guabina” aparece publicada entre las primeras partituras musicales impresas en La Habana a principios del siglo XIX. [113]
De acuerdo con los comentarios publicados en "El Regañón de La Habana", se puede concluir que aquellas "guarachas" eran muy populares entre la población habanera de aquella época, pues en el mismo artículo antes mencionado el autor dice: "pero lo que más me molesta es la libertad con que se cantan por las calles y casas de los pueblos una serie de consignas en las que se insulta a la inocencia y se ofende a la moral... por muchos individuos, no sólo de la clase más baja, sino también por algunas personas que se suponen bien educadas". Por lo que se puede decir que aquellas "guarachas" de contenido muy audaz, al parecer ya se cantaban dentro de un amplio sector social de la población habanera. [113]
Según Alejo Carpentier (citando a Buenaventura Pascual Ferrer), a principios del siglo XIX se celebraban en La Habana hasta cincuenta fiestas bailables cada día, donde se cantaba y bailaba la famosa "guaracha", entre otras piezas populares. [114]
La guaracha es un género de ritmo rápido y letra cómica o picaresca. [115] Se originó a finales del siglo XVIII y durante los primeros años del siglo XX todavía se tocaba a menudo en los burdeles y otros lugares de La Habana. [116] [117] Las letras estaban llenas de jerga y se centraban en acontecimientos y personajes de las noticias. Rítmicamente, la guaracha exhibe una serie de combinaciones rítmicas, como 6/8 con 2/4. [118]
Muchos de los primeros trovadores, como Manuel Corona (que trabajaba en una zona de burdeles de La Habana), compusieron y cantaron guarachas como contrapeso a los boleros y canciones más lentos. El contenido satírico de las letras también encajaba bien con el son, y muchas bandas tocaban ambos géneros. A mediados del siglo XX, el estilo fue adoptado por los conjuntos y las grandes bandas como un tipo de música de ritmo rápido. Hoy parece que ya no existe como una forma musical diferenciada; ha sido absorbida por las vastas fauces de la salsa . Los cantantes que pueden manejar las letras rápidas y son buenos improvisadores se llaman guaracheros o guaracheras .
Desde el siglo XVIII (al menos) hasta los tiempos modernos, los formatos teatrales populares utilizaron y dieron origen a la música y la danza. Muchos compositores y músicos famosos comenzaron sus carreras en los teatros, y muchas composiciones famosas tuvieron su primera emisión en el escenario. Además de poner en escena algunas óperas y operetas europeas, los compositores cubanos desarrollaron gradualmente ideas que se adaptaban mejor a su público. La música grabada sería el vehículo para que la música cubana llegara al mundo. El artista más grabado en Cuba hasta 1925 fue un cantante de la Alhambra , Adolfo Colombo . Los registros muestran que grabó alrededor de 350 números entre 1906 y 1917. [119]
El primer teatro de La Habana se inauguró en 1776. La primera ópera compuesta por cubanos apareció en 1807. La música teatral tuvo una enorme importancia en el siglo XIX [120] y la primera mitad del siglo XX; su importancia sólo comenzó a decaer con el cambio de clima político y social en la segunda parte del siglo XX. La radio, que comenzó a circular en Cuba en 1922, ayudó al crecimiento de la música popular porque proporcionó publicidad y una nueva fuente de ingresos para los artistas.
La zarzuela es un formato de opereta ligera de pequeña escala . Comenzó con contenido español importado ( Lista de compositores de zarzuela ), y se convirtió en un comentario continuo sobre los eventos y problemas sociales y políticos de Cuba. La zarzuela tiene la distinción de proporcionar las primeras grabaciones de Cuba: la soprano Chalía Herrera (1864-1968) hizo, fuera de Cuba, las primeras grabaciones de un artista cubano. Grabó números de la zarzuela Cádiz en 1898 en cilindros Bettini sin numerar . [121]
La zarzuela alcanzó su máximo auge en la primera mitad del siglo XX. Una retahíla de compositores de primera fila como Gonzalo Roig , Eliseo Grenet , Ernesto Lecuona y Rodrigo Prats produjeron una serie de éxitos para los teatros Regina y Martí de La Habana. Grandes estrellas como la vedette Rita Montaner , que podía cantar, tocar el piano, bailar y actuar, fueron los equivalentes cubanos de Mistinguett y Josephine Baker en París. Algunas de las zarzuelas más conocidas son La virgen morena (Grenet), La niña Rita (Grenet y Lecuona), María la O , El batey , Rosa la China (todas de Lecuona); Gonzalo Roig con La Habana de noche ; Rodrigo Prats con Amalia Batista y La perla del caribe ; y sobre todo, Cecilia Valdés (el musical de la novela cubana más famosa del siglo XIX, con música de Roig y guión de Prats y Agustín Rodríguez). Entre los artistas que se dieron a conocer al público en el teatro lírico se encuentran Caridad Suárez, María de los Ángeles Santana, Esther Borja o Ignacio Villa, quien tenía una cara tan redonda y negra que Rita Montaner le llamaba Bola de Nieve .
Otra cantante famosa fue Maruja González Linares. Nacida de padres españoles en la localidad mexicana de Mérida, Yucatán, en 1904, González viajó desde Cuba a los Estados Unidos a muy temprana edad. Estudió técnica vocal en Cuba, donde debutó en 1929 como cantante lírica en la Compañía del Maestro Ernesto Lecuona. González actuó en varios teatros de La Habana antes de realizar una gira por los Estados Unidos y, a su regreso a La Habana, cantó La Bayadere y La Viuda Alegre en la misma ciudad. A principios de la década de 1930, firmó varios contratos en América Latina y en España. Se casó con Perico Suárez. La Revolución Cubana la sorprendió en el extranjero y nunca regresó a su país. Falleció en Miami en 1999.
El teatro bufo cubano es una forma de comedia, obscena y satírica, con personajes típicos que imitan a personajes que se pueden encontrar en cualquier parte del país. El bufo tuvo su origen alrededor de 1800-15, cuando una forma más antigua, la tonadilla , comenzó a desaparecer de La Habana. Francisco Covarrubias el "caricaturista" (1775-1850) fue su creador. Poco a poco, los personajes cómicos se desprendieron de sus modelos europeos y se volvieron cada vez más criollos y cubanos. Al mismo tiempo, siguió la música. El argot de los cuarteles de esclavos y los barrios pobres encontró su camino en las letras de la guaracha :
La guaracha ocupó un lugar preponderante dentro del desarrollo del teatro vernáculo en Cuba, cuya aparición a principios del siglo XIX coincide con el surgimiento de los primeros géneros musicales autóctonos cubanos, la guaracha y la contradanza. A partir de 1812, Francisco Covarrubias (considerado como el padre del Teatro Bufo) fue sustituyendo paulatinamente en sus piezas teatrales los personajes típicos de la tonadilla escénica española por personajes criollos como guajiros, monteros, carreteros o peones. Esas transformaciones estructurales también estuvieron asociadas a ciertos cambios en el trasfondo musical de las piezas. Así, los géneros españoles como las jácaras, las tiranas, las boleras o los villancicos, fueron sustituidos por guarachas, décimas y canciones cubanas. [114]
El teatro vernáculo de diversos tipos suele incluir música. Todavía existen formatos parecidos al Music Hall británico o al vodevil estadounidense , en los que el público puede disfrutar de una mezcla de cantantes, comediantes, bandas, sketches y espectáculos especiales. Incluso en los cines durante las películas mudas, aparecían cantantes e instrumentistas en el intervalo y un pianista tocaba durante las películas. Bola de Nieve y María Teresa Vera actuaron en los cines en sus comienzos. El burlesque también era común en La Habana antes de 1960.
En referencia al surgimiento de la guaracha y, posteriormente, también de la rumba urbana en La Habana y Matanzas, es importante mencionar un importante y pintoresco sector social llamado Negros Curros. Integrado por negros libres que habían llegado desde Sevilla en fecha indeterminada, este grupo se integraba a la población de negros libres y mulatos que habitaban en las zonas marginales de la ciudad de La Habana. [122]
José Victoriano Betancourt, un escritor costumbrista cubano del siglo XIX, los describió así: "ellos [los curros] tenían un aspecto peculiar, y bastaba mirarlos para reconocerlos como curros: sus largos mechones de trenzas ensortijadas, cayendo sobre su cara y cuello como grandes milpiés, sus dientes cortados (afilados y puntiagudos) al estilo carabalí, sus camisas de tela fina bordada, sus pantalones, casi siempre blancos, o con rayas de colores, estrechos en la cintura y muy anchos en las piernas; los zapatos de lona, de corte bajo con hebillas de plata, la chaqueta corta con cola puntiaguda, el exagerado sombrero de paja, con borlas de seda negras colgantes, y los gruesos aros de oro que llevaban en las orejas, de los cuales colgaban corazones y candados del mismo metal, formando un adorno que sólo ellos usan; ... esos eran los curros de El Manglar". [123]
El curro se dedicaba a la holgazanería, el robo y el proxenetismo, mientras que su compañera, la curra, también llamada «mulata de rumbo», ejercía la prostitución en Cuba . Según Carlos Noreña, era muy conocida por el uso de mantones de burato de minucioso trabajo y flecos trenzados, por los que solían pagar de nueve a diez onzas de oro», así como por el típico chancleteo que producían con sus babuchas de madera. [124]
Pero los Curros también proporcionaban entretenimiento, incluyendo canciones y bailes a los miles de españoles que llegaban a la Isla cada año en los barcos que seguían la "Carrera de Indias", una ruta establecida por la Corona española para sus galeones con el fin de evitar ataques de piratas y corsarios, y permanecían durante meses hasta que regresaban al Puerto de Sevilla.
Al estar sujetos a la influencia tanto de la cultura española como de la africana desde su nacimiento, se supone que jugaron un papel importante en la criollización del prototipo original de la copla-estribillo español que dio origen a la guaracha cubana. El curro negro y la mulata de rumbo desaparecieron desde mediados del siglo XIX al integrarse a la población general de La Habana, pero sus imágenes pintorescas sobrevivieron en prototipos sociales manifestados en los personajes del Teatro Bufo. [125]
Las famosas "Mulatas de Rumbo" Juana Chambicú y María La O, así como los negros "cheches" José Caliente "que parte en dos a quienes se le oponen", [126] Candela, "negrito que vuela y corta con el cuchillo", así como el Curro Negro Juán Cocuyo, estuvieron fuertemente vinculados a la imagen característica del Curro Negro y al ambiente de la Guaracha y la Rumba. [127]
La palabra rumba es un término abstracto que se ha aplicado con diferentes propósitos a una amplia variedad de temas durante mucho tiempo. Desde un punto de vista semántico, el término rumba se incluye en un grupo de palabras con significado similar como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, mambo, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe. Todas ellas denotan un origen congoleño debido a la utilización de combinaciones de sonidos como mb, ng y nd, que son típicas del complejo lingüístico Níger-Congo. [128]
Tal vez la más antigua y general de sus acepciones sea la de fiesta u holgorio. Ya en la segunda mitad del siglo XIX, esta palabra se encuentra utilizada varias veces para representar una fiesta en un cuento llamado “La mulata de rumbo”, del folklorista cubano Francisco de Paula Gelabert: “Yo tengo más goce y diversión en una rumbita con las de mi color y clase”, o “Leocadia se acostaba, como te decía, nada menos que a las doce del mediodía, cuando llegó uno de sus amigos de las rumbas, junto con otro joven que quería presentarle”. [129] Según Alejo Carpentier “es significativo que la palabra rumba haya pasado a la lengua cubana como sinónimo de holgorio, baile lascivo, jolgorio con mujeres del bajo rumbo”. [130]
A modo de ejemplo, en el caso de las fiestas de Yuka, Makuta y Changüí en Cuba, así como de la Milonga y el Tango en Argentina, la palabra rumba se utilizó originalmente para designar una reunión festiva; y con el tiempo pasó a emplearse para nombrar a los géneros musicales y bailables que se interpretaban en dichas reuniones.
Entre muchas otras, algunas de las formas de uso del término "rumba" incluyen un término general para la música cubana más rápida que comenzó a principios de la década de 1930 con The Peanut Vendor . Este término fue reemplazado durante la década de 1970 por salsa , que también es un término general para comercializar la música cubana y otros géneros hispanocaribeños a los no cubanos. En el programa de baile latinoamericano internacional, rumba es un nombre inapropiado para el ritmo cubano lento llamado más exactamente bolero-son.
Algunos estudiosos han señalado que en referencia a la utilización de los términos rumba y guaracha, posiblemente se trate de un caso de sinonimia , o del uso de dos palabras distintas para denominar a una misma cosa. Según María Teresa Linares: “durante los primeros años del siglo XX, se utilizaban al final de las obras de teatro vernáculo (Bufo) unos fragmentos musicales que cantaban los autores, y que se llamaban rumba de cierre (rumba final)” y continúa explicando que aquellas (rumbas) “eran ciertamente guarachas”. [131] Las piezas musicales utilizadas para cerrar esas obras pudieron haber sido llamadas indistintamente rumbas o guarachas, porque esos términos no denotaban ninguna diferencia genérica o estructural entre ellas. Linares también dijo en referencia a este tema: “Se han conservado algunas grabaciones de guarachas y rumbas que no las diferencian en las partes de guitarra –cuando se trataba de un grupo pequeño, dúo o trío, o de la orquesta del teatro o de un piano-. Las etiquetas de las grabaciones decían: diálogo y rumba”. [131]
La rumba urbana (también llamada rumba (de solar o de cajón) ), es una amalgama de varias tradiciones africanas de percusión y danza, combinadas con influencias españolas. Según el musicólogo cubano Argeliers León: “En la fiesta que constituía una rumba concurrieron, por tanto, determinados aportes africanos, pero también confluyeron otros elementos de raíz hispánica, que ya se incorporaban a las expresiones que aparecían en la nueva población emergente en la Isla”. [132]
La rumba (de solar o de cajón) es un estilo musical secular de los muelles y las zonas menos prósperas de La Habana y Matanzas . En sus inicios, los músicos de rumba utilizaban un trío de cajones de madera para tocar, que fueron sustituidos posteriormente por tambores, de aspecto similar a las congas . El bombo se llama "quinto", el tambor de rango medio se llama "macho o tres-dos" (tres-dos), porque su ritmo esencial se basa en el patrón de la clave cubana, y el bombo se llama "hembra o salidor", porque generalmente iniciaba o "rompía" la rumba. [133] En el conjunto de rumba también utilizan dos palos o cucharas para golpear sobre una pieza hueca de bambú llamada "guagua" o "catá", así como las claves cubanas, el güiro y algunas maracas de origen bantú llamadas "nkembi". [134]
La parte vocal de la rumba corresponde a una versión modificada del antiguo estilo español de copla-estribillo, incluyendo una sección de montuno que puede considerarse un estribillo ampliado o desarrollado que constituye una sección independiente que incluye el estilo de llamada y respuesta , tan típico de las tradiciones africanas. [135]
De los muchos estilos de rumba que comenzaron a aparecer a finales del siglo XIX, llamados "Tiempo'españa", como la tahona, la jiribilla, el palatino y la resedá, han sobrevivido tres formas básicas de rumba: la columbia , el guaguancó y el yambú . La columbia, tocada en un compás de 6/8, es a menudo una danza solista interpretada únicamente por un intérprete masculino. Es rápida y veloz e incluye también movimientos agresivos y acrobáticos. El guaguancó es bailado por una pareja de un hombre y una mujer. La danza simula la persecución del hombre a la mujer. El yambú , ahora una reliquia, presentaba una imitación burlesca de un anciano caminando con un bastón. Todas las formas de rumba están acompañadas de canciones o cánticos. [136] [137]
La rumba (de solar o de cajón) es hoy un género fósil que se escucha habitualmente en Cuba en las actuaciones de grupos profesionales. También hay grupos amateurs basados en Casas de Cultura y en grupos de trabajo. Como todos los aspectos de la vida en Cuba, la danza y la música son organizadas por el Estado a través de los Ministerios y sus diversos comités. [138]
Los Coros de Clave fueron agrupaciones corales populares que surgieron a principios del siglo XX en La Habana y otras ciudades cubanas.
El gobierno cubano sólo permitía a los negros, esclavos o libres, cultivar sus tradiciones culturales dentro de los límites de ciertas sociedades de ayuda mutua, fundadas durante el siglo XVI. Según David H. Brown, esas sociedades, llamadas Cabildos, "prestaban ayuda en tiempos de enfermedad y muerte, celebraban misas por los miembros fallecidos, recaudaban fondos para comprar a los hermanos de la nación para que salieran de la esclavitud, celebraban bailes y diversiones regulares los domingos y días festivos, y patrocinaban misas religiosas, procesiones y grupos de baile carnavalescos (ahora llamados comparsas) en torno al ciclo anual de días festivos católicos". [139]
En los cabildos de ciertos barrios de La Habana, Matanzas , Sancti Spíritus y Trinidad se fundaron durante el siglo XIX algunas agrupaciones corales que organizaban actividades competitivas, y en algunas ocasiones eran visitadas por autoridades locales y vecinos que les entregaban dinero y presentes. Esas sociedades corales se llamaban Coros de Clave, probablemente por el instrumento que solía acompañar sus actuaciones, las Claves Cubanas . [140]
El acompañamiento de los coros también incluía una guitarra y la percusión se ejecutaba sobre la caja de resonancia de un banjo americano al que se le habían quitado las cuerdas, debido a que la ejecución de tambores africanos estaba estrictamente prohibida en las ciudades cubanas. [141] El estilo de la música de los coros de clave, y particularmente su ritmo, originó en una época posterior un género de canción popular llamado clave, que muy probablemente sirvió como prototipo original para la creación del género criolla. Ambos géneros, la clave y la criolla, se hicieron muy populares dentro del repertorio del teatro vernáculo cubano.
De manera similar a como los primeros cantos-bailes españoles se extendieron de las ciudades al campo, también las características de la guaracha cubana , que gozaban de gran popularidad en La Habana, comenzaron a extenderse a las zonas rurales en un tiempo indeterminado durante el siglo XIX. Este proceso no fue nada difícil si se considera lo cerca que estaban entre sí las zonas urbanas y rurales en Cuba en ese momento. Fue por eso que los campesinos cubanos (los guajiros) comenzaron a incluir en sus fiestas llamadas "guateques" o "changüís", y en festividades como las "fiestas patronales" y las "parrandas", unas rumbitas muy similares a las guarachas urbanas, cuyo compás binario contrastaba con el ritmo ternario de sus tradicionales "tonadas" y "zapateos". [142]
Esas pequeñas rumbas rurales han sido llamadas por el reconocido musicólogo Danilo Orozco "proto-sones", "soncitos primigenios", "rumbitas", "nengones" o "marchitas", y algunas de ellas, como: Caringa, Papalote, Doña Joaquina, Anda Pepe y el Tingotalango se conservan hasta la actualidad. [143]
Las Rumbitas fueron consideradas como Proto-Sones (Sones primigenios), por la evidente analogía que muestran sus componentes estructurales con el Son, surgido en La Habana durante las primeras décadas del siglo XX. Las Rumbitas pueden considerarse como el prototipo original de este género popular. [144]
Según la musicóloga Virtudes Feliú, aquellas Rumbitas aparecieron en ciudades y pueblos de todo el territorio de la Isla, como: Ciego de Ávila, Sancti Espíritus, Cienfuegos, Camagüey, Puerta de Golpe en Pinar del Río y Bejucal en La Habana, además de Remedios en Villa Clara e Isla de Pinos. [145]
Existen numerosas referencias a las Guerras de Independencia de Cuba (1868-1898), relacionadas con las Rumbitas rurales, tanto en la región Oriental del país como en la Occidental e Isla de Pinos, que sugieren que su surgimiento tuvo lugar aproximadamente durante la segunda mitad del siglo XIX. [146]
Las rumbitas rurales incluyeron un mayor número de características africanas en comparación con la guaracha cubana, debido a la integración paulatina de los ciudadanos afrocubanos libres al medio rural. [147]
Desde el siglo XVI, gracias a un programa gubernamental llamado “manumisión”, los esclavos negros pudieron pagar su libertad con sus propios ahorros. Por lo tanto, un mayor número de negros libres se dedicaron a las labores manuales en los campos que en las ciudades y algunos de ellos también pudieron convertirse en propietarios de tierras y esclavos. [148]
Una de las características más salientes de las Rumbitas rurales era su forma propia, muy similar a la estructura de la canción típica africana. En este caso, toda la pieza se basaba en un solo fragmento musical o frase de corta duración que se repetía, con algunas variaciones, una y otra vez; a menudo alternando con un coro. Este estilo se denominó "Montuno" (literalmente "del campo") debido a su origen rural. [149]
Otra característica del nuevo género fue la superposición de diferentes patrones rítmicos ejecutados simultáneamente, de manera similar a la forma en que se utiliza en la Rumba Urbana, que también es un rasgo común de la tradición musical africana. [150] Esas capas o "franjas de sonoridades" según Argeliers León, fueron asignadas a diferentes instrumentos que paulatinamente se incorporaron al grupo. Así, el ensamble creció desde el tradicional tiple y güiro, hasta uno que incluía: guitarra, bandurria, laúd cubano, claves, y otros instrumentos como la tumbandera , la marímbula , la botija , los bongós , el machete común y el acordeón. [151]
A las capas de sonoridad se les asignaron algunas funciones musicales importantes, como: la “Línea de Tiempo” o Ritmo de Clave ejecutado por las claves, el ritmo de “1 corchea + 2 semicorcheas” ejecutado por el güiro o el machete, los patrones del “guajeo” ejecutado por el Tres (instrumento) , la improvisación en los bongós y el bajo anticipado en la “tumbandera” o la “botija”. [152]
El origen del son cubano se remonta a las rumbas campesinas, llamadas proto-sones (sones primigenios) por el musicólogo Danilo Orozco. En ellas se muestran, de forma parcial o embrionaria, todas las características que en un momento posterior iban a identificar el estilo del son: la repetición de una frase llamada montuno , el patrón de clave, un contrapunto rítmico entre diferentes capas de la textura musical, el guajeo del tres, los ritmos de la guitarra, los bongós y el contrabajo y el estilo de llamada y respuesta entre solista y coro. [153] Según Radamés Giro: en una época posterior el estribillo o montuno se ligaba a una cuarteta (copla) llamada regina , que era como los campesinos del Oriente del país llamaban a la cuarteta. De esta manera, la estructura estribillo-cuarteto-estribillo aparece en una etapa muy temprana del Son Oriental, como en uno de los Sones más antiguos llamado "Son de Máquina" que consta de tres reginas con sus correspondientes estribillos. [154]
Durante un proyecto de investigación sobre la familia Valera-Miranda (antiguos soneros) que realizó Danilo Orozco en la región de Guantánamo, se registró una muestra del Nengón, considerado un antecesor del Changüí, que muestra la estructura estribillo-cuarteto-estribillo antes mencionada . En este caso, las múltiples repeticiones del estribillo constituyen un verdadero montuno.
Estribillo: Yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti Nengón... (Nací para ti Nengón...) [155]
El Nengón es considerado un Proto-Son, precursor del Changüí y también del Son Oriental. Su característica principal es la alternancia de versos improvisados entre un solista y un coro. El Nengón se toca con Tres, Guitarra, Güiro y Tingotalango o Tumbandera. [156]
El changüí es un tipo de son propio de las provincias orientales (zona de Santiago de Cuba y Guantánamo ), antiguamente conocidas como Oriente . Comparte características relevantes con el son oriental en cuanto a ritmos, instrumentos y estribillos corales; y al mismo tiempo muestra ciertos elementos originales. [157]
El changüí existe hoy en forma de docenas de pequeños grupos, en su mayoría de la provincia de Guantánamo. [158] La instrumentación es similar a la de los primeros grupos de son que se establecieron en La Habana antes de 1920. Estos grupos de son, por ejemplo, los primeros Sexteto Boloña y Sexteto Habanero , usaban marimbulas o botijas como instrumentos bajos antes de cambiar al contrabajo , musicalmente un instrumento más flexible.
El changui es una música y cultura genuinamente distintiva practicada por los residentes de la provincia de Guantánamo con su propia forma distintiva de baile social (baile en pareja). Los guantanameros participan en el changui en fiestas caseras (llamadas peñas), fiestas callejeras, conciertos en lugares como la Casa de Changui, un baile semanal los lunes por la noche transmitido en vivo por Radio Guantánamo, un festival anual de Changui para celebrar el aniversario de Chito Latanble y el Festival de Changui bianual. A menudo hay una función de Changui la mayoría de las noches de la semana en la provincia.
Algunas orquestas modernas, como la Orquesta Revé , han reivindicado el Changüí como su principal influencia, aunque no está claro si esto es cierto o no.
También podemos encontrar en la Isla de Pinos, en el lado opuesto al oeste de la Isla, un Proto-Son primigenio llamado Sucu-Sucu, que también muestra la misma estructura de los Proto-Sones Orientales. Según María Teresa Linares, En el Sucu-Sucu la música es similar a un Son Montuno en su estructura formal, melódica, instrumental y armónica. Un solista se alterna con un coro e improvisa sobre una cuarteta o una décima. La sección instrumental es introducida por el Tres, al que se suman gradualmente los otros instrumentos. La introducción de ocho compases es seguida por el estribillo del coro que se alterna con el solista varias veces. [159]
Una leyenda urbana afirma que el nombre "Sucu Sucu" proviene de la abuela de uno de los músicos locales de la Isla de la Juventud. La banda tocaba en el patio y los bailarines bailaban mientras arrastraban los pies sobre el suelo arenoso. La abuela salió de la casa para decir "Por favor, dejen de hacer ruido con todo ese sucu sucu", refiriéndose al sonido de los pies arrastrando los pies sobre un suelo arenoso. La leyenda afirma que el nombre se quedó y la música que bailaban los bailarines comenzó a llamarse "Sucu Sucu".
En el siglo XIX, Santiago de Cuba se convirtió en el punto focal de un grupo de músicos itinerantes, trovadores, que se desplazaban para ganarse la vida cantando y tocando la guitarra. [160] Fueron de gran importancia como compositores, y sus canciones han sido transcritas para todos los géneros de la música cubana.
Pepe Sánchez , nacido José Sánchez (1856-1918), es conocido como el padre del estilo de la trova y el creador del bolero cubano. [161] No tuvo una formación formal en música. Con un talento natural notable, componía números en su cabeza y nunca los escribía. Como resultado, la mayoría de estos números ahora se han perdido para siempre, aunque unas dos docenas sobreviven porque amigos y discípulos los transcribieron. Su primer bolero, Tristezas , todavía se recuerda hoy. También creó jingles publicitarios antes de que naciera la radio. [162] Fue el modelo y maestro de los grandes trovadores que lo siguieron. [163]
El primero, y uno de los más longevos, fue Sindo Garay (1867-1968). Fue un compositor sobresaliente de canciones de trova, y sus mejores canciones han sido cantadas y grabadas muchas veces. Garay también era analfabeto musical –de hecho, sólo aprendió el alfabeto por su cuenta a los 16 años–, pero en su caso no sólo hubo partituras grabadas por otros, sino que hay grabaciones. Garay se instaló en La Habana en 1906, y en 1926 se unió a Rita Montaner y otros para visitar París, donde pasó tres meses. Transmitió por radio, hizo grabaciones y sobrevivió hasta los tiempos modernos. Solía decir: "¡No muchos hombres han estrechado la mano a José Martí y a Fidel Castro !" [13] p298 [164]
José 'Chicho' Ibáñez (1875–1981) [165] fue aún más longevo que Garay. Ibáñez fue el primer trovador que se especializó en el son ; también cantó guaguancós y piezas del abakuá .
Otro trovador longevo fue el compositor Rosendo Ruiz (1885-1983), autor de un conocido manual de guitarra. De similar talla fueron Alberto Villalón (1882-1955) y Manuel Corona (1880-1950). Garay, Ruiz, Villalón y Corona son conocidos como los cuatro grandes de la trova , aunque los siguientes trovadores también gozan de gran prestigio.
Patricio Ballagas (1879-1920); María Teresa Vera (1895–1965), Lorenzo Hierrezuelo (1907–1993), Ñico Saquito (Antonio Fernández: 1901–1982), Carlos Puebla (1917–1989) y Compay Segundo (Máximo Francisco Repilado Muñoz: 1907–2003) fueron todos grandes trovadores. El Guayabero ( Faustino Oramas : 1911-2007) fue el último de la antigua trova.
Los músicos de trova solían trabajar en parejas y tríos, algunos de ellos de manera exclusiva (Compay Segundo). A medida que el género de sexteto/septeto/conjunto fue creciendo, muchos de ellos se unieron a grupos más grandes. Y no olvidemos al Trío Matamoros , que trabajó junto durante la mayor parte de sus vidas. Matamoros fue uno de los grandes. [166]
Se trata de una forma de canto y baile muy diferente de su homónimo español. Se originó en el último cuarto del siglo XIX con el fundador de la trova tradicional , Pepe Sánchez . Escribió el primer bolero, Tristezas , que todavía se canta hoy en día. El bolero siempre ha sido una parte básica del repertorio del músico de trova.
Originalmente, había dos secciones de 16 compases en compás de 2/4 separadas por una sección instrumental de guitarra española llamada pasacalle . El bolero demostró ser excepcionalmente adaptable y dio lugar a muchas variantes. Típica fue la introducción de la sicopación que dio lugar al bolero-moruno, bolero-beguine, bolero-mambo, bolero-cha. El bolero-son se convirtió durante varias décadas en el ritmo más popular para bailar en Cuba, y fue este ritmo el que la comunidad de baile internacional recogió y enseñó como la mal llamada "rumba".
El bolero cubano se exportó a todo el mundo y sigue siendo popular. Los principales compositores del bolero fueron Sindo Garay , Rosendo Ruiz , Carlos Puebla y Agustín Lara (México). [161] [167] [168] [169] [170]
Canción significa 'canción' en español. Es un género popular de música latinoamericana , particularmente en Cuba, de donde se originan muchas de las composiciones. Sus raíces se encuentran en las formas de canciones populares españolas, francesas e italianas. Originalmente muy estilizada, con "melodías intrincadas y letras oscuras, enigmáticas y elaboradas" [171] La canción fue democratizada por el movimiento de la trova en la última parte del siglo XIX, cuando se convirtió en un vehículo para las aspiraciones y sentimientos de la población. La canción se fusionó gradualmente con otras formas de música cubana, como el bolero. [172]
El vals llegó a Cuba en 1814. Fue el primer baile en el que las parejas no estaban unidas por un patrón de secuencia común. Se bailaba, y todavía se baila , en compás de 3/4 con el acento en el primer tiempo. En un principio se pensó que era escandaloso porque las parejas se miraban de frente, se abrazaban en un agarre "cerrado" y, por así decirlo, ignoraban a la comunidad que las rodeaba. El vals se introdujo en todos los países de América; es difícil estimar su relativa popularidad en la Cuba del siglo XIX.
Los bailes indígenas cubanos no utilizaron el baile cerrado con parejas bailando independientemente hasta el danzón, más tarde en el siglo, aunque la guaracha podría ser un ejemplo anterior. El vals tiene otra característica: es un baile "ambulante", con parejas que se mueven por la arena. En los bailes latinos, el movimiento progresivo de los bailarines es inusual, pero ocurre en la conga , la samba y el tango .
El vals tropical se interpretaba en un tempo más lento y frecuentemente incluía una melodía cantada con un texto. Estos textos generalmente hacían referencia a las bellezas del campo cubano, la añoranza de los siboneyes y otros temas criollos. Con acentos en sus tres tiempos, su melodía era fluida y compuesta por notas de igual valor. Era similar a muchas otras canciones en las que la melodía era tratada de manera silábica, donde el primer tiempo no era acentuado por una breve anacrusa sino que tenía una tendencia a moverse hacia el segundo tiempo como en la canción campesina (guajira). [173]
El son cubano es un estilo de música y baile que se originó en Cuba y ganó popularidad mundial durante la década de 1930. El son combina la estructura y los rasgos de la canción española con elementos estilísticos y de instrumentos de percusión afrocubanos . El son cubano es una de las formas más influyentes y extendidas de la música latinoamericana: sus derivados y fusiones, especialmente la salsa , se han extendido por todo el mundo. [174]
El son, decía Cristóbal Díaz, es el género musical cubano más importante y menos estudiado. [175] Se puede decir con justicia que el son es a Cuba lo que el tango a Argentina o la samba a Brasil . Además, es quizás la más flexible de todas las formas de música latinoamericana. Su gran fortaleza es su fusión entre las tradiciones musicales europeas y africanas. Sus instrumentos más característicos son el tres cubano y el conocido bongó de dos parches ; estos están presentes desde sus inicios hasta nuestros días. También son típicas las claves , la guitarra española , el contrabajo (que sustituyó a la primitiva botija o marímbula ), en sus inicios la corneta o trompeta y, finalmente, el piano.
A pesar de la tendencia tradicional a atribuir el origen del son cubano a la región oriental de Cuba (Oriente), más recientemente algunos musicólogos han mostrado una postura más inclusiva. Aunque Alejo Carpentier, Emilio Grenet y Cristóbal Díaz Ayala apoyan la teoría del “origen oriental”, Argeliers León no menciona nada al respecto en su obra fundamental “Del Canto y el Tiempo”, así como María Teresa Linares en “La música entre Cuba y España”. [176] Ramadamés Giro afirma sobre este tema: “Si el son fue un fenómeno artístico que se desarrolló desde la segunda mitad del siglo XIX –y no sólo en la antigua provincia de Oriente-, es lógico suponer, pero no afirmar, que mucho antes de 1909 se escuchara en la Ciudad Capital (La Habana) por las razones antes mencionadas”. [177]
Fue en La Habana donde se produjo el encuentro de la rumba rural y la rumba urbana, que se venían desarrollando por separado durante la segunda mitad del siglo XIX. Los guaracheros y rumberos que solían tocar con el tiple y el güiro finalmente se encontraron con otros rumberos que cantaban y bailaban acompañados del cajón y la clave cubana, y el resultado fue la fusión de ambos estilos en un nuevo género llamado son. [178] Alrededor de 1910, el son probablemente adoptó el ritmo de la clave de la rumba habanera , que se había desarrollado a fines del siglo XIX en La Habana y Matanzas . [179]
La popularización masiva de la música son condujo a una mayor valorización de la cultura callejera afrocubana y de los artistas que la crearon. También abrió la puerta a que otros géneros musicales con raíces afrocubanas se volvieran populares en Cuba y en todo el mundo. [180]
La historia del jazz en Cuba estuvo oculta durante muchos años, pero ha quedado claro que su historia en Cuba es prácticamente tan larga como su historia en los Estados Unidos. [181] [182] [183] [184] [185] [186]
Ahora se sabe mucho más sobre las primeras bandas de jazz cubanas , pero una evaluación completa está plagada de la falta de grabaciones. Las migraciones y las visitas hacia y desde los EE. UU. y el intercambio mutuo de grabaciones y partituras mantuvieron en contacto a los músicos de los dos países. En la primera parte del siglo XX, hubo estrechas relaciones entre los músicos de Cuba y los de Nueva Orleans . El director de orquesta del famoso Club Tropicana , Armando Romeu Jr, fue una figura destacada en el desarrollo del jazz cubano posterior a la Segunda Guerra Mundial. El fenómeno del cubop y las jam sessions en La Habana y Nueva York organizadas por Cachao crearon fusiones genuinas que influyen en los músicos de hoy.
Un historiador clave del jazz cubano temprano es Leonardo Acosta. [181] [182] Otros han explorado la historia del jazz y del jazz latino más desde la perspectiva estadounidense. [183] [184] [185] [186]
La Jazz Band Sagua fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y piano). Integrantes: Hipólito Herrera (trompeta); Norberto Fabelo (corneta); Ernesto Ribalta (flauta y saxo); Humberto Domínguez (violín); Luciano Galindo (trombón); Antonio Temprano (tuba); Tomás Medina (batería); Marino Rojo (güiro). Durante catorce años se presentaron en el Teatro Principal de Sagua . Stacholy estudió con Antonio Fabré en Sagua y completó sus estudios en Nueva York, donde permaneció tres años. [187]
La Cuban Jazz Band fue fundada en 1922 por Jaime Prats en La Habana. El personal incluía a su hijo Rodrigo Prats en el violín, el gran flautista Alberto Socarrás en la flauta y el saxofón y Pucho Jiménez en el trombón de varas. La formación probablemente habría incluido contrabajo, batería, banjo y corneta al menos. Trabajos anteriores citaban a esta como la primera banda de jazz en Cuba, [188] pero evidentemente hubo grupos anteriores.
En 1924 Moisés Simons (piano) fundó un grupo que tocaba en el jardín de la azotea del Hotel Plaza de La Habana, y que estaba formado por piano, violín, dos saxofones, banjo, contrabajo, batería y timbales. Entre sus miembros se encontraban Virgilio Diago (violín); Alberto Soccarás (saz alto, flauta); José Ramón Betancourt (saxo tenor); Pablo O'Farrill (contrabajo). En 1928, todavía en el mismo lugar, Simons contrató a Julio Cueva , un famoso trompetista, y a Enrique Santiesteban, una futura estrella de los medios, como vocalista y baterista. Se trataba de instrumentistas de primer nivel, atraídos por honorarios de 8 dólares al día. [181] p28
Durante la década de 1930, varias agrupaciones tocaron jazz en La Habana, como las de Armando Romeu, Isidro Pérez, Chico O'Farrill y Germán Lebatard. Su aporte más importante fue el propio formato instrumental, que introdujo la sonoridad típica del jazz al público cubano. Otro elemento importante dentro de este proceso fueron los arreglos de músicos cubanos como Romeu, O'Farrill, Bebo Valdés, Peruchín Jústiz y Leopoldo "Pucho" Escalante. [189]
El jazz afrocubano es la forma más temprana del jazz latino y mezcla ritmos afrocubanos basados en la clave con armonías de jazz y técnicas de improvisación. El jazz afrocubano surgió por primera vez a principios de la década de 1940, con los músicos cubanos Mario Bauza y Frank Grillo "Machito" en la banda Machito and his Afro-Cubans, con sede en la ciudad de Nueva York. En 1947, las colaboraciones del innovador del bebop Dizzy Gillespie con el percusionista cubano Chano Pozo introdujeron ritmos e instrumentos afrocubanos, sobre todo la tumbadora y el bongó, en la escena del jazz de la Costa Este. Las primeras combinaciones de jazz con música cubana, como "Manteca" de Dizzy y Pozo y "Mangó Mangüé" de Charlie Parker y Machito, se denominaron comúnmente "Cubop", abreviatura de bebop cubano. [190] Durante sus primeras décadas, el movimiento de jazz afrocubano fue más fuerte en los Estados Unidos que en la propia Cuba. [191] A principios de la década de 1970, la Orquesta Cubana de Música Moderna y más tarde Irakere introdujeron el jazz afrocubano en la escena musical cubana, influyendo en nuevos estilos como el songo.
En 1930, Don Azpiazú [192] tuvo el primer disco de música cubana que vendió un millón de copias : El manisero, con Antonio Machín como cantante. [193] Este número había sido orquestado e incluido en el teatro de Nueva York por Azpiazú antes de la grabación, lo que sin duda ayudó con la publicidad. Los Lecuona Cuban Boys [194] se convirtieron en el conjunto cubano de gira más conocido: fueron los primeros en utilizar la conga en su conjunto y popularizaron la conga como baile. Xavier Cugat en el Waldorf Astoria fue muy influyente. [195] En 1941, Desi Arnaz popularizó la comparsa (similar a la conga) en los EE. UU. con sus interpretaciones de Babalú . Hubo una verdadera "locura por la rumba" en ese momento. [196] Más tarde, Mario Bauza y Machito se establecieron en Nueva York y Miguelito Valdés también llegó allí.
En la década de 1940, Chano Pozo [197] formó parte de la revolución del bebop en el jazz , tocando conga con Dizzy Gillespie y Machito en la ciudad de Nueva York. El jazz cubano había comenzado mucho antes, en La Habana, en el período 1910-1930.
Arsenio Rodríguez , uno de los treseros y líderes de conjuntos más famosos de Cuba, enfatizó las raíces africanas del son al adaptar el estilo del guaguancó y agregar un cencerro y una conga a la sección rítmica. También amplió el papel del tres como instrumento solista. [198]
A finales de la década de 1930 y durante la de 1940, la danzonera Arcaño y sus Maravillas incorporó más síncopa y agregó un montuno (como en son), transformando la música interpretada por las orquestas de charanga . [199]
La era de las big bands llegó a Cuba en la década de 1940 y se convirtió en un formato dominante que sobrevive. Dos grandes arreglistas y directores de orquesta merecen un crédito especial por ello, Armando Romeu Jr. y Dámaso Pérez Prado . Armando Romeu Jr. dirigió la orquesta del Cabaret Tropicana durante 25 años, a partir de 1941. Tenía experiencia tocando con grupos de jazz estadounidenses visitantes, así como un dominio completo de las formas de música cubanas. En sus manos, la Tropicana presentó no solo música afrocubana y otra música popular cubana, sino también jazz cubano y composiciones de big band estadounidenses. Más tarde dirigió la Orquesta Cubana de Música Moderna . [181] [200] [201]
Dámaso Pérez Prado tuvo varios éxitos y vendió más discos de 78 rpm que cualquier otro músico latino de la época. Asumió el papel de pianista/arreglista de la Orquesta Casino de la Playa en 1944 e inmediatamente comenzó a introducir nuevos elementos en su sonido. La orquesta comenzó a sonar más afrocubana y, al mismo tiempo, Prado tomó influencias de Stravinsky , Stan Kenton y otros. Cuando dejó la orquesta en 1946, había reunido los elementos de su mambo de big band: [202] "Sobre todo, debemos destacar el trabajo de Pérez Prado como arreglista, o mejor aún, compositor y arreglista, y su clara influencia en la mayoría de los demás arreglistas cubanos a partir de entonces". [181] p86
Benny Moré , considerado por muchos como el más grande cantante cubano de todos los tiempos, vivió su apogeo en la década de 1950. Tenía una musicalidad innata y una voz de tenor fluida, que coloreaba y fraseaba con gran expresividad. Aunque no sabía leer música, Moré era un maestro de todos los géneros, incluidos el son montuno, el mambo, la guaracha, la guajira, el cha cha chá, el afro, la canción, el guaguancó y el bolero. Su orquesta, la Banda Gigante, y su música, fueron una evolución, más flexible y fluida en su estilo, de la orquesta de Pérez Prado , con la que cantó en 1949-1950.
Tres grandes innovaciones basadas en la música cubana llegaron a los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial: la primera fue Cubop , la última fusión de jazz latino . En ella, Mario Bauza y la orquesta de Machito en el lado cubano y Dizzy Gillespie en el lado estadounidense fueron los principales impulsores. El ruidoso conguero Chano Pozo también fue importante, ya que introdujo a los músicos de jazz a los ritmos cubanos básicos. El jazz cubano ha seguido siendo una influencia significativa.
El mambo llegó por primera vez a los Estados Unidos alrededor de 1950, aunque las ideas se habían estado desarrollando en Cuba y Ciudad de México durante algún tiempo. El mambo como se entendía en los Estados Unidos y Europa era considerablemente diferente del danzón-mambo de Orestes "Cachao" López , que era un danzón con síncopa adicional en su parte final. El mambo, que se hizo famoso internacionalmente, fue un producto de big band, obra de Pérez Prado , quien hizo algunas grabaciones sensacionales para RCA en sus nuevos estudios de grabación en la Ciudad de México a fines de la década de 1940. Alrededor de 27 de esas grabaciones tenían a Benny Moré como cantante, aunque los más vendidos fueron principalmente instrumentales. Los grandes éxitos incluyeron "Qué rico el mambo" (Mambo Jambo); " Mambo No. 5 "; "Mambo #8"; " Cherry Pink (and Apple Blossom White) ". El éxito posterior (1955) "Patricia" fue una fusión de mambo y rock. [203] El mambo del estilo Prado descendía más del son y la guaracha que del danzón. En los Estados Unidos, la moda del mambo duró desde aproximadamente 1950 hasta 1956, pero su influencia en el bugalú y la salsa que le siguieron fue considerable.
El violinista Enrique Jorrín inventó el chachachá a principios de los años 1950. Este estilo se desarrolló a partir del danzón mediante el aumento de la síncopa . El chachachá se hizo más popular fuera de Cuba cuando las grandes bandas de Pérez Prado y Tito Puente produjeron arreglos que atrajeron al público estadounidense y europeo. [204]
Junto con los "nuyoricans" Ray Barretto y Tito Puente y otros, varias oleadas de inmigrantes cubanos introdujeron sus ideas en la música estadounidense. Entre ellos se encontraba Celia Cruz , una cantante de guaracha . Otros eran activos en el jazz latino, como el percusionista Patato Valdés de la "Tipíca '73", de orientación cubana, vinculada a la Fania All-Stars . Varios ex miembros de Irakere también han tenido mucho éxito en los EE. UU., entre ellos Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval . Tata Güines , un famoso conguero, se mudó a la ciudad de Nueva York en 1957, tocando con jazzistas como Dizzy Gillespie , Maynard Ferguson y Miles Davis en Birdland . Como percusionista, actuó con Josephine Baker y Frank Sinatra . Regresó a Cuba en 1959 después de que Fidel Castro llegara al poder en la Revolución cubana , que ayudó a financiar con contribuciones de sus ganancias como músico. [205]
El mambo es un género musical y estilo de baile que se desarrolló originalmente en Cuba. La palabra "mambo", al igual que otras denominaciones musicales afroamericanas como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bamboula, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, denotan un origen africano, particularmente del Congo, debido a la presencia de ciertas combinaciones características de sonidos, como mb, ng y nd, que pertenecen al complejo lingüístico Níger-Congo.
Las primeras raíces del mambo cubano se remontan al "Danzón de Nuevo Ritmo" popularizado por la orquesta "Arcaño y sus Maravillas" dirigida por el famoso director de orquesta Antonio Arcaño . Él fue el primero en denominar una sección del popular danzón cubano como "Mambo". Fue el violonchelista de Arcaño, Orestes López , quien creó el primer danzón llamado "Mambo" (1938). [206] En esta pieza, algunos motivos sincopados, tomados del estilo del son , se combinaron con pasajes improvisados de flauta. [207]
El pianista y arreglista matancero, Dámaso Pérez Prado (1927) estableció su residencia en La Habana a principios de la década de 1940 y comenzó a trabajar en centros nocturnos y orquestas, como la de Paulina Álvarez y el Casino de La Playa. En 1949 viajó a México en busca de oportunidades laborales y alcanzó un gran éxito con un nuevo estilo, al que le asigna un nombre que ya había sido utilizado por Antonio Arcaño, el "Mambo". [208]
El estilo de Pérez Prado difería del concepto anterior de "Mambo". El nuevo estilo poseía una mayor influencia de la música de bandas de jazz norteamericanas y una instrumentación expandida que consistía en cuatro o cinco trompetas, cuatro o cinco saxofones, contrabajo, batería, maracas, cencerro, congas y bongós. El nuevo "Mambo" incluía un contrapunto pegadizo entre las trompetas y los saxofones, que impulsaba al cuerpo a moverse junto con el ritmo, estimulado al final de cada frase musical por una expresión sonora característica de garganta profunda. [209]
Las grabaciones de Prado estaban destinadas a los mercados latinoamericanos y estadounidenses, pero algunos de sus mambos más famosos, como "Mambo No. 5" y "Qué rico el mambo", llegaron rápidamente a los Estados Unidos. [210]
El chachachá es un género musical cubano. Es una música bailable popular que surgió a partir del danzón y el mambo a principios de los años 50 y que se hizo muy popular en todo el mundo.
El chachachá es un género musical cubano cuya creación se ha atribuido tradicionalmente al compositor y violinista cubano Enrique Jorrín , que comenzó su carrera tocando en la charanga Orquesta América . [212]
Según el testimonio de Enrique Jorrín , compuso algunos “ Danzones ” en los que el músico de la orquesta debía cantar estribillos cortos, y este estilo tuvo mucho éxito. En el Danzón “Constancia” introdujo algunos montunos y el público se motivó a unirse a cantar los estribillos. Jorrín también pidió a los miembros de la orquesta que cantaran al unísono para que la letra se escuchara con más claridad y lograra un mayor impacto en el público. Esa forma de cantar también ayudó a enmascarar las pobres habilidades de canto de los miembros de la orquesta.
Desde sus inicios, la música Chachachá ha tenido una estrecha relación con los pasos del bailarín. El conocido nombre Chachachá surgió con la ayuda de los bailarines del Club Silver Star de La Habana. Cuando el baile se acopló al ritmo de la música, se hizo evidente que los pies del bailarín producían un sonido peculiar al rozar el suelo en tres tiempos sucesivos. Era como una onomatopeya que sonaba como: Chachachá. De este sonido peculiar, nació un género musical que motivó a personas de todo el mundo a bailar al ritmo de su pegadizo ritmo. [213]
Según Olavo ALén: "Durante la década de 1950, el Chachachá mantuvo su popularidad gracias al esfuerzo de muchos compositores cubanos que conocían la técnica de componer danzones y que desataron su creatividad sobre el Chachachá", como Rosendo Ruiz, Jr. (" Los Marcianos" y "Rico Vacilón"), Félix Reina ("Dime Chinita", "Como Bailan Cha-cha-chá los Mexicanos"), Richard Egűes ("El Bodeguero" y "La Cantina") y Rafael Lay ("Cero Codazos, Cero Cabezazos"). [214]
El Chachachá se presentó por primera vez al público a través del medio instrumental de la charanga , un formato típico de banda bailable cubana compuesta por flauta, cuerdas, piano, bajo y percusión. La popularidad del Chachachá también revivió la popularidad de este tipo de orquesta. [215]
El filin fue una moda cubana de los años 1940 y 1950, influenciada por la música popular en los EE. UU. La palabra se deriva de feeling . Describe un estilo de canción romántica (crooning) con influencia del jazz post-micrófono. [216] Sus raíces cubanas estaban en el bolero y la canción. Algunos cuartetos cubanos, como Cuarteto d'Aida y Los Zafiros , se modelaron a partir de grupos estadounidenses de armonía cercana. Otros eran cantantes que habían escuchado a Ella Fitzgerald , Sarah Vaughan y Nat King Cole . Una casa en La Habana, donde vivía el trovador Tirso Díaz, se convirtió en un lugar de reunión para cantantes y músicos interesados en el filin como: Luis Yañez, César Portillo de la Luz , José Antonio Méndez, Niño Rivera , José Antonio Ñico Rojas , Elena Burke , Froilán , Aida Diestro y Frank Emilio Flynn . Aquí los letristas y cantantes podían conocer a arreglistas, como Bebo Valdés , El Niño Rivera (Andrés Hechavarria), Peruchín (Pedro Justiz), y obtener ayuda para desarrollar su trabajo. Entre los cantantes de filin se encontraban César Portillo de la Luz , José Antonio Méndez, quien pasó una década en México de 1949 a 1959, Frank Domínguez , el pianista ciego Frank Emilio Flynn , y las grandes cantantes de boleros Elena Burke y la aún intérprete Omara Portuondo , quienes provenían ambas del Cuarteto d'Aida. El movimiento filin originalmente tenía un lugar todas las tardes en Radio Mil Diez . Algunos de sus cantantes más destacados, como Pablo Milanés , retomaron la bandera de la Nueva Trova en una época posterior.
La música cubana moderna es conocida por su mezcla incesante de géneros . Por ejemplo, en la década de 1970, Los Irakere usaron batá en un entorno de big band ; esto se conoció como son-batá o batá-rock. Artistas posteriores crearon el mozambique , que mezclaba conga y mambo , y el batá-rumba , que mezclaba rumba y música de tambores batá. Las mezclas que incluyen elementos de hip hop , jazz y rock and roll también son comunes, como en el rockoson de Habana Abierta .
El triunfo de la Revolución Cubana en 1959 marcó la emigración de muchos músicos a Puerto Rico , Florida y Nueva York , y en Cuba los artistas y sus obras quedaron bajo la protección (y control) del estado socialista y de la compañía discográfica estatal monopólica EGREM . El gobierno de Castro abolió las leyes de derechos de autor en Cuba, cerró muchos de los lugares donde solía tocarse música popular (por ejemplo, clubes nocturnos) y, de esa manera, indirectamente dejó sin trabajo a muchos músicos. [181] p202 Esto, sin duda, tuvo efectos nocivos en la evolución de la música y la danza populares. [217]
Muchos músicos jóvenes ahora estudiaban música clásica y no música popular. Todos los músicos empleados por el estado recibían cursos académicos de música. En Cuba, el movimiento de la Nueva Trova (incluido Pablo Milanés ) reflejaba los nuevos ideales izquierdistas. El estado se hizo cargo del lucrativo Club Tropicana , que continuó siendo una atracción popular para los turistas extranjeros hasta 1968, cuando se cerró junto con muchos otros lugares de música (y luego se reabrió con el renacimiento del turismo). [181] p202 El turismo fue casi inexistente durante tres décadas. La música tradicional cubana se podía encontrar en las Casas de la Trova locales. Los músicos, si trabajaban, lo hacían a tiempo completo y eran pagados por el estado después de graduarse de un conservatorio. El colapso de la URSS en 1991 y la pérdida de su apoyo a Cuba cambiaron bastante la situación. El turismo volvió a ser respetable, y también lo hizo la música popular para su entretenimiento. A los músicos incluso se les permitió hacer giras en el extranjero y ganarse la vida fuera del sistema estatal.
Entre los artistas famosos del exilio cubano se encuentran Celia Cruz y todo el conjunto con el que cantaba, la Sonora Matancera . 'Patato' ( Carlos Valdés ), Cachao , La Lupe , Arturo Sandoval , Willy Chirino , Hansel y Raúl, La Palabra , Paquito D'Rivera , Bebo Valdés y Gloria Estefan son algunos otros. Muchos de estos músicos, especialmente Cruz, se asociaron estrechamente con el movimiento antirrevolucionario y, como ' no personas ' [218], se han omitido de los libros de referencia cubanos estándar, y sus grabaciones musicales posteriores nunca están a la venta en Cuba. [219]
La salsa fue la cuarta innovación basada en la música cubana que llegó a los Estados Unidos, y se diferenció en que inicialmente se desarrolló en los Estados Unidos, no en Cuba. Como Cuba tiene tantos tipos de música autóctona, siempre ha habido un problema en la comercialización del "producto" en el extranjero a personas que no entendían las diferencias entre ritmos que, para un cubano, son bastante distintos. Por eso, en dos ocasiones durante el siglo XX, se desarrolló una especie de etiqueta de producto para resolver este problema. La primera ocasión fue en la década de 1930, después de que " El vendedor de maní " se convirtiera en un éxito internacional. Se le llamó "rumba" aunque en realidad no tenía nada que ver con la rumba genuina: el número era obviamente un son pregón. La etiqueta "rumba" se utilizó fuera de Cuba durante años como un término genérico para la música popular cubana. [220]
La segunda ocasión ocurrió durante el período 1965-1975 en la ciudad de Nueva York , cuando músicos de origen cubano y puertorriqueño se combinaron para producir la gran música del período posterior al chachachá. Esta música adquirió la etiqueta de 'salsa'. Nadie sabe realmente cómo sucedió esto, pero todos reconocieron lo beneficioso que fue tener una etiqueta común para el son, el mambo , la guaracha, la guajira, el guaguancó, etc. Cubanos y no cubanos, como Tito Puente , Rubén Blades y muchos expertos de la música cubana y la salsa siempre han dicho "Salsa es solo otro nombre para la música cubana. Tito Puentes dijo una vez, ahora lo llaman salsa, más tarde lo llamarán Stir Fry, pero para mí siempre será música cubana"; pero con el tiempo las bandas de salsa trabajaron con otras influencias. Por ejemplo, a fines de la década de 1960, Willie Colón desarrolló números que utilizaban ritmos brasileños. Los programas de radio de Nueva York ofrecieron 'salsarengue' como una combinación adicional. Si observas a una banda de la década de 1940 tocando música cubana, verás exactamente los mismos instrumentos en la música salsa. Más tarde, "salsa romántica" fue la etiqueta para un tipo de bolero especialmente dulce . Incluso cuando Benny Moré , Pérez Prado, el sonero más grande que jamás haya existido, cantaba boleros con cadencia de salsa en la década de 1940. No fue hasta la década de 1950 que la música cubana se hizo popular para las bandas puertorriqueñas. La plena, la bomba y otros estilos de música eran populares en ese momento en Puerto Rico. Muchos músicos puertorriqueños famosos fueron a aprender los estilos musicales de los cubanos en los años 1930 y 1940, y no fue hasta la llegada de Castro en 1959 y la música cubana detuvo su exportación al mundo, que los puertorriqueños en Nueva York pudieron ser notados en gran medida, pero lo que se conoce como Salsa hoy, fue traído a Nueva York en los años 1920 y 1930 por Dizzy Gillespie y Chano Pozo , [221] [222] este último fue descubierto por Dizzy Gillespie ya que fue uno de los más grandes percusionistas que jamás haya existido. [223] [224] [225]
La cuestión de si la salsa es algo más que música cubana ha sido objeto de debate durante más de treinta años. Al principio no se veían grandes diferencias. Más tarde se hizo evidente que no sólo la salsa neoyorquina era diferente de la música popular cubana, sino que también se podía distinguir la salsa de Venezuela, Colombia y otros países. También parece claro que la salsa ha retrocedido de la gran posición que alcanzó a finales de los años setenta. Las razones de esto también son muy discutidas. [226]
Paralela a la nueva canción en América Latina está la nueva trova cubana , que data de alrededor de 1967/68, después de la Revolución cubana . Se diferenciaba de la trova tradicional , no porque los músicos fueran más jóvenes, sino porque el contenido era, en el sentido más amplio, político. La nueva trova se define por su conexión con la revolución de Castro y por sus letras, que intentan escapar de las banalidades de la vida concentrándose en el socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo, el racismo y temas similares. [227] Silvio Rodríguez y Pablo Milanés se convirtieron en los exponentes más importantes de este estilo. Carlos Puebla y Joseíto Fernández fueron viejos cantantes de trova de larga data que agregaron su peso al nuevo régimen, pero de los dos, solo Puebla escribió canciones especiales a favor de la revolución.
La nueva trova tuvo su apogeo en la década de 1970, pero ya estaba en decadencia antes de la caída de la Unión Soviética. Se pueden encontrar ejemplos de estilos apolíticos en el movimiento de la nueva trova, por ejemplo, Liuba María Hevia, cuyas letras se centran en temas más tradicionales como el amor y la soledad, compartiendo con el resto un estilo altamente poético. En el otro lado del espectro, Carlos Varela es famoso en Cuba por su crítica abierta a algunos aspectos de la revolución de Castro.
La nueva trova, que en un principio fue tan popular, sufrió tanto dentro de Cuba, tal vez por un creciente desencanto con el régimen de partido único, como en el exterior, por el vívido contraste con la película y las grabaciones de Buena Vista Social Club . El público de todo el mundo ha descubierto el extraordinario encanto y la calidad musical de las formas más antiguas de la música cubana. En cambio, los temas de actualidad que parecían tan relevantes en los años 1960 y 1970 ahora parecen secos y pasados de moda. Incluso " Guantanamera " ha sido dañada por la repetición excesiva en manos menos hábiles. De todos modos, esas piezas de alta calidad musical y lírica, entre las que se destaca " Hasta siempre, Comandante " de Puebla, probablemente perduren tanto como perdure Cuba. [228]
El son sigue siendo la base de la mayoría de las formas populares de la música cubana moderna. El son está representado por grupos de larga data como el Septeto Nacional , que se restableció en 1985, la Orquesta Aragón , la Orquesta Ritmo Oriental y la Orquesta Original de Manzanillo. Sierra Maestra , es famosa por haber provocado un renacimiento del son tradicional en la década de 1980. La nueva trova todavía tiene influencia, pero los temas abiertamente políticos de la década de 1960 ya pasaron de moda. Mientras tanto, Irakere fusionó la música tradicional cubana con el jazz , y grupos como NG La Banda , Orishas y Son 14 continuaron agregando nuevos elementos al son, especialmente hip hop y funk , para formar la música timba ; este proceso fue ayudado por la adquisición de equipos electrónicos importados. Todavía hay muchos practicantes del son montuno tradicional , como Eliades Ochoa , que ha grabado y realizado giras extensas como resultado del interés en el son montuno después del éxito de Buena Vista Social Club. La cantautora cubana radicada en Europa, Addys Mercedes, fusionó sus raíces de son y filin con elementos de la música urbana, el rock y el pop, alcanzando los primeros puestos de las listas de reproducción en Alemania. [229]
En la década de 1990, el creciente interés por la música del mundo coincidió con el período especial posterior a la Unión Soviética en Cuba, durante el cual la economía comenzó a abrirse al turismo. La Orquesta Aragón , la Charanga Habanera y Cándido Fabré y su Banda han sido músicos de larga data en la escena de la charanga y ayudaron a formar la escena popular de la timba de finales de la década de 1990. El premio más importante de la música cubana moderna es el Premio Beny Moré .
Los cubanos nunca se han conformado con oír que se describa su música como salsa , aunque está claro que se trata de una etiqueta para su música. Desde principios de los años 90, se ha utilizado el término timba para describir la música bailable popular en Cuba, rivalizada sólo últimamente por el reggaetón. Aunque deriva de las mismas raíces que la salsa, la timba tiene sus propias características y está íntimamente ligada a la vida y la cultura de Cuba, y especialmente de La Habana.
A diferencia de la salsa, cuyas raíces son estrictamente del son y las bandas de conjunto cubanas de los años 1940 y 1950, la timba representa una síntesis de muchas fuentes folclóricas ( rumba , guaguancó , tambores batá y las canciones sagradas de la santería . [230] ) y populares (incluso tomando inspiración de géneros musicales no afrocubanos como el rock , el jazz y el funk ). Según Vincenzo Perna, autor de Timba: The Sound of the Cuban Crisis , es necesario hablar de la timba por sus razones musicales, culturales, sociales y políticas; su gran popularidad en Cuba, su novedad y originalidad como estilo musical, la habilidad de sus practicantes, su relación con las tradiciones locales y la cultura de la diáspora negra, sus significados y la forma en que su estilo saca a la luz los puntos de tensión dentro de la sociedad. [231] Además de los timbales , los bateristas de timba hacen uso de la batería, lo que distingue aún más el sonido del de la salsa continental. El uso de teclados sintetizados también es común. Las canciones de timba tienden a sonar más innovadoras, experimentales y con frecuencia más virtuosas que las piezas de salsa; las partes de instrumentos de viento suelen ser rápidas, a veces incluso con influencias del bebop , y se extienden a los rangos extremos de todos los instrumentos. Los patrones de bajo y percusión son igualmente poco convencionales. La improvisación es algo común.
Varios proyectos ganaron atención internacional en la década de 1990 debido a su resurgimiento de estilos musicales tradicionales como el son cubano del septeto y la era del conjunto. Fundada en 1976, Sierra Maestra (banda) fue uno de los primeros grupos revivalistas en Cuba. En 1995, Juan de Marcos González , director y tresero de Sierra Maestra, fue contactado por Nick Gold (director de World Circuit Records ) para grabar un álbum tradicional cubano con músicos africanos. Al final, los músicos africanos no pudieron llegar a La Habana, por lo que el proyecto se convirtió en un asunto 100% cubano con músicos cubanos veteranos como Rubén González , Ibrahim Ferrer , Compay Segundo y Omara Portuondo . Engendró dos bandas, ambas con el guitarrista estadounidense Ry Cooder : Afro-Cuban All Stars y Buena Vista Social Club . Ambas bandas grabaron sus álbumes debut, A Toda Cuba le Gusta y Buena Vista Social Club , respectivamente, en marzo de 1996. El lanzamiento de este último en septiembre de 1997 fue un verdadero hito. El álbum se convirtió en un éxito mundial, vendiendo millones de copias y convirtiendo a músicos consagrados en figuras de renombre mundial.
Buena Vista dio lugar a varias grabaciones posteriores y dio lugar a una película con el mismo nombre , así como a un enorme interés por otros grupos cubanos. En los años siguientes, decenas de cantantes y conjuntos realizaron grabaciones para sellos extranjeros y realizaron giras internacionales.
La conclusión a la que algunos han llegado es que el cierre generalizado de los locales de música popular (después de la revolución), que dejó a muchos músicos sin trabajo, y el control posterior por parte de comités estatales, dañaron el desarrollo de la música popular cubana. [181] [217]
El hip hop se hizo cada vez más popular en Cuba en las décadas de 1980 y 1990 durante el Período Especial de Cuba . [232] Después del colapso de la Unión Soviética, la economía cubana entró en declive. La pobreza se hizo más generalizada y visible en Cuba. En la década de 1990, algunos cubanos comenzaron a protestar por esta situación mediante el rap y el hip-hop. Durante este período de crisis económica, que las poblaciones pobres y negras del país sufrieron especialmente, el hip hop se convirtió en una forma para que la población afrodescendiente del país abrazara su negritud y articulara una demanda de igualdad racial para las personas negras en Cuba. [233] La idea de la negritud y la liberación negra no siempre fue compatible con los objetivos del gobierno cubano, que todavía operaba bajo la idea de que una sociedad sin raza era la realización correcta de la Revolución Cubana. Cuando surgió el hip-hop, el gobierno cubano se opuso a la imagen vulgar que retrataban los raperos, pero luego aceptó que podría ser mejor tener al hip-hop bajo la influencia del Ministerio de Cultura como una expresión auténtica de la cultura cubana. [234] La música rap en Cuba está fuertemente influenciada por las tradiciones musicales preexistentes del país, como la salsa y la rumba. [234]
En cierto modo, el gobierno cubano tolera el hip hop y proporciona a los artistas lugares y equipos para sus actuaciones. [235] La escena cubana del rap y el hip-hop buscó la participación del Ministerio de Cultura en la producción y promoción de su música, algo que de otro modo habría sido imposible de lograr. [ cita requerida ] Después de que el gobierno cubano brindara un apoyo tibio, la Agencia Cubana de Rap proporcionó a la escena del rap cubano, en 2002, un sello discográfico patrocinado por el estado, una revista y el propio festival de hip-hop de Cuba. [234]
El gobierno concede a los grupos de rap y hip-hop tiempo en los medios de comunicación masivos a cambio de que los artistas de hip-hop limiten su autoexpresión y presenten al gobierno de una manera positiva. [236] Los raperos que hablan explícitamente sobre la raza o el racismo en Cuba todavía están bajo el escrutinio del gobierno. [237] El gobierno reconoce que el hip-hop está creciendo en Cuba y sería difícil eliminarlo. [ cita requerida ]
Al igual que el reggae español de Panamá, es un género nuevo para los cubanos, pero en 2012 era tan popular que se consideraba que "el rostro de la música pop cubana" era el cantante cubano de reggae ( cubatón ), Osmani García "La Voz". [238] La llegada del software web ayudó a distribuir música de manera no oficial. Tanto las letras como los movimientos de baile han sido criticados. Los músicos de reggaetón como respondieron haciendo canciones que defendían su música. A pesar de sus esfuerzos, el Ministerio de Cultura ha dictaminado que el reggaetón no debe usarse en instituciones de enseñanza, fiestas y discotecas, [239] y en 2011 restringió su difusión después de la popularidad masiva de "Chupi Chupi" de García, que se refería al sexo oral. Otros artistas populares de cubatón incluyen a Eddy K , El Taiger y Gente de Zona ("People from the 'Hood").
La interacción musical entre Cuba y los Estados Unidos es antigua. Ya en el siglo XVIII, durante el dominio español de Luisiana (1763–1803), las orquestas y bandas habaneras ofrecían conciertos en Nueva Orleans y en el siglo XIX la contradanza cuan era muy popular en los Estados Unidos. A principios del siglo XX se crearon en Cuba las primeras bandas de jazz, al estilo de las agrupaciones estadounidenses. La "Sagua" Jaz Band fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y pianista). El grupo tocó durante 14 años en el Teatro Principal de Sagua. [187]
La fuerte influencia de la música norteamericana en las generaciones más jóvenes cubanas dio paso al surgimiento de solistas y grupos de rock and roll en Cuba durante la década de 1950. Muchos artistas cubanos cantaron versiones de canciones norteamericanas traducidas al español, como también sucedía en México. [240]
El lanzamiento del grupo Los LLopis representó la entrada en una nueva etapa para la música cubana, la de la generación y amplificación del sonido mediante dispositivos electroacústicos; pues en la composición sonora de esta agrupación se puede observar un elemento novedoso de gran importancia, la inclusión de una guitarra eléctrica. [209]
En 1961 surgieron otros artistas como Dany Puga, llamado el Rey del Twist, y bandas como Los Satélites, Los Diablos Melódicos y Los Enfermos del Rock, además de Los Halcones y Los Huracanes de Marianao.
El cuarteto vocal Los Zafiros fue otro grupo de éxito de principios de los años sesenta. Fundado en 1961, estuvo influenciado por el estilo doo-wop de The Platters , The Diamonds y otros grupos estadounidenses, y contó con un repertorio compuesto por baladas, calipsos y bossanovas, además de canciones con ritmos de rock lento y bolero.
En esa época, el popular grupo Los Astros, liderado por el cantante y guitarrista Raúl Gómez, se vio amenazado por las presiones ejercidas por el régimen de Fidel Castro sobre los grupos de rock, a los que consideraba como una forma de "diversionismo ideológico" y se oponía activamente a todas sus manifestaciones. Su estilo, fuertemente influenciado por los grupos de la Invasión Británica , como los Beatles y los Rolling Stones , fue tachado de "desviado" y en consecuencia reprimido sin vacilación alguna. A partir de entonces, el gobierno revolucionario de Cuba comenzó a implementar un control absoluto sobre todos los aspectos de la sociedad cubana, incluidas, por supuesto, todas las expresiones culturales.
Alrededor de 1965, el gobierno revolucionario implementó una estrategia para sustituir los productos extranjeros que preferían los jóvenes, por otros que se ajustaran mejor a sus lineamientos oficiales; y como resultado de esta estrategia, se transmitió en 1966 un nuevo programa radial llamado Nocturno, cuyo tema musical inicial fue "La chica de la valija" del saxofonista italiano Fausto Papetti. El programa presentaba canciones modernas, dando prioridad al repertorio europeo en idioma español de solistas y grupos como: Los Mustang, Los Bravos, Los Brincos, Juan y Junior, Rita Pavone, Massiel, Nino Bravo, Leonardo Fabio, Salvatore Adamo y Raphael, y algunos grupos cubanos como Los Zafiros y Los Dan. [241] La prohibición contra la música rock se levantó en 1966, pero los fanáticos del rock continuaron siendo marginados por el establishment comunista, y vigilados con sospecha como "contrarrevolucionarios". [242]
En realidad, la música rock comenzó a escucharse en La Habana durante los años setenta, en un programa radial de Radio Marianao llamado Buenas Tardes Juventud. En ese programa se presentaban grupos como The Rolling Stones, The Beatles, Dave Clark Five, The Animals, Grand Funk, Rare Earth, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Elvis Presley, Neil Sedaka y Paul Anka. A principios de los años ochenta, esa emisora se unió a Radio Ciudad de La Habana. [243]
En 1979, se celebró un festival de música de tres días llamado Havana Jam en el Teatro Karl Marx , en La Habana, Cuba , donde actuó un grupo de artistas de rock que incluía a Billy Joel y Stephen Stills .
En la década de 1980, Roberto Armada formó una banda de heavy metal llamada Venus en el municipio de Playa. Alcanzaron mucho éxito y crearon un grupo de seguidores entre la juventud cubana. El punk rock se introdujo en Cuba a finales de la década de 1980 y se convirtió en un grupo de seguidores de culto entre una minoría de jóvenes.
Durante los años noventa, el rock and roll en Cuba era todavía un fenómeno underground. En La Habana, la emisora de radio Ciudad de La Habana presentaba varios programas que mostraban las tendencias más recientes de ese tipo de música en todo el mundo. Juan Camacho, un viejo músico y locutor de radio, tenía un programa matutino llamado Disco Ciudad . El Programa de Ramón también era un exitoso programa radial. Algunas bandas de esa época fueron Gens, Zeus y Los Tarsons.
En 2001, el grupo galés Manic Street Preachers fue invitado a actuar en Cuba, [244] y Fidel Castro asistió a su concierto junto con otras autoridades gubernamentales. En 2004, Castro pronunció un discurso en honor al cumpleaños de John Lennon , cuya música, como miembro de The Beatles y como solista, estuvo prohibida en Cuba durante mucho tiempo. Una estatua de bronce de Lennon fue colocada en un conocido parque habanero, y se hizo famosa por ser víctima del vandalismo constante de los transeúntes que con frecuencia le robaban sus gafas de bronce.
Al mismo tiempo que el gobierno mostraba una actitud más indulgente hacia los grupos de rock extranjeros, como parte de una campaña internacional cuyo propósito era lograr una apertura en las transacciones comerciales e inversiones de los EE.UU. y Europa en Cuba, continuaba implementando una represión inflexible contra cualquier forma de disidencia interna. Tal fue el caso del rockero Gorki Águila y su grupo Porno para Ricardo. En agosto de 2008, Águila fue arrestado bajo cargos de peligrosidad , una ley que permite a las autoridades detener a personas que consideren propensas a cometer delitos, incluso cuando aún no los hayan cometido. [245]
Más recientemente, Rick Wakeman , Sepultura y Audioslave actuaron en La Habana, [246] y The Rolling Stones ofrecieron un concierto histórico que se ha convertido en el evento de rock más destacado desde el inicio del período revolucionario en 1959. [247]
Un nuevo fenómeno se produce en 2013 cuando varias bandas cubanas de metal underground comienzan a emigrar a Estados Unidos, creándose una escena paralela con las bandas Agonizer, Escape, Ancestor, Hipnosis, Suffering Tool y Chlover [248]
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